Suggerimenti semplici per la fotografia di architettura. Suggerimenti semplici per la fotografia di architettura Lo sviluppo del paesaggio nella pittura europea

Pubblicazioni nella sezione Architettura

Architettura nei dipinti di artisti domestici

Panorami delle strade della capitale, monumenti architettonici, edifici che non esistono più, barche di legno che corrono lungo la Neva e il fiume Moscova: tutto questo può essere visto nei dipinti dei maestri del paesaggio urbano della fine del XVIII - prima metà del XX secolo . Circa 10 artisti di questo genere - nel materiale del portale "Culture.RF".

Fedor Alekseev. Vista della Resurrezione e della Porta Nikolsky e del Ponte Neglinny da via Tverskaya a Mosca (particolare). 1811. Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Fedor Alekseev. Piazza Rossa di Mosca (particolare). 1801. Galleria statale Tretyakov, Mosca

Fedor Alekseev. Vista dello Sputo dell'isola Vasilyevsky dalla Fortezza di Pietro e Paolo (particolare). 1810. Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Fedor Alekseev ha iniziato la sua carriera creativa con i paesaggi urbani di Venezia, dove ha vissuto come pensionato dell'Accademia delle arti. Tornato in Russia, dipinse vedute della Crimea, Poltava, Orel, ma divenne famoso per i suoi dipinti raffiguranti Mosca e San Pietroburgo. Le tele più famose del suo ciclo di Mosca - "Piazza Rossa a Mosca" e "Veduta della Resurrezione e delle Porte Nikolsky e del Ponte Neglinny da Tverskaya Street a Mosca" - sono oggi conservate nella Galleria Tretyakov. I principali dipinti dell'artista di San Pietroburgo - "Vista dello spiedo dell'isola Vasilevsky dalla fortezza di Pietro e Paolo" e "Vista dell'argine inglese" possono essere visualizzati nella collezione del Museo russo.

I dipinti di Alekseev sono interessanti non solo dal punto di vista artistico, ma anche dal punto di vista storico: ad esempio, il dipinto del 1800 “Veduta della chiesa di San Nicola la Grande Croce su Ilyinka” raffigura una chiesa barocca di della fine del XVII secolo, demolito nel 1933. E grazie al dipinto "Veduta della cattedrale di Kazan", puoi scoprire che inizialmente c'era un obelisco di legno davanti a questo tempio di San Pietroburgo. Nel tempo cadde in rovina e negli anni venti dell'Ottocento fu rimosso dalla piazza.

Maxim Vorobyov. Veduta del Cremlino di Mosca (dal ponte Ustyinsky) (particolare). 1818. Galleria statale Tretyakov, Mosca

Maxim Vorobyov. Vista della Cattedrale di Kazan dal lato occidentale (particolare). Prima metà del 1810. Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Maxim Vorobyov. Fortezza di Pietro e Paolo (particolare). Fine 1820. Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Ha anche interpretato altri sobborghi di Pietroburgo: Peterhof, Pavlovsk, Gatchina e, di fatto, la stessa Pietroburgo. Tra le opere dell'artista ci sono "La cascata e il palazzo di Apollo", "Veduta del palazzo Kamennoostrovsky", "Vista dell'isola del grande stagno nei giardini di Tsarskoye Selo", "Cortile rurale a Tsarskoye Selo". E sebbene Semyon Shchedrin fosse un maestro del paesaggio urbano, dipingeva oggetti architettonici in modo piuttosto convenzionale. L'attenzione principale dell'artista è stata data alla natura: gli storici dell'arte lo considerano un presagio del paesaggio lirico russo.

Stepan Galaktionov. Vista della Neva dalla Fortezza di Pietro e Paolo (particolare). 1821. Museo tutto russo di A.S. Pushkin, San Pietroburgo

Stepan Galaktionov. Fontana nel parco. (frammento). 1820. Museo d'arte di Sebastopoli intitolato a P.M. Kroshitsky, Sebastopoli

Stepan Galaktionov. Casetta nel parco (particolare). 1852. Museo delle Belle Arti di Tyumen, Tyumen

Stepan Galaktionov non era solo un pittore e acquarellista, ma anche un brillante incisore: fu uno dei primi in Russia a padroneggiare la tecnica della litografia: l'incisione su pietra. La principale fonte di ispirazione per Galaktionov erano i monumenti architettonici di San Pietroburgo. Ha partecipato alla creazione di un album di litografie "Vedute dei sobborghi e dei dintorni di San Pietroburgo", supervisionato dall'artista Semyon Shchedrin nel 1805. Questa collezione comprende le sue opere: "Vista del palazzo dell'isola Kamenny dalla dacia del conte Stroganov" e "Vista del palazzo Monplaisir" a Peterhof, "Vista del tempio di Apollo con la cascata nel giardino del palazzo Pavlovsky" e “Vista di una parte del palazzo dal lato di un grande lago nella città di Gatchina”. Successivamente partecipò anche ai lavori sulla raccolta "Vedute di San Pietroburgo e dintorni", pubblicata nel 1825 dalla Society for the Encouragement of Artists.

