Sul significato nazionale dell'opera di Ostrovsky. Il valore della drammaturgia di Ostrovsky

Il drammaturgo quasi non ha messo nel suo lavoro problemi politici e filosofici, espressioni facciali e gesti, giocando con i dettagli dei loro costumi e dell'ambiente quotidiano. Per aumentare gli effetti comici, il drammaturgo di solito introduceva nella trama persone minori - parenti, servi, clienti, passanti casuali - e circostanze secondarie della vita quotidiana. Tali, ad esempio, sono il seguito di Khlynov e il gentiluomo con i baffi in The Hot Heart, o Apollo Murzavetsky con il suo Tamerlano nella commedia Wolves and Sheep, o l'attore Schastlivtsev sotto Neschastlivtsev e Paratov in The Forest and The Dowry, ecc. il drammaturgo, come prima, ha cercato di rivelare i caratteri dei personaggi non solo nel corso stesso degli eventi, ma in misura non minore anche attraverso le peculiarità dei loro dialoghi quotidiani - dialoghi "caratterologici", da lui padroneggiati esteticamente in "His People .. .".
Così, nel nuovo periodo di creatività, Ostrovsky agisce come un maestro affermato con un sistema completo di arte drammatica. La sua fama, i suoi legami sociali e teatrali continuano a crescere ea diventare più complessi. L'abbondanza di opere teatrali create nel nuovo periodo è stata il risultato di una domanda sempre crescente di opere di Ostrovsky da parte di riviste e teatri. Durante questi anni, il drammaturgo non solo ha lavorato instancabilmente se stesso, ma ha trovato la forza per aiutare scrittori meno dotati e alle prime armi, e talvolta partecipare attivamente con loro al loro lavoro. Così, in collaborazione creativa con Ostrovsky, sono state scritte numerose commedie di N. Solovyov (le migliori sono "Le nozze di Belugin" e "Wild Woman"), così come P. Nevezhin.
Contribuendo costantemente alla messa in scena delle sue opere sui palcoscenici dei teatri Alessandria di Mosca Maly e San Pietroburgo, Ostrovsky conosceva bene lo stato delle cose teatrali, che erano principalmente sotto la giurisdizione dell'apparato statale burocratico, ed era amaramente consapevole del loro clamoroso carenze. Vide che non rappresentava l'intellighenzia nobile e borghese nella sua ricerca ideologica, come fecero Herzen, Turgenev e in parte Goncharov. Nelle sue commedie mostrava la vita sociale quotidiana dei normali rappresentanti della classe mercantile, della burocrazia, della nobiltà, una vita in cui si manifestavano conflitti personali, in particolare amorosi, scontri di interessi familiari, monetari e patrimoniali.
Ma la consapevolezza ideologica e artistica di Ostrovsky di questi aspetti della vita russa aveva un profondo significato nazionale e storico. Attraverso le relazioni quotidiane di quelle persone che erano le padrone e le padrone della vita, si rivelava la loro condizione sociale generale. Proprio come, secondo l'appropriata osservazione di Chernyshevsky, il comportamento codardo di un giovane liberale, l'eroe della storia di Turgenev "Asya", ad un appuntamento con una ragazza era un "sintomo di malattia" di tutto il nobile liberalismo, la sua debolezza politica, così il la tirannia quotidiana e il comportamento predatorio di mercanti, funzionari e nobili rappresentavano un sintomo di una malattia più terribile della loro totale incapacità di conferire almeno in una certa misura alle loro attività un significato progressista a livello nazionale.
Questo era abbastanza naturale e naturale nel periodo pre-riforma. Quindi la tirannia, l'arroganza, la predazione dei Voltov, Vyshnevsky, Ulanbekov era una manifestazione del "regno oscuro" della servitù, già destinato a essere demolito. E Dobrolyubov ha correttamente sottolineato che sebbene la commedia di Ostrovsky "non possa fornire una chiave per spiegare molti degli amari fenomeni in essa rappresentati", tuttavia, "può facilmente portare a molte considerazioni analoghe relative a quella vita, che non riguarda direttamente". E il critico lo ha spiegato con il fatto che i “tipi” di piccoli tiranni, allevati da Ostrovsky, “non lo sono. raramente contengono caratteristiche non solo esclusivamente mercantili o burocratiche, ma anche generali (cioè a livello nazionale). In altre parole, le commedie di Ostrovsky del 1840-1860. indirettamente esposto tutti i "regni oscuri" del sistema autocratico-feudale.
Nei decenni successivi alla riforma la situazione è cambiata. Poi "tutto è stato capovolto" e il nuovo sistema borghese della vita russa ha cominciato gradualmente ad "adattarsi". E la questione di come esattamente questo nuovo sistema fosse "adattato" era di enorme importanza nazionale, fino a che punto la nuova classe dirigente, la borghesia russa, potesse prendere parte alla lotta per abolire le sopravvivenze del "regno oscuro" della servitù e l'intero sistema autocratico-proprietario.
Quasi venti nuove commedie di Ostrovsky su temi contemporanei hanno dato una chiara risposta negativa a questa domanda fatale. Il drammaturgo, come prima, ha rappresentato il mondo delle relazioni private sociali, domestiche, familiari e patrimoniali. Non tutto gli era chiaro nelle tendenze generali del loro sviluppo, e la sua "lira" a volte emetteva "suoni corretti" a questo riguardo. Ma nel complesso, le opere di Ostrovsky contenevano un certo orientamento oggettivo. Hanno esposto sia i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo sia il "regno oscuro" emergente della predazione borghese, della campagna pubblicitaria del denaro, della distruzione di tutti i valori morali in un'atmosfera di compravendita generale. Hanno dimostrato che gli uomini d'affari e gli industriali russi non sono in grado di raggiungere la realizzazione degli interessi dello sviluppo nazionale, che alcuni di loro, come Khlynov e Akhov, sono capaci solo di indulgere in piaceri grossolani, altri, come Knurov e Berkutov, possono subordinare solo tutto ciò che li circonda ai loro interessi predatori, "da lupo", e per terze parti, come Vasilkov o Frol Pribytkov, gli interessi del profitto sono coperti solo dalla decenza esteriore e da richieste culturali molto ristrette. Le commedie di Ostrovsky, oltre ai piani e alle intenzioni del loro autore, delineavano oggettivamente una certa prospettiva di sviluppo nazionale - la prospettiva dell'inevitabile distruzione di tutti i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo autocratico della gleba, non solo senza la partecipazione di la borghesia, non solo sopra la sua testa, ma insieme alla distruzione del suo stesso "regno oscuro" predatore
La realtà rappresentata nelle commedie quotidiane di Ostrovsky era una forma di vita priva di un contenuto progressista nazionale, e quindi rivelava facilmente un'incoerenza comica interna. Ostrovsky ha dedicato il suo eccezionale talento drammatico alla sua divulgazione. Basandosi sulla tradizione delle commedie e delle storie realistiche di Gogol, ristrutturandola secondo le nuove esigenze estetiche avanzate dalla "scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento e formulate da Belinsky e Herzen, Ostrovsky ha tracciato l'incoerenza comica della vita sociale e quotidiana di gli strati dirigenti della società russa, approfondendo i "dettagli del mondo", guardando filo per filo la "rete delle relazioni quotidiane". Questo è stato il risultato principale del nuovo stile drammatico creato da Ostrovsky.

