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एक रंग की परत का दूसरी परत पर अध्यारोपण कहलाता है। सबसे बड़े से लेकर सबसे छोटे तक, सामान्य से विशेष तक ड्राइंग का क्रम

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पेंटिंग करते समय, आपको एक निश्चित क्रम का पालन करना चाहिए। आमतौर पर, एक कलाकार कई छोटे रेखाचित्र बनाकर पेंटिंग या म्यूरल पर काम करना शुरू करता है, जिसमें वह अपने विचार को मूर्त रूप देता है। उसी उद्देश्य के लिए, वह प्रकृति से रेखाचित्र बना सकता है।

फिर कलाकार भविष्य की तस्वीर खींचता है। वह इसके लिए एक पेंसिल, चारकोल या तरल पतला पेंट और एक पतले ब्रश का उपयोग कर सकता है। तथाकथित "ट्रेसिंग पेपर" या "कार्डबोर्ड" का निर्माण उस स्थिति में संभव है जब ड्राइंग को किसी सतह पर स्थानांतरित करने की आवश्यकता हो। कभी-कभी कलाकार काम के इस चरण को छोड़ देते हैं और प्रारंभिक ड्राइंग के बिना तुरंत पेंट से पेंटिंग करना शुरू कर देते हैं।

प्लेन में पेंट लगाने के कई तरीके हैं। कुछ कलाकार ग्लेज़िंग तकनीक का उपयोग करना पसंद करते हैं: सूखे पेंट की परत पर पतली पारदर्शी परतें लगाएं। अन्य एक कोट में वांछित रंग समाधान प्राप्त करते हैं, जबकि अन्य अलग-अलग स्ट्रोक का उपयोग करते हैं।

एक कलाकार एक साथ ड्राइंग, रचना, मूर्तिकला के रूपों, अंतरिक्ष को स्थानांतरित करने और रंग भरने पर काम कर सकता है। इसलिए पी. सेज़ान को काम करना पसंद था, खासकर जब उन्होंने प्रकृति से अपने परिदृश्य या अभी भी जीवन को चित्रित किया।

हालाँकि, यह रास्ता सभी के लिए उपलब्ध नहीं है। आपके पास एक उत्कृष्ट दृश्य स्मृति, सटीक ड्राइंग, रचनात्मक सोच, रंग की त्रुटिहीन भावना होनी चाहिए।

अधिकांश कलाकार सामान्य से विशेष तक काम करना पसंद करते हैं, धीरे-धीरे वस्तुओं के मुख्य रंग को लागू करते हैं और वॉल्यूम के मॉडलिंग का अनुसरण करते हैं। फिर वे रंग, रंग प्रतिबिंब, चित्र के समग्र रंग की बारीकियों को परिष्कृत करते हैं। अंतिम चरण में, वे फिर से सामान्यीकरण के लिए आगे बढ़ते हैं। कार्य की अखंडता को प्राप्त करने के लिए, आप अनावश्यक विवरण निकाल सकते हैं, विरोधाभासों को कमजोर कर सकते हैं, मुख्य बात को उजागर कर सकते हैं। इस तरह अद्भुत कलाकार ए ए इवानोव को काम करना पसंद था। पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" बनाने से पहले उन्होंने बहुत तैयारी की। ट्रीटीकोव गैलरी में इस पेंटिंग के बगल में प्रदर्शित कई सचित्र रेखाचित्र लेखक की रचनात्मक खोज का पता लगाने में मदद करते हैं।

शैक्षिक उद्देश्यों के लिए, चित्रात्मक रचना पर क्रमिक रूप से काम करना बेहतर होता है। पेंटिंग के कुछ रहस्यों और रहस्यों को जानने के लिए इस पुस्तक के अंत में दिए गए उस्तादों के कथन आपकी मदद करेंगे।

कलाकार-चित्रकार अपने आसपास की दुनिया की सुंदरता को पेंट्स की मदद से व्यक्त करते हैं। आप कोई भी आधार चुन सकते हैं: कैनवास, कागज, कार्डबोर्ड, बोर्ड, दीवार, आदि। आधार आमतौर पर विशेष यौगिकों के साथ तैयार किया जाता है। पेंटर कई तरह के पेंट का इस्तेमाल करते हैं: गौचे, वॉटरकलर, ऑयल टेम्परा आदि। क्या पेंट को बेस पर लगाया जाता है? विभिन्न मोटाई के गोल और सपाट ब्रश। कभी-कभी इसके लिए एक पैलेट चाकू, चीर का उपयोग किया जाता है, यहां तक \u200b\u200bकि उंगली से पेंट भी लगाया जाता है, लेकिन फिर भी विशेष उपकरणों की मदद से पेंटिंग बनाना बेहतर होता है, न कि तात्कालिक साधनों से। लिखने की तकनीक, इसकी विशेषताएं काफी हद तक पेंट्स, सॉल्वैंट्स, टूल्स के गुणों पर निर्भर करती हैं।

ड्राइंग कहाँ से शुरू करें? नौसिखिए कलाकारों द्वारा यह सवाल अक्सर तब पूछा जाता है जब वे काम शुरू करते हैं। हालाँकि, अनुभवी ड्राफ्ट्समैन लंबे समय से इसका उत्तर जानते हैं, क्योंकि शास्त्रीय कला विद्यालय में काम करने का एक अद्भुत सिद्धांत है। आपको सामान्य से विशेष की ओर, सबसे बड़े से सबसे छोटे की ओर खींचना या लिखना चाहिए।

इसे स्पष्ट रूप से समझने के लिए, यह याद रखना पर्याप्त है कि छोटे बच्चे कैसे चित्र बनाते हैं। अक्सर एक बच्चा किसी वस्तु के आकार के बारे में या यह पर्यावरण में कैसे फिट बैठता है, इसके बारे में सोचे बिना किसी वस्तु के विस्तृत चित्र पर ध्यान केंद्रित करेगा। बच्चे एक बड़ी शीट पर छोटी आकृति बना सकते हैं। ऐसा होता है कि खींची गई वस्तु शीट के कोने में कहीं होती है, और चारों ओर खाली जगह होती है। बच्चे, अपनी उम्र के कारण, पूरी शीट को समग्र रूप से नहीं देखते हैं, इसलिए वे सब कुछ अलग-अलग बनाते हैं।

कुछ ऐसा ही होता है जब इच्छुक कलाकार रेखांकन या पेंटिंग करना शुरू करते हैं। मैं चित्र की एकता के बारे में सोचे बिना, इस विवरण को पर्यावरण के अधीन कैसे किया जाना चाहिए, इसके बारे में सोचे बिना, एक ही विवरण की सभी सुंदरता को व्यक्त करना चाहूंगा। लेकिन जब आप "ईमानदारी से" दूर से काम किए गए टुकड़े को देखते हैं, चित्रफलक से दूर जा रहे हैं, तो आप देखते हैं कि सब कुछ इतना अच्छा नहीं है जितना कि यह करीब से लग रहा था। हो सकता है कि विवरण ही सफल रहा हो, हालाँकि, यह बाकी ड्राइंग में फिट नहीं हुआ, इसलिए सामान्य तौर पर सब कुछ टेढ़ा हो गया। आइए इसे एक उदाहरण के साथ देखें।

