Was ist ein porträt. Stile und Genres der Porträtmalerei

Mikhail Mikhailovich Prishvin wurde von der Welt für seine Prosawerke in Erinnerung bleiben. Seine Werke sind von Liebe zum Vaterland durchdrungen. Der Autor verfasste Kurzgeschichten, Essays und Erzählungen, die vom Künstler O.G. Vereisky. Seine Arbeiten sind Teil des Schullehrplans, was auf ein hohes Maß an Können hinweist.

Biografisches Porträt von Prishvin

Der Prosaschriftsteller wurde im Februar 1873 geboren. Er stammte aus einer wohlhabenden Kaufmannsfamilie. Der Junge wuchs als aktives und lautes Kind auf, wie sein Schulverweis in der vierten Klasse wegen unverschämten Verhaltens belegt. Der Schriftsteller Prishvin, der von Natur aus ein Rebell ist, gab später zu, dass sein Charakter von zwei Haupthandlungen im Leben geprägt wurde:

• Ausschluss vom Gymnasium.
• Flucht aus der High School.

Prishvins Biografie ist nicht schneeweiß. Während seines Studiums an der Polytechnischen Schule Riga interessierte er sich ernsthaft für den Marxismus, weshalb er verhaftet und in ein zweijähriges Exil verbannt wurde. Dieser Trick blieb nicht unbemerkt, und der junge Mann erhielt ein Weiterbildungsverbot in Russland. Seine Mutter war jedoch eine weise Frau und bemühte sich, dass ihr Sohn sein Studium fortsetzte. 1900 ging Mikhail Prishvin zum Studium nach Leipzig und erhielt dort eine agronomische Ausbildung.

Lange Reisen in den Norden Russlands und Skandinavien hinterließen Spuren in der Vorstellungskraft des zukünftigen Schriftstellers, was der Grund war, die erste Geschichte zu schreiben - "Sashok". Es folgten weitere Schreibskizzen Prishvins, doch schon bald musste er sein Handwerk ändern. 1914 starb die Mutter des Schriftstellers und er beschloss, auf dem ihm überlassenen Grundstück ein Haus zu bauen. Dies war nicht vorherbestimmt, da es begann und Prishvin als Teilzeitpfleger an die Front ging.

Am Ende des Krieges nahm Prishvin seine Lehrtätigkeit auf und schrieb gleichzeitig seine Werke. Der Autor starb 1954 in Moskau.

Kreatives Erbe des Schriftstellers

Das Porträt von Prishvin ist in Bezug auf biografische Sensationen unauffällig und hebt sich nicht vom Hintergrund der Porträts anderer Schriftsteller ab. Nachdem Prishvin ein einfaches Leben geführt hatte, gelang es ihm, genügend Werke zu schreiben, die Teil der russischen Schatzkammer literarischer Meisterwerke wurden.

Die allerersten Werke des Autors stammen aus den Jahren 1906-1907, als die Bücher „Im Land der furchtlosen Vögel“ und „Hinter dem magischen Brötchen“ veröffentlicht wurden. Als Ergebnis von Prishvins Reisen in den Fernen Osten in den 30er Jahren. Die Geschichte "Ginseng" und der Roman "The Sovereign's Road" wurden geschrieben. Sammlungen von Kurzgeschichten verdienen große Aufmerksamkeit: Kalender der Natur und Waldtropfen. Im Laufe der Zeit erschien das berühmte Märchen "Speisekammer der Sonne", das als das beste Buch für Kinder anerkannt wurde.

O.G. Vereisky - Illustrator

Nur wenige Menschen denken darüber nach, wie sehr Leser Bücher lieben würden, wenn sie keine fachmännisch ausgewählten Illustrationen hätten. Dies gilt insbesondere für junge Leser, für die Bilder ein wesentliches Merkmal eines guten Buches sind. Zu den Genies, die ihr Leben im Hinterhof der Bücher verbrachten und für den Ruhm der Schriftsteller arbeiteten, war O.G. Vereisky. Er ist nicht so berühmt wie Vasnetsov oder Vrubel, aber seine Verdienste sind dennoch schwer zu überschätzen. Er war Volkskünstler der UdSSR und Mitglied der Akademie der Künste.

Der kreative Weg von Vereisky begann in Leningrad unter der Leitung von Osmerkin. Der Künstler erlangte jedoch während seiner Arbeit in der Hauptstadt große Popularität. In seiner kreativen Karriere wurde der Meister für Illustrationen zu den Klassikern in Erinnerung gerufen. Zu den berühmtesten Schriftstellern, an deren Büchern Vereisky gearbeitet hat, gehören Hemingway, Paustovsky, Sholokhov, Fadeev und Bunin. Skizzen zu Prishvins Werken verdienen besondere Aufmerksamkeit. 1984 erhielt die Künstlerin den Preis für die beste illustrative Arbeit für das Werk „Anna Karenina“.

Porträt von M. M. Prishvin

Orest Georgievich Vereisky malte neben Illustrationen für Kurzgeschichten und Geschichten auch ein Porträt von M. M. Prishvin, das im gleichnamigen Museum in Russland aufbewahrt wird. Die Arbeit wurde 1948 abgeschlossen, was sie aber nicht weniger bedeutsam macht. Das Porträt von Prishvin wurde nach dem Leben gemalt, wie Einträge im persönlichen Tagebuch des Schriftstellers belegen. Die Größe der Leinwand ist klein - 39,5 x 48. Auf dem Papier sind der Kopf des Schriftstellers und die Unterschrift des Künstlers abgebildet.

Wo ist das Porträt von M. M. Prishvin, gemalt vom Illustrator Vereisky?

Im kreativen Umfeld beobachten sie oft eine Symbiose von Künstlern, die sich gegenseitig helfen, populärer zu werden und Spuren in der Geschichte zu hinterlassen. Das Porträt von Prishvin M. M., gemalt von der Hand des Illustrators Vereisky, war kein PR-Versuch füreinander. Es ist vielmehr eine Hommage an Michail Michailowitsch.

Orest Georgievich fand in seinem Handwerk dank der Fülle von Staffeleiarbeiten, Autorenlithografien und vielen Aquarellskizzen statt. Das Porträt von Prishvin war für ihn nicht das Werk seines ganzen Lebens, wie die Schreibweise beweist - eine Bleistiftzeichnung. Der Schriftsteller führte sein ganzes Leben lang ein Tagebuch, in dem er alle Ereignisse detailliert beschrieb. Das von Vereisky gemalte Porträt hat weniger künstlerischen als vielmehr biografischen Wert.

