Drammaturgo inglese uno dei precursori di Shakespeare. William Shakespeare - Brillante drammaturgo

WORKSHOP 1 Tema: “Teatro inglese dell'era Adrazhennia. Creatività di W. Shakespeare” 1. Caratteristiche agili dello sviluppo dell'arte teatrale inglese dell'era Adragen. 2. Creatività W. Shakespeare. Periyadyzatsyya drammaturgo creativo (aptymystychny, tragico, romantico). 3. I drammi di Shakespeare sono l'arte più audace e audace di tutte. Le commedie di Shakespeare di Pastanov sul palcoscenico dei teatri europei. 4. Il fenomeno di Shakespeare nella vera abilità teatrale. Cercando ab aўtarstvo creatў. 5. Teatro "Globe": storia e presente. Scene di Pabudova, attrezzature sceniche, maestri di recitazione.

Teatro del Rinascimento. teatro inglese

Il teatro del Rinascimento inglese nacque e si sviluppò sulla piazza del mercato, che ne determinò il sapore e la democrazia nazionali britannici. I generi più popolari sui palcoscenici areali erano la moralità e le farse. Durante il regno di Elisabetta Tudor, i misteri furono banditi. Dall'inizio del XVI secolo, l'arte teatrale inglese si avvicinò a una nuova fase: l'inizio dello sviluppo del dramma umanistico, che iniziò a prendere forma sullo sfondo della lotta politica tra il potere reale e la Chiesa cattolica.

Dal palco risuonavano aspre critiche e propaganda della nuova ideologia umanistica, vestita con gli abiti degli intermezzi abituali e della moralità. Nella commedia dell'umanista John Rastell "Interlude on the Nature of the Four Elements" (1519), oltre alle figure tradizionali per la moralità, sono presenti i seguenti personaggi: Sete di conoscenza, Lady Nature, Experience e come opposizione a loro - il diavolo Ignoranza e la meretrice Sete di piacere. La lotta inconciliabile di questi personaggi nella commedia si conclude con la vittoria dell'illuminazione sull'oscurantismo e sull'ignoranza.

John Bale - una figura di spicco nella Riforma inglese e un famoso scrittore, autore dell'opera teatrale "King John". Aggiungendo temi sociali alla moralità, ha gettato le basi per la drammaturgia nel genere della cronaca storica.

Il nuovo teatro è nato da una farsa medievale. Il poeta di corte, musicista e organizzatore di spettacoli pittoreschi, John Gaywood, sviluppò la farsa scrivendo intermezzi satirici. In essi metteva in ridicolo la frode dei monaci e dei venditori di indulgenze, gli intrighi del clero, avido di guadagno, le astuzie dei sacerdoti, che coprivano i loro peccati con ostentata pietà. Oltre al personaggio principale - un ladro - e personaggi negativi - uomini di chiesa - cittadini semplici e di buon carattere hanno partecipato a brevi scene quotidiane. Gli intermezzi satirici dell'inizio del XVI secolo divennero l'anello di congiunzione tra il teatro farsesco medievale e l'emergente teatro drammatico.

L'introduzione del popolo inglese nella cultura e nell'arte italiana ha contribuito alla percezione attiva e alla divulgazione della cultura antica e alle conquiste dell'antica civiltà. Lo studio intensivo della lingua latina e il lavoro di Seneca e Plauto hanno portato a traduzioni di antiche tragedie e commedie in inglese. Le rappresentazioni basate su queste traduzioni divennero molto popolari nell'ambiente aristocratico e universitario.

Allo stesso tempo, gli aristocratici e il pubblico illuminato ammiravano i sonetti del Petrarca e le poesie dell'Ariosto. I romanzi di Boccaccio e Bandello erano conosciuti in una società raznochin. Alla corte reale, le mascherate furono introdotte come divertenti eventi di intrattenimento, durante i quali venivano rappresentate scene di pastorali italiane.

I primi esempi di commedia e tragedia nazionale apparvero sul palcoscenico a metà del XVI secolo. Nicholas Udol, l'autore della prima commedia inglese, Ralph Royster Doyster (c. 1551), era un istruito organizzatore di spettacoli di corte e cercava di insegnare alle persone "buone regole di vita" attraverso le sue opere.

La commedia Gorboduk (1562) di Thomas Norton e Thomas Sequile fu rappresentata per la prima volta alla corte della regina Elisabetta ed è considerata la prima tragedia inglese. Mostra chiaramente l'imitazione della tragedia romana: la divisione della commedia in 5 atti, canti corali e monologhi di messaggeri, crimini sanguinosi, ma la trama si basa su un fatto storico della storia medievale. La morale della tragedia era nella pantomima allegorica e negli intermezzi che gli attori eseguivano tra un atto e l'altro, spiegando colpi di scena inaspettati.

Dopo i misteri farseschi e le farse primitive, sulla base della drammaturgia antica e italiana, nacque una nuova drammaturgia inglese, in cui c'era una base compositiva, proporzionalità delle parti, logica nello sviluppo dell'azione e dei personaggi.

I drammaturghi della nuova generazione avevano quasi tutti una formazione universitaria e provenivano da un ambiente democratico. Essendosi uniti in un gruppo creativo chiamato "University Minds", nelle loro opere hanno cercato di sintetizzare l'alta cultura umanistica degli aristocratici e la saggezza popolare con il suo folklore.

Il predecessore di W. Shakespeare - il famoso drammaturgo inglese John Lily (c. 1554-1606) - era un poeta di corte. Nella sua commedia più interessante "Alessandro e Campaspe" (1584), scritta secondo la storia dello storico greco Plinio, mostrò la generosità di Alessandro Magno, che, vedendo l'amore del suo amico, l'artista Apelle, per il prigioniero Campaspe, cedette all'amica. Così, nella lotta tra dovere e sentimento, ha vinto il dovere. All'immagine idealizzata di Alessandro nella commedia si oppone la figura scettica del filosofo Diogene, la cui saggezza popolare e buon senso trionfano sulla fiducia in se stessi e sull'arroganza del monarca e del suo entourage.

John Lily ha gettato le basi per la cosiddetta commedia romantica. Ha introdotto l'elemento lirico nell'azione drammatica, conferendo al discorso in prosa un brillante sapore poetico. Ha indicato la strada per la futura fusione dei due generi di commedia: romantica e farsesca.

Il vero antenato del dramma rinascimentale inglese fu Christopher Marlowe (1564-1593), noto drammaturgo, autore di opere di contenuto filosofico e ateo. Figlio di un calzolaio, che con la sua perseveranza conseguì la laurea magistrale, si distinse per coraggio e libertà di pensiero. K. Marlo ha preferito il lavoro di attore in una compagnia teatrale alla carriera di prete che si è aperta davanti a lui dopo essersi laureato all'università di Cambridge. La sua prima opera drammatica, Tamerlano il Grande, era piena di idee atee. Quest'opera monumentale fu scritta in due parti nel corso di due anni (parte I nel 1587 e parte II nel 1588). "Tamerlano il Grande" è una biografia drammatizzata del famoso conquistatore orientale della fine del XIV secolo, Timur. Marlo ha dato al suo eroe la forza e l'aspetto di un eroe leggendario. E, cosa particolarmente importante, ha reso il nobile signore feudale, che era veramente Timur, un "pastore di bassa nascita", che solo con il potere della sua volontà, energia e mente si è alzato al di sopra dei legittimi governanti.

L'opera teatrale di K. Marlo "La tragica storia del dottor Faust" (1588) rivela l'altro lato della vita umana. Il rifiuto dei principi ascetici e la sottomissione incondizionata alla massima autorità per amore della sete di conoscenza e della gioia di vivere sono da lui rivestiti a immagine dell'ateo Dr. Faust. Il dramma della coscienza liberata del dottor Faust e la solitudine che ne è seguita lo portano al pentimento, evidenziando l'enorme energia della lotta per la libertà di pensiero.

L'ultima tragedia di K. Marlo "Edward II", scritta sul materiale delle cronache storiche, divenne la base del dramma inglese, che W. Shakespeare sviluppò con successo nelle sue opere.

Contemporaneamente alle commedie di K. Marlowe, sul palco sono state messe in scena opere di altri drammaturghi del gruppo University Minds: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) e Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV " e "George Green , guardiano del campo di Weckfield "(1592).

La comunità creativa di drammaturghi del gruppo University Minds ha preceduto una nuova fase nello sviluppo del dramma nazionale: la nascita della tragedia e della commedia rinascimentali. A poco a poco, è emersa l'immagine di un nuovo eroe: audace e coraggioso, devoto all'ideale umanistico.

Alla fine del XVI secolo, il teatro popolare inglese raccolse enormi folle di persone per le loro esibizioni, assorbendo tutte le idee rivoluzionarie e imitando i coraggiosi eroi che difendevano la loro dignità umana nella lotta. Il numero delle compagnie teatrali aumentò costantemente, gli spettacoli dai cortili degli hotel e dalle piazze cittadine si trasferirono in teatri appositamente costruiti per questo scopo.

Nel 1576, a Londra, James Burbage costruì il primo teatro, chiamato "The Theatre". È stata seguita dalla costruzione di diversi edifici teatrali contemporaneamente: "Curtain", "Blackfriars", "Rose" e "Swan". Nonostante il fatto che il consiglio comunale dei comuni per suo ordine proibisse gli spettacoli teatrali nella stessa Londra nel 1576, i teatri erano situati sulla riva sud del Tamigi, in un'area che era al di fuori del potere del consiglio dei comuni.

Gli attori dei teatri londinesi per la maggior parte, senza contare i famosi, che godevano del patrocinio dei nobili, erano persone a basso reddito e prive di diritti civili. Il decreto reale equiparava gli artisti ai vagabondi senzatetto e prevedeva la punizione delle compagnie che non avevano ricchi mecenati. Nonostante l'atteggiamento duro nei confronti dei teatri da parte delle autorità, la loro popolarità è aumentata di anno in anno e il loro numero è aumentato.

La forma di organizzazione delle compagnie teatrali a quel tempo era di due tipi: una società di azioni di attori con autogoverno e un'impresa privata guidata da un imprenditore che possedeva oggetti di scena e acquistava i diritti per mettere in scena uno spettacolo da drammaturghi. Un imprenditore privato potrebbe assumere qualsiasi troupe, mettendo gli attori in schiavitù ai suoi capricci.

La composizione quantitativa della troupe non era superiore a 10-14 persone, che nel repertorio del teatro dovevano interpretare diversi ruoli. I ruoli femminili sono stati interpretati da bei giovani, ottenendo una performance affidabile con plasticità dei movimenti e lirismo della voce. Il modo generale di recitare degli attori stava attraversando una fase di transizione dallo stile epico e dal pathos sublime a una forma contenuta di dramma interno. Gli attori principali del genere tragico nell'era di W. Shakespeare erano Richard Burbage e Edward Alleyn.

William Shakespeare nacque il 23 aprile 1564 nella piccola città di Stratford-upon-Avon (inglese Stratford-upon-Avon). Suo padre, John Shakespeare, era un fabbricante di guanti e nel 1568 fu eletto sindaco della città. Sua madre, Mary Shakespeare della famiglia Arden, apparteneva a una delle più antiche famiglie inglesi. Si ritiene che Shakespeare abbia studiato alla "scuola di grammatica" di Stratford, dove ha studiato la lingua latina, le basi del greco e ha ricevuto la conoscenza dell'antica mitologia, storia e letteratura, riflessa nel suo lavoro. All'età di 18 anni, Shakespeare sposò Anne Hathaway, dalla quale nacquero una figlia Susanna e i gemelli Hamnet e Judith. Tra il 1579 e il 1588 comunemente chiamati "anni perduti", perché. non ci sono informazioni esatte su ciò che Shakespeare ha fatto. Intorno al 1587, Shakespeare lasciò la sua famiglia e si trasferì a Londra, dove intraprese attività teatrali.

Troviamo la prima menzione di Shakespeare come scrittore nel 1592 nell'opuscolo morente del drammaturgo Robert Greene "Per un penny di una mente comprata per un milione di rimorsi", dove Greene parlava di lui come di un pericoloso concorrente ("nuovo arrivato", " corvo che ostenta tra le nostre piume). Nel 1594, Shakespeare fu elencato come uno degli azionisti della troupe di Richard Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" (ChamberlainЂЂЂs Men), e nel 1599 Shakespeare divenne uno dei comproprietari del nuovo Globe Theatre. A questo punto, Shakespeare diventa un uomo abbastanza ricco, acquista la seconda casa più grande di Stratford, riceve il diritto allo stemma di famiglia e il titolo nobiliare di gentiluomo. Per molti anni Shakespeare si dedicò all'usura e nel 1605 divenne un agricoltore delle decime della chiesa. Nel 1612 Shakespeare lasciò Londra e tornò nella sua nativa Stratford. Il 25 marzo 1616 fu redatto un testamento da un notaio e il 23 aprile 1616, giorno del suo compleanno, Shakespeare morì.

La scarsità di informazioni biografiche e molti fatti inspiegabili hanno dato origine a un numero piuttosto elevato di persone nominate per il ruolo dell'autore delle opere di Shakespeare. Fino ad ora, ci sono molte ipotesi (avanzate per la prima volta alla fine del XVIII secolo) che le opere di Shakespeare siano state scritte da una persona completamente diversa. Per più di due secoli dall'esistenza di queste versioni, sono stati proposti vari candidati per il "ruolo" dell'autore di queste opere teatrali: da Francis Bacon e Christopher Marlo al pirata Francis Drake e alla regina Elisabetta. C'erano versioni che un'intera squadra di autori nascondeva sotto il nome di Shakespeare. Al momento, ci sono già 77 candidati alla paternità. Tuttavia, chiunque sia - e in numerose controversie sulla personalità del grande drammaturgo e poeta, il punto non verrà messo presto, forse mai - le creazioni del genio del Rinascimento ancora oggi ispirano registi e attori di tutto il mondo.

L'intera carriera di Shakespeare - il periodo dal 1590 al 1612. di solito diviso in tre o quattro periodi.

Dalla fine degli anni '80 del XVI secolo, la drammaturgia del Rinascimento inglese entrò in un'epoca di matura abilità. Ogni nuovo autore, quasi ogni nuova opera arricchisce il dramma con nuove idee e forme artistiche.

La creatività drammaturgica diventa professionale. Appare una galassia di drammaturghi, soprannominati "menti universitarie". Come indica il soprannome, si trattava di persone con istruzione universitaria e titoli di studio avanzati. Ricevettero un'educazione liberale classica, erano ben letti nella letteratura greca e romana e conoscevano gli scritti di umanisti italiani e francesi. Robert Greene e Christopher Marlo hanno conseguito la laurea e il master a Cambridge. John Lily, Thomas Lodge, George Peel si sono laureati a Oxford. Solo Thomas Kidd non ha finito l'università, ma ha studiato in una delle migliori scuole di Londra. A quel tempo, l'umanesimo era una dottrina completamente formata e dovevano solo accettarla.