मान लीजिए कि एक कलाकार चित्र बना रहा है। और वह तुरंत आंख खींचकर काम करना शुरू कर देता है, बाकी सब कुछ भूल जाता है। अगला, नाक, होंठ, पूरे चेहरे और सिर की रूपरेखा तैयार करें। फिर वह पूरी तस्वीर को पूरा करता है। यही है, मैंने ड्राइंग को आंख से शुरू किया, और सिर के पूरे सिल्हूट के साथ समाप्त किया (चित्रण देखें)। नतीजतन, आंख खुद निकली, लेकिन किनारे पर चली गई। नाक और होठों के साथ भी यही हुआ। इसलिए, चित्र न केवल भिन्न निकला, बल्कि टेढ़ा भी था।

लेकिन ऐसा क्यों हुआ? क्योंकि कलाकार ने पहले छोटी वस्तुओं को बनाना शुरू किया और फिर बड़े रूपों के साथ समाप्त किया। यानी उन्होंने छोटे से लेकर बड़े तक काम किया। लेकिन अगर उसने सिर के समोच्च, चेहरे के अंडाकार (यानी, एक बड़े से) के साथ काम करना शुरू कर दिया था, और फिर नाक, होंठ, आँखें (छोटी) पर चले गए - उपरोक्त त्रुटि नहीं हुई होगी ( अधिक सटीक रूप से, इसकी संभावना कम होती)। आखिरकार, बड़े रूपों के आधार को रेखांकित करने से इसमें छोटे विवरण दर्ज करना बहुत आसान हो जाता है। दूरियों और अनुपातों की तुलना करना आसान है। और अगर आप बड़े सिल्हूटों को परिभाषित किए बिना छोटी चीजों से शुरू करते हैं, तो बाद में एक से दूसरे में फिट होना बहुत मुश्किल होगा। इसलिए, कलाकार सबसे बड़े से लेकर सबसे छोटे तक ड्राइंग के क्रम का उपयोग करते हैं। और हालाँकि यह तरीका अपने आप में सफलता की गारंटी नहीं देता है, लेकिन यह काम में बहुत मदद करता है। लेकिन क्या आप जिस तरह से चाहते हैं उसे आकर्षित करना संभव नहीं है? किसी भी क्रम में? महान अनुभव वाले महान स्वामी बिंदु "ए" से ड्राइंग शुरू कर सकते हैं और अनुक्रम के बारे में सोचे बिना बिंदु "बी" पर समाप्त कर सकते हैं। सब कुछ उनके लिए पहले से ही एक सहज स्तर पर काम करता है, क्योंकि उनके पास विशाल अनुभव है। लेकिन ज्यादातर मामलों में, यह सिफारिश की जाती है कि काम शुरू करने के लिए ट्राइफल्स के साथ नहीं, बल्कि सामान्य, बड़े लोगों के साथ, पूरी तस्वीर को देखते हुए। आखिरकार, महान स्वामी, भले ही वे ड्राइंग के शास्त्रीय चरणों का उल्लंघन करते हों, फिर भी पूरी तस्वीर को अपने दिमाग में देखते हैं, टुकड़ों में नहीं।

छोटे-छोटे विवरणों में संपूर्णता को देखना कई कारणों से बहुत महत्वपूर्ण है। उनमें से एक सामान्यीकरण करने की क्षमता है। सामान्यीकरण के बिना ड्राइंग या पेंटिंग की कल्पना करना असंभव है। सामान्यीकरण न केवल चीजों को आसान बनाने का एक तरीका है। सामान्यीकरण के माध्यम से, कलाकार यह भ्रम पैदा करते हैं कि एक पेंटिंग या ड्राइंग जीवन में आ सकती है। उदाहरण के लिए, फूलों का गुलदस्ता लें। यदि आप इसे अलग-अलग पंखुड़ियों से लिखना शुरू करते हैं, और इस तरह के एक विस्तृत पत्र के साथ अंत तक काम करना जारी रखते हैं, तो पेंटिंग में न केवल त्रुटियां हो सकती हैं, बल्कि कम अभिव्यंजक, "सूखी" भी हो सकती हैं। हालांकि, अगर कलाकार बड़े द्रव्यमान के साथ काम करना शुरू कर देता है, फूलों को सामान्य करता है और समूहों में जोड़ता है, और फिर अलग-अलग फूलों को विस्तार से चित्रित करता है, तो इस तरह के अनुक्रम से रंगों में भ्रमित न होने में मदद मिलेगी, मुख्य बात देखने के लिए, पेंटिंग को जीवंत बनाने के लिए। चयन के प्रभाव से जीवंत, जब कलाकार माध्यमिक को सामान्य करता है और मुख्य बात पर प्रकाश डालता है। विस्तृत और सामान्यीकृत का पड़ोस एक भ्रम पैदा करता है जिसमें दर्शाया गया दृश्य जीवंत लगता है।

इस तरह के चयन के लिए एक व्यक्ति से बड़ी तस्वीर देखने की क्षमता, मुख्य बात पर ध्यान देने की क्षमता, ट्राइफल्स पर ध्यान केंद्रित न करने की आवश्यकता होती है। जब इस संबंध में एक कलाकार की नजर होगी, तो वह यह निर्धारित करने में बेहतर होगा कि क्या सामान्यीकृत किया जाना चाहिए और इसे कैसे करना है। इस कोण से चित्र को देखते हुए, कलाकार अनुपातों को अधिक सटीक रूप से निर्धारित करने में सक्षम होगा, रंग और स्वर संबंधों को बेहतर ढंग से देख पाएगा।

पेंटिंग बनाते समय, एक निश्चित क्रम का पालन करना आवश्यक है। आमतौर पर कलाकार एक पेंटिंग या वॉल पेंटिंग पर कई छोटे कंपोजिशन स्केच के साथ काम करना शुरू करता है, जिसमें वह अपने विचार को मूर्त रूप देता है। उसी उद्देश्य के लिए, वह प्रकृति से रेखाचित्र बना सकता है।

एक दिलचस्प सचित्र कैनवास बनाने के लिए, आसपास के जीवन में दिलचस्प घटनाओं, पात्रों, उद्देश्यों, कोणों और स्थितियों को देखना सीखना आवश्यक है। प्रकृति से रेखाचित्रों, रेखाचित्रों और रेखाचित्रों के निरंतर निष्पादन से न केवल आँख और हाथ का विकास होता है, बल्कि रचनात्मक सोच भी विकसित होती है।

जीवन में एक दिलचस्प रचनात्मक रूपांकनों को देखना इतना आसान नहीं है। एक दृश्यदर्शी फ्रेम, जो स्वयं बनाना आसान है, इसमें मदद कर सकता है। मुख्य बात यह है कि इसके विपरीत पक्ष जंगम रहते हैं, फिर देखने के क्षेत्र में प्रवेश करने वाली वस्तुओं के चक्र को प्रारूप में बदलना, बढ़ाना या घटाना आसान होगा। यदि कोई फ्रेम नहीं है, तो आप बस अपनी हथेलियों को इस तरह मोड़ सकते हैं, जैसा कि चित्र में दिखाया गया है।