Saggio sulla letteratura sull'argomento: il significato del lavoro di Ostrovsky per lo sviluppo ideologico ed estetico della letteratura

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Composizione

Alexander Nikolaevich Ostrovsky... Questo è un fenomeno insolito. Il suo ruolo nella storia dello sviluppo della drammaturgia russa, delle arti dello spettacolo e dell'intera cultura nazionale difficilmente può essere sopravvalutato. Per lo sviluppo del dramma russo ha lavorato tanto quanto Shakespeare in Inghilterra, Lone de Vega in Spagna, Molière in Francia, Goldoni in Italia e Schiller in Germania. Nonostante le vessazioni inflitte dalla censura, dal comitato teatrale e letterario e dalla direzione dei teatri imperiali, nonostante le critiche dei circoli reazionari, la drammaturgia di Ostrovsky guadagnava ogni anno sempre più simpatia sia tra gli spettatori democratici che tra gli artisti.

Sviluppando le migliori tradizioni dell'arte drammatica russa, utilizzando l'esperienza della drammaturgia straniera progressista, apprendendo instancabilmente la vita del suo paese natale, comunicando costantemente con la gente, connettendosi strettamente con il pubblico contemporaneo più progressista, Ostrovsky divenne un'eccezionale rappresentazione della vita del suo tempo, che incarnava i sogni di Gogol, Belinsky e altre figure progressiste, la letteratura sull'apparizione e il trionfo sulla scena nazionale dei personaggi russi.
L'attività creativa di Ostrovsky ha avuto una grande influenza sull'intero ulteriore sviluppo del dramma progressista russo. È stato da lui che hanno studiato i nostri migliori drammaturghi, ha insegnato. Fu a lui che gli aspiranti scrittori drammatici furono attratti ai loro tempi.

La forza dell'influenza di Ostrovsky sugli scrittori del suo tempo può essere evidenziata da una lettera alla poetessa drammaturga A. D. Mysovskaya. “Sai quanto è stata grande la tua influenza su di me? Non è stato l'amore per l'arte a farmi capire e apprezzare: al contrario, mi hai insegnato ad amare e rispettare l'arte. Sono in debito solo con te per il fatto che ho resistito alla tentazione di cadere nell'arena della miserabile mediocrità letteraria, non ho inseguito allori da quattro soldi lanciati dalle mani di semicolti in agrodolce. Tu e Nekrasov mi avete fatto innamorare del pensiero e del lavoro, ma Nekrasov mi ha dato solo il primo impulso, tu sei la direzione. Leggendo le tue opere, mi sono reso conto che la rima non è poesia, e un insieme di frasi non è letteratura, e che solo elaborando la mente e la tecnica, l'artista sarà un vero artista.
Ostrovsky ha avuto un forte impatto non solo sullo sviluppo del dramma domestico, ma anche sullo sviluppo del teatro russo. La colossale importanza di Ostrovsky nello sviluppo del teatro russo è ben sottolineata in una poesia dedicata a Ostrovsky e letta nel 1903 da M. N. Yermolova dal palcoscenico del Teatro Maly:

Sul palco, la vita stessa, dal palco soffia la verità,
E il sole splendente ci accarezza e ci riscalda...
Suona il discorso dal vivo di persone comuni e viventi,
Sul palco, non un "eroe", non un angelo, non un cattivo,
Ma solo un uomo ... Attore felice
In fretta per rompere rapidamente le pesanti catene
Condizioni e bugie. Parole e sentimenti sono nuovi

Ma nei segreti dell'anima, la risposta suona loro, -
E tutte le bocche sussurrano: beato il poeta,
Ho strappato le squallide copertine di orpelli
E getta una luce brillante nel regno delle tenebre

La famosa attrice ha scritto più o meno lo stesso nel 1924 nelle sue memorie: “Insieme a Ostrovsky, la verità stessa e la vita stessa sono apparse sul palco ... È iniziata la crescita del dramma originale, pieno di risposte alla modernità ... Hanno iniziato a parlare del poveri, gli umiliati e gli insultati”.