Im Frühjahr 1946 ruhte Prishvin im Porechye-Sanatorium in der Nähe von Moskau, wo er sich um ein Haus in der Nähe kümmerte. Die Frau des Schriftstellers bemühte sich, das Haus wie ein altes Herrenhaus aussehen zu lassen, wo alles auf die vielfältigen Interessen ihres Mannes hindeutet. Es kam wunderschön heraus. Nach dem Tod des Schriftstellers kamen die Menschen hierher und das Haus erhielt offiziell den Status eines Museums.

Die Dekoration des Hauses veranschaulicht Prishvins üblichen Tagesablauf. Auf dem Tisch steht ein Samowar, die Zimmer sind mit Blumen und Büchern geschmückt. Von besonderem Interesse ist das Zimmer des Schriftstellers, in dem Sie eines der berühmtesten Porträts von Michail Michailowitsch sehen können, das von Orest Vereisky gemalt wurde.

Ein Gemälde, das Prishvins Kopf darstellt, hängt direkt über dem Kopfende seines Bettes im Schlafzimmer. Ein dicker dunkelbrauner Rahmen umrahmt ein gelbes Blatt Papier, auf dem ein Prosaschreiber mit Bleistift gezeichnet ist. Links bei der Arbeit sieht man das Datum des Portraits. Der ganze Raum drückt die Individualität seines Besitzers aus und zeugt von seiner Bescheidenheit und Genauigkeit. Links vom Porträt hängen gekreuzte Gewehre – die Verkörperung von Prishvins Liebe zur Jagd. Der Holzboden ist mit Teppichen mit einem charakteristischen Mustermuster dekoriert. Aber trotz dieser Kleinigkeiten ist das zentrale Element des Raumes genau das von Vereisky gemalte Porträt. Natürlich verrät eine solche Anordnung den Respekt des Schriftstellers vor der Arbeit des Künstlers. Dies war ihr letztes gemeinsames Projekt, ein paar Jahre später starb Prishvin.

Was ist ein Porträt (portrait – altfranzösisch – portraire – bedeutet porträtieren) – Ein Porträt ist eine Art der bildenden Kunst, die sich der Darstellung einer bestimmten Person oder Personengruppe widmet – eine äußerlich individuell ähnliche Darstellung einer Person auf Leinwand oder Papier, mit das Ziel, es anderen zu präsentieren, Charakter, innere Welt, Lebenswerte darzustellen.

Das Gesicht einer Person in einem Porträt zu zeichnen, ist die schwierigste Richtung in der bildenden Kunst. Der Künstler muss die Hauptakzente der Persönlichkeit entdecken, die charakteristischen Züge hervorheben, die Emotionalität einer Person hervorheben und die geistige Veranlagung des Porträtierten offenbaren. Je nach Größe des Gemäldes kann das Porträt unterschiedlicher Art sein: Büste, Halbfigur, Generationenporträt und Ganzkörperporträt. Hochformat: vom Gesicht, Dreivierteldrehung zu jeder Seite und im Profil. Ein kreatives Porträt ist ein kreatives Gemälde, ein spezielles Genre der Malerei, das sich auf die Schaffung von etwas Neuem im Bild einer menschlichen Person bezieht.

Grundlagen des Porträts. Die Hauptsache im Porträt ist das Gesicht einer Person, an dem Porträtmaler die meiste Zeit arbeiten und versuchen, die Ähnlichkeit und den Charakter sowie die Farbtöne des Kopfes so genau wie möglich zu vermitteln. Dann die Gestik und Mimik, die sich auf eine bestimmte Figur beziehen, der Künstler findet Merkmale von größerer Vitalität, Natürlichkeit im Bild des Gesichts, während der Rest die Details des Porträts sind, sei es die Kleidung, der Hintergrund, die Erfassung von die Details eines bestimmten Gefolges auf der Leinwand, gelten als bedingter, da die Ähnlichkeit nicht davon abhängt.

Die Ähnlichkeit im Portrait nimmt die Haupt- und Dominanzrolle ein, wenn die Ähnlichkeit sehr lahm ist, überwiegt sie alle anderen positiven Vorteile des klassischen Portraits, dadurch kann es schön in Ausarbeitung und Farbe aber gesichtslos sein.

Auf dieser Seite sind die folgenden Stile Porträt, Öl auf Leinwand und Trockenpinsel. Porträts gibt es in verschiedenen Stilen und Techniken, der bemerkenswerteste Stil, dh die Technik der Ausführung, ist natürlich das Malen eines Porträts in Öl auf Leinwand. Ein Porträt in Öl zu malen ist ein sehr langer und mühsamer Prozess, der viel Geduld und Genauigkeit erfordert. Dieser Stil stammt aus den Tiefen der Jahrhunderte und hat sich auf der ganzen Welt große Berühmtheit erworben.

Oft zeichnen Künstler Skizzen oder schnelle Porträts in Kohle, Sepia, Rötel und viel seltener jetzt besonders in Bleistift- oder Pastell- und Aquarellporträts, obwohl dies zweifellos erstklassige Porträtstile sind, mühsamer, aber besondere Aufmerksamkeit verdienen. Aber auch der Trockenpinsel-Stil der Porträtmalerei gewinnt an Popularität. Sie können sich ein Video ansehen, in dem der Künstler Igor Kazarin ein Porträt eines Mädchens in diesem wunderbaren Stil der Porträtmalerei zeichnet.

Porträtgenres werden unterteilt: Kammerporträt, intimes formales Porträt und auch Selbstporträts, in denen sich Künstler in der Regel selbst darstellen. Das Genre Porträt in der bildenden Kunst ist eine natürliche eigenständige Gattung der Malerei, die keiner besonderen Begründung bedarf.

Porträt-Subgenres: Die Grenzen des Porträtgenres spiegeln unterschiedliche Richtungen wider, die mit Elementen anderer Genres verknüpft sind. Zum Beispiel ein historisches Porträt: ein Bild einer Person in der Kleidung vergangener Jahrhunderte, das durch Vorstellungskraft und nach verfügbaren Materialien Erinnerungen an diese Zeit geschaffen wird. Porträtmalerei - Die Figur wird umgeben von Natur, Architektur mit der Handlung der Welt der Dinge und Haushaltsgegenstände dargestellt. Ein kostümiertes Porträt einer Figur wird in historischen Theaterkostümen dargestellt, die für die Wahrnehmung schön sind, und mit verschiedenen Utensilien, die sich auf die Handlung beziehen.