Vasilij Sadovnikov. Veduta dell'argine e del Palazzo dei Marmi (particolare). 1847. Ermitage di Stato, San Pietroburgo

Vasilij Sadovnikov. Vista della Neva e della Fortezza di Pietro e Paolo. 1847. Ermitage di Stato, San Pietroburgo

Vasilij Sadovnikov. Veduta della Neva e della Fortezza di Pietro e Paolo (particolare). 1847. Ermitage di Stato, San Pietroburgo

L'artista autodidatta Vasily Sadovnikov ha dipinto l'architettura di San Pietroburgo mentre era ancora un servo della principessa Natalya Golitsyna. Dopo aver ricevuto la sua libertà, entrò all'Accademia delle arti, dove Maxim Vorobyov divenne il suo insegnante.

Sono note numerose vedute del Palazzo d'Inverno, dipinte da Sadovnikov per conto degli imperatori Nicola I e Alessandro II. Ma l'opera più famosa dell'artista è l'acquerello di 16 metri "Panorama of Nevsky Prospekt", su cui ha lavorato per 5 anni - dal 1830. Su di esso, la strada principale di San Pietroburgo è disegnata in entrambe le direzioni: da Piazza Admiralteiskaya al Ponte Anichkov. L'artista ha raffigurato in dettaglio nella foto ogni casa sulla Prospettiva Nevskij. Successivamente, l'editore Andrei Prevost ha pubblicato parti separate di questo panorama sotto forma di litografie, la serie era composta da 30 fogli.

Tra gli altri dipinti metropolitani dell'artista - "Veduta dell'argine e del palazzo di marmo", "Uscita di corte dall'ingresso principale del Grand Palace a Peterhof", "Sala del feldmaresciallo". Nell'opera "Partenza della diligenza da Piazza Sant'Isacco" è raffigurata la cattedrale in fase di costruzione.

Oltre a San Pietroburgo, Sadovnikov dipinse paesaggi urbani di Mosca, Vilnius e Helsinki. Una delle ultime opere dell'artista è stata il panorama di San Pietroburgo dalle alture di Pulkovo.

Andrej Martynov. Veduta del palazzo di Pietro I nel Giardino d'Estate (particolare). 1809-1810. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

Andrej Martynov. Veduta del Golfo di Finlandia dal balcone del Palazzo Oranienbaum (particolare). 1821-1822. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

Andrej Martynov. Veduta della Prospettiva Nevskij dalla Fontanka all'Ammiragliato (particolare). 1809-1810. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

Tra le prime opere indipendenti del maestro della pittura di paesaggio Andrey Martynov ci sono le vedute italiane. Dopo essersi diplomato all'Accademia delle Arti, l'artista ha vissuto come pensionato a Roma. Di ritorno dall'Italia in patria, Martynov dipinse vedute di San Pietroburgo utilizzando varie tecniche, tra cui l'acquerello e l'incisione. Per stampare incisioni, Martynov ha persino aperto il proprio laboratorio litografico.

Tra le famose opere dell'artista ci sono "La banca del terrapieno Bolshaya a San Pietroburgo da Liteinaya al giardino estivo", "Lungo il giardino estivo agli edifici del palazzo di marmo", "Da Moshkov Lane lungo gli edifici del Palazzo d'Inverno”.

Martynov ha viaggiato molto, ha visitato Pechino con l'ambasciatore russo. Successivamente, l'artista ha pubblicato un album litografico "Un viaggio pittoresco da Mosca al confine cinese". Durante i viaggi, Martynov ha disegnato idee per i suoi dipinti, ha anche catturato vedute della Crimea e del Caucaso. Le opere dell'artista possono essere viste nelle collezioni della Galleria Statale Tretyakov, del Museo Statale Russo e del Museo di Belle Arti intitolato ad A.S. Pushkin.

Carlo Beggrov. Nel giardino estivo (particolare). 1820 Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Carlo Beggrov. Arco del Palazzo dello Stato Maggiore (particolare). 1822. Museo tutto russo di A.S. Pushkin, San Pietroburgo

Carlo Beggrov. Porte trionfali (particolare). 1820 Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Karl Beggrov dipinse paesaggi, tuttavia, a differenza del figlio del pittore marino Alexander Beggrov, non dipinse vedute del mare, ma vedute della città. Allievo di Maxim Vorobyov, dipinse un gran numero di acquerelli e litografie con paesaggi di San Pietroburgo.