La direzione realistica, attutita dalla politica teatrale dell'autocrazia, continuata e approfondita da Ostrovsky, ha trasformato il teatro sulla via dello stretto legame con la realtà. Solo che ha dato vita al teatro come teatro popolare nazionale, russo.

“Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale sono state poste le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Questa meravigliosa lettera è stata ricevuta tra le altre congratulazioni nell'anno del trentacinquesimo anniversario dell'attività letteraria e teatrale, Alexander Nikolaevich Ostrovsky da un altro grande scrittore russo - Goncharov.

Ma molto prima, sulla primissima opera dell'ancora giovane Ostrovsky, pubblicata su Moskvityanin, un sottile conoscitore dell'eleganza e un sensibile osservatore V. F. Odoevsky scriveva: quest'uomo è un grande talento. Considero tre tragedie in Rus': "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector". Ho messo il numero quattro su Bankrupt.

Da una prima valutazione così promettente alla lettera per l'anniversario di Goncharov, una vita piena e impegnata; lavoro, e ha portato a un rapporto così logico di valutazioni, perché il talento richiede, prima di tutto, un grande lavoro su se stesso, e il drammaturgo non ha peccato davanti a Dio - non ha seppellito il suo talento nel terreno. Dopo aver pubblicato la prima opera nel 1847, Ostrovsky da allora ha scritto 47 opere teatrali e tradotto più di venti opere teatrali dalle lingue europee. E tutto sommato, nel teatro popolare da lui creato, ci sono circa mille attori.
Poco prima della sua morte, nel 1886, Alexander Nikolayevich ricevette una lettera da L. N. Tolstoy, in cui il brillante scrittore di prosa ammetteva: “So per esperienza come le persone leggono, ascoltano e ricordano le tue cose, e quindi vorrei aiutarti ad avere ora diventa rapidamente in realtà ciò che indubbiamente sei: uno scrittore di tutto il popolo nel senso più ampio.

L'intera vita creativa di A.N. Ostrovsky era indissolubilmente legato al teatro russo e il suo merito per il palcoscenico russo è davvero incommensurabile. Aveva tutte le ragioni per dire alla fine della sua vita: "... il teatro drammatico russo ha un solo io. Io sono tutto: l'accademia, il filantropo e la difesa. Inoltre, ... sono diventato il capo dell'arte scenica".

Ostrovsky ha preso parte attiva alla messa in scena delle sue opere teatrali, ha lavorato con attori, era amico di molti di loro e corrispondeva con loro. Ha fatto molti sforzi per difendere la morale degli attori, cercando di creare una scuola di teatro in Russia, il suo repertorio.

Nel 1865 Ostrovsky organizzò a Mosca un circolo artistico, il cui scopo era proteggere gli interessi degli artisti, soprattutto provinciali, e promuovere la loro educazione. Nel 1874 fondò la Society of Dramatic Writers and Opera Composers. Ha compilato promemoria per il governo sullo sviluppo delle arti dello spettacolo (1881), diretto al Teatro Maly di Mosca e al Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo, è stato responsabile del repertorio dei teatri di Mosca (1886), ed è stato capo della la scuola di teatro (1886). Ha "costruito" un intero "edificio del teatro russo", composto da 47 opere originali. "Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte", ha scritto I. A. Goncharov a Ostrovsky, "hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Noi russi possiamo dire con orgoglio: abbiamo il nostro teatro nazionale russo".

L'opera di Ostrovsky ha costituito un'intera epoca nella storia del teatro russo. Quasi tutte le sue opere teatrali durante la sua vita sono state messe in scena al Maly Theatre, hanno allevato diverse generazioni di artisti che sono diventati meravigliosi maestri del palcoscenico russo. Le commedie di Ostrovsky hanno avuto un ruolo così significativo nella storia del Teatro Maly che è orgogliosamente chiamato la Casa di Ostrovsky.

Ostrovsky di solito metteva in scena lui stesso le sue opere. Conosceva bene la vita interiore, nascosta agli occhi del pubblico, dietro le quinte del teatro. La conoscenza del drammaturgo della vita della recitazione si manifestava chiaramente nelle commedie "The Forest" (1871), "The Comedian of the 17th Century" (1873), "Talents and Admirers" (1881), "Guilty Without Guilt" (1883) .

In queste opere compaiono davanti a noi tipi viventi di attori provinciali con ruoli diversi. Questi sono tragici, comici, "primi amanti". Ma indipendentemente dal ruolo, la vita degli attori, di regola, non è facile. Descrivendo il loro destino nelle sue opere teatrali, Ostrovsky ha cercato di mostrare quanto sia difficile per una persona con un'anima e un talento sottili vivere in un mondo ingiusto di senz'anima e ignoranza. Allo stesso tempo, gli attori nell'immagine di Ostrovsky potrebbero rivelarsi quasi mendicanti, come Neschastlivtsev e Schastlivtsev in Les; umiliati e perdono il loro aspetto umano per l'ubriachezza, come Robinson in "Dowry", come Shmaga in "Guilty Without Guilt", come Erast Gromilov in "Talents and Admirers".

