Cos'è l'opera in musica: l'emergere di un genere. musica lirica

Prima di considerare il genere dell'opera e come lavorarci in una lezione di musica, vorrei definire cos'è l'opera.

"L'opera ed è solo l'opera che ti avvicina alle persone, rende la tua musica legata al vero pubblico, ti rende proprietà non solo dei singoli circoli, ma a condizioni favorevoli - dell'intero popolo". Queste parole appartengono a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, il grande compositore russo.

Si tratta di un'opera musicale-drammatica (spesso con l'inclusione di scene di balletto), destinata alla rappresentazione teatrale, il cui testo è interamente o parzialmente cantato, solitamente accompagnato da un'orchestra. Un'opera è scritta per un testo letterario specifico. L'impatto del lavoro drammatico e della performance degli attori nell'opera è infinitamente accresciuto dal potere espressivo della musica. E viceversa: la musica acquista nell'opera straordinaria concretezza e figuratività.

Il desiderio di esaltare l'impatto di un'opera teatrale con l'ausilio della musica è sorto già in tempi molto lontani, agli albori dell'esistenza dell'arte drammatica. All'aria aperta, ai piedi della montagna, le cui pendici, lavorate a forma di gradini, fungevano da luoghi per gli spettatori, nell'antica Grecia si svolgevano spettacoli festivi. Attori in maschera, con scarpe speciali che ne aumentavano l'altezza, recitando con voce cantilenante, rappresentavano tragedie che glorificavano la forza dello spirito umano. Le tragedie di Eschilo, Sofocle, Euripide, create in questi tempi lontani, non hanno perso il loro significato artistico anche oggi. Le opere teatrali con la musica erano conosciute anche nel Medioevo. Ma tutti questi "antenati" dell'opera moderna differivano da essa in quanto in essi il canto si alternava al normale discorso colloquiale, mentre il segno distintivo dell'opera è che il testo in essa contenuto è cantato dall'inizio alla fine.

L'opera nel nostro senso moderno della parola ebbe origine a cavallo tra il XVI e il XVIII secolo in Italia. I creatori di questo nuovo genere erano poeti e musicisti che adoravano l'arte antica e cercavano di far rivivere l'antica tragedia greca. Ma sebbene abbiano usato trame dell'antica mitologia greca nei loro esperimenti musicali e teatrali, non hanno fatto rivivere la tragedia, ma hanno creato un tipo di arte completamente nuovo: l'opera.

L'opera guadagnò rapidamente popolarità e si diffuse in tutti i paesi. In ogni paese ha acquisito un carattere nazionale speciale - questo si rifletteva anche nella scelta delle trame (spesso dalla storia di un determinato paese, dalle sue leggende e leggende) e nella natura della musica. L'opera conquistò rapidamente le maggiori città d'Italia (Roma, Parigi, Venezia, Firenze).

Opera e suoi componenti

Quali mezzi ha la musica nell'opera per migliorare l'impatto artistico del dramma? Per rispondere a questa domanda, conosciamo gli elementi principali che compongono l'opera.

Una delle parti principali dell'opera è l'aria. I significati della parola sono vicini a "canzone", "canto". In effetti, le arie delle prime opere nella loro forma (per lo più distici), nella natura della melodia erano vicine alle canzoni, e nell'opera classica troveremo molte arie-canzoni (la canzone di Vanya in Ivan Susanin, la canzone di Martha in Khovanshchina).

Ma di solito l'aria ha una forma più complessa della canzone, e questo è determinato dal suo stesso scopo nell'opera. Un'aria, come un monologo in un dramma, funge da caratteristica dell'uno o dell'altro eroe. Questa caratteristica può essere generalizzante - una sorta di "ritratto musicale" dell'eroe - o associata a determinate circostanze specifiche dell'azione dell'opera.

Ma l'azione di un'opera non può essere trasmessa solo dall'alternanza di arie compiute, così come l'azione di un dramma non può consistere solo di monologhi. In quei momenti dell'opera in cui i personaggi agiscono effettivamente - in comunicazione dal vivo tra loro, in conversazione, disputa, collisione - non è necessaria tale completezza di forma, che è abbastanza appropriata in un'aria. Ostacolerebbe lo sviluppo delle azioni. Tali momenti di solito non hanno una composizione musicale completa, le singole frasi dei personaggi si alternano alle esclamazioni del coro con episodi orchestrali.

Il recitativo, cioè il canto declamatorio, è ampiamente usato.

Molta attenzione è stata prestata al recitativo da molti compositori russi, in particolare A.S. Dargomyzhsky e M.P. Musorgskij. Impegnandosi per il realismo nella musica, per la massima veridicità delle caratteristiche musicali, hanno visto il mezzo principale per raggiungere questo obiettivo nell'implementazione musicale delle intonazioni del discorso più caratteristiche di un dato personaggio.

Anche gli ensemble d'opera sono parte integrante. Gli ensemble possono essere molto diversi nella composizione quantitativa: da due voci a dieci. In questo caso, le voci della gamma e del timbro sono solitamente combinate nell'ensemble. Trasmette un sentimento attraverso l'ensemble, abbracciando diversi eroi, nel qual caso le singole parti dell'ensemble non sono opposte, ma, per così dire, si completano a vicenda e spesso hanno uno schema melodico simile. Ma spesso l'ensemble combina le caratteristiche musicali dei personaggi, i cui sentimenti sono diversi e opposti.

L'orchestra sinfonica è parte integrante della performance dell'opera. Non solo accompagna parti vocali e corali, non solo “disegna” ritratti musicali o paesaggi. Utilizzando i propri mezzi espressivi, partecipa alla costruzione degli elementi della messa in scena "in principio" delle azioni, delle onde del suo sviluppo, climax e epilogo. Denota anche i lati di un drammatico conflitto. Le possibilità dell'orchestra si realizzano nell'esecuzione dell'opera esclusivamente attraverso la figura del direttore. Oltre a coordinare l'ensemble musicale ea partecipare, insieme ai cantanti-attori, alla creazione dei personaggi, il direttore d'orchestra controlla l'intera azione scenica, poiché il tempo-ritmo della performance è nelle sue mani.

Pertanto, tutte le parti costitutive dell'opera sono combinate in una. Il direttore ci sta lavorando, i solisti del coro stanno imparando le loro parti, il regista sta mettendo in scena, gli artisti stanno dipingendo la scenografia. Solo come risultato del lavoro comune di tutte queste persone nasce uno spettacolo d'opera.

Storia del genere

Jacopo Peri

Le origini dell'opera possono essere considerate un'antica tragedia. Come genere indipendente, l'opera è nata in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo in una cerchia di musicisti, filosofi e poeti nella città di Firenze. Il circolo degli amanti dell'arte si chiamava "kamerata". I partecipanti alla "kamerata" sognavano di far rivivere l'antica tragedia greca, unendo dramma, musica e danza in un'unica rappresentazione. La prima rappresentazione del genere fu data a Firenze nel 1600 e raccontò di Orfeo ed Euridice. Esiste una versione secondo cui la prima rappresentazione musicale con canto fu messa in scena nel 1594 sulla trama dell'antico mito greco sulla lotta del dio Apollo con il serpente Pitone. A poco a poco, le scuole d'opera iniziarono ad apparire in Italia a Roma, Venezia e Napoli. Poi l'opera si diffuse rapidamente in tutta Europa. Alla fine del XVII e all'inizio del XVIII secolo si formarono le principali varietà di opera: opera - seria (grande opera seria) e opera - buffa (opera comica).

Alla fine del XVIII secolo, il teatro russo fu aperto a San Pietroburgo. All'inizio c'erano solo opere straniere. Le prime opere russe erano comiche. Fomin è considerato uno dei creatori. Nel 1836 ebbe luogo a San Pietroburgo la prima dell'opera di Glinka A Life for the Tsar. L'opera in Russia ha acquisito una forma perfetta, le sue caratteristiche sono state determinate: le luminose caratteristiche musicali dei personaggi principali, l'assenza di dialoghi colloquiali. Nel XIX secolo, tutti i migliori compositori russi si sono rivolti all'opera.

Varietà dell'opera

Storicamente, si sono sviluppate alcune forme di musica operistica. In presenza di alcuni schemi generali della drammaturgia operistica, tutte le sue componenti sono interpretate in modo diverso a seconda dei tipi di opera.

• grande opera ( opera seria- it., tragedia lirica, Dopo grande opera- Francese)
• semicomico ( semiseria),
• opera comica ( opera buffa- it., opera-comique- Francese, Spieler- Tedesco.),
• opera romantica, su una trama romantica.
• semiopera, semiopera, quarto d'opera ( semi- lat. metà) - una forma di opera barocca inglese, che combina dramma orale (genere), messa in scena vocale, howek e opere sinfoniche. Uno degli aderenti alla semi-opera è il compositore inglese Henry Purcell /

Nell'opera comica, tedesca e francese, il dialogo è consentito tra i numeri musicali. Ci sono anche opere serie in cui è inserito il dialogo, per esempio. "Fidelio" di Beethoven, "Medea" di Cherubini, "Magic Shooter" di Weber.

• Dall'opera buffa venne l'operetta, che acquistò particolare popolarità nella seconda metà dell'Ottocento.
• Opere per spettacoli per bambini (ad esempio, le opere di Benjamin Britten - The Little Chimney Sweep, Noah's Ark, le opere di Lev Konov - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

Elementi dell'opera

Questo è un genere sintetico che combina vari tipi di arti in un'unica azione teatrale: drammaturgia, musica, belle arti (decorazioni, costumi), coreografia (balletto).

La composizione del gruppo operistico comprende: solista, coro, orchestra, banda militare, organo. Voci d'opera: (femminili: soprano, mezzosoprano, contralto; maschili: controtenore, tenore, baritono, basso).

Un'opera d'opera è divisa in atti, immagini, scene, numeri. C'è un prologo prima degli atti e un epilogo alla fine dell'opera.

Parti di un'opera operistica - recitativi, ariosi, canzoni, arie, duetti, trii, quartetti, ensemble, ecc. Dalle forme sinfoniche - ouverture, introduzione, intervalli, pantomima, melodramma, processioni, musica da balletto.

I caratteri dei personaggi sono più completamente rivelati in numeri da solista(aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, ballata, canto). Varie funzioni nell'opera ha recitativo- intonazione musicale e riproduzione ritmica del linguaggio umano. Spesso collega (in termini di trama e musicali) numeri completati separati; è spesso un fattore efficace nella drammaturgia musicale. In alcuni generi di opera, per lo più commedia, invece di recitativo, A proposito di, di solito nei dialoghi.

Dialogo scenico, corrisponde alla scena di un'esibizione drammatica in un'opera complesso musicale(duetto, trio, quartetto, quintetto, ecc.), la cui specificità consente di creare situazioni di conflitto, mostrare non solo lo sviluppo dell'azione, ma anche lo scontro di personaggi e idee. Pertanto, gli ensemble appaiono spesso al culmine o nei momenti finali di un'azione operistica.

coro L'opera è interpretata in modi diversi. Potrebbe trattarsi di uno sfondo non correlato alla trama principale; a volte una specie di commentatore di ciò che sta accadendo; le sue possibilità artistiche consentono di mostrare immagini monumentali della vita popolare, di rivelare il rapporto tra l'eroe e le masse (ad esempio, il ruolo del coro nei drammi musicali popolari di MP Mussorgsky "Boris Godunov" e "Khovanshchina").