रचना के लिए सबसे अभिव्यंजक कथानक चुनना भी कोई आसान काम नहीं है। सैकड़ों लोग एक ही कथानक को अलग-अलग तरह से देखते और समझते हैं, यानी वे अपना संस्करण बनाते हैं। कथानक को यह समझा जाना चाहिए कि कलाकार सीधे कैनवास पर क्या दर्शाता है, और सामग्री या विषय अधिक व्यापक हो सकता है, अर्थात एक ही विषय पर विभिन्न भूखंडों के साथ काम किया जा सकता है।

छवि की शुरुआत से पहले ही भविष्य की तस्वीर की कल्पना करने की कोशिश करना महत्वपूर्ण है। एक नियम के रूप में, सबसे अभिव्यंजक रचना खोजने के लिए कलाकार पहले कई छोटे रेखाचित्र बनाता है। इस स्तर पर, चित्र का प्रारूप (लंबवत, आयताकार, वर्गाकार, क्षैतिज रूप से लम्बाई आदि) और उसका आकार निर्धारित किया जाता है।

लम्बा प्रारूप छवि को सद्भाव और उदात्तता की भावना देता है। महाकाव्य कार्रवाई को चित्रित करने के लिए क्षैतिज रूप से स्थित एक आयत के रूप में प्रारूप सुविधाजनक है। हम पहले ही कह चुके हैं कि सुनहरे अनुपात पर आधारित प्रारूप एक विस्तृत परिदृश्य रूपांकन को चित्रित करने के लिए उपयुक्त है। एक पूर्ण विकर्ण द्वारा एक वर्ग को बड़ा करके प्राप्त किया गया प्रारूप, एक परिदृश्य, स्थिर जीवन और विषयगत रचना को चित्रित करने के लिए समान रूप से सुविधाजनक है।

ऊर्ध्वाधर प्रारूप में अत्यधिक वृद्धि छवि को एक स्क्रॉल में बदल देती है, और क्षैतिज प्रारूप में अत्यधिक वृद्धि एक मनोरम या फ्रिजी रचना के उपयोग को निर्धारित करती है। एक प्रारूप चुनते समय, रचना की मुख्य वस्तुओं के स्थान को ध्यान में रखा जाना चाहिए - क्षैतिज या लंबवत, भूखंड का विकास - बाएं से दाएं, चित्र की गहराई में, आदि।

संतुलित, स्थिर रचनाओं को बनाने के लिए वर्ग प्रारूप का सबसे अच्छा उपयोग किया जाता है क्योंकि वे समान केंद्रीय अक्षों और छवि सीमाओं के समान पक्षों से मानसिक रूप से संबंधित होते हैं।

एक अंडाकार और एक वृत्त में रचना काल्पनिक परस्पर लंबवत केंद्रीय अक्षों के सापेक्ष निर्मित होती है। छवि के ऊपर और नीचे स्पष्ट रूप से परिभाषित किया जाना चाहिए। अंडाकार को अक्सर पोर्ट्रेट के प्रारूप के रूप में उपयोग किया जाता है, क्योंकि यह कॉन्फ़िगरेशन मानव चेहरे के अंडाकार या बस्ट की रूपरेखा से आसानी से मेल खाता है।

कलाकार जटिल विन्यास स्वरूपों का भी उपयोग करते हैं, जिसमें दो ज्यामितीय आकृतियों का संयोजन होता है, जैसे आधा-वृत्त और एक आयत।

स्केच में, एक सामान्य रचना योजना तैयार की जाती है, बिना विस्तृत ड्राइंग के मुख्य अभिनेताओं का स्थान और संबंध। शायद स्केच की टोन और रंग योजना। इसके बाद, वे रचना के आरेखण की ओर बढ़ते हैं, फिर उसके सचित्र अवतार के लिए।

काम के दिलचस्प चरणों में से एक प्राकृतिक सामग्री का संग्रह है: चुने हुए साजिश के आधार पर आसपास के जीवन, स्केच और घर के स्केच और सड़क पर अवलोकन। आप प्लॉट चुनने के तुरंत बाद प्राकृतिक सामग्री एकत्र कर सकते हैं, या रचना के पहले स्केच के बाद कर सकते हैं।

फिर कलाकार एक पेंसिल, लकड़ी का कोयला या तरल पतला पेंट और एक पतले ब्रश का उपयोग करके भविष्य की तस्वीर खींचता है। यदि ड्राइंग को किसी सतह पर स्थानांतरित करने की आवश्यकता है, तो तथाकथित ट्रेसिंग पेपर या कार्डबोर्ड का निर्माण संभव है। यदि ड्राइंग में कुछ काम नहीं करता है, तो आप एक बार फिर से स्केच पर जा सकते हैं, उन विवरणों पर काम कर सकते हैं जो कठिनाइयाँ पैदा करते हैं और फिर एकत्रित प्राकृतिक सामग्री का उपयोग करके ड्राइंग को परिष्कृत करते हैं। आप एक नया रचनाकार भी बना सकते हैं।" विचार को स्पष्ट करने के लिए, जीवन से पूर्ण रेखाचित्रों और रेखाचित्रों को ध्यान में रखते हुए।

उसके बाद, वे कैनवास के सुरम्य समाधान की ओर बढ़ते हैं। सबसे पहले, अंडरपेंटिंग तरल पतला पेंट के साथ किया जाता है, जिसमें वस्तुओं के सामान्य रंग और स्वर संबंध, उनका स्थानीय रंग निर्धारित किया जाता है। फिर वे मुख्य मंच पर आगे बढ़ते हैं - कैनवास का वास्तविक सचित्र समाधान। वॉल्यूम मॉडलिंग के लिए सामान्य से विशेष तक सब कुछ करना बेहतर है, धीरे-धीरे वस्तुओं के मुख्य रंग और तेल को लागू करना। रंग, रंग प्रतिबिंब, चित्र के समग्र रंग के विपरीत और बारीकियों को स्पष्ट करना आवश्यक है। अंतिम चरण में, वे फिर से सामान्यीकरण के लिए आगे बढ़ते हैं। कार्य की अखंडता को प्राप्त करने के लिए, अनावश्यक यात्रियों को हटाना, विरोधाभासों को कमजोर करना, मुख्य बात को उजागर करना आवश्यक है।

पेंटिंग के निष्पादन के सूचीबद्ध चरण विशेष रूप से शैक्षिक उद्देश्यों के लिए बहुत महत्वपूर्ण हैं। हालाँकि, ऐसा होता है कि कलाकार कुछ मंचों को मना कर देते हैं। हर कोई अलग तरह से काम करता है। कुछ एक विस्तृत रेखाचित्र बनाते हैं, जबकि अन्य प्रारंभिक पेंसिल ड्राइंग के बिना सीधे लिखते हैं। कोई चित्र के लिए प्रकृति में हर चीज की लगातार खोज करता है, प्रकृति की विभिन्न अवस्थाओं में रेखाचित्र बनाता है, उपयुक्त वेशभूषा और पोज़ में बैठने वालों को आकर्षित करता है, आवश्यक ऐतिहासिक या कला ऐतिहासिक सामग्री का अध्ययन करता है। एक अन्य कलाकार अपनी दृश्य स्मृति और कल्पना पर अधिक भरोसा करता है और आम तौर पर प्रकृति का अध्ययन करने से इनकार करता है।