Ma Oxford e Cambridge preparavano i loro studenti solo alla carriera sacerdotale. Nella migliore delle ipotesi, potrebbero diventare insegnanti. Ma non era per questo che leggevano Plauto e Seneca, Boccaccio e

Ariosto a seguire questa strada. Dopo aver ricevuto i loro diplomi, si precipitarono a Londra. Ognuno di loro era pieno di nuove idee e aspirazioni creative. Presto iniziarono a lavorarci le tipografie della capitale. Ma era difficile vivere di reddito letterario. Poesie, romanzi, opuscoli hanno portato più fama che denaro. I "geni tempestosi" di quell'epoca, che hanno tracciato nuove strade nella letteratura e nel teatro, vivevano affamati in fondo a Londra, intrattenendo frequentatori di taverne e ladri, si rannicchiavano nelle locande e scappavano da lì quando non c'era niente da pagare al proprietario . Capitava anche che entrassero nel salotto di qualche nobile e ricco mecenate della poesia, ma qui non attecchirono.

Sono stati spinti a teatro dal loro amore per l'arte e dalla ricerca di un lavoro. Con Robert Green, ad esempio, è successo così. Un giorno vagò per le strade senza un soldo in tasca e incontrò una vecchia conoscenza che lo colpì con il suo ricco vestito. Curioso di sapere dove il suo amico è diventato così ricco, Green ha sentito che era diventato un attore. L'attore, avendo saputo che Green scrive poesie, lo ha invitato a scrivere per il teatro.

Lily è arrivata alla sceneggiatura in un modo diverso. Ha insegnato latino ai ragazzi del coro. Quando un altro coro ha eseguito con grande successo spettacoli di attori ragazzi, ha deciso di scrivere un'opera teatrale e recitarla con i suoi studenti.

Ma, per quanto accidentali fossero le ragioni che hanno attratto le "menti universitarie" a teatro, il loro arrivo è stato, in sostanza, naturale. Il teatro si è rivelato la migliore piattaforma per le loro idee, un campo in cui hanno potuto mostrare il loro talento artistico.

La maggior parte delle "menti universitarie" ha scritto per il teatro popolare. Solo Lily fin dall'inizio è stata guidata dal pubblico aristocratico di corte "scelto".

Peru John Lily (1553 - 1606) possiede otto opere teatrali: "Alessandro e Campaspe" (1584), "Saffo e Faone" (1584), "Galatea" (1588), "Endimio, o uomo nella luna" (1588), " Midas" (1589 - 1590), "Mother Bomby" (c. 1590), "Metamorphoses of Love" (c. 1590), "Woman in the Moon" (c. 1594).

Non per niente Lily ha studiato autori antichi. Era dipendente da storie e miti antichi. Ma le sue commedie non erano affatto esercizi accademici a imitazione di autori antichi. La drammaturgia di Lili era piuttosto moderna, nonostante i nomi greci degli eroi e delle eroine. Prendendo in prestito trame dalla storia antica e dalla mitologia, riempiendole di elementi pastorali nello spirito dell'umanesimo italiano, Lily ha dato nelle sue commedie una rappresentazione allegorica della società di corte di Elisabetta. In quasi tutte le sue commedie, sotto un nome o un altro, viene messa in risalto la regina Elisabetta, glorificata come modello di tutte le virtù. L'Atene di Lily ricorda Londra e i prati arcadici sono di natura inglese.

Le commedie di Lily sono dominate da temi d'amore, solo in "Mida" c'erano elementi di satira politica sul re spagnolo Filippo II e in "Mother Bombie" - caratteristiche della satira quotidiana. Di norma, l'azione di Lily si svolge in un contesto condizionale. I personaggi sono per metà immaginari e per metà reali. Parlano in un gergo secolare molto particolare.

Lily fu la creatrice di uno stile speciale di "eufuismo", che prese il nome dal romanzo di Lily "Euphues, or Anatomy of wit" (1579). Lo stile di discorso sviluppato da Lili era strettamente connesso al concetto ideologico che era alla base di tutto il suo lavoro.

Lily era un rappresentante dell'umanesimo aristocratico di corte. Sostenendo pienamente il sistema esistente, riteneva che l'umanesimo dovesse limitarsi al compito di educare il gentiluomo ideale, dotato di cultura esterna e interna. Basato sul trattato dello scrittore italiano Castiglione "Il cortigiano", Lily, a immagine dell'eroe del suo romanzo, Eufues, ha cercato di presentare un'incarnazione concreta del suo ideale. L'alta intelligenza e la raffinata sensibilità devono andare di pari passo con i modi raffinati. Con il suo romanzo, Lily ha voluto dare esempi di galanteria agli aristocratici del tempo di Elisabetta, infatti il ​​suo romanzo fu in terra inglese uno dei primissimi esempi di quello stile "preciso", che poi ebbe uno sviluppo così significativo in francese nobile letteratura del XVII secolo e fu crudelmente ridicolizzata da Molière.

Tratti caratteristici dello stile eufuistico: retorica, abbondanza di metafore e confronti, antitesi, parallelismi, riferimenti alla mitologia antica. Non solo il romanzo di Lily è stato scritto in una lingua simile, ma anche le sue opere teatrali. Nella commedia di Lily Endymion, l'eroe parla della sua amata: "O bella Cynthia! Perché gli altri ti chiamano volubile quando ti trovo immutato? Il tempo rovinoso, la morale viziosa, le persone scortesi, vedendo l'incomparabile costanza della mia bella amata, l'hanno soprannominata mutevole, infedele È possibile chiamare instabile colei che va sempre per la sua strada, dalla nascita senza cambiare un momento la sua direzione? I boccioli sono inutili fino a quando non danno colore, e il colore - fino a quando non dà frutti maturi, e dobbiamo chiamarli mutevole perché da un seme nasce un germoglio, da un germoglio un germoglio, da un germoglio un fiore?"

L'eufuismo ha avuto un impatto significativo sul linguaggio letterario dell'epoca, compreso il linguaggio delle opere drammatiche. Ad un certo punto, ha svolto un ruolo positivo, contribuendo all'arricchimento e alla nobilitazione della lingua. Tuttavia, l'accentuata aristocrazia e l'artificialità di questo stile non potevano che provocare una reazione da parte di quegli scrittori che erano guidati dal linguaggio popolare vivente. Shakespeare, che per primo ha reso un certo tributo all'eufuismo, poi ha ripetutamente parodiato questo stile. Quando Falstaff e il principe Enrico (Enrico IV, parte 1) inscenano un incontro tra il re e il principe, il grasso cavaliere, che in tutta questa scena parodia una serie di opere drammatiche dell'epoca, imita lo stile eufuistico come segue:

"Harry, sono sorpreso non solo dal tuo passatempo, ma anche dalla società in cui vivi. Anche se la camomilla cresce più in fretta quanto più viene calpestata, la giovinezza si consuma quanto prima se ne abusa. Che tu sei mio figlio , questo in parte me ne sono convinto dalle assicurazioni di tua madre, in parte la mia stessa opinione, ma soprattutto lo sguardo birichino dei tuoi occhi e lo stupido abbassamento del tuo labbro inferiore... La tua compagnia macchia una persona. dagli occhi ubriachi, ma con le lacrime agli occhi, non scherzando ma addolorandosi, non solo con le parole, ma con il cuore dolorante ". Anche i discorsi di Polonio in Amleto sono euforici. Ma qui è sia una parodia che una caratterizzazione del personaggio: tali erano i gusti dell'ambiente di corte.

Insieme all'artificialità, tuttavia, nelle commedie di Lily c'era un vero spirito vivace. Ne sono un esempio il dialogo di Platone, Aristotele e Diogene in "Alessandro e Campaspe", le conversazioni dei servi in ​​​​altre commedie. C'è solo un passo da qui all'arguzia delle commedie shakespeariane.

Lily è stata la creatrice della commedia "alta". È stato il primo a portare la commedia oltre la farsa. Con la possibile eccezione di "Mother Bombie", dove ci sono elementi di farsa, dipinge ovunque situazioni romantiche, costruendo l'azione sugli scontri di alte passioni. Anche in questo è un diretto predecessore di Shakespeare. Ma la moralità di cui sono intrise le sue commedie è completamente opposta a quella di Shakespeare e, in generale, ai principi etici del dramma popolare. Nelle commedie di Lily è molto frequente un conflitto, derivante dal fatto che due persone amano una donna ("Alessandro e Campaspe", "Saffo e Faone", ecc.). Uno di loro ha bisogno di rinunciare al suo amore. Lily afferma una rigida disciplina morale, insiste sulla necessità di sopprimere le sue passioni, e in questo senso il puritanesimo non gli è estraneo. Il dramma popolare non coltivava affatto la stoica soppressione di passioni, sentimenti e desideri. Al contrario, tutto il suo pathos stava nel rappresentare la forza e la bellezza di potenti passioni, nell'affermare la legittimità del diritto di una persona a soddisfare le proprie aspirazioni, nella lotta dei buoni principi della natura umana contro quelli cattivi.

I principali rappresentanti del dramma popolare prima di Shakespeare erano Green, Kid e Marlo.

Robert Green (1558 - 1592) era originario di Norwich. Ha studiato all'Università di Cambridge, dove ha conseguito una laurea nel 1578 e un master nel 1583. Da scapolo, ha viaggiato in Spagna e in Italia. L'attività letteraria di Green iniziò a Cambridge, che divenne la principale fonte di sostentamento dopo il 1583, quando si stabilì a Londra. Otto-nove anni vissuti da Green nella capitale furono il periodo più burrascoso e fruttuoso della sua vita. Green ha scritto in vari generi: poesie, poesie, romanzi, opuscoli satirici e drammi. Lavoro intenso e mal pagato, periodi di completo bisogno, quando Green morì letteralmente di fame, e successivi mesi di prosperità, quando si crogiolò in modo intemperante, sperperando il suo compenso: tutto ciò minò la sua salute. Si ammalò e morì in una locanda, in debito con il proprietario e senza lasciare nemmeno i soldi per un funerale.

La prima drammatica esperienza di Greene, "Alphonse, King of Aragon" (1587), è un'opera teatrale che descrive le straordinarie imprese e le grandiose vittorie di un eroe che conquista la corona e l'amore di una bella ragazza. Anche la drammatizzazione di "Furious Roland" (1588) ha una base romantica. La trama del poema di Ariosto ha dato a Green l'opportunità di soddisfare l'amore del pubblico per l'azione brillante e divertente e far emergere eroi dotati di grandi passioni.

Monk Bacon e Monk Bongay (1589), come il Faust di Marlowe, riflette un fenomeno caratteristico dell'epoca: il desiderio di conoscere i segreti della natura e sottometterla con l'aiuto della scienza. Come Marlo, Green non separa la scienza dalla magia. Il suo eroe, il monaco Bacon, è uno stregone con la capacità di fare miracoli. Tuttavia, la commedia di Greene è completamente priva del senso tragico che ha la commedia di Marlowe. Non c'è titanismo nei personaggi di Green e l'intera trama ha una colorazione romantica. Il principe di Galles e il suo cortigiano, Lacey, cercano l'amore della figlia del guardaboschi, la bella Marguerite. La rivalità tra i due maghi, Bacon e Bongay, è, per così dire, lo sfondo comico di questa storia d'amore.

Un elemento essenziale dell'opera è il suo legame con il folklore. La sua trama ha le sue radici nelle leggende popolari inglesi sullo scienziato medievale Roger Bacon (XIII secolo), che inventò gli occhiali e sostenne il principio della costruzione di un telescopio. Nella commedia possiede un "vetro magico" che gli permette di vedere lontano. Alcune scene sono costruite sul fatto che Bacon guarda attraverso questo vetro e ciò che vede, lo vede il pubblico.

Monk Bacon and Monk Bongay è uno degli spettacoli più popolari nel teatro popolare. È intriso di innegabile democrazia. L'eroina della commedia Margarita è una ragazza del popolo che funge da incarnazione dell'ideale di bellezza, fedeltà e amore, come portatrice di sentimenti liberi. "Né il re d'Inghilterra, né il sovrano di tutta l'Europa", dichiara, "mi farebbero smettere di amare la persona che amo".

Anche l'atteggiamento di Green nei confronti della scienza è intriso di democrazia. Il monaco Bacon usa il suo potere magico non per scopi personali, ma per aiutare le persone. Alla fine dell'opera pronuncia una profezia sul futuro dell'Inghilterra, che, passata attraverso il crogiolo delle guerre, raggiungerà una vita pacifica:

Prima Marte prenderà possesso dei campi, poi verrà la fine della tempesta militare: i cavalli pascoleranno senza paura nel campo, la ricchezza fiorirà sulle rive, la cui vista una volta ammirava Bruto, e la pace scenderà dal cielo ai cespugli ...

In "James IV" (1591) Green, come altri drammaturghi dell'epoca, usò la trama storica per interpretare problemi politici. Green è un sostenitore della "monarchia illuminata". Come Shakespeare in seguito, solleva la questione della personalità del re, credendo che dipenda dal fatto che il governo sarà giusto o ingiusto. Il re scozzese Giacomo IV è raffigurato nell'opera come una tipica incarnazione dell'arbitrarietà monarchica. A causa del suo amore per Ida, la figlia della contessa di Arran, agendo su istigazione del perfido cortigiano Atekin, Giacomo IV ordina l'assassinio di sua moglie Dorothea, figlia del re inglese. Avvertita della cospirazione, la regina si nasconde. La notizia della sua presunta morte giunge al padre, Enrico VII, che sta invadendo la Scozia con un esercito. Dorothea appare nascosta. Giacomo IV si pente e tutto finisce in pace.

Questa commedia, come altre opere di Green, è caratterizzata da una combinazione di un tema socio-politico con conflitti personali. Il malvagio re Giacomo si oppone al re inglese Enrico VII, che funge da custode della giustizia e della legalità. Per comprendere lo spirito generale di questa commedia, è di grande importanza l'episodio in cui l'avvocato, il commerciante e il prete discutono sulle cause dei disastri sociali. Il verde fa del prete il portavoce delle opinioni più giuste. "Come si chiama un tale ordine in cui i poveri perdono sempre la causa, non importa quanto sia giusto?" il prete è indignato. e ricorreranno al tuo aiuto, toglierai loro l'ultimo filo e li lascerai vanno in giro per il mondo con i loro figli. Ora è iniziata la guerra; i derubati sono preoccupati; siamo derubati anche senza nemici; i nostri ci rovinano e insieme condannano: in tempo di pace la legge non ci ha risparmiato, ora noi lo distruggerà a sua volta."