Gewidmet der Übertragung des Bildes einer Person sowie einer Gruppe von zwei oder drei Personen auf Leinwand oder Papier. Von besonderer Bedeutung ist der vom Künstler gewählte Stil. Das Gesicht einer Person in einem Porträt zu zeichnen, ist einer der schwierigsten Bereiche in der Malerei. Der Meister des Pinsels muss die charakteristischen Merkmale des Aussehens, der Gefühlslage und der inneren Welt der posierenden Person vermitteln. Die Größe eines Portraits bestimmt sein Aussehen. Das Bild kann Brustbild, Generationenbild, Halbfigur oder Ganzfigur sein. Die Pose beinhaltet drei Winkel: Gesicht (volles Gesicht), „drei Viertel“ in die eine oder andere Richtung drehen und im Profil. Ein Porträt als enthält unbegrenzte Möglichkeiten zur Umsetzung künstlerischer Ideen. Zuerst wird eine Skizze angefertigt, dann die eigentliche Zeichnung.

Geschichte der Porträtgattung

Der älteste Versuch, ein menschliches Gesicht darzustellen, ist 27.000 Jahre alt. Das „Gemälde“ wurde in einer Höhle nahe der französischen Stadt Angoulême entdeckt. Das Porträt ist eine mit Kreide umrissene Kontur, die vage den Zügen eines menschlichen Gesichts ähnelt. Der antike Künstler skizzierte die Hauptlinien von Augen, Nase und Mund. Später (auch in Höhlen) auf dem Balkan und in Italien tauchten klarere und deutlichere Bilder auf, unter denen im Profil gezeichnete Gesichter überwogen. Es liegt in der Natur des Menschen zu erschaffen, talentierte Menschen können nicht leben, ohne Spuren zu hinterlassen. Es kann ein Muster aus Kieselsteinen inmitten eines Feldes sein, ein geschnitztes Ornament auf der Rinde eines Baumes, das Gesicht einer Person, das mit Kohle auf einen Felsen gezeichnet wurde. Möglichkeiten für Kreativität sind reichlich vorhanden.

Stuckbilder

Früher war das Genre des Porträts eher in der Skulptur verkörpert, da es in der Antike keine Künstler gab, die den Pinsel perfekt beherrschten und das Spiel von Licht und Schatten darstellen konnten. Das Bild eines Gesichts in Ton war besser, und daher dominierten in jenen fernen Zeiten Stuckporträts. Die Kunst der Malerei entstand viel später, als die Menschheit die Notwendigkeit kultureller Kommunikation erkannte.

Bestattungen

Das Erscheinen von Bildern in der Nähe der Zeichnung gehört ebenfalls einer späteren Zeit an, und die ersten Porträts wurden in den alten Ostgebieten gefunden. Im ägyptischen Staat fand die Vergöttlichung der Toten statt. Während der Beerdigung wurde eine Art Porträt erstellt, das bedingt als Doppelgänger des Verstorbenen angesehen wurde. Das Prinzip der Mumifizierung erschien und dann die Porträtmalerei. Die Geschichte des Porträtgenres enthält viele Beispiele ikonischer Bilder sowohl in der Zeichnung als auch in der Skulptur. Die Zeichnungen der Gesichter der Toten wurden dem Original immer ähnlicher. Und dann wurde das Kopieren des Gesichts der Verstorbenen in eine andere Welt durch eine Maske ersetzt. Die ägyptischen Toten wurden in Sarkophagen begraben, auf deren Deckel der Verstorbene in vollem Wachstum mit einem schönen stilisierten Gesicht dargestellt war. Solche Beerdigungen wurden ausschließlich für den Adel arrangiert. Ägyptische Pharaonen zum Beispiel wurden nicht nur in einen Sarkophag, sondern auch in ein riesiges Grabmal gelegt.

Vielfalt an Lösungen

Der Künstler hat beim Porträtieren die Wahl: Gesicht und Kleidung einer Person originalgetreu darstellen oder kreativ sein und ein exquisites kreatives Bild schaffen. Die Hauptbedingung dafür bleibt die Ähnlichkeit, die eine dominierende Rolle spielt. Unabhängig - Porträtkunst, offen für Experimente verschiedenster Art. Der Künstler hat die Möglichkeit, seine Fähigkeiten zu verbessern, indem er die neuesten technischen Errungenschaften anwendet.

Tatsächlich ist die Ausführungstechnik entscheidend, um das optimale Ergebnis zu erzielen. Die gebräuchlichste Art der Porträtmalerei von professionellen Künstlern ist Dieser Stil ist in den Tiefen der Jahrhunderte verwurzelt. Es wurde von alten Künstlern verwendet. Ihre Arbeit hat bis heute überlebt. Das Porträt als Gattung der bildenden Kunst existiert seit jeher und ist heute ein beliebtes künstlerisches Ausdrucksmittel.

"Trockener Pinsel"

In letzter Zeit ist eine Technik populär geworden, bei der das Bild nicht mit Strichen, sondern durch Reiben einer kleinen Menge Farbe erstellt wird. Gleichzeitig ist der Pinsel fast trocken und die Methode selbst ermöglicht es Ihnen, schöne Halbtöne zu erhalten. Da die subtilste Gattung der Malerei das Porträt ist und die Darstellung eines Gesichts in Farbe genau zarte Farbtöne erfordert, ist die Technik des "Trockenpinsels" für diesen Zweck am besten geeignet.

Typen

Das Genre des Porträts ist in mehrere Typen unterteilt: Zeremoniell, Kammer, Intim und Handlung. Es gibt auch einen speziellen Typ namens Selbstporträt, bei dem sich der Künstler selbst darstellt. In der Regel handelt es sich um eine reine Einzelzeichnung. Im Allgemeinen ist das Porträtgenre völlig eigenständig und unterliegt bestimmten Regeln. Diese Regeln werden niemals verletzt, obwohl ihr Geltungsbereich unter bestimmten Umständen erweitert werden kann.

Neben den bereits aufgeführten gibt es eine weitere Gattung der Porträtmalerei, die künstlerische Besonderheiten aufweist, eine spezialisierte Spielart, die eine systematische Herangehensweise erfordert. Dies ist ein kostümiertes Porträt, wenn ein moderner Mensch in der Kleidung der Vergangenheit auf der Leinwand dargestellt wird. Die Bandbreite der Sujets ist dabei nicht begrenzt: von den Fellen eines Urmenschen bis zum Hochzeitskleid der Renaissance. In dieser Porträtvariante finden sich Elemente der Theatralik. In der Russischen Föderation, insbesondere in Moskau, war das kostümierte Porträt weit verbreitet, aber dies geschah nicht aus Modegründen, sondern als Hommage an die Kunst.