एक कलाकार एक साथ ड्राइंग, रचना, मूर्तिकला रूप, स्थान और रंग के प्रतिपादन पर काम कर सकता है। इस तरह से पी. सीज़ेन को काम करना पसंद था, खासकर जब उन्होंने अपने परिदृश्यों को चित्रित किया या फिर भी प्रकृति से जीवित रहे। हालाँकि, यह रास्ता सभी के लिए उपलब्ध नहीं है। आपके पास एक उत्कृष्ट दृश्य स्मृति, सटीक ड्राइंग, रचनात्मक सोच, रंग की त्रुटिहीन भावना होनी चाहिए।

अधिकांश कलाकार पेंटिंग बनाने के लिए सभी आवश्यक कदमों का पालन करना पसंद करते हैं। इसी तरह एलए इवानोव को काम करना पसंद था। उन्होंने पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" के लिए काफी प्रारंभिक कार्य किया। स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी में प्रदर्शित कई सचित्र रेखाचित्र लेखक की रचनात्मक खोज का पता लगाने में मदद करते हैं।

पेंटिंग पर काम के बारे में जो कुछ भी कहा गया है, उसे स्थायी, अनिवार्य और अपरिवर्तनीय क्रम के रूप में नहीं समझा जाना चाहिए। हालांकि, नियमों का पालन करने से कौशल में महारत हासिल करने के लिए अच्छे परिणाम प्राप्त करने में मदद मिलती है।

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आंदोलन हस्तांतरण नियम।पेंटिंग में एक वस्तु निम्नलिखित परिस्थितियों में चलती हुई दिखाई देगी:

* यदि कार्डिन पर एक या अधिक विकर्ण रेखाएँ, गति की दिशा का उपयोग किया जाता है; *यदि आप किसी चलती हुई वस्तु के सामने खाली जगह छोड़ते हैं;

*यदि आप आंदोलन का एक निश्चित क्षण चुनते हैं, जो सबसे स्पष्ट रूप से इसके चरित्र को दर्शाता है, तो यह इसकी परिणति है।

इसके अलावा, छवि गतिमान प्रतीत होगी यदि यह गति के एक क्षण को नहीं, बल्कि इसके क्रमिक चरणों को पुन: निर्मित करती है। उदाहरण के लिए, प्राचीन मिस्र की राहत पर। प्रत्येक आकृति एक निश्चित स्थिति में जम जाती है, लेकिन, एक वृत्त में रचना पर विचार करते हुए, अनुक्रम को गति में देखा जा सकता है।

आंदोलन केवल तभी समझ में आता है जब काम को समग्र रूप से माना जाता है, न कि आंदोलन के अलग-अलग क्षणों को। चलती वस्तु के सामने मुक्त स्थान मानसिक रूप से गति को जारी रखना संभव बनाता है, जैसे कि हमें इसके साथ चलने के लिए आमंत्रित करना।

एक अन्य मामले में, जब वस्तु को शीट के किनारे के बहुत करीब दिखाया जाता है, तो ऐसा लगता है कि गति को जारी नहीं रखा जा सकता है।

आप चित्र की रेखाओं की दिशा की सहायता से गति पर जोर दे सकते हैं। उदाहरण के लिए, यदि सभी पंक्तियों को शीट में गहराई तक निर्देशित किया जाता है। यदि नायक को उसकी ताकत के उच्चतम तनाव के क्षण में चित्रित किया जाता है, तो आंदोलन की अभिव्यक्ति प्राप्त की जाती है। साथ ही, धुंधली पृष्ठभूमि से गति का आभास होता है। वस्तुओं की अस्पष्ट, अस्पष्ट आकृति। बड़ी संख्या में लंबवत या क्षैतिज पृष्ठभूमि रेखाएं आंदोलन को धीमा कर सकती हैं।

दिशा बदलने से कभी-कभी इसकी गति बढ़ जाती है या धीमी हो जाती है। हमारे दर्शन की विशेषता है कि हम पाठ को बाएँ से दाएँ पढ़ते हैं, और बाएँ से दाएँ आंदोलन को समझना आसान है, यह तेज़ लगता है।

स्थिर स्थानांतरण नियम।एक रचना को निम्नलिखित शर्तों के तहत स्थिर माना जाता है;

*यदि चित्र में कोई तिरछी दिशाएँ नहीं हैं;

यदि वस्तुओं को सैक्स के अनुसार शांत (स्थिर) में दर्शाया गया है, तो क्रिया का कोई चरमोत्कर्ष नहीं है;

यदि रचना सममित, संतुलित या सरल ज्यामितीय पैटर्न (त्रिकोण, वृत्त, अंडाकार, वर्ग, आयत) के आधार पर निर्मित है।

अन्य परिस्थितियों में कला के काम में शांति की भावना पैदा हो सकती है।

उदाहरण के लिए, के। कोरोविन की पेंटिंग "इन विंटर" में, विकर्ण दिशाओं की उपस्थिति के बावजूद, बेपहियों की गाड़ी वाला घोड़ा शांति से खड़ा है, निम्नलिखित कारणों से आंदोलन की कोई भावना नहीं है: पेंटिंग के ज्यामितीय और रचना केंद्र मेल खाते हैं, रचना संतुलित है, और घोड़े के सामने की खाली जगह एक पेड़ द्वारा अवरुद्ध है।

प्लॉट-रचनात्मक केंद्र का चयन: रचना बनाते समय, यह निर्धारित करना आवश्यक है कि चित्र में मुख्य बात क्या होगी, और इस मुख्य चीज़ को कैसे उजागर किया जाए, इसका ध्यान रखें, अर्थात् कथानक और रचना केंद्र, जिसे अक्सर "सिमेंटिक सेंटर" कहा जाता है या तस्वीर का "दृश्य केंद्र"।

बेशक, कथानक में सब कुछ समान रूप से महत्वपूर्ण नहीं है, और माध्यमिक भाग मुख्य भाग के अधीनस्थ हैं। रचना के केंद्र में प्लॉट प्लॉट, मुख्य क्रिया और मुख्य पात्र शामिल हैं।

रचना केंद्र को सबसे पहले ध्यान आकर्षित करना चाहिए। केंद्र को रोशनी, रंग, छवि के विस्तार, विरोधाभासों और अन्य साधनों से अलग किया जाता है।

न केवल चित्रों में, बल्कि ग्राफिक्स, मूर्तिकला, सजावटी कलाओं, वास्तुकला में भी रचना केंद्र प्रतिष्ठित है। उदाहरण के लिए, पुनर्जागरण के उस्तादों ने कैनवास के केंद्र के साथ मेल खाने के लिए रचना केंद्र को प्राथमिकता दी।

मुख्य पात्रों को इस तरह रखकर, कलाकार उनकी महत्वपूर्ण भूमिका, कथानक के लिए उनके महत्व पर जोर देना चाहते थे।