Nella drammaturgia musicale dell'opera, viene assegnato un ruolo importante orchestra, i mezzi espressivi sinfonici servono a rivelare più pienamente le immagini. L'opera include anche episodi orchestrali indipendenti: ouverture, intervallo (introduzione a singoli atti). Un altro componente della performance dell'opera - balletto, scene coreografiche, dove le immagini plastiche si uniscono a quelle musicali.

Teatro dell'opera

I teatri dell'opera sono edifici di teatri musicali appositamente progettati per mostrare produzioni operistiche. A differenza dei teatri all'aperto, il teatro dell'opera è dotato di un grande palcoscenico con attrezzature tecniche costose, tra cui una fossa dell'orchestra e un auditorium su uno o più livelli, posti uno sopra l'altro o progettati sotto forma di palchi. Questo modello architettonico del teatro dell'opera è il principale. I più grandi teatri d'opera del mondo in termini di numero di posti per gli spettatori sono il Metropolitan Opera di New York (3.800 posti), la San Francisco Opera (3.146 posti) e La Scala in Italia (2.800 posti).

Nella maggior parte dei paesi, la manutenzione dei teatri d'opera non è redditizia e richiede sussidi governativi o donazioni da parte dei mecenati. Ad esempio, il budget annuale del Teatro alla Scala (Milano, Italia) nel 2010 ammontava a 115 milioni di euro (40% - sovvenzioni statali e 60% - donazioni da privati ​​e vendita di biglietti), e nel 2005 il Teatro alla Scala ha ricevuto il 25% di 464 milioni di euro - l'importo previsto dal bilancio italiano per lo sviluppo delle belle arti. E l'Estonian National Opera nel 2001 ha ricevuto 7 milioni di euro (112 milioni di corone), pari al 5,4% dei fondi del Ministero della Cultura estone.

voci d'opera

All'epoca della nascita dell'opera, quando l'amplificazione elettronica del suono non era ancora stata inventata, la tecnica del canto operistico si sviluppò nella direzione di estrarre un suono abbastanza forte da coprire il suono di un'orchestra sinfonica di accompagnamento. La potenza della voce operistica dovuta al lavoro coordinato delle tre componenti (respiro, lavoro della laringe e regolazione delle cavità risonanti) raggiungeva i 120 dB alla distanza di un metro.

I cantanti, in accordo con le parti d'opera, sono classificati in base al tipo di voce (tessitura, timbro e carattere). Tra le voci operistiche maschili ci sono:

• contro tenore,

e tra le donne:

• I compositori d'opera più popolari nello stesso periodo furono Verdi, Mozart e Puccini - rispettivamente 3020, 2410 e 2294 rappresentazioni.

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Guarda anche

Appunti

Collegamenti

• Il sito in lingua russa più completo dedicato all'opera e agli eventi operistici
• Libro di riferimento "100 opere" a cura di M. S. Druskin. Brevi contenuti (sinossi) di opere

forme musicali
Forme vocali	Forma distico Forma di coro-coro
forme semplici	Periodo Forma semplice in due parti Forma semplice in tre parti
forme complesse	Canzone composta forma Rondo Variazione forma Sonata forma Rondo sonata
Forme cicliche	Suite Sonata-Ciclo Sinfonico Cantata Oratorio
Forme polifoniche	Fuga canonica
Forme specifiche di europeo Medievale e Rinascimentale	Bar Virelet ́ Ballata ́ Estampi ́ La Madrigal
Forme specifiche dell'era barocca	Forme semplici del periodo barocco Forma sonata antica Forme composite del periodo barocco Forma concerto antico Arrangiamento corale
Forme specifiche dell'era del romanticismo	Forme libere Forme miste Forma ciclica a parte singola
Forme del teatro musicale	Balletto dell'Operetta
Musica Teoria musicale

musica lirica termini

Direzioni teatrali
Teatro

Il contenuto dell'articolo

MUSICA LIRICA, dramma o commedia in musica. Si cantano testi drammatici nell'opera; il canto e l'azione scenica sono quasi sempre accompagnati da un accompagnamento strumentale (solitamente orchestrale). Molte opere sono inoltre caratterizzate dalla presenza di intermezzi orchestrali (introduzioni, conclusioni, intervalli, ecc.) e stacchi di trama riempiti da scene di balletto.

L'opera nasce come passatempo aristocratico, ma diventa ben presto un intrattenimento per il grande pubblico. Il primo teatro d'opera pubblico fu aperto a Venezia nel 1637, solo quattro decenni dopo la nascita del genere stesso. Poi l'opera si diffuse rapidamente in tutta Europa. Come intrattenimento pubblico, ha raggiunto il suo massimo sviluppo nel XIX e all'inizio del XX secolo.

Nel corso della sua storia, l'opera ha avuto una forte influenza su altri generi musicali. La sinfonia è nata da un'introduzione strumentale alle opere italiane del XVIII secolo. I passaggi virtuosistici e le cadenze del concerto per pianoforte sono in gran parte il risultato di un tentativo di riflettere il virtuosismo operistico-vocale nella trama dello strumento a tastiera. Nel 19 ° secolo la scrittura armonica e orchestrale di R. Wagner, da lui creata per il grandioso "dramma musicale", ha determinato l'ulteriore sviluppo di numerose forme musicali, e anche nel XX secolo. molti musicisti consideravano la liberazione dall'influenza di Wagner come la corrente principale del movimento verso la nuova musica.

forma operistica.

Nel cosiddetto. nell'opera lirica, la forma oggi più diffusa del genere operistico, si canta l'intero testo. Nell'opera comica, il canto di solito si alterna a scene di conversazione. Il nome "opera comica" (opéra comique in Francia, opera buffa in Italia, Singspiel in Germania) è in gran parte condizionale, perché non tutte le opere di questo tipo hanno un contenuto comico (una caratteristica dell '"opera comica" è la presenza di parole dialoghi). Una specie di opera comica leggera e sentimentale, che si diffuse a Parigi e Vienna, cominciò a chiamarsi operetta; in America si chiama commedia musicale. Le opere teatrali con musica (musical) che hanno guadagnato fama a Broadway hanno solitamente un contenuto più serio rispetto alle operette europee.

Tutte queste varietà di opera si basano sulla convinzione che la musica, e in particolare il canto, esaltino l'espressività drammatica del testo. È vero, a volte altri elementi hanno svolto un ruolo altrettanto importante nell'opera. Così, nell'opera francese di certi periodi (e nell'opera russa del XIX secolo), la danza e il lato spettacolare acquistarono un significato molto significativo; Gli autori tedeschi spesso consideravano la parte orchestrale non come un accompagnamento, ma come una parte vocale equivalente. Ma in tutta la storia dell'opera, il canto ha avuto ancora un ruolo dominante.

Se i cantanti guidano un'esibizione operistica, allora la parte orchestrale costituisce la cornice, il fondamento dell'azione, la fa avanzare e prepara il pubblico per eventi futuri. L'orchestra sostiene i cantanti, sottolinea i momenti culminanti, colma con il suo suono le lacune del libretto oi momenti di cambio di scena, e infine si esibisce alla conclusione dell'opera quando cala il sipario.

La maggior parte delle opere ha introduzioni strumentali per aiutare a impostare la percezione dell'ascoltatore. Nei secoli XVII-XIX tale introduzione era chiamata ouverture. Le ouverture erano pezzi da concerto laconici e indipendenti, tematicamente estranei all'opera e quindi facilmente sostituibili. Ad esempio, l'ouverture della tragedia Aureliano a Palmira Rossini in seguito si trasformò in un'ouverture comica barbiere di siviglia. Ma nella seconda metà del XIX secolo. i compositori iniziarono a esercitare un'influenza molto maggiore sull'unità dello stato d'animo e sulla connessione tematica tra l'ouverture e l'opera. Nacque una forma di introduzione (Vorspiel), che, ad esempio, nei successivi drammi musicali di Wagner, include i temi principali (leitmotiv) dell'opera e li mette direttamente in azione. La forma dell'ouverture dell'opera "autonoma" era in declino, e nel tempo Desiderio Puccini (1900) l'ouverture potrebbe essere sostituita da pochi accordi iniziali. In una serie di opere del 20 ° secolo. in generale, non ci sono preparativi musicali per l'azione scenica.

L'azione operistica si sviluppa dunque all'interno della cornice orchestrale. Ma poiché l'essenza dell'opera è il canto, i momenti più alti del dramma si riflettono nelle forme complete dell'aria, del duetto e di altre forme convenzionali in cui la musica viene alla ribalta. Un'aria è come un monologo, un duetto è come un dialogo, in un trio di solito si incarnano i sentimenti contrastanti di uno dei personaggi nei confronti degli altri due partecipanti. Con ulteriore complicazione, sorgono varie forme di ensemble, come un quartetto in Rigoletto Verdi o sestetto in Lucia de Lammermoor Donizetti. L'introduzione di tali forme di solito interrompe l'azione per fare spazio allo sviluppo di una (o più) emozioni. Solo un gruppo di cantanti, uniti in un ensemble, può esprimere contemporaneamente più punti di vista sugli eventi in corso. A volte il coro funge da commentatore delle azioni degli eroi dell'opera. In generale, il testo nei cori d'opera è pronunciato relativamente lentamente, le frasi vengono spesso ripetute per rendere comprensibile il contenuto all'ascoltatore.

Le arie stesse non costituiscono un'opera. Nel tipo classico di opera, il mezzo principale per trasmettere la trama al pubblico e sviluppare l'azione è il recitativo: recitazione melodica veloce in metro libero, supportata da accordi semplici e basata su intonazioni vocali naturali. Nelle opere comiche, il recitativo è spesso sostituito dal dialogo. Il recitativo può sembrare noioso per gli ascoltatori che non comprendono il significato del testo parlato, ma è spesso indispensabile nella struttura contenutistica dell'opera.

Non in tutte le opere è possibile tracciare una linea netta tra recitativo e aria. Wagner, ad esempio, ha abbandonato le forme vocali complete, mirando al continuo sviluppo dell'azione musicale. Questa innovazione è stata ripresa, con varie modifiche, da numerosi compositori. Sul suolo russo, l'idea di un continuo "dramma musicale" fu, indipendentemente da Wagner, testata per la prima volta da A.S. Dargomyzhsky in ospite di pietra e MP Mussorgsky in sposarsi- hanno chiamato questa forma "opera conversazionale", dialogo d'opera.

Opera come dramma.

Il contenuto drammatico dell'opera è incarnato non solo nel libretto, ma anche nella musica stessa. I creatori del genere operistico chiamavano le loro opere dramma per musica - "dramma espresso in musica". L'opera è più di uno spettacolo con canti e balli interpolati. Il gioco drammatico è autosufficiente; l'opera senza musica è solo una parte dell'unità drammatica. Questo vale anche per le opere con scene parlate. In opere di questo tipo, ad esempio, in Manon Lesco J. Massenet - I numeri musicali conservano ancora un ruolo fondamentale.