Nel 1821-1826, Karl Beggrov creò una serie di litografie, che furono incluse nella collezione Vedute di San Pietroburgo e dintorni. Tra questi, ad esempio, "Veduta dell'arco dello stato maggiore". Dopo la pubblicazione di questo album, Beggrov ha lavorato di più con l'acquerello, ma ha comunque dipinto principalmente San Pietroburgo, ad esempio "In the Summer Garden" e "Triumphal Gates". Oggi le opere di Karl Beggrov sono conservate nella Galleria Statale Tretyakov, nel Museo Statale Russo, nell'Ermitage Statale e nei musei di altre città.

Alessandro Benois. Serra (dettaglio). 1906. Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Alessandro Benois. Frontespizio per Il cavaliere di bronzo di Alexander Pushkin (particolare). 1905. Museo Statale di Belle Arti intitolato ad A.S. Pushkin, Mosca

Alessandro Benois. Oranienbaum (particolare). 1901. Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Nel 1902 sulla rivista "World of Art"

Mstislav Dobuzhinsky. Pietroburgo (particolare). 1914. Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Mstislav Dobuzhinsky. Casa a San Pietroburgo (particolare). 1905. Galleria statale Tretyakov, Mosca

Mstislav Dobuzhinsky. Angolo di San Pietroburgo (particolare). 1904. Galleria statale Tretyakov, Mosca

Mstislav Dobuzhinsky era un artista versatile: ha progettato produzioni teatrali, libri illustrati e riviste. Ma il posto centrale nel suo lavoro era occupato dal paesaggio urbano, in particolare all'artista piaceva raffigurare San Pietroburgo: lì Dobuzhinsky trascorse la sua infanzia.

Tra le sue opere ci sono "Angolo di Pietroburgo", "Pietroburgo". I paesaggi di San Pietroburgo possono essere visti anche nel libro "Pietroburgo nel 1921", nelle illustrazioni per Le notti bianche di Dostoevskij e Pietroburgo di Dostoevskij di Nikolai Antsiferov. Nel 1943, Dobuzhinsky creò un ciclo di paesaggi immaginari della Leningrado assediata.

Come ha scritto lo storico dell'arte Erich Hollerbach: “A differenza di Ostroumova-Lebedeva, che ha catturato nelle sue incisioni e litografie principalmente la bellezza architettonica di San Pietroburgo, l'artista ha anche guardato nelle pianure della vita cittadina, abbracciando con il suo amore non solo lo splendore monumentale dell'architettura di San Pietroburgo, ma anche il miserabile squallore della sporca periferia”. Dopo aver lasciato il paese, Dobuzhinsky ha continuato a dipingere paesaggi, ma già in Lituania e negli Stati Uniti.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pietroburgo, Moika (particolare). 1912. Collezione privata

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pavlovsk (particolare). 1953. Collezione privata

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pietrogrado. Colonne rosse (particolare). 1922. Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Uno dei principali grafici e incisori della prima metà del XX secolo. Sulle xilografie - xilografie, litografie e acquerelli - ha raffigurato principalmente vedute di San Pietroburgo. Tra le sue opere ci sono illustrazioni per i libri di Vladimir Kurbatov "Petersburg" e Nikolai Antsiferov "The Soul of Petersburg", acquerello "Field of Mars", "Autumn in Petrograd", incisioni "Petersburg. Giardino d'estate in inverno”, “Pietroburgo. Colonne rostrali e borsa” e altri.

L'artista non ha lasciato la sua nativa Leningrado nemmeno durante il blocco: “Scrivevo spesso in bagno. Metto un tavolo da disegno sul lavabo e ci metto sopra un calamaio. Davanti allo scaffale c'è un affumicatoio. Qui i colpi suonano più ovattati, non si sente tanto il fischio dei proiettili volanti, è più facile raccogliere pensieri sparsi e indirizzarli lungo il giusto percorso. Le opere di questo periodo - "Summer Garden", "Rostral Column" e altre - furono pubblicate anche sotto forma di cartoline.

Il tema del paesaggio come genere d'arte è l'area. Dal francese, la parola "paesaggio" è tradotta come "area, paese". Dopotutto, il paesaggio non è solo l'immagine della natura a noi familiare. Il paesaggio può anche essere urbano (architettonico, per esempio). Nel paesaggio urbano viene individuata un'immagine accurata documentata: "principale".