Genre der Porträtmalerei in der Kunst

Malerische Leinwände, die zu verschiedenen Zeiten geschrieben wurden, verbindet eine obligatorische Bedingung - die Bilder müssen authentisch sein. Eine wichtige Rolle spielt dabei die Porträtkomponente, also die Abbildung der Gesichter der Figuren. Der Erfolg des Bildes hängt davon ab, wie sorgfältig die Gesichtszüge ausgeschrieben sind. Der Ausdruck der Augen, Lächeln oder umgekehrt gerunzelte Augenbrauen, alle Nuancen sollten sich auf der Leinwand widerspiegeln. Die Aufgabe ist nicht einfach, aber der Zuverlässigkeitsfaktor zeugt vom Können des Künstlers. Deshalb ist die Gattung Porträt in der Kunst so eindeutig und verlangt vom Meister volle Hingabe. Erfahrene Künstler sind am besten in Gemälden, die Menschen, Nahaufnahmen ihrer Gesichter und akzentuierte Bewegungen beinhalten.

Literarische Porträts

Sowohl Schriftsteller als auch Künstler zeigen oft das Gesicht einer Person. Dafür gibt es viel mehr literarische Techniken, die reiche russische Sprache erlaubt die Verwendung zahlreicher künstlerischer Formen, Wendungen und Wendungen. Das Ziel, das der Schriftsteller anstrebt, ist in seiner Bedeutung identisch mit der Absicht des Künstlers, der Schriftsteller beschreibt Mimik als Ergebnis der Stimmungen eines Menschen, als Spiegel seiner Gedanken, Gefühle und Erfahrungen. Das Porträt ist ziemlich kompliziert. Es ist notwendig, zu beschreiben und oberflächliche Formulierungen zu vermeiden. Dies erfordert die Geschicklichkeit eines wahren Schöpfers. Unter den russischen Schriftstellern, die in wenigen Worten das Wesen der menschlichen Form ausdrücken können, nimmt der große Maxim Gorki den ersten Platz ein. Auch sein amerikanischer Nachfolger beherrschte meisterhaft die Kunst des verbalen Porträtzeichnens. Das Genre eines literarischen Porträts ist vielfältig, die Beschreibung folgt einem bestimmten Stil, es kann heiter oder traurig, kurz oder lang sein, es hängt alles von jedem einzelnen Werk ab.

Foto

Mit dem Aufkommen der Daguerreotypie erweiterten sich die Möglichkeiten der bildenden Kunst, und Porträts waren keine Ausnahme. Ein fotografisches Porträt kostete viel weniger als ein Ölgemälde, und der Wiedererkennungswert war hundertprozentig. Und obwohl Künstler bissig anmerkten, dass Fotografie etwas für die Armen sei, „wendete sich die breite Öffentlichkeit einem genaueren Bild auf einer versilberten Platte zu Geliebte.

Die neue Methode, die Daguerreotypie, hatte jedoch ihre Nachteile. Die Fotografie erlaubte im Gegensatz zu einem malerischen Porträt nichts zu ändern. Das Bild fror ein für alle Mal ein, es war unmöglich, etwas zu reparieren. Und da die Person sitzend oder stehend (in angespannter Pose) fotografiert wurde, kam sie auf dem Bild nicht optimal zur Geltung. Daher gab es viele Enttäuschungen, Klagen und Unzufriedenheit. Trotzdem etablierten sich Porträtaufnahmen, die Leute lernten, künstlerisch zu posieren, und alles fügte sich zusammen.

Porträt (französisches Porträt - porträtieren) - eine Beschreibung des Aussehens der Figur, einzelner körperlicher, natürlicher Merkmale sowie alles, was durch das soziokulturelle Umfeld im Aussehen einer Person geprägt ist: Kleidung, Frisuren, Verhalten - Gestik, Mimik , Haltungen, Augenausdrücke, Gesichter, Lächeln usw. Porträt ist neben Dialog, Interieur, Sprache das wichtigste Charakterisierungsmittel. Typisch und individuell sind die wichtigsten Bestandteile eines künstlerischen Portraits. Die Beschreibung des Aussehens des Helden trägt zur Offenlegung seines Charakters bei. Porträts werden im Epos verwendet; In Texten und Dramen ist die verbale Darstellung begrenzt. Jede literarische Epoche war durch ihre eigenen Merkmale der Übertragung des Erscheinungsbildes der Figuren gekennzeichnet.

In der Folklore, der Literatur der Antike und des Mittelalters wurden Porträts daher extrem verallgemeinert, was direkt auf den sozialen Status des Helden hinweist. Das Erscheinen des Helden wurde oft durch eine Art stabilen Beinamen bezeichnet ("Achilles Swift", "Apollo Silver-armed", "Agamemnon the Mighty", "hairy-eyed Hera", "pink-fingered Eos" in Homer). Ab der Renaissance wird ein statisches Ausstellungsporträt üblich (eine detaillierte Beschreibung des Aussehens wird einmal gegeben, zu Beginn der Erzählung werden die häufigsten, unveränderten äußeren Merkmale notiert). So wird in dem Roman von F. Rabelais „Gargantua und Pantagruel“ ein Porträt von Panurge gegeben. Panurge war ein Mann um die fünfunddreißig, mittelgroß, nicht groß, nicht klein, mit einer Hakennase mit rasiermesserscharfem Griff, der gerne andere mit seiner Nase im Stich ließ, äußerst höflich, wenn auch leicht liederlich und von Geburt an unterwürfig eine besondere Krankheit, über die damals gesagt wurde: "Geldmangel ist eine unerträgliche Krankheit." Bei alledem kannte er dreiundsechzig Wege, an Geld zu kommen, von denen die ehrlichste und gebräuchlichste die Heimlichkeit war, und er war ein Schelm, Betrüger, Nachtschwärmer, Nachtschwärmer und Betrüger, von denen es in Paris nur wenige gibt. Und in der Tat der wunderbarste aller Sterblichen. Es ist erwähnenswert, dass das Porträt in den Werken der Renaissance ein bestimmter Komplex von physiologischen und mentalen Eigenschaften ist. Der Autor listet oft bestimmte Merkmale auf, ohne zu versuchen, eine interne Verbindung zwischen ihnen zu finden. Die inneren Qualitäten des Helden spiegeln sich also, wenn sie vom Autor erwähnt werden, nicht in den äußeren physiologischen Eigenschaften der Figur wider. So ist das Porträt von Niccolosa in G. Boccaccios Decamerone: „Sie war schön, gut gekleidet und hatte für ihre Position gute Manieren und eine Gabe für Worte.“

Dann, bis zur Ära der Romantik, dominierten idealisierende Porträts die Literatur. Wir finden eine ähnliche Art von Porträt in N.V. Gogol in der Erzählung „Taras Bulba“: „Er blickte auf und sah eine Schönheit am Fenster stehen, die er noch nie in seinem Leben gesehen hatte: schwarzäugig und weiß, wie Schnee, erleuchtet von der Morgenröte der Sonne. Sie lachte herzlich, und das Lachen verlieh ihrer blendenden Schönheit eine funkelnde Kraft.