रचना के केंद्र को कैनवास पर कहीं भी रखते हुए कलाकार चित्र बनाने के लिए कई विकल्प लेकर आए हैं। इस तकनीक का उपयोग आंदोलन, घटनाओं की गतिशीलता, वी। सुरिकोव की पेंटिंग "बॉयर मोरोज़ोवा" में कथानक के तेजी से विकास के लिए सफलतापूर्वक किया गया था।

रेम्ब्रांट की पेंटिंग "द रिटर्न ऑफ द प्रोडिगलल सोन" एक रचना का एक उत्कृष्ट उदाहरण है जहां काम के मुख्य विचार के सबसे सटीक प्रकटीकरण के लिए मुख्य बात को केंद्र से दृढ़ता से स्थानांतरित किया जाता है।

इस चित्र का कथानक सुसमाचार के दृष्टांत से प्रेरित है। उनके घर की दहलीज पर एक पिता और पुत्र मिले, जो दुनिया भर में घूमकर लौटे। वांडरर्स रैग्स को पेंट करना। ऐसा लगता है कि रेम्ब्रांट अपने बेटे द्वारा तय किए गए कठिन रास्ते के बारे में एक कहानी बता रहे हैं।

खोए हुए लोगों की पीड़ा के प्रति सहानुभूति रखते हुए आप इसे लंबे समय तक वापस देख सकते हैं। अग्रभूमि से शुरू होकर, प्रकाश और छाया और रंग विरोधाभासों के लगातार कमजोर होने के कारण अंतरिक्ष की गहराई उत्पन्न होती है। वास्तव में, यह याचिका के सिएना के गवाहों के आंकड़ों द्वारा बनाया गया है, जो धीरे-धीरे धुंधलके में घुल रहा है।

अंधे पिता ने क्षमा के प्रतीक के रूप में अपने बेटे के कंधों पर हाथ रखा। इस भाव में - वर्षों से संचित ज्ञान, दर्द और लालसा, चिंता और क्षमा में रहते थे। रेम्ब्रांट चित्र में प्रकाश के साथ मुख्य बात पर प्रकाश डालते हैं, इस पर हमारा ध्यान केंद्रित करते हैं।

रचना केंद्र चित्र के लगभग किनारे पर स्थित है। कलाकार दाईं ओर खड़े सबसे बड़े बेटे की आकृति के साथ रचना को संतुलित करता है। ऊंचाई में एक तिहाई दूरी पर मुख्य शब्दार्थ केंद्र का स्थान स्वर्ण खंड के नियम से मेल खाता है।

प्राचीन काल से, इसका उपयोग कलाकारों द्वारा अपनी रचनाओं की सबसे बड़ी अभिव्यक्ति प्राप्त करने के लिए किया जाता रहा है।

रचना में स्वर्ण खंड का नियम(एक तिहाई)। रचना केंद्र की पहचान करने के लिए, छवि का सबसे महत्वपूर्ण तत्व सुनहरे खंड के अनुपात के अनुसार रखा गया है, जो कि लगभग "पूरे के डॉट" की दूरी पर है। चित्रित वस्तुओं के पक्षों के आनुपातिक अनुपात और सद्भाव प्राप्त करने के लिए कैनवास को ही सुनहरे खंड के आधार पर बनाया जाना चाहिए।

दो या अधिक रचनात्‍मक केंद्रों वाले चित्र आपको कई घटनाओं को दिखाने की अनुमति देते हैं जो एक साथ घटित होती हैं और उनके महत्व में बराबर होती हैं।

वेलास्केज "लास मेनिनस" और इसकी योजना की तस्वीर पर विचार करें। तस्वीर का एक रचनात्मक केंद्र युवा शिशु है। महिला-इन-वेटिंग दोनों ओर से उसकी ओर झुक गई। कैनवास के ज्यामितीय केंद्र में एक ही आकार और एक ही आकार के दो विपरीत धब्बे होते हैं। वे विपरीत हैं, जैसे दिन और रात, एक सफेद, दूसरा काला - ये बाहरी दुनिया के दो निकास हैं - चित्र का एक और रचना केंद्र।

एक निकास सूर्य द्वारा प्रकाशित एक द्वार है। दूसरा एक दर्पण है जिसमें शाही जोड़ा परिलक्षित होता है। दूसरे निकास को एक धर्मनिरपेक्ष समाज के निकास के रूप में माना जा सकता है। तस्वीर में प्रकाश और अंधेरे की शुरुआत के विपरीत को कलाकार और शासक के बीच विवाद के रूप में समझा जा सकता है।

कलाकार द्वारा दर्शाए गए पात्र कल्पनाशील दर्शक के लिए एक दूसरे से संबंधित या विपरीत (कलाकार और राजा, दरबारियों और अभिजात वर्ग, सौंदर्य और कुरूपता, बच्चे और माता-पिता, लोगों और जानवरों) के चित्र बनाने के लिए पर्याप्त हैं।

एक चित्र में, आप मुख्य बात को उजागर करने के लिए एक साथ कई विधियों का उपयोग कर सकते हैं।

उदाहरण के लिए, "आइसोलेशन" (अन्य वस्तुओं से अलगाव में मुख्य चीज़ की छवि) की तकनीक का उपयोग मुख्य चीज़ को आकार और रंग में हाइलाइट करके किया जा सकता है।

औपचारिक रूप से नहीं, बल्कि इस तरह से प्लॉट-रचनात्मक केंद्र को उजागर करने के तरीकों का उपयोग करना महत्वपूर्ण है। कार्य के विचार और सामग्री को सर्वोत्तम रूप से प्रकट करने के लिए।

रचना में समरूपता और विषमता का स्थानांतरण।विभिन्न युगों के कलाकारों ने चित्र के सममित निर्माण का उपयोग किया। कई प्राचीन मोज़ाइक सममित थे। पुनर्जागरण के चित्रकारों ने अक्सर समरूपता के नियमों के अनुसार अपनी रचनाएँ बनाईं। यह निर्माण आपको शांति, महिमा, विशेष गंभीरता और घटनाओं के महत्व की छाप प्राप्त करने की अनुमति देता है। एक सममित रचना में, चित्र के केंद्रीय अक्ष के संबंध में लोगों या वस्तुओं को लगभग प्रतिबिम्बित किया जाता है।

कला में समरूपता वास्तविकता पर आधारित है, सममित रूपों से परिपूर्ण है।

उदाहरण के लिए, एक मानव आकृति, एक तितली, एक हिमपात आदि सममित हैं। सममित रचनाएँ स्थिर (स्थिर) हैं, बाएँ और दाएँ भाग संतुलित हैं।

एक असममित रचना में, वस्तुओं की व्यवस्था सबसे विविध हो सकती है, काम के कथानक और इरादे के आधार पर, बाएँ और दाएँ भाग संतुलित नहीं होते हैं।

रचना में संतुलन का स्थानांतरण।एक सममित रचना में, सभी भाग संतुलित होते हैं, एक विषम रचना संतुलित और असंतुलित हो सकती है। एक बड़ा प्रकाश स्थान एक छोटे से अंधेरे से संतुलित होता है।

कई छोटे धब्बों को एक बड़े द्वारा संतुलित किया जा सकता है। कई विकल्प हैं: भागों को वजन, रट और रंग से संतुलित किया जाता है। संतुलन स्वयं आंकड़ों और उनके बीच के अंतराल दोनों से संबंधित है।