E se parliamo del paesaggio naturale, allora qui distinguono separatamente il paesaggio marino, che si chiama "marina" (di conseguenza, gli artisti che raffigurano il mare sono chiamati "pittori marini"), il paesaggio cosmico (l'immagine dello spazio celeste, stelle e pianeti).
Ma i paesaggi differiscono anche in termini di tempo: paesaggi moderni, storici, futuristici.
Tuttavia, nell'arte, qualunque sia il paesaggio (reale o immaginario), è sempre un'immagine artistica. A questo proposito, è importante capire che ogni stile artistico (classicismo, barocco, romanticismo, realismo, modernismo) ha la propria filosofia ed estetica dell'immagine del paesaggio.
Naturalmente, il genere del paesaggio si è sviluppato gradualmente, proprio come si è sviluppata la scienza. Sembrerebbe che cosa c'è di comune tra paesaggio e scienza? Molto in comune! Per creare un paesaggio realistico è necessario conoscere la prospettiva lineare e aerea, la proporzionalità, la composizione, il chiaroscuro, ecc.
Pertanto, il genere del paesaggio è considerato un genere relativamente giovane nella pittura. Per molto tempo il paesaggio è stato solo un mezzo "ausiliario": la natura è stata rappresentata come sfondo in ritratti, icone e scene di genere. Spesso non era reale, ma idealizzato, generalizzato.
E sebbene il paesaggio abbia iniziato a svilupparsi nell'antica arte orientale, ha ricevuto un significato indipendente nell'arte dell'Europa occidentale a partire dal XIV secolo.
E sarebbe molto interessante capire perché è successo. In effetti, a questo punto, una persona sapeva già rappresentare in modo abbastanza corretto idee astratte, il suo aspetto, la sua vita, gli animali in simboli grafici, ma è rimasto indifferente alla natura per molto tempo. E solo ora sta cercando di capire la natura e la sua essenza, perché ritrarre - devi capire.

Sviluppo del paesaggio nella pittura europea

L'interesse per il paesaggio diventa chiaramente visibile, a partire dalla pittura del primo Rinascimento.
Artista e architetto italiano Giotto(circa 1267-1337) sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. E sebbene nei suoi dipinti anche il paesaggio fosse solo un mezzo ausiliario, portava già un carico semantico indipendente, Giotto trasformò lo spazio piatto e bidimensionale dell'icona in tridimensionale, creando l'illusione della profondità usando il chiaroscuro.

Giotto "Fuga in Egitto" (Chiesa di San Francesco ad Assisi)
Il dipinto trasmette l'idilliaca atmosfera primaverile del paesaggio.
Il paesaggio iniziò a svolgere un ruolo ancora più importante nell'Alto Rinascimento (XVI secolo). Fu durante questo periodo che iniziò la ricerca delle possibilità di composizione, prospettiva e altri componenti della pittura per trasmettere il mondo circostante.
I maestri della scuola veneziana hanno svolto un ruolo importante nella creazione del genere paesaggistico di questo periodo: Giorgione (1476/7-1510), Tiziano (1473-1576), El Greco (1541-1614).

El Greco "Veduta di Toledo" (1596-1600). Metropolitan Museum of Art (New York)
La città spagnola di Toledo è raffigurata sotto un cupo cielo tempestoso. Il contrasto tra cielo e terra è evidente. La vista della città è data dal basso, la linea dell'orizzonte è sollevata in alto, viene utilizzata una luce fantasmagorica.
Nella creatività Pieter Brueghel (il Vecchio) il paesaggio sta già guadagnando ampiezza, libertà e sincerità. Scrive semplicemente, ma in questa semplicità si vede la nobiltà dell'anima, capace di vedere la bellezza nella natura. Sa trasmettere sia il mondo meschino sotto i suoi piedi, sia la vastità di campi, montagne, cieli. Non ha luoghi morti e vuoti: tutto vive con lui e respira.
Portiamo alla vostra attenzione due dipinti di P. Brueghel dal ciclo "Le Stagioni".

P. Brueghel (il Vecchio) "Ritorno del gregge" (1565). Museo Kunsthistorisches (Vienna)

P. Brueghel (il Vecchio) "Cacciatori nella neve" (1565). Museo Kunsthistorisches (Vienna)
Nei dipinti dell'artista spagnolo D.Velazquez già visto l'emergere del plein air ( all'aria aperta- da p. en plein air - "all'aria aperta") della pittura. Nella sua opera “Veduta di Villa Medici” viene trasmessa la freschezza del verde, le calde sfumature di luce che scivolano tra le foglie degli alberi e gli alti muri di pietra.