Nella commedia "The Forest" Ostrovsky ha rivelato il talento degli attori del teatro provinciale russo e allo stesso tempo ha mostrato la loro posizione umiliante, condannata al vagabondaggio e al vagabondaggio alla ricerca del loro pane quotidiano. Quando si incontrano, Schastlivtsev e Neschastlivtsev non hanno un centesimo di denaro o un pizzico di tabacco. È vero, Neschastvittsev ha dei vestiti nel suo zaino fatto in casa. Aveva persino un frac, ma per interpretare il ruolo ha dovuto scambiarlo a Chisinau "con il costume di Amleto". Il costume era molto importante per l'attore, ma per avere il guardaroba necessario servivano molti soldi ...

Ostrovsky mostra che l'attore provinciale è sul gradino più basso della scala sociale. Nella società esiste un pregiudizio contro la professione di attore. Gurmyzhskaya, avendo saputo che suo nipote Neschastlivtsev e il suo compagno Schastlivtsev sono attori, dichiara con arroganza: "Domani mattina non saranno qui. Non ho un albergo, non una taverna per questi signori". Se alle autorità locali non piace il comportamento dell'attore o se non ha documenti, viene perseguitato e può anche essere espulso dalla città. Arkady Schastlivtsev è stato "cacciato fuori dalla città tre volte ... per quattro miglia dai cosacchi con le fruste". A causa del disordine, degli eterni vagabondaggi, gli attori bevono. Visitare le taverne è il loro unico modo per allontanarsi dalla realtà, almeno per un po 'per dimenticare i guai. Schastlivtsev dice: "... Siamo uguali a lui, entrambi attori, lui è Neschastlivtsev, io sono Schastlivtsev, e siamo entrambi ubriaconi", e poi dichiara con spavalderia: "Siamo un popolo libero che cammina - apprezziamo la taverna soprattutto." Ma questa buffoneria di Arkashka Schastlivtsev è solo una maschera che nasconde il dolore insopportabile dell'umiliazione sociale.

Nonostante la vita difficile, le avversità e il risentimento, molti ministri di Melpomene conservano gentilezza e nobiltà nelle loro anime. In "The Forest" Ostrovsky ha creato l'immagine più vivida di un nobile attore: il tragico Neschastlivtsev. Ha ritratto una persona "viva", con un destino difficile, con una triste storia di vita. L'attore beve molto, ma durante lo spettacolo cambia, vengono rivelate le migliori caratteristiche della sua natura. Costringendo Vosmibratov a restituire i soldi a Gurmyzhskaya, Neschastlivtsev si esibisce, esegue ordini falsi. In questo momento, gioca con tale forza, con tale fede che il male può essere punito, che ottiene un vero successo nella vita: Vosmibratov dà soldi. Quindi, dando i suoi ultimi soldi ad Aksyusha, organizzando la sua felicità, Neschastlivtsev non gioca più. Le sue azioni non sono un gesto teatrale, ma un atto veramente nobile. E quando, alla fine della commedia, pronuncia il famoso monologo di Karl Mohr dai "Ladri" di F. Schiller, le parole dell'eroe di Schiller diventano, in sostanza, una continuazione del suo stesso discorso arrabbiato. Il significato dell'osservazione che Neschastlivtsev lancia a Gurmyzhskaya e alla sua intera compagnia: "Siamo artisti, artisti nobili e comici siete voi", sta nel fatto che, a suo avviso, l'arte e la vita sono indissolubilmente legate e l'attore non lo è un pretendente, non un ipocrita, la sua arte basata su sentimenti ed esperienze genuini.

Nella commedia poetica "Il comico del XVII secolo" il drammaturgo si è rivolto alle prime pagine della storia della scena nazionale. Il talentuoso comico Yakov Kochetov ha paura di diventare un artista. Non solo lui, ma anche suo padre è sicuro che questa sia un'occupazione riprovevole, che la buffoneria sia un peccato, peggio di cui nulla può essere, perché tali erano le idee precostruttive delle persone a Mosca nel XVII secolo. Ma Ostrovsky contrapponeva i persecutori dei buffoni e le loro "azioni" agli amanti e ai fanatici del teatro nell'era pre-petrina. Il drammaturgo ha mostrato il ruolo speciale delle rappresentazioni teatrali nello sviluppo della letteratura russa e ha formulato lo scopo della commedia per "... mostrare il vizioso e il malvagio in modo divertente, renderlo ridicolo. ... Insegnare alle persone rappresentando la morale".

Nel dramma "Talenti e ammiratori" Ostrovsky ha mostrato quanto sia difficile il destino dell'attrice, dotata di un enorme dono teatrale, appassionatamente devota al teatro. La posizione dell'attore nel teatro, il suo successo dipende dal fatto che piaccia ai ricchi spettatori che tengono in mano l'intera città. Dopotutto, i teatri provinciali esistevano principalmente grazie alle donazioni dei mecenati locali, che si sentivano maestri del teatro e dettavano le loro condizioni agli attori. Alexandra Negina di "Talenti e ammiratori" si rifiuta di partecipare a intrighi dietro le quinte o di rispondere ai capricci dei suoi ricchi ammiratori: il principe Dulebov, Bakin ufficiale e altri. Negina non può e non vuole accontentarsi del facile successo della poco esigente Nina Smelskaya, che accetta volentieri il patrocinio di ricchi ammiratori, trasformandosi, di fatto, in una mantenuta. Il principe Dulebov, offeso dal rifiuto di Negina, decise di rovinarla, strappando uno spettacolo di beneficenza e sopravvivendo letteralmente al teatro. Separarsi dal teatro, senza il quale non può immaginare la sua esistenza, per Negina significa accontentarsi di una vita miserabile con una dolce ma povera studentessa Petya Meluzov. Ha solo una via d'uscita: andare al mantenimento di un altro ammiratore, il ricco proprietario terriero Velikatov, che le promette ruoli e un clamoroso successo nel suo teatro. Chiama la sua pretesa al talento e all'anima di Alexandra amore ardente, ma in sostanza è un accordo franco tra un grande predatore e una vittima indifesa. Ciò che Knurov non doveva fare in "Dowry" è stato fatto da Velikatov. Larisa Ogudalova è riuscita a liberarsi dalle catene d'oro a costo della morte, Negina si è messa queste catene, perché non può immaginare la vita senza arte.

