Pittori fiamminghi del XVII secolo. Artisti belgi moderni Artisti belgi del XX secolo

Ci sono diversi musei lungo la strada. In questo articolo vi parlerò dei Musei Reali di Belle Arti di Bruxelles. Piuttosto, è un intero complesso composto da sei musei.

Quattro nel centro di Bruxelles:

*Museo d'Arte Antica.
Una meravigliosa collezione di antichi maestri dal XV al XVIII secolo.
La maggior parte di questa collezione è costituita da dipinti di artisti dei Paesi Bassi meridionali (fiammingi). I capolavori di maestri come Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel il Vecchio, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens e altri...
La collezione ebbe origine durante la Rivoluzione Francese, quando molte opere d'arte furono sequestrate dagli invasori. Una parte significativa è stata trasportata a Parigi, e da ciò che è stato immagazzinato, il museo è stato fondato da Napoleone Bonaparte nel 1801. Tutti i valori confiscati tornarono da Parigi a Bruxelles solo dopo la deposizione di Napoleone. Dal 1811 il museo divenne proprietà della città di Bruxelles. Con l'emergere del Regno Unito dei Paesi Bassi sotto il re Guglielmo I, i fondi del museo si espansero notevolmente.

Roberto Campin. "Annunciazione", 1420-1440

Giacobbe Giordane. Satiro e contadini, 1620

*Museo d'Arte Moderna.
La collezione d'arte contemporanea comprende opere dalla fine del XVIII secolo ai giorni nostri. La base della collezione è il lavoro di artisti belgi.
Il famoso dipinto di Jacques-Louis David - La morte di Marat può essere visto nella parte vecchia del museo. La collezione illustra il neoclassicismo belga e si basa su opere dedicate alla Rivoluzione belga e alla fondazione del paese.
Ora è presentato al pubblico sotto forma di mostre temporanee nella cosiddetta sala "Patio". Questi consentono una rotazione regolare di opere d'arte contemporanea.
Il museo ospita "Salome" di Alfred Stevens, il più famoso rappresentante dell'impressionismo belga. E vengono presentate anche opere famose come "Russian Music" di James Ensor e "Tenderness of the Sphinx" di Fernand Khnopf. Tra i maestri del XIX secolo rappresentati nel museo, spiccano i capolavori di Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet e Henri Fantin-Latour. Dipinto francese della fine del XIX secolo. rappresentato da "Ritratto di Suzanne Bambridge" di Paul Gauguin, "Primavera" di Georges Seurat, "Baia" di Paul Signac, "Due discepoli" di Edouard Vuillard, paesaggio di Maurice Vlaminck e scultura di Auguste Rodin "Cariatide", "Ritratto di un contadino" di Vincent van Gogh (1885. ) e Natura morta con fiori di Lovis Corinth.

Jean Louis David. "Morte di Marat", 1793

Gustav Wapper. "Episodio dei giorni di settembre", 1834

*Museo Magritte.
Inaugurato nel giugno 2009. In onore del pittore surrealista belga René Magritte (21 novembre 1898 – 15 agosto 1967). La collezione del museo contiene più di 200 opere tra oli su tela, gouache, disegni, sculture e oggetti dipinti, oltre a manifesti pubblicitari (ha lavorato per molti anni come cartellonista e pubblicitario in una cartiera), vecchie fotografie e filmati girati dallo stesso Magritte.
Alla fine degli anni '20 Magritte firma un contratto con la Galleria Cento di Bruxelles e si dedica così interamente alla pittura. Ha creato il dipinto surreale "The Lost Jockey", che considerava il suo primo dipinto di successo nel suo genere. Nel 1927 organizza la sua prima mostra. Tuttavia, i critici lo riconoscono come infruttuoso e Magritte parte per Parigi, dove incontra Andre Breton e si unisce alla sua cerchia di surrealisti. Acquisisce uno stile inconfondibile che rende riconoscibili i suoi dipinti. Al suo ritorno a Bruxelles, continua il suo lavoro in un nuovo stile.
Il museo è anche un centro di ricerca per l'eredità dell'artista surrealista.

*Museo della fine del secolo (Fin de siècle).
Il museo riunisce opere della fine dell'Ottocento e dell'inizio del Novecento, la cosiddetta "fine del secolo", prevalentemente di carattere avanguardista. Pittura, scultura e grafica da un lato, ma anche arti applicate, letteratura, fotografia, cinema e musica dall'altro.
Sono rappresentati principalmente artisti belgi, ma anche opere di maestri stranieri che si inseriscono nel contesto. Opere di artisti che facevano parte dei grandi movimenti progressisti degli artisti belgi dell'epoca.