L'eroe della commedia "George Greene, Weckfield Field Watchman" (1592) è un uomo del popolo, uno yeoman, orgoglioso di essere un cittadino comune e che rifiuta il titolo di nobiltà, che il re vuole che riceva. George Green è ostile ai signori feudali, cattura i signori ribelli che si ribellarono a Edoardo III. La direzione politica dell'opera corrispondeva alle posizioni degli umanisti borghesi, che vedevano nel rafforzamento della monarchia assoluta un mezzo per sopprimere l'ostinazione dei baroni feudali. L'idea dell'unità del popolo e del re nella lotta contro i feudatari attraversa l'intera opera. Tali opinioni di Greene erano, ovviamente, un'illusione nata in quella fase dello sviluppo sociale dell'Inghilterra, quando la monarchia assoluta faceva affidamento nella sua lotta contro i signori feudali sul sostegno della borghesia e del popolo.

Come in "The Monk Bacon", in "Weckfield Field Watchman" si può chiaramente sentire la connessione tra la drammaturgia di Greene e il folklore. Per non parlare del fatto che uno dei personaggi della commedia è l'eroe delle ballate popolari Robin Hood, anche l'immagine di George Green è stata presa in prestito dall'autore dalle canzoni popolari. Le simpatie democratiche dello scrittore si riflettono anche nelle immagini dei cittadini di Weckfield, nella rappresentazione amorevole della vita della gente comune e nell'umorismo popolare che colora una serie di episodi dell'opera.

Grin era completamente insolito per il pathos tragico. Di norma, le sue opere hanno un lieto fine. L'elemento comico in essi è molto significativo, che Green ha collegato organicamente alle linee principali della trama. A Green piaceva costruire intrighi complessi e condurre azioni parallele.

Queste caratteristiche della drammaturgia di Green sono entrate saldamente nella pratica del teatro rinascimentale inglese.

Thomas Kidd è una delle figure più interessanti e allo stesso tempo più misteriose del Rinascimento inglese. Anche le date della sua nascita e morte non sono esattamente note: si presume che sia nato nel 1557 e morto nel 1595. Sappiamo solo che prima di diventare drammaturgo era uno scrivano. Alcune delle sue opere sono state pubblicate senza il nome dell'autore, altre sono state contrassegnate solo con le iniziali. La fonte principale per determinare la paternità di Kid erano i libri contabili dell'imprenditore teatrale Philip Genslo, che annotava il pagamento dei diritti d'autore agli autori delle opere.

Secondo i ricercatori, Kid è stato l'autore di cinque commedie. La prima nel tempo è stata la "tragedia spagnola", la cui popolarità può essere giudicata dal fatto che nel corso di un decennio è stata pubblicata quattro volte (1a edizione - nessuna data, 2a - 1594, 3a - 1599, 4a - 1602). Sebbene il nome dell'autore non sia indicato su nessuna edizione, tutti i ricercatori considerano indiscutibile l'affiliazione di questa commedia a Kid. Si presume che Kid abbia scritto la prima parte della tragedia "Jeronimo", che descrive gli eventi che hanno preceduto la "tragedia spagnola".

A Kid viene inoltre attribuita la paternità dell'opera teatrale, il cui lungo titolo recita: "La tragedia di Soliman e Persis, in cui è raffigurata la costanza nell'amore, l'incostanza del destino e la contrattazione della morte". Con certezza si può parlare della paternità di Kid in relazione alla tragedia "Pompei la Grande e la Bella Cornelia", perché il suo nome è indicato sul frontespizio. Afferma inoltre che l'opera è una traduzione di una tragedia del poeta francese Robert Garnier. Infine, si ritiene che Kyd sia stato l'autore della tragedia pre-shakespeariana di Amleto, di cui si sa che fu rappresentata sul palcoscenico nel 1587-1588, sebbene il suo testo non ci sia pervenuto.

Il più notevole di tutti questi drammi è stata la "tragedia spagnola", che ha segnato l'inizio del genere del "dramma sanguinario". Inizia con l'apparizione del fantasma di Andrea, che grida vendetta per la sua morte per mano del portoghese Balthazar. Questo compito viene assunto dall'amico del defunto, Orazio, che cattura Balthazar e lo porta in Spagna. Ma qui Balthazar riesce a fare amicizia con il figlio del duca di Castiglia, Lorenzo. Con il suo aiuto Balthazar sposerà la sposa del defunto Andrea, la bella Belimperia. Ma Belimperia ama Orazio. Per eliminare il rivale, Balthazar e il suo amico Lorenzo uccidono Horatio. Appendono il corpo dell'uomo assassinato su un albero davanti a casa sua. Il padre di Horatio, Hieronimo, trova il cadavere e giura di trovare gli assassini per vendicarsi di loro. Madre Orazio, sconvolta dal dolore, si suicida. Dopo aver appreso chi era la causa di tutte le sue disgrazie, Jeronimo escogita un piano di vendetta. Invita gli assassini di suo figlio a partecipare allo spettacolo teatrale alla celebrazione del matrimonio in occasione del matrimonio di Balthazar e Belimperia. Tutti i personaggi principali sono coinvolti in questa commedia. Nel corso di questa commedia, Hieronimo deve uccidere Lorenzo e Balthazar, cosa che fa. Belimperia si suicida, padre Lorenzo cade morto e così si compie la vendetta di Jeronimo. Quando il re ordina l'arresto di Hieronimo, questi si morde la lingua e la sputa per non rivelare il suo segreto. Hieronimo poi si accoltella con un pugnale.

"Spanish Tragedy" - un dramma di intrighi di corte e vendetta crudele - è di notevole interesse sia per le sue caratteristiche artistiche che per il suo orientamento ideologico.

Rifiutando trame già pronte di origine antica o medievale, lo stesso Kid ha inventato la trama della sua tragedia, che si svolge nella Spagna contemporanea, negli anni '80 del XVI secolo. Riempie la commedia di passioni violente, eventi in rapido sviluppo e discorsi patetici. Costruendo abilmente l'azione, conduce contemporaneamente diversi intrighi paralleli, colpendo lo spettatore con coincidenze inaspettate e brusche svolte nel destino dei personaggi. I personaggi sono delineati con tratti netti ed espressivi. Il temperamento è combinato in loro con determinazione, con un'enorme pressione volitiva. Crea immagini di cattivi che non conoscono limiti all'inganno e alla crudeltà. La sete di vendetta di Jeronimo si trasforma in un'ossessione al limite della follia.

Per abbinare l'intero colore della tragedia e delle immagini femminili, in particolare l'eroina della commedia Belimperiya, che non è inferiore agli uomini per passione, energia, determinazione. I personaggi di Kid sfogano i loro sentimenti in discorsi pieni di intensa emotività, esclamazioni tempestose, audaci iperboli. In questo, la tragedia di Kid è simile a molte altre opere drammatiche dell'epoca. Ma c'è una caratteristica nella "tragedia spagnola" che distingue questa commedia dalla massa della moderna produzione drammatica. Questa è la sua eccezionale teatralità e presenza scenica. A differenza di molte commedie, in cui gran parte dell'azione si svolge dietro le quinte, in Kid tutto si svolge sul palco, davanti al pubblico. Superato lo schematismo del dramma letterario, "accademico", Kid, per così dire, fa rivivere su una nuova base gli elementi di visualizzazione e di spettacolo efficace, caratteristici del teatro del mistero. Il gioco per bambini crea uno spettacolo emozionante, gli eventi in esso presentati provocano pietà e compassione, o paura e orrore. In tutta l'azione della "tragedia spagnola" ci sono otto omicidi e suicidi, ognuno dei quali si compie a modo suo; inoltre, il pubblico viene mostrato impiccato, pazzo, mordere la lingua e altre cose terribili. Gli eroi di Kid non solo hanno tenuto discorsi, ma hanno eseguito molte azioni diverse, e tutto ciò ha richiesto nuove tecniche di recitazione per quel tempo, lo sviluppo delle espressioni facciali, la gesticolazione e il movimento scenico. Tra gli elementi innovativi della drammaturgia di Kid, si dovrebbe anche notare la sua introduzione del "palcoscenico sul palco", un dispositivo che conteneva ricche possibilità sceniche e fu successivamente utilizzato ripetutamente da Shakespeare.

Le drammatiche innovazioni di Kid non erano fini a se stesse. Sono indissolubilmente legati all'orientamento ideologico del suo lavoro. L'orrore e la malvagità, presentati in abbondanza nella "tragedia spagnola", riflettevano la caratteristica percezione tragica della realtà di Kidu.

Il mucchio di orrori e atrocità nel dramma sanguinoso era un riflesso della baldoria dell'ostinazione individualistica e del crollo di tutti i legami feudali nelle condizioni dell'emergente società borghese. La rottura delle vecchie norme morali si esprimeva nella perdita dei principi restrittivi. La rabbia, l'inganno, il tradimento, la predazione, la violenza, l'omicidio e altri fenomeni simili catturati nel dramma sanguinoso non erano un'invenzione dei drammaturghi, ma un riflesso dei fatti della realtà. Non senza motivo, è stato nel genere del dramma sanguinoso che è stato creato un numero significativo di opere basate su materiale moderno e non su trame letterarie o storiche prese in prestito.

La stragrande maggioranza delle sanguinose tragedie rappresentava la vita degli strati superiori della società, della corte e della nobiltà. L'orientamento democratico del genere si rifletteva nel fatto che, in sostanza, i drammi sanguinosi condannavano sempre l'immoralità e la crudeltà dell'alta società.

Un posto speciale tra i drammi sanguinosi è occupato dall'opera di un autore sconosciuto "Arden from Feversham" (1590 circa). La differenza essenziale di questa commedia rispetto ad altre opere di questo genere è che l'azione in essa non si svolge a corte e non tra la nobiltà, ma nella vita di persone di rango semplice. Questo è il primo dramma familiare borghese nel teatro inglese. La fonte della sua trama erano i veri eventi che ebbero luogo nel 1551.

La commedia descrive la storia dell'omicidio del borghese di Arden da parte di sua moglie Alice e del suo amante Mosby. Incapace di frenare le sue passioni, Alice decide di sbarazzarsi del marito non amato, ma l'attuazione del suo piano incontra sempre ostacoli e Arden riesce a evitare le trappole preparate per lui più e più volte.

Dirigendo l'azione con grande abilità, il drammaturgo dispiega davanti allo spettatore le immagini della vita provinciale e metropolitana della classe media, dei lavoratori e della feccia della società. L'abilità drammatica con cui si svolge la storia ha portato i ricercatori a ipotizzare che Shakespeare o The Kid possano essere stati l'autore di questa opera anonima. Queste ipotesi, tuttavia, non hanno alcun fondamento serio.

Il più grande dei predecessori di Shakespeare fu Christopher Marlowe (1564-1593). Figlio di un calzolaio di Canterbury, che completò un corso completo di scienze all'Università di Cambridge, Marlow ricevette nel 1587 il titolo di maestro delle arti liberali. Dopo essersi stabilito a Londra, è stato impegnato in attività poetiche e drammatiche, mettendo in scena spettacoli per teatri pubblici.

Mentre viveva a Londra, Marlowe si unì a un circolo di liberi pensatori, guidato da Walter Raleigh, una delle figure più brillanti del Rinascimento inglese; Raleigh era un guerriero, navigatore, poeta, filosofo, storico. Ideologicamente connesso con Raleigh, Marlo professava apertamente l'ateismo e le visioni repubblicane. Sono state conservate numerose denunce di Marlo, presentate da agenti della polizia segreta. È stata condotta un'indagine sul caso del suo libero pensiero. Ma le autorità decisero di fare a meno della consueta procedura legale: Marlo fu ucciso da agenti governativi in ​​\u200b\u200buna locanda nella città di Deptford, e poi fu composta una versione secondo cui la causa della morte del poeta era una rissa per una ragazza della taverna. Infatti, come i ricercatori hanno ora documentato, il drammaturgo cadde vittima del terrore poliziesco del governo elisabettiano.

La prima commedia di Marlo apparve nel 1587 e cinque anni dopo era già morto. Nonostante la breve durata della sua attività, Marlo ha lasciato un'eredità drammatica molto significativa.

La prima tragedia di Marlowe ha letteralmente scioccato i suoi contemporanei. Nessuna opera della scena fino a quel momento ebbe un tale successo come quello che toccò a "Tamerlano" (1a parte - 1587, 2a parte - 1588). L'eroe della tragedia è un semplice pastore che diventa comandante e conquista numerosi regni d'Oriente.

Tamerlano è una personalità titanica: aspira a un dominio illimitato sul mondo. Questo è un uomo di grande ambizione, un'instancabile sete di potere, un'energia indomabile. Non crede nel destino e in Dio, è il proprio destino e il proprio dio. È fermamente convinto che tutto ciò che desideri sia realizzabile, devi solo volerlo davvero e realizzarlo.

La fede nel potere della mente e della volontà dell'uomo è espressa da Marlo nel monologo di Tamerlano:

Siamo creati da quattro elementi, che combattono ostinatamente tra di loro. La natura insegna alla nostra mente a librarsi e a conoscere con un'anima insaziabile la meravigliosa architettura del mondo, a misurare il complesso percorso dei corpi celesti e ad aspirare alla conoscenza infinita...

Dopo aver ottenuto una delle sue prime vittorie militari, Tamerlano cattura la bella Zenocrate, figlia del sultano egiziano. Si innamora di lei con tutta la forza della passione insita nella sua natura. Zenocrate dapprima teme l'indomabilità di Tamerlano, poi, soggiogata dalla sua energia eroica, gli dona il proprio cuore. Tamerlano fa le sue conquiste, volendo mettere il mondo intero ai piedi della sua amata donna. Alla fine della prima parte, Tamerlano entra in battaglia con il padre di Zenocrate, il sultano egiziano. Zenocrate sta vivendo una scissione di sentimenti tra l'amore per Tamerlano e per suo padre. Tamerlano cattura il Sultano, ma gli restituisce la libertà e benedice il suo matrimonio con Zenocrate.

Se la prima parte raffigura la conquista dell'Oriente da parte di Tamerlano, nella seconda vediamo Tamerlano che diffonde le sue conquiste in Occidente. Sconfigge il re ungherese Sigismondo.

