Idee scientifiche e filosofiche del Rinascimento nella visione del mondo di Shakespeare. Shakespeare e il Rinascimento Shakespeare Ideas in the Works

Possiamo tranquillamente affermare che quest'uomo ha cambiato il mondo, la mentalità, la percezione, l'atteggiamento nei confronti dell'arte in quanto tale. William Shakespeare, le cui opere sono studiate nel curriculum scolastico, era un vero genio. Le sue opere teatrali e poesie possono essere definite una vera enciclopedia delle relazioni umane, una sorta di specchio della vita, un riflesso dei difetti e dei punti di forza degli esseri umani.

grande genio

Le opere di Shakespeare sono un contributo impressionante alla letteratura mondiale. Durante la sua vita, il grande britannico creò diciassette commedie, undici tragedie, una dozzina di cronache, cinque poesie e centocinquantaquattro sonetti. È interessante che i loro soggetti, i problemi in essi descritti, siano rilevanti fino ad oggi. Anche molti ricercatori del lavoro del drammaturgo non possono rispondere a come nel XVI secolo una persona potesse creare opere che entusiasmassero tutte le generazioni. Si ipotizzava addirittura che le opere fossero state scritte non da una sola persona, ma da un certo gruppo di autori, ma sotto uno pseudonimo. Ma la verità non è stata ancora stabilita.

breve biografia

Shakespeare, le cui opere sono così amate da molti, ha lasciato dietro di sé molti misteri e pochissimi fatti storici. Si ritiene che sia nato vicino a Birmingham, nella città di Stratford-upon-Avon, nel 1564. Suo padre era impegnato nel commercio ed era un ricco cittadino. Ma i temi della letteratura e della cultura non si discutevano con il piccolo William: a quel tempo in città non c'era ambiente che favorisse lo sviluppo del talento.

Il ragazzo ha frequentato una scuola gratuita, a diciotto anni ha sposato (forzatamente) una ragazza ricca, lei aveva otto anni più di lui. Apparentemente, a Shakespeare non piaceva la vita familiare, quindi si unì a un gruppo errante di artisti e partì per Londra. Ma non è stato fortunato a diventare un attore, quindi ha scritto poesie in onore di persone influenti, ha servito i cavalli di ricchi visitatori del teatro, ha lavorato come suggeritore e ha finito di scrivere opere teatrali. Le prime opere di Shakespeare sono apparse quando aveva 25 anni. Poi ha scritto sempre di più. Sono stati consegnati e hanno avuto successo. Nel 1599, a spese degli artisti del gruppo, tra cui Shakespeare, fu costruito il famoso Globe Theatre. In esso, il drammaturgo ha lavorato instancabilmente.

Caratteristiche delle opere

Le opere di Shakespeare anche allora differivano dai drammi e dalle commedie tradizionali. Il loro segno distintivo era il contenuto profondo, la presenza di intrighi che cambiano le persone. William ha mostrato quanto in basso anche una persona nobile possa cadere sotto l'influenza delle circostanze e, al contrario, come i famigerati cattivi compiano grandi azioni. Il drammaturgo ha costretto i suoi personaggi a rivelare il loro personaggio gradualmente, man mano che la trama si sviluppava, e il pubblico a entrare in empatia con i personaggi, a seguire la scena. Le opere di Shakespeare sono anche caratterizzate da un alto pathos morale.

Non sorprende che il genio della drammaturgia già durante la sua vita abbia privato il reddito di molti autori, poiché il pubblico richiedeva proprio il suo lavoro. E ha soddisfatto i requisiti della domanda: ha scritto nuove commedie, ha riprodotto storie antiche, ha usato cronache storiche. Il successo diede prosperità a William e persino lo stemma della nobiltà. Morì, come si crede comunemente, dopo un'allegra festa in onore del suo compleanno in un circolo amichevole.

Opere di Shakespeare (elenco)

Non possiamo elencare tutte le opere del più grande drammaturgo inglese in questo articolo. Ma segnaliamo le opere più famose di Shakespeare. L'elenco è il seguente:

• "Romeo e Giulietta".
• "Frazione".
• "Macbet".
• "Un sogno in una notte d'estate".
• "Otello".
• "Re Lear".
• "Il mercante di Venezia".
• "Molto rumore per nulla".
• "Tempesta".
• "Due Verona".

Questi spettacoli possono essere trovati nel repertorio di qualsiasi teatro che si rispetti. E, naturalmente, parafrasando il famoso detto, possiamo dire che l'attore che non sogna di interpretare Amleto è cattivo, l'attrice che non vuole interpretare Giulietta è cattiva.

Essere o non essere?

L'opera di Shakespeare "Amleto" è una delle più brillanti e penetranti. L'immagine del principe danese eccita nel profondo dell'anima e la sua eterna domanda ti fa pensare alla tua vita. Per coloro che non hanno ancora letto la tragedia nella versione integrale, racconteremo un riassunto. Il gioco inizia con l'apparizione di un fantasma nei re. Si incontra con Amleto e gli dice che il re non è morto di morte naturale. Si scopre che l'anima del padre richiede vendetta: l'assassino Claudio non solo ha preso la moglie del defunto re, ma anche il trono. Volendo verificare la veridicità delle parole della visione notturna, il principe si finge pazzo e invita a palazzo artisti girovaghi per inscenare la tragedia. La reazione di Claudio lo ha tradito e Amleto decide di vendicarsi. Gli intrighi di palazzo, il tradimento dei suoi amati ed ex amici fanno di un principe vendicatore senza cuore. Ne uccide diversi per difendersi, ma viene ucciso dalla spada del fratello della defunta Ofelia. Alla fine muoiono tutti: sia Claudio, che salì al trono in modo falso, sia la madre, che bevve il vino avvelenato dal marito, preparato per Amleto, sia il principe stesso, sia il suo avversario Laerte. Shakespeare, le cui opere commuovono fino alle lacrime, ha descritto il problema non solo in Danimarca. Ma il mondo intero, la monarchia ereditaria in particolare.

Tragedia di due amanti

"Romeo e Giulietta" di Shakespeare è una storia commovente su due giovani che sono pronti a sacrificarsi per stare con il loro prescelto. Questa è una storia di famiglie in guerra che non hanno permesso ai loro figli di stare insieme, di essere felici. Ma i figli dei nobili in guerra non si preoccupano delle regole stabilite, decidono di stare insieme. I loro incontri sono pieni di tenerezza e sentimenti profondi. Ma lo sposo è stato trovato per la ragazza ei suoi genitori le dicono di prepararsi per il matrimonio. Il fratello di Giulietta viene ucciso in una rissa di strada tra rappresentanti di due famiglie in guerra, e Romeo è considerato l'assassino. Il sovrano vuole mandare il criminale fuori città. I giovani sono aiutati da un monaco e da un'infermiera, ma non hanno discusso a fondo tutti i dettagli della fuga. Di conseguenza, Giulietta beve una pozione, dalla quale cade in Romeo, ma considera la sua amata morta e beve veleno nella sua cripta. Dopo il risveglio, la ragazza si uccide con il pugnale del ragazzo. I Montecchi e i Capuleti si riconciliano, piangendo i loro figli.

Altri lavori

Ma William Shakespeare ha scritto opere e altre. Queste sono commedie divertenti che sono edificanti, leggere e vivaci. Raccontano di persone, sebbene famose, ma a cui non è estraneo l'amore, la passione, l'impegno per la vita. Giochi di parole, equivoci, incidenti felici conducono i personaggi a un lieto fine. Se la tristezza è presente nelle commedie, allora è fugace, tale da sottolineare l'allegro tumulto sul palcoscenico.

Originali anche i sonetti del grande genio, pieni di profondi pensieri, sentimenti, esperienze. In versi, l'autore si rivolge a un amico, amato, piange per la separazione e gioisce per un incontro, è deluso. Uno speciale linguaggio melodico, simboli e immagini creano un'immagine sfuggente. È interessante notare che nella maggior parte dei sonetti Shakespeare si riferisce a un uomo, forse Henry Risley, conte di Southampton, mecenate del drammaturgo. E solo allora, nelle opere successive, appare una signora scura, una civetta crudele.

Invece di una postfazione

Ogni persona è semplicemente obbligata a leggere almeno in traduzione, ma l'intero contenuto delle opere più famose di Shakespeare, per assicurarsi che il più grande genio avesse la capacità di un profeta, perché era in grado di identificare i problemi anche della società moderna . Era un ricercatore delle anime umane, notò i loro difetti e vantaggi e spinse per i cambiamenti. E non è questo lo scopo dell'arte e del grande maestro?

William Shakespeare

L'opera del grande scrittore inglese William Shakespeare è di importanza mondiale. Il genio di Shakespeare è caro a tutta l'umanità. Il mondo delle idee e delle immagini del poeta umanista è davvero enorme. Il significato universale di Shakespeare risiede nel realismo e nella nazionalità del suo lavoro.

William Shakespeare nacque il 23 aprile 1564 a Stratford-on-Avon nella famiglia di un guantaio. Il futuro drammaturgo ha studiato in una scuola elementare, dove hanno insegnato latino e greco, oltre a letteratura e storia. La vita in una città di provincia offriva l'opportunità di uno stretto contatto con la gente, dalla quale Shakespeare apprese il folklore inglese e la ricchezza del volgare. Per un certo periodo, Shakespeare è stato un giovane insegnante. Nel 1582 sposò Anna Hathaway; ha avuto tre figli. Nel 1587 Shakespeare partì per Londra e presto iniziò a recitare sul palcoscenico, anche se non ebbe molto successo come attore. Dal 1593 lavorò al Burbage Theatre come attore, regista e drammaturgo, e dal 1599 divenne azionista del Globe Theatre. Le opere di Shakespeare erano molto popolari, anche se a quel tempo poche persone conoscevano il suo nome, perché il pubblico prestava attenzione principalmente agli attori.

A Londra, Shakespeare incontrò un gruppo di giovani aristocratici. A uno di loro, il conte di Southampton, dedicò le sue poesie Venus and Adonis (Venus and Adonis, 1593) e Lucrece (Lucrece, 1594). Oltre a queste poesie, ha scritto una raccolta di sonetti e trentasette opere teatrali.

Nel 1612 Shakespeare lasciò il teatro, smise di scrivere commedie e tornò a Stratford-on-Avon. Shakespeare morì il 23 aprile 1616 e fu sepolto nella sua città natale.

La mancanza di informazioni sulla vita di Shakespeare ha dato origine alla cosiddetta questione shakespeariana. A partire dal XVIII sec. alcuni ricercatori iniziarono a esprimere l'idea che le opere di Shakespeare non fossero state scritte da Shakespeare, ma da un'altra persona che voleva nascondere la sua paternità e pubblicò le sue opere sotto il nome di Shakespeare. Herbert Lawrence affermò nel 1772 che il drammaturgo era il filosofo Francis Bacon; Delia Bacon affermò nel 1857 che le commedie erano state scritte da membri della cerchia di Walter Raleigh, che includeva Bacon; Carl Bleibtrey nel 1907, Dumblon nel 1918, F. Shipulinsky nel 1924 cercò di dimostrare che Lord Rutland era l'autore delle commedie. Alcuni studiosi hanno attribuito la paternità al conte di Oxford, conte di Pembroke, conte di Derby. Nel nostro paese, questa teoria è stata supportata da V. M. Friche. IA Aksenov credeva che molte opere teatrali non fossero state scritte da Shakespeare, ma solo curate da lui.

Le teorie che negano la paternità di Shakespeare sono insostenibili. Sorsero sulla base della sfiducia nei confronti di quelle tradizioni che servivano da fonte della biografia di Shakespeare, e sulla base della riluttanza a vedere un talento geniale in una persona di origine democratica che non si era laureata all'università. Ciò che si sa della vita di Shakespeare conferma pienamente la sua paternità. Mente filosofica, visione poetica del mondo, ampiezza di conoscenza, profonda conoscenza dei problemi morali e psicologici: Shakespeare possedeva tutto questo grazie a una maggiore lettura, comunicazione con le persone, partecipazione attiva agli affari del suo tempo, attitudine attenta alla vita.

La carriera di Shakespeare è divisa in tre periodi. Nel primo periodo (1591-1601) furono realizzate le poesie "Venere e Adone" e "Lucrezia", ​​i sonetti e quasi tutte le cronache storiche, ad eccezione di "Enrico VIII" (1613); tre tragedie: "Tito Andronico", "Romeo e Giulietta" e "Giulio Cesare". Il genere più caratteristico di questo periodo era una commedia allegra e brillante ("La bisbetica domata", "Sogno di una notte di mezza estate", "Il mercante di Venezia", ​​"Le allegre comari di Windsor", "Molto rumore per nulla" , "Come piace a te", "La dodicesima notte").

Il secondo periodo (1601-1608) fu segnato dall'interesse per i conflitti tragici e per gli eroi tragici. Shakespeare crea tragedie: Amleto, Otello, Re Lear, Macbeth, Antonio e Cleopatra, Coriolano, Timone di Atene. Le commedie scritte in questo periodo portano già un riflesso tragico; nelle commedie "Troilo e Cressida" e "Misura per misura" si intensifica l'elemento satirico.

Il terzo periodo (1608-1612) comprende le tragicommedie "Pericle", "Cymbeline", "The Winter's Tale", "The Tempest", in cui compaiono fantasia e allegorismo.

I sonetti di Shakespeare (1592-1598, pubblicati nel 1699) furono l'apice della poesia rinascimentale inglese e una pietra miliare nella storia della poesia mondiale. Entro la fine del XVI secolo. il sonetto divenne il genere principale della poesia inglese. I sonetti di Shakespeare, nella loro profondità filosofica, forza lirica, sentimento drammatico e musicalità, occupano un posto eccezionale nello sviluppo dell'arte del sonetto di quel tempo. I 154 sonetti creati da Shakespeare sono accomunati dall'immagine di un eroe lirico che canta la sua devota amicizia con un meraviglioso giovane e il suo ardente e doloroso amore per una donna scura (The Dark Lady of the Sonnets). I sonetti di Shakespeare sono una confessione lirica; l'eroe racconta la vita del suo cuore, i suoi sentimenti contrastanti; questo è un monologo appassionato, che denuncia con rabbia l'ipocrisia e la crudeltà che regnavano nella società e si oppone a loro con valori spirituali duraturi: amicizia, amore, arte. I sonetti rivelano il complesso e sfaccettato mondo spirituale dell'eroe lirico, che risponde vividamente ai problemi del suo tempo. Il poeta esalta la bellezza spirituale dell'uomo e allo stesso tempo raffigura la tragedia della vita nelle condizioni di quel tempo.

La perfezione artistica nell'esprimere profonde idee filosofiche è inseparabile dalla forma concisa e concisa del sonetto. Il sonetto di Shakespeare usa il seguente schema di rime: abab cdcd efef gg. In tre quartine viene dato uno sviluppo drammatico del tema, spesso con l'ausilio di contrasti e antitesi e sotto forma di un'immagine metaforica; il distico finale è un aforisma che formula il pensiero filosofico dell'argomento.

L'immagine di una donna scura nel 130 ° sonetto si distingue per l'abilità di un ritratto lirico veritiero. Shakespeare rifiuta paragoni educati ed eufemistici, cercando di rappresentare il vero volto di una donna:

I suoi occhi non sembrano stelle, le sue labbra non possono essere chiamate coralli, la sua pelle aperta non è bianca come la neve, e un filo si attorciglia come un filo nero. Con una rosa damascena, scarlatta o bianca, l'ombra di queste guance non può essere paragonata. E il corpo odora come il corpo odora, non come un delicato petalo di violetta. (Tradotto da S. Marshak)

Tra i sonetti in cui si esprimono le idee sociali più importanti spicca il 66° sonetto. Questa è una denuncia rabbiosa di una società basata sulla bassezza, la meschinità e l'inganno. In frasi lapidarie si nominano tutte le ulcere di una società ingiusta. L'eroe lirico è così preoccupato per il terribile quadro del male trionfante che si è aperto davanti a lui che inizia a invocare la morte. Il sonetto, tuttavia, si conclude con uno scorcio di umore leggero. L'eroe ricorda la sua amata, per la quale deve vivere:

Tutto è vile ciò che vedo in giro, ma è un peccato lasciarti, caro amico!