Im 19. Jahrhundert tauchten Porträts in der Literatur auf, die die Komplexität und Vielseitigkeit des spirituellen Bildes des Helden offenbarten. Charakteristisch ist das Porträt von Pechorin im Roman von M.Yu. Lermontov: „Er war mittelgroß; Sein schlanker, dünner Körperbau und seine breiten Schultern bewiesen einen starken Körperbau, der in der Lage war, alle Schwierigkeiten des Nomadenlebens und des Klimawandels zu ertragen, weder von der Verdorbenheit des Großstadtlebens noch von spirituellen Stürmen besiegt. Sein Gang war sorglos und träge, aber ich bemerkte, dass er seine Arme nicht schwang - ein sicheres Zeichen für einen geheimnisvollen Charakter.<…>Auf den ersten Blick auf sein Gesicht hätte ich ihm nicht mehr als dreiundzwanzig Jahre gegeben, obwohl ich danach bereit gewesen wäre, ihm dreißig zu geben. Sein Lächeln hatte etwas Kindliches.<…>Um das Porträt zu vervollständigen, möchte ich sagen, dass er eine leicht nach oben gerichtete Nase, blendend weiße Zähne und braune Augen hatte; Ich muss noch ein paar Worte zu den Augen sagen.

Erstens lachten sie nicht, wenn er lachte. Haben Sie bei manchen Menschen jemals eine solche Fremdheit bemerkt? .. Dies ist ein Zeichen - entweder einer bösen Veranlagung oder einer ständigen tiefen Traurigkeit. Ihre halb herabhängenden Wimpern glänzten sozusagen in einer Art phosphoreszierendem Glanz. Es war kein Widerschein der Seelenhitze oder einer spielerischen Vorstellungskraft: es war ein Glanz, wie der Glanz von glattem Stahl, blendend, aber kalt; sein Blick - kurz, aber durchdringend und schwer - hinterließ den unangenehmen Eindruck einer indiskreten Frage und hätte unverschämt wirken können, wenn er nicht so gleichgültig ruhig gewesen wäre. Dieses Porträt ist ein Eindrucksporträt, in dem die psychologischen Eigenschaften des Helden dominieren.

In den Werken von Schriftstellern des 19. Jahrhunderts (zweite Hälfte) beginnen sich dynamische Porträts durchzusetzen (die Beschreibung des Aussehens des Helden wird in Bewegung, in Aktion gegeben, seine Gesten, Intonation und Mimik werden irgendwann notiert ). Das sind zum Beispiel die Porträts in den Werken von L.N. Tolstoi.

Es gibt verschiedene Arten von Porträts: eine Porträtbeschreibung (eine objektive Beschreibung des Aussehens der Figur, ohne Einschätzungen des Autors und psychologische Kommentare - ein Porträt von Mascha Mironova in der Geschichte "Die Tochter des Kapitäns" von A. S. Puschkin) und ein Eindrucksporträt ( legt die Einschätzung des Aussehens der Figur durch den Autor fest oder vermittelt Gedanken und Eindrücke anderer - ein Porträt von Pechorin im Roman "Ein Held unserer Zeit"); detailliert (erweitert, detailliert - ein Porträt von Oblomov im gleichnamigen Roman von I.A. Goncharov) und kurz (fragmentär, bestehend aus 1-2 Details - ein Porträt von Lisa Muromskaya in der Geschichte "The Young Lady-Bäuerin" von A. S. Puschkin); ein statisches Porträt (ein einmaliges Bild der unveränderlichen Erscheinungsmerkmale des Helden - Manilovs Porträt im Gedicht „Dead Souls“) und ein dynamisches Porträt (die Beschreibung des Aussehens des Helden erfolgt in Dynamik, das Aussehen wird durch eine komplexe Beschreibung übertragen der Haltungen, Gesten, Mimik, Bewegungen, Sprache des Helden - Raskolnikovs Porträt in dem Roman "Verbrechen und Sühne" von F. M. Dostojewski); ein einteiliges Porträt (vollständig zum Zeitpunkt der ersten Bekanntschaft mit dem Helden gegeben - ein Porträt von Shvabrin in der Geschichte "Die Tochter des Kapitäns" von A. S. Puschkin) und ein geistesabwesendes Porträt (Details des Aussehens werden im gesamten dargestellt Arbeit - ein Porträt von Natasha Rostova im epischen Roman "Krieg und Frieden" ); Leitmotivporträt (Hervorhebung von zwei oder drei ausdrucksstarken Merkmalen des Aussehens der Figur und Betonung durch den Autor bei jedem Auftreten dieser Figur - ein Porträt von Liza Bolkonskaya im Roman "Krieg und Frieden" von L. N. Tolstoi); ein psychologisches Porträt (ein Spiegelbild der mentalen Welt des Helden in der Beschreibung seines Aussehens - ein Porträt von Pechorin in dem Roman "Ein Held unserer Zeit" von M.Yu. Lermontov).

Im heutigen Beitrag möchte ich auf eine kurze Geschichte der Entwicklung der Porträtmalerei eingehen. Es ist nicht möglich, das gesamte Material zu diesem Thema in dem begrenzten Umfang des Beitrags vollständig abzudecken, daher habe ich keine solche Aufgabe gestellt.

Ein kleiner Exkurs in die Geschichte der Porträtmalerei

Porträt(aus dem französischen Porträt) - Dies ist ein Genre der bildenden Kunst sowie Werke dieses Genres, die das Aussehen einer bestimmten Person zeigen. Das Porträt vermittelt individuelle Eigenschaften, Alleinstellungsmerkmale, die nur einem Modell eigen sind (ein Modell ist eine Person, die für einen Meister posiert, während sie an einem Kunstwerk arbeitet).