È estremamente raro che un libretto d'opera venga messo in scena come un pezzo drammatico. Sebbene il contenuto del dramma sia espresso a parole e vi siano dispositivi scenici caratteristici, tuttavia, senza musica, qualcosa di importante va perduto, qualcosa che può essere espresso solo dalla musica. Per lo stesso motivo, solo raramente si possono utilizzare come libretto opere drammatiche, senza prima ridurre il numero dei personaggi, semplificare la trama ei personaggi principali. È necessario lasciare spazio alla musica per respirare, deve essere ripetuta, formare episodi orchestrali, cambiare umore e colore a seconda delle situazioni drammatiche. E poiché il canto rende ancora difficile la comprensione del significato delle parole, il testo del libretto deve essere così chiaro da poter essere percepito cantando.

In questo modo, l'opera subordina a sé la ricchezza lessicale e la forma raffinata di un buon dramma, ma compensa questo danno con le possibilità del proprio linguaggio, che fa appello direttamente ai sentimenti degli ascoltatori. Sì, fonte letteraria Madama Farfalla Puccini - L'opera teatrale di D. Belasco su una geisha e un ufficiale di marina americano è irrimediabilmente superata e la tragedia dell'amore e del tradimento espressa nella musica di Puccini non è svanita nel tempo.

Quando componeva musica operistica, la maggior parte dei compositori osservava determinate convenzioni. Ad esempio, l'uso di registri acuti di voci o strumenti significava "passione", armonie dissonanti esprimevano "paura". Tali convenzioni non erano arbitrarie: le persone generalmente alzano la voce quando sono eccitate e la sensazione fisica di paura è disarmonica. Ma i compositori d'opera esperti usavano mezzi più sottili per esprimere contenuti drammatici nella musica. La linea melodica doveva corrispondere organicamente alle parole su cui cadeva; la scrittura armonica doveva riflettere il flusso e il riflusso delle emozioni. Era necessario creare diversi modelli ritmici per impetuose scene declamatorie, ensemble solenni, duetti d'amore e arie. Anche le possibilità espressive dell'orchestra, compresi i timbri e le altre caratteristiche associate ai vari strumenti, sono state poste al servizio di obiettivi drammatici.

Tuttavia, l'espressività drammatica non è l'unica funzione della musica nell'opera. Il compositore d'opera risolve due compiti contraddittori: esprimere il contenuto del dramma e dare piacere agli ascoltatori. Secondo il primo compito, la musica serve il dramma; secondo la seconda, la musica è autosufficiente. Molti grandi compositori d'opera - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - hanno sottolineato l'inizio espressivo e drammatico dell'opera. Da altri autori, l'opera ha acquisito un aspetto da camera più poetico, sobrio. La loro arte è caratterizzata dalla sottigliezza dei mezzitoni ed è meno dipendente dai cambiamenti nei gusti del pubblico. I compositori lirici sono amati dai cantanti, perché, sebbene un cantante d'opera debba essere un attore in una certa misura, il suo compito principale è puramente musicale: deve riprodurre accuratamente il testo musicale, dare al suono la colorazione necessaria e fraseggiare magnificamente. Gli autori lirici includono i napoletani del XVIII secolo, Handel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masnet, Tchaikovsky e Rimsky-Korsakov. Pochi autori hanno raggiunto un equilibrio quasi assoluto di elementi drammatici e lirici, tra questi Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek e Britten.

repertorio operistico.

Il repertorio operistico tradizionale è costituito principalmente da opere del XIX secolo. e una serie di opere della fine del XVIII e dell'inizio del XX secolo. Il romanticismo, con la sua attrazione per gesta elevate e terre lontane, ha contribuito allo sviluppo della creatività operistica in tutta Europa; la crescita della classe media ha portato alla penetrazione di elementi popolari nel linguaggio operistico e ha fornito all'opera un pubblico numeroso e grato.

Il repertorio tradizionale tende a ridurre l'intera diversità di genere dell'opera a due categorie molto capienti: "tragedia" e "commedia". Il primo è solitamente presentato più largo del secondo. La base del repertorio oggi sono le opere italiane e tedesche, in particolare le "tragedie". Nel campo della "commedia" predomina l'opera italiana, o almeno in italiano (ad esempio le opere di Mozart). Ci sono poche opere francesi nel repertorio tradizionale e di solito sono eseguite alla maniera degli italiani. Diverse opere russe e ceche occupano il loro posto nel repertorio, quasi sempre eseguite in traduzione. In generale, le principali compagnie d'opera aderiscono alla tradizione di eseguire opere in lingua originale.

Il principale regolatore del repertorio è la popolarità e la moda. Un certo ruolo è giocato dalla prevalenza e dalla coltivazione di certi tipi di voci, anche se alcune opere (come Aiutante Verdi) sono spesso eseguite senza tener conto della disponibilità o meno delle voci necessarie (quest'ultima è la più comune). In un'epoca in cui le opere con parti virtuose di coloratura e trame allegoriche passavano di moda, poche persone si preoccupavano dello stile appropriato della loro produzione. Le opere di Handel, ad esempio, furono trascurate fino a quando la famosa cantante Joan Sutherland e altri iniziarono a eseguirle. E il punto qui non è solo nel "nuovo" pubblico, che ha scoperto la bellezza di queste opere, ma anche nell'aspetto di un gran numero di cantanti con un'elevata cultura vocale che possono far fronte a sofisticate parti d'opera. Allo stesso modo, la ripresa dell'opera di Cherubini e Bellini è stata ispirata dalle brillanti esecuzioni delle loro opere e dalla scoperta della "novità" delle opere antiche. Anche i compositori del primo barocco, soprattutto Monteverdi, ma anche Peri e Scarlatti, furono portati fuori dall'oblio.

Tutti questi risvegli richiedono edizioni commentate, in particolare le opere di autori del XVII secolo, sulla cui strumentazione e principi dinamici non abbiamo informazioni esatte. Ripetizioni infinite nel cosiddetto. le arie da capo nelle opere della scuola napoletana e in Handel sono piuttosto noiose ai nostri tempi - il tempo dei riassunti. L'ascoltatore moderno difficilmente riesce a condividere la passione degli ascoltatori anche della Grand Opera francese del XIX secolo. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevi) ad un intrattenimento che ha occupato l'intera serata (così, la partitura completa dell'opera Fernando Cortes Spontini suona per 5 ore, esclusi gli intervalli). Non è raro che i punti oscuri della partitura e le sue dimensioni inducano il direttore o il direttore di scena a tagliare, riorganizzare i numeri, inserire e persino inserire nuovi brani, spesso in modo così goffo che appare solo un lontano parente dell'opera che appare nel programma davanti al pubblico.

Cantanti.

Secondo la gamma di voci, i cantanti d'opera sono generalmente divisi in sei tipi. Tre tipi di voci femminili, dall'alto al basso - soprano, mezzosoprano, contralto (quest'ultimo è raro di questi tempi); tre uomini: tenore, baritono, basso. All'interno di ogni tipo possono esserci diverse sottospecie, a seconda della qualità della voce e dello stile di canto. Il soprano lirico-coloratura ha una voce leggera ed estremamente mobile, tali cantanti possono eseguire passaggi virtuosi, scale veloci, trilli e altri ornamenti. Soprano lirico-drammatico (lirico spinto) - una voce di grande luminosità e bellezza. Il timbro del soprano drammatico è ricco e forte. La distinzione tra voci liriche e drammatiche vale anche per i tenori. Esistono due tipi principali di bassi: "basso cantante" (basso cantante) per feste "serie" e comico (basso buffo).

A poco a poco, si sono formate le regole per scegliere un timbro di canto per un certo ruolo. Le parti dei personaggi principali e delle eroine erano solitamente affidate a tenori e soprani. In generale, più vecchio ed esperto è il personaggio, più bassa dovrebbe essere la sua voce. Una ragazza innocente - per esempio, Gilda in Rigoletto Verdi è un soprano lirico e l'infida seduttrice Delilah nell'opera Saint-Saens Sansone e Dalila- mezzosoprano. Parte di Figaro, l'eroe energico e spiritoso del Mozart Nozze di Figaro e Rossini Barbiere di Siviglia scritto da entrambi i compositori per il baritono, anche se come parte del protagonista, la parte di Figaro avrebbe dovuto essere destinata al primo tenore. Parti di contadini, maghi, persone in età matura, governanti e anziani venivano solitamente create per baritoni bassi (ad esempio, Don Giovanni nell'opera di Mozart) o bassi (Boris Godunov per Mussorgsky).

I cambiamenti nei gusti del pubblico hanno svolto un certo ruolo nel plasmare gli stili vocali operistici. La tecnica di produzione del suono, la tecnica del vibrato ("singhiozzando") è cambiata nel corso dei secoli. J. Peri (1561–1633), cantante e autore della prima opera parzialmente conservata ( Dafne) cantava presumibilmente con quella che è nota come voce bianca - in uno stile relativamente piatto, immutabile, con poco o nessun vibrato - in linea con l'interpretazione della voce come strumento in voga fino alla fine del Rinascimento.

Durante il 18 ° secolo si sviluppò il culto del cantante virtuoso, prima a Napoli, poi in tutta Europa. A quel tempo, la parte del protagonista nell'opera era interpretata da un soprano maschio - castrato, cioè un timbro, il cui cambiamento naturale era interrotto dalla castrazione. I cantanti-castrati hanno portato la gamma e la mobilità delle loro voci ai limiti di ciò che era possibile. Star dell'opera come il castrato Farinelli (C. Broschi, 1705–1782), il cui soprano, secondo i racconti, superava in forza il suono di una tromba, o il mezzosoprano F. Bordoni, di cui si diceva che potesse tira il suono più a lungo di tutti i cantanti del mondo, subordinando completamente alla loro abilità quei compositori di cui hanno eseguito la musica. Alcuni di loro stessi componevano opere e dirigevano compagnie d'opera (Farinelli). Era scontato che i cantanti decorassero le melodie composte dal compositore con i propri ornamenti improvvisati, indipendentemente dal fatto che tali decorazioni si adattassero o meno alla situazione della trama dell'opera. Il possessore di qualsiasi tipo di voce deve essere addestrato all'esecuzione di passaggi veloci e trilli. Nelle opere di Rossini, ad esempio, il tenore deve padroneggiare la tecnica della coloratura così come il soprano. La rinascita di tale arte nel 20 ° secolo. ha permesso di dare nuova vita alla variegata opera operistica di Rossini.

Un solo stile di canto del XVIII secolo. pressoché immutato fino ad oggi - lo stile del basso comico, perché i semplici effetti e il veloce chiacchiericcio lasciano poco spazio alle singole interpretazioni, musicali o sceniche; forse, le commedie areali di D. Pergolesi (1749–1801) vengono rappresentate oggi non meno di 200 anni fa. Il vecchio loquace e irascibile è una figura molto venerata nella tradizione operistica, un ruolo preferito per i bassi inclini al clowning vocale.