Il suo monologo accusatorio, che è uno scoppio diretto di indignazione, l'eroe lirico pronuncia tutto d'un fiato. Ciò è trasmesso dalla ripetizione dell'unione "e" in dieci versi poetici. L'uso delle parole "tir" d con tutti questi "(essere sfinito da tutto ...) all'inizio e alla fine del sonetto sottolinea il collegamento diretto tra le esperienze dell'eroe lirico e i problemi sociali dell'epoca L'eroe assorbe nel suo mondo spirituale tutto ciò che preoccupa una persona nel mondo pubblico.Le esperienze drammatiche dell'eroe lirico si esprimono nella forzatura di frasi energiche, ognuna delle quali è un'antitesi che riproduce una vera contraddizione sociale.L'eroe non può vedere più il Nulla in abiti lussuosi, E una falsa frase alla perfezione, E la verginità, abusata sgarbatamente, E onore inappropriato, vergogna, E potere in cattività nella debolezza sdentata ...

Gli intensi sentimenti dell'eroe lirico corrispondono alla frequente e rigorosa alternanza di assonanze e allitterazioni:

E la follia - simile al dottore - l'abilità di controllo ... E il capitano buono che si prende cura del prigioniero malato ...

Per mezzo del linguaggio e dello stile, viene trasmessa perfettamente tutta la forza delle emozioni dell'eroe eccitato. Il sonetto 146 è dedicato alla grandezza di una persona che, grazie alla sua ricerca spirituale e al suo instancabile ardore creativo, riesce a ottenere l'immortalità.

Domina sulla morte in una vita fugace, e la morte morirà e tu rimarrai per sempre.

Le diverse connessioni del mondo spirituale dell'eroe lirico con vari aspetti della vita sociale di quel tempo sono enfatizzate da immagini metaforiche basate su concetti politici, economici, legali e militari. L'amore si rivela come un vero sentimento, quindi il rapporto degli innamorati viene confrontato con i rapporti socio-politici di quel tempo. Nel 26° sonetto compaiono i concetti di dipendenza vassallo (vassallaggio) e doveri di ambasciatore (ambasciata); nel 46° sonetto - termini giuridici: "l'imputato respinge la domanda" (l'imputato nega tale motivo); nel sonetto 107, un'immagine associata all'economia: “l'amore è come un contratto di locazione” (il contratto di locazione del mio vero amore); nel 2° sonetto - termini militari: "Quando quaranta inverni assedieranno la tua fronte, E scaveranno profonde trincee nel campo della bellezza" .. .).

I sonetti di Shakespeare sono musicali. L'intera struttura figurativa delle sue poesie è vicina alla musica.

L'immagine poetica in Shakespeare è anche vicina all'immagine pittorica. Nell'arte verbale del sonetto, il poeta si affida alla legge della prospettiva scoperta dagli artisti rinascimentali. Il ventiquattresimo sonetto inizia con le parole: Il mio occhio è diventato un incisore e la tua immagine è impressa nel mio petto con verità. Da allora ho servito come cornice vivente, e la cosa migliore nell'arte è la prospettiva.

Il senso della prospettiva era un modo per esprimere la dinamica dell'essere, la multidimensionalità della vita reale, l'unicità dell'individualità umana*.

* Vedi: Samarin P.M. realismo shakespeariano. - M., 1964, cap. "L'estetica problematica dei sonetti di Shakespeare". La tragedia lirica dei sonetti si sviluppa nelle tragedie di Shakespeare. Il sonetto 127 anticipa il tema tragico di Otello:

Il nero non era considerato bello, quando la bellezza era apprezzata nel mondo. Ma, a quanto pare, la luce bianca è cambiata, - Il bello è stato denigrato con disonore.

Il 66° sonetto in miniatura contiene il contenuto filosofico e il tono lirico caratteristici della tragedia "Amleto".

I sonetti di Shakespeare sono stati tradotti in russo da I. Mamun, N. Gerbel, P. Kuskov, M. Tchaikovsky, E. Ukhtomsky, N. Kholodkovsky, O. Rumer. Le traduzioni di S.Ya Marshak, pubblicate nel 1949, furono riconosciute come le migliori, poiché riuscì a trasmettere la profondità filosofica e la musicalità dei sonetti di Shakespeare.

La visione umanistica del mondo di Shakespeare si rivela con una forza speciale nell'analisi artistica dei conflitti socio-politici e delle tragiche contraddizioni nella vita di una persona e della società, che è data nelle sue cronache storiche. L'essenza del genere della cronaca storica consiste nella rappresentazione drammatica di persone reali ed eventi della storia nazionale. A differenza delle tragedie, dove Shakespeare, nell'interesse del disegno, si discostava da un'accurata rappresentazione dei fatti storici, la cronaca è caratterizzata da una riproduzione fedele degli eventi storici, che però presuppone la congettura artistica e la ricreazione artistica del materiale*.

* Vedi: Shvedov Yu.F. William Shakespeare: Studi. - M., 1977; Komarova VP Personalità e Stato nei drammi storici di Shakespeare. - L., 1977.

Le cronache storiche di Shakespeare includono dieci commedie:

"Enrico VI. Parte prima "(La prima parte del re Enrico VI, 1590-1592);

"Enrico VI. Parte seconda "(La seconda parte del re Enrico VI, 1590-1592);

"Enrico VI. Parte terza "(La terza parte del re Enrico VI, 1590-1592);

"Riccardo III" (La tragedia del re Riccardo III, 1592-1593);

"Riccardo II" (La tragedia del re Riccardo II, 1595-1597);

"Re Giovanni" (La vita e la morte di re Giovanni, 1595-1597);

"Enrico IV. Parte prima "(La prima parte del re Enrico IV, 1597-1598);

"Enrico IV. Parte seconda "(La seconda parte del re Enrico IV, 1597-1598);

"Enrico V" (La vita del re Enrico V, 1598-1599);

"Enrico VIII" (La famosa storia della vita del re Enrico VIII, 1612-1613).

Nelle cronache storiche, Shakespeare dà la sua comprensione e la sua interpretazione di eventi storici e azioni di personaggi storici. Sul materiale del passato risolve i problemi che preoccupavano i contemporanei. La storia nelle sue cronache serve a conoscere lo stato attuale della società. Le cronache, così come le tragedie, sono caratterizzate da pathos etico, formulazione filosofica del problema del bene e del male, interesse umanistico per l'individuo e il suo destino. Le cronache sono per molti versi vicine non solo alle tragedie di Shakespeare, ma anche alle commedie di Shakespeare; danno una rappresentazione comica del "background falstaffiano".

L'emergere del genere della cronaca storica è dovuto alle contraddizioni della stessa realtà inglese. V. G. Belinsky ha giustificato lo sviluppo della cronaca storica in Inghilterra in questo modo: “Il dramma storico è possibile solo se gli elementi eterogenei della vita statale combattono. Non per niente il dramma ha raggiunto il suo massimo sviluppo solo tra gli inglesi; non è un caso che Shakespeare sia apparso in Inghilterra, e non in nessun altro stato: da nessuna parte gli elementi della vita statale erano in tale contraddizione, in una tale lotta tra loro, come in Inghilterra.

* Belinsky V. G. Poly. coll. cit.: In 13 volumi - M, 1954.-T. 5. - S. 496.

L'appello di Shakespeare al genere della cronaca storica era anche dovuto al crescente interesse pubblico per la storia nazionale durante il periodo di lotta per rafforzare lo stato nazionale. La fonte delle trame delle cronache storiche era la già citata opera di R. Holinshed "Chronicles of England, Scotland and Ireland".

Nella trilogia "Enrico VI" viene disegnata un'ampia tela: viene raffigurata la guerra delle Rose Scarlatte e Bianche, quando i baroni inglesi si sterminarono brutalmente a vicenda nella lotta intestina tra Lancaster e York. Shakespeare ha mostrato correttamente le sanguinose faide dei signori feudali, condannando entrambe le parti in guerra. Il drammaturgo sostiene un forte potere reale che potrebbe porre fine alle guerre feudali. Pertanto, condanna il re Enrico VI, un uomo debole, incapace di governare il paese, incapace di pacificare i baroni in guerra. Enrico VI non commette atrocità, ma è colpevole di sottrarsi al dovere di capo di stato e di sognare di rinunciare alla corona per diventare pastore. Enrico VI muore proprio perché non ha saputo usare saggiamente il potere che gli è stato dato.

Le cronache storiche di Shakespeare mostrano la forza del popolo. I baroni sono costretti a fare i conti con l'umore delle masse. La seconda parte di "Enrico VI" raffigura la rivolta di John Cad nel 1450. Shakespeare ha rivelato il modello di protesta popolare sorto in relazione alla difficile situazione dei contadini e degli artigiani urbani a causa della guerra civile feudale. Tuttavia, Shakespeare vide come i signori feudali usassero la rivolta popolare per i propri scopi egoistici.

La trilogia "Enrico VI" descrive tali condizioni nella vita della società che portano all'emergere di un tiranno. La sanguinosa rivalità degli aristocratici era un prerequisito per l'ascesa al potere di Riccardo di Gloucester, il futuro Riccardo III. Nel finale della trilogia, la personalità oscura di Richard Gloucester diventa sempre più influente.

Nella commedia "Riccardo III" questo personaggio diventa centrale. L'opera stessa è vicina alla tragedia nella sua struttura. L'attenzione al corso degli eventi storici, caratteristica di "Enrico VI", è sostituita in "Riccardo III" dall'attenzione al carattere dell'eroe e al suo conflitto con gli altri. Riccardo III appare non solo come un personaggio che usurpa il potere, ma come una personalità psicologicamente convincente. Shakespeare sviluppa la caratterizzazione accusatoria di lui come tiranno, datagli nel libro di Tommaso Moro La storia di Riccardo III (1514-1518). Riccardo III è condannato da Shakespeare come un politico che usa modi machiavellici per raggiungere il potere, ricorrendo ad azioni criminali nella lotta per il trono. Copre la sua crudeltà e i suoi piani criminali con argomenti ipocriti sul bene. Allo stesso tempo, solo con se stesso, parla direttamente della sua astuzia, della sua consapevole intenzione di non fare i conti con la sua coscienza.

Riccardo III è intelligente e coraggioso, ha una grande forza di volontà, conquista chi lo tratta con diffidenza e ostilità. Il suo comportamento è un gioco che inganna molti. Riuscì a sedurre Anna, sapendo di aver ucciso suo marito. C'è un inizio titanico nell'aspetto malvagio di Riccardo III. Non è un caso che V. G. Belinsky abbia scritto: “Un volto tragico deve certamente suscitare partecipazione. Lo stesso Riccardo III è un mostro di malvagità, suscita partecipazione in se stesso con un gigantesco potere dello spirito. Riccardo III, che ha giustificato la sua crudeltà con le parole: "Il pugno è la nostra coscienza e la legge è la nostra spada", sperimenta finalmente rimorsi di coscienza e, di fronte alla morte, si condanna per aver infranto il suo giuramento, commesso omicidi e quindi condannandosi alla solitudine.

* Belinsky V. G. Poly. coll. cit.: In 13 voll. - M, 1955. - T. 7. - S. 534.

L'azione nella commedia è l'attuazione degli astuti piani malvagi del protagonista, dimostra l'arte dell'intrigo di Riccardo III, che a sua volta recita come attore e regista in scene di violenza e omicidio. Gioca con sicurezza e coraggio, le sue azioni portano al successo: cerca il trono. Ma, divenuto re, il tiranno sente di non poter rafforzare il suo potere attraverso i crimini.

Condannando la tirannia, Shakespeare propone l'idea di una monarchia che possa stabilire pace e tranquillità nel paese. Il tiranno Riccardo III si oppone al conte di Richmond, il fondatore della dinastia Tudor. Questa immagine è qui solo delineata, ma il suo significato ideologico e compositivo è grande: ad essa è collegata l'idea della necessità di lottare contro il dispotismo, delle leggi della vittoria sulla tirannia. Il tema del monarca, che si prende cura del bene del paese, delineato nell'immagine di Richmond, cresce nella cronaca successiva - "Re Giovanni" - nel tema di un monarca patriottico. Lo spettacolo è stato creato in un momento in cui l'Inghilterra si sentiva minacciata dalla Spagna cattolica. Pertanto, il tema del patriottismo e il tema della condanna del cattolicesimo sono diventati centrali nella cronaca. Il tema del patriottismo si rivela nelle immagini di John the Landless e Bastard Fockenbridge.

La posizione patriottica di Shakespeare è il criterio principale per valutare il comportamento dei personaggi nella commedia "Riccardo II". Nella sua trama, questo dramma è vicino a "Edoardo II" di Christopher Marlowe. In entrambe le opere è raffigurato il rifiuto del re depravato dalla corona e la sua morte. Tuttavia, la somiglianza della situazione della trama è spiegata non tanto dall'influenza del dramma di Marlo sul dramma di Shakespeare, ma dalla vicinanza dei destini dei personaggi storici. L'astuto Riccardo II sente che il tempo gli si è rivoltato contro. In uno stato di profonda crisi spirituale, rifiuta la corona.

Il duca Henry Bolingbroke, l'antagonista di Riccardo II, è un politico intelligente e sottile. Il coraggio e il coraggio di Bolingbroke hanno suscitato simpatia per lui da parte della gente. Il duca usa abilmente la sua popolarità tra la gente comune per realizzare i suoi piani ambiziosi. Shakespeare tratta il patriottismo di Bolingbroke con grande simpatia, ma parla con evidente ostilità della sua ipocrisia, prudenza e ambizione. L'usurpazione del potere è rappresentata da un atto immorale che porta a un crimine: l'omicidio di Richard P.

I migliori drammi storici di Shakespeare sono le due parti "Enrico IV" e "Enrico V". Bolingbroke, che divenne re Enrico IV, entra in conflitto con i signori feudali. I suoi principali avversari sono i baroni della famiglia Percy. Sollevando una ribellione contro il re, i signori feudali agiscono in modo incoerente, interessi egoistici impediscono loro di unirsi. Come risultato di questa disunione durante la ribellione, muore tragicamente il coraggioso Henry Percy, soprannominato Hotspur ("Hot Spur"). E in questa cronaca Shakespeare mostra l'inevitabilità della sconfitta dei signori feudali in uno scontro con il potere reale. Tuttavia, il Cavaliere di Hotspur è ritratto in termini positivi. Evoca simpatia per la sua lealtà all'ideale dell'onore militare, del coraggio e del coraggio. Shakespeare è attratto dalle qualità morali di un coraggioso cavaliere. Ma non accetta Hotsper come una persona che esprime gli interessi dei signori feudali ed è associata a forze che stanno svanendo nel passato. Hotspur agisce come avversario di Enrico IV, del principe Harry e di Falstaff, ed è chiaramente inferiore a questi eroi, che rappresentano le nuove forze in evoluzione della società. Lo spettacolo riflette l'oggettiva regolarità del tempo: la tragica morte dei signori feudali e la graduale istituzione di una nuova forza: l'assolutismo.

Il re Enrico IV, ritrovatosi sul trono grazie ad abili azioni diplomatiche, alla fine perde la sua attività e, come i suoi predecessori, si trova in uno stato di crisi morale. Enrico IV è preoccupato di non essere riuscito a liberare il paese dalle guerre fratricide. Poco prima della morte del malato Enrico IV, allontanandosi dal suo precedente sospetto e segretezza, in una conversazione con suo figlio, esprime direttamente la sua preoccupazione per il destino dell'Inghilterra, dando consigli al principe Harry sugli affari pubblici. Enrico IV non poté portare a termine la lotta contro i feudatari perché lui stesso si comportò sempre come un feudatario e salì al potere come feudatario, usurpando il trono.

Il ruolo più importante nella trama di entrambe le parti di "Enrico IV" è svolto dall'immagine del principe Harry, il futuro re Enrico V. Secondo la leggenda che esisteva nel Rinascimento, Shakespeare ha presentato il principe Harry come un tipo dissoluto, concedendosi avventure divertenti e divertenti in compagnia di Falstraff. Ma nonostante la sua dissolutezza, il principe Harry è un uomo moralmente puro. Sebbene in realtà il principe Harry fosse un crudele avventuriero, Shakespeare lo ha ritratto come un giovane meraviglioso. L'idealizzazione del principe è causata dalla fede di Shakespeare nella natura progressiva di una monarchia assoluta che unisce la nazione.

Il personaggio del principe Harry è poliedrico. Agisce deciso e coraggioso in battaglia, vivace e diretto nei rapporti con il popolo, intelligente e lungimirante negli affari di stato. Il principe Harry trascorre la sua vita nell'intrattenimento, insieme a Falstaff, Bardolfo e Pistola, si diverte nella Taverna della Testa di Cinghiale. Ma anche nelle scene di baldoria, Harry rimane un uomo nobile. Attrae con un atteggiamento gentile nei confronti delle persone comuni, la capacità di trovare un linguaggio comune con loro. Conducendo la vita di un uomo dissoluto, il principe allo stesso tempo pensa molto seriamente a come salirà al potere e governerà il paese. La comunicazione democratica con le classi inferiori della società per il principe Harry è una forma di ampia conoscenza con coloro che diventeranno suoi sudditi.