Zenocrate, che riuscì a dare a Tamerlano tre figli, muore. Il dolore di Tamerlano è sconfinato. Brucia la città dove morì Zenocrate. Accompagnato dai suoi tre figli, Tamerlano, come un turbine di morte, spazza con le sue truppe attraverso tutti i nuovi paesi che conquista. Conquista Babilonia e la Turchia. Qui ordina di bruciare il Corano. Questo episodio è una sfida alla religione atea di Marlo, non era difficile per i contemporanei intuire che si riferisse anche alle sacre scritture del cristianesimo. Tamerlano muore, ordinando di essere sepolto accanto a Zenocrate e lasciando in eredità ai suoi figli di continuare la conquista di nuove terre.

"Tamerlano" di Marlo è l'apoteosi di una forte personalità, un inno all'energia umana. L'eroe della tragedia incarna lo spirito dell'epoca in cui ebbe luogo l'emancipazione dell'individuo dai ceppi feudali. Tamerlano ha indubbiamente le caratteristiche dell'individualismo borghese. La sua più alta aspirazione è il potere illimitato sul mondo e sulle persone. Scarta i vecchi principi morali e crede che l'unica legge sia la sua volontà.

Ma c'era anche una base profondamente democratica nell'immagine di Tamerlano. Marlo ha scelto come eroe del dramma un uomo che sale dal basso verso l'apice del potere e della potenza. Il pubblico del popolo di quel tempo doveva essere impressionato da questo pastore, che sconfigge i re e si fa servire da loro. Tamerlano costringe uno dei re catturati a raffigurare un gradino ai piedi del suo trono, imbriglia altri re su un carro e lo cavalca, mette un altro re in una gabbia e lo porta dietro di sé per dimostrare il suo potere.

Lo spettatore democratico, naturalmente, ha applaudito con gioia questo spettacolo di tanti re deposti, sconfitti da un semplice pastore. "Tamerlano" è stata una sfida per il vecchio mondo, i suoi governanti. Marlowe, per così dire, proclamava nella sua commedia che stava arrivando un nuovo dominatore del mondo; non ha titoli, né antenati, ma è potente, intelligente, energico e prima della sua volontà, troni e altari cadranno in polvere. Tale era, in sostanza, l'idea dell'opera, e questo era il suo pathos, che affascinava così tanto i contemporanei.

La stessa sfida era contenuta in The Tragic History of Doctor Faust (1588 - 1589). Qui l'eroe è anche una personalità titanica. Ma se Tamerlano voleva ottenere un potere illimitato sul mondo attraverso imprese militari, allora Faust si batte per lo stesso obiettivo attraverso la conoscenza. Prendendo in prestito la trama dal libro popolare tedesco sullo stregone Dr. Faust, Marlo ha creato un'opera tipica del Rinascimento che rifletteva la caratteristica più importante dell'epoca: l'emergere di una nuova scienza.

Faust rifiuta la scolastica e la teologia medievali, che sono incapaci di comprendere la natura e scoprirne le leggi; legano solo la persona. La rivolta contro la teologia medievale e il rifiuto della religione si incarna nell'alleanza che Faust stringe con il diavolo. L'empio e ateo Marlo qui dà pieno sfogo al suo odio per la religione. Il suo eroe trova più beneficio per se stesso nella comunione con il diavolo - Mefistofele che nell'obbedienza ai dogmi religiosi.

Nella tragedia di Marlowe si avverte un potente impulso di conoscenza, un desiderio appassionato di conquistare la natura e farla servire all'uomo. In Faust, questo desiderio di conoscenza è incarnato. I cercatori di nuovi percorsi nella scienza erano persone coraggiose che si ribellarono eroicamente ai pregiudizi religiosi medievali, sopportarono coraggiosamente la persecuzione della chiesa e la persecuzione degli oscurantisti, che mettevano in gioco le loro vite in nome del raggiungimento del loro grande obiettivo.

Una persona così eroica è Faust, che accetta persino di vendere la sua anima al diavolo per padroneggiare i segreti della natura e conquistarla. Faust compone un entusiasta inno alla conoscenza:

Oh, che mondo, un mondo di saggezza e beneficio, onore, onnipotenza e potere è aperto a coloro che si sono dati alla scienza! Tutto ciò che giace tra i poli silenziosi Mi è soggetto.

La conoscenza non è fine a se stessa per Faust. È per lui lo stesso mezzo per conquistare il mondo intero per se stesso, che per Tamerlano era la sua spada. La scienza dovrebbe dargli ricchezza e potere.

Tuttavia, c'è una differenza tra Faust e Tamerlano. Tamerlano è una persona intera. Non conosce dubbi ed esitazioni. La commedia su di lui, infatti, non è una tragedia, ma piuttosto un dramma eroico, perché dall'inizio alla fine lo spettatore vede i solidi trionfi dell'eroe. Faust è diverso. Qui, fin dall'inizio, sentiamo la dualità dell'eroe. Ha due anime. Faust brama, anche se a breve termine, ma ancora un vero potere sul mondo ed è pronto a sacrificare la sua anima "immortale" per questo. Ma in lui abita anche la paura, paura per questa sua "anima", che alla fine dovrà pagare per la violazione dell'eterno ordine delle cose.

Alla fine della tragedia, Faust è pronto a rinunciare a se stesso, "a bruciare i suoi libri". Che cos'è: il riconoscimento da parte dell'autore della sconfitta del suo eroe? Rifiuto del desiderio di libertà illimitata e potere sul mondo, riconciliazione con tutto ciò a cui Faust ha rinunciato per primo?

Non va dimenticato che nel creare la tragedia Marlowe dipendeva dalla sua fonte e doveva seguire il corso degli eventi nella leggenda di Faust. Inoltre, Marlowe è stato costretto a fare i conti con il punto di vista prevalente e non avrebbe potuto mettere in scena la commedia se Faust non fosse stato punito per aver rinunciato alla religione. Ma oltre a queste circostanze esterne che hanno svolto il loro ruolo, c'era anche una ragione interna che ha spinto Marlo a scrivere una tale conclusione della tragedia. Faust riflette la dualità di quell'ideale di persona libera, a cui si sforzava Marlowe. Il suo eroe è un uomo forte che si è liberato dal potere di Dio e dallo stato feudale, ma è anche un egocentrico, che calpesta le istituzioni sociali e le leggi morali.

"Faust" è la più tragica delle creazioni di Marlowe, perché rivela l'impasse in cui entra una persona, rifiutando ogni norma morale nella sua ricerca della libertà.

"L'ebreo maltese" (1592) denota una nuova fase nello sviluppo della visione del mondo di Marlo. A differenza dei primi due drammi, che glorificavano l'individuo, qui Marlo critica l'individualismo.

La tragedia si svolge a Malta. Quando il sultano turco chiede un tributo ai cavalieri di Malta, il comandante dell'ordine trova una facile via d'uscita. Prende soldi dagli ebrei che vivono sull'isola e paga i turchi. Questa arbitrarietà fa arrabbiare il ricco ebreo Barabas, che rifiuta di dare denaro e lo nasconde in casa sua. Poi lo privano dei suoi beni e trasformano la sua casa in un convento di suore. Per risparmiare il denaro lì nascosto, Barabba costringe la figlia a dichiarare la sua conversione al cristianesimo ea farsi suora. Ma invece di aiutare suo padre, Abigail, la figlia di Barabas, diventa una sincera cristiana. Allora Barabba la avvelena. Nel frattempo, Malta è assediata dai turchi. Barabba va al loro fianco e li aiuta a conquistare la fortezza. Come ricompensa per questo, i turchi lo nominano governatore e gli danno nelle mani gli odiati cavalieri. Volendo mantenere il governatorato, ma rendendosi conto che per questo ha bisogno dell'appoggio degli abitanti, Barabas offre ai cavalieri catturati la libertà e promette di distruggere i turchi a condizione che i cavalieri lascino poi nelle sue mani la gestione dell'isola e pagagli centomila lire. Barabas prepara un portello, sotto il quale mette un calderone con resina bollente. I capi militari turchi da lui invitati dovrebbero cadere in questo portello. Ma l'ex governatore dell'isola, dedito alla questione, fa in modo che Barabba cada nella botola, che brucia nel catrame bollente.

Nell'immagine di Barabas, Marlo, come umanista, ha bollato l'avidità e l'avidità della borghesia. Marlowe fu il primo a creare il tipo borghese predatore nel dramma rinascimentale inglese.

Se nelle prime due delle sue commedie la ricchezza è stata ritratta da Marlo come uno dei mezzi per soddisfare i bisogni umani, allora in The Maltese Jew il drammaturgo mostra l'effetto dannoso dell'oro sul carattere quando la ricchezza diventa un fine. L'immagine di Barabas incarna i tratti tipici della borghesia dell'era della primitiva accumulazione del capitale. Ha fondato la sua fortuna con l'usura. Ora è un commerciante, che invia le sue navi con merci in diversi paesi. Trasforma i suoi proventi in gioielli. Con la passione di un cacciatore di tesori, soffocato dalla gioia, parla dei suoi tesori:

Borse di opale, zaffiro e ametista, topazio, smeraldo e giacinto, rubino, diamanti scintillanti, pietre preziose, grandi, e ciascuna del peso di molti carati. Per loro potrò, in caso di necessità, riscattare i grandi re dalla prigionia, - Questo è ciò in cui consiste la mia ricchezza E questo è ciò che, credo, è necessario trasformare Reddito dal commercio; Il loro prezzo aumenterà continuamente, e in una piccola scatola salverai un numero infinito di tesori.

Tutta la natura, secondo Barabas, dovrebbe servire allo scopo di aumentare la ricchezza, in cui vede il bene supremo, perché, come dice: "Le persone sono apprezzate solo per la ricchezza". Per quanto riguarda la coscienza e l'onore, Barabba ha la sua opinione su questo argomento:

Quegli sfortunati che hanno una coscienza, condannati a vivere in povertà per sempre.

Pertanto, quando i suoi beni vengono confiscati a Barabba, disperato pronuncia un monologo pieno di passione:

Ho perso tutto l'oro, tutte le ricchezze! Oh cielo, me lo meritavo? Perché avete deciso, stelle, di gettarmi nella disperazione e nella povertà?

Dopo essere diventato governatore, Barabas cerca di usare il potere a suo vantaggio; allo stesso tempo, esprime un atteggiamento tipicamente borghese nei confronti del potere:

Terrò con mano ferma il potere acquisito con il tradimento. Senza profitto, non mi separerò da lei. Colui che, avendo potere, non acquistò amici o sacchi pieni d'oro, è come un asino nella favola di Esopo: gettò via il bagaglio con pane e vino e cominciò a rosicchiare cardi secchi.

Condannando la crudele predazione di Barabba, l'ateo Marlo non mancò tuttavia di mettergli in bocca parole che smascherassero l'ipocrita religione dei cristiani:

I frutti della loro fede che conosco sono: Inganno e malizia, orgoglio oltre misura, - E questo non è coerente con i loro insegnamenti.

A Barabba si oppone come personaggio positivo il sovrano di Malta, Farnese. Nei suoi discorsi sentiamo la condanna dell'usura e di altri metodi di accumulazione borghese. Quando Barabba definisce un furto il tributo in denaro impostogli dal sovrano, Farnese obietta:

No, stiamo portando via la tua ricchezza, per salvare un sacco di gente con questo. Per il bene di tutti, lascia che uno soffra, Che tutti gli altri sopportino per uno.

Così, Marlo contrappone il principio del bene comune all'individualismo.

In termini di profondità di intuizione sociale, "L'ebreo di Malta" Marlo si avvicina al "Mercante di Venezia" e "Timone di Atene" di Shakespeare.

"Edoardo II" (1593) è una cronaca storica satura di contenuto politico. Edoardo II è un re volitivo e viziato, schiavo delle sue passioni, capricci, capricci. Il potere gli serve solo come mezzo per soddisfare i propri capricci. Volenteroso e di corpo tenero, è obbediente ai suoi servi, in particolare uno di loro, Gaveston, il cui comportamento insolente provoca indignazione generale.

Al debole re si oppone l'energico e ambizioso Mortimer, che solleva una ribellione per prendere il potere nelle proprie mani. Finge di essere il custode dell'interesse comune. In sostanza, vede nel potere solo la soddisfazione del suo egoismo. Dopo aver eliminato il re uccidendo e diventando di fatto il sovrano del paese, provoca anche malcontento per il suo governo e cade vittima di una nobile ribellione.

"Edoardo II" è un'opera antimonarchica e antinobile. Marlo nega la divinità del potere reale e mostra l'immagine di uno stato in cui regnano l'arbitrarietà e la violenza. Questa commedia continua la critica all'individualismo che ha avuto luogo in The Maltese Jew. La debolezza di Edward e la forza di Mortimer si oppongono come due facce dell'egoismo. L'epicureo Edward e l'ambizioso Mortimer sono solo due facce dell'individualismo.

La Strage di Parigi (1593) ha come trama gli eventi della Notte di Bartolomeo. Marlo mostra qui le conseguenze dell'intolleranza religiosa e le usa per la sua costante critica alla religione. L'ultima opera di Marlo - "La tragedia di Didone, regina di Cartagine" (1593) - rimase incompiuta. Scritto da Thomas Nash.

La drammaturgia di Marlowe è uno degli sviluppi più significativi nello sviluppo del dramma rinascimentale inglese. Di tutti i predecessori di Shakespeare, era il più dotato. Una morte prematura interruppe la sua attività nel fiore degli anni, ma ciò che Marlowe riuscì a fare arricchì il teatro del suo tempo.

Nelle tragedie, Marlo ha espresso il pathos di affermare una personalità liberata dai legami e dalle restrizioni feudali medievali. La glorificazione del potere dell'uomo, il suo desiderio di conoscenza e potere sul mondo, il rifiuto della religione e della moralità patriarcale si combinano negli eroi di Marlowe con la negazione di ogni fondamento etico. L'individualismo dei suoi potenti eroi portava un carattere anarchico.

Partendo dall'idea di affermare la personalità in Tamerlano, Marlo già in Faust arriva a una parziale comprensione delle contraddizioni dell'individualismo, la cui critica diventa il motivo principale di The Maltese Jew. Allo stesso tempo, ovviamente, si dovrebbe anche tener conto della differenza negli obiettivi degli eroi: per Tamerlano - questo è potere, per Faust - conoscenza, per Barabas - ricchezza. Faust si distingue quindi come un eroe con aspirazioni veramente positive per tutto il suo individualismo. Sebbene nelle commedie di Marlo ci siano tentativi di creare personaggi positivi (Zenocrate in Tamerlano, Farnese in L'ebreo maltese), tuttavia Marlo non ha creato immagini che potessero resistere pienamente ideologicamente e artisticamente ai suoi eroi individualisti. Di qui l'incoerenza e una certa unilateralità che sono caratteristiche della drammaturgia di Marlowe. Il compito di creare personaggi titanici che portino aspirazioni sociali positive è stato svolto da Shakespeare, che ha sostituito Marlo, che deve molto al suo predecessore.