D. Velasquez "Veduta del giardino di Villa Medici a Roma" (1630)
Rubens(1577-1640), affermativo, dinamico, caratteristico del lavoro di questo artista.

P. Rubens "Paesaggio con arcobaleno"
Di un artista francese Francois Boucher(1703-1770) i ​​paesaggi sembrano intessuti di sfumature blu, rosa, argentee.

F. Boucher "Paesaggio con mulino ad acqua" (1755). Galleria Nazionale (Londra)
Gli artisti impressionisti hanno cercato di sviluppare metodi e tecniche che consentissero loro di catturare in modo più naturale e vivido il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le loro impressioni fugaci.

Auguste Renoir "La rana". Metropolitan Museum of Art (New York)
I pittori postimpressionisti hanno sviluppato la tradizione impressionista nella loro pittura.

Vincent Wag Gogh "Notte stellata" (1889)
Nel XX secolo. rappresentanti dei movimenti artistici più diversi si sono rivolti al genere paesaggistico: fauvisti, cubisti, surrealisti, astrattisti, realisti.
Ecco un esempio di paesaggio di un artista americano Helen (Helen) Frankenthaler(1928-2011), che ha lavorato nello stile dell'arte astratta.

Helen Frankenthaler "Montagne e mare" (1952)

Alcuni tipi di paesaggio

paesaggio architettonico

N.V. Gogol ha definito l'architettura la "cronaca del mondo", perché lei, secondo lui, "parla anche quando sia le canzoni che le leggende tacciono già ...". In nessun luogo il carattere e lo stile del tempo si manifestano in modo così vivido e chiaro come nell'architettura. Apparentemente, quindi, i maestri della pittura hanno catturato il paesaggio architettonico sulle loro tele.

F. Ya Alekseev "Vista dello scambio e dell'Ammiragliato dalla fortezza di Pietro e Paolo" (1810)
Il dipinto raffigura lo spiedo dell'isola Vasilyevsky. Il centro compositivo del suo insieme architettonico è l'edificio della Borsa. Di fronte alla Borsa c'è una piazza semicircolare con un terrapieno in granito. Sui suoi due lati sono presenti colonne che fungevano da fari. Ai piedi delle colonne ci sono sculture in pietra che simboleggiano i fiumi russi: Volga, Dnepr, Neva e Volkhov. Sulla sponda opposta del fiume si possono vedere il Palazzo d'Inverno e gli edifici dell'Ammiragliato, Piazza del Senato. La costruzione della Borsa, progettata da Thomas de Thomon, durò dal 1804 al 1810. Quando Pushkin arrivò a San Pietroburgo nel 1811, la Borsa era già diventata il centro architettonico dello Sputo dell'isola Vasilevsky e il luogo più frequentato della città portuale .
Una sorta di paesaggio architettonico è la veduta. A rigor di termini, questo paesaggio di F. Alekseev è il protagonista.

Veduta

Veduta è un genere della pittura europea, particolarmente popolare nella Venezia del XVIII secolo. È un dipinto, un disegno o un'incisione raffigurante una rappresentazione dettagliata di un paesaggio urbano quotidiano. Sì, l'artista olandese Jan Vermer raffigurato accuratamente la sua città natale di Delft.

Jan Vermeer "Veduta di Delft" (1660)
I maestri di Veduta hanno lavorato in molti paesi europei, inclusa la Russia (M. I. Makhaev e F. Ya. Alekseev). Un certo numero di lead con vedute russe sono stati eseguiti da Giacomo Quarenghi.

Marina

Marina - un genere di pittura, una sorta di paesaggio (dal latino marinus - mare), raffigurante una vista sul mare o una scena di una battaglia navale, così come altri eventi che si svolgono in mare. Come tipo indipendente di pittura paesaggistica, il porto turistico si distinse all'inizio del XVII secolo. in Olanda.
Pittore marino (fr. mariniste) - un artista che dipinge i porti turistici. I rappresentanti più brillanti di questo genere sono gli inglesi William Turner e artista russo (armeno). Ivan Constantinovich Aivazovski, che ha scritto circa 6.000 dipinti sul tema marino.

W. Turner ""L'ultimo viaggio della nave" Courageous ""

I. Aivazovsky "Arcobaleno"
Un arcobaleno apparso in un mare in tempesta dà speranza per il salvataggio delle persone da una nave naufragata.

paesaggio storico

Tutto è abbastanza semplice: mostrare il passato attraverso l'ambiente storico, l'ambiente naturale e architettonico. Qui possiamo ricordare le immagini N.K. Roerich, immagini di Mosca nel XVII secolo. SONO. Vasnetsov, barocco russo del XVIII secolo. SUO. Lansere, UN. Benoit, arcaico K.F. Bogaevskij e così via.