E due in periferia:

*Museo Wirtz
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - Pittore belga (1806-1865). Nel 1835 dipinse il suo primo dipinto significativo, La lotta dei greci con i troiani per il possesso del cadavere di Patroclo, che non fu accettato per una mostra a Parigi, ma suscitò un forte entusiasmo in Belgio. Segue: “La morte di S. Dionisio", il trittico "La Deposizione" (con le figure di Eva e Satana sulle ali), "La Fuga in Egitto", "La Rivolta degli Angeli" e la migliore opera dell'artista, "Il Trionfo di Cristo" . L'originalità del concetto e della composizione, il vigore dei colori, l'audace gioco di effetti di luce e il tratto ampio del pennello hanno dato alla maggior parte dei belgi un motivo per considerare Wirtz come il revivalista della loro vecchia pittura storica nazionale, come il diretto erede di Rubens. Più avanti, più eccentriche diventavano le sue storie. Per le sue opere, per lo più di enormi dimensioni, nonché per gli esperimenti nell'applicazione della pittura opaca da lui inventata, il governo belga gli costruì un vasto laboratorio a Bruxelles. Qui Wirtz, che non vendeva nessuno dei suoi quadri ed esisteva solo come ordini di ritratti, raccolse tutte le sue opere, a suo avviso, capitali e le lasciò in eredità, insieme alla bottega stessa, come eredità al popolo belga. Ora questo laboratorio è il Museo Wirtz. Memorizza fino a 42 dipinti, inclusi i suddetti sei.

*Museo Meunier
Il museo è stato aperto in onore di Constantin Meunier (1831-1905), nato e cresciuto in una povera famiglia di immigrati dalla regione belga del Borinage. Fin dall'infanzia conosceva la difficile situazione sociale e l'esistenza spesso miserabile dei minatori e delle loro famiglie. Meunier ha catturato le sue impressioni sulla vita della regione mineraria in forme plastiche, dimostrando un uomo di lavoro come una personalità armoniosamente sviluppata. Lo scultore ha sviluppato una tale immagine di lavoratore, che riflette il suo orgoglio e la sua forza, e che non si vergogna della sua professione di caricatore o scaricatore. Riconoscendo una certa idealizzazione con cui Meunier ha creato i suoi eroi, bisogna anche riconoscere il suo grande merito storico nel fatto che è stato uno dei primi maestri a fare di un uomo impegnato nel lavoro fisico il tema centrale della sua opera, mentre lo mostra come un creatore pieno di dignità interiore.

L. Aleshina

Un piccolo paese che in passato ha dato al mondo alcuni dei più grandi artisti - basti citare i fratelli van Eyck, Brueghel e Rubens - il Belgio all'inizio del XIX secolo. ha vissuto una lunga stagnazione dell'arte. Un certo ruolo in questo fu svolto dalla posizione politicamente ed economicamente subordinata del Belgio, che fino al 1830 non aveva l'indipendenza nazionale. Solo quando, dall'inizio del nuovo secolo, si sviluppa sempre più fortemente il movimento di liberazione nazionale, prende vita l'arte, che presto occuperà un posto importantissimo nella vita culturale del Paese. È almeno significativo che, rispetto ad altri paesi europei, il numero di artisti nel piccolo Belgio rispetto alla popolazione fosse molto elevato.

Nella formazione della cultura artistica belga del XIX secolo. le grandi tradizioni della pittura nazionale hanno giocato un ruolo importante. Il legame con le tradizioni si esprimeva non solo nell'imitazione diretta di molti artisti dei loro eccezionali predecessori, sebbene ciò fosse caratteristico della pittura belga, soprattutto a metà del secolo. L'influenza delle tradizioni ha influenzato le specificità della scuola d'arte belga dei tempi moderni. Una di queste caratteristiche specifiche è l'impegno degli artisti belgi verso il mondo oggettivo, verso la vera carne delle cose. Di qui il successo dell'arte realistica in Belgio, ma anche alcuni limiti nell'interpretazione del realismo.

Una caratteristica della vita artistica del paese è stata la stretta interazione durante tutto il secolo della cultura belga con la cultura francese. Giovani artisti e architetti vi si recano per approfondire le proprie conoscenze. A loro volta, molti maestri francesi non solo visitano il Belgio, ma ci vivono anche per molti anni, partecipando alla vita artistica del loro piccolo vicino.

All'inizio del XIX secolo, il classicismo dominava la pittura, la scultura e l'architettura del Belgio, come in molti altri paesi europei. Il pittore più importante di questo periodo fu François Joseph Navez (1787-1869). Studiò prima a Bruxelles, poi dal 1813 a Parigi con David, che accompagnò in esilio a Bruxelles. Durante gli anni del suo esilio belga, il notevole maestro francese godette del massimo prestigio tra gli artisti locali. Navez era uno degli studenti preferiti di David. Il suo lavoro è incomparabile. Le composizioni mitologiche e bibliche, in cui ha seguito i canoni del classicismo, sono senza vita e fredde. I ritratti, che costituiscono la maggior parte del suo patrimonio, sono molto interessanti. Nei suoi ritratti, l'osservazione attenta e attenta e lo studio della natura si univano a un'idea sublimemente ideale della personalità umana. Le migliori caratteristiche del metodo classico - forte costruzione compositiva, pienezza plastica della forma - si fondono armoniosamente nei ritratti di Navez con l'espressività e la specificità dell'immagine della vita. Il ritratto della famiglia Hemptinne (1816; Bruxelles, Museum of Modern Art) sembra essere il più alto nelle sue qualità artistiche.