Ostrovsky rimprovera questa eroina, che si è rivelata avere meno dote spirituale di Larisa. Ma allo stesso tempo, con angoscia, ci ha raccontato del drammatico destino dell'attrice, che ha suscitato la sua partecipazione e simpatia. Non c'è da stupirsi, come ha notato E. Kholodov, il suo nome è lo stesso di Ostrovsky stesso: Alexandra Nikolaevna.

Nel dramma Guilty Without Guilt, Ostrovsky si rivolge nuovamente al tema del teatro, sebbene i suoi problemi siano molto più ampi: parla del destino delle persone private della vita. Al centro del dramma c'è l'eccezionale attrice Kruchinina, dopo le cui esibizioni il teatro letteralmente "cade a pezzi per gli applausi". La sua immagine dà motivo di pensare a ciò che determina il significato e la grandezza nell'arte. Prima di tutto, crede Ostrovsky, questa è un'enorme esperienza di vita, una scuola di privazione, tormento e sofferenza, che la sua eroina ha attraversato.

Tutta la vita di Kruchinina fuori dal palco è "dolore e lacrime". Questa donna sapeva tutto: il duro lavoro di un insegnante, il tradimento e la partenza di una persona cara, la perdita di un figlio, una grave malattia, la solitudine. In secondo luogo, è nobiltà spirituale, cuore comprensivo, fede nella bontà e rispetto per una persona e, in terzo luogo, consapevolezza degli alti compiti dell'arte: Kruchinina porta allo spettatore l'alta verità, le idee di giustizia e libertà. Con la sua parola dal palco, cerca di "bruciare il cuore delle persone". E insieme a un raro talento naturale e una cultura comune, tutto ciò rende possibile diventare ciò che è diventata l'eroina della commedia: un idolo universale, la cui "gloria tuona". Kruchinina regala ai suoi spettatori la felicità del contatto con il bello. Ed è per questo che lo stesso drammaturgo nel finale regala anche la sua felicità personale: ritrovare il figlio perduto, l'attore indigente Neznamov.

Il merito di A. N. Ostrovsky davanti al palcoscenico russo è davvero incommensurabile. Le sue commedie sul teatro e sugli attori, che riflettono accuratamente le circostanze della realtà russa negli anni '70 e '80 del XIX secolo, contengono pensieri sull'arte che sono ancora attuali. Sono pensieri sul destino difficile, a volte tragico, di persone di talento che, realizzandosi sul palco, si bruciano completamente; pensieri sulla felicità della creatività, sulla piena dedizione, sull'alta missione dell'arte, sull'affermazione della bontà e dell'umanità.

Lo stesso drammaturgo si è espresso, ha rivelato la sua anima nelle commedie da lui create, forse soprattutto francamente nelle commedie sul teatro e sugli attori, in cui ha dimostrato in modo molto convincente che anche nelle profondità della Russia, nelle province, si possono incontrare talenti, disinteressati persone, capaci di vivere dei più alti interessi. . Molto in queste commedie è in sintonia con ciò che B. Pasternak ha scritto nella sua meravigliosa poesia "Oh, se solo sapessi che succede ...":

Quando una linea detta un sentimento

Manda uno schiavo sul palco,

Ed è qui che finisce l'arte.

E il suolo e il destino respirano.

Ostrovsky ha scritto per il teatro. Questa è la particolarità del suo dono. Le immagini e le immagini della vita che ha creato sono destinate al palcoscenico. Ecco perché il discorso dei personaggi di Ostrovsky è così importante, ecco perché le sue opere suonano così brillanti. Non c'è da stupirsi che Innokenty Annensky lo abbia definito un ascoltatore realista. Senza messa in scena sul palco, le sue opere erano come se non fossero state completate, motivo per cui Ostrovsky ha preso così duramente il divieto delle sue opere da parte della censura teatrale. La commedia "Our People - Let's Settle" è stata autorizzata a essere messa in scena a teatro solo dieci anni dopo che Pogodin è riuscito a pubblicarla su una rivista.

Con un sentimento di palese soddisfazione, A. N. Ostrovsky scrisse il 3 novembre 1878 al suo amico, artista del Teatro di Alessandria A. F. Burdin: "The Dowry" fu unanimemente riconosciuto come il migliore di tutti i miei lavori. Ostrovsky viveva "Dote", a volte solo su di lei, la sua quarantesima cosa, dirigeva "la sua attenzione e la sua forza", volendo "finirla" nel modo più completo. Nel settembre 1878 scrive a un suo conoscente: “Sto lavorando con tutte le mie forze alla mia commedia; non sembra male". Già un giorno dopo la prima, il 12 novembre, Ostrovsky ha potuto scoprire, e senza dubbio ha appreso da Russkiye Vedomosti, come è riuscito a "stancare l'intero pubblico, fino agli spettatori più ingenui". Perché lei - il pubblico - ha chiaramente "superato" quegli spettacoli che le offre. Negli anni '70 il rapporto di Ostrovsky con critici, teatri e pubblico si fa sempre più complicato. Il periodo in cui godette di un riconoscimento universale, da lui conquistato tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta, fu sostituito da un altro, che cresceva sempre di più in diversi circoli di raffreddamento nei confronti del drammaturgo.