Le cronache storiche "Enrico IV" e "Enrico V" descrivono gli eterogenei strati plebei della società: contadini, servi, soldati, mercanti, il cosiddetto "background di Falstaff". Il realismo del dramma storico è stato determinato dalla rappresentazione sfaccettata e sfaccettata della società. Sollevare la questione della posizione del popolo, del rapporto del monarca con il popolo, acquista grande importanza. "Il background di Falstaff" è un quadro realistico della vita delle classi inferiori della società, non solo del tempo in cui si svolge l'azione delle cronache, ma anche dell'Inghilterra contemporanea a Shakespeare.

Tra i personaggi dello "sfondo falstaffiano", spicca innanzitutto la brillante immagine comica di Sir John Falstaff. Questo grasso cavaliere provoca risate con le sue infinite buffonate e il suo discorso spiritoso. Ci sono molti vizi in Falstaff. È un libertino, un ubriacone, un bugiardo e un ladro. Da qui i tocchi satirici in questa immagine. Ma la cosa principale in Falstaff è l'elemento del divertimento, del gioco artistico, dell'infinita ingegnosità. Questa immagine trasmette il fascino della natura umana non vincolata dalle convenzioni sociali. Falstaff è bonario e franco, allegro e allegro, intraprendente e saggio. Il birichino e malizioso Falstaff, che appare circondato da personaggi comici, incarna lo spirito allegro del Rinascimento, opponendosi sia alla morale religiosa del Medioevo che all'ipocrisia puritana dei circoli borghesi. Falstaff ride del fanatismo religioso. Nobile e cavaliere impoverito, vive di rapine in autostrada. Consapevole del potere del denaro, allo stesso tempo non si inchina davanti a loro. A differenza della borghesia, Falstaff è privato della sete di accaparramento o di meschino accaparramento e di frugalità. Ha bisogno di soldi per godersi la vita.

Falstaff si oppone a Hotspur con il suo rifiuto dell'onore cavalleresco. L'onore cavalleresco dei signori feudali fu ridotto alla partecipazione obbligatoria alle guerre intestine. Il cavaliere Falstaff ha un atteggiamento negativo nei confronti dell'onore cavalleresco proprio perché vede l'insensata crudeltà della guerra. Falstaff è un'immagine comica di un guerriero di quel tempo. È molto preoccupato per la sua vita, che gli è più cara di qualsiasi altra cosa al mondo, quindi non serve particolarmente duramente, coprendo la sua mancanza di zelo di servizio con astuzia e bugie.

Falstaff è affascinante con il suo sconfinato amore per la vita, la fantasia sfrenata, la giocosa buffoneria, la fiducia in se stessi, la critica perspicace e arguta della moralità feudale. I cinici giudizi di Falstaff sono una forma in cui viene rivelata ed enfatizzata l'essenza poco attraente delle relazioni nella società feudale.

Una delle immagini più significative create da Shakespeare, Falstaff rappresenta il mondo comico del dramma shakespeariano, mentre Amleto segna il mondo della tragedia. L'immagine di Falstaff è una corrispondenza comica al piano tragico del contenuto principale delle cronache storiche. Quei problemi che si rivelano nella trama principale in un aspetto tragico, nel "background falstaffiano" sono presentati in modo comico. Il discorso di Falstaff è presentato in prosa, in contrasto con il discorso poetico dei personaggi tragici. Il suo discorso è diretto, rivela molto naturalmente la cultura della risata della lingua nazionale. Spesso le battute di Falstaff si basano sul gioco dell'omonimo suono delle parole, sulla parodia. L'immagine comica di Falstaff si basa anche sulla sottolineata discrepanza tra l'aspetto di un grasso, anziano attivista e le gesta e le dichiarazioni allegre e audaci di un giovane nello spirito.

Il principe Harry è amico dell'arguto edonista Falstaff. Quando il principe diventa re Enrico V, rimuove Falstaff da se stesso. In queste relazioni tra i personaggi ci sono echi della vera relazione tra Enrico V e Sir John Oldcastle, che è considerato il prototipo di Falstaff.

La relazione tra Falstaff e il principe Harry è piena di significati profondi. Grazie alla sua amicizia con Falstaff, il principe Harry si unisce allo spirito rinascimentale di critica e allegria, conosce la vita e i costumi della gente comune. Nei rapporti con il principe Harry, Falstaff si fida; considera il principe il suo vero amico. In questo affetto amichevole, la generosità spirituale della personalità rinascimentale si manifesta la superiorità di Falstaff sul "monarca ideale". Ma Falstaff è inferiore al principe Harry nella sobria valutazione delle nuove circostanze. La rottura del principe Harry con Falstaff è inevitabile. Il "monarca ideale" Enrico V, salito al potere, abbandona gli ex uomini liberi del Rinascimento. Né l'umorismo né la generosità sono necessari per rafforzare un regime assolutista.

Nel primo periodo di creatività, insieme alle cronache storiche, Shakespeare ha creato commedie allegre e ottimiste in cui una persona agisce come creatrice della propria felicità, superando situazioni drammatiche a volte difficili. Le commedie includono le seguenti commedie: La commedia degli errori (1591), La bisbetica domata (1594), I due gentiluomini di Verona (1594-1595), Gli sforzi infruttuosi dell'amore "(Love "s Labor" s Lost, 1594 -1595), "Sogno di una notte di mezza estate" (Sogno di una notte di mezza estate, 1594-1595), "Il mercante di Venezia" (Il mercante di Venezia, 1595) , "Le allegre comari di Windsor" (Le allegre comari di Windsor, 1597), "Molto rumore per nulla" (Molto rumore per nulla, 1598-1599), "Come vi piace" (Come vi piace, 1599-1600), "La dodicesima notte, o qualsiasi cosa" (Twelfth Night ; o Cosa vuoi, 1600).

Nell'allegra commedia farsesca La bisbetica domata compaiono i vivaci personaggi di Catarina e Petruccio, che spiccano tra i calcolatori cittadini di Padova. Katarina è considerata una ragazza testarda, mentre sua sorella Bianca è nota per la sua mansuetudine. L'ostinazione e la maleducazione di Katarina sono solo un modo per difendere la sua dignità, un modo per resistere ai calcoli meschini, al dispotismo del padre e ai corteggiatori che assediano la casa. Katharina è infastidita dall'anonimato di Bianchi, la pianura dei corteggiatori. Con la sua solita maleducazione incontra anche Petruccio. Tra loro inizia un lungo duello, a seguito del quale entrambi sentono di non essere inferiori l'uno all'altro per energia, forza d'animo, amore per la vita e arguzia, di essere degni l'uno dell'altro nella mente e nella volontà.

L'idea del trionfo della vita e dell'amore si rivela anche nella commedia Sogno di una notte di mezza estate. Il mondo poetico di questa commedia è in una bizzarra miscela di terreno, reale, favoloso, fantastico. In questa commedia Shakespeare l'umanista contrappone la natura convenzionale della moralità tradizionale alla naturale naturalezza dei sentimenti e delle passioni umane. Il tema dell'amore è trattato qui in modo lirico e umoristico. L'amore dei giovani eroi è un sentimento puro e luminoso. Vince, nonostante tutti i capricci e le stranezze dei personaggi umani e del comportamento umano.

Ci sono conflitti profondamente drammatici e persino motivi tragici nella commedia shakespeariana. Tipica a questo proposito è la commedia "Il mercante di Venezia". Sullo sfondo dell'allegra atmosfera carnevalesca di Venezia, c'è un acuto scontro tra il mondo della gioia, della fiducia e della nobiltà e il mondo dell'interesse personale, dell'avidità e della crudeltà. In questa commedia Shakespeare sviluppò i motivi del racconto di Giovanni Fiorentino, conferendo loro profondità drammatica. La commedia contrasta nettamente coloro che apprezzano maggiormente l'amicizia disinteressata: Portia, Antonio, Bassanio e coloro che subordinano tutti i rapporti umani agli interessi proprietari. Antonio prende in prestito denaro dal prestatore di pegno Shylock per aiutare il suo amico Bassanio, innamorato di Portia. Antonio, che non ha restituito in tempo il denaro preso in prestito, si presenta in tribunale. Il crudele Shylock, secondo il disegno di legge, chiede ad Antonio una libbra della sua carne per il mancato pagamento del debito. Portia, travestita da avvocato, parla in difesa di Antonio. Il bene trionfa sul male. I giovani sconfiggono l'usuraio.

L'immagine di Shylock è presentata nella commedia non solo come l'incarnazione del male. Il personaggio di Shylock è complesso. La versatilità di Shylock è stata notata da Pushkin: "Shylock è avaro, arguto, vendicativo, amante dei bambini, spiritoso"*. C'è un inizio tragico in questa immagine. Shylock è mostrato come un usuraio crudele e vendicativo, ma allo stesso tempo come un uomo che soffre per la sua posizione umiliata nella società. Con un grande senso della dignità umana, Shylock afferma che le persone sono uguali per natura, nonostante la differenza di nazionalità. Shylock ama sua figlia Jessica ed è scioccato dal fatto che sia scappata da casa sua. Alcune delle sue caratteristiche Shylock possono suscitare simpatia, ma in generale è condannato come un predatore, come una persona che non conosce pietà, come "uno che non ha musica nell'anima". Il mondo malvagio di Shylock si oppone nella commedia al mondo luminoso e gioioso della generosità e della nobiltà. Heinrich Heine, in Shakespeare's Girls and Women (1838), scrisse: "Portia è un'incarnazione armoniosamente chiara di gioia luminosa, in contrasto con la cupa sventura che incarna Shylock" **.

* Pushkin-critico. -M, 1950. -S.412.

** Heine G. Sobr. cit.: In 10 volumi - M; L., 1958. - T. 7. - S. 391.

Nell'allegra commedia familiare The Merry Wives of Windsor, viene fornita un'intera galleria di immagini comiche: la stupidità del giudice Shallow, suo nipote Slender, viene ridicolizzata, il pastore Hugh Evans sta scherzando. In questa commedia è passato un intero gruppo di personaggi comici della cronaca storica "Enrico IV": Falstaff, Bardolph, Shallow, Pistol, Mrs. Quickly.

L'immagine di Falstaff subisce cambiamenti significativi in ​​\u200b\u200bLe allegre comari di Windsor. Ha perso il suo pensiero libero, l'umorismo, l'ingegnosità. Ora Falstaff interpreta il ruolo di una sfortunata burocrazia, a cui è stata insegnata una lezione dalle mogli di Windsor. Entrato in un ambiente borghese, diventa un miserabile e ottuso abitante, diventa prudente e parsimonioso.

La commedia "Le allegre comari di Windsor" è intrisa di una divertente atmosfera carnevalesca. Ma, a differenza di altre commedie, l'azione in essa si svolge in un ambiente borghese, che offre a Shakespeare l'opportunità di trasmettere in misura maggiore la vita reale e le usanze di quel tempo, specialmente nelle scene che descrivono l'esistenza quotidiana dei Paggi e dei Guadi, la vita di una locanda, il duello di Caius con Evans, l'esame di Page.

L'intrigo stravagante e l'ambientazione dell'azione nella commedia Molto rumore per nulla sono tratti dalle opere di Bandello e Ariosto. Shakespeare ha introdotto nella nota trama, utilizzata anche da Spencer, una combinazione originale di tragico e comico.

La commedia As You Like It, basata sul romanzo pastorale di Thomas Lodge Rosalind, o The Golden Legacy of Euphues, è essenzialmente una parodia dello stile pastorale. La vita in seno alla natura, nella foresta delle Ardenne, è una sorta di utopia, espressione del sogno di una vita semplice e naturale. Il colore generale della commedia non è determinato dall'elemento pastorale, ma dalle tradizioni folcloristiche delle ballate su Robin Hood. Nella foresta delle Ardenne vivono non solo i pastori Sylvius e Phoebe, ma anche esuli: il duca detronizzato, Rosalind, inseguito dallo zio crudele, derubato dal fratello Orlando. Il mondo umano degli abitanti della foresta delle Ardenne si oppone alla società moderna crudele e avida. La critica satirica ai vizi della società aristocratica è data nelle dichiarazioni dell'arguto giullare Touchstone con il suo umorismo popolare e il malinconico Jacques. Jester Touchstone giudica in modo molto semplice e corretto la vita della contadina Audrey.

L'elemento umoristico dell'opera si unisce al tema lirico dei teneri sentimenti di Orlando e Rosalind. Un risultato peculiare della commedia di Shakespeare del primo periodo di creatività fu la commedia La dodicesima notte, o qualsiasi cosa. Scritto sulla trama di una novella di Bandello, prende il nome perché veniva rappresentato la dodicesima notte dopo Natale, quando terminava il divertimento delle feste natalizie. La dodicesima notte è stata l'ultima delle allegre, allegre commedie carnevalesche di Shakespeare.

In La dodicesima notte, Shakespeare penetra nelle profondità del cuore umano, parla di sorprese nel comportamento umano, di movimenti spirituali imprevisti, della selettività dei sentimenti. La base dell'intrigo comico è una coincidenza accidentale che ha cambiato bruscamente il destino di una persona. La commedia afferma l'idea che, nonostante tutti i capricci del destino, una persona deve lottare per la propria felicità.

La scena dell'opera è il paese esotico dell'Illiria. Il suo sovrano Duca Orsino vive nell'incantevole mondo dell'amore e della musica. Il valore più alto per lui è l'amore. Orsino è innamorato di Olivia, che non ricambia i suoi sentimenti. Vive da reclusa, trascorrendo il tempo in pensieri tristi sul fratello morto. Viola, sopravvissuta al naufragio, si ritrova nel dominio del duca. Travestita da uomo, lei, sotto il nome di Cesario, entra al servizio del duca. Viola Cesario si innamora di Orsino, ma soddisfa disinteressatamente la richiesta del Duca di andare da Olivia e raccontarle del suo amore.

La perseveranza di Cesario, che ha chiesto l'ammissione a casa di Olivia, la sua eloquenza rivolta a lei, affascinano il recluso. Olivia si innamora di Cesario, gli confessa la sua passione e parla d'amore:

L'amore è sempre bello e desiderabile, soprattutto quando è inaspettato. (Tradotto da E. Lipetskaya)

Per volontà del destino, il fratello di Viola, Sebastian, scomparso durante un naufragio, risulta essere in Illyria, molto simile a sua sorella. Olivia, che ha incontrato Sebastian, lo scambia per Cesario. Quando il segreto viene rivelato, si verificano matrimoni felici.

Nel sistema di immagini della commedia, un posto importante appartiene al Jester Festa. La particolarità di Feste è che il suo umorismo è triste. Parla della caducità della vita e della felicità, dell'inevitabilità della morte. Jester Feste, insieme a una compagnia di allegro compagno e burlone Toby Belch, schernisce il maggiordomo di Olivia, l'arrogante puritano Malvolio. Malvolio manca di senso dell'umorismo. Le battute di Feste lo irritano. Il cupo Malvolio è il nemico del divertimento e della gioia. Tutto ciò che dice è una continua edificazione e censura. In risposta alla severità puritana di Malvolio, Toby Belch gli dice le parole che sono diventate alate in Inghilterra: "Pensi che se sei un tale santo, allora non ci saranno più torte o birra ubriaca nel mondo?"

Nel primo periodo di creatività, Shakespeare creò tre tragedie: "Titus Andronicus" (Titus Andronicus, 1594), "Romeo and Juliet" (Romeo and Juliet, 1595), "Julius Caesar" (Julius Caesar, 1599).

"Titus Andronicus" è stato scritto nel genere della "tragedia sanguinosa", nella tradizione delle tragedie di Seneca. Gli episodi della trama di questa commedia sono omicidi che si susseguono uno dopo l'altro. Muoiono venti figli di Tito Andronico, sua figlia e lui stesso, muoiono molti altri personaggi. Il comandante Tito Andronico è fedele al suo dovere patriottico verso Roma. Tuttavia, l'alta moralità di un patriota non salva più Roma dalla decadenza. L'insidioso e crudele Saturnino, Tamora e il Moro Aron entrano nella lotta con Tito Andronico. Lo scontro drammaticamente acuto si rivela, tuttavia, come una catena di sanguinose atrocità, senza toccare in profondità l'essenza del tragico conflitto.