Il difficile compito di un ritratto con tre personaggi viene risolto con successo dall'artista. Tutti i membri della giovane famiglia - una coppia sposata con una figlia piccola - sono raffigurati in pose vivaci e rilassate, ma con un senso di forte connessione interiore. La combinazione di colori del ritratto testimonia il desiderio di Navez di comprendere le tradizioni classiche della pittura fiamminga, risalenti a van Eyck. Colori puri e radiosi si fondono in un gioioso accordo armonico. Un eccellente ritratto della famiglia Hemptinne è vicino nella sua forza plastica, accuratezza documentaria alle ultime opere di ritratto di David, e nei testi, il desiderio di trasmettere la vita interiore dell'anima è associato al romanticismo già emergente. Ancora più vicino al romanticismo è l'autoritratto di Navez in giovane età (1810; Bruxelles, collezione privata), dove l'artista si ritrae con una matita e un album tra le mani, fissando vividamente e intensamente qualcosa di fronte a sé. Navez ha svolto un ruolo molto significativo come insegnante. Molti artisti hanno studiato con lui, che in seguito hanno costituito il nucleo della tendenza realistica nella pittura belga.

La crescita del sentimento rivoluzionario nel paese ha contribuito al trionfo dell'arte romantica. La lotta per l'indipendenza nazionale portò a un'esplosione rivoluzionaria nell'estate del 1830, a seguito della quale il Belgio ruppe i legami con i Paesi Bassi e formò uno stato indipendente. L'arte ha svolto un ruolo importante nello svolgersi degli eventi. Suscitava sentimenti patriottici, accendeva umori ribelli. Come è noto, l'esecuzione dell'opera di Aubert Il muto di Portici fu la causa immediata della rivolta rivoluzionaria di Bruxelles.

Alla vigilia della rivoluzione nella pittura belga, sta prendendo forma una direzione patriottica del genere storico. Il leader di questa tendenza fu il giovane artista Gustave Wappers (1803-1874), che nel 1830 espose il dipinto "L'autosacrificio del borgomastro van der Werf all'assedio di Leida" (Utrecht, Museo). Cantando le gesta eroiche dei loro antenati, i maestri di questa direzione si rivolgono al linguaggio romantico delle forme. La patetica esaltazione della struttura figurativa, l'accresciuto suono colorato del colore è stata percepita dai contemporanei come una rinascita delle tradizioni pittoriche primordialmente nazionali, rappresentate in modo più vivido da Rubens.

Negli anni '30. La pittura belga, grazie alle tele del genere storico, sta guadagnando riconoscimento nell'arte europea. Il suo carattere programmatico e patriottico, che serviva ai compiti comuni dello sviluppo del Paese, determinò questo successo. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle furono tra gli artisti più apprezzati in Europa. Tuttavia, molto presto questa direzione ha rivelato i suoi lati limitati. I più riusciti furono quei lavori che riflettevano il pathos del movimento di liberazione nazionale del popolo, che erano ispirati dall'eroismo delle battaglie passate e presenti per la libertà. Non è un caso che le Giornate di settembre del 1830 di Wappers (1834-1835; Bruxelles, Museum of Modern Art) abbiano avuto il maggior successo. L'artista ha creato una tela storica su materiale moderno, ha rivelato il significato degli eventi rivoluzionari. Viene mostrato uno degli episodi della rivoluzione. L'azione si svolge nella piazza centrale di Bruxelles. L'ondata tempestosa del movimento popolare è trasmessa da una composizione diagonale squilibrata. La disposizione dei gruppi e di alcune figure evoca il dipinto di Delacroix "La libertà che guida il popolo", che fu un indubbio modello per l'artista. Allo stesso tempo, Wappers in questa tela è in qualche modo esterno e dichiarativo. Le sue immagini sono in parte caratterizzate da vistosità teatrale, dimostratività nell'esprimere sentimenti.

Poco dopo che il Belgio ottenne l'indipendenza, la pittura storica perse la sua profondità di contenuto. Il tema della liberazione nazionale sta perdendo la sua rilevanza, la sua base sociale. Il quadro storico si trasforma in un magnifico spettacolo in costume con una trama divertente. Due tendenze si stanno cristallizzando nella pittura storica; da un lato, si tratta di tele monumentali e pompose; l'altra direzione è caratterizzata da un'interpretazione di genere della storia. Le tradizioni pittoriche nazionali sono intese in modo molto superficiale, come la somma di tecniche e mezzi non determinati dall'influenza dell'epoca. Ci sono molti artisti che vedono tutta la loro vocazione nei generi pittorici, come "maestri del XVII secolo", o nelle scene storiche, "come Rubens".

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) pretenziosamente, ma senza successo, si sforza di combinare i risultati di Michelangelo e Rubens nelle sue enormi tele storiche e simboliche. Hendrik Leys (1815-1869) dipinge per la prima volta piccoli quadri storici di genere, imitando i colori di Rembrandt. Dagli anni '60. passa a vaste composizioni a più figure con scene quotidiane del Rinascimento settentrionale, nel modo di esecuzione delle quali segue l'ingenua accuratezza e dettaglio dei maestri di questo periodo.