Marlo ha dato un contributo significativo allo sviluppo del dramma, elevando la sua forma artistica a grande altezza. Ha fornito esempi di una costruzione più perfetta dell'azione drammatica, alla quale ha dato unità interna, costruendo lo sviluppo della trama attorno alla personalità e al destino del personaggio centrale. Nel suo lavoro, anche il concetto di tragico ha ricevuto uno sviluppo più profondo. Prima di Marlowe, il tragico era inteso esternamente come un'immagine di tutti i tipi di malvagità, che provocavano paura e orrore. Lo stesso Marlo si trovava in questa posizione, creando "Tamerlano" e "Ebreo maltese". Il "Faust" di Marlowe supera entrambi questi drammi in una comprensione più profonda del tragico, che qui si esprime non tanto nell'esterno quanto nel conflitto interno nell'anima dell'eroe, che culmina nel finale dell'opera. L'immagine di Faust, secondo la comprensione del tragico di Aristotele, evoca paura e compassione. Allo stesso tempo, va notato che il realismo di Marlowe si è approfondito di commedia in commedia, raggiungendo la più grande verità psicologica in Edoardo II.

Il merito di Marlo è stato anche l'introduzione di versi sciolti nel dramma. Il verso bianco aveva la libertà necessaria per dare naturalezza ai discorsi dei personaggi. Di tutti i predecessori di Shakespeare, Marlowe era il poeta più dotato. Il suo stile si distingueva per pathos, confronti audaci, metafore vivide, abbondanza di iperbole e corrispondeva nel migliore dei modi ai sentimenti degli eroi titanici di Marlowe. L'energia e la grande forza emotiva del discorso drammatico di Marlowe hanno successivamente dato a Ben Jonson piena ragione per parlare dei "versi potenti" di Marlowe.

Articolo principale:dramma elisabettiano

Nell'era di Shakespeare, insieme all'allora famoso Globe Theatre di Londra, c'erano molti altri teatri degni di nota che gareggiavano tra loro. Teatro "Rose" (The Rose, 1587-1605), costruito dall'uomo d'affari Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). The Swan Theatre (The Swan, 1595-1632), costruito dal gioielliere e commerciante Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), il Fortune Theatre, la cui costruzione iniziò nel 1600, e altri. Uno dei drammaturghi più famosi di Shakespeare fu il talentuoso poeta Christopher Marlowe (1564-1593), sotto la cui influenza Shakespeare cadde senza dubbio proprio all'inizio della sua opera, e tutte le cui opere furono poi messe in scena al Rose Theatre. Era uno dei drammaturghi - "accademici" che avevano diplomi di Oxford o Cambridge, che includevano anche Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601), George Peele (1556-1596) e Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Insieme a loro lavorarono altri scrittori, che non avevano un'istruzione universitaria, i cui scritti in un modo o nell'altro influenzarono il lavoro di Shakespeare. Questo è Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), che ha scritto una precedente commedia su Amleto, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, morto nel 1599), autore dell'opera "Due toporagni di Abingdon" (Le due donne arrabbiate di Abingdon), sulla base della quale è stata creata la commedia di Shakespeare "Le allegre comari di Windsor" (Le allegre comari di Windsor, 1597-1602).

[modificare] Tecnica teatrale nell'era di William Shakespeare

Articolo principale:La tecnica teatrale nell'età di Shakespeare

Tecnica teatrale nell'era di Shakespeare - Il teatro shakespeariano corrisponde senza dubbio al sistema dell'opera teatrale, originariamente messa in scena da gruppi di comici itineranti nelle locande e nei cortili degli alberghi; questi cortili d'albergo erano solitamente costituiti da un edificio circondato al secondo piano da un balcone a gradoni aperto, lungo il quale si trovavano le stanze e gli ingressi ad esse. Una compagnia errante, entrata in un tale cortile, ha messo in scena una scena vicino a uno dei rettangoli delle sue pareti; gli spettatori erano seduti nel cortile e sul balcone. Il palcoscenico era disposto a forma di piattaforma di legno sulle capre, una parte della quale usciva nel cortile aperto e l'altra, quella posteriore, rimaneva sotto il balcone. Una tenda è caduta dal balcone. Così si formarono immediatamente tre piattaforme: quella anteriore - davanti al balcone, quella posteriore - sotto il balcone dietro il sipario, e quella superiore - proprio il balcone sopra il palco. Lo stesso principio è alla base della forma di transizione del teatro inglese del XVI e dell'inizio del XVII secolo. Il primo teatro fisso pubblico fu costruito a Londra (o meglio fuori Londra, fuori dai confini della città, poiché i teatri non erano ammessi all'interno della città) nel 1576 dalla famiglia di attori Burbage. Nel 1599 fu creato il Globe Theatre, al quale è associata la maggior parte delle opere di Shakespeare. Il teatro di Shakespeare non conosce ancora l'auditorium, ma conosce il cortile come reminiscenza dei cortili degli alberghi. Un auditorium così aperto e senza tetto era circondato da una o due gallerie. Il palcoscenico era coperto da un tetto e rappresentava le stesse tre piattaforme del cortile dell'albergo. La parte anteriore del palco si è incuneata per quasi un terzo nell'auditorium - un parterre in piedi (che porta letteralmente il suo nome "par terre" - a terra). Anche la parte democratica del pubblico, che ha riempito il parterre, ha circondato il palco in un fitto anello. La parte più privilegiata e aristocratica del pubblico si è sistemata - sdraiata e su sgabelli - sul palco stesso lungo i suoi bordi. La storia del teatro di questo periodo nota la costante ostilità e litigio, a volte anche trasformandosi in una rissa, tra questi due gruppi di spettatori. L'inimicizia di classe degli artigiani e degli operai contro l'aristocrazia ebbe qui un effetto piuttosto rumoroso. In generale, quel silenzio, che il nostro auditorium conosce, non era nel teatro di Shakespeare. Il fondo del palco era separato da un sipario scorrevole. Le scene intime venivano solitamente rappresentate lì (ad esempio, nella camera da letto di Desdemona), vi venivano anche recitate quando era necessario trasferire rapidamente l'azione in un altro luogo e mostrare il personaggio in una nuova posizione (ad esempio, nel dramma di Marlo "Tamerlano" lì è una nota: "il sipario è tirato indietro, e Zenocrate giace a letto, Tamerlano seduto accanto a lei", o in "The Winter's Tale" di Shakespeare: "Pauline tira indietro il sipario e rivela Hermione, in piedi sotto forma di una statua" ). La pedana anteriore era il palcoscenico principale, veniva utilizzata anche per le processioni, allora predilette nel teatro, per la rappresentazione della scherma, allora molto in voga (la scena dell'ultimo atto dell'Amleto). Qui si esibivano anche pagliacci, giocolieri, acrobati, intrattenendo il pubblico tra le scene dell'opera principale (non c'erano intervalli nel teatro shakespeariano). Successivamente, durante la successiva elaborazione letteraria dei drammi shakespeariani, alcuni di questi intermezzi e osservazioni clownesche furono inclusi nel testo stampato. Ogni esibizione si concludeva necessariamente con una "jiga" - un tipo speciale di canzone con una danza eseguita da un clown; la scena dei becchini nell'Amleto ai tempi di Shakespeare era un clown, in seguito fu piena di pathos. Nel teatro shakespeariano non c'è ancora una netta differenza tra un attore drammatico e un acrobata, un giullare. È vero, questa differenza si sta già sviluppando, si sente, è in divenire. Ma i bordi non sono stati ancora cancellati. Il legame che collega l'attore shakespeariano con il buffone, l'istrione, il giocoliere, il "diavolo" clownesco del giallo medievale, con il buffone farsesco, non si è ancora spezzato. È abbastanza comprensibile il motivo per cui il calderaio de "La bisbetica domata" alla parola "commedia" ricorda prima di tutto i trucchi del giocoliere. La scena superiore veniva utilizzata quando l'azione doveva essere rappresentata dalla logica degli eventi di cui sopra, ad esempio, sulle mura della fortezza ("Coriolano"), sul balcone di Giulietta ("Romeo e Giulietta"). In tali casi, la sceneggiatura ha un'osservazione "sopra". Ad esempio, veniva praticata una tale disposizione: la parte superiore raffigurava un muro della fortezza e la tenda della piattaforma posteriore tirata indietro nella parte inferiore significava allo stesso tempo le porte della città che si aprivano davanti al vincitore. Un tale sistema di teatro spiega anche la struttura dei drammi di Shakespeare, che ancora non conoscono alcuna divisione in atti (questa divisione fu fatta dopo la morte di Shakespeare, nell'edizione del 1623), né lo storicismo esatto, né il realismo pittorico. Il parallelismo delle trame in una stessa commedia, così caratteristico dei drammaturghi elisabettiani, è stato recentemente spiegato dalla peculiare struttura del palcoscenico, aperto al pubblico da tre lati. La cosiddetta legge della "continuità temporale" domina questa scena. Lo sviluppo di una trama ha permesso all'altra di continuare, per così dire, "dietro le quinte", che ha riempito il corrispondente intervallo di "tempo teatrale" tra i segmenti di questa trama. Costruito su brevi episodi di gioco attivo, l'azione viene trasferita da un luogo all'altro con relativa velocità. Ciò si riflette anche nella tradizione delle scene misteriose. Quindi una nuova uscita della stessa persona, o anche solo pochi passi sul palco con relativa spiegazione testuale, indicava già un nuovo luogo. Ad esempio, in Molto rumore per nulla, Benedict dice al ragazzo: "Ho un libro sulla finestra della mia stanza, portalo qui in giardino" - questo significa che l'azione si svolge in giardino. A volte nelle opere di Shakespeare, un luogo o un tempo è indicato non così semplicemente, ma da un'intera descrizione poetica di esso. Questo è uno dei suoi trucchi preferiti. Ad esempio, in “Romeo e Giulietta”, nel quadro che segue la scena di una notte di luna, Lorenzo entrando dice: “Un chiaro sorriso di un albeggiante Cupo dagli occhi grigi sta già guidando la notte e indorando di strisce la nuvola d'oriente di luce...” O le parole del prologo al primo atto di “Enrico V”: “... Immagina che le pianure dei due regni si estendano qui, le cui rive, sporgendosi così vicine l'una all'altra, separano lo stretto ma pericoloso Mighty ocean. Pochi passi Romeo con gli amici significava che si spostava dalla strada alla casa. Per designare un luogo venivano usati anche i "titoli": tavolette con un'iscrizione. A volte la scena raffigurava più città contemporaneamente e le iscrizioni con i loro nomi erano sufficienti per orientare lo spettatore nell'azione. Con la fine della scena, i personaggi hanno lasciato il palco, a volte addirittura sono rimasti - ad esempio, gli ospiti travestiti che camminavano per la strada verso la casa dei Capuleti ("Romeo e Giulietta") non hanno lasciato il palco, e l'apparizione di lacchè con tovaglioli significava che erano già arrivati ​​e si trovavano nelle camere dei Capuleti. Il dramma in questo momento non era visto come "letteratura". Il drammaturgo non ha perseguito la paternità e non è stato sempre possibile. La tradizione del dramma anonimo è arrivata dal Medioevo attraverso compagnie itineranti e ha continuato a funzionare. Quindi il nome di Shakespeare compare sotto i titoli delle sue opere solo nel 1593. Ciò che scrisse il drammaturgo teatrale, non intendeva pubblicarlo, ma aveva in mente esclusivamente il teatro. Una parte significativa dei drammaturghi dell'era elisabettiana era attaccata a un particolare teatro e si impegnava a consegnare un repertorio a questo teatro. La competizione delle compagnie richiedeva un numero enorme di spettacoli. Per il periodo dal 1558 al 1643, il loro numero in Inghilterra è stimato in oltre 2.000 nomi. Molto spesso la stessa commedia viene utilizzata da più compagnie, rielaborandole ciascuna a modo suo, adattandola alla compagnia. La paternità anonima escludeva il plagio letterario e si poteva parlare solo di metodi di concorrenza "pirata", quando un'opera teatrale veniva rubata a orecchio, secondo una registrazione approssimativa, ecc. di trame di drammi preesistenti. Tali, ad esempio, sono Amleto, Re Lear e altri. Il pubblico non ha chiesto il nome dell'autore dell'opera. Questo, a sua volta, ha portato al fatto che l'opera scritta era solo la "base" della performance, il testo dell'autore è stato in qualche modo alterato durante le prove. Le esibizioni dei giullari sono spesso denotate dall'osservazione "il giullare dice", fornendo al teatro il contenuto della scena del giullare o improvvisazioni del giullare stesso. L'autore ha venduto il suo manoscritto al teatro e successivamente non ha rivendicato alcun diritto d'autore o diritti su di esso. Il lavoro congiunto e quindi molto veloce di più autori su un'opera teatrale era molto comune, ad esempio, alcuni sviluppavano un intrigo drammatico, altri - una parte comica, buffonate di giullari, altri ancora rappresentavano tutti i tipi di effetti "terribili", che erano molto popolare allora, ecc. L'alienazione tra autori "dotti", "dilettanti" secolari e drammaturghi professionisti sta diventando sempre meno. Gli autori letterari (ad esempio Ben Jonson) iniziano a lavorare per il teatro, i drammaturghi teatrali, a loro volta, iniziano sempre più a essere pubblicati.

[modificare] La questione della periodizzazione

I ricercatori dell'opera di Shakespeare (il critico letterario danese G. Brandes, editore delle opere complete russe di Shakespeare S. A. Vengerov) alla fine del XIX - inizio del XX secolo, sulla base della cronologia delle opere, hanno presentato la sua evoluzione spirituale da un "stato d'animo allegro", fede nel trionfo della giustizia , ideali umanistici all'inizio del percorso verso la delusione e la distruzione di tutte le illusioni alla fine. Tuttavia, negli ultimi anni si è ritenuto che la conclusione sulla personalità dell'autore basata sulle sue opere fosse un errore.

Nel 1930, lo studioso di Shakespeare E. K. Chambers propose una cronologia dell'opera di Shakespeare per genere, successivamente corretta da J. McManway. C'erano quattro periodi: il primo (1590-1594) - presto: cronache, commedie rinascimentali, "tragedia dell'orrore" ("Tito Andronico"), due poesie; il secondo (1594-1600) - commedie rinascimentali, la prima tragedia matura ("Romeo e Giulietta"), cronache con elementi di tragedia, tragedia antica ("Giulio Cesare"), sonetti; il terzo (1601-1608) - grandi tragedie, antiche tragedie, "commedie oscure"; il quarto (1609-1613) - drammi fiabeschi con un inizio tragico e un lieto fine. Alcuni degli studiosi di Shakespeare, tra cui A. A. Smirnov, combinarono il primo e il secondo periodo in un primo periodo.