विशेष अभ्यास रचना में संतुलन की भावना विकसित करते हैं। यह सीखना जरूरी है कि बड़े और छोटे मूल्यों, प्रकाश और अंधेरे, विभिन्न सिल्हूटों और रंगीन धब्बे को कैसे संतुलित किया जाए। यहां झूले पर संतुलन खोजने के आपके अनुभव को याद करना उपयोगी होगा।

हर कोई आसानी से समझ सकता है कि झूले के दूसरे छोर पर दो बच्चों को बिठाकर एक किशोर को संतुलित किया जा सकता है। और बच्चा एक वयस्क के साथ भी झूल सकता है जो झूले के किनारे पर नहीं, बल्कि केंद्र के करीब बैठता है।

यही प्रयोग बाटों के साथ भी किया जा सकता है। इस तरह की तुलना तस्वीर के विभिन्न हिस्सों को आकार, स्वर और रंग में सामंजस्य स्थापित करने में मदद करती है, यानी रचना में संतुलन खोजने के लिए।

एक असममित संरचना में, संतुलन कभी-कभी पूरी तरह अनुपस्थित होता है यदि सिमेंटिक केंद्र चित्र के किनारे के करीब होता है। यदि आप इसकी दर्पण छवि को देखते हैं तो चित्र की छाप बदल जाती है। रचना में संतुलन खोजने की प्रक्रिया में हमारी दृष्टि की इस संपत्ति को भी ध्यान में रखा जाना चाहिए।

रचना के नियम, तकनीक और साधन कई पीढ़ियों के कलाकारों के समृद्ध रचनात्मक अनुभव पर आधारित हैं, लेकिन रचना की तकनीक स्थिर नहीं है, यह लगातार विकसित हो रही है, नए स्वामी के रचनात्मक अभ्यास से समृद्ध है। रचना के कुछ तरीके क्लासिक बन जाते हैं, लेकिन नए दिखाई देते हैं, क्योंकि जीवन कला के लिए अन्य कार्य निर्धारित करता है।

3 . पेंटिंग की सामग्री और तकनीकों में से एक के रूप में गौचे

3.1 पेंटिंग कला सामग्री और कार्य तकनीक

चित्रकार पेंट्स की मदद से अपने आसपास की दुनिया की सुंदरता को व्यक्त करते हैं: गौचे, जल रंग, तड़का, तेल, आदि। आप कोई भी आधार चुन सकते हैं: कैनवास, कागज, कार्डबोर्ड, बोर्ड, दीवार, आदि। यौगिक। पेंट को विभिन्न मोटाई के गोल और सपाट ब्रश के साथ आधार पर लगाया जाता है। कभी-कभी इसके लिए पैलेट नाइफ का इस्तेमाल किया जाता है। चाकू। एक चीर, एक उंगली भी, लेकिन तात्कालिक साधनों के बजाय विशेष उपकरणों का उपयोग करना बेहतर है।

पेंट्स को पैलेट पर बिछाया जाता है और वांछित रंग की छाया प्राप्त करने के लिए मिश्रित किया जाता है। एक पैलेट एक आयताकार, अंडाकार या अन्य आकार का एक छोटा पतला बोर्ड होता है। तेल पैलेट चित्रकारीमुख्य रूप से लकड़ी और काम के लिए बने होते हैं जल रंग और गौचे- सफेद प्लास्टिक से, कभी-कभी पेंट के लिए खांचे के साथ। मैं कभी-कभी इसे पैलेट के रूप में उपयोग करता हूं! सफेद तश्तरी, टाइल या कागज का टुकड़ा। एक कलाकार द्वारा उपयोग किए जाने वाले रंगों की सूची को पैलेट भी कहा जाता है। इस अर्थ में, "पैलेट" शब्द "रंग" की अवधारणा के करीब है।

लिखने की तकनीक, इसकी विशेषताएं काफी हद तक पेंट्स, सॉल्वैंट्स, टूल्स के गुणों पर निर्भर करती हैं। XVII के अंत तक - XVIII सदी की शुरुआत। कलाकारों और प्रशिक्षुओं ने अपने दम पर पेंट तैयार किया, यह आमतौर पर छात्रों को सौंपा जाता था। वे पत्थरों को एक पाउडर में पीसते हैं और इसे गोंद, तेल या अंडे से मिलाते हैं। पेंट्स के औद्योगिक उत्पादन ने रंग पैलेट को और अधिक विविध बना दिया है।

पेंटिंग के लिए पेंट्स के विशेष नाम हैं। बहुत बार ये नाम रासायनिक या प्राकृतिक तत्वों (खनिज, पौधे) से जुड़े होते हैं जिनसे वे बने होते हैं। सभी पेंट्स का आधार - वर्णक - ये विभिन्न रंग पदार्थ या रंजक हैं। वे हैं खनिज, रासायनिक, जैविक(जानवर या पौधे) मूल। पेंट की तैयारी के लिए, पिगमेंट को बारीक पीसकर पाउडर बनाया जाता है और बाइंडर्स (तेल, गोंद, आदि) के साथ मिलाया जाता है। ऑर्गेनिक पिगमेंट मिनरल की तुलना में ताकत में हीन होते हैं। अब मुख्य रूप से कृत्रिम पिगमेंट का उपयोग किया जाता है, सबसे अधिक स्थायी के रूप में।

अक्सर पेंट्स का नाम उन्हें बनाने के लिए इस्तेमाल की जाने वाली बाइंडर से आता है। उदाहरण के लिए, तेल पेंट का आधार अलसी या कोई अन्य तेल है। गोंद पेंट वॉटरकलर, गौचे, टेम्परा हैं। हम आपको गोंद पेंट के बारे में अधिक बताएंगे, क्योंकि वे अक्सर शिक्षक प्रशिक्षण स्कूलों और प्राथमिक विद्यालयों में ललित कलाओं को पढ़ाने के अभ्यास में उपयोग किए जाते हैं।

गौचे- अपारदर्शी (केस, कवरिंग) पेंट, जो पानी से पतला होता है। ऐसे पेंट्स से बने कला के काम को "गौचे" भी कहा जाता है। गौचे पेंट पिगमेंट से बने होते हैं और सफेद रंग के अतिरिक्त गोंद के साथ होते हैं। पानी के रंग के विपरीत, कागज पर लागू पेंट की परत पारदर्शी नहीं होती है, लेकिन मखमली सतह के साथ मैट, घनी होती है, जो सफेद रंग के मिश्रण द्वारा दी जाती है। जब सूख जाता है, तो गौचे का रंग कुछ हद तक सफेद (हल्का) हो जाता है, जिसे कलाकार को ड्राइंग की प्रक्रिया में ध्यान में रखना चाहिए। गौचे पेंट उज्ज्वल हैं, काम के दौरान सुधार संभव है, सुइट्स को केवल दूसरे रंग के असफल स्थान के ऊपर रखा जा सकता है। डार्क टोन को लाइट वाले से कवर किया जा सकता है। हल्का स्वर प्राप्त करने के लिए गौचे में सफेद जोड़ा जाता है।