Tra i numerosi pittori storici della metà del secolo, merita menzione Louis Galle (1810-1887), i cui dipinti si distinguono per sobrietà e composizione laconica, e le cui immagini sono note per il loro significato interiore e nobiltà. Un tipico esempio è il dipinto "Gli ultimi onori ai resti dei conti Egmont e Horn" (1851; Tournai, Museo, ripetizione del 1863 - Museo Pushkin). Queste stesse qualità sono ancora più caratteristiche dei suoi dipinti di genere, come "The Fisherman's Family" (1848) e "Slavonets" (1854; entrambi Hermitage).

A poco a poco, la pittura storica del Belgio perde il suo ruolo di primo piano nel sistema dei generi, ed è in primo piano dagli anni '60 circa. esce la pittura domestica. I pittori di genere della metà del secolo, di regola, imitavano gli artisti del XVII secolo, dedicandosi alla creazione di scene divertenti nelle taverne o negli accoglienti interni domestici. Tali sono i numerosi dipinti di Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) è molto tradizionale nei suoi soggetti, raffiguranti figure solitarie in una tranquilla occupazione in interni pieni di luce. Il suo merito sta nel risolvere il problema dell'illuminazione e dell'atmosfera ariosa attraverso la pittura moderna.

Lo sviluppo capitalista del Paese, avvenuto ad un ritmo rapidissimo dopo l'ottenimento dell'indipendenza, già negli anni '60. poneva nuovi problemi all'arte. La modernità comincia sempre più a invadere la cultura artistica del Belgio. La giovane generazione di artisti propone lo slogan del realismo, mostrando gli aspetti caratteristici della vita circostante. Nelle loro aspirazioni, hanno fatto affidamento sull'esempio di Courbet. Nel 1868 fu fondata a Bruxelles la Società Libera di Belle Arti. I più significativi dei suoi partecipanti furono Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois. Tutti loro hanno inventato lo slogan del realismo, con un appello alla lotta contro la vecchia arte, con i suoi temi lontani dalla vita e il linguaggio artistico obsoleto. La rivista Free Art, che iniziò la pubblicazione nel 1871, divenne l'araldo delle visioni estetiche di questa società. divenne noto per i dipinti della vita degli strati inferiori della società. Il suo modo di scrivere è vicino a Courbet. La colorazione è sostenuta in toni scuri e sobri, emotivamente corrispondenti alla dolorosa tristezza del raffigurato. Tale è l'immagine "Coffee Roaster" (anni '60; Anversa, Museo); qui i poveri vengono mostrati mentre si riscaldano in una buia e fredda giornata invernale fuori da un braciere dove vengono arrostiti i chicchi di caffè. La profonda simpatia per gli svantaggiati caratterizza il lavoro dell'artista.

Il realismo in Belgio ha conquistato molto presto una posizione di forza in tutti i generi artistici. Appare un'intera galassia di paesaggisti, mostrando in modo veritiero e allo stesso tempo diverso la loro natura nativa: la cosiddetta scuola Tervuren (dal nome di un luogo situato in una foresta vicino a Bruxelles). Il capo della scuola, Hippolyte Boulanger (1837-1874), dipinge paesaggi forestali sottili, un po 'malinconici, simili nel colore al Barbizon. Percepisce più energicamente la natura di Louis Artan (1837-1890). Molto spesso, ha raffigurato vedute del mare e della costa. La sua macchia è dinamica e resistente; l'artista cerca di trasmettere l'atmosfera mutevole, l'atmosfera del paesaggio.

Felicien Rops (1833-1898) occupava un posto speciale nell'arte belga. Nonostante il maestro abbia trascorso una parte significativa della sua vita creativa in Francia, ha partecipato attivamente al processo artistico belga. La fama piuttosto scandalosa dell'artista - come cantante di cocottes parigine spesso oscura il suo ruolo molto importante nella vita culturale del Belgio. Rops è uno dei fondatori della rivista letteraria e artistica Ulenspiegel (fondata a Bruxelles nel 1856) e il primo illustratore del celebre romanzo di Charles de Coster (1867). Le illustrazioni realizzate con la tecnica dell'acquaforte danno incarnazioni nitide e interessanti delle immagini dei personaggi principali del romanzo. Rops è stato un brillante maestro del disegno e un attento osservatore della vita moderna, come testimoniano molte delle sue opere.

Architettura belga fino alla fine del XIX secolo. non ha creato nulla di significativo. Nella prima metà del secolo furono costruiti diversi edifici nello stile del classicismo, improntati al gusto rigoroso (Palazzo dell'Accademia a Bruxelles -1823-1826, architetto Charles van der Straten; serre nell'Orto Botanico di Bruxelles - 1826- 1829, architetti F.-T. Seys e P.-F. Ginest). Dalla metà del secolo, nell'architettura è cresciuto l'eclettismo sfrenato e il desiderio di creare magnifici edifici pomposi. Caratteristici, ad esempio, sono l'edificio della Borsa di Bruxelles (1873-1876, architetto L. Seiss), l'edificio del Museo di Arte Antica nello stesso luogo (1875-1885, architetto A. Bala). Il prospero capitalismo belga cerca di creare un monumento al suo potere. Nasce così l'edificio del Palazzo di Giustizia a Bruxelles (1866-1883, architetto J. Poulart), una delle strutture più grandiose d'Europa, contraddistinta da un pretenzioso e assurdo accatastamento e mescolanza di ogni genere di forme architettoniche. Allo stesso tempo, la stilizzazione gioca un ruolo importante nell'architettura del Belgio: molte chiese, municipi e altri edifici pubblici vengono costruiti imitando lo stile gotico, rinascimentale fiammingo e romanico.