[modificare] Primo periodo (1590-1594)

Il primo periodo è di circa 1590-1594 anni.

Secondo metodi letterari può essere definito un periodo di imitazione: Shakespeare è ancora completamente in balia dei suoi predecessori. Per umore questo periodo è stato definito dai sostenitori dell'approccio biografico allo studio dell'opera di Shakespeare come un periodo di fede idealistica nei migliori aspetti della vita: "Il giovane Shakespeare punisce con entusiasmo il vizio nelle sue tragedie storiche e canta con entusiasmo sentimenti alti e poetici: l'amicizia , sacrificio di sé e soprattutto amore" (Vengerov) .

Nella tragedia Tito Andronico» Shakespeare ha pienamente reso omaggio alla tradizione dei suoi drammaturghi contemporanei per mantenere l'attenzione del pubblico forzando passioni, crudeltà e naturalismo. Gli orrori di "Titus Andronicus" sono un riflesso diretto e immediato degli orrori delle commedie di Kid e Marlowe.

Probabilmente le prime commedie di Shakespeare furono le tre parti di Enrico VI. Le cronache di Holinshed sono servite come fonte per questa e le successive cronache storiche. Il tema che accomuna tutte le cronache shakespeariane è il cambiamento di una serie di governanti deboli e incapaci che portarono il paese al conflitto civile e alla guerra civile e il ripristino dell'ordine con l'ascesa della dinastia Tudor. Come Marlowe in Edoardo II, Shakespeare non si limita a descrivere eventi storici, ma esplora i motivi dietro le azioni dei personaggi.

« Commedia degli errori"- una prima commedia "studentesca", commedia di posizioni. Secondo l'usanza dell'epoca, una rielaborazione dell'opera di un moderno autore inglese, la cui fonte era la commedia di Plauto Menecmas, che descrive le avventure dei fratelli gemelli. L'azione si svolge a Efeso, che ha poche somiglianze con un'antica città greca: l'autore trasferisce i segni dell'Inghilterra contemporanea in un'ambientazione antica. Shakespeare aggiunge una trama a doppio servitore, confondendo così ancora di più l'azione. È caratteristico che già in quest'opera ci sia un misto di comico e tragico, che è usuale per Shakespeare: il vecchio Egeon, che ha inconsapevolmente violato la legge di Efeso, è minacciato di esecuzione, e solo attraverso una catena di incredibili coincidenze , errori assurdi, nel finale arriva la salvezza. Interrompere una trama tragica con una scena comica, anche nelle opere più oscure di Shakespeare, è un richiamo, radicato nella tradizione medievale, alla vicinanza della morte e, allo stesso tempo, al flusso incessante della vita e al suo costante rinnovamento.

Il gioco " La bisbetica domata”, creato nella tradizione della commedia farsesca. Questa è una variazione della trama, popolare nei teatri londinesi nel 1590, sulla pacificazione di una moglie da parte del marito. In un emozionante duello, due personalità eccezionali convergono e la donna viene sconfitta. L'autore proclama l'inviolabilità dell'ordine costituito, dove il capofamiglia è un uomo.

Nelle commedie successive, Shakespeare si allontana dai dispositivi comici esterni. " Gli sforzi infruttuosi dell'amore"- una commedia creata sotto l'influenza delle commedie di Lily, che ha scritto per la messa in scena nel teatro delle maschere alla corte reale e nelle case aristocratiche. Con una trama abbastanza semplice, l'opera è un torneo continuo, una competizione di personaggi in dialoghi spiritosi, giochi verbali complessi, composizione di poesie e sonetti (a questo punto Shakespeare padroneggiava già una forma poetica difficile). La lingua di "Love's Labour's Lost" - pretenziosa, fiorita, il cosiddetto euphuism - è la lingua dell'élite aristocratica inglese di quel tempo, che divenne popolare dopo la pubblicazione del romanzo di Lily "Euphues, or the Anatomy of Wit".

[modificare] Secondo periodo (1594-1600)

Romeo e Giulietta. Dipinto di F. Dixie (1884)

Intorno al 1595, Shakespeare crea una delle sue tragedie più famose: "Romeo e Giulietta", - la storia dello sviluppo della personalità umana nella lotta con le circostanze esterne per il diritto all'amore. "Per la sua versione di Romeo e Giulietta, Shakespeare potrebbe aver utilizzato una rielaborazione di un vecchio testo lasciato dagli 'accademici' (la cerchia di drammaturghi che avevano titoli universitari)." è stato scelto sul doloroso destino di Romeo e Giulietta (1524) ripreso da altri autori italiani (Bandello, Bolderi, Groto) e ulteriormente diffuso nella letteratura europea. . The tragicall Historye of Romeus and Juliet, 1562)." Probabilmente, il lavoro di Brooke è servito come fonte per Shakespeare. Ha rafforzato il lirismo e il dramma dell'azione, ha ripensato e arricchito i personaggi dei personaggi, ha creato monologhi poetici che rivelano le esperienze interiori dei personaggi principali, trasformando così un'opera ordinaria in un Rinascimento poesia d'amore. Questa è una tragedia di un tipo speciale, lirica , ottimista, nonostante la morte dei personaggi principali nel finale. I loro nomi sono diventati un nome familiare per la più alta poesia della passione.

Intorno al 1596 risale un'altra delle opere più famose di Shakespeare: "Il mercante di Venezia". Shylock, proprio come un altro famoso ebreo del dramma elisabettiano - Barabba ("Ebreo di Malta" di Marlo), desidera vendetta. Ma, a differenza di Barabba, Shylock, che rimane un personaggio negativo, è molto più difficile. Da un lato si tratta di un usuraio avido, astuto, persino crudele, dall'altro una persona offesa la cui offesa provoca simpatia. Il famoso monologo di Shylock sull'identità dell'ebreo e di qualsiasi altra persona “Ma l'ebreo non ha gli occhi?..”(atto III, scena 1) è considerato da alcuni critici il miglior discorso in difesa dell'uguaglianza ebraica in tutta la letteratura. Lo spettacolo contrappone il potere del denaro su una persona e il culto dell'amicizia, parte integrante dell'armonia della vita.

Nonostante il "problema" della commedia e il dramma della trama di Antonio e Shylock, nella sua atmosfera "Il mercante di Venezia" è vicino a opere di fiabe come " Dormi in una notte d'estate"(1596). La commedia magica fu probabilmente scritta per i festeggiamenti in occasione delle nozze di uno dei nobili elisabettiani. Per la prima volta in letteratura, Shakespeare dota creature fantastiche di debolezze e contraddizioni umane, creando personaggi. Come sempre, sovrappone scene drammatiche a scene comiche: artigiani ateniesi, molto simili agli operai inglesi, preparano diligentemente e maldestramente per le nozze di Teseo e Ippolita la commedia “Piramo e Tisbe”, che è una storia d'amore infelice, raccontata in un forma parodica. I ricercatori sono rimasti sorpresi dalla scelta della trama per la commedia "matrimoniale": la sua trama esterna - incomprensioni tra due coppie di innamorati, risolte solo grazie alla buona volontà di Oberon e alla magia, una presa in giro dei capricci femminili (l'improvvisa passione di Titania per la Fondazione ) - esprime una visione estremamente scettica dell'amore. Tuttavia, questa "una delle opere più poetiche" ha una connotazione seria: l'esaltazione di un sentimento sincero, che ha una base morale.

Falstaff con una grande brocca di vino e un calice. Dipinto di E. von Grützner (1896)

S. A. Vengerov ha visto il passaggio al secondo periodo “in assenza giocattolo poesia della giovinezza, che è così caratteristico del primo periodo. Gli eroi sono ancora giovani, ma hanno già vissuto una vita decente e la cosa principale per loro nella vita è il piacere. La porzione è piccante, vivace, ma già non c'è affatto il fascino gentile delle ragazze dei Due Veroniani, e ancor di più Giulietta.

Allo stesso tempo, Shakespeare crea un tipo immortale e molto interessante, che fino ad ora non aveva analoghi nella letteratura mondiale: Sir John Falstaff. Il successo di entrambe le parti Enrico IV”Non meno importante è il merito di questo personaggio più sorprendente della cronaca, che divenne subito popolare. Il personaggio è indubbiamente negativo, ma con un carattere complesso. Un materialista, un egoista, un uomo senza ideali: l'onore non è niente per lui, uno scettico attento e perspicace. Nega onori, potere e ricchezza: ha bisogno del denaro solo come mezzo per procurarsi cibo, vino e donne. Ma l'essenza del fumetto, la grana dell'immagine di Falstaff non è solo la sua arguzia, ma anche un'allegra risata di se stesso e del mondo che lo circonda. La sua forza è nella conoscenza della natura umana, tutto ciò che lega una persona gli fa schifo, è la personificazione della libertà dello spirito e della spregiudicatezza. Un uomo dell'era che passa, non è necessario dove lo stato è potente. Rendendosi conto che un personaggio del genere è fuori luogo in un dramma su un sovrano ideale, in " Enrico V Shakespeare lo rimuove: il pubblico viene semplicemente informato della morte di Falstaff. Secondo la tradizione, si ritiene che su richiesta della regina Elisabetta, che voleva rivedere Falstaff in scena, Shakespeare lo abbia resuscitato in " Le allegre comari di Windsor". Ma questa è solo una pallida copia dell'ex Falstaff. Ha perso la conoscenza del mondo che lo circonda, non c'è più sana ironia, risate di se stesso. Rimase solo un ladro soddisfatto di sé.

Molto più riuscito è il tentativo di tornare al tipo Falstaff nell'ultima giocata del secondo periodo - "Dodicesima notte". Qui, nella persona di Sir Toby e del suo entourage, abbiamo, per così dire, una seconda edizione di Sir John, anche se senza il suo spirito brillante, ma con la stessa contagiosa bonaria cavalleria. Si inserisce perfettamente anche nel quadro del periodo "falstaffiano", per la maggior parte, una rude presa in giro delle donne in "La bisbetica domata".

[modificare] Terzo periodo (1600-1609)

Amleto e Orazio nel cimitero. Dipinto di E. Delacroix (1839)

Il terzo periodo della sua attività artistica, circa la copertura 1600-1609 anni, i sostenitori dell'approccio biografico soggettivista all'opera di Shakespeare chiamano il periodo di "profonda oscurità spirituale", considerando l'apparizione del malinconico personaggio Jacques nella commedia come un segno di una mutata visione del mondo "Come piace a te" e chiamandolo quasi il predecessore di Amleto. Tuttavia, alcuni ricercatori ritengono che Shakespeare, a immagine di Jacques, abbia solo ridicolizzato la malinconia e il periodo di presunte delusioni nella vita (secondo i sostenitori del metodo biografico) non sia effettivamente confermato dai fatti della biografia di Shakespeare. Il momento in cui il drammaturgo ha creato le più grandi tragedie coincide con il fiorire dei suoi poteri creativi, la soluzione delle difficoltà materiali e il raggiungimento di una posizione elevata nella società.

Intorno al 1600 Shakespeare crea "Frazione", secondo molti critici, è il suo lavoro più profondo. Shakespeare ha mantenuto la trama della famosa tragedia della vendetta, ma ha spostato tutta la sua attenzione sulla discordia spirituale, il dramma interiore del protagonista. Un nuovo tipo di eroe è stato introdotto nel tradizionale dramma della vendetta. Shakespeare era in anticipo sui tempi: Amleto non è il solito eroe tragico, che si vendica per amore della giustizia divina. Giunto alla conclusione che è impossibile ristabilire l'armonia con un colpo solo, sperimenta la tragedia dell'alienazione dal mondo e si condanna alla solitudine. Secondo la definizione di L. E. Pinsky, Amleto è il primo eroe "riflessivo" della letteratura mondiale.

Cordelia. Dipinto di William F. Yemens (1888)

Gli eroi delle "grandi tragedie" di Shakespeare sono persone eccezionali in cui si mescolano il bene e il male. Di fronte alla disarmonia del mondo che li circonda, fanno una scelta difficile: come esistere in esso, creano il proprio destino e ne assumono la piena responsabilità.

Allo stesso tempo, Shakespeare crea il dramma " Misura per misura". Nonostante il fatto che nel First Folio del 1623 sia classificato come una commedia, non c'è quasi nessun fumetto in quest'opera seria su un giudice ingiusto. Il suo nome si riferisce all'insegnamento di Cristo sulla misericordia, nel corso dell'azione uno degli eroi è in pericolo mortale e il finale può essere considerato condizionatamente felice. Quest'opera problematica non rientra in un certo genere, ma esiste sull'orlo dei generi: tornando alla morale, è orientata verso la tragicommedia.

La vera misantropia emerge solo dentro "Timone di Atene"- la storia di un uomo generoso e gentile, rovinato da coloro che ha aiutato ed è diventato un misantropo. La commedia lascia un'impressione dolorosa, nonostante il fatto che l'ingrata Atene dopo la morte di Timon subisca una punizione. Secondo i ricercatori, Shakespeare ha subito un fallimento: l'opera è scritta in un linguaggio irregolare e, insieme ai suoi vantaggi, presenta svantaggi ancora maggiori. Non è escluso che ci abbia lavorato più di uno Shakespeare. Il personaggio di Timon stesso ha fallito, a volte dà l'impressione di una caricatura, altri personaggi sono semplicemente pallidi. Si può considerare il passaggio a una nuova striscia di creatività shakespeariana "Antonio e Cleopatra". In "Antonio e Cleopatra" il talentuoso, ma privo di qualsiasi fondamento morale, predatore di "Giulio Cesare" è circondato da un alone veramente poetico, e la mezza traditrice Cleopatra espia in gran parte i suoi peccati con una morte eroica.