N. Roerich "Ospiti d'oltremare" (1901)
Questa è un'immagine del ciclo "The Beginning of Rus". slavi". Nell'articolo “Sulla strada dai Varanghi ai Greci” (1899), Roerich descrisse un'immagine poetica immaginaria: “Gli ospiti di mezzanotte fluttuano. Una striscia chiara si estende sulla dolce costa del Golfo di Finlandia. L'acqua sembrava satura dell'azzurro di un limpido cielo primaverile; il vento si increspa su di esso, scacciando strisce e cerchi viola opaco. Uno stormo di gabbiani atterrò sulle onde, ondeggiò con noncuranza su di loro e solo sotto la chiglia della barca anteriore balenò le ali: qualcosa di sconosciuto, senza precedenti, suscitò la loro vita pacifica. Un nuovo ruscello si fa strada attraverso l'acqua stagnante, incontra la secolare vita slava, attraversa foreste e paludi, rotola su un vasto campo, alleva clan slavi: vedranno ospiti rari e sconosciuti, si meravigliano del loro servizio strettamente militare , alla loro consuetudine d'oltremare. Le torri fanno una lunga fila! La colorazione brillante brucia al sole. I lati dell'arco sono notoriamente avvolti, culminando in un naso alto e sottile.

K. Bogaevsky "Torre consolare a Sudak" (1903). Feodosia Art Gallery intitolata a I.K. Aivazovsky

Paesaggio futuristico (fantastico).

Immagini dell'artista belga Jonas De Ro sono tele epiche di mondi nuovi e sconosciuti. L'oggetto principale dell'immagine di Jonas sono vaste immagini del mondo post-apocalittico, immagini futuristiche e fantastiche.
Oltre al futuro di città assolutamente reali, Jonas disegna anche illustrazioni del tutto originali di una città abbandonata.

J. De Ro "Civiltà abbandonata"

Filosofia del paesaggio

Che cos'è?
Al centro della pittura di paesaggio c'è sempre la questione del rapporto dell'uomo con l'ambiente, sia esso una città o la natura. Ma l'ambiente ha anche il suo rapporto con l'uomo. E queste relazioni possono essere armoniose e disarmoniche.
Considera il paesaggio "Campane della sera".

I. Levitan "Campane della sera" (1892). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Il dipinto "Evening Bells" raffigura un monastero in un'ansa del fiume e illuminato dal sole della sera. Il monastero è circondato da una foresta autunnale, le nuvole fluttuano nel cielo e tutto ciò si riflette sulla superficie a specchio di un fiume che scorre calmo. Sia la gioia luminosa della natura che il mondo spirituale dell'essere e dei sentimenti delle persone si fondono in armonia. Voglio guardare questa foto e guardare, calma l'anima. È una bellezza beata e idilliaca.
Ed ecco un altro paesaggio dello stesso artista: "Above Eternal Peace".

I. Levitan "Sulla pace eterna" (1894). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Lo stesso Levitan ha scritto di questa immagine: "... ci sono dentro, con tutta la mia psiche, con tutto il mio contenuto ...". In un'altra lettera: "Eternità, formidabile eternità, in cui generazioni sono annegate e altre annegheranno ... Che orrore, che paura!" È su questa formidabile eternità che l'immagine di Levitan ti fa pensare. L'acqua e il cielo nella foto catturano, stupiscono una persona, risvegliano il pensiero dell'insignificanza e della caducità della vita. Su una ripida sponda alta sorge una solitaria chiesa di legno, accanto a un cimitero con croci traballanti e tombe abbandonate. Il vento scuote gli alberi, spinge le nuvole, trascina lo spettatore nell'infinita distesa settentrionale. Alla cupa grandezza della natura si oppone solo una minuscola luce nella finestra della chiesa.
L'artista, forse, ha voluto rispondere con la sua pittura alla questione del rapporto tra uomo e natura, del senso della vita, contrapponendo le forze eterne e potenti della natura alla vita umana debole e di breve durata. Questa è una tragedia sublime.

ARCHITETTURA NEL PAESAGGIO

Molti artisti disegnano e dipingono monumenti architettonici dalla natura ogni estate. La pittura all'aperto richiede determinate conoscenze e abilità pratiche. Qui si possono osservare spazi molto più ampi: spesso la distanza dagli oggetti raffigurati può raggiungere diversi chilometri.

Supponiamo che tu venga al parco. Tra i vecchi pioppi e tigli tentacolare, ci sono piccoli dettagli di architettura - bizzarra forma di legnopanchine, cancelli, gazebo, verande, fontane. Prima di procedere aschizzi , scegli il punto di vista da cui appariranno gli oggetti più espressivi circondati dal verde.