Lo stile di canto puro e iridescente del bel canto (bel canto), tanto amato da Mozart, Rossini e altri compositori d'opera della fine del XVIII e della prima metà dell'Ottocento, nella seconda metà dell'Ottocento. gradualmente ha lasciato il posto a uno stile di canto più potente e drammatico. Lo sviluppo della moderna scrittura armonica e orchestrale ha gradualmente modificato la funzione dell'orchestra nell'opera, da accompagnatrice a protagonista, e di conseguenza i cantanti hanno avuto bisogno di cantare più forte per non essere soffocati dagli strumenti. Questa tendenza è nata in Germania, ma ha influenzato tutta l'opera europea, compresa quella italiana. Il "tenore eroico" tedesco (Heldentenor) è chiaramente generato dall'esigenza di una voce capace di ingaggiare un duello con l'orchestra wagneriana. Le ultime composizioni di Verdi e le opere dei suoi seguaci richiedono tenori "forti" (di forza) ed energici soprani drammatici (spinto). Le esigenze dell'opera romantica a volte portano anche a interpretazioni che sembrano andare contro le intenzioni espresse dallo stesso compositore. Quindi, R. Strauss ha pensato a Salome nella sua opera omonima come "una ragazza di 16 anni con la voce di Isotta". Tuttavia, la strumentazione dell'opera è così densa che sono necessarie cantanti matrone mature per eseguire la parte principale.

Tra le leggendarie star dell'opera del passato ci sono E. Caruso (1873-1921, forse il cantante più popolare della storia), J. Farrar (1882-1967, sempre seguito da un seguito di ammiratori a New York), F. I. Chaliapin (1873-1938, basso potente, maestro del realismo russo), K. Flagstad (1895-1962, eroico soprano norvegese) e molti altri. Nella generazione successiva, furono sostituiti da M. Callas (1923–1977), B. Nilson (n. 1918), R. Tebaldi (1922–2004), J. Sutherland (n. 1926), L. Price (n. . 1927) ), B. Sills (n. 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913–1975), T. Gobbi (1913–1984), F. Corelli (n. 1921), C. Siepi (n. . 1923), J. Vickers (n. 1926), L. Pavarotti (n. 1935), S. Milnes (n. 1935), P. Domingo (n. 1941), J. Carreras (n. 1946).

Teatri d'opera.

Alcuni edifici dei teatri d'opera sono associati a un certo tipo di opera, e in alcuni casi, infatti, l'architettura del teatro era dovuta all'uno o all'altro tipo di rappresentazione dell'opera. Pertanto, l'Opera di Parigi (il nome Grand Opera è stato fissato in Russia) era destinata a uno spettacolo luminoso molto prima che il suo attuale edificio fosse costruito nel 1862-1874 (architetto Ch. Garnier): la scala e l'atrio del palazzo furono progettati come competere con lo scenario dei balletti e delle magnifiche processioni che si sono svolte sul palco. La "Casa delle rappresentazioni solenni" (Festspielhaus) nella città bavarese di Bayreuth fu creata da Wagner nel 1876 per mettere in scena i suoi epici "drammi musicali". Il suo palcoscenico, modellato sulle scene degli antichi anfiteatri greci, ha una grande profondità e l'orchestra si trova nella buca dell'orchestra e nascosta al pubblico, in modo che il suono si disperda e il cantante non abbia bisogno di sforzare troppo la sua voce. L'originale Metropolitan Opera House di New York (1883) è stato progettato come una vetrina per i migliori cantanti del mondo e rispettabili abbonati alla loggia. La sala è così profonda che i suoi palchi "a ferro di cavallo di diamante" offrono ai visitatori maggiori opportunità di vedersi rispetto a un palco relativamente poco profondo.

L'aspetto dei teatri d'opera, come uno specchio, riflette la storia dell'opera come fenomeno della vita pubblica. Le sue origini sono nella rinascita dell'antico teatro greco nei circoli aristocratici: questo periodo corrisponde al più antico teatro dell'opera sopravvissuto: l'Olimpico (1583), costruito da A. Palladio a Vicenza. La sua architettura, riflesso del microcosmo della società barocca, si basa su una caratteristica pianta a ferro di cavallo, dove dal centro si aprono a ventaglio ordini di palchi: il palco reale. Una pianta simile è conservata negli edifici dei teatri La Scala (1788, Milano), La Fenice (1792, bruciata nel 1992, Venezia), San Carlo (1737, Napoli), Covent Garden (1858, Londra). Con meno palchi, ma con livelli più profondi grazie ai supporti in acciaio, questo piano fu utilizzato in teatri d'opera americani come la Brooklyn Academy of Music (1908), i teatri d'opera di San Francisco (1932) e Chicago (1920). Soluzioni più moderne dimostrano il nuovo edificio della Metropolitan Opera nel Lincoln Center di New York (1966) e la Sydney Opera House (1973, Australia).

L'approccio democratico è caratteristico di Wagner. Ha chiesto la massima concentrazione da parte del pubblico e ha costruito un teatro dove non ci sono palchi e i posti sono disposti in monotone file continue. L'austero interno di Bayreuth fu ripetuto solo nel Teatro Principale di Monaco (1909); anche i teatri tedeschi costruiti dopo la seconda guerra mondiale risalgono a esempi precedenti. Tuttavia, l'idea wagneriana sembra aver contribuito al movimento verso il concetto di arena, cioè teatro senza boccascena, che viene proposto da alcuni architetti moderni (il prototipo è l'antico circo romano): l'opera è lasciata ad adattarsi a queste nuove condizioni. L'anfiteatro romano di Verona è adatto per mettere in scena spettacoli d'opera monumentali come Aide Verdi e Guglielmo Tell Rossini.

festival lirici.

Un elemento importante del concetto wagneriano di opera è il pellegrinaggio estivo a Bayreuth. L'idea fu ripresa: negli anni '20 la città austriaca di Salisburgo organizzò un festival dedicato principalmente alle opere di Mozart e invitò persone di talento come il regista M. Reinhardt e il direttore d'orchestra A. Toscanini a realizzare il progetto. Dalla metà degli anni '30, il lavoro operistico di Mozart ha plasmato il Festival inglese di Glyndebourne. Dopo la seconda guerra mondiale, a Monaco apparve un festival, dedicato principalmente all'opera di R. Strauss. Firenze ospita il "Maggio musicale fiorentino", dove viene eseguito un repertorio molto vasto, che comprende sia opere antiche che moderne.

STORIA

Le origini dell'opera.

Il primo esempio del genere operistico che ci è pervenuto è Euridice J. Peri (1600) è una modesta opera realizzata a Firenze in occasione delle nozze del re di Francia Enrico IV e Maria Medici. Come previsto, al giovane cantante e madrigalista, che era vicino alla corte, fu ordinata la musica per questo solenne evento. Ma Peri non ha presentato il solito ciclo madrigale su tema pastorale, ma qualcosa di completamente diverso. Il musicista era un membro della Camerata fiorentina, un circolo di scienziati, poeti e amanti della musica. Da vent'anni i membri della Camerata indagano sulla questione di come venivano rappresentate le antiche tragedie greche. Sono giunti alla conclusione che gli attori greci recitassero il testo in uno speciale modo declamatorio, che è qualcosa tra la parola e il vero canto. Ma il vero risultato di questi esperimenti nella rinascita di un'arte dimenticata fu un nuovo tipo di canto solista, chiamato "monodia": la monodia veniva eseguita a ritmo libero con l'accompagnamento più semplice. Pertanto, Peri e il suo librettista O. Rinuccini hanno esposto la storia di Orfeo ed Euridice in recitativo, che è stato sostenuto dagli accordi di una piccola orchestra, anzi un insieme di sette strumenti, e ha presentato lo spettacolo nel fiorentino Palazzo Pitti. Questa era la seconda opera di Camerata; primo punteggio, Dafne Peri (1598), non conservato.

La prima opera aveva predecessori. Per sette secoli la chiesa ha coltivato drammi liturgici come Gioco su Daniele dove il canto solista era accompagnato dall'accompagnamento di vari strumenti. Nel XVI secolo altri compositori, in particolare A. Gabrieli e O. Vecchi, combinarono cori secolari o madrigali in cicli di storie. Ma ancora, prima di Peri e Rinuccini, non esisteva una forma musicale-drammatica laica monodica. Il loro lavoro non è diventato un revival dell'antica tragedia greca. Ha portato qualcosa di più: è nato un nuovo genere teatrale praticabile.

Tuttavia, il pieno dispiegamento delle possibilità del genere dramma per musica, proposto dalla camerata fiorentina, è avvenuto nell'opera di un altro musicista. Come Peri, C. Monteverdi (1567-1643) era un uomo colto di famiglia nobile, ma a differenza di Peri era un musicista professionista. Nativo di Cremona, Monteverdi divenne famoso alla corte di Vincenzo Gonzaga a Mantova e diresse il coro della Cattedrale di S. Marco a Venezia. Sette anni dopo Euridice Peri, ha composto la sua versione della leggenda di Orfeo - La leggenda di Orfeo. Queste opere differiscono l'una dall'altra nello stesso modo in cui un esperimento interessante differisce da un capolavoro. Monteverdi ha aumentato di cinque volte la composizione dell'orchestra, assegnando a ciascun personaggio il proprio gruppo di strumenti, e ha preceduto l'opera con un'ouverture. Il suo recitativo non solo suonava il testo di A. Strigio, ma viveva di vita artistica propria. Il linguaggio armonico di Monteverdi è pieno di contrasti drammatici e ancora oggi colpisce per la sua audacia e pittoricità.

Le successive opere sopravvissute di Monteverdi includono Duello di Tancredi e Clorinda(1624), basato su una scena di Gerusalemme liberata Torquato Tasso - un poema epico sui crociati; Ritorno di Ulisse(1641) su un terreno risalente all'antica leggenda greca di Ulisse; Incoronazione di Poppea(1642), dai tempi dell'imperatore romano Nerone. L'ultimo lavoro è stato creato dal compositore solo un anno prima della sua morte. Quest'opera è stata l'apice del suo lavoro, in parte per il virtuosismo delle parti vocali, in parte per lo splendore della scrittura strumentale.

distribuzione dell'opera.

Nell'era di Monteverdi, l'opera conquistò rapidamente le principali città d'Italia. Roma diede all'autore operistico L. Rossi (1598–1653), che mise in scena la sua opera a Parigi nel 1647 Orfeo ed Euridice conquistare il mondo francese. F. Cavalli (1602–1676), che cantò da Monteverdi a Venezia, creò circa 30 opere; Insieme a MA Chesti (1623–1669), Cavalli divenne il fondatore della scuola veneziana, che giocò un ruolo importante nell'opera italiana nella seconda metà del XVII secolo. Nella scuola veneziana lo stile monodico, venuto da Firenze, aprì la strada allo sviluppo del recitativo e dell'aria. Le arie divennero gradualmente più lunghe e complesse, e cantanti virtuosi, di solito castrati, iniziarono a dominare il palcoscenico dell'opera. Le trame delle opere veneziane erano ancora basate sulla mitologia o su episodi storici romanzati, ma ora impreziosite da intermezzi burleschi che non avevano nulla a che fare con l'azione principale ed episodi spettacolari in cui i cantanti dimostravano il loro virtuosismo. All'Opera d'Onore Mela d'oro(1668), uno dei più complessi dell'epoca, conta 50 attori, oltre a 67 scene e 23 cambi di scena.