L'arte tragica di Shakespeare, in tutta la sua perfezione, è apparsa per la prima volta nella tragedia Romeo e Giulietta. Come fonte, Shakespeare ha utilizzato il poema di Arthur Brooke "Romeo e Giulietta" (1562), che nella sua trama risale alle opere di autori italiani. Partendo dal poema di Brooke, Shakespeare ha creato un'opera originale per idea e abilità artistica. In esso canta la sincerità e la purezza del sentimento giovanile, canta l'amore, libero dalle catene della moralità feudale medievale. V. G. Belinsky dice questo sull'idea di questa commedia: “Il pathos del dramma di Shakespeare Romeo e Giulietta è l'idea dell'amore, e quindi discorsi patetici entusiasti si riversano dalle labbra degli innamorati in onde infuocate, scintillanti di luce brillante di stelle ... Questo è il pathos dell'amore, perché nei monologhi lirici di Romeo e Giulietta si vede non solo l'ammirazione reciproca, ma anche un solenne, orgoglioso, estatico riconoscimento dell'amore come sentimento divino.

* Belinsky V. G. Poly. coll. cit.: In 13 volumi - T. 7. - S. 313.

In "Romeo e Giulietta" c'è una connessione tangibile con le commedie di Shakespeare. La vicinanza alla commedia si riflette nella protagonismo del tema dell'amore, nel personaggio comico della nutrice, nell'arguzia di Mercuzio, nella farsa con i servi, nell'atmosfera carnevalesca del ballo in casa Capuleti, nella colorazione brillante e ottimista dell'intera commedia. Tuttavia, nello sviluppo del tema principale - l'amore dei giovani eroi - Shakespeare si rivolge al tragico. L'inizio tragico appare nell'opera sotto forma di un conflitto di forze sociali, e non come il dramma di una lotta interiore e spirituale.

La causa della tragica morte di Romeo e Giulietta è la faida familiare delle famiglie Montecchi e Capuleti e la moralità feudale. Il conflitto tra famiglie prende la vita di altri giovani: Tebaldo e Mercuzio. Quest'ultimo, prima della sua morte, condanna questo conflitto: "Una piaga su entrambe le vostre case". Né il duca né i cittadini potevano fermare l'inimicizia. E solo dopo la morte di Romeo e Giulietta arriva la riconciliazione dei Montecchi e Capuleti in guerra.

Il sentimento alto e luminoso degli innamorati segna il risveglio di nuove forze nella società all'alba di una nuova era. Ma lo scontro tra vecchia e nuova moralità porta inevitabilmente gli eroi a una tragica fine. La tragedia si conclude con un'affermazione morale della vitalità dei bei sentimenti umani. La tragedia di "Romeo e Giulietta" è lirica, è permeata dalla poesia della giovinezza, dall'esaltazione della nobiltà dell'anima e dal potere totalizzante dell'amore. Le ultime parole dell'opera sono alimentate dalla tragedia lirica:

Ma non c'è storia più triste al mondo della storia di Romeo e Giulietta. (Tradotto da T. Shchepkina-Kupernik)

Nei personaggi della tragedia si rivela la bellezza spirituale di un uomo del Rinascimento. Il giovane Romeo è una persona libera. Si è già allontanato dalla sua famiglia patriarcale e non è vincolato dalla morale feudale. Romeo trova gioia nel comunicare con gli amici: il suo migliore amico è il nobile e coraggioso Mercuzio. L'amore per Giulietta ha illuminato la vita di Romeo, lo ha reso una persona coraggiosa e forte. Nella rapida ascesa dei sentimenti, nello scoppio naturale della passione giovanile, inizia la fioritura della personalità umana. Nel suo amore, pieno di gioia vittoriosa e presagio di guai, Romeo agisce come una natura attiva ed energica. Con quale coraggio sopporta il dolore provocato dalla notizia della morte di Giulietta! Quanta determinazione e valore nel rendersi conto che la vita senza Giulietta è impossibile per lui!

Per Juliet, l'amore è diventato un'impresa. Combatte eroicamente contro la moralità Domostroy di suo padre e sfida le leggi della faida. Il coraggio e la saggezza di Giulietta si sono manifestati nel fatto che si è alzata al di sopra del secolare conflitto tra due famiglie. Innamoratasi di Romeo, Giulietta rifiuta le crudeli convenzioni delle tradizioni sociali. Il rispetto e l'amore per una persona sono più importanti per lei di tutte le regole consacrate dalla tradizione. Giulietta dice:

Dopotutto, solo il tuo nome è mio nemico, e tu sei tu, non i Montecchi.

Innamorato, si rivela la bella anima dell'eroina. Juliet è accattivante con sincerità e tenerezza, ardore e devozione. Innamorata di Romeo per tutta la vita. Dopo la morte del suo amato, non può esserci vita per lei e sceglie coraggiosamente la morte.

Il monaco Lorenzo occupa un posto importante nel sistema di immagini della tragedia. Fratel Lorenzo è lontano dal fanatismo religioso. Questo è uno scienziato umanista, simpatizza con le nuove tendenze e le aspirazioni amanti della libertà che emergono nella società. Quindi, aiuta, più che può, Romeo e Giulietta, che sono costretti a nascondere il loro matrimonio. Il saggio Lorenzo comprende la profondità dei sentimenti dei giovani eroi, ma vede che il loro amore può portare a una tragica fine.

Pushkin ha molto apprezzato questa tragedia. Ha definito le immagini di Romeo e Giulietta "creazioni affascinanti della grazia shakespeariana" e Mercuzio - "raffinato, affettuoso, nobile", "il volto più meraviglioso di ogni tragedia". Nel complesso, Pushkin ha parlato di questa tragedia nel modo seguente: "Rifletteva l'Italia, contemporanea al poeta, con il suo clima, le passioni, le vacanze, la beatitudine, i sonetti, con il suo linguaggio lussuoso, pieno di brillantezza e concetti".

La tragedia "Giulio Cesare" completa il ciclo delle cronache storiche e prepara l'apparizione delle grandi tragedie di Shakespeare. Il drammaturgo ha utilizzato il materiale delle Vite comparate di Plutarco e ha creato una tragedia storica originale, in cui ha fornito una profonda comprensione dei problemi del potere statale, della natura di un politico, del rapporto tra le opinioni filosofiche di un politico e le sue azioni pratiche, i problemi della morale e della politica, della personalità e delle persone. Passando in "Giulio Cesare" ai conflitti storici del I secolo. aC, quando a Roma si passò dal dominio repubblicano a un regime di autocrazia, Shakespeare aveva in mente anche i conflitti socio-politici nell'Inghilterra contemporanea, dove la posizione isolata dei signori feudali era sostituita dal potere assolutista.

Shakespeare simpatizza con i repubblicani, mostrando il loro valoroso servizio alla società, ma allo stesso tempo è consapevole che i Cesariani agiscono secondo le esigenze del tempo. I tentativi di Bruto di restaurare la repubblica sono destinati al fallimento, poiché agisce in contrasto con i dettami dei tempi. Acconsente all'assassinio di Cesare perché vede in lui il principale oppositore della repubblica. Ma Bruto non riesce a convincere il popolo del bene del governo repubblicano, poiché il popolo, secondo lo spirito dei tempi, mantiene in quel tempo un regime di autocrazia. Il popolo è pronto a riconoscere Bruto come sovrano, ma vuole vedere in lui un Cesare nuovo e migliore. La voce del popolo è tragicamente in contrasto con ciò per cui si batte Bruto; la gente dice: "diventi Cesare", "in lui incoroneremo tutto il meglio di Cesare". Convinto che la repubblica sia condannata, Bruto si suicida.

Se nelle cronache il popolo era una delle forze attive, uno dei tanti eroi, allora in "Giulio Cesare" il popolo per la prima volta nei drammi di Shakespeare diventa il protagonista. Sia i repubblicani che i cesari sono costretti a fare i conti con lui. L'immagine del popolo è particolarmente espressiva nella scena della disputa politica tra repubblicani e cesari nel foro per il cadavere di Cesare appena ucciso. Questa disputa è risolta dal popolo, che si schiera dalla parte del cesareo Marco Antonio. La tragedia "Giulio Cesare" testimonia la profonda penetrazione di Shakespeare nelle contraddizioni storico-sociali, nei tragici conflitti della società.

Nel secondo periodo di creatività nella visione del mondo di Shakespeare, si verificano cambiamenti significativi. Erano determinati dall'atteggiamento del drammaturgo nei confronti dei nuovi fenomeni nella vita socio-politica della società inglese. Il potere assolutista ha rivelato sempre più chiaramente la sua corruzione, ha perso il suo significato progressivo. Sono emerse contraddizioni tra il Parlamento e la regina Elisabetta. Con l'avvento al potere di Giacomo I Stuart (1603), nel paese si instaurò un regime feudale reazionario. Le contraddizioni tra il parlamento e il potere reale si approfondirono ancora di più. Le masse della gente erano in una situazione angosciata. La crisi del sistema feudale-assolutista e la discrepanza tra la politica degli Stuart e gli interessi della borghesia provocarono la crescita dell'opposizione borghese all'assolutismo. Nel paese stanno emergendo i presupposti per una rivoluzione borghese.

In queste condizioni, Shakespeare si discosta dalla fede in un monarca ideale. Il pathos critico del suo lavoro si intensifica. Shakespeare si oppone sia alla reazione feudale che all'egoismo borghese.

Il carattere allegro, solare, carnevalesco di molte opere del primo periodo della creatività è sostituito da pesanti riflessioni sui guai della vita della società, sul disordine del mondo. Il nuovo periodo dell'opera di Shakespeare è caratterizzato dalla formulazione di grandi problemi sociali, politici, filosofici, da un'analisi approfondita dei tragici conflitti dell'epoca e dalla tragedia della personalità del tempo di transizione. Questo è stato il periodo della creazione di grandi tragedie, in cui Shakespeare ha trasmesso la natura storica delle tragiche collisioni e catastrofi sorte nell'era del crollo del mondo patriarcale-cavalleresco e dell'ingresso nell'arena della storia di cinici predatori che rappresentano nuovi rapporti capitalistici.

Il secondo periodo dell'opera di Shakespeare si apre con la tragedia Amleto (Amleto, principe di Danimarca, 1600-1601). Le fonti della tragedia erano "History of the Danes" di Saxo Grammaticus, "The Tragic Tales" di Belforet, "The Spanish Tragedy" di Thomas Kyd e la commedia di Thomas Kyd su Amleto, che non ci è pervenuta.

In epoche diverse, "Amleto" di Shakespeare è stato percepito in modo diverso. È noto il punto di vista di Goethe, da lui espresso nel romanzo "Gli anni dell'insegnamento di Wilhelm Meister" (1795-1796). Goethe vedeva la tragedia come puramente psicologica. Nel personaggio di Amleto ha sottolineato la debolezza della volontà, che non corrispondeva alla grande impresa che gli era stata affidata.

VG Belinsky nell'articolo “Amleto, il dramma di Shakespeare. Mochalov come Amleto (1838) esprime una visione diversa. Amleto, secondo V. G. Belinsky, sconfigge la debolezza della sua volontà, e quindi l'idea principale della tragedia non è la debolezza della volontà, ma "l'idea della disintegrazione dovuta al dubbio", la contraddizione tra i sogni della vita e la vita stessa, tra l'ideale e la realtà. Belinsky considera il mondo interiore di Amleto in divenire. La debolezza della volontà, quindi, è considerata uno dei momenti dello sviluppo spirituale di Amleto, un uomo forte per natura. Utilizzando l'immagine di Amleto per caratterizzare la tragica situazione delle persone pensanti in Russia negli anni '30 del XIX secolo, Belinsky ha criticato la riflessione, che ha distrutto l'integrità di una personalità attiva.

IS Turgenev negli anni '60 del XIX secolo. fa riferimento all'immagine di Amleto per dare una valutazione socio-psicologica e politica dell '"amletismo" delle "persone superflue". Nell'articolo "Amleto e Don Chisciotte" (1860), Turgenev presenta Amleto come un egoista, uno scettico che dubita di tutto, non crede in niente e quindi non è capace di agire. A differenza di Amleto, Don Chisciotte nell'interpretazione di Turgenev è un entusiasta, un servitore di un'idea che crede nella verità e combatte per essa. IS Turgenev scrive che il pensiero e la volontà sono in un tragico divario; Amleto è un uomo riflessivo, ma volitivo, Don Chisciotte è un entusiasta volitivo, ma mezzo matto; se Amleto è inutile per le masse, allora Don Chisciotte ispira le persone all'azione. Allo stesso tempo, Turgenev ammette che Amleto è vicino a Don Chisciotte nella sua implacabilità al male, che le persone percepiscono i semi del pensiero da Amleto e li diffondono in tutto il mondo.

Nella critica letteraria sovietica, una profonda interpretazione della tragedia "Amleto" è stata data nelle opere di A.A. Anikst, A.A. Smirnov, R.M. Samarin, I.E. Vertsman, L.E. L'opera di Shakespeare. - M., 1963; il suo stesso. Shakespeare: Il mestiere del drammaturgo. - M., 1974; Smirnov A.A. Shakespeare. - L.; M., 1963; Samarin P.M. realismo shakespeariano. - M., 1964; V e r c m a n I.E. Amleto di Shakespeare. - M., 1964; Pinsky L.E. Shakespeare: Fondamenti di drammaturgia. - M., 1971; Shvedov Yu.F. L'evoluzione della tragedia di Shakespeare. -M., 1975.

Studente all'Università di Wittenberg, Amleto alla corte del re danese Claudio a Elsinore si sente solo. La Danimarca gli sembra una prigione. Già all'inizio della tragedia è indicato un conflitto tra il pensatore umanista Amleto e il mondo immorale di Claudio, tra una personalità amante della libertà e il potere assolutista. Amleto percepisce il mondo tragicamente. Il principe comprende profondamente ciò che sta accadendo a Elsinore. Conflitti alla corte di Claudio, comprende uno stato di pace. L'intelletto di Amleto, i suoi saggi giudizi aforistici rivelano l'essenza delle relazioni nella società di quel tempo. In Amleto, come tragedia di una persona pensante in una società ingiusta, l'intelletto dell'eroe è poeticizzato. La mente di Amleto si oppone all'irragionevolezza e all'oscurantismo del dispotico Claudio.

L'ideale morale di Amleto è l'umanesimo, dalle cui posizioni si condanna il male sociale. Le parole del fantasma sul crimine di Claudio servirono da impulso per l'inizio della lotta di Amleto contro il male sociale. Il principe è determinato a vendicarsi di Claudio per l'omicidio di suo padre. Claudio vede Amleto come il suo principale antagonista, quindi dice ai suoi cortigiani Polonio, Rosencrantz e Guildenstern di spiarlo. Il perspicace Amleto ha svelato tutti i trucchi del re, che ha cercato di scoprire i suoi piani e distruggerlo. Il critico letterario sovietico L. E. Pinsky definisce Amleto la tragedia della conoscenza della vita: “... Un eroe che è attivo per natura non compie l'atto previsto perché conosce perfettamente il suo mondo. Questa è una tragedia della coscienza, della consapevolezza ... "*

*Pinsky L.E. Shakespeare: Fondamenti di drammaturgia. - S. 129.

La visione tragica di Amleto, le sue riflessioni filosofiche sono causate non tanto da quanto accaduto a Elsinore (l'omicidio del padre di Amleto e il matrimonio di sua madre, la regina Gertrude, con Claudio), ma dalla consapevolezza dell'ingiustizia generale prevalente nel mondo. Amleto vede il mare del male e riflette nel suo famoso monologo "Essere o non essere" su come una persona dovrebbe agire di fronte al marciume nella società. Il monologo "Essere o non essere" rivela l'essenza della tragedia di Amleto, sia in relazione al mondo esterno che nel suo mondo interiore. La domanda sorge davanti ad Amleto: come comportarsi alla vista dell'abisso del male: riconciliarsi o combattere?