"Pariser". Fresko aus dem Palast von Knossos, 16. Jahrhundert v

Aber Äußerliche Ähnlichkeit ist nicht die einzige und vielleicht nicht die wichtigste Eigenschaft eines Porträts . Ein echter Porträtmaler beschränkt sich nicht darauf, die äußeren Merkmale seines Modells zu reproduzieren, er strebt danach vermitteln die Eigenschaften ihres Charakters, offenbaren ihre innere, geistige Welt . Es ist auch sehr wichtig, den sozialen Status der Porträtierten zu zeigen, um ein typisches Bild eines Vertreters einer bestimmten Epoche zu schaffen.
Als Gattung tauchte das Porträt vor mehreren Jahrtausenden in der antiken Kunst auf. Unter den Fresken des berühmten Palastes von Knossos, die von Archäologen bei Ausgrabungen auf der Insel Kreta gefunden wurden, gibt es eine Reihe malerischer Frauenbilder aus dem 16. Jahrhundert vor Christus. Obwohl die Forscher diese Bilder "Hofdamen" nannten, wissen wir nicht, wen die kretischen Meister zu zeigen versuchten - Göttinnen, Priesterinnen oder edle Damen in eleganten Kleidern.
Das berühmteste war das Porträt einer jungen Frau, die von Wissenschaftlern "Pariserin" genannt wurde. Wir sehen vor uns ein Profilbild (nach den Traditionen der Kunst dieser Zeit) einer jungen Frau, sehr kokett und nicht vernachlässigend auf Make-up, wie ihre dunkelumrandeten Augen und bunt geschminkten Lippen beweisen.
Die Künstler, die Freskoporträts ihrer Zeitgenossen schufen, vertieften sich nicht in die Eigenschaften der Modelle, und die äußere Ähnlichkeit dieser Bilder ist sehr relativ.

"Bildnis eines jungen Römers", frühes 3. Jh. n. Chr

Im antiken Griechenland und im antiken Rom gab es keine Staffeleimalerei, daher drückte sich die Kunst der Porträtmalerei hauptsächlich in der Skulptur aus. Alte Meister schufen plastische Bilder von Dichtern, Philosophen, Militärführern und Politikern. Diese Arbeiten sind von Idealisierung geprägt, gleichzeitig finden sich darunter auch Bilder, die in ihren psychologischen Eigenschaften sehr genau sind.
Von großem Interesse sind die malerischen Porträts, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten entstanden sind. Nach dem Fundort (die Gräber von Khavara nördlich von Kairo und die Nekropole der Oase Fayum, die unter den Ptolemäern Arsinoe hieß) heißen sie Fayum. Diese Bilder erfüllten rituelle und magische Funktionen. Sie erschienen in der hellenistischen Ära, als das alte Ägypten von den Römern erobert wurde. Diese auf Holzbrettern oder auf Leinwand gefertigten Porträtbilder wurden zusammen mit der Mumie in das Grab des Verstorbenen gelegt.
In den Fayum-Porträts sehen wir Ägypter, Syrer, Nubier, Juden, Griechen und Römer, die im 1.-4. Jahrhundert n. Chr. in Ägypten lebten. Vom alten Rom bis nach Ägypten kam der Brauch, auf Holztafeln gemalte Porträts der Besitzer sowie skulpturale Masken verstorbener Verwandter im Haus aufzubewahren.

Porträt einer Fayum-Mumie

Fayum-Porträts wurden in der für frühere Bilder besonders charakteristischen Tempera- oder Enkaustik-Technik erstellt. Enkaustik ist das Malen mit Farben, wobei das Hauptglied Wachs war. Die Künstler verwendeten geschmolzene Wachsfarben (Spuren solcher Farben blieben auf vielen Tafeln mit Porträtbildern erhalten). Eine solche Technik erforderte spezielle Techniken. Im Bereich der Wangen, des Kinns und der Nase wurde die Farbe in dichten Schichten aufgetragen, der Rest des Gesichts und der Haare wurde mit flüssigerer Farbe bemalt. Meister verwendeten für Porträts dünne Bretter aus Bergahorn (Maulbeerfeigenbaum) und libanesischer Zeder.

G. Bellini. Spenderportrait. Fragment

Zu den bekanntesten Encaustic-Porträts zählen das „Bildnis eines Mannes“ (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts n. Chr.) und das „Bildnis eines älteren Mannes“ (Ende des 1. Jahrhunderts n. Chr.), die Lebensbilder sind. In diesen Arbeiten fallen die gekonnte Licht- und Schattenmodellierung und die Verwendung von Farbreflexen auf. Wahrscheinlich durchliefen die uns unbekannten Meister, die die Porträts malten, die hellenistische Malschule. Zwei weitere Gemälde wurden auf die gleiche Weise ausgeführt - "Porträt eines Nubiers" und ein schönes Frauenbild, das sogenannte. "Dame Alina" (2. Jahrhundert n. Chr.). Das letzte Porträt wird mit Pinsel und flüssiger Tempera auf Leinwand gemalt.
Im Mittelalter, als die Kunst der Kirche untergeordnet war, entstanden in der Malerei vor allem religiöse Bilder. Aber auch zu dieser Zeit malten einige Künstler psychologisch korrekte Porträts. Weit verbreitet waren Bilder von Spendern (Spendern, Kunden), die am häufigsten im Profil mit Blick auf Gott, die Madonna oder einen Heiligen gezeigt wurden. Die Bilder der Spender hatten zweifellos eine äußerliche Ähnlichkeit mit den Originalen, gingen jedoch nicht über die ikonografischen Kanone hinaus und spielten in der Komposition eine untergeordnete Rolle. Die von der Ikone ausgehenden Profilbilder behielten ihre dominierende Stellung, auch als das Porträt anfing, eigenständige Bedeutung zu erlangen.
Die Blütezeit des Porträtgenres begann in der Renaissance, als der Hauptwert der Welt eine aktive und zielstrebige Person war, die in der Lage war, diese Welt zu verändern und sich gegen alle Widrigkeiten zu stellen. Im 15. Jahrhundert begannen Künstler, eigenständige Porträts zu schaffen, die Modelle vor dem Hintergrund majestätischer Panoramalandschaften zeigten. So ist das „Portrait of a Boy“ von B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Bildnis eines Knaben", Kunsthalle, Dresden

Das Vorhandensein von Naturfragmenten in den Porträts schafft jedoch keine Integrität, Einheit einer Person und der Welt um sie herum, die Person, die porträtiert wird, scheint die natürliche Landschaft zu verdecken. Nur in Porträts des 16. Jahrhunderts taucht Harmonie auf, eine Art Mikrokosmos.

Viele berühmte Meister der Renaissance wandten sich der Porträtmalerei zu, darunter Botticelli, Raffael und Leonardo da Vinci. Das größte Werk der Weltkunst war Leonardos berühmtes Meisterwerk – das Porträt „Mona Lisa“ („La Gioconda“, um 1503), in dem viele Porträtmaler nachfolgender Generationen ein Vorbild sahen.
Eine große Rolle bei der Entwicklung des europäischen Porträtgenres spielte Tizian, der eine ganze Bildergalerie seiner Zeitgenossen schuf: Dichter, Wissenschaftler, Geistliche, Herrscher. In diesen Werken fungierte der große italienische Meister als subtiler Psychologe und ausgezeichneter Kenner der menschlichen Seele.