La censura teatrale era più severa della censura letteraria. Questa non è una coincidenza. In sostanza, l'arte teatrale è democratica, è più diretta della letteratura, si rivolge al grande pubblico. Ostrovsky nella sua “Nota sulla situazione dell'arte drammatica in Russia al tempo presente” (1881) scrisse che “la poesia drammatica è più vicina alla gente di altri rami della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite, ma i drammi e le commedie sono scritte per tutto il popolo; gli scrittori drammatici devono ricordarselo sempre, devono essere chiari e forti. Questa vicinanza al popolo non degrada minimamente la poesia drammatica, ma, al contrario, ne raddoppia la forza e non le permette di diventare volgare e meschina. Ostrovsky parla nella sua "Nota" di come il pubblico teatrale in Russia si espanse dopo il 1861. Ostrovsky scrive a un nuovo spettatore, non esperto di arte, Ostrovsky scrive: “La letteratura raffinata è ancora noiosa per lui e incomprensibile, anche la musica, solo il teatro gli dà pieno piacere, lì vive come un bambino tutto ciò che accade sul palcoscenico, simpatizza con il bene e riconosce il male, chiaramente presentato." Per un pubblico "fresco", ha scritto Ostrovsky, "sono richiesti un dramma forte, una commedia su larga scala, risate provocatorie, franche, forti, sentimenti caldi e sinceri".

È il teatro, secondo Ostrovsky, che affonda le sue radici nello spettacolo popolare, ha la capacità di influenzare direttamente e fortemente le anime delle persone. Due decenni e mezzo dopo, Alexander Blok, parlando di poesia, scriverà che la sua essenza sta nelle verità principali, “camminanti”, nella capacità di trasmetterle al cuore del lettore, che il teatro ha:

Andate avanti, ronzini in lutto!
Attori, padroneggiate il mestiere,
A dalla verità ambulante
Tutti si sentivano male e leggeri!

("Balagan", 1906)

La grande importanza che Ostrovsky attribuiva al teatro, i suoi pensieri sull'arte teatrale, sulla posizione del teatro in Russia, sul destino degli attori - tutto ciò si rifletteva nelle sue opere. I contemporanei percepivano Ostrovsky come un successore dell'arte drammatica di Gogol. Ma la novità delle sue commedie è stata subito notata. Già nel 1851, nell'articolo "Un sogno in occasione di una commedia", il giovane critico Boris Almazov sottolineava le differenze tra Ostrovsky e Gogol. L'originalità di Ostrovsky consisteva non solo nel fatto che ritraeva non solo gli oppressori, ma anche le loro vittime, non solo nel fatto che, come scriveva I. Annensky, Gogol era principalmente un poeta del "visivo", e Ostrovsky "udiva " impressioni.

L'originalità, la novità di Ostrovsky si sono manifestate anche nella scelta del materiale vitale, nel soggetto dell'immagine: ha padroneggiato nuovi strati di realtà. Era lo scopritore, Colombo, non solo di Zamoskvorechye, - che solo noi non vediamo, le cui voci non sentiamo nelle opere di Ostrovsky! Innokenty Annensky ha scritto: “... Questo è un virtuoso delle immagini sonore: mercanti, vagabondi, operai e insegnanti di lingua latina, tartari, zingari, attori e prostitute, bar, impiegati e piccoli burocrati-Ostrovsky ha dato un'enorme galleria di discorsi tipici ..." Gli attori, l'ambiente teatrale - anche il nuovo materiale di vita che Ostrovsky padroneggiava - tutto ciò che riguardava il teatro gli sembrava molto importante.

Nella vita dello stesso Ostrovsky, il teatro ha avuto un ruolo enorme. Ha preso parte alla produzione delle sue opere teatrali, ha lavorato con attori, è stato amico di molti di loro, ha corrisposto. Ha fatto molti sforzi per difendere i diritti degli attori, cercando di creare una scuola di teatro in Russia, il suo repertorio. Artista del Maly Theatre N.V. Rykalova ha ricordato: Ostrovsky, “avendo conosciuto meglio la troupe, è diventato il nostro uomo. Il gruppo lo amava molto. Alexander Nikolaevich era insolitamente affettuoso e cortese con tutti. Sotto il regime dei servi che prevaleva in quel momento, quando i capi dicevano "tu" all'artista, quando la maggior parte della troupe proveniva da servi, il trattamento di Ostrovsky sembrava a tutti una sorta di rivelazione. Di solito Alexander Nikolayevich metteva in scena lui stesso le sue opere ... Ostrovsky riuniva una compagnia e le leggeva una commedia. Era straordinariamente bravo a leggere. Tutti i personaggi sono usciti da lui come se fossero vivi ... Ostrovsky conosceva bene la vita interiore, nascosta agli occhi del pubblico, dietro le quinte del teatro. A partire da The Forest "(1871), Ostrovsky sviluppa il tema del teatro, crea immagini di attori, ne descrive il destino - questa commedia è seguita da "Comedian of the 17th century" (1873), "Talents and Admirers" (1881) , "Colpevole senza colpa" (1883 ).