3. 2 एक पेंटिंग के निष्पादन का क्रम

3. 3 स्टिल लाइफ पेंटिंग तकनीक

पेंटिंग गौचे रंग रचना

स्टिल लाइफ पेंटिंग सीखने की प्रक्रिया के लिए मौलिक है। यह हाथ, आंख, रंग की भावना के विकास, दृष्टि की अखंडता के विकास में एक आवश्यक चरण है। अभी भी जीवन के माध्यम से, वास्तविक दुनिया अपनी सभी विविधता में जानी जाती है। फिर भी जीवन वस्तुओं का एक यादृच्छिक संग्रह नहीं है। प्रकृति के प्रति एक सक्रिय रवैया, सुंदरता की भावना हर स्तर पर प्रकट होनी चाहिए

घरेलू सामानों से स्थिर जीवन की छवियों का क्रम: प्रथम चरण।मुख्य आनुपातिक संबंधों और वस्तुओं के डिजाइन की पहचान करते हुए, पतली रेखाओं के साथ स्थिर जीवन का विस्तृत चित्रण करना।

दूसरा चरण।अंडरपेंटिंग का निष्पादन। वस्तुओं और ड्रैपरियों के स्थानीय रंगों की पहली परत। वस्तुओं का रंग सफेद गाद का उपयोग करके पैलेट पर संकलित किया जाता है।

तीसरा चरण।रंग और स्वर संबंधों की पहचान। विवरण का विस्तार और परिशोधन प्रकाश पर अंधेरे और अंधेरे पर प्रकाश डालता है। गौचे आपको काम में बदलाव करने की अनुमति देता है; अगर कुछ काम नहीं करता है, तो एक रंग को दूसरे के साथ ओवरलैप करें। सामान्यीकरण और काम पूरा करना।

लैंडस्केप छवि अनुक्रम गौचे: प्रथम चरण।एक परिदृश्य रचना का चित्र बनाना। चित्र के रंग के आधार पर गर्म या ठंडे पेंट का उपयोग करते हुए ब्रश ड्राइंग हल्का और मुक्त है।

दूसरा चरण।आकाश का मुख्य रंग बिछाना, पेड़ों के मुकुट, पानी। सच्चे तानवाला और रंग संबंधों का स्थानांतरण।

तीसरा चरण।ड्राइंग विवरण, सारांश और काम पूरा करना। परिदृश्य की रंग एकता को प्राप्त करना।

3. 4 मानव सिर की एक सुरम्य छवि पर काम करने की तकनीक

मानव सिर की पेंटिंग सुरम्य चित्र बनाने के सामान्य सिद्धांतों पर आधारित है। आइए हम शीर्ष अध्ययन करने की कुछ पद्धतिगत विशेषताओं पर ध्यान दें। सिर को चित्रित करने का कार्य इसकी संरचना को संप्रेषित करने, रंग के साथ आकृति को गढ़ने और प्रकृति के व्यक्तिगत गुणों को प्रकट करने के लिए कम किया जाता है। जीवित मानव शरीर की रंग समृद्धि, पर्यावरण के साथ मानव सिर के संबंध को व्यक्त करना आवश्यक है।

पेंटिंग के लिए ड्राइंग एक पेंसिल, चारकोल के साथ की जा सकती है, लेकिन आप तुरंत ब्रश से आकर्षित कर सकते हैं। चिरोस्कोरो की सीमाओं को रेखांकित करने के लिए, पतली रेखाओं के साथ सिर की रचनात्मक संरचना, अंतरिक्ष में इसकी स्थिति को व्यक्त करना आवश्यक है।

काम, हमेशा की तरह, सामान्य से विशेष तक किया जाता है: पहले, अंडरपेंटिंग में, बड़े विमानों के सामान्य तानवाला और रंग संबंध निर्धारित किए जाते हैं, फिर आकार को छोटे स्ट्रोक में ढाला जाता है, विवरण खींचा जाता है, और पर अंतिम चरण, अखंडता प्राप्त करने के लिए सब कुछ सामान्यीकृत है।

प्रकृति की सबसे अंधेरी जगह से काम शुरू करना बेहतर है। चेहरे पर छाया बहुत पारदर्शी हैं ओनी। जीवित रंग को लगभग न छिपाएं। डाइन के प्रदीप्त भागों की उनके साथ तुलना करके, मिडटोन को ढूँढ़ने में आसानी होगी। कागज का सफेद रंग अस्थायी रूप से प्रबुद्ध सतहों को बदल देता है। यदि चेहरे के अन्य हिस्सों को अभी तक कम से कम सामान्य रूप से हल नहीं किया गया है, तो प्रत्येक बरौनी को लिखने में जल्दबाजी न करें। एक ही समय में प्रकृति के सभी अंगों के माध्यम से कार्य करें, संबंधों की पद्धति के साथ कार्य करें। सिर के आयतन को स्थानांतरित करने की प्रक्रिया में, उस पर नज़र रखें। ताकि स्ट्रोक फॉर्म में लेट जाएं। सूक्ष्म रंग विविधता कई प्रतिबिंबों पर निर्भर करती है। चेहरे और कपड़ों का रंग हमेशा एक ऐसा रंग लेता है जो पृष्ठभूमि के रंग का पूरक होता है।

काम के अंतिम चरण में, सिर के सिल्हूट की अभिव्यक्ति पर पूरा ध्यान दें, इसके साथ संपर्क ([युवा। कहीं समोच्च रेखाओं को भंग करना आवश्यक है, और अन्य स्थानों पर, इसके विपरीत, उन्हें स्पष्ट करें। यदि चित्रकार प्रकृति की समग्र दृष्टि रखता है, तो वह कार्य को सही ढंग से पूरा करेगा।

एक जीवित मॉडल के सिर का सचित्र अध्ययन करने का क्रम: प्रथम चरण।ब्रश से चित्र बनाना। सिर के सामान्य आकार और अंतरिक्ष में इसकी स्थिति को रेखांकित करें। बिना अनावश्यक विवरण के लिंडेन के हिस्सों, केश के आकार को ड्रा करें।

दूसरा चरण।चेहरे, बालों, पृष्ठभूमि का मुख्य रंग रखना, सही तानवाला और रंग संबंधों का अवलोकन करना।

तीसरा चरण।विवरण निर्धारित करना, संक्षेप करना और काम पूरा करना, एक चित्र समानता प्राप्त करना, मॉडल के चरित्र और छवि को व्यक्त करना।

3. 5 मानव आकृति की सुरम्य छवि पर काम करने के तरीके

शैक्षिक उद्देश्यों के लिए, एक व्यक्ति की आकृति चित्रित की जाती है लेकिन एक बेल्ट के साथ और पूर्ण विकास में। एक आकृति को चित्रित करने के लिए प्लास्टिक शरीर रचना विज्ञान, परिप्रेक्ष्य और रंग विज्ञान के नियमों का ज्ञान आवश्यक है। मानव आकृति की सचित्र छवि पर काम करने से पहले, इस वस्तु के एक पेंट (ग्रिसाइल) के साथ कई अध्ययन करना उपयोगी होता है।