Essere o non essere è la questione; Cosa c'è di più nobile: sottomettersi nello spirito alle fionde e alle frecce di un destino furioso o, impugnando le armi contro il mare dei guai, ucciderli con il confronto? (Tradotto da M. Lozinsky)

Amleto non può sottomettersi al male; è pronto a combattere contro la crudeltà e l'ingiustizia che regnano nel mondo, ma è consapevole che perirà in questa lotta. Amleto ha l'idea del suicidio come un modo per porre fine al "desiderio e mille tormenti naturali", tuttavia, il suicidio non è un'opzione, poiché il male rimane nel mondo e sulla coscienza di una persona ("Questa è la difficoltà; cosa i sogni saranno sognati in un sogno di morte..."). Inoltre, Amleto parla di male sociale, provocando indignazione in una persona onesta e umana:

Chi sopporterebbe le fruste e lo scherno del secolo, L'oppressione dei forti, lo scherno degli orgogliosi, Il dolore dell'amore spregevole, la lentezza dei giudici, L'arroganza delle autorità e gli insulti, Inflitti al mite merito ...

Le riflessioni sui disastri a lungo termine dell'umanità, sul mare del male, fanno dubitare di Amleto dell'efficacia di quei metodi di lotta che erano possibili in quel momento. E i dubbi portano al fatto che la determinazione ad agire a lungo non si realizza nell'azione stessa.

Amleto è una natura volitiva, energica, attiva. Con tutta la forza della sua anima, è diretto alla ricerca della verità, alla lotta per la giustizia. I pensieri dolorosi e le esitazioni di Amleto sono la ricerca di una via più corretta nella lotta contro il male. Esita nell'adempiere al suo dovere di vendetta anche perché deve finalmente convincere se stesso e convincere gli altri della colpevolezza di Claudio. Per fare questo, organizza una scena di "trappola per topi": chiede ad attori erranti di recitare una commedia che potrebbe smascherare Claudio. Durante lo spettacolo, Claudio si tradisce con la sua confusione. Amleto è convinto della sua colpa, ma continua a ritardare la vendetta. Ciò provoca in lui una sensazione di insoddisfazione di se stesso, discordia mentale.

Amleto ricorre allo spargimento di sangue solo in casi eccezionali, quando non può non reagire all'evidente malvagità e bassezza. Quindi, uccide Polonio, manda Rosencrantz e Guildenstern a spiarlo a morte, e poi uccide lo stesso Claudio. Parla in modo aspro e crudele alla sua amata Ofelia, che si è rivelata uno strumento nelle mani dei suoi nemici. Ma questo suo male non è intenzionale, è dalla tensione della sua coscienza, dalla confusione nella sua anima, lacerata da sentimenti contrastanti.

Il carattere nobile di Amleto, poeta e filosofo, sembra debole dal punto di vista di chi non si ferma davanti a nulla pur di raggiungere i propri obiettivi. In effetti, Amleto è un uomo forte. La sua tragedia sta nel fatto che non sa come cambiare lo stato ingiusto del mondo, che è consapevole dell'inefficacia dei mezzi di lotta che ha, che una persona onesta e riflessiva può provare la sua causa solo al costo della sua morte.

La malinconia di Amleto nasce dalla consapevolezza che "il tempo è uscito dalle sue articolazioni" ed è in uno stato di disordine e difficoltà. Nella composizione della tragedia occupano un posto ampio i monologhi lirici e filosofici del principe, in cui si esprime una profonda consapevolezza dello spirito dei tempi.

La natura filosofica generale delle riflessioni di Amleto rende questa tragedia vicina anche ad altre epoche. Amleto si rende conto di non poter vincere il male che regna nel mondo; sa che dopo la morte di Claudio il male non scomparirà, perché è contenuto nella struttura stessa della vita sociale di quel tempo. Riferendosi a coloro che lo circondano, Amleto dice: "Nessuna delle persone mi piace". E allo stesso tempo, per Amleto l'umanista, l'ideale è una bella personalità umana: “Che creazione magistrale: un uomo! Com'è nobile d'animo! Com'è sconfinato nelle sue capacità, forme e movimenti! Com'è preciso e meraviglioso in azione! Quanto è simile a un angelo nella profonda perspicacia! Quanto è simile a un dio! La bellezza dell'universo! La corona di tutti i viventi! Amleto vede l'incarnazione di questo ideale in suo padre e nel suo amico Orazio.

Lo sviluppo della trama nella tragedia è in gran parte determinato dalla finta follia del principe. Qual è il significato delle azioni e delle affermazioni apparentemente folli di Amleto? Per recitare nel folle mondo di Claudio, Amleto è costretto a indossare una maschera di follia. In questo ruolo, non ha bisogno di essere ipocrita e mentire, dice l'amara verità. La maschera della follia corrisponde alla discordia spirituale del principe, all'impulsività delle sue azioni, al folle coraggio nella lotta per la verità sotto la tirannia di Claudio.

Il tragico incidente gioca un ruolo importante nella trama. Alla fine della tragedia, viene dato un gruppo di incidenti: gli eroi che partecipano al duello si scambiano gli stocchi, un bicchiere con una bevanda avvelenata cade sulla persona sbagliata e così via. Il tragico esito si avvicina con inesorabile inevitabilità. Ma arriva in una forma inaspettata e in un momento imprevisto. L'irragionevolezza della struttura sociale confonde piani ragionevoli e sconsiderati e provoca la tragica inevitabilità di "punizioni accidentali, omicidi inaspettati".

Amleto è lento nell'adempiere al suo dovere, ma è pronto ad agire in qualsiasi momento, e nella scena finale per lui "la prontezza è tutto". Amleto è una persona eroica. È pronto a lottare contro il male e ad affermare la verità anche a costo della propria morte. Non a caso dopo tutte le tragiche vicende del defunto Amleto, per volere di Fortebraccio, vengono seppelliti con gli onori militari. Prima della sua morte, Amleto esprime il desiderio che la gente conosca la sua vita e la sua lotta. Chiede a Orazio di rivelare al mondo le cause dei tragici eventi, di raccontare la storia del Principe di Danimarca.

Amleto è una tragedia realistica che riflette la complessità del tempo in cui l'umanesimo rinascimentale entrò in un momento di crisi. La tragedia stessa esprime l'idea della necessità di una rappresentazione oggettiva della vita. In una conversazione con gli attori, Amleto esprime opinioni sull'arte che sono pienamente coerenti con le posizioni estetiche di Shakespeare. Innanzitutto vengono respinti gli effetti vistosi di chi è pronto a "rigenerare Erode"; si propone di conformare "l'azione alla parola, la parola all'azione" e "non oltrepassare la semplicità della natura"; l'essenza dell'arte è formulata; "tenere, per così dire, uno specchio davanti alla natura, per mostrare le virtù dei propri lineamenti, l'arroganza - il proprio aspetto, e ad ogni età e condizione - la sua somiglianza e impronta".

La principale collisione storica della fine del XVI secolo. - il conflitto tra il mondo dell'eroismo cavalleresco e la criminalità del potere assolutista - è incarnato rispettivamente nelle immagini di due fratelli, il padre di Amleto e Claudio. Amleto ammira suo padre-eroe e odia l'ipocrita, traditore Claudio e tutto ciò che sta dietro di lui, ad es. un mondo di vili intrighi e corruzione generale.

La tragedia "Otello" (Otello, il Moro di Venezia, 1604) è stata creata sulla base della novella "Il Moro di Venezia" di Geraldi Cinthio. La storia dell'amore e della tragica morte di Otello e Desdemona è mostrata da Shakespeare su un ampio sfondo sociale. Nella tragedia compaiono rappresentanti del governo di Venezia: il doge, i senatori Brabantio, Gratiano, Lodovico; è raffigurato l'ambiente militare - Iago, Cassio, Montano. In questo contesto, il destino di Otello e Desdemona acquista un profondo significato socio-psicologico.

Moor Otello è una personalità eccezionale. Grazie al suo valore raggiunse una posizione elevata nella società, divenne comandante veneziano, generale. La vita di questo guerriero era piena di pericoli, doveva vedere molto e sopportare molto. Da tutte le prove, Otello è emerso come un uomo coraggioso e coraggioso, conservando la purezza e l'ardore dei sentimenti. Incarna l'ideale rinascimentale di una bella persona. Il nobile Moro è intelligente e attivo, coraggioso e onesto. Per questo si innamorò di lui la figlia del senatore veneziano Desdemona:

Mi sono innamorato di lei con il mio coraggio, si è innamorata di me con la sua simpatia. (Tradotto da B. Pasternak)

L'amore di Otello e Desdemona fu un'eroica sfida alle convenzioni tradizionali. Questo amore era basato su una profonda comprensione reciproca e fiducia.

Il personaggio di Desdemona è legato al personaggio di Otello. Desdemona è anche caratterizzata da impavidità e creduloneria. Per amore dell'amato scappa di casa e lascia Venezia quando Otello viene nominato governatore di Cipro. Otello la chiama la sua "bellissima guerriera". Nell'aspetto accattivante di Desdemona, il coraggio si unisce alla tenerezza. Ma se Desdemona rimane una persona armoniosa e completa fino alla fine, allora Otello ha lasciato entrare il "caos" nella sua anima, e questo ha causato una catastrofe. Desdemona mantiene la fiducia in Otello; ma la sua fiducia è scossa sotto l'influenza degli intrighi del vile e traditore Iago.

Non sapendo spiegare il motivo per cui Otello è cambiato per lei, Desdemona capisce che questo motivo non è la gelosia. Lei dice:

Otello è intelligente e non sembra gente volgare gelosa...

E quando la serva Emilia chiede a Desdemona se Otello è geloso, lei risponde con sicurezza:

Ovviamente no. Sole tropicale Tutte queste carenze bruciavano in lui.

Desdemona, come nessuno, comprende l'anima di Otello. In effetti, la gelosia sorge in Otello non come risultato di sospetto, vendetta o ambizione, ma come manifestazione di un senso di fiducia ingannata, dignità offesa. Per tragica ironia, Otello considera non Iago, che ha ingannato il credulone Moro, ma la pura e fedele Desdemona, il colpevole del sentimento di fiducia ingannata. Otello dice di se stesso:

Non era facilmente geloso, ma in una tempesta di sentimenti cadde su tutte le furie ...

AS Pushkin ha così caratterizzato Otello: "Otello non è geloso per natura - al contrario: si fida".

Otello ama teneramente Desdemona, anche quando decide di ucciderla. Pensa di ripristinare la giustizia, facendo il suo dovere. Credendo nella calunnia di Iago, crede di non poter permettere a Desdemona di ingannare gli altri. È pieno di coscienza di un alto dovere verso le persone: l'omicidio di Desdemona significa per lui l'eliminazione delle bugie come pericolo generale. La tragedia di Otello è la tragedia della fiducia ingannata, la tragedia dell'essere accecati dalla passione. L'amore per lei ha determinato l'atteggiamento di Otello nei confronti delle persone, del mondo. Quando la loro unione era armoniosa, Otello percepiva il mondo come bello; quando credeva nella disonestà di Desdemona, tutto gli appariva in una cupa forma caotica.

L'onesto Otello diventa vittima dei malvagi intrighi di Iago, non rendendosi conto che lo sta ingannando. Shakespeare non indica direttamente le ragioni dell'odio di Iago per Otello, sebbene Iago parli del suo desiderio di fare carriera, della gelosia di Otello, del suo sentimento lussurioso per Desdemona. La cosa principale nel personaggio di Iago è il desiderio machiavellico di ottenere vantaggi rispetto ad altre persone ad ogni costo. Iago, ovviamente, è intelligente e attivo, ma le sue capacità, il suo "valore" sono interamente subordinati ai suoi piani egoistici. Il "valore" di Iago è individualista e immorale. Formula il suo interesse principale come segue: "Richiudi il portafoglio". L'intrigante Iago è cinico e ipocrita. Il suo odio per Otello è spiegato dalla differenza fondamentale tra la loro natura, le loro opinioni, il loro atteggiamento nei confronti della vita. La nobiltà di Otello è la negazione dell'egocentrismo borghese di Iago. Ecco perché non può riconciliarsi con l'affermazione dei principi etici di Otello nella vita. Iago ricorre a mezzi bassi per allontanare il semplice Otello dal suo nobile percorso di vita, per immergerlo nel caos delle passioni individualistiche.

Shakespeare il realista ha mostrato da che parte può andare una persona, liberata dalle catene feudali. Una persona potrebbe diventare brillante e moralmente bella, come l'eroica figura di Otello, o vile, immorale, come il cinico Iago. L'inferiorità morale trasforma la libertà dell'individuo nel suo contrario, cioè in dipendenza servile da passioni oscure e interessi egoistici. Iago agisce contro Otello e Desdemona con calunnie e inganni. Approfitta della creduloneria di Otello, gioca sul temperamento ardente dell'eroe, sulla sua ignoranza dei costumi della società. Il rapido passaggio del nobile Otello dall'eroismo all'accecamento della passione oscura indica che la personalità rinascimentale dallo spirito libero era vulnerabile, perché il livello delle relazioni sociali di quel tempo non permetteva di realizzare pienamente nella realtà l'ideale umanistico della personalità. Shakespeare ha mostrato questa tragedia di una personalità valorosa che si è trovata coinvolta nelle vere relazioni di base della società borghese e incapace di proteggersi dall'oscura passione.

L'episodio del "riconoscimento" rivela la dignità umana dell'eroe, la sua grandezza morale. Con gioia spirituale, Otello apprende che Desdemona lo amava e gli era fedele, ma allo stesso tempo è scioccato dal fatto che sia accaduta la cosa peggiore: ha ucciso l'innocente e gli ha dedicato Desdemona. Il suicidio di Otello nella scena finale è la punizione di se stesso per il suo allontanamento dalla fede nell'uomo. Il finale tragico, quindi, afferma la vittoria morale della nobiltà sulle forze oscure del male.

Il conflitto tra l'individuo e la società in un nuovo aspetto è mostrato nella tragedia "King Lear" (King Lear, 1605-1606). Questa è una tragedia della dignità umana in una società ingiusta.

L'essenza e l'evoluzione del carattere di Lear sono state definite in modo molto accurato da N.A. Dobrolyubov: “Lear ha una natura davvero forte, e il servilismo generale nei suoi confronti lo sviluppa solo in modo unilaterale - non per grandi azioni d'amore e bene comune, ma solo per la soddisfazione dei propri capricci personali. Ciò è perfettamente comprensibile in una persona abituata a considerarsi la fonte di ogni gioia e dolore, l'inizio e la fine di tutta la vita nel suo regno. Qui, con la portata esterna delle azioni, con la facilità di soddisfare tutti i desideri, non c'è nulla che esprima la sua forza spirituale. Ma ora la sua adorazione di sé supera ogni limite del buon senso: trasferisce direttamente nella sua personalità tutta quella genialità, tutto quel rispetto di cui godeva per la sua dignità; decide di abbandonare il potere, fiducioso che anche dopo la gente non smetterà di tremare davanti a lui. Questa folle convinzione gli fa dare il suo regno alle sue figlie e, attraverso ciò, dalla sua barbara posizione insensata, passa al semplice titolo di persona comune e sperimenta tutti i dolori associati alla vita umana. “Guardandolo, proviamo prima odio per questo despota dissoluto; ma, seguendo lo svolgersi del dramma, ci riconciliamo sempre più con lui come con un uomo e finiamo pieni di sdegno e di bruciante malizia non più verso di lui, ma per lui e per il mondo intero, verso quella situazione selvaggia, disumana. che può portare a tale dissolutezza anche di persone come Lear.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: In 9 volumi - M; L., 1962. T. 5. - S. 52.

** Ibid. - P. 53.

"Re Lear" è una tragedia sociale. Mostra la delimitazione dei diversi gruppi sociali nella società. I rappresentanti dell'antico onore cavalleresco sono Lear, Gloucester, Kent, Albany; il mondo della predazione borghese è rappresentato da Goneril, Regan, Edmond, Cornwall. Tra questi mondi c'è una dura lotta. La società è in uno stato di profonda crisi. Gloucester caratterizza la distruzione delle fondamenta sociali come segue: “L'amore si sta raffreddando, l'amicizia si sta indebolendo, il conflitto fratricida è ovunque. Ci sono rivolte nelle città, nei villaggi della discordia, nei palazzi del tradimento, e il legame familiare tra genitori e figli si sta sgretolando... Il nostro tempo migliore è passato. Amarezza, tradimento, disordini disastrosi ci accompagneranno nella tomba ”(Tradotto da B. Pasternak).

È in questo ampio contesto sociale che si svolge la tragica storia di Re Lear. All'inizio dell'opera, Lear è un re con potere, che comanda il destino delle persone. Shakespeare in questa tragedia (dove penetra più profondamente nelle relazioni sociali dell'epoca che in altre sue opere) ha mostrato che il potere di Lear non è nella sua regalità, ma nel fatto che possiede ricchezze e terre. Non appena Lear divise il suo regno tra le sue figlie Goneril e Regan, lasciandosi solo il regno, perse il suo potere. Senza i suoi averi, il re si trovò nella posizione di un mendicante. La proprietà nella società ha distrutto le relazioni umane di parentela patriarcale. Goneril e Regan hanno giurato il loro amore per il padre quando era al potere e gli hanno voltato le spalle quando ha perso i suoi averi.