Dobbiamo sforzarci di enfatizzare il tratto caratteristico della struttura e della forma degli elementi architettonici, imparare a vedere in essi il principale e il secondario. Alcune delle parti più interessanti dovrebbero essere disegnate in modo più dettagliato, il resto dovrebbe essere semplificato.

Comecontorno flessibile, tempila linea sagomata dovrebbeda abbinare al tono - ombreggiatura.Quindi il disegno sembreràpiù vivace. Schizzi in corsoin qualsiasi tecnica, ma la loro principaleil compito è sviluppare la nitidezza della formaniya, osservazione, tverportata di mano. Poi andiamo apiccolo coloreschizzi . Possono includere circaelementi semplici architettura . Deve anche essere correttonuova scelta motivo. Se vieni dacustodire le porte del villaggioa casa, non dimenticare l'ambientesul sentiero,arbusto vicino al cancello, dere vyah.

Spesso l'immagine è composta troppo grande per quella selezionataformato foglio. Oppure, al contrario, disegnano un dettaglio così piccolo da scomparirepaesaggio . Oppure risulta essere esattamente al centro del foglio, come se lo spezzasse in parti uguali. Spesso i giovani artisti raffigurano un edificio in modo tale da coprire l'intero paesaggio, sia esso un fiume, una foresta, un lago, un campo.

Disegnando vari motivi architettonici, molti si riferiscono con noncuranza alla loro costruzione elementare. Ciò dà l'impressione di instabilità delle strutture, porta alla curvatura delle loro singole parti.

Un disegno accurato e ben composto facilita la scritturacolore . Ma non è affatto necessario mostrare, e poi studiarespazzola i più piccoli dettagli dell'edificio. È necessario scegliere tra loro solo quelli che conferiscono all'edificio un aspetto architettonico unico, ne esprimono il carattere, il "volto". Dopotutto, spesso alla ricerca di sciocchezze, ci manca la cosa principale. Ma spesso si verifica un altro errore: un totale disinteresse per i dettagli, una "ricerca" obbligatoria della generalità. Questo evira la vitalità dello studio, rende il lavoro approssimativo.

I piani nello spazio aperto sono particolarmente pronunciati: ad esempio, un edificio, essendo lontano, non sembrerà più così distinto come da vicino. La foresta lontana sembrerà una striscia blu o blu, i tronchi e le chiome dei singoli alberi semplicemente non sono visibili. Allo stesso modo, una struttura architettonica a una certa distanza è “generalizzata” da

acquerellisti molto spesso, il primo e il piano intermedio sono prescritti in modo più dettagliato, applicando diversi strati trasparenti di vernice uno sopra l'altro, con un graduale aumento della forza del colore etoni . E per lo sfondo usano la tecnica del versamento: applicare la vernice in uno strato.

colorazione Il paesaggio architettonico dipende sia dall'aspetto e dal colore delle strutture e dei riflessi che cadono su di esse, sia dall'ora del giorno.

Se hai scelto un motivo mattutino, i colori del tuo studio non dovrebbero essere troppo luminosi o nitidi. Prova a scegliere combinazioni calme di tonalità calde e fredde. Lavorando in un pomeriggio soleggiato, potresti notare che il colore degli oggetti alla luce è sbiancato e le ombre, al contrario, sono sature di riflessi caldi dalla terra e riflessi freddi dal cielo. Quando descrivi un motivo serale, come un tramonto, tieni presente che gli oggetti diventano meno distinguibili nei dettagli, più scuri nei toni e più freddi nei colori, mentre il cielo può essere molto colorato, anche in qualche modo fantastico. È molto importante comprendere correttamente le relazioni tonali e cromatiche e trasmetterle correttamente.

Il lavoro sul paesaggio architettonico avrà successo solo con un attento studio della natura, la capacità di vedere i dettagli nel loro insieme e il tutto inseparabile dai dettagli caratteristici. E, soprattutto, bisogna amare la natura e l'architettura, sentire la loro indissolubile unità poetica.

PAESAGGIO ARCHITETTONICO - il concetto è preso in prestito dalle opere di A.I. Kaplun, che vede in esso un'alta espressione dell'unità dell'ARCHITETTURA con la natura come il mezzo artistico più importante dell'INSEMBLE architettonico (vedi Kaplun A.I. “Stile e architettura>>. - M., 1983).