काम की शुरुआत में, न केवल पौधे लगाना या प्रकृति को एक निश्चित मुद्रा में रखना महत्वपूर्ण है, बल्कि इसकी विशिष्ट विशेषताओं और आंदोलनों का अध्ययन करना, पोशाक की पसंद पर विचार करना है। इसलिए, प्रकृति के सुरम्य रेखाचित्र बनाने की सिफारिश की जाती है। रेखाचित्रों में सबसे सफल रचनात्मक समाधान की खोज की प्रक्रिया में, किसी को चयनित प्रारूप, समग्र रंग में आकृति के प्लास्टिक प्लेसमेंट का निर्धारण करना चाहिए। मॉडल की प्रकृति रचना के संपूर्ण निर्माण को तय करती है।

अंडरपेंटिंग में, टोनल और रंग समाधानों की मूल बातें निर्धारित की जाती हैं। इसके अलावा, मॉडल के वॉल्यूमेट्रिक, भौतिक और स्थानिक गुणों को व्यक्त करते हुए, स्ट्रोक के साथ फॉर्म को मूर्तिकला करना और रिश्तों के साथ काम करना आवश्यक है।

मानव आकृति का चित्रण करते समय, आसपास की वस्तुओं और पृष्ठभूमि के संबंध में रंग संबंध खोजना अनिवार्य है। प्रकृति के प्रबुद्ध भाग के बगल में वही चिलमन कुछ गहरा दिखाई देगा, और इसके अंधेरे स्थानों के आसपास - कुछ हल्का।

अंतिम चरण में, चेहरे, बालों, कपड़ों की सामग्री और बनावट की विशेषताओं पर ध्यान देना चाहिए। सामान और पृष्ठभूमि की तुलना में चेहरे और हाथों को हमेशा अधिक सावधानी से काम किया जाता है। काम को समय पर पूरा करना महत्वपूर्ण है, विखंडन से बचने के लिए, विवरण के अत्यधिक विस्तार और अपूर्णता को स्केच करना। मानव आकृति की छवि के लिए विभिन्न रचनात्मक दृष्टिकोण संभव हैं।

मानव आकृति का सचित्र अध्ययन करने का क्रम: प्रथम चरण।ब्रश से चित्र बनाना। आकृति की सामान्य गति, उसके अनुपात और अंतरिक्ष में स्थिति को रेखांकित करें। सिर, गर्दन खींचे। बिना अनावश्यक विवरण के फटे, हाथ, पैर।

दूसरा चरण।शरीर, बाल, कपड़े, पृष्ठभूमि का मुख्य रंग रखना, सही टोनल और रंग संबंधों को स्थानांतरित करना।

तीसरा चरण।ड्राइंग विवरण, सारांश और काम पूरा करना, मॉडल के चरित्र और छवि को स्थानांतरित करना।

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फिर कलाकार भविष्य की तस्वीर खींचता है। वह इसके लिए एक पेंसिल, चारकोल या तरल पतला पेंट और एक पतले ब्रश का उपयोग कर सकता है। उस स्थिति में तथाकथित "ट्रेसिंग पेपर" या "कार्डबोर्ड" बनाना संभव है जब ड्राइंग को किसी सतह पर स्थानांतरित करने की आवश्यकता हो। कभी-कभी कलाकार काम के इस चरण को छोड़ देते हैं और प्रारंभिक ड्राइंग के बिना तुरंत पेंट से पेंटिंग करना शुरू कर देते हैं।

104. पी. सेसने। जंगल में

अधिकांश कलाकार सामान्य से विशेष तक काम करना पसंद करते हैं, धीरे-धीरे वस्तुओं के मुख्य रंग को लागू करते हैं और वॉल्यूम के मॉडलिंग का अनुसरण करते हैं। फिर वे रंग, रंग प्रतिबिंब, चित्र के समग्र रंग की बारीकियों को परिष्कृत करते हैं। अंतिम चरण में, वे फिर से सामान्यीकरण के लिए आगे बढ़ते हैं। कार्य की अखंडता को प्राप्त करने के लिए, आप अनावश्यक विवरण निकाल सकते हैं, विरोधाभासों को कमजोर कर सकते हैं, मुख्य बात को उजागर कर सकते हैं। इस तरह अद्भुत कलाकार ए ए इवानोव को काम करना पसंद था। उन्होंने पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" बनाने से पहले काफी तैयारी की। ट्रीटीकोव गैलरी में इस पेंटिंग के बगल में प्रदर्शित कई सचित्र रेखाचित्र लेखक की रचनात्मक खोज का पता लगाने में मदद करते हैं।

105. ए. ए. इवानोव लोगों के लिए मसीह का प्रकट होना

106. ए. ए. इवानोव जॉन बैपटिस्ट के प्रमुख। पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" के लिए अध्ययन

कलाकार-चित्रकार अपने आसपास की दुनिया की सुंदरता को पेंट्स की मदद से व्यक्त करते हैं। आप कोई भी आधार चुन सकते हैं: कैनवास, कागज, कार्डबोर्ड, बोर्ड, दीवार, आदि। आधार आमतौर पर विशेष यौगिकों के साथ तैयार किया जाता है। पेंटर विभिन्न प्रकार के पेंट का उपयोग करते हैं: गौचे, वॉटरकलर, टेम्परा, तेल, आदि। पेंट को विभिन्न मोटाई के गोल और सपाट ब्रश के साथ आधार पर लगाया जाता है। कभी-कभी इसके लिए एक पैलेट चाकू, एक चाकू, चीर का उपयोग किया जाता है, यहां तक \u200b\u200bकि एक उंगली से पेंट भी लगाया जाता है, लेकिन फिर भी विशेष उपकरणों की मदद से पेंटिंग बनाना बेहतर होता है, न कि तात्कालिक साधनों से। लिखने की तकनीक, इसकी विशेषताएं काफी हद तक पेंट्स, सॉल्वैंट्स, टूल्स के गुणों पर निर्भर करती हैं।

107. जल रंग, गौचे और तेल पेंट

108 ए। जल रंग बी। गौचे सी। तेल

17 वीं के अंत तक - 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में, कलाकारों और प्रशिक्षुओं ने अपने दम पर पेंट तैयार किया, जो आमतौर पर छात्रों को सौंपा जाता था, जो पत्थरों को पाउडर में कुचलते थे और इसे गोंद, तेल या अंडे के साथ मिलाते थे। पेंट्स के औद्योगिक उत्पादन के साथ, रंग पैलेट अधिक विविध हो गया है।

पेंटिंग के लिए पेंट्स के विशेष नाम हैं। बहुत बार ये नाम हमें बताते हैं कि वे किस रासायनिक या प्राकृतिक तत्व (खनिज, पौधे) से बने हैं। सभी पेंट्स का आधार वर्णक (बारीक पिसा हुआ रंगीन पाउडर) है। अक्सर पेंट्स का नाम आता है कि उन्हें तैयार करने के लिए किस तरह के बाइंडर का इस्तेमाल किया जाता है। उदाहरण के लिए, तेल पेंट अलसी या किसी अन्य तेल पर आधारित होते हैं। चिपकने वाला पेंट वॉटरकलर, गौचे, टेम्परा हैं। पुराने दिनों में अंडे का तड़का मुर्गी के अंडे की जर्दी से बनाया जाता था।

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