L'influenza italiana raggiunse persino l'Inghilterra. Alla fine del regno di Elisabetta I, compositori e librettisti iniziarono a creare il cosiddetto. maschere - spettacoli di corte che combinavano recitativi, canti, balli e si basavano su storie fantastiche. Questo nuovo genere occupò un posto importante nell'opera di G. Lowes, che nel 1643 si mise in musica Comus Milton, e nel 1656 creò la prima vera opera inglese - Assedio di Rodi. Dopo la restaurazione degli Stuart, l'opera iniziò gradualmente a prendere piede sul suolo inglese. J. Blow (1649–1708), organista della cattedrale di Westminster, compose un'opera nel 1684 Venere e Adone, ma la composizione era ancora chiamata maschera. L'unica vera grande opera creata da un inglese è stata Didone ed Enea G. Purcell (1659–1695), discepolo e successore di Blow. Eseguita per la prima volta in un collegio femminile intorno al 1689, questa piccola opera è nota per la sua straordinaria bellezza. Purcell possedeva tecniche sia francesi che italiane, ma la sua opera è un'opera tipicamente inglese. Libretto Didone, di proprietà di N. Tate, ma il compositore rivive con la sua musica, segnata dalla padronanza dei tratti drammatici, dalla straordinaria grazia e ricchezza di arie e cori.

Prima opera francese.

Come la prima opera italiana, l'opera francese della metà del XVI secolo procedeva dal desiderio di far rivivere l'antica estetica teatrale greca. La differenza era che l'opera italiana enfatizzava il canto, mentre quella francese nasceva dal balletto, genere teatrale preferito alla corte francese dell'epoca. Ballerino capace e ambizioso venuto dall'Italia, J. B. Lully (1632-1687) divenne il fondatore dell'opera francese. Ha ricevuto un'educazione musicale, compreso lo studio delle basi della tecnica compositiva, alla corte di Luigi XIV e poi è stato nominato compositore di corte. Aveva un'ottima conoscenza del palcoscenico, che era evidente nella sua musica per un certo numero di commedie di Molière, in particolare per Commerciante nella nobiltà(1670). Colpito dal successo delle compagnie d'opera arrivate in Francia, Lully decise di creare la sua compagnia. Le opere di Lully, che chiamava "tragedie liriche" ( tragédies lyriques ) , dimostrare uno stile musicale e teatrale specificamente francese. Le trame sono tratte dalla mitologia antica o dai poemi italiani, e il libretto, con i suoi solenni versi in misure rigorosamente definite, è guidato dallo stile del grande contemporaneo di Lully, il drammaturgo J. Racine. Lully intervalla lo sviluppo della trama con lunghe discussioni sull'amore e la fama, e inserisce divertissement nei prologhi e in altri punti della trama: scene con danze, cori e magnifiche scenografie. La vera portata del lavoro del compositore diventa chiara oggi, quando riprendono le produzioni delle sue opere - Alceste (1674), Atisa(1676) e Armidi (1686).

"Opera ceca" è un termine convenzionale che si riferisce a due tendenze artistiche contrastanti: filo-russa in Slovacchia e filo-tedesca nella Repubblica Ceca. Una figura riconosciuta nella musica ceca è Antonín Dvořák (1841–1904), sebbene solo una delle sue opere sia intrisa di profondo pathos. Sirena- si è affermato nel repertorio mondiale. A Praga, la capitale della cultura ceca, la figura principale del mondo operistico fu Bedřich Smetana (1824–1884), il cui La sposa barattata(1866) entrò rapidamente nel repertorio, solitamente tradotto in tedesco. La trama comica e semplice ha reso quest'opera la più accessibile nell'eredità di Smetana, sebbene sia l'autore di altre due focose opere patriottiche: una dinamica "opera di salvezza" Dalibor(1868) ed epico Libusa(1872, messo in scena nel 1881), che raffigura l'unificazione del popolo ceco sotto il dominio di una regina saggia.

Il centro non ufficiale della scuola slovacca era la città di Brno, dove visse e lavorò Leos Janacek (1854-1928), un altro ardente sostenitore della riproduzione di intonazioni recitative naturali nella musica, nello spirito di Mussorgsky e Debussy. I diari di Janacek contengono molte note di parole e ritmi sonori naturali. Dopo diverse prime e infruttuose esperienze nel genere operistico, Janáček si è rivolto per la prima volta a una straordinaria tragedia della vita dei contadini della Moravia nell'opera. Enufa(1904, l'opera più popolare del compositore). Nelle opere successive, ha sviluppato diverse trame: il dramma di una giovane donna che, per protesta contro l'oppressione familiare, entra in una storia d'amore illegale ( Katia Kabanova, 1921), vita della natura ( Finferli astuti, 1924), un incidente soprannaturale ( Rimedio Makropulos, 1926) e il racconto di Dostoevskij degli anni trascorsi nei lavori forzati ( Appunti dalla casa dei morti, 1930).

Janacek sognava il successo a Praga, ma i suoi colleghi "illuminati" trattavano le sue opere con disprezzo, sia durante la vita del compositore che dopo la sua morte. Come Rimsky-Korsakov, che ha curato Mussorgsky, i colleghi di Janáček pensavano di sapere meglio dell'autore come dovevano suonare le sue partiture. Il riconoscimento internazionale di Janáček è arrivato in seguito a seguito degli sforzi di restauro di John Tyrrell e del direttore d'orchestra australiano Charles Maceras.

Opere del 20° secolo

La prima guerra mondiale pose fine all'era romantica: la sublimità dei sentimenti insita nel romanticismo non poteva sopravvivere agli sconvolgimenti degli anni della guerra. Anche le forme operistiche consolidate erano in declino, era un periodo di incertezza e sperimentazione. La voglia di medioevo, espressa con particolare forza in parsifal E Pelléas, ha dato gli ultimi lampi in opere come Tre re amano(1913) Italo Montemezzi (1875–1952), Cavalieri di Ekebu(1925) Riccardo Zandonai (1883-1944), Semirama(1910) e Fiamma(1934) Ottorino Respighi (1879-1936). Il post-romanticismo austriaco nella persona di Franz Schrekker (1878-1933; suono lontano, 1912; stigmatizzato, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871-1942; tragedia fiorentina;Nano– 1922) ed Erik Wolfgang Korngold (1897–1957; Città morta, 1920; Miracolo di Heliana, 1927) usava motivi medievali per l'esplorazione artistica di idee spiritualistiche o fenomeni psichici patologici.

L'eredità wagneriana, raccolta da Richard Strauss, passò poi al cosiddetto. nuova scuola viennese, in particolare ad A. Schoenberg (1874–1951) e A. Berg (1885–1935), le cui opere sono una sorta di reazione antiromantica: questa si esprime sia in un consapevole allontanamento dal linguaggio musicale tradizionale, particolarmente armonico, e nella scelta delle scene "violente". La prima opera di Berg Wozzeck(1925) - la storia di uno sfortunato soldato oppresso - è un dramma avvincente e potente, nonostante la sua forma straordinariamente complessa e altamente intellettuale; seconda opera del compositore, Lulù(1937, completato dopo la morte dell'autore F. Tserhoy), è un dramma musicale non meno espressivo su una donna dissoluta. Dopo una serie di piccole opere acutamente psicologiche, tra le quali la più famosa è Aspettativa(1909), Schoenberg ha trascorso tutta la sua vita a lavorare sulla trama Mosè e Aronne(1954, l'opera rimase incompiuta) - basata sulla storia biblica del conflitto tra il profeta Mosè muto e l'eloquente Aaron, che indusse gli israeliani a inchinarsi al vitello d'oro. Scene di orgia, distruzione e sacrificio umano, in grado di oltraggiare qualsiasi censura teatrale, nonché l'estrema complessità della composizione, ne ostacolano la popolarità nel teatro dell'opera.

Compositori di diverse scuole nazionali iniziarono ad emergere dall'influenza di Wagner. Pertanto, il simbolismo di Debussy servì da impulso al compositore ungherese B. Bartok (1881-1945) per creare la sua parabola psicologica Il castello del duca Barbablù(1918); un altro autore ungherese, Z. Kodály, nell'opera Hari Janos(1926) si rivolse a fonti folcloristiche. A Berlino F. Busoni ripensa le vecchie trame delle opere liriche Arlecchino(1917) e Dottor Faust(1928, rimasto incompiuto). In tutte le opere citate, il sinfonismo onnipresente di Wagner e dei suoi seguaci lascia il posto a uno stile molto più conciso, fino a predominare la monodia. Tuttavia, il patrimonio operistico di questa generazione di compositori è relativamente piccolo e questa circostanza, insieme all'elenco delle opere incompiute, testimonia le difficoltà che il genere operistico ha incontrato nell'era dell'espressionismo e dell'imminente fascismo.

Allo stesso tempo, nuove correnti iniziarono ad emergere nell'Europa devastata dalla guerra. L'opera comica italiana ha dato la sua ultima fuga in un piccolo capolavoro di G. Puccini Gianni Schicchi(1918). Ma a Parigi, M. Ravel sollevò la torcia che si spegneva e creò il suo meraviglioso Ora spagnola(1911) e poi bambino e magia(1925, su libretto di Collet). L'opera è apparsa in Spagna - vita breve(1913) e Stand Maestro Pedro(1923) Manuel de Fallà.

In Inghilterra, l'opera ha vissuto una vera rinascita, per la prima volta da diversi secoli. I primi esemplari ora immortale(1914) Rutland Baughton (1878–1960) su un soggetto della mitologia celtica, Traditori(1906) e la moglie del nostromo(1916) Ethel Smith (1858-1944). La prima è una bucolica storia d'amore, mentre la seconda parla di pirati che vivono in un povero villaggio costiero inglese. Le opere di Smith godettero di una certa popolarità anche in Europa, così come le opere di Frederic Delius (1862-1934), in particolare Villaggio Romeo e Giulietta(1907). Delius, tuttavia, era per natura incapace di incarnare la drammaturgia del conflitto (sia nel testo che nella musica), e quindi i suoi drammi musicali statici raramente appaiono sul palco.

Il problema scottante per i compositori inglesi era la ricerca di una trama competitiva. Savitri Gustav Holst è stato scritto sulla base di uno degli episodi dell'epopea indiana Mahabharata(1916) e Ugo il mandriano R. Vaughan-Williams (1924) è un pastorale riccamente dotato di canti popolari; lo stesso vale per l'opera di Vaughan Williams Sir John innamorato secondo Shakespeare Falstaff.

B. Britten (1913–1976) riuscì a portare l'opera inglese a nuovi livelli; la sua prima opera si è rivelata un successo Pietro Grimes(1945) - un dramma che si svolge in riva al mare, dove il personaggio centrale è un pescatore rifiutato dalle persone, che è in preda a esperienze mistiche. Fonte della commedia-satira Alberto Aringa(1947) divenne un racconto di Maupassant, e in Billy Budde Viene utilizzata la storia allegorica di Melville, che tratta del bene e del male (lo sfondo storico è l'era delle guerre napoleoniche). Quest'opera è generalmente riconosciuta come il capolavoro di Britten, sebbene in seguito abbia lavorato con successo nel genere della "grande opera" - esempi sono Gloriana(1951), che racconta gli eventi turbolenti del regno di Elisabetta I, e Un sogno in una notte d'estate(1960; il libretto di Shakespeare è stato creato dal più intimo amico e collaboratore del compositore, il cantante P. Pierce). Negli anni '60, Britten prestò molta attenzione alle opere di parabole ( fiume della beccaccia – 1964, Azione in grotta – 1966, figliol prodigo- 1968); ha anche creato un'opera televisiva Owen Wingrave(1971) e opere da camera giro di vite E Profanazione di Lucrezia. L'apice assoluto del lavoro operistico del compositore è stato il suo ultimo lavoro in questo genere - Morte a Venezia(1973), dove uno straordinario ingegno si unisce a una grande sincerità.