Dopo aver attraversato tragiche prove, attraverso una tempesta nella sua stessa anima, Lear diventa un uomo. Ha riconosciuto la dura sorte dei poveri, si è unito alla vita della gente e ha capito cosa succedeva intorno a lui. Re Lear acquisisce saggezza. Nell'emergere di una nuova visione del mondo, un incontro nella steppa, durante una tempesta, con lo sfortunato senzatetto Poor Tom ha avuto un ruolo importante. (Era Edgar Gloucester, che si nascondeva dalla persecuzione di suo fratello Edmond.) Nella mente scioccata di Lear, la società appare sotto una nuova luce e la sottopone a critiche spietate. La follia di Lear diventa epifania. Lear simpatizza con i poveri e rimprovera i ricchi:

Senzatetto, disgraziato nudo, dove sei adesso? Come respingerai i colpi di questo tempo feroce - In stracci, con la testa scoperta E la pancia magra? Quanto poco ci ho pensato prima! Ecco una lezione per te, ricco arrogante! Prendi il posto dei poveri, senti quello che sentono, e dai loro una parte del tuo eccesso come pegno della più alta giustizia del cielo. (Tradotto da B. Pasternak)

Lear parla con indignazione di una società dominata dall'arbitrarietà. Il potere gli appare sotto forma di un'immagine simbolica di un cane che insegue un mendicante che fugge da lui. Lear chiama il giudice un ladro, un politico che finge di capire ciò che gli altri non capiscono è un mascalzone.

Il nobile Kent e il giullare rimangono fedeli a Lear fino alla fine. L'immagine del giullare gioca un ruolo molto importante in questa tragedia. Le sue battute, le battute paradossali rivelano audacemente l'essenza delle relazioni tra le persone. Il giullare tragicomico racconta l'amara verità; le sue argute osservazioni esprimono il punto di vista della gente su ciò che sta accadendo.

La trama legata al destino del conte di Gloucester, padre di due figli, dà il via al destino di Lear, conferendole un significato generalizzante. Anche Gloucester vive la tragedia dell'ingratitudine. Gli si oppone il figlio illegittimo, Edmond.

L'ideale umanistico è incarnato nell'immagine di Cordelia. Non accetta né il vecchio mondo cavalleresco né il nuovo mondo machiavellico. Nel suo carattere, il senso della dignità umana è enfatizzato con una forza speciale. A differenza delle sorelle ipocrite, è sincera e veritiera, non teme il carattere dispotico del padre e gli dice quello che pensa. Nonostante la moderazione nella manifestazione dei sentimenti, Cordelia ama veramente suo padre e accetta con coraggio il suo sfavore. Successivamente, quando Lear, dopo aver attraversato dure prove, acquisì dignità umana e senso di giustizia, Cordelia gli fu accanto. Queste due bellissime persone stanno morendo in una società crudele.

Alla fine della tragedia, il bene trionfa sul male. Il nobile Edgar diventerà re. Come sovrano, si rivolgerà alla saggezza che Lear ha trovato nel suo tragico destino.

La tragedia "Macbeth" (Macbeth, 1606), creata sul materiale delle "Cronache di Inghilterra, Scozia e Irlanda" di R. Holinshed, è dedicata al problema del tragico stato dello stato e dell'individuo sotto un regime tirannico.

Macbeth è un tiranno e un assassino. Ma non lo è diventato subito. L'immagine si rivela nello sviluppo, nella dinamica, in tutta la complessità e l'incoerenza del suo mondo interiore. La lotta tra il rimorso e gli impulsi ambiziosi nell'anima di Macbeth, la realizzazione alla fine dell'insensatezza delle sue azioni sanguinose: tutto ciò lo distingue da un normale cattivo e lo rende un personaggio tragico.

Nel primo atto, Macbeth appare come un eroe in una maestosa scena di vittoria sui nemici della Scozia. Questo è un guerriero forte, coraggioso e coraggioso. Macbeth è gentile per natura e non privo di umanità. Ha raggiunto la fama grazie alle sue imprese. La fiducia nei suoi punti di forza e nelle possibilità della sua natura provoca in lui il desiderio di diventare ancora più maestoso, di raggiungere una gloria ancora maggiore. Tuttavia, la struttura sociale di quel tempo poneva limiti allo sviluppo dell'individuo, pervertendo le capacità illimitate di una persona. Quindi, il valore di Macbeth si trasforma in ambizione e l'ambizione lo spinge a commettere un crimine: l'omicidio di Duncan per ottenere il potere supremo. La perversione del valore per ambizione è giustamente caratterizzata dalle parole delle streghe della prima scena della tragedia: "Il bello è vile e il vile è bello". Nelle azioni di Macbeth, il confine tra il bene e il male è sempre più sfumato.

Le immagini di disgustose streghe, che predicevano il futuro destino di Macbeth, simboleggiano la disumanità che era nelle sue intenzioni e azioni. Le streghe non rappresentano alcuna forza fatale che dirige il comportamento dell'eroe. Esprimono proprio ciò che è già sorto nei pensieri di Macbeth. Le decisioni criminali prese da Macbeth sono determinate dalla sua volontà, non dalla forza fatale. Gli atti criminali spingono sempre più verso la rinascita dell'individuo. Da uomo gentile e valoroso, Macbeth diventa assassino e tiranno. Un crimine tira l'altro. Macbeth non può più rifiutarsi di uccidere, cercando di mantenere il trono:

Sono già così impantanato nel fango sanguinante, che sarà più facile per me fare un passo avanti, che tornare indietro attraverso il pantano. Nel cervello deve ancora nascere il mio terribile piano, e la mano si sforza di realizzarlo. (Tradotto da Yu. Korneev)

Quando il dispotismo di Macbeth diventa evidente a tutti, si ritrova tutto solo. Tutti indietreggiarono davanti al tiranno.

Attraverso i crimini, Macbeth vuole cambiare il destino, intervenire nel corso del tempo. Ha già paura di perdere qualcosa e con incessanti atti sanguinosi sta cercando di anticipare le azioni dei presunti avversari. Il tiranno si fa strada verso il suo "domani" con l'aiuto dei crimini, e il "domani" lo spinge sempre più verso una fine inevitabile. Le atrocità del tiranno provocano opposizione. L'intera società insorge contro il despota. A Macbeth sembra che anche le forze della natura siano andate contro di lui: la foresta di Birnam sta marciando su Dunsinan. Questi sono i guerrieri di Macduff e Malcolm, nascosti dietro rami verdi, che si muovono in una valanga irresistibile contro Macbeth e lo schiacciano. Uno dei personaggi della tragedia, il nobile scozzese Ross, parla dell'essenza della sete di potere:

Oh amore del potere, divori ciò che vivi!

Dopo essersi espresso contro l'umanità, Macbeth si condanna al completo isolamento, solitudine e morte. Lady Macbeth è fanaticamente devota a suo marito, che considera un grande uomo. Lei è ambiziosa quanto lui. Vuole che Macbeth diventi re di Scozia. Lady Macbeth è determinata a raggiungere il potere e sostiene il marito, lo aiuta a superare i dubbi morali quando progetta di uccidere Duncan. Lady Macbeth pensa che sia sufficiente lavarsi il sangue dalle mani e il crimine sarà dimenticato. Tuttavia, la sua natura umana fallisce e lei impazzisce. Nel suo stato folle e sonnambulo, cerca di lavarsi via il sangue dalle mani e non ci riesce. Il giorno della morte del marito, Lady Macbeth si suicida.

Rispetto ad altre tragedie shakespeariane, l'atmosfera tragica in Macbeth è molto densa. È pompato in connessione con lo sviluppo del tema dell'ascesa al potere attraverso il crimine. L'azione si fa più compressa, concentrata e impetuosa; di solito si verifica di notte e sullo sfondo di un temporale; un posto ampio è occupato dall'elemento soprannaturale (streghe, visioni), che svolge il ruolo di presagi e presagi minacciosi. Tuttavia, alla fine, l'oscurità si dissipa, l'umanità trionfa sul male.

Le tragedie di Shakespeare sono caratterizzate da una profonda comprensione dell'essenza delle tragiche contraddizioni del loro tempo. Nella drammaturgia di Shakespeare, i conflitti socio-politici del Rinascimento si riflettono in modo sorprendentemente veritiero. I profondi cambiamenti nella vita associati a un gigantesco sconvolgimento della storia, quando il feudalesimo fu sostituito da un nuovo sistema borghese: questa è la base del tragico in Shakespeare. Lo storicismo di Shakespeare sta nel comprendere le principali tendenze della vera lotta in corso tra il vecchio e il nuovo, nel rivelare il significato tragico delle relazioni sociali di quel tempo. Con tutta la sua visione ingenua e poetica del mondo, Shakespeare è stato in grado di mostrare l'importanza delle persone nella vita della società.

Lo storicismo poetico di Shakespeare ha introdotto nuovi contenuti nel tema tragico, ha ristrutturato il tragico come problema estetico, conferendogli qualità nuove e uniche. Il tragico in Shakespeare differisce dalle nozioni medievali del tragico, dalla visione del tragico di Chaucer espressa in The Canterbury Tales (The Monk's Prologue e The Monk's Tale). Secondo l'idea medievale, la tragedia potrebbe accadere a persone di alto rango, vivendo nella felicità e dimenticando il potere della Provvidenza. Queste persone sono soggette ai capricci della fortuna, indipendentemente dal loro carattere, dai loro meriti e demeriti. La loro altissima posizione era motivo di orgoglio, quindi la catastrofe era sempre vicina. Secondo le idee medievali, la fortuna ha abbattuto le disgrazie su una persona in modo completamente inaspettato e senza motivo. L'uomo è impotente davanti alla saggezza della provvidenza e nessuno è in grado di sfuggire ai colpi del destino. Il concetto medievale del tragico non procedeva dal carattere di una persona e dalla sua collisione con il destino, ma dalla credenza nell'onnipotenza delle forze soprannaturali, quindi, nelle opere tragiche della letteratura medievale, l'inizio epico e narrativo prevaleva sul drammatico.

Il tragico in Shakespeare è libero dall'idea di fatalismo, destino. E sebbene i suoi eroi si riferiscano sia a Dio che alla fortuna, Shakespeare mostra che le persone agiscono sulla base dei loro desideri e volontà, ma nel modo in cui incontrano le circostanze della vita, ad es. con la volontà e i desideri di altre persone che esprimono interessi personali, pubblici e statali. Dallo scontro tra le persone stesse, che rappresentano la società e l'umanità, scaturiscono vittorie e sconfitte. Il tragico è insito nelle persone stesse, nella loro lotta, e non dipende dalla predeterminazione fatalistica. Il tragico destino dell'eroe, l'inevitabilità della sua morte è una conseguenza del suo carattere e delle circostanze della vita. Molto accade per caso, ma alla fine tutto è soggetto alla necessità: il tempo.

Il soprannaturale nelle tragedie di Shakespeare - fantasmi e streghe - è più un tributo a motivi folcloristici che una manifestazione della superstizione dello stesso drammaturgo, è una convenzione poetica e una tecnica peculiare per rappresentare i personaggi e creare un'atmosfera tragica. Sia Amleto che Macbeth agiscono secondo le proprie aspirazioni e volontà, e non per volere di forze soprannaturali. Shakespeare ei suoi eroi non sempre comprendono il significato degli eventi tragici, ma è sempre chiaro che si verificano secondo le leggi della causalità, secondo le dure leggi del tempo.

La necessità in Shakespeare appare non solo come il movimento storico del Tempo, ma anche come la certezza e l'indiscutibilità dei fondamenti morali naturali della vita umana. Nella vita pubblica è necessaria l'umanità universale. La moralità basata sulla giustizia umana è l'ideale a cui le persone dovrebbero tendere e la cui violazione porta a tragiche conseguenze.

Il tragico in Shakespeare è dialettico. La società può violare le relazioni morali naturali e portare alla morte gli eroi (Romeo e Giulietta), e l'eroe, a causa di una serie di sue proprietà negative, può commettere il male e causare danni alla società (Macbeth), e allo stesso tempo l'eroe e la società può essere colpevole l'una rispetto all'altra ( Re Lear). Tutto dipende dalla reale complessità delle contraddizioni sociali del tempo e dai conflitti psicologici di ogni individuo. La lotta tra il bene e il male va avanti non solo nell'arena pubblica, ma anche nell'animo umano.

Il conflitto nelle tragedie di Shakespeare è estremamente teso, acuto e inconciliabile, e si svolge come uno scontro di due forze antagoniste. In primo piano c'è la lotta di due eroi forti, che incarnano personaggi diversi, principi e punti di vista della vita diversi, passioni diverse. Amleto e Claudio, Otello e Iago, Lear e Goneril, Cesare e Bruto: questi sono i personaggi opposti che sono entrati in battaglia. Ma il nobile eroe di Shakespeare combatte non solo contro qualche singolo antagonista, ma entra in lotta con l'intero mondo del male. Questa lotta rivela le migliori possibilità spirituali dell'eroe, ma provoca anche il male. La lotta continua simultaneamente nell'anima dell'eroe stesso. L'eroe cerca dolorosamente verità, verità, giustizia; veramente tragiche sono le sofferenze mentali dell'eroe alla vista dell'abisso del male che si è aperto davanti a lui; ma lui stesso, alla ricerca della verità, da qualche parte commette un errore, a volte entra in contatto con il male, nascondendosi sotto le spoglie del bene, e così accelera il tragico epilogo.

Le azioni dei tragici eroi di Shakespeare, persone eccezionali, influenzano l'intera società. I personaggi sono così significativi che ognuno di loro è un mondo intero. E la morte di questi eroi sconvolge tutti. Shakespeare crea personaggi grandi e complessi di persone attive e forti, persone di ragione e grandi passioni, valore e alta dignità. Le tragedie di Shakespeare affermano il valore della personalità umana, l'unicità e l'individualità del carattere di una persona, la ricchezza del suo mondo interiore. La vita dell'anima umana, le esperienze e la sofferenza, la tragedia interiore di una persona interessano soprattutto Shakespeare. E questo ha influito anche sulla sua innovazione nel campo del tragico. L'immagine del mondo interiore dei personaggi rivela la loro umanità così profondamente da suscitare ammirazione e profonda simpatia per loro.

Un certo numero di eroi di Shakespeare - Macbeth, Bruto, Anthony ("Antonio e Cleopatra") - sono colpevoli della loro tragedia. Ma la nozione di colpa è incompatibile con molti eroi nobili. Il fatto che i giovani Romeo e Giulietta stiano morendo è colpa di una società ostile ai sentimenti umani sinceri e integri. Amleto, Otello, Re Lear hanno avuto errori ed errori che non hanno cambiato la base morale dei loro nobili personaggi, ma nel mondo del male e dell'ingiustizia hanno portato a tragiche conseguenze. Solo in questo senso si può parlare della loro "tragica colpa". Insieme a questi eroi, nature completamente pure, come Ofelia, Cordelia, Desdemona, soffrono e muoiono.

Nella catastrofe causata, periscono sia i veri autori del male, sia coloro che portano la "tragica colpa", sia coloro che sono completamente innocenti. La tragedia in Shakespeare è lontana da quella "giustizia poetica", che consiste in una semplice regola: il vizio è punito, la virtù trionfa. Il male alla fine si punisce, ma il bene sopporta tragiche sofferenze, incommensurabilmente maggiori di quanto meriti l'errore dell'eroe.

L'eroe tragico di Shakespeare è attivo e capace di scelte morali. Si sente responsabile delle sue azioni. Se le circostanze, la società contraddicono gli ideali della moralità e li violano, allora la scelta morale dei personaggi sta nella lotta contro le circostanze; nell'inconciliabilità con il male, anche se porta alla loro stessa distruzione. Questo è più evidente in Amleto.

L'episodio del "riconoscimento", la consapevolezza dell'errore e della colpa, l'intuizione prima della morte è saturo nelle tragedie di Shakespeare delle esperienze più intense dei personaggi e delle idee morali più importanti. Questo episodio è caratterizzato da un profondo contenuto ideologico e psicologico. L'episodio del "riconoscimento" è importante nella tragedia come trionfo dei principi morali di verità e bontà, a seguito della lotta interna e della sofferenza che l'eroe ha subito. Questo episodio illumina di nuova luce l'intera vita dell'eroe, afferma la grandezza dello spirito umano e l'importanza dei fondamenti morali della vita.