Scultura belga fino all'ultimo quarto del XIX secolo. rimasto indietro nel suo sviluppo rispetto alla pittura. Negli anni '30. sotto l'influenza di idee patriottiche, tuttavia, furono create diverse statue interessanti. Prima di tutto, è necessario notare le opere di Willem Gefs (1805-1883 - la sua lapide del conte Frederic de Merode, caduto nelle battaglie rivoluzionarie a Bruxelles (1837, Bruxelles, Cattedrale di Santa Gudula), e la statua del generale Belliard, in piedi su una delle piazze della capitale ( 1836.) La metà del secolo in Belgio, come in molti altri paesi, fu segnata dal declino dell'arte della scultura.

In questi anni difficili per l'arte monumentale, si sta formando l'opera del più grande artista belga Constantin Meunier (1831-4905). Meunier ha iniziato i suoi studi presso l'Accademia di Belle Arti di Bruxelles nella classe di scultura. Qui, a metà del secolo, dominava un sistema accademico conservatore; gli insegnanti nel loro lavoro e nel loro insegnamento seguivano il modello e la routine, esigendo l'abbellimento della natura in nome di un ideale astratto. Le prime opere plastiche di Meunier erano ancora molto vicine a questa direzione ("Garland"; fu esposta nel 1851, non è stata conservata). Ben presto, però, abbandona la scultura e si dedica alla pittura, divenendo allievo di Navez. Quest'ultimo, pur essendo in quegli anni un simbolo di desueto classicismo, potrebbe insegnare una sicura padronanza del disegno, modellazione plastica della forma in pittura e comprensione del grande stile. Un altro flusso di influenze sul giovane maestro in quel momento era legato alla sua amicizia con Charles de Groux, alla sua conoscenza delle opere dei realisti francesi: Courbet e Millet. Meunier cerca un'arte profondamente significativa, l'arte delle grandi idee, ma all'inizio non si rivolge a un tema moderno, ma alla pittura religiosa e storica. Particolarmente interessante è il dipinto "Episodio della guerra dei contadini del 1797" (1875; Bruxelles, Museo di arte moderna). L'artista sceglie una delle scene finali della rivolta, che si è conclusa con una sconfitta. Descrive ciò che è accaduto come una tragedia nazionale e allo stesso tempo mostra la volontà inflessibile della gente. L'immagine è molto diversa dalle altre opere del genere storico belga di quegli anni. Ecco un approccio diverso alla comprensione della storia, del realismo nella rappresentazione dei personaggi, dell'emotività penetrante del raffigurato e dell'introduzione del paesaggio come ambiente dal suono attivo.

Alla fine degli anni '70. Meunier cade nel "paese nero" - le regioni industriali del Belgio. Qui apre un mondo completamente nuovo, non ancora riflesso nell'arte da nessuno. I fenomeni della vita con i loro aspetti di bellezza completamente diversi hanno dettato un nuovo linguaggio artistico, il loro colore speciale. Meunier crea quadri dedicati al lavoro dei minatori, dipinge tipi di minatori e donne minatori, cattura i paesaggi di questo "paese nero". La nota principale nei suoi dipinti non è la compassione, ma la forza dei lavoratori. Proprio questo è il significato innovativo dell'opera di Meunier. Le persone non sono oggetto di pietà e simpatia, le persone come creatore di grandi valori di vita, esigendo così già un atteggiamento degno verso se stesse. In questo riconoscimento del grande significato dei lavoratori nella vita della società, Meunier si trovava oggettivamente al livello dei pensatori più avanzati dell'epoca.

Nei suoi dipinti, Meunier usa il linguaggio della generalizzazione. Scolpisce la forma con l'aiuto del colore. La sua colorazione è rigorosa e sobria: uno o due punti luminosi colorati sono intervallati da toni di grigio terroso, che fanno suonare l'intera gamma aspra. La sua composizione è semplice e monumentale, usa il ritmo di linee semplici e chiare. Caratteristico è il dipinto "Ritorno dalla miniera" (1890 circa; Anversa, Museo). Tre lavoratori, come se passassero lungo la tela, sono disegnati in una chiara sagoma contro il cielo fumoso. Il movimento delle figure si ripete e allo stesso tempo varia il motivo generale. Il ritmo del gruppo e il ritmo dello spazio dell'immagine creano una soluzione armoniosa ed equilibrata. Le figure sono spostate sul bordo sinistro dell'immagine, tra loro e la cornice laterale destra c'è un pezzo di spazio libero aperto. La chiarezza e la generalizzazione della sagoma del gruppo, il laconismo dell'immagine di ogni figura conferiscono alla composizione il carattere di un bassorilievo quasi plastico. Passando a un nuovo argomento che lo affascinava, Meunier ben presto ricordò la sua vocazione originaria. La generalizzazione, il laconismo dei mezzi del linguaggio plastico non potrebbero essere meglio utilizzati per cantare la bellezza del lavoro umano. Dalla metà degli anni '80. uno dopo l'altro compaiono statue e rilievi di Meunier, che glorificano il suo nome, costituendo un'era nello sviluppo delle arti plastiche nel XIX secolo. Il tema principale e l'immagine dello scultore è il lavoro, i lavoratori: martellatori, minatori, pescatori, minatori, contadini. La scultura, che prima era limitata a una ristretta cerchia di soggetti condizionali e figure lontane dalla modernità, la gente del lavoro è entrata con passo pesante e sicuro. Il linguaggio plastico, fino ad allora completamente evirato, acquisì nuovamente una pesante forza bruta, una potente persuasività. Il corpo umano ha mostrato le nuove possibilità di bellezza nascoste in esso. Nel rilievo "Industria" (1901; Bruxelles, Museo Meunier), la tensione di tutti i muscoli, la flessibilità elastica e la forza delle figure, il respiro affannoso che lacera il petto, le mani pesanti e gonfie - tutto ciò non sfigura una persona, ma gli conferisce potere e bellezza speciali. Meunier divenne il fondatore di una nuova straordinaria tradizione: la tradizione di rappresentare la classe operaia, la poesia del processo lavorativo.