La posizione degli attori nel teatro, il loro successo dipendeva dal fatto che piacessero o meno ai ricchi spettatori che davano il tono alla città. Dopotutto, le compagnie provinciali vivevano principalmente di donazioni di mecenati locali, che si sentivano padroni del teatro e potevano dettare le loro condizioni. Molte attrici vivevano di regali costosi da ricchi fan. L'attrice, che amava il suo onore, ha avuto un momento difficile. In "Talenti e ammiratori" Ostrovsky descrive una tale situazione di vita. Domna Panteleevna, madre di Sasha Negina si lamenta: “La mia Sasha non è felice! Si tiene molto attentamente, beh, non c'è una tale disposizione tra il pubblico: niente regali speciali, niente come gli altri, che ... se ... ".

Nina Smelskaya, che accetta volentieri il patrocinio di ricchi fan, trasformandosi essenzialmente in una donna mantenuta, vive molto meglio, si sente molto più sicura di sé a teatro rispetto alla talentuosa Negina. Ma nonostante la vita difficile, le avversità e il risentimento, a immagine di Ostrovsky, molte persone che hanno dedicato la loro vita al palcoscenico, al teatro, conservano gentilezza e nobiltà nelle loro anime. Prima di tutto, questi sono tragedie che sul palco devono vivere in un mondo di grandi passioni. Naturalmente, la nobiltà e la generosità spirituale sono inerenti non solo tra i tragici. Ostrovsky mostra che il vero talento, un amore disinteressato per l'arte e il teatro elevano le persone. Questi sono Narokov, Negina, Kruchinina.

Nelle prime storie romantiche, Maxim Gorky esprimeva il suo atteggiamento nei confronti della vita e delle persone, la sua visione dell'epoca. Gli eroi di molte di queste storie sono i cosiddetti barboni. Lo scrittore li ritrae come persone coraggiose e dal cuore forte. La cosa principale per loro è la libertà, che i vagabondi, come tutti noi, comprendono a modo loro. Sognano appassionatamente una vita speciale, lontana dall'ordinario. Ma non riescono a trovarla, quindi vagano, bevono troppo, si suicidano. Una di queste persone è raffigurata nella storia "Chelkash". Chelkash - "un vecchio lupo avvelenato, ben noto al popolo Havanese, un ubriacone incallito e l

Nella poesia di Fet, il sentimento dell'amore è intessuto di contraddizioni: non è solo gioia, ma anche tormento e sofferenza. Nelle "canzoni d'amore" di Fetov il poeta si dedica così completamente al sentimento dell'amore, all'ebbrezza della bellezza della donna che ama, che di per sé porta felicità, in cui anche le esperienze dolorose sono una grande beatitudine. Dalle profondità dell'esistenza mondiale cresce l'amore, che è diventato oggetto dell'ispirazione di Fet. La sfera più intima dell'anima del poeta è l'amore. Nelle sue poesie metteva varie sfumature di sentimento d'amore: non solo amore luminoso, ammirazione della bellezza, ammirazione, gioia, felicità della reciprocità, ma anche

Alla fine degli anni '90 del XIX secolo, il lettore rimase sbalordito dall'apparizione di tre volumi di Saggi e racconti di un nuovo scrittore, M. Gorky. "Grande e originale talento": tale era il giudizio generale sul nuovo scrittore e sui suoi libri. Il crescente malcontento nella società e l'aspettativa di cambiamenti decisivi hanno causato un aumento delle tendenze romantiche nella letteratura. Queste tendenze si riflettevano particolarmente chiaramente nel lavoro del giovane Gorky, in storie come "Chelkash", "Old Woman Izergil", "Makar Chudra", in canzoni rivoluzionarie. Gli eroi di queste storie sono persone "con il sole nel sangue", forti, fiere, belle. Questi eroi sono il sogno di Gorky

Più di cento anni fa, in una piccola città di provincia della Danimarca - Odense, sull'isola di Funen, si sono verificati eventi straordinari. Le strade tranquille e leggermente assonnate di Odense si sono improvvisamente riempite dei suoni della musica. Una processione di artigiani, portando torce e stendardi, ha sfilato davanti al vecchio municipio ben illuminato, salutando un uomo alto dagli occhi azzurri che stava vicino alla finestra. In onore di chi gli abitanti di Odense accesero i loro fuochi nel settembre 1869? Era Hans Christian Andersen, eletto poco prima cittadino onorario della sua città natale. Onorando Andersen, i suoi connazionali hanno cantato l'eroico atto di un uomo e di uno scrittore,

La vita letteraria della Russia si è agitata quando sono entrate le prime commedie di Ostrovsky: prima nella lettura, poi nelle pubblicazioni di riviste e, infine, dal palcoscenico. Forse l'eredità critica più grande e più profondamente stimata dedicata alla sua drammaturgia è stata lasciata da Ap.A. Grigoriev, amico e ammiratore del lavoro dello scrittore, e N.A. Dobrolyubov. L'articolo di Dobrolyubov "A Ray of Light in the Dark Kingdom" sul dramma "Thunderstorm" è diventato famoso, un libro di testo.