Tizian: Kaiserin Isabella von Portugal.

Während der Renaissance wandten sich viele Künstler, die Altar- und mythologische Kompositionen schufen, dem Porträtgenre zu. Die psychologischen Porträts des niederländischen Malers Jan van Eyck („Timotheus“, 1432; „Der Mann im roten Turban“, 1433) zeichnen sich durch ein tiefes Eindringen in die Innenwelt des Modells aus. Der anerkannte Meister der Porträtgattung war der deutsche Künstler Albrecht Dürer, dessen Selbstporträts noch heute das Publikum begeistern und Künstlern als Vorbild dienen.

Albrecht Dürer, Selbstbildnis

Während der Renaissance tauchten in der europäischen Malerei verschiedene Formen der Porträtmalerei auf. Das Büstenporträt war damals sehr beliebt, obwohl auch Halbfiguren, Generationenbilder und Ganzkörperporträts auftauchten. Adelige Ehepaare bestellten Paarporträts, bei denen die Modelle auf verschiedenen Leinwänden dargestellt wurden, aber beide Kompositionen durch ein gemeinsames Konzept, eine gemeinsame Farbe und einen Landschaftshintergrund vereint waren. Ein anschauliches Beispiel für gepaarte Porträts sind die Bilder des Herzogs und der Herzogin von Urbino (Federigo da Montefeltro und Battista Sforza, 1465), die vom italienischen Maler Piero della Francesca geschaffen wurden.
Auch Gruppenporträts waren weit verbreitet, wenn der Künstler mehrere Modelle auf einer Leinwand zeigte. Ein Beispiel für ein solches Werk ist „Portrait of Pope Paul III with Alessandro and Ottavio Farnese“ (1545-1546) von Tizian.

Entsprechend der Art des Bildes wurden Porträts in zeremonielle und intime unterteilt. Die ersten wurden mit dem Ziel geschaffen, die auf ihnen dargestellten Menschen zu erheben und zu verherrlichen. Zeremonielle Porträts wurden von den regierenden Personen und ihren Familienangehörigen, Höflingen und Geistlichen, die die oberen Sprossen der hierarchischen Leiter besetzten, bei berühmten Künstlern bestellt.
Die Maler schufen zeremonielle Porträts und porträtierten Männer in reichen, mit Gold bestickten Uniformen. Die Damen, die für den Künstler posierten, trugen die luxuriösesten Kleider und schmückten sich mit Juwelen. Der Hintergrund spielte bei solchen Porträts eine besondere Rolle. Die Meister malten ihre Modelle vor dem Hintergrund der Landschaft, architektonischen Elementen (Bögen, Säulen) und üppigen Vorhängen.
Der größte Meister des zeremoniellen Porträts war der Fleming P.P. Rubens, der an den Königshöfen vieler Staaten arbeitete. Seine edlen und wohlhabenden Zeitgenossen träumten davon, dass der Maler sie auf seinen Leinwänden festhalten würde. Rubens' maßgefertigte Porträts, die durch ihren Farbenreichtum und ihre zeichnerische Virtuosität auffallen, sind etwas idealisiert und kalt. Die Bilder von Verwandten und Freunden, die der Künstler für sich selbst geschaffen hat, sind voller warmer und aufrichtiger Gefühle, sie haben nicht den Wunsch, dem Modell zu schmeicheln, wie bei formellen Porträts für wohlhabende Kunden.

Rubens Schüler und Nachfolger war der talentierte flämische Maler A. van Dyck, der eine Galerie mit Porträtbildern seiner Zeitgenossen schuf: Wissenschaftler, Anwälte, Ärzte, Künstler, Kaufleute, Militärführer, Geistliche, Höflinge. Diese realistischen Bilder vermitteln auf subtile Weise die individuelle Einzigartigkeit der Modelle.
Die Porträts van Dycks aus der Spätzeit, als der Künstler am Hofe des englischen Königs Charles arbeitete, sind künstlerisch weniger perfekt, weil Der Meister, der viele Aufträge erhielt, konnte sie nicht bewältigen und vertraute die Abbildung einiger Details seinen Assistenten an. Aber auch zu dieser Zeit malte van Dyck eine Reihe recht erfolgreicher Gemälde (Louvre-Porträt Karls I., um 1635; Drei Kinder Karls I., 1635).

A. van Dyck. "Die drei Kinder Karls I.", 1635, Königliche Sammlung, Schloss Windsor

Im 17. Jahrhundert nahm ein intimes (Kammer-)Porträt einen wichtigen Platz in der europäischen Malerei ein, dessen Zweck es ist, den Geisteszustand einer Person, ihre Gefühle und Emotionen zu zeigen. Der anerkannte Meister dieser Art von Porträts war der niederländische Künstler Rembrandt, der viele herzliche Bilder malte. „Bildnis einer alten Frau“ (1654), „Bildnis des lesenden Sohnes des Titus“ (1657), „Hendrikje Stoffels am Fenster“ (Bildnis der zweiten Frau des Künstlers, um 1659) sind von aufrichtiger Empfindung durchdrungen. Diese Werke präsentieren dem Betrachter gewöhnliche Menschen, die weder adelige Vorfahren noch Reichtum haben. Aber für Rembrandt, der eine neue Seite in der Geschichte des Porträtgenres aufgeschlagen hat, war es wichtig, die Freundlichkeit seines Modells, ihre wahrhaft menschlichen Qualitäten, zu vermitteln.

Unbekannter Künstler. Parsuna "Souverän der ganzen Rus" Ivan IV der Schreckliche, Ende des 17. Jahrhunderts.

Rembrandts Meisterschaft manifestierte sich auch in seinen großformatigen Gruppenporträts (Nachtwache, 1642; Sindics, 1662), die unterschiedliche Temperamente und lebendige menschliche Persönlichkeiten vermitteln.
Einer der bemerkenswertesten europäischen Porträtmaler des 17. Jahrhunderts war der spanische Künstler D. Velasquez, der nicht nur viele zeremonielle Porträts der spanischen Könige, ihrer Frauen und Kinder malte, sondern auch eine Reihe intimer Bilder einfacher Menschen. Die tragischen Bilder von Hofzwergen wenden sich an die besten Gefühle des Betrachters – weise und zurückhaltend oder verbittert, aber immer mit Menschenwürde („Bildnis des Narren Sebastiano Mora“, um 1648).