Anche i personaggi dei cattivi nelle opere di Shakespeare differiscono nella loro individualità. Hanno una volontà, una mente che serve attivamente piani insidiosi e ambiziosi. Questi cattivi sono l'incarnazione di un vero fenomeno dell'epoca: il machiavellismo. La mente libera appare in loro in una forma estremamente individualistica, come un effettivo perseguimento di obiettivi egoistici. I cattivi di Shakespeare non sono affatto figure convenzionali del male astratto, sono il male concreto e tipico del sistema borghese. Invidia, malizia e odio sono i protagonisti dei cattivi. Ma Shakespeare non ha cercato di presentarli come demoni. Anche i cattivi sono persone, ma per vari motivi hanno perso la loro umanità. A volte si sveglia in loro per sottolineare l'inutilità della loro esistenza, priva di principi morali (Edmond, Lady Macbeth).

Shakespeare ha espresso la fede umanistica nella gentilezza e nobiltà dell'uomo, nel suo spirito indomabile e nella sua energia creativa. Ha affermato la dignità umana e la grandezza delle realizzazioni umane. Da tutte le catastrofi e i problemi, la natura umana emerge imbattuta. Il vero umanesimo di Shakespeare è il suo ottimismo. Questo ottimismo non era leale, poiché Shakespeare era consapevole del potere del male e delle disgrazie che porta. L'ottimismo delle tragedie di Shakespeare sta nel trionfo sulla disperazione e nella potente fede nella vittoria dell'uomo sul male sociale.

La versatilità della rappresentazione della vita e della rappresentazione dei personaggi si rivela invariabilmente nella combinazione e compenetrazione del tragico e del comico. Questa è stata l'innovazione di Shakespeare, la scoperta di un nuovo modo di rappresentare l'uomo e la società.

Shakespeare è stato anche un innovatore nella trama e nella struttura compositiva delle tragedie. Nelle sue tragedie appare una seconda trama. Le trame secondarie danno l'impressione della versatilità della vita e di un'ampia copertura della realtà. La tecnica del parallelismo dei personaggi e delle trame, utilizzata per confronti e contrasti, è integrata nelle tragedie di Shakespeare con immagini della natura. La confusione nelle anime dei personaggi, la tragica lotta delle passioni, che raggiunge la massima tensione, sono spesso accompagnate da una tempesta nella natura ("King Lear", "Macbeth").

La complessità della struttura, il libero flusso degli eventi nelle tragedie di Shakespeare anticipano per molti aspetti la poetica del romanzo del XIX e XX secolo. Saturazione di azione, drammaticità dei personaggi, mistero degli eventi, immagine panoramica della storia, libertà nel tempo e nello spazio, contrasto luminoso: tutte queste caratteristiche delle tragedie di Shakespeare trovano ulteriore sviluppo nel genere del romanzo.

Nell'ultimo, terzo, periodo dell'opera di Shakespeare, rimase fedele agli ideali dell'umanesimo, sebbene non avesse più illusioni sull'umanesimo del nuovo ordine capitalista. Non avendo trovato un'incarnazione nella vita, gli ideali dell'umanesimo nella fantasia creativa di Shakespeare hanno assunto la forma di un sogno sul futuro, su un bellissimo nuovo mondo. Questo sogno, in assenza della possibilità di realizzarlo nella realtà, si incarnava sotto forma di elementi fantastici, scene pastorali e allegorie, caratteristici dell'opera di Shakespeare dell'ultimo periodo. Il metodo artistico di The Winter's Tale e The Tempest è profondamente logico, esteticamente necessario ed è un ulteriore passo nell'evoluzione dell'opera di Shakespeare.

Pericle, Cymbeline, The Winter's Tale, The Tempest rappresentano una nuova qualità estetica. Combinano caratteristiche di genere di tragicommedia, dramma pastorale e allegoria. Nei drammi del terzo periodo, Shakespeare si rivolge a mescolare fantasia e realtà, a motivi folcloristici, a fiabe e situazioni utopiche, a scene pittoresche che si svolgono sullo sfondo della natura. Nelle ultime tragicommedie di Shakespeare domina il principio lirico-eroico, il romanticismo di eventi eccezionali. Queste commedie sono caratterizzate dal tema dell'opposizione tra società e natura, costumi di corte crudeli e vita rurale idilliaca. Tuttavia, la rottura con la società è qui una forma di critica morale ed etica di questa società, e non un invito a fuggire da essa. Non è un caso che gli eroi tornino nella società per continuare la lotta contro il male.

La tragicommedia The Winter's Tale (1610-1611) è stata scritta nello spirito della poesia popolare. Quest'opera condanna il dispotismo dei re e poeticizza la gentilezza degli abitanti del villaggio. L'intera commedia è costruita su un netto contrasto tra la tirannia della corte reale e l'umanità dei pastori contadini.Il re siciliano Leonte, che gode di un potere illimitato, decide di trattare brutalmente con sua moglie Hermione, gelosa del suo re boemo Polisseno.ed Hermione, trova rifugio in Boemia con un vecchio pastore che diventa il suo padre di nome "Loss si innamorò del figlio del re Polyxenes, il principe Florizel. Ignorando le differenze di classe, Florizel vuole sposare Loss. Quando Polixenes rifiuta di acconsentire a questo matrimonio, Florizel e Loss lasciano la Boemia. L'ideale dell'uguaglianza delle persone è affermato nelle parole della Perdita che sopra la baracca e il palazzo lo stesso sole risplende nel cielo.

Il bene in questa commedia trionfa sul male. Leontes alla fine si rende conto della sua colpa e riacquista la felicità con Hermione.

Di grande importanza nel contenuto filosofico dell'opera è l'immagine del coro: il tempo. Nel prologo del quarto atto, commentando il destino degli eroi della commedia, Time esprime l'idea di sviluppo, l'idea di incessanti cambiamenti nella vita della società. Il tempo stabilisce la prospettiva degli sviluppi, colloca la triste storia di Hermione in un certo posto nel flusso generale della storia. Dal punto di vista delle leggi eterne dello sviluppo, gli eventi tragici sono solo momenti separati che vengono superati, diventano un ricordo del passato, diventano leggenda. Sulla scala del tempo storico, il bene vince inevitabilmente. In The Winter's Tale, Shakespeare ha espresso la sua fede in un meraviglioso futuro per l'umanità.

I sogni di Shakespeare di una società giusta sono espressi nella fantastica trama della tragicommedia The Tempest (The Tempest, 1611). Sbarcato sull'isola dopo il naufragio, Gonzalo sogna di sistemare tutto qui diversamente che nel Regno di Napoli. Vuole abolire funzionari e giudici, distruggere la povertà e la ricchezza, abolire i diritti di eredità e le recinzioni fondiarie. Così, Gonzalo cerca di sradicare il male che prevale in una società ingiusta. Tuttavia, Gonzalo esprime anche desideri ingenui: abolire il commercio, la scienza e il lavoro e vivere solo di ciò che la natura stessa dà. Nel monologo di Gonzalo è palpabile l'influenza delle idee dell '"Utopia" di Tommaso Moro.

I sogni utopici di Gonzalo si oppongono a una società reale in cui vengono commesse atrocità. Dodici anni fa, Antonio prese il potere a Milano, espellendo il legittimo duca, suo fratello Prospero. Prospero e sua figlia Miranda si ritrovano su un'isola abitata da creature fantastiche. Tuttavia, anche qui c'è il male. Il brutto selvaggio Caliban, un mostro nato da una strega, approfittando della fiducia di Prospero, che gli ha fatto molto bene, ha deciso di disonorare Miranda. Il mago Prospero conquista Calibano, che incarna il potere degli istinti oscuri, e compie buone azioni con l'aiuto del buon spirito dell'aria Ariel.

Il gioco rivela il conflitto tra il bene e il male. L'immagine dello scienziato umanista Prospero è l'incarnazione di una buona mente e il suo effetto benefico sulle persone. Il saggio Prospero trasforma le persone, rendendole ragionevoli e belle.

Prospero è onnipotente sull'isola, gli sono soggetti gli spiriti delle montagne, dei ruscelli, dei laghi, delle foreste, ma vuole tornare in patria, in Italia, e tuffarsi nuovamente nella vita frenetica della società, lottare contro il male. Shakespeare ha espresso in The Tempest amore per l'umanità, ammirazione per la bellezza dell'uomo, fede nell'avvento di un bellissimo nuovo mondo. Il poeta umanista pone speranza nelle menti delle generazioni future che creeranno una vita felice.

Nell'articolo “A Ray of Light in the Dark Kingdom”, N.A. Dobrolyubov ha definito il significato globale di Shakespeare come segue: “Molte delle sue opere possono essere chiamate scoperte nel campo del cuore umano; la sua attività letteraria ha spostato la coscienza generale delle persone a più livelli, a cui nessuno era salito prima di lui e che sono stati segnalati solo da lontano da alcuni filosofi. Ed è per questo che Shakespeare ha un significato così universale: designa diversi nuovi stadi dello sviluppo umano.

*Dobrolyubov N.A. Sobr. cit.: In 9 volumi - M; L. -1963. - T. 6. - S. 309-310.

I personaggi creati da Shakespeare sono poliedrici, uniscono gli inizi del tragico e del comico, come accade nella vita stessa.

Nel realismo del Rinascimento e nell'opera di Shakespeare ci sono le loro forme convenzionali. Condizionalmente, ad esempio, il luogo dell'azione. L'azione delle opere di Shakespeare può svolgersi in Danimarca, Scozia, Sicilia, Boemia, ma il drammaturgo aveva sempre in mente l'Inghilterra, rappresentava i conflitti, i personaggi e le usanze della sua terra natale. I drammi di Shakespeare sono polifonici. Combinano vari elementi poetici, diversi motivi della trama e si rivelano in diversi aspetti e variazioni. Il realismo shakespeariano si manifesta spesso in una forma favolosamente romantica, in immagini fantastiche e allegoriche, in uno stile iperbolico e metaforico, in uno stato d'animo patetico e musicale, in un'efficace forma scenica. Il problema più importante per Shakespeare è il problema del carattere umano. Al centro della trama della maggior parte dei drammi di Shakespeare c'è una persona che si rivela nella lotta che si svolge nel presente. Shakespeare non fornisce alcun background ai suoi personaggi. La persona nelle opere di Shakespeare è collegata alla vita della società contemporanea per il drammaturgo. AS Pushkin ha parlato della versatilità dei personaggi di Shakespeare: “I volti creati da Shakespeare non sono, come quelli di Molière, tipi di tale e tale passione, tale e tale vizio, ma esseri viventi, pieni di molte passioni, molti vizi; le circostanze sviluppano davanti allo spettatore i loro personaggi diversi e sfaccettati.

* Pushkin-critico. - S. 412.

Shakespeare ha trasmesso il sapore nazionale della realtà inglese, il carattere della cultura popolare inglese. Nessuno prima di lui poteva rappresentare il corso della storia stessa, mostrare i vari strati della società in un unico sistema dinamico.

Shakespeare ha catturato nelle sue opere il punto di svolta dell'epoca, la drammatica lotta tra il vecchio e il nuovo. Le sue opere riflettevano il movimento della storia nelle sue tragiche contraddizioni. La tragedia di Shakespeare si basa sul materiale della trama della storia e della leggenda, che riflette lo stato eroico del mondo. Ma su questo materiale leggendario e storico, Shakespeare ha sollevato acuti problemi contemporanei. Il ruolo delle persone nella vita della società, il rapporto tra la personalità eroica e le persone si rivelano con sorprendente profondità filosofica nella tragedia Coriolanus (Coriolanus, 1608). Il valoroso comandante Coriolano è grande quando rappresenta gli interessi della nativa Roma, gli interessi del popolo, vincendo a Corioli. Le persone ammirano il loro eroe, apprezzano il suo coraggio e la sua franchezza. Anche Coriolano ama le persone, ma sa poco della loro vita. La coscienza patriarcale di Coriolanus non è ancora in grado di cogliere le contraddizioni sociali in via di sviluppo nella società; quindi, non pensa alla situazione delle persone, rifiuta di dare loro il pane. Le persone si allontanano dal loro eroe. In Coriolano, espulso dalla società, ritrovatosi solo, si risveglia l'orgoglio esorbitante, l'odio per la plebe; questo lo porta al tradimento contro la patria. Si oppone a Roma, contro il suo popolo, e per questo si condanna a morte.

La nazionalità di Shakespeare è che viveva secondo gli interessi del suo tempo, era fedele agli ideali dell'umanesimo, incarnava il principio etico nelle sue opere, traeva immagini dal tesoro dell'arte popolare, raffigurava eroi su un ampio sfondo popolare. Nelle opere di Shakespeare - le origini dello sviluppo del dramma, dei testi e del romanzo dei tempi moderni.

Il carattere popolare del dramma di Shakespeare è determinato anche dal linguaggio. Shakespeare ha usato la ricchezza della lingua parlata degli abitanti di Londra, ha dato alle parole nuove sfumature, un nuovo significato *. Il vivace discorso popolare degli eroi delle opere di Shakespeare è pieno di giochi di parole. L'immaginazione del linguaggio nelle opere di Shakespeare è ottenuta mediante l'uso frequente di confronti e metafore pittorici precisi. Spesso il discorso dei personaggi, soprattutto nelle commedie del primo periodo, diventa patetico, cosa che si ottiene con l'uso di eufemismi. Successivamente, Shakespeare si oppose allo stile eufuistico.

* Vedi: Morozov M. Articoli su Shakespeare. - M., 1964.

Nelle opere di Shakespeare, il discorso in versi (versi vuoti) si alterna alla prosa. Gli eroi tragici parlano principalmente in versi e personaggi comici, giullari - in prosa. Ma a volte la prosa si trova anche nel discorso degli eroi tragici. Le poesie si distinguono per una varietà di forme ritmiche (giambico di cinque piedi, sei piedi e quattro piedi, sillabazione).

Il discorso dei personaggi è individualizzato. I monologhi di Amleto sono di natura filosofica e lirica; Il discorso lirico di Otello è caratterizzato da immagini esotiche; Il discorso di Osric ("Amleto") è pretenzioso. Il linguaggio di Shakespeare è idiomatico e aforistico. Molte espressioni shakespeariane sono diventate slogan.

La critica letteraria sovietica considera realistica l'opera di Shakespeare. Il teatro sovietico ha svolto un ruolo enorme nel rivelare l'essenza realistica delle opere di Shakespeare. I traduttori sovietici hanno fatto molto per sviluppare l'eredità creativa di Shakespeare.

Nelle opere di un certo numero di studiosi sovietici di Shakespeare, vengono sollevati i problemi della visione del mondo di Shakespeare, la periodizzazione del suo lavoro, la storia teatrale delle sue opere, i problemi del realismo e della nazionalità. L'attenzione sociale nella Shakespeareologia sovietica è stata data al problema di "Shakespeare e letteratura russa".

Le commedie di Shakespeare sono tra gli esempi più notevoli di commedia rinascimentale europea. Shakespeare si rivolse prima di tutto all'antica commedia romana e alla "commedia dotta" italiana del XVI secolo, che ne fu notevolmente influenzata. Gli eroi delle commedie, superando le difficoltà nel cammino della vita, costruiscono la loro felicità con il loro intrinseco ottimismo, che afferma la fede in una persona e nelle sue capacità. Gli eroi sono energici, allegri, intraprendenti e spiritosi. I giovani sono amanti che combattono per il loro amore, circondati da molti personaggi, persone di diversa estrazione. Il tema dell'amore e della vera amicizia.; atmosfera vacanziera, commedie ridenti. Sintesi delle tradizioni del popolo e delle commedie rinascimentali italiane. Spirito di giovinezza.

La struttura della commedia: gli amanti non possono connettersi. Sono attivi, creano il proprio destino. Si conclude con il matrimonio, superati gli ostacoli esterni (divieti, genitori) e interni (carattere dei personaggi). Nature elementale / uomo. Disegno!! L'eroe importante - il giullare - è intelligente, indossa solo la maschera di uno sciocco. Gli sciocchi sono sempliciotti.