Passiamo alle stime di Ap.A. Grigoriev. Un articolo esteso intitolato “Dopo il temporale di Ostrovsky. Lettere a Ivan Sergeevich Turgenev ”(1860), per molti aspetti contraddice l'opinione di Dobrolyubov, discute con lui. Il disaccordo era fondamentale: due critici aderivano a una diversa comprensione della nazionalità in letteratura. Grigoriev considerava la nazionalità non tanto un riflesso nel lavoro artistico della vita delle masse lavoratrici, come Dobrolyubov, ma un'espressione dello spirito generale del popolo, indipendentemente dalla posizione e dalla classe. Dal punto di vista di Grigoriev, Dobrolyubov riduce le complesse questioni delle commedie di Ostrovsky alla denuncia della tirannia e del "regno oscuro" in generale, e assegna al drammaturgo solo il ruolo di denunciatore satirico. Ma non "l'umorismo malvagio del satirico", ma la "verità ingenua del poeta popolare": questa è la forza del talento di Ostrovsky, come la vede Grigoriev. Grigoriev chiama Ostrovsky "un poeta che suona in ogni modo della vita popolare". "Il nome di questo scrittore, di uno scrittore così grande, nonostante i suoi difetti, non è un satirico, ma un poeta popolare" - questa è la tesi principale di Ap.A. Grigorieva in polemica con N.A. Dobrolyubov.

La terza carica, che non coincide con le due citate, era ricoperta da D.I. Pisarev. Nell'articolo "Motives of Russian Drama" (1864), nega completamente tutto ciò che è positivo e brillante che Ap.A. Grigoriev e N.A. Dobrolyubov è stato visto nell'immagine di Katerina in The Thunderstorm. Il "realista" Pisarev ha una visione diversa: la vita russa "non contiene alcuna inclinazione al rinnovamento indipendente" e solo persone come V.G. Belinsky, il tipo apparso nell'immagine di Bazàrov in "Fathers and Sons" di I.S. Turgenev. L'oscurità del mondo artistico di Ostrovsky è senza speranza.

Infine, soffermiamoci sulla posizione del drammaturgo e personaggio pubblico A.N. Ostrovsky nel contesto della lotta nella letteratura russa tra le correnti ideologiche del pensiero sociale russo: slavofilismo e occidentalismo. Il tempo della collaborazione di Ostrovsky con la rivista Moskvityanin di MP Pogodin è spesso associato alle sue opinioni slavofile. Ma lo scrittore era molto più ampio di queste posizioni. Una dichiarazione di questo periodo colta da qualcuno, quando dal suo Zamoskvorechye guardò il Cremlino sulla sponda opposta e disse: "Perché queste pagode sono state costruite qui?" (apparentemente, chiaramente "occidentalizzatore"), inoltre non rifletteva le sue vere aspirazioni. Ostrovsky non era né un occidentalista né uno slavofilo. Il talento potente, originale e popolare del drammaturgo fiorì durante la formazione e l'ascesa dell'arte realistica russa. Il genio di P.I. Čajkovskij; sorse a cavallo tra il 1850 e il 1860 XIX comunità creativa del secolo di compositori russi "Mighty Handful"; Fiorì la pittura realistica russa: I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy e altri grandi artisti: ecco quanto era intensa la vita in pieno svolgimento nell'arte visiva e musicale della seconda metà, ricca di talenti XIX secoli. Il ritratto di A. N. Ostrovsky appartiene al pennello di V. G. Perov, N. A. Rimsky-Korsakov crea un'opera basata sulla fiaba "The Snow Maiden". UN. Ostrovsky è entrato nel mondo dell'arte russa in modo naturale e legittimo.

Quanto al teatro stesso, lo stesso drammaturgo, valutando la vita artistica degli anni Quaranta dell'Ottocento - l'epoca delle sue prime ricerche letterarie, parla di una grande varietà di movimenti ideologici e interessi artistici, una moltitudine di circoli, ma allo stesso tempo nota che tutti erano uniti da una comune mania per il teatro. Gli scrittori degli anni Quaranta dell'Ottocento, che appartenevano alla scuola naturale, scrittori-saggisti di tutti i giorni (la prima raccolta della scuola naturale si chiamava "Fisiologia di San Pietroburgo", 1844-1845) includevano un articolo di V.G. Belinsky "Teatro Alexandrinsky". Il teatro era percepito come un luogo in cui le classi della società si scontrano, "per vedersi abbastanza". E questo teatro stava aspettando un drammaturgo di tale portata, che si è manifestato in A.N. Ostrovsky. Il significato dell'opera di Ostrovsky per la letteratura russa è estremamente grande: è stato davvero il successore della tradizione di Gogol e il fondatore di un nuovo teatro nazionale russo, senza il quale l'apparizione di A.P. Cechov. La seconda metà del XIX secolo nella letteratura europea non ha dato un solo drammaturgo paragonabile in scala ad A. N. Ostrovsky. Lo sviluppo della letteratura europea procedette diversamente. Il romanticismo francese di V. Hugo, George Sand, il realismo critico di Stendhal, P. Mérimée, O. de Balzac, poi l'opera di H. Flaubert, il realismo critico inglese di C. Dickens, W. Thackeray, C. Bronte ha aperto la strada non al dramma, ma all'epico , prima di tutto - al romanzo e (non così evidente) ai testi. I problemi, i personaggi, le trame, la rappresentazione del personaggio russo e della vita russa nelle opere di Ostrovsky sono così unici a livello nazionale, così comprensibili e in sintonia con il lettore e lo spettatore russo che il drammaturgo non ha avuto un tale impatto sul processo letterario mondiale come Cechov in seguito fatto. E per molti aspetti la ragione di ciò è stata la lingua delle opere di Ostrovsky: si è rivelato impossibile tradurle, preservando l'essenza dell'originale, per trasmettere quella cosa speciale e speciale con cui affascina lo spettatore.

Fonte (abbreviata): Mikhalskaya, A.K. Letteratura: Livello base: Grado 10. Alle 2. Parte 1: conto. indennità / A.K. Mikhalskaya, O.N. Zaitsev. - M.: Otarda, 2018