Die Porträtgattung wurde im 18. Jahrhundert weiterentwickelt. Das Porträt verschaffte den Künstlern im Gegensatz zur Landschaft ein gutes Einkommen. Viele Maler, die an der Erstellung zeremonieller Porträts beteiligt waren und versuchten, einem reichen und edlen Kunden zu schmeicheln, versuchten, die attraktivsten Merkmale seines Aussehens hervorzuheben und die Mängel zu verschleiern.
Aber die mutigsten und talentiertesten Handwerker hatten keine Angst vor dem Zorn der Herrscher und zeigten die Menschen, wie sie wirklich waren, ohne ihre körperlichen und moralischen Mängel zu verbergen. In diesem Sinne ist das berühmte „Bildnis der Familie von König Karl IV.“ (1801) des berühmten spanischen Malers und Grafikers F. Goya interessant. Die National School of Portraiture hat ihren Ursprung in England. Seine größten Vertreter sind die im 18. Jahrhundert tätigen Künstler J. Reynolds und T. Gainsborough. Ihre Traditionen wurden von jüngeren englischen Meistern geerbt: J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Einen wichtigen Platz nahm das Porträt in der Kunst Frankreichs ein. Einer der talentiertesten Künstler der zweiten Hälfte des 18. – des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts war J.L. David, der neben Gemälden des antiken und historischen Genres viele schöne Porträts geschaffen hat. Zu den Meisterwerken des Meisters zählen ein ungewöhnlich ausdrucksstarkes Bildnis der Madame Recamier (1800) und ein romantisch erhabenes Porträt von Napoleon Bonaparte am St. Bernhard-Pass (1800).

Ein unübertroffener Meister des Porträtgenres war J.O.D. Ingres, der seinen Namen mit zeremoniellen Porträts verherrlichte, die sich durch klangvolle Farben und anmutige Linien auszeichneten.
Schöne Beispiele eines romantischen Porträts wurden der Welt von französischen Künstlern wie T. Gericault und E. Delacroix präsentiert.
Französische Realisten (J.F. Millet, C. Corot, G. Courbet), Impressionisten (E. Degas, O. Renoir) und Postimpressionisten (P. Cezanne, V. van Gogh) drückten ihr Lebens- und Kunstgefühl in Porträts aus.
Auch Vertreter der im 20. Jahrhundert aufkommenden modernistischen Strömungen wandten sich dem Genre des Porträts zu. Viele Porträts hat uns der berühmte französische Künstler Pablo Picasso hinterlassen. An diesen Werken kann man nachvollziehen, wie sich das Werk des Meisters aus den sog. blaue Periode bis zum Kubismus.

In seiner „Blauen Periode“ (1901-1904) schafft er Porträts und Genretypen, in denen er das Thema Einsamkeit, Trauer, den Untergang eines Menschen entwickelt, in die geistige Welt des Helden und seiner feindseligen Umgebung eindringt. So ist das Porträt des Freundes des Künstlers - des Dichters X. Sabartes (1901, Moskau, Puschkin-Museum).

Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei leistete der talentierte Künstler der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, I.N. Nikitin, der mit dem Geschick eines Psychologen in seinem „Portrait of a Outdoor Hetman“ (1720er) ein komplexes, facettenreiches Bild eines Mannes der Petrine-Ära zeigte.

Die Malerei der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ist mit den Namen so berühmter Porträtmaler wie F.S. Rokotov, der viele vergeistigte Bilder seiner Zeitgenossen schuf (Porträt von V.I. Maikov, um 1765), D.G. Levitsky, der Autor wunderschöner Zeremonien- und Kammerporträts, die die Integrität der Natur von Modellen vermitteln (Porträts von Schülern des Smolny-Instituts, ca. 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dessen verblüffend lyrische Frauenporträts die Zuschauer noch heute begeistern.

Borovikovsky, Vladimir Lukich: Porträt von Elena Alexandrovna Naryshkina.

Die 1860er-1870er Jahre waren die Zeit der Realismusbildung in der russischen Malerei, die sich am deutlichsten in der Arbeit der Wanderers manifestierte. In dieser Zeit erfreute sich der Porträttypus im Porträtgenre großer Beliebtheit in der demokratisch gesinnten Öffentlichkeit, in der das Modell nicht nur eine psychologische Bewertung erhielt, sondern auch unter dem Gesichtspunkt ihrer Stellung in der Gesellschaft betrachtet wurde. Dabei achteten die Autoren gleichermaßen auf die individuellen wie auf die typischen Merkmale der dargestellten Sujets.
Ein Beispiel für einen solchen Porträttyp wurde 1867 von dem Künstler N.N. Ge-Porträt von A.I. Herzen. Wenn man sich die Fotografien des demokratischen Schriftstellers ansieht, kann man verstehen, wie genau der Meister die äußere Ähnlichkeit erfasst hat. Aber der Maler hörte hier nicht auf, er hielt das spirituelle Leben eines Menschen auf der Leinwand fest, der danach strebte, im Kampf Glück für sein Volk zu erreichen. Im Bild von Herzen zeigte Ge den kollektiven Typus der besten Menschen seiner Zeit.

N.N. Ge-Porträt von A.I. Herzen

Die Traditionen von Ges Porträtmalerei wurden von Meistern wie V.G. Perov (Porträt von F.M. Dostojewski, 1872), I.N. Kramskoi (Porträt von L. N. Tolstoi, 1873). Diese Künstler schufen eine ganze Galerie von Bildern ihrer herausragenden Zeitgenossen.
Bemerkenswerte Typporträts wurden von I.E. Repin, der es geschafft hat, die einzigartige Individualität jeder Person sehr genau zu vermitteln. Mit Hilfe richtig wahrgenommener Gesten, Körperhaltungen, Mimik gibt der Meister eine soziale und spirituelle Beschreibung des Porträtierten. Eine bedeutende und willensstarke Person erscheint im Porträt von N.I. Pirogow. Das tiefe künstlerische Talent und die Leidenschaft der Natur sieht der Betrachter auf seiner Leinwand, die die Schauspielerin P.A. Strepetow (1882).

Porträt der Schauspielerin Pelageya Antipovna Strepetova als Elizabeth. 1881

Glasunow_ Porträt von Ilya Reznik, 1999

Einen großen Beitrag zur Entwicklung der russischen Porträtmalerei leistete A.M. Shilov ("Porträt des Akademikers I. L. Knunyants", 1974; "Porträt von Olya", 1974).

BIN. Schilow. "Porträt von Olja", 1974

Materialien, die bei der Herstellung des Materials verwendet werden