L'evoluzione delle commedie shakespeariane: la prima "Commedia degli errori" - una commedia di situazioni. Il motivo della dualità, attraverso i gemelli. “The Taming of the Shrew” è il tema di una doppia personalità, un movimento verso la tragedia di un conflitto insolubile. 12th Night è una commedia dark. Il mondo dei sentimenti poetici e del divertimento convive nelle commedie con conflitti drammatici e persino motivi tragici. Sebbene il divertimento brillante trionfi sulla cupa ipocrisia, i sentimenti disinteressati prevalgono sui pregiudizi di classe. La base delle situazioni comiche sono le coincidenze casuali di circostanze che cambiano drasticamente il destino delle persone. Nonostante i capricci del destino, una persona deve lottare per la sua felicità.

La commedia "The Taming of the Shrew" è stata scritta da Shakespeare nel 15 (93?), ma per la prima volta è stata pubblicata solo dopo la sua morte - nel 1623. Ci sono ancora controversie irrisolte sulle fonti di questa commedia.

Nel 1594 fu pubblicata un'opera anonima - "Una divertente storia inventata, chiamata - l'addomesticamento di un toporagno". Tutto nell'opera anonima - i personaggi con le loro personalità, anche la principale "morale" dell'opera - corrisponde alla commedia di Shakespeare. Ci sono solo piccole differenze. Anonymous non si svolge a Padova, ma ad Atene; tutti i nomi dei personaggi sono diversi: il protagonista si chiama Ferrando, l'eroina è sempre abbreviata in Ket; non ha una, ma due sorelle: Emilia e Filena, ognuna delle quali è corteggiata da un giovane, mentre Shakespeare ha una sorella che ha diversi ammiratori; Anonymous non ha un matrimonio segreto e l'intero risultato non è chiaro.

L'alternanza degli episodi e lo sviluppo dell'azione in entrambe le commedie sono gli stessi, e in alcuni punti uno copia direttamente l'altro. Tuttavia, il testo stesso è diverso e ci sono solo sei righe nell'intera commedia che corrispondono esattamente.

Shakespeare era caratterizzato da un tale modo di elaborare le opere di altre persone quando, prendendo in prestito la trama e le immagini, crea un testo completamente nuovo, in cui utilizza solo due o tre frasi o espressioni della vecchia opera, ma allo stesso tempo tutte le sue il contenuto insolitamente si approfondisce, decora e si riempie di un significato completamente nuovo. . In The Taming of the Shrew, Shakespeare ha mostrato una sottile comprensione della natura umana. C'è polemica tra i commentatori di questa commedia sulla sua moralità. Alcuni hanno cercato di vedere nell'opera una difesa del principio medievale della subordinazione incondizionata di una donna a un uomo, altri l'hanno considerata semplicemente uno scherzo, privo di contenuto ideologico.

Di tutti i personaggi della commedia, solo tre sono personaggi brillanti e ben sviluppati: questi sono Katarina e Petruccio e Bianca. L'eroe della commedia Petruccio è un tipico uomo dei tempi moderni, coraggioso, libero da pregiudizi, pieno di forza. Desidera lotta, successo, ricchezza e incontra un degno avversario nella persona di Katarina. Catarina, pacificata dal suo intelligente fidanzato Petruccio, si trasformò in una moglie ideale in buone maniere. Alla duplicità della rigida Bianca si contrappone la sincerità dell'ostinata Katarina. Alla fine dello spettacolo, quando si svolge una sorta di prova delle mogli, si scopre che Bianca, che era mite per natura, si è trasformata in una litigiosa capricciosa, mentre Katarina stessa è diventata l'incarnazione della mansuetudine e della cordialità. La commedia si conclude con il suo famoso monologo, in cui afferma la naturale debolezza delle donne e le invita a sottomettersi ai loro mariti.

Tutti gli altri eroi dell'opera sono figure condizionali, grottesche stereotipate. Ciò corrisponde alla natura farsesca dell'azione: ogni sorta di scherzi, risse, risate pure, senza lirismo, sentimenti teneri e ideali, che sono nella quasi simultanea, farsesca "Commedia degli errori".

Shakespeare condivideva l'opinione generalmente accettata nella sua epoca che il marito dovesse essere il capo della famiglia. Ma allo stesso tempo, mostrando la ricchezza della natura di Katarina, sottolinea l'idea umanistica dell'equivalenza interna di donne e uomini.

Il lettore moderno non comprende del tutto la connessione compositiva tra l'inizio e il tema principale dell'opera.

Tuttavia, Shakespeare voleva mostrare ciò che distingueva gli aristocratici nella società contemporanea. Lo dimostra con un esempio piuttosto sorprendente di ramaio.

Il ramaio Christopher Sly cade in un sonno ubriaco sulla soglia della taverna. Il signore torna dalla caccia con cacciatori e servi e, trovato l'uomo addormentato, decide di fargli uno scherzo. I suoi servi portano Sly in un letto lussuoso, lo lavano in acqua profumata e si trasformano in un vestito costoso. Quando Sly si sveglia, gli viene detto che è un nobile signore che è stato sopraffatto dalla follia e ha dormito per quindici anni, sognando di essere un ramaio. All'inizio, Sly insiste di essere un venditore ambulante di nascita, un pettinatore per educazione, uno spauracchio per vicissitudini del destino e per il suo mestiere attuale un ramaio, ma gradualmente si lascia convincere di essere davvero una persona importante e sposato. a un'affascinante signora (infatti, questo è il paggio del signore sotto mentite spoglie) . Il signore invita cordialmente una compagnia di recitazione itinerante al suo castello, inizia i suoi membri a un piano scherzoso e poi chiede loro di recitare in una commedia esilarante, apparentemente per aiutare un aristocratico immaginario a sbarazzarsi di una malattia.

Quindi, va notato che una tale introduzione e mostrare l'aspetto necessario della vita degli aristocratici è un elemento molto importante in questo lavoro.

Pertanto, Shakespeare rivela non solo l'idea principale, ma mostra anche come la società si sta divertendo.

Tuttavia, la cosa principale nella commedia può essere definita una condizione su cui si basa l'intera commedia. Questa è la condizione battista.

Annuncia ai corteggiatori di Bianca che non sposerà Bianca fino a quando non troverà un marito per la figlia maggiore. Chiede aiuto per trovare insegnanti di musica e poesia per Bianchi, in modo che la poveretta non si annoi nella clausura forzata. Hortensio e Gremio decidono di mettere temporaneamente da parte la loro rivalità per trovare un marito per Katarina. Questo non è un compito facile, perché il diavolo stesso non può farcela, il personaggio principale è così malizioso e testardo nonostante tutto.

Tuttavia, come notato sopra, il finale è imprevedibile. Katarina prende il posto di Bianchi, sorprendendo tutti con la sua mansuetudine e simpatia.

Quindi, va notato che l'opera di Shakespeare è diversa, ciascuno dei suoi drammi, commedie, tragedie è unico, poiché copre, oltre ai problemi del presente, l'aspetto psicologico della personalità. La visione del mondo del drammaturgo è stata influenzata da eventi e cambiamenti politici. L'opera di Shakespeare di tutti i periodi è caratterizzata da una visione umanistica del mondo: un profondo interesse per una persona, per i suoi sentimenti, aspirazioni e passioni, dolore per la sofferenza e gli errori irreparabili delle persone, un sogno di felicità per una persona e per tutta l'umanità nel suo insieme .

L'idea principale del Rinascimento era l'idea di una persona degna. Il tempo ha sottoposto questa idea a una tragica prova, la cui prova era l'opera di Shakespeare. Quando creava le sue opere, Shakespeare era spesso in balia dell'eredità letteraria dei suoi predecessori, ma l'appello a lui serviva solo come forma per le opere che dotava di un contenuto completamente nuovo e profondo. È vero, i sentimenti sono il principale principio estetico di Shakespeare. Nessuna falsa falsità, nessun falso pathos, motivo per cui tutto ciò che è uscito dalla sua penna è così impressionante.

L'essenza della tragedia in Shakespeare risiede sempre nello scontro di due principi: i sentimenti umanistici, cioè l'umanità pura e nobile, e la volgarità o meschinità, basata sull'egoismo e l'egoismo.

Secondo Shakespeare, il destino di ogni persona è il risultato dell'interazione del suo carattere e delle circostanze circostanti. Shakespeare con logica ferrea mostra come le persone migliori, le più nobili, intelligenti e dotate, periscono sotto l'assalto delle forze oscure (Amleto, Lear), con quanta facilità il male a volte si impossessa dell'anima di una persona e quali terribili conseguenze porta a (Macbeth ).

Qui trova espressione quello speciale sentimento di vita, tragico e allo stesso tempo eroico, che alla fine del Rinascimento sorge tra gli umanisti a seguito del crollo dei loro ideali sotto l'assalto delle forze reazionarie. Questa, da un lato, è la sensazione del crollo delle credenze e delle istituzioni medievali, di tutti i "legami sacri" del feudalesimo, che ha dato origine alla sensazione di una gigantesca catastrofe, il crollo di un grande mondo che ha vissuto per molti secoli, invece, questa è la consapevolezza che il nuovo mondo, che sta sostituendo il vecchio, porta con sé forme ancora peggiori di asservimento umano, lo spirito del predatore sfrenato, il regno del “chistogan”, questi sono i fondamentali caratteristiche del capitalismo emergente. Da qui la sensazione di un cataclisma globale, il crollo di tutte le fondamenta, la sensazione che le persone stiano vagando sull'orlo di un abisso in cui possono e cadono ogni minuto. La fedeltà alla natura, seguendo le naturali inclinazioni della natura umana, non sono più criteri sufficienti di comportamento e garanzie di felicità. L'uomo, liberato da ogni illusione, si rende conto di essere solo un "povero animale nudo, a due zampe" (parole di Lear).

Sulla base di ciò, molti critici parlano del "pessimismo" del secondo periodo dell'opera di Shakespeare. Tuttavia, questo termine richiede una prenotazione. Il pessimismo depressivo, che porta allo sconforto e al rifiuto di combattere, è estraneo a Shakespeare. Prima di tutto, per quanto terribili siano le sofferenze e le catastrofi rappresentate da Shakespeare, non sono mai senza scopo, ma rivelano il significato e la profonda regolarità di ciò che sta accadendo a una persona. La morte di Macbeth, Bruto o Coriolano mostra la forza fatale delle passioni o delle delusioni che attanagliano una persona quando non trova la strada giusta. D'altra parte, anche le tragedie più gravi di Shakespeare non respirano disperazione: aprono prospettive per un futuro migliore e affermano la vittoria interiore della verità sulla meschinità umana. La morte di Romeo e Giulietta è allo stesso tempo il loro trionfo, poiché sopra la loro bara avviene la riconciliazione tra le famiglie in guerra, che danno la loro parola per erigere un monumento al loro amore. "Amleto" si conclude con la morte di Claudio e la sconfitta della feroce corte danese; con l'adesione di Fortinbras, deve iniziare una nuova era, permettendo la speranza di una vita migliore. Allo stesso modo, Macbeth si conclude con la morte del tiranno e l'incoronazione di un sovrano legittimo e buono. A Lear, il vecchio re muore illuminato e intriso di amore per la verità e le persone. A costo delle sofferenze patite, Lear da “povero animale nudo, bipede” si trasforma in Uomo, nella sua semplice umanità più grande dell'ex Lear, investito di una dignità regale. Le tragedie di Shakespeare trasudano allegria, un coraggioso appello alla lotta, sebbene questa lotta non abbia sempre promesso il successo. Il carattere eroico di questo pessimismo è molto lontano dalla disperazione fatalistica.

L'opera di Shakespeare si distingue per le sue dimensioni: la straordinaria ampiezza di interessi e portata del pensiero. Le sue opere riflettevano un'enorme varietà di tipi, posizioni, epoche, popoli, ambiente sociale. Questa ricchezza di fantasia, così come la rapidità dell'azione, la ricchezza delle immagini, la forza delle passioni rappresentate e la tensione volitiva dei personaggi, sono tipiche del Rinascimento. Shakespeare raffigura il fiorire della personalità umana e la ricchezza della vita con tutta l'abbondanza delle sue forme e dei suoi colori, ma ha portato tutto questo a un'unità in cui prevale la regolarità.

Le fonti della drammaturgia di Shakespeare sono diverse e, tuttavia, ha padroneggiato tutto ciò che è stato preso in prestito in un modo peculiare. Ha preso molto dall'antichità. La sua prima commedia degli errori è un'imitazione dei Manecmi di Plauto. In "Titus Andronicus" e "Richard III" l'influenza di Seneca è molto evidente. Le tragedie "romane" di Shakespeare risalgono non solo nella trama, ma anche in parte ideologicamente a Plutarco, che nel Rinascimento fu maestro dell'amore per la libertà e del sentimento civico. Nelle opere di Shakespeare si incontrano costantemente immagini sensualmente allegre ed espressive dell'antica mitologia.

Un'altra fonte per Shakespeare era l'arte del Rinascimento italiano. Le trame di "Otello", "Il mercante di Venezia" e molte altre commedie sono state prese in prestito da romanzieri italiani. In La bisbetica domata e in alcune altre commedie si può rilevare l'influenza della commedia dell'arte italiana. Spesso ci imbattiamo in costumi italiani, nomi propri e ogni sorta di motivi nelle opere di Shakespeare, che provengono da fonti completamente diverse. Se dall'antichità Shakespeare apprese la concretezza e la chiarezza delle immagini, la logica artistica, la chiarezza del discorso, allora le influenze del Rinascimento italiano contribuirono al rafforzamento delle caratteristiche estetiche e pittoriche nella sua opera, alla sua percezione della vita come un vortice di colori e forme. Ancora più significativo, entrambe queste fonti hanno rafforzato la base umanistica dell'opera di Shakespeare.

Ma fondamentalmente, insieme a queste attrazioni, Shakespeare continua le tradizioni del dramma popolare inglese. Ciò include, ad esempio, la mescolanza del tragico e del comico che ha usato sistematicamente, proibita dai rappresentanti della dotta tendenza classicista nella drammaturgia del Rinascimento.

In Shakespeare, osserviamo una miscela eterogenea di persone ed eventi, un ritmo di azione insolitamente veloce, il suo rapido trasferimento da un luogo all'altro. Questa vivacità, brillantezza, facilità di stile, abbondanza di movimento ed effetti sorprendenti sono molto caratteristici del dramma popolare. La sua più alta manifestazione sta nel fatto che per le sue idee umanistiche trova una forma di espressione veramente popolare: concreta, estremamente chiara e veritiera nella sua sincera semplicità. Ciò vale non solo per i discorsi del giullare di Re Lear, che rappresentano la quintessenza della saggezza popolare, ma anche per le dichiarazioni di personaggi di raffinata educazione, come Amleto.

Il realismo di Shakespeare è indissolubilmente legato alle persone. Il realismo shakespeariano si basa su una relazione viva e diretta con tutti i fenomeni della vita. Allo stesso tempo, Shakespeare non solo rappresenta in modo veritiero la realtà, ma sa anche penetrare in profondità in essa, notare e rivelare ciò che vi è di più essenziale. Le opinioni di Shakespeare sull'essenza realistica dell'arte sono espresse nella conversazione di Amleto con gli attori (atto III, scena 2), dove Amleto condanna ogni affettazione, iperbolismo, effetto per amore dell'effetto, chiedendo l'osservanza di misura e proporzione, naturalezza, corrispondenza alla realtà.

Il realismo di Shakespeare si manifesta nel fatto che raffigura i fenomeni nel loro movimento e condizionamento reciproco, notando tutte le sfumature e le transizioni dei sentimenti. Questo gli dà l'opportunità di disegnare persone intere in tutta la loro complessità e allo stesso tempo nel loro sviluppo. Sotto questo aspetto, anche la costruzione del personaggio di Shakespeare è profondamente realistica. Sottolineando i tratti tipici dei suoi personaggi, aventi un significato generale e fondamentale, allo stesso tempo li individua, dotandoli di vari tratti aggiuntivi che li rendono veramente vivi. I personaggi di Shakespeare cambiano e crescono nella lotta.

Il realismo di Shakespeare si trova anche nell'accuratezza dell'analisi delle esperienze emotive dei suoi personaggi e nella motivazione delle loro azioni e motivazioni.

Un netto cambiamento di atteggiamento è vissuto da tutti gli eroi delle grandi tragedie. Le loro motivazioni personali e le condizioni specifiche per lo sviluppo di una crisi spirituale sono diverse per loro, le loro reazioni e comportamenti spirituali non sono gli stessi, il grado di shock morale in tutti loro è estremo e le loro esperienze dolorose non sono limitate al destino personale e indicano uno stato di crisi di convinzione epocale. I dubbi degli eroi tragici sono multiformi, ma diretti verso un certo centro, concentrandosi sullo stato della società e sul problema dell'uomo.