Le persone ritratte da Meunier non assumono pose squisitamente belle o tradizionalmente classiche. Sono visti e presentati dallo scultore in una posizione veramente reale. I loro movimenti sono rudi, come, ad esempio, nel forte, altezzoso "The Hauler" (1888; Bruxelles, Museo Meunier), a volte persino goffo ("The Pudding Man", 1886; Bruxelles, Museum of Ancient Art). Nel modo in cui queste figure stanno in piedi o si siedono, si sente l'impronta lasciata dal lavoro sul loro aspetto e carattere. E allo stesso tempo, le loro pose sono piene di accattivante bellezza e forza plastica. Questa è una scultura nel vero senso della parola, che vive nello spazio, lo organizza intorno a sé. Il corpo umano rivela sotto la mano di Meunier tutta la sua forza elastica e la sua dinamica severa e intensa.

Il linguaggio plastico di Meunier è generalizzato e conciso. Così, nella statua "The Loader" (1905 circa; Bruxelles, Museo Meunier), non è stato creato tanto un ritratto quanto un tipo generalizzato, e questo è ciò che gli conferisce un grande potere di persuasione. Meunier rifiuta i tradizionali drappeggi accademici, il suo operaio indossa, per così dire, "tute da lavoro", ma questi abiti non schiacciano e non restringono la forma. Le ampie superfici del tessuto sembrano aderire ai muscoli, alcune pieghe separate sottolineano il movimento del corpo. Una delle migliori opere di Meunier è Anversa (1900; Bruxelles, Museo Meunier). Lo scultore ha scelto non alcune allegorie astratte, ma un'immagine molto specifica di un lavoratore portuale come personificazione di una città laboriosa e attiva. La testa severa e mascolina, foggiata con il massimo laconismo, è saldamente piantata su spalle muscolose. Cantando il lavoro, Meunier non chiude un occhio sulla sua severità. Una delle sue opere plastiche più sorprendenti è il gruppo Mine Gas (1893; Bruxelles, Museo di arte antica). Questa è una versione veramente moderna del tema eterno del lutto della madre del figlio morto. Cattura le tragiche conseguenze del disastro nella miniera. La dolente figura femminile si chinava in una muta disperazione trattenuta sul corpo nudo teso convulsamente.

Avendo creato innumerevoli tipi e immagini di lavoratori, Meunier ha concepito negli anni '90. monumento monumentale al Lavoro. Doveva includere diversi rilievi che glorificavano vari tipi di lavoro: "Industria", "Raccolto", "Porto", ecc., Oltre a una scultura rotonda - statue di "Il seminatore", "Maternità", "Operaio", eccetera Questa idea non ha mai trovato la sua incarnazione definitiva a causa della morte del maestro, ma nel 1930 è stata realizzata a Bruxelles secondo gli originali dello scultore. Il monumento nel suo insieme non fa un'impressione monumentale. Più convincenti sono i suoi singoli frammenti. Combinandoli insieme nella versione architettonica proposta dall'architetto Orta si è rivelato piuttosto esterno e frazionato.

L'opera di Meunier riassume in modo peculiare lo sviluppo dell'arte belga nel XIX secolo. Si è rivelato il più alto risultato di realismo in questo paese nel periodo in esame. Allo stesso tempo, il significato delle conquiste realistiche di Meunier andava oltre i limiti della sola arte nazionale. Le straordinarie opere dello scultore hanno avuto un enorme impatto sullo sviluppo della plastica mondiale.

Più varia e colorata dell'architettura e della scultura fiamminghe, la pittura fiamminga del XVII secolo si dispiega nella sua magnifica fioritura. Ancor più chiaramente che in queste arti, l'eterna fiamminga emerge qui da un misto di fondamenta settentrionali e meridionali, come un indistruttibile tesoro nazionale. La pittura contemporanea in nessun altro paese ha catturato un'area di soggetti così ricca e colorata. Nei templi nuovi o restaurati, centinaia di giganteschi altari barocchi attendevano immagini di santi dipinte su grandi tele. Nei palazzi e nelle case, vaste pareti ambivano dipinti da cavalletto mitologici, allegorici e di genere; Sì, e la ritrattistica, sviluppatasi nel XVI secolo in un ritratto a grandezza naturale, è rimasta una grande arte nel pieno senso della parola, unendo un'accattivante naturalezza alla nobiltà espressiva.