PAESAGGIO ARCHITETTONICO - una varietà di genere del paesaggio, un'immagine nella pittura e nella grafica dell'architettura reale o immaginaria in un ambiente naturale. Nel paesaggio architettonico, la prospettiva lineare e aerea gioca un ruolo importante, consentendo di collegare tra loro natura e architettura. È possibile individuare vedute prospettiche urbane nel paesaggio architettonico, nel Settecento. chiamato veduta (Antonio Canaletto, Francesco Guardini, F.Ya. Alekseev), tipi di ville, tenute, complessi di parchi con edifici, paesaggi con rovine antiche o medievali (Hubert Robert, S.F. Shchedrin, F.M. Matveev), paesaggi fantastici con edifici immaginari e rovine (Giovanni Battista). Il paesaggio architettonico è spesso un tipo di pittura prospettica.

paesaggio urbano

tipi di paesaggio

A seconda della natura del motivo paesaggistico, si possono distinguere paesaggi rurali, urbani (compresi l'architettura urbana e la veduta) e paesaggi industriali. Un'area speciale è l'immagine dell'elemento marino: il porto turistico.

Paesaggio rurale detto anche "villaggio"

Questa direzione del genere paesaggistico è sempre stata popolare, indipendentemente dalla moda. Il rapporto tra la natura e gli esiti dell'attività cosciente dell'uomo è sempre stato piuttosto complesso, anche conflittuale; nelle arti visive, questo è particolarmente evidente. Gli schizzi paesaggistici con l'architettura, una recinzione o il camino di una fabbrica fumante non creano un'atmosfera di pace: su uno sfondo del genere, tutta la bellezza della natura è persa, scomparsa.

Tuttavia, esiste un ambiente in cui l'attività umana e la natura sono in armonia o, al contrario, la natura gioca un ruolo dominante: questa è la campagna, dove le strutture architettoniche, per così dire, completano i motivi del villaggio.

Gli artisti del paesaggio rurale sono attratti dalla tranquillità, una sorta di poesia della vita rurale, l'armonia con la natura. La casa in riva al fiume, le rocce, il verde dei prati, la strada di campagna hanno dato slancio all'ispirazione di artisti di tutti i tempi e di tutti i paesi.

Questo tipo di paesaggio è stato il risultato di diversi secoli di sviluppo nella pittura di paesaggio. Nel XV secolo si diffusero i paesaggi architettonici, che raffiguravano vedute della città da una prospettiva a volo d'uccello. L'antichità e la modernità si fondevano spesso su queste tele interessanti, erano presenti elementi di fantasia.

Una specie di paesaggio, uno dei tipi di pittura prospettica, un'immagine di un'architettura reale o immaginaria in un ambiente naturale. Un ruolo importante nel paesaggio architettonico è svolto da una prospettiva lineare e aerea, che collega natura e architettura.

Nel paesaggio architettonico si distinguono le vedute prospettiche urbane, che furono chiamate nel XVIII secolo. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi a Venezia), tipi di tenute, complessi di parchi con edifici, paesaggi con rovine antiche o medievali (J. Robert; K. D. Friedrich Abbey in an querceto, 1809–1810, Berlino , Museo statale; S.F. Shchedrin), paesaggi con edifici e rovine immaginari (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Veduta(it. veduta, lett. - visto) - un paesaggio che ritrae fedelmente una veduta documentata del territorio, città, una delle origini dell'arte del panorama. Il tardo paesaggio veneziano, strettamente associato ai nomi di Carpaccio e Bellini, che riuscì a trovare un equilibrio tra l'accuratezza documentaria della rappresentazione della realtà urbana e la sua interpretazione romantica. Il termine è apparso nel XVIII secolo, quando una camera oscura veniva utilizzata per riprodurre le vedute. L'artista di punta che operò in questo genere fu A. Canaletto: Piazza San Marco (1727-1728, Washington, National Gallery).

Marina (it. marina, dal lat. marinus - mare) - uno dei tipi di paesaggio, il cui oggetto è il mare.

Marina prese forma come genere indipendente in Olanda all'inizio del XVII secolo: J. Porcellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner “Funeral at Sea” (1842, Londra, Tate Galleria), K. Monet "Impressione, alba" (1873, Parigi, Museo Marmottan), S.F. Shchedrin "Piccolo porto a Sorrento" (1826, Mosca, Galleria Tretyakov).

Aivazovsky, come nessun altro, è riuscito a mostrare un elemento acquatico vivo, pieno di luce e in continuo movimento. Sbarazzandosi dei contrasti troppo netti della composizione classica, Aivazovsky raggiunge infine un'autentica libertà pittorica. Bravura - catastrofico "La nona onda" (1850, Museo russo, San Pietroburgo) è uno dei dipinti più riconoscibili di questo genere.