L'eredità operistica di Britten è così significativa che pochi degli autori inglesi della generazione successiva sono stati in grado di emergere dalla sua ombra, anche se vale la pena menzionare il famoso successo dell'opera di Peter Maxwell Davies (nato nel 1934). taverniere(1972) e opere di Harrison Birtwhistle (nato nel 1934) gavan(1991). Per quanto riguarda i compositori di altri paesi, possiamo notare opere come Aniara(1951) dello svedese Karl-Birger Blomdahl (1916-1968), dove l'azione si svolge su una nave interplanetaria e utilizza suoni elettronici, o un ciclo operistico Sia la luce(1978–1979) del tedesco Karlheinz Stockhausen (il ciclo è sottotitolato Sette giorni della creazione e dovrebbe essere completato entro una settimana). Ma, naturalmente, tali innovazioni sono fugaci. Le opere del compositore tedesco Carl Orff (1895-1982) sono più significative - ad esempio, Antigone(1949), che è costruito sul modello di un'antica tragedia greca utilizzando la recitazione ritmica sullo sfondo dell'accompagnamento ascetico (principalmente strumenti a percussione). Il brillante compositore francese F. Poulenc (1899–1963) iniziò con un'opera umoristica I seni di Tiresia(1947), e poi si è rivolto all'estetica, che mette in primo piano l'intonazione e il ritmo naturali del discorso. Due delle sue migliori opere sono state scritte in questo senso: la mono-opera voce umana dopo Jean Cocteau (1959; libretto costruito come una conversazione telefonica dell'eroina) e un'opera Dialoghi dei Carmelitani, che descrive la sofferenza delle suore di un ordine cattolico durante la Rivoluzione francese. Le armonie di Poulenc sono ingannevolmente semplici e allo stesso tempo emotivamente espressive. La popolarità internazionale delle opere di Poulenc è stata facilitata anche dalla richiesta del compositore che le sue opere fossero eseguite quando possibile nelle lingue locali.

Giocoleria come un mago con stili diversi, I.F. Stravinsky (1882-1971) ha creato un numero impressionante di opere; tra questi - scritto per l'impresa romantica di Diaghilev Usignolo basato sulla fiaba di H.H. Andersen (1914), mozartiano Le avventure del rastrello basato su incisioni di Hogarth (1951), oltre a uno statico, che ricorda antichi fregi Edipo rex(1927), destinato sia al teatro che al palcoscenico da concerto. Durante la Repubblica tedesca di Weimar, K. Weil (1900–1950) e B. Brecht (1898–1950), che rifecero L'opera del mendicante John Gay in un ancora più popolare Opera da tre soldi(1928), compose un'opera ormai dimenticata su una trama fortemente satirica L'ascesa e la caduta della città di Mahagonny(1930). L'ascesa dei nazisti pose fine a questa fruttuosa collaborazione e Vail, emigrato in America, iniziò a lavorare nel genere musicale americano.

Il compositore argentino Alberto Ginastera (1916–1983) era in gran voga negli anni '60 e '70 quando apparvero le sue opere espressionistiche e apertamente erotiche. Don Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) e Beatrice Cenci(1971). Il tedesco Hans Werner Henze (nato nel 1926) divenne famoso nel 1951 quando la sua opera Boulevard Solitudine su libretto di Greta Weill basato sulla storia di Manon Lescaut; il linguaggio musicale dell'opera combina jazz, blues e tecnica a 12 toni. Le opere successive di Henze includono: Elegia per giovani innamorati(1961; l'azione si svolge nelle Alpi innevate; la partitura è dominata dai suoni di xilofono, vibrafono, arpa e celesta), giovane signore, attraversato da umorismo nero (1965), bassaridi(1966; di baccanti Euripide, libretto inglese di C. Cullman e W. H. Auden), antimilitarista Verremo al fiume(1976), opera fiabesca per bambini pollicino E Mare tradito(1990). Nel Regno Unito, Michael Tippett (1905–1998) ha lavorato nel genere operistico. ) : Matrimonio nella notte di mezza estate(1955), labirinto da giardino (1970), Il ghiaccio si è rotto(1977) e opera di fantascienza Capodanno(1989) - tutto su libretto del compositore. Il compositore inglese d'avanguardia Peter Maxwell Davies è l'autore della suddetta opera. taverniere(1972; trama dalla vita del compositore del XVI secolo John Taverner) e Risurrezione (1987).

Notevoli cantanti d'opera

Bjorling, Jussi (Johan Jonathan)(Björling, Jussi) (1911–1960), cantante svedese (tenore). Ha studiato alla Stockholm Royal Opera School e lì ha fatto il suo debutto nel 1930 in un piccolo ruolo in Manon Lesco. Un mese dopo, Ottavio ha cantato Don Juan. Dal 1938 al 1960, ad eccezione degli anni della guerra, canta al Metropolitan Opera e gode di particolare successo nel repertorio italiano e francese.
Galli Curci Amelita .
Gobbi, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), cantante italiano (baritono). Ha studiato a Roma e lì ha fatto il suo debutto come Germont in La Traviato. Si è esibito molto a Londra e dopo il 1950 a New York, Chicago e San Francisco, soprattutto nelle opere di Verdi; ha continuato a cantare nei maggiori teatri d'Italia. Gobbi è considerato il miglior interprete della parte di Scarpia, che ha cantato circa 500 volte. Ha recitato molte volte in film d'opera.
Domingo, Placido .
Calle, Maria .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franco- (Corelli, Franco) (nato nel 1921–2003), cantante italiano (tenore). All'età di 23 anni studia per qualche tempo al Conservatorio di Pesaro. Nel 1952 partecipa al concorso vocale del Maggio Musicale Fiorentino, dove il direttore dell'Opera di Roma lo invita a superare una prova al Teatro Sperimentale di Spoletto. Presto si è esibito in questo teatro nel ruolo di Don José in Carmen. In apertura della stagione scaligera nel 1954 canta con Maria Callas in Vestale Spontini. Nel 1961 fece il suo debutto al Metropolitan Opera come Manrico in Trovatore. Tra le sue feste più famose c'è Cavaradossi in Tosca.
Londra, Giorgio(London, George) (1920-1985), cantante canadese (basso-baritono), vero nome George Bernstein. Ha studiato a Los Angeles e ha debuttato a Hollywood nel 1942. Nel 1949 è stato invitato all'Opera di Vienna, dove ha debuttato come Amonasro in Aiutante. Ha cantato al Metropolitan Opera (1951-1966) e si è esibito anche a Bayreuth dal 1951 al 1959 come Amfortas e l'olandese volante. Ha interpretato in modo superbo le parti di Don Giovanni, Scarpia e Boris Godunov.
Milnes, Cheryl .
Nilson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918–2005), cantante svedese (soprano). Ha studiato a Stoccolma e lì ha fatto il suo debutto come Agatha in tiratore a stile libero Webber. La sua fama internazionale risale al 1951 quando cantò in Elektra Idomeneo Mozart al Glyndebourne Festival. Nella stagione 1954/1955 ha cantato Brunilde e Salome all'Opera di Monaco. Ha fatto il suo debutto come Brunnhilde al Covent Garden di Londra (1957) e come Isolde al Metropolitan Opera (1959). Riuscì anche in altri ruoli, in particolare Turandot, Tosca e Aida. Morto il 25 dicembre 2005 a Stoccolma.
Pavarotti, Luciano .
Patti, Adelina(Patti, Adelina) (1843-1919), cantante italiana (coloratura soprano). Debuttò a New York nel 1859 come Lucia di Lammermoor, a Londra nel 1861 (come Amina in Sonnambulo). Ha cantato al Covent Garden per 23 anni. Con una grande voce e una tecnica brillante, Patti è stata una delle ultime rappresentanti del vero stile belcantistico, ma come musicista e come attrice era molto più debole.
Prezzo, Leontina .
Sutherland, Giovanna .
Skipa, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), cantante italiano (tenore). Studiò a Milano e debuttò a Vercelli nel 1911 come Alfred ( La Traviata). Costantemente eseguito a Milano e Roma. Nel 1920-1932 ebbe un impegno alla Chicago Opera e cantò costantemente a San Francisco dal 1925 e al Metropolitan Opera (1932-1935 e 1940-1941). Ha superbamente interpretato le parti di Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther e Wilhelm Meister in Mignone.
Scotto, Renata(Scotto, Renata) (nata nel 1935), cantante italiana (soprano). Debutta nel 1954 al Teatro Nuovo di Napoli come Violetta ( La Traviata), nello stesso anno canta per la prima volta alla Scala. Si è specializzata nel repertorio belcantistico: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouni, Lucia di Lammermoor, Gilda e Violetta. Il suo debutto americano come Mimi da Boemia ha avuto luogo alla Lyric Opera di Chicago nel 1960, prima rappresentazione al Metropolitan Opera come Cio-Cio-San nel 1965. Il suo repertorio comprende anche i ruoli di Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut e Francesca da Rimini.
Siepi, Cesare(Siepi, Cesare) (nato nel 1923), cantante italiano (basso). Esordisce nel 1941 a Venezia come Sparafucillo in Rigoletto. Dopo la guerra iniziò ad esibirsi alla Scala e in altri teatri d'opera italiani. Dal 1950 al 1973 è stato primo contrabbassista al Metropolitan Opera, dove ha cantato, tra gli altri, Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz e Philipp in Don Carlo.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (nata nel 1922), cantante italiana (soprano). Studia a Parma e debutta nel 1944 a Rovigo come Elena ( Mefistofele). Toscanini scelse Tebaldi per esibirsi all'inaugurazione del dopoguerra della Scala (1946). Nel 1950 e nel 1955 si esibì a Londra, nel 1955 fece il suo debutto al Metropolitan Opera come Desdemona e cantò in questo teatro fino al suo ritiro nel 1975. Tra i suoi ruoli migliori ci sono Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida e altri drammatici ruoli da opere di Verdi.
Farrar, Geraldine .
Chaliapin, Fedor Ivanovich .
Schwarzkopf, Elisabetta(Schwarzkopf, Elisabeth) (nata nel 1915), cantante tedesca (soprano). Ha studiato con a Berlino e ha fatto il suo debutto all'Opera di Berlino nel 1938 come una delle Flower Maidens in parsifal Wagner. Dopo diverse esibizioni all'Opera di Vienna, è stata invitata a recitare in ruoli da protagonista. In seguito ha cantato anche al Covent Garden e alla Scala. Nel 1951 a Venezia alla prima dell'opera di Stravinskij Le avventure del rastrello cantò la parte di Anna, nel 1953 alla Scala partecipò alla prima della cantata teatrale di Orff Trionfo di Afrodite. Nel 1964 si esibì per la prima volta al Metropolitan Opera. Ha lasciato il palcoscenico dell'opera nel 1973.