Accanto a questo grande dipinto, che il Belgio condivise con l'Italia e la Francia, qui fiorì, continuando le antiche tradizioni, dipinti originali da ebanisteria, per lo più su piccole tavole di legno o di rame, insolitamente ricchi, che abbracciano tutto ciò che è raffigurato, non trascurando soggetti religiosi, mitologici o allegorici, prediligendo la vita quotidiana di tutte le classi della popolazione, in particolare contadini, tassisti, soldati, cacciatori e marinai in tutte le sue manifestazioni. Il paesaggio disegnato o gli sfondi delle stanze di questi dipinti a piccole figure si sono trasformati in dipinti paesaggistici e architettonici indipendenti nelle mani di alcuni maestri. Questa serie è completata da immagini di fiori, frutti e animali. Ai vivai e ai serragli degli arciduchi regnanti a Bruxelles, il commercio estero portò meraviglie di flora e fauna. La ricchezza delle loro forme e colori non poteva essere trascurata dagli artisti che padroneggiavano tutto.

Nonostante tutto ciò, in Belgio non c'era più terreno per la pittura murale monumentale. Ad eccezione dei dipinti di Rubens nella Chiesa dei Gesuiti di Anversa e di alcune serie di paesaggi ecclesiastici, i grandi maestri del Belgio realizzarono i loro grandi dipinti su tela, pitture murali e sui soffitti per sovrani stranieri, e il declino della tecnica degli arazzi di Bruxelles, per cui la partecipazione di Rubens diede solo un momentaneo rialzo, rese superflua la partecipazione di altri maestri belgi, come Jordans e Teniers. Ma i maestri belgi presero una partecipazione ben nota, sebbene non così profonda come quella olandese, all'ulteriore sviluppo dell'incisione e dell'acquaforte. Gli olandesi di nascita erano anche i migliori incisori prima di Rubens, e la partecipazione dei più grandi pittori belgi: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers e Teniers nella "pittura incisione" - acquaforte, è in parte solo un affare secondario, in parte addirittura dubbio.

Anversa, la ricca città commerciale della Bassa Germania sulla Schelda, è ora più che mai la capitale della pittura della Bassa Olanda. La pittura di Bruxelles, forse solo nel paesaggio alla ricerca di percorsi indipendenti, divenne un ramo dell'arte di Anversa; anche la pittura degli antichi centri d'arte fiamminghi, Bruges, Gand e Mecheln, all'inizio visse solo del suo rapporto con le botteghe di Anversa. Ma nella parte vallona del Belgio, precisamente a Lüttich, si può rintracciare un'attrazione indipendente per italiani e francesi.

Per la storia generale della pittura fiamminga del XVII secolo, oltre alle raccolte di fonti letterarie di Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool e Weyermann, i lessici di Immerseel, Kramm e Wurzbach, libri consolidati, solo in parte superati di Michiels, Waagen, Waters, Rigel e Philippi sono importanti. Data l'importanza predominante dell'arte della Schelda, si può citare anche la storia dell'arte di Anversa di Van den Branden e Rooses, che, ovviamente, richiede aggiunte e modifiche. Il relativo capitolo dell'autore di questo libro nella Storia della pittura sua e di Woltmann è già superato nei dettagli.

La pittura fiamminga del XVII secolo raggiunse la completa libertà di disposizione ed esecuzione pittorica, l'unità interna del disegno e dei colori, l'ampiezza e la forza più fluide nelle mani creative del suo grande maestro Peter Paul Rubens, che fece di Anversa il luogo centrale per l'esportazione di dipinti per tutta l'Europa. Non mancarono, tuttavia, i maestri che si trovavano al passaggio tra la vecchia e la nuova direzione.

Nei settori realistici nazionali, con piccole figure sullo sfondo di un paesaggio sviluppato, vivevano ancora solo echi della grandezza e dell'immediatezza di Pieter Brueghel il Vecchio. La resa del paesaggio nell'era di transizione rimane all'interno dello "stile scenico" creato da Giliss Van Coninxloo, con il suo fogliame a ciuffo di alberi e aggirando le difficoltà della prospettiva aerea e lineare sviluppando toni separati, alternati uno dopo l'altro, diversamente colorati. Anche i fondatori dell'attuale pittura di paesaggio, i fratelli Anversa Matthäus e Paul Bril (1550-1584 e 1554-1626), procedettero da questo stile condizionale, del cui sviluppo non si sa quasi nulla. Matthäus Bril è apparso improvvisamente come pittore di affreschi paesaggistici in Vaticano a Roma. Dopo la sua morte prematura, Paul Bril, amico di suo fratello in Vaticano, sviluppò ulteriormente l'allora nuovo stile paesaggistico olandese. Sono sopravvissuti pochi dipinti autentici di Matthäus; i più vennero da Paolo, del quale in altri luoghi ho riportato paesaggi ecclesiastici e di palazzo in Vaticano, in Laterano, e in palazzo Rospigliosi in Santa Cecilia e Santa Maria Maggiore in Roma. Solo gradualmente passano sotto l'influenza del più libero, con maggiore unità dei paesaggi eseguiti da Annibale Carracci, all'equilibrato stile di transizione sopra indicato. L'ulteriore sviluppo di Bril, che fa parte della storia generale della pittura di paesaggio, si riflette nei suoi numerosi, in parte segnati da anni, piccoli paesaggi su tavola (1598 a Parma, 1600 a Dresda, 1601 a Monaco, 1608 e 1624 a Dresda , 1609, 1620 e 1624 - al Louvre, 1626 - a San Pietroburgo), di solito abbondante di alberi, raramente cerca di trasmettere una certa area. In ogni caso, Paul Bril appartiene ai fondatori dello stile paesaggistico, da cui è nata l'arte di Claude Lorrain.