[modificare] Quarto periodo (1609-1612)

Prospero e Ariel. Dipinto di William Hamilton (1797)

Il quarto periodo, ad eccezione della commedia "Enrico VIII" (alcuni ricercatori ritengono che sia stata scritta in collaborazione con John Fletcher), comprende solo tre o quattro anni e quattro commedie - i cosiddetti "drammi romantici" o tragicommedie. Nelle commedie dell'ultimo periodo, dure prove sottolineano la gioia della liberazione dai disastri. La calunnia è catturata, l'innocenza è giustificata, la lealtà è premiata, la follia della gelosia non ha conseguenze tragiche, gli amanti sono uniti in un matrimonio felice. L'ottimismo di queste opere è percepito dalla critica come un segno di riconciliazione del loro autore. "Pericle", un'opera teatrale significativamente diversa da tutto ciò che è stato scritto in precedenza, segna l'emergere di nuove opere. L'ingenuità che rasenta la primitività, l'assenza di personaggi e problemi complessi, un ritorno alla costruzione dell'azione caratteristica del primo dramma del Rinascimento inglese: tutto indica che Shakespeare era alla ricerca di una nuova forma. "Winter's Tale" è una fantasia stravagante, una storia "sull'incredibile, dove tutto è possibile". La storia di un uomo geloso che soccombe al male, soffre di angoscia mentale e merita il perdono con il suo pentimento. Alla fine, il bene vince il male, secondo alcuni ricercatori, affermando la fede negli ideali umanistici, secondo altri, il trionfo della morale cristiana. La Tempesta è la più riuscita delle ultime commedie e, in un certo senso, il finale dell'opera di Shakespeare. Invece della lotta, qui regna lo spirito di umanità e di perdono. Le ragazze poetiche create ora - Marina da "Pericle", Loss da "The Winter's Tale", Miranda da "The Tempest" - queste sono immagini di figlie belle nella loro virtù. I ricercatori tendono a vedere nella scena finale de La tempesta, dove Prospero rinuncia alla sua magia e si ritira, l'addio di Shakespeare al mondo del teatro.

[modificare] Poesie e poesie

Articolo principale:Poesie e poesie di William Shakespeare

Prima edizione dei Sonetti (1609)

In generale, le poesie di Shakespeare, ovviamente, non possono essere paragonate ai suoi brillanti drammi. Ma presi da soli, portano l'impronta di un talento eccezionale, e se non fossero annegati nella gloria del drammaturgo Shakespeare, avrebbero potuto dare e in effetti hanno dato grande fama all'autore: sappiamo che lo studioso Mires ha visto in Shakespeare il poeta il secondo Ovidio. Ma, inoltre, ci sono numerose recensioni di altri contemporanei che parlano del "nuovo Catullo" con il massimo entusiasmo.

[modificare] poesie

Il poema "Venere e Adone" fu pubblicato nel 1593, quando Shakespeare era già noto come drammaturgo, ma l'autore stesso lo definisce il suo primogenito letterario, e quindi è molto probabile che sia stato concepito, o anche parzialmente riscritto a Strettford. C'è anche il suggerimento che Shakespeare considerasse la poesia (al contrario delle opere teatrali per il pubblico) un genere degno dell'attenzione di un nobile mecenate e un'opera d'arte. Gli echi della patria si fanno chiaramente sentire. Il sapore locale dell'inglese medio è vividamente sentito nel paesaggio, non c'è nulla di meridionale in esso, come richiesto dalla trama, prima dello sguardo spirituale del poeta, c'erano senza dubbio immagini native dei pacifici campi del Warwickshire con i loro toni morbidi e calmi bellezza. Si intuisce anche nel poema un ottimo conoscitore di cavalli e un ottimo cacciatore. La trama è in gran parte tratta dalle Metamorfosi di Ovidio; inoltre, molto è preso in prestito da Scillaes Metamorphosis di Lodge. La poesia è sviluppata con tutta l'arroganza del Rinascimento, ma ancora senza alcuna frivolezza. Ed è questo che ha maggiormente colpito il talento del giovane autore, oltre al fatto che la poesia è stata scritta in versi sonori e pittoreschi. Se gli sforzi di Venere per accendere i desideri in Adone colpiscono il lettore successivo con la loro franchezza, allo stesso tempo non danno l'impressione di qualcosa di cinico e non degno di descrizione artistica. Davanti a noi c'è la passione, reale, frenetica, che oscura la mente e quindi poeticamente legittima, come tutto ciò che è luminoso e forte.

Molto più manierato è il secondo poema, Lucretia, pubblicato l'anno successivo (1594) e dedicato, come il primo, al conte di Southampton. Nel nuovo poema non solo non c'è nulla di sfrenato, ma, al contrario, tutto, come nell'antica leggenda, ruota sulla più raffinata comprensione di un concetto del tutto convenzionale dell'onore femminile. Insultata da Sesto Tarquinio, Lucrezia non ritiene possibile vivere dopo il rapimento del suo onore coniugale ed esprime i suoi sentimenti nei monologhi più lunghi. Metafore, allegorie e antitesi brillanti, ma piuttosto tese, privano questi monologhi di sentimenti reali e rendono l'intera poesia retorica. Tuttavia, questo tipo di altezza durante la scrittura della poesia era molto popolare tra il pubblico e Lucrezia ebbe lo stesso successo di Venere e Adone. I librai, i soli allora a trarre profitto dal successo letterario, poiché allora non esisteva la proprietà letteraria degli autori, stamparono edizione dopo edizione. Durante la vita di Shakespeare, "Venere e Adone" ha attraversato 7 edizioni, "Lucrezia" - 5.

Altre due poesie sono attribuite a Shakespeare, una delle quali, "The Complaint of a Lover", potrebbe essere stata scritta da Shakespeare in gioventù. La poesia "The Passionate Pilgrim" fu pubblicata nel 1599, quando Shakespeare era già noto. La sua paternità è stata messa in dubbio: è possibile che tredici delle diciannove poesie non siano state scritte da Shakespeare. Nel 1601, nella raccolta "Love's Martyr, or Rosalind's Complaint", preparata sotto la direzione del poco noto poeta Robert Chester, fu pubblicato il poema allegorico di Shakespeare "La fenice e la colomba", che fa parte di un ciclo di opere di altri poeti con gli stessi caratteri.

[modificare] Sonetti

Articolo principale:Sonetti di William Shakespeare

Il cosiddetto "ritratto di Chandos" di una persona sconosciuta, in cui si vede tradizionalmente Shakespeare

Un sonetto è una poesia di 14 versi. Nei sonetti di Shakespeare viene adottata la seguente rima: abab cdcd efef gg, cioè tre quartine per rime incrociate, e un distico (un tipo introdotto dal poeta Earl of Surrey, che fu giustiziato sotto Enrico VIII).

In totale, Shakespeare scrisse 154 sonetti e la maggior parte di essi fu creata negli anni 1592-1599. Furono stampati per la prima volta all'insaputa dell'autore nel 1609. Due di essi furono pubblicati già nel 1599 nella raccolta The Passionate Pilgrim. Questi sono sonetti 138 E 144 .

L'intero ciclo di sonetti è suddiviso in gruppi tematici separati:

Sonetti dedicati ad un amico: 1 -126

Cantando un amico: 1 -26

Prove di amicizia: 27 -99

Amarezza della separazione: 27 -32

La prima delusione in un amico: 33 -42

Desiderio e paure: 43 -55

Crescente alienazione e malinconia: 56 -75

Rivalità e gelosia verso altri poeti: 76 -96

"Inverno" della separazione: 97 -99

Celebrazione della rinnovata amicizia: 100 -126

Sonetti dedicati a un amante bruno: 127 -152

Conclusione: la gioia e la bellezza dell'amore: 153 -154

Sonetto 126 viola il canone: ha solo 12 versi e un diverso schema di rime. A volte è considerata una sezione tra due parti condizionali del ciclo: sonetti dedicati all'amicizia (1-126) e rivolti alla "dama oscura" (127-154). Sonetto 145 scritto in tetrametro giambico invece che pentametro e differisce nello stile dagli altri; a volte è attribuito al primo periodo e la sua eroina è identificata con la moglie di Shakespeare Anna Hathaway (il cui cognome, forse come gioco di parole "hate away" è presentato nel sonetto).

Prime pubblicazioni

Si stima che metà (18) delle opere di Shakespeare siano state pubblicate in un modo o nell'altro durante la vita del drammaturgo. La pubblicazione più importante dell'eredità di Shakespeare è considerata il folio del 1623 (il cosiddetto "First Folio"), pubblicato da Edward Blount e William Jaggard come parte del cosiddetto. "Collezione Chester"; stampatori Worrall e Col. Questa edizione include 36 opere di Shakespeare, tutte tranne "Pericle" e "Two Noble Kinsmen". È questa edizione che è alla base di tutte le ricerche nel campo di Shakespeare.

Questo progetto è stato reso possibile grazie agli sforzi di John Heminge e Henry Condell (1556-1630 e Henry Condell, morto nel 1627), amici e colleghi di Shakespeare. Il libro è preceduto da un messaggio ai lettori a nome di Heminge e Condell, nonché da una dedica poetica a Shakespeare - Alla memoria del mio amato, l'Autore - del drammaturgo Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), che fu allo stesso tempo il suo avversario letterario, critico e amico che contribuì alla pubblicazione del First Folio, o come viene anche chiamato - "The Great Folio" (The Great Folio del 1623).

VIII. PRECURSORI

La nuova drammaturgia, che sostituì il teatro del Medioevo - misteri, moralità allegorica e farse popolari primitive, si sviluppò gradualmente.

Negli anni Trenta del XVI secolo, il vescovo Bayle, un ardente protestante, scrisse un'opera teatrale diretta contro il cattolicesimo. Ha illustrato i suoi pensieri con un esempio tratto dalla storia dell'Inghilterra: la lotta del re Giovanni il senza terra (regnato dal 1199 al 1216) contro il papa. In realtà questo re era una persona insignificante, ma era caro al vescovo protestante perché era inimicizia con il papa. Bayle scrisse una morale in cui agivano virtù e vizi personificati. La figura centrale dell'opera si chiamava Virtù. Ma allo stesso tempo si chiamava King John. Tra le figure cupe che personificano i vizi, il nome di uno era Potere sequestrato illegalmente, è anche il Papa; il nome dell'altra è Incitamento alla rivolta, è anche lei legata del Papa. Il "Re Giovanni" di Bayle è una specie di commedia in cui le allegorie della vecchia moralità medievale erano combinate con il nuovo genere storico, che in seguito fiorì nelle opere storiche di Shakespeare. Il "Re Giovanni" di Bayle è stato paragonato dagli storici letterari a un bozzolo: non è più un bruco, ma non ancora una farfalla.

Allo stesso tempo, negli anni Trenta del XVI secolo, iniziò a svilupparsi in Inghilterra il cosiddetto dramma "scolastico". Si chiama così perché è stato creato tra le mura di università e scuole: le commedie sono state scritte da professori e insegnanti, eseguite da studenti e scolari. Ma può anche essere definito un dramma "scolastico", nel senso che gli stessi drammaturghi che lo hanno creato stavano ancora imparando a scrivere opere teatrali studiando autori antichi e imitandoli. Negli anni Trenta del Cinquecento fu scritta la prima commedia in inglese, Ralph Royster-Deuster; il suo autore era un noto insegnante dell'epoca, Nicholas Youdl, direttore della Eton School. Negli anni Cinquanta, i dotti avvocati Sackville e Norton scrissero la prima tragedia in inglese: Gorboduk.

Ma tutto questo era solo "scuola". Le opere drammatiche vere e piene di vita sono apparse solo quando le persone delle università - "menti universitarie" - hanno iniziato a dare le loro commedie ad attori professionisti. Ciò accadde negli anni ottanta del XVI secolo.

Nel 1586 compaiono due commedie che meritano un'attenzione particolare. L'autore del primo è Thomas Kidd (che ha anche scritto la prima commedia su Amleto, che purtroppo non è pervenuta fino a noi).

Il gioco dei bambini è una tipica "tragedia di tuoni e sangue", come si diceva allora. Il titolo stesso è eloquente: "Tragedia spagnola". Questo è un tentativo, ancora primitivo, di rappresentare il potere dei sentimenti umani. Appare in scena la terribile figura della Vendetta, che ricorda le immagini di un'antica moralità. Subito esce lo Spirito dell'Andrea assassinato, il quale, lamentandosi dei vili assassini, chiama a gran voce il suo terribile compagno. L'azione ha inizio. Il giovane Horatio ama la bella ragazza Belimperia, e lei lo ama. Ma Belimperia è amata anche da Balthazar, figlio del re portoghese. Balthasar viene portato ad aiutare il fratello di Belimperia, il criminale Lorenzo. In una notte di luna, quando i giovani, seduti in giardino, si dichiarano il loro amore, entrano in scena assassini mascherati che uccidono Orazio a pugnali. Sul palcoscenico inglese dell'epoca si amava rappresentare omicidi e altri "orrori": a un attore veniva messa una bottiglia di aceto rosso sotto un mantello bianco; il pugnale ha perforato la bolla e sul mantello bianco sono apparse macchie rosse. Dopo aver pugnalato Horatio con i pugnali, gli assassini appendono il suo cadavere a un albero, apparentemente per mostrare più chiaramente al pubblico il cadavere macchiato di sangue. Gli assassini poi portano via con la forza Belimperia. Il padre di Horatio, il vecchio Jeronimo, corre alle sue urla - con una maglietta, con una spada in mano. Vedendo il cadavere del figlio appeso a un albero, pronuncia un fragoroso monologo, invocando vendetta ... Tutto ciò che accade sul palco è osservato dalla Vendetta e dallo Spirito dell'assassinato Andrea, che, rallegrandosi, attende vendetta, perché gli assassini di Horatio sono anche i suoi assassini. Ma il vecchio Jeronimo esita: non è facile vendicarsi del figlio del re. Lo sfortunato vecchio pensa con desiderio alla vita. "O mondo! esclama. "No, non il mondo, ma una raccolta di crimini!" Si paragona a un viaggiatore solitario che ha perso la strada in una notte nevosa... Lo spirito di Andrea è preso dall'ansia. Si rivolge a Vengeance, ma vede che sta dormendo. "Svegliati, Vendetta!" esclama disperato. La vendetta si sta risvegliando. E poi un pensiero colpisce il vecchio Jeronimo. Per raggiungere il suo obiettivo, ha in programma di mettere in scena un'opera teatrale a corte (il lettore ha già notato alcune somiglianze tra questa tragedia e l'Amleto di Shakespeare; ricordiamo ancora una volta che Kidd è stato l'autore della prima opera teatrale su Amleto). Alla rappresentazione messa in scena da Jeronimo partecipano Belimperia, iniziata al suo piano, Balthazar e Lorenzo. Nel corso del gioco, i personaggi devono uccidersi a vicenda. Il vecchio Jeronimo fa in modo che invece di omicidi "teatrali", avvengano veri omicidi. La rappresentazione finisce, ma gli attori non si alzano da terra. Il re spagnolo chiede spiegazioni a Jeronimo. Hieronimo si rifiuta di rispondere e, a conferma del suo rifiuto, si morde la lingua e la sputa. Quindi il re ordina di dargli una penna in modo che scriva una spiegazione. Hieronimo chiede a gesti di dargli un coltello per affilare la sua penna, e si trafigge con questo coltello. Sopra un mucchio di cadaveri insanguinati appare una Vendetta esultante, il che suggerisce che la vera punizione deve ancora arrivare: inizia all'inferno.

Tutto in questa commedia è teatrale, condizionale, melodrammatico fino in fondo. La "tragedia spagnola" di Thomas Kidd è l'antenata di quella tendenza "romantica" nella drammaturgia dell'era shakespeariana, che ha dato origine a tragedie come, ad esempio, "Il diavolo bianco" o "La duchessa di Malfi" del contemporaneo di Shakespeare - Webster.

Nello stesso anno, 1586, fu scritta un'opera teatrale di tipo completamente diverso. Il suo titolo è "Arden dalla città di Feversham" (il suo autore ci è sconosciuto). Questo è un dramma familiare. Racconta come una giovane donna, Alice Arden, e il suo amante Moseby abbiano ucciso il marito di Alice. L'assassinio stesso è raffigurato con grande forza, quando Alice cerca invano di lavare via le macchie di sangue (questo motivo è stato sviluppato con forza grandiosa da Shakespeare in quella famosa scena in cui Lady Macbeth vaga nel dormiveglia, sopraffatta dai ricordi). Tutto in questa commedia è vitale, realistico. E la trama stessa è stata presa in prestito dall'autore dalla vita reale. Nell'epilogo, l'autore chiede al pubblico di perdonarlo per il fatto che non ci sono "decorazioni" nello spettacolo. Secondo l'autore, all'arte basta la “semplice verità”. Questa commedia può essere definita l'antenata di quella tendenza nella drammaturgia dell'era shakespeariana, che si sforzava di rappresentare la vita di tutti i giorni, come il meraviglioso dramma di Thomas Heywood "A Woman Killed by Kindness". L'opera di Shakespeare combina entrambe le correnti: romantica e realistica.

Quello era il prologo. I veri eventi iniziano con l'apparizione sul palcoscenico londinese delle commedie di Christopher Marlowe. Marlowe nacque, come Shakespeare, nel 1564 e aveva solo due mesi più di lui. La patria di Marlo era l'antica città di Canterbury. Il padre di Christopher Marlo possedeva un negozio di scarpe. I genitori mandarono il figlio all'Università di Cambridge, sperando di farlo diventare prete. Tuttavia, dopo essersi laureato all'università, invece dell'altare della chiesa, Marlo è finito sul palco del palcoscenico londinese. Ma non era destinato a diventare un attore. Secondo la leggenda, si è rotto una gamba e ha dovuto smettere di recitare. Poi ha iniziato a scrivere opere teatrali. La sua grandiosa epopea in due parti e dieci atti "Tamerlano il Grande" apparve nel 1587-1588. In questa epopea, Marlo racconta la vita, le guerre e la morte del famoso comandante del XIV secolo.

"Pastore scita", "ladro del Volga" è chiamato Tamerlano nella commedia di Marlo dai re orientali, che rovescia dal trono, catturando i loro regni. L'esercito di Tamerlano, secondo Marlo, è composto da "semplici ragazzi di campagna". Marlo ritrae Tamerlano come un gigante muscoloso. Questo è un uomo di forza fisica fenomenale, volontà indistruttibile e temperamento elementare. Assomiglia alle possenti figure create dallo scalpello di Michelangelo. Il motivo della glorificazione della vita terrena, così tipico del Rinascimento, risuona forte in questa grandiosa epopea drammatica; si sentono le parole dal palco: "Penso che i piaceri celesti non possano essere paragonati alla gioia reale sulla terra!"

Tamerlano, come lo stesso Marlo, è un appassionato libero pensatore. In uno dei suoi monologhi tempestosi e fragorosi, afferma che l'obiettivo dell'uomo è "elevarsi per sempre alla conoscenza infinita ed essere per sempre in movimento, come le sfere celesti che non conoscono riposo". Questo favoloso eroe è pieno di un eccesso di forza. Sale sul palco su un carro, al quale invece dei cavalli sono imbrigliati i re che ha fatto prigioniero. "Ehi, ronzini asiatici viziati!" grida, incitandoli con la frusta.

La commedia successiva di Marlo fu La tragica storia del dottor Faust. È stato il primo adattamento drammatico della famosa leggenda. L'opera di Marlo rifletteva il desiderio umano di conquistare le forze della natura, così caratteristico del Rinascimento. Faust vende la sua anima a Mefistofele per "ottenere i doni d'oro della conoscenza" e "penetrare nel tesoro della natura". Sogna di racchiudere la sua città natale con un muro di rame e renderla inaccessibile al nemico, cambiare il corso dei fiumi, gettare un ponte sull'Oceano Atlantico, riempire Gibilterra e collegare l'Europa e l'Africa in un unico continente ... "Com'è grandioso tutto è!" - ha osservato Goethe, che ha utilizzato alcune delle caratteristiche della tragedia di Marlo per il suo Faust.

La grandiosa portata della fantasia, la potente pressione delle forze, come con difficoltà, caratterizzano il lavoro di Marlo. "Il potente verso di Marlo", ha scritto Ben Jonson. Shakespeare parla anche del "potente detto" di Marlowe.

I puritani, che hanno creato il codice della nuova morale borghese, erano indignati per l'appassionato libero pensatore che predicava apertamente le sue opinioni. Una dopo l'altra, le denunce arrivarono al Queen's Privy Council. E anche la gente comune, sebbene le commedie di Marlowe riscuotessero un enorme successo tra loro, a volte guardava ciò che accadeva sul palco non senza paura superstiziosa. C'era persino una voce del genere a Londra. Una volta, dopo l'esibizione di Faust, si è scoperto che l'attore che interpretava il ruolo di Mefistofele era malato e non andava a teatro. Chi, allora, interpretò Mefistofele quel giorno? Gli attori si sono precipitati nel camerino e solo allora, dall'odore di zolfo, hanno intuito che quel giorno il diavolo in persona si sarebbe esibito sul palco londinese.

Marlo ha scritto molte altre opere teatrali (la sua opera migliore in termini di vivacità dei ritratti umani che ha creato è la cronaca storica "Re Edoardo II"). Ma il suo straordinario talento non era destinato a manifestarsi in pieno vigore. Il 30 maggio 1593, Christopher Marlowe, nel suo trentesimo anno, fu ucciso in una taverna. I puritani si rallegrarono. "Il Signore ha piantato questo cane che abbaia sull'amo della vendetta", ha scritto uno di loro.

Molte leggende si sono sviluppate attorno alla morte di Marlo. Alcune leggende raccontano che Marlo morì in una rissa tra ubriachi, dopo aver litigato con il suo assassino per una prostituta; altri che cadde difendendo l'onore di una fanciulla innocente. Queste leggende sono state ascoltate seriamente fino a poco tempo fa. E solo nel 1925, la professoressa americana Leslie Hotson riuscì a trovare negli archivi inglesi documenti che gettano nuova luce sulle circostanze della morte di Marlo (le scoperte di Hotson sono esposte nel libro: Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925). E si è scoperto che l'omicidio di Marlo era opera del Consiglio privato della regina Elisabetta; all'omicidio di Marlo era presente un certo Field, un agente del Consiglio privato.

Morì così, senza rivelare appieno le sue forze creative, il "padre del dramma inglese" Christopher Marlowe. E proprio in quell'anno, quando tramontò la sua stella, ardente di uno splendore luminoso, appassionato e irregolare, la stella di William Shakespeare iniziò a sorgere nel cielo teatrale di Londra. A differenza dei suoi predecessori, che avevano un'istruzione universitaria, "menti universitarie", questo nuovo drammaturgo era un semplice attore.

Abbiamo citato solo alcuni dei predecessori di Shakespeare. In realtà, Shakespeare ha fatto ampio uso dell'intero passato letterario della sua terra natale. Ha preso molto in prestito da Chaucer (ad esempio, il poema di Shakespeare "Lucretia" con le sue radici nella trama ci porta a "Legends of Good Women" di Chaucer; le immagini di Teseo e Ippolita nella commedia "Sogno di una notte di mezza estate" sono state probabilmente ispirate da " The Knight's Tale" dai famosi Canterbury Tales di Chaucer, il poema di Chaucer Troilus and Cressida ha influenzato l'omonima commedia di Shakespeare, ecc.). Shakespeare doveva molto a Edmund Spenser, autore di The Faerie Queene, e ad altri poeti della sua scuola. Da "Arcadia" di Philip Sidney, Shakespeare ha preso in prestito la trama, che ha incarnato nell'immagine di Gloucester, tradito da suo figlio Edmund ("Re Lear") - Shakespeare ha anche reso omaggio all'eufuismo. Infine, tra i predecessori di Shakespeare, vanno citati i narratori anonimi delle ballate popolari inglesi. È nella ballata popolare inglese che nasce il dramma tragico dell'azione, così tipico dell'opera di Shakespeare e dei suoi contemporanei. Molti pensieri e sentimenti che esistono da tempo tra la gente e riflessi nelle ballate e nelle canzoni popolari hanno trovato una brillante incarnazione artistica nell'opera di Shakespeare. Le radici di questa creatività affondano nel terreno popolare.

Tra le opere della letteratura straniera, Shakespeare è stato principalmente influenzato dai racconti italiani Boccaccio e Bandello, dai quali Shakespeare ha preso in prestito una serie di trame per le sue opere. Una raccolta di racconti italiani e francesi tradotti in inglese, intitolata The Hall of Delights, era il manuale di Shakespeare. Per le sue "tragedie romane" ("Giulio Cesare", "Coriolano", "Antonio e Cleopatra") Shakespeare prese trame dalle Vite di personaggi famosi di Plutarco, che lesse nella traduzione inglese di North. Tra i suoi libri preferiti c'erano anche le Metamorfosi di Ovidio nella traduzione inglese di Golding.

L'opera di Shakespeare è stata preparata da molti poeti, scrittori e traduttori.

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William Shakespeare è considerato un brillante poeta e drammaturgo non solo in Gran Bretagna, ma in tutto il mondo. È generalmente accettato che le sue opere siano una sorta di enciclopedia dei rapporti umani, sono come uno specchio in cui le persone, grandi e insignificanti, si presentano nella loro essenza. Ha scritto 17 commedie, 11 tragedie, 10 cronache, 5 poesie e 154 sonetti. Sono studiati nelle scuole, negli istituti di istruzione superiore. Nessun drammaturgo è stato in grado di raggiungere una tale grandezza come Shakespeare è stato premiato dopo la sua morte. Fino ad ora, scienziati di diversi paesi stanno cercando di risolvere la questione di come potrebbe apparire un tale creatore nel XVI secolo, le cui opere 400 anni dopo rimangono ancora rilevanti.

Non c'è consenso sull'origine di Shakespeare. La data esatta della sua nascita è sconosciuta. Secondo informazioni generalmente accettate, nacque a Stratford-upon-Avon, vicino a Birmingham, e vi fu battezzato il 26 aprile 1564. Suo padre era un commerciante di carne, aveva due case ed è stato eletto sindaco. Ma nella famiglia di Shakespeare nessuno si occupava di questioni di letteratura, storia e, inoltre, non amava il teatro. Non c'era ambiente a Stratford che potesse allevare un futuro drammaturgo.

Il giovane William frequentava una scuola per bambini non molto abbienti, che insegnava gratuitamente. All'età di 14 anni si laureò e all'età di 18 anni fu costretto a sposare la figlia di un ricco contadino - presumibilmente la sua famiglia aveva una situazione finanziaria difficile. Sua moglie, Anne Hathaway, aveva 8 anni più di William.

Shakespeare, a quanto pare, fu deluso dal suo matrimonio e andò a lavorare a Londra. Ci sono prove che si unì a un gruppo di attori itineranti. Fu a Londra che iniziò a scrivere poesie, poesie, dedicandole a persone influenti. È probabile che così facendo abbia attirato l'attenzione dei ricchi. Gli fu consigliato di andare a teatro. È vero, non è stato accettato come attore, ma gli è stato offerto di servire i cavalli dei visitatori. Lui ha acconsetito. Poi si è cimentato come suggeritore. Mostrò abilità letterarie e iniziarono a dargli varie opere teatrali per la revisione: drammi, commedie. È possibile che la conoscenza di queste opere, la performance degli attori sul palco gli abbia fatto venire voglia di cimentarsi come autore. E all'età di 25 anni ha scritto la sua prima commedia sulla guerra tra due dinastie. Dietro di lei, un altro e un altro. Alcuni sono stati accettati per la produzione e hanno avuto successo con il pubblico.

Shakespeare ha scritto per il Globe Theatre, che è stato costruito nel 1599 a spese di attori, incluso Shakespeare. Sul frontone dell'edificio c'era il detto dell'autore romano Petronio l'Arbitro: "Il mondo intero è un teatro, tutte le persone in esso sono attori". L'edificio fu distrutto da un incendio il 29 giugno 1613.

Le opere di Shakespeare differivano da quelle tradizionali per il loro contenuto profondo. Lui, come nessuno prima di lui, ha introdotto un intrigo entusiasmante e ha dimostrato come una situazione cambiata cambia le persone. Ha dimostrato che una grande persona in una nuova situazione può agire in modo basso e, al contrario, una persona insignificante può compiere una grande azione. Ha rivelato l'essenza morale dei personaggi, man mano che la trama si sviluppava, ognuno mostrava il proprio personaggio e il pubblico si immedesimava in ciò che stava accadendo sul palco. Le opere drammatiche di Shakespeare si sono rivelate con un alto pathos morale.

Ma non poteva fare a meno delle difficoltà: con le sue commedie privava altri autori dei loro guadagni, il pubblico voleva Shakespeare, andava ai suoi drammi. Ha preso in prestito storie da autori antichi, ha usato cronache storiche. Per questi prestiti, è stato soprannominato "il corvo tra le piume degli altri".

Le commedie portarono al teatro un buon reddito e lo stesso Shakespeare si arricchì. Ha comprato una casa nella sua terra natale a Stratford, poi ha comprato una casa a Londra, ha dato soldi a interesse. Era un autore prospero e fu persino insignito dello stemma della nobiltà raffigurante un falco con una lancia.

Shakespeare visse per piacere e si ritiene che sia morto dopo un'allegra festa con gli amici.

Le persone vicine a Shakespeare, i suoi contemporanei, hanno apprezzato il lavoro del loro preferito: hanno predetto la sua vita eterna nel mondo del teatro. E così è successo. Del genio di Shakespeare si parlò anche molti anni dopo la sua morte, quando le sue opere entrarono nel repertorio dei maggiori teatri del mondo.

I suoi eroi sono diventati un simbolo di tragiche situazioni di vita: Romeo e Giulietta - amore disinteressato, Lady Macbeth - criminalità, Iago e Otello - inganno e creduloneria, Falstaff - codardia e vanteria, Amleto - lancio tra sentimento e dovere.

Shakespeare era un drammaturgo nato, aiuta lo spettatore a dare uno sguardo nuovo a se stesso e al mondo.