Letteratura:

Makhrova E.V. Il Teatro dell'Opera nella cultura tedesca nella seconda metà del XX secolo. San Pietroburgo, 1998
Simon G. W. Cento grandi opere e le loro trame. M., 1998



Il contenuto dell'articolo

OPERA COMICA, nel significato originale del termine: un insieme di varietà nazionali del genere operistico sorto negli anni Trenta del Settecento e durato fino all'inizio del XIX secolo. In futuro, il termine ha perso la sua univocità; oggi è spesso utilizzato in relazione a vari tipi di spettacoli musicali e di intrattenimento di contenuto comico (farsa, buffoneria, vaudeville, operetta, musical, ecc.).

L'origine e le caratteristiche del genere.

L'opera comica si sviluppò in paesi con una cultura operistica sviluppata come alternativa all'opera seria di corte (it. opera seria - opera seria), i cui principi furono sviluppati nel XVII secolo. Compositori italiani di scuola napoletana (in particolare, A. Scarlatti). Entro il 18 ° secolo L'opera di corte italiana entrò in un periodo di crisi del suo sviluppo, trasformandosi in "concerti in costume": uno spettacolo brillante, saturo di effetti vocali virtuosistici, ma statico. Al contrario, l'opera comica aveva una maggiore flessibilità, caratteristica delle nuove forme d'arte giovani, e quindi aveva maggiori dinamiche e potenzialità di sviluppo. Il nuovo genere teatrale si diffuse in tutta Europa, con ogni paese che sviluppò la propria varietà di opera buffa.

Tuttavia, nonostante tutte le peculiarità nazionali, i percorsi di sviluppo generale dell'opera buffa erano simili. La sua formazione è stata determinata dai principi democratici dell'Illuminismo. Grazie a loro, nell'opera comica sono sorte nuove tendenze nella musica e nel dramma operistico: vicinanza alla vita di tutti i giorni, melodia popolare (sia negli episodi vocali che di danza), parodia, originale, "mascherata", caratterizzazione dei personaggi. Nelle costruzioni della trama dell'opera buffa, le solenni linee antiche e storico-leggendarie, che sono rimaste una caratteristica di genere dell'opera seria, non sono state sviluppate in modo coerente. Le tendenze democratiche si vedono anche nelle caratteristiche formali dell'opera buffa: dialoghi colloquiali, recitativi, dinamismo dell'azione.

Varietà nazionali di opera comica.

L'Italia è considerata la culla dell'opera comica, dove questo genere era chiamato opera buffa (opera buffa italiana - opera comica). Le sue fonti erano le opere comiche della scuola romana del XVII secolo. e commedia dell'arte. All'inizio si trattava di divertenti intermezzi inseriti per uno sfogo emotivo tra gli atti dell'opera seria. La prima opera buffa fu Padrona Cameriera G. B. Pergolesi, scritto dal compositore come intermezzo alla propria opera seria Prigioniero orgoglioso(1733). In futuro, le opere buffa iniziarono ad essere eseguite in modo indipendente. Si distinguevano per la loro piccola scala, un piccolo numero di personaggi, arie di tipo buffone, picchiettio nelle parti vocali, rafforzamento e sviluppo degli ensemble (al contrario dell'opera seria, dove le parti soliste erano la base, e gli ensemble e i cori erano quasi mai usato). I generi popolari di canto e danza sono serviti come base per la drammaturgia musicale. Successivamente, tratti lirici e sentimentali penetrarono nell'opera buffa, spostandola dalla rozza commedia dell'arte ai problemi stravaganti e ai principi della trama di C. Gozzi. Lo sviluppo dell'opera buffa è associato ai nomi dei compositori N. Picchini, G. Paisiello, D. Cimarosa.

Versione spagnola dell'opera buffa tonadilla(Tonadilla spagnola - canzone, riduzione da tonada - canzone). Come l'opera buffa, la tonadilla è nata da un numero di canti e balli che apriva uno spettacolo teatrale o veniva eseguito tra un atto e l'altro. Successivamente formato in un genere separato. La prima tonadilla Locandiere e autista(compositore L. Mison, 1757). Altri rappresentanti del genere sono M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve i Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor. Nella maggior parte dei casi, i compositori stessi hanno scritto il libretto per la tonadilla.

In Francia, il genere si è sviluppato sotto il nome opera comica(fr. - opera comica). È nato come una parodia satirica della "grande opera". In contrasto con la linea di sviluppo italiana, in Francia il genere era inizialmente formato da drammaturghi, il che ha portato alla combinazione di numeri musicali con dialoghi colloquiali. Così, J.J. Rousseau è considerato l'autore della prima opéra comique francese ( stregone del villaggio, 1752). La drammaturgia musicale dell'opéra comique si è sviluppata nel lavoro dei compositori E. Duny, F. Philidor. Nell'era pre-rivoluzionaria, l'opéra comique acquisì un orientamento romantico, saturazione di sentimenti seri e contenuti di attualità (compositori P. Monsigny, A. Gretry).

In Inghilterra, la varietà nazionale dell'opera comica era chiamata opera ballata e si sviluppò principalmente nel genere della satira sociale. Modello classico - Opera dei mendicanti(1728) del compositore J. Pepush e del drammaturgo J. Gay, che divenne un'arguta parodia dei costumi dell'aristocrazia inglese. Tra gli altri compositori inglesi che hanno lavorato nel genere dell'opera ballata, il più famoso è Ch. Coffey, il cui lavoro ha avuto una seria influenza sullo sviluppo del genere in Germania .

Le varietà tedesca e austriaca dell'opera buffa avevano lo stesso nome singspiel(tedesco Singspiel, da singen - cantare e Spiel - gioco). Tuttavia, il Singspiel tedesco e austriaco aveva le proprie caratteristiche. Se in Germania il genere si formò sotto l'influenza dell'opera ballata inglese, in Austria fu sotto l'influenza della commedia dell'arte italiana e dell'opéra comique francese. Ciò è dovuto all'originalità culturologica della capitale dell'Austria, Vienna, che nel XVIII secolo era diventata la capitale dell'Austria. un centro internazionale dove si sintetizzava l'arte musicale di popoli diversi. Il Singspiel austriaco, a differenza di quello tedesco, insieme ai numeri di distici e ballate, comprende grandi forme operistiche: arie, ensemble, finali ben sviluppati. Anche la parte orchestrale riceve più sviluppo nel singspiel austriaco. I compositori più famosi del Singspiel sono J. Shtandfuss, J. A. Giller, V. Müller, K. Dietersdorf e altri.

Trasformazione di genere.

Entro la fine del 18 ° secolo lo sviluppo dei generi nazionali dell'opera comica nella loro forma "pura" iniziò a declinare. Tuttavia, sulla loro base, si sono formati contemporaneamente nuovi principi di diversi tipi di arti musicali e di intrattenimento. E qui il ruolo principale appartiene ancora alla scuola musicale viennese.

Da un lato, l'opera comica in generale e il singspiel in particolare hanno contribuito alla riforma dell'arte operistica classica, in cui W. A. ​​​​Mozart ha un ruolo enorme. Seguendo il percorso del rinnovamento interno e della sintesi delle precedenti forme musicali, Mozart ha creato il proprio concetto di opera, arricchendo lo schema piuttosto semplice del singspiel e dell'opera buffa, introducendovi persuasività psicologica, motivi realistici e integrandoli anche con il musical forme di opera seria. COSÌ, Nozze di Figaro(1786) combina organicamente la forma dell'opera buffa con il contenuto realistico; Don Juan(1787) combina la commedia con un vero suono tragico; flauto magico(1791) include una varietà di generi musicali nel singspiel classico: stravaganza, corale, fuga, ecc.

Parallelamente a Mozart e sugli stessi principi in Austria, una revisione innovativa dell'opera è stata effettuata da J. Haydn ( La vera costanza, 1776; Mondo lunare, 1977; L'anima di un filosofo, 1791). Echi del singspiel sono chiaramente udibili nell'unica opera di L. van Beethoven Fedelio (1805).

Le tradizioni di Mozart e Haydn furono comprese e continuate nell'opera del compositore italiano G.A. Rossini (da Cambiali per il matrimonio, 1810, prima Barbiere di Siviglia, 1816 e Cenerentola, 1817).

Un altro ramo dello sviluppo dell'opera comica è associato all'emergere e alla formazione della scuola dell'operetta classica viennese. Se nel 18 ° secolo le varietà di opera comica venivano spesso chiamate operetta (operetta italiana, opérette francese, lett. - piccola opera), poi nel XIX secolo. è diventato un genere indipendente separato. I suoi principi furono formati in Francia, dal compositore J. Offenbach, e si formarono nel suo teatro Bouffe-Parisien.

L'operetta classica viennese è associata principalmente al nome di I. Strauss (figlio), arrivato a questo genere tardi, nel quinto decennio della sua vita, quando era già un autore di fama mondiale di numerosi valzer classici. Le operette di Strauss sono caratterizzate da ricchezza melodica e varietà di forme musicali, orchestrazione squisita, motivi sinfonici dettagliati di episodi di danza e una costante dipendenza dalla musica popolare austro-ungarica. In tutto questo, senza dubbio, si leggono le tradizioni dell'opera buffa. Tuttavia, nello sviluppo dell'operetta come genere, l'enfasi principale è stata posta sulle capacità musicali e di esecuzione (sia orchestrali che vocali-coreografiche). La linea testuale della drammaturgia, che si sviluppò con successo nell'opera ballata inglese e nell'opéra comique francese, finì nel nulla e degenerò in primitivi mestieri drammatici: il libretto. A questo proposito, delle 16 operette scritte da Strauss, solo tre sono sopravvissute nel repertorio dei teatri dei tempi successivi: Pipistrello, Notte a Venezia E Barone zingaro. È al libretto schematico che si collega anche la tradizionale attribuzione dell'operetta al genere dello spettacolo leggero.

Il desiderio di restituire profondità e volume al teatro sintetico musicale e spettacolare ha determinato l'ulteriore formazione e sviluppo del genere musicale, in cui la drammaturgia testuale, plastica e musicale coesistono in un'unità inscindibile, senza la pressione prevalente di nessuno di essi.

Opera comica in Russia.

Lo sviluppo del teatro musicale in Russia fino all'ultimo terzo del XVIII secolo. era basato sull'arte dell'Europa occidentale. In particolare, ciò è stato facilitato dalla particolare inclinazione di Caterina II verso gli artisti "stranieri". Se nel teatro drammatico russo a quel tempo i nomi dei drammaturghi domestici A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyaznin, D. Fonvizin e altri erano già ben noti, allora le esibizioni delle compagnie di balletto e opera erano basate solo sulle opere di autori stranieri. Insieme a gruppi amatoriali e professionisti russi, l'opéra comique francese e l'opera buffa italiana furono invitate a fare tournée nel teatro di corte dal segretario di gabinetto di Caterina II, Ivan Elagin, che era responsabile degli "stati" teatrali. Ciò era in gran parte dovuto agli interessi extra-teatrali degli influenti cortigiani di Caterina II (il principe Potëmkin, il conte Bezborodko, ecc.): a quel tempo era considerata una buona forma avere relazioni con attrici straniere.