Nei Paesi Bassi, l'Anversa Josse de Momper (1564 - 1644), meglio rappresentato a Dresda, sviluppò lo stile scenico Koninxloo in paesaggi montani finemente dipinti, non particolarmente ricchi di alberi, sui quali "tre sfondi", talvolta con l'aggiunta di un quarto illuminato dal sole, di solito appare in tutta la sua bellezza marrone-verde-grigio-blu.

L'influenza dei dipinti più antichi di Bril si riflette nel secondo figlio di Peter Brueghel il Vecchio, Jan Brueghel il Vecchio (1568-1625), prima del suo ritorno ad Anversa, nel 1596, che lavorò a Roma e Milano. Criveli e Michel gli hanno dedicato opere separate. Dipinse per lo più quadri piccoli, a volte in miniatura, che danno l'impressione di un paesaggio anche quando rappresentano temi biblici, allegorici o di genere. Sono loro che aderiscono fermamente allo stile Coninksloo con fogliame a ciuffi, sebbene trasmettano in modo più sottile le transizioni reciproche dei tre sfondi. Caratteristica della versatilità di Jan Brueghel è che dipinse sfondi di paesaggi per pittori di figure come Balin, figure per pittori di paesaggi come Momper, ghirlande floreali per maestri come Rubens. Conosciuto per la sua "Caduta" del Museo dell'Aia, eseguita in modo fresco e sottile, in cui Rubens dipinse Adamo ed Eva e Jan Brueghel paesaggi e animali. I suoi stessi paesaggi, abbondantemente dotati di una vita popolare eterogenea, ancora poco espressiva nel trasmettere il cielo con le sue nuvole, sono prevalentemente zone collinari irrigate da fiumi, pianure con mulini a vento, strade di paese con scene di osterie, canali con sponde boscose, trafficate strade di campagna su alture boscose e strade forestali con taglialegna e cacciatori, osservati vividamente e fedelmente. I suoi primi dipinti si possono vedere all'Ambrosiana di Milano. È meglio rappresentato a Madrid, bene a Monaco, Dresda, San Pietroburgo e Parigi. Di particolare importanza nel senso della ricerca di nuove strade è stata la sua pittura di fiori, che ha trasmesso in modo più convincente non solo la bellezza delle forme e la luminosità dei colori di colori rari, ma anche le loro combinazioni. Le immagini dei colori del suo pennello posseggono Madrid, Vienna e Berlino.

Tra i suoi collaboratori non va dimenticato Hendrik van Balen (1575 - 1632), il cui maestro è considerato il secondo maestro di Rubens, Adam van Noort. I suoi dipinti d'altare (ad esempio, nella chiesa di Jacob ad Anversa) sono insopportabili. Divenne famoso per i suoi dipinti piccoli, dolcemente dipinti e zuccherini su tavole con contenuti principalmente di favole antiche, ad esempio La festa degli dei al Louvre, Arianna a Dresda, La raccolta della manna a Brunswick, ma mancano anche i suoi dipinti di questo tipo freschezza e immediatezza artistica.

Lo stile paesaggistico di transizione sopra descritto continuò, tuttavia, tra deboli imitatori fino all'inizio del XVIII secolo. Qui possiamo notare solo i più forti maestri di questa direzione, che la trasferirono in Olanda, David Winkboons da Mecheln (1578 - 1629), che si trasferì da Anversa ad Amsterdam, dipinse fresche scene di foreste e villaggi, a volte anche episodi biblici in un paesaggio ambientazione, ma più volentieri feste al tempio davanti alle taverne del villaggio. I suoi migliori dipinti ad Augusta, Amburgo, Braunschweig, Monaco, San Pietroburgo sono osservati direttamente e dipinti con colori fioriti, non senza forza. Rellant Savery di Courtrai (1576 - 1639), a cui Kurt Erasmus dedicò uno studio amorevolmente scritto, studiò le montagne boscose tedesche al servizio di Rodolfo II, dopodiché si stabilì come pittore e incisore, prima ad Amsterdam, poi a Utrecht. I suoi paesaggi luminosi, che fondono gradualmente tre piani, ma un po 'aridi nell'esecuzione, paesaggi montuosi, rocciosi e forestali, che possono essere ben visti a Vienna e Dresda, ha dotato di gruppi vivi di animali selvatici e domestici in scene di caccia, in immagini di