In questo contesto, la formazione della scuola lirica russa e della scuola laica dei compositori è iniziata con la formazione dell'opera comica nazionale. Questo percorso è del tutto naturale: è l'opera comica, per la sua natura fondamentalmente democratica, che offre le massime opportunità per la manifestazione dell'autocoscienza nazionale.

La creazione di un'opera comica in Russia è associata ai nomi dei compositori V. Pashkevich ( Guai dalla carrozza, 1779; Avaro, 1782), E. Fomina ( Cocchieri su una messa a punto, o una partita per caso, 1787; americani, 1788), M. Matinsky ( San Pietroburgo Gostiny Dvor, 1782). La musica era basata sulla melodia delle canzoni russe; l'interpretazione scenica è caratterizzata da una libera alternanza di canto recitativo e melodico, un vivace sviluppo realistico di personaggi popolari e vita quotidiana, elementi di satira sociale. L'opera comica più popolare Melnik: uno stregone, un ingannatore e un sensale su libretto del drammaturgo A. Ablesimov (compositore - M. Sokolovsky, 1779; dal 1792 fu eseguito sulla musica di E. Fomin). Successivamente, l'opera comica russa (così come le sue varietà europee) è stata integrata con motivi lirici e romantici (compositori K. Kavos - Ivan Susanin,Nikitich,Uccello di fuoco e così via.; A. Verstovsky - Pan TVardovsky,La tomba di Askold e così via.).

L'opera comica russa ha segnato l'inizio della formazione nel XIX secolo. due direzioni del teatro musicale e di spettacolo nazionale. La prima è l'opera classica russa, il cui rapido sviluppo è stato causato dai talenti di M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky e altri. Tuttavia, in questo ramo dell'arte musicale sono rimaste solo poche caratteristiche ridotte del genere originale: affidamento su melodie popolari e singoli episodi comici. Nel complesso, l'opera russa è entrata organicamente nella tradizione mondiale generale dei classici dell'opera.

La seconda direzione ha conservato più chiaramente le caratteristiche specifiche della commedia. Questo è il vaudeville russo, in cui il dialogo e l'azione divertente, costruiti su intrighi divertenti, sono stati combinati con musica, versi e balli. In un certo senso, il vaudeville russo può essere considerato una sorta di "genere leggero" dell'operetta europea, ma ha le sue caratteristiche distintive. La base drammatica del vaudeville non è un libretto, ma un'opera teatrale ben realizzata. Diciamo, uno dei primi autori russi di vaudeville è stato A. Griboedov ( Propria famiglia o sposa sposata, in collaborazione con A. Shakhovsky e N. Khmelnitsky, 1817; Chi è fratello, chi è sorella, o Inganno dopo inganno, in collaborazione con P. Vyazemsky, 1923). A. Pisarev ha lavorato nel genere del vaudeville, in seguito - F. Koni, D. Lensky (il suo vaudeville Lev Gurych Sinichkinè messo in scena fino ad oggi), V. Sollogub, P. Karatygin e altri, quindi la base del vaudeville russo non è la drammaturgia musicale, ma letteraria, mentre alla musica viene assegnato un ruolo ausiliario nei distici inseriti. Nella seconda metà del XIX secolo A. Cechov ha dato il suo contributo allo sviluppo del vaudeville ( Orso,Offerta,Anniversario,Nozze ecc.), sottraendolo alla statica cornice del genere e arricchendo i caratteri dei personaggi.

All'inizio del XX secolo, i tentativi di sviluppare il genere dell'opera comica basato su una combinazione delle tradizioni dell'operetta con un dettagliato sviluppo psicologico dei personaggi furono fatti in Russia all'inizio del XX secolo, anche dal Moscow Art Theatre . Così, V. Nemirovich-Danchenko nel 1919 creò il Musical Studio (Comic Opera) e mise in scena il Moscow Art Theatre con i suoi attori La figlia di Ango Lecoq e periccolo Offenbach, deciso come "appassionato di melodramma". All'inizio degli anni '20, Nemirovich-Danchenko ha messo in scena qui opere comiche Lisistrata Aristofane, 1923; Carmencita e il soldato, 1924.

In epoca sovietica, che proclamava il realismo socialista come principio fondamentale dell'arte, la frivola definizione di genere di “operetta” veniva sempre più mascherata dalla neutrale “commedia musicale”. In effetti, nell'ambito di questo termine generale, c'erano molte varietà: dall'operetta classica al non meno classico vaudeville; dagli approcci jazz al musical alle opere zong brechtiane; anche "commedia patetica", ecc.

L'interesse degli artisti drammatici russi per il teatro musicale è sempre stato molto grande: sono stati attratti dall'opportunità di cimentarsi in un nuovo genere, di rivelare le proprie capacità vocali e plastiche. Allo stesso tempo, il genere musicale sintetico era indubbiamente particolarmente attraente: la tradizionale scuola di recitazione russa coltiva costantemente lo psicologismo, che non è troppo obbligatorio per un'operetta o un vaudeville. La distruzione della "cortina di ferro" e la familiarizzazione con il flusso globale della cultura hanno dato alla Russia nuove opportunità per lo sviluppo del genere sintetico del musical, che a quel tempo aveva conquistato il mondo intero. E oggi poche persone ricordano che la storia del genere musicale più popolare al mondo è iniziata nella prima metà del XVIII secolo. dall'opera buffa.

Tatiana Shabalin

L'opera è un genere teatrale vocale di musica classica. Si differenzia dal teatro drammatico classico in quanto gli attori, che si esibiscono anche circondati da scenografie e in costume, non parlano, ma cantano lungo il percorso. L'azione è costruita su un testo chiamato libretto, creato sulla base di un'opera letteraria o appositamente per un'opera.

L'Italia è stata la culla del genere operistico. La prima rappresentazione fu organizzata nel 1600 dal sovrano di Firenze, i Medici, in occasione delle nozze di sua figlia con il re di Francia.

Ci sono un certo numero di varietà di questo genere. L'opera seria apparve nei secoli XVII e XVIII. La sua particolarità era l'appello alle trame della storia e della mitologia. Le trame di tali opere erano enfaticamente sature di emozioni e pathos, le arie erano lunghe e lo scenario magnifico.

Nel XVIII secolo, il pubblico iniziò a stancarsi dell'eccessiva pomposità ed emerse un genere alternativo, l'opera comica più leggera. È caratterizzato da un minor numero di attori coinvolti e da tecniche "frivole" utilizzate nelle arie.

Alla fine dello stesso secolo nasce un'opera semiseria, che ha un carattere misto tra genere serio e comico. Le opere scritte in questo modo hanno sempre un lieto fine, ma la loro stessa trama è tragica e seria.

A differenza delle precedenti varietà apparse in Italia, la cosiddetta grand opera è nata in Francia negli anni '30 del XIX secolo. Le opere di questo genere erano principalmente dedicate a temi storici. Inoltre, era caratteristica la struttura di 5 atti, uno dei quali era la danza e molti scenari.

L'opera-balletto apparve nello stesso paese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo alla corte reale francese. Le esibizioni di questo genere si distinguono per trame incoerenti e produzioni colorate.

La Francia è anche la culla dell'operetta. Semplice nel significato, divertente nel contenuto, opere con musica leggera e un piccolo cast di attori iniziarono ad essere messe in scena nel XIX secolo.

L'opera romantica è nata in Germania nello stesso secolo. La caratteristica principale del genere sono le trame romantiche.

Tra le opere più popolari del nostro tempo ricordiamo La Traviata di Giuseppe Verdi, La bohème di Giacomo Puccini, Carmen di Georges Bizet e, da quelle domestiche, Eugene Onegin di P.I. Čajkovskij.

opzione 2

L'opera è una forma d'arte che include una combinazione di musica, canto, performance, recitazione abile. Inoltre, nell'opera viene utilizzata la scenografia, che decora il palcoscenico per trasmettere allo spettatore l'atmosfera in cui si svolge questa azione.

Inoltre, per la comprensione spirituale dello spettatore della scena rappresentata, la protagonista è l'attrice cantante, assistita da una banda di ottoni guidata da un direttore d'orchestra. Questo tipo di creatività è molto profondo e sfaccettato, apparso per la prima volta in Italia.

L'opera ha subito molti cambiamenti prima di arrivare a noi in questa immagine, in alcune opere c'erano momenti in cui cantava, scriveva poesie, non poteva fare nulla senza un cantante che gli dettava le sue condizioni.

Poi è arrivato il momento in cui nessuno ha ascoltato il testo, tutto il pubblico ha guardato solo l'attore cantante e gli splendidi abiti. E nella terza fase, abbiamo ottenuto il tipo di opera che siamo abituati a vedere e ascoltare nel mondo moderno.

E solo ora abbiamo individuato le priorità principali in questa azione, ma prima viene la musica, poi l'aria dell'attore e solo dopo il testo. Dopotutto, con l'aiuto di un'aria, viene raccontata la storia degli eroi della commedia. Di conseguenza, l'aria principale degli attori è la stessa del monologo in drammaturgia.

Ma durante l'aria ascoltiamo anche la musica che corrisponde a questo monologo, permettendoci di sentire più vividamente l'intera azione che si svolge sul palco. Oltre a tali azioni, ci sono anche opere completamente costruite su affermazioni rumorose e sincere, combinate con la musica. Un tale monologo si chiama recitativo.

Oltre all'aria e al recitativo, nell'opera c'è un coro, con l'aiuto del quale vengono trasmesse molte linee attive. C'è anche un'orchestra nell'opera, senza di essa l'opera non sarebbe quella che è adesso.

Infatti, grazie all'orchestra, suona la musica corrispondente, che crea un'atmosfera aggiuntiva e aiuta a rivelare l'intero significato dell'opera. Questo tipo di arte ebbe origine alla fine del XVI secolo. L'opera è nata in Italia, nella città di Firenze, dove è stato messo in scena per la prima volta un antico mito greco.

Dal momento della sua formazione, le trame mitologiche sono state utilizzate principalmente nell'opera, ora il repertorio è molto ampio e vario. Nel XIX secolo quest'arte iniziò ad essere insegnata in scuole speciali. Grazie a questa formazione, il mondo ha visto molti personaggi famosi.

L'opera è scritta sulla base di vari drammi, romanzi, racconti e opere teatrali tratti dalla letteratura di tutti i paesi del mondo. Dopo che la sceneggiatura musicale è stata scritta, viene studiata dal direttore, dall'orchestra, dal coro. E gli attori insegnano il testo, poi preparano la scenografia, conducono le prove.

E ora, dopo il lavoro di tutte queste persone, nasce uno spettacolo d'opera da vedere, che molte persone vengono a vedere.

• Vasily Zhukovsky - rapporto sul messaggio

  Vasily Andreevich Zhukovsky, uno dei famosi poeti del XVIII secolo nelle direzioni del sentimentalismo e del romanticismo, molto popolare a quei tempi.

  Al momento, il problema della conservazione dell'ecologia del nostro pianeta è particolarmente acuto. Il progresso tecnologico, la crescita della popolazione terrestre, le continue guerre e la rivoluzione industriale, la trasformazione della natura e l'espansione inesorabile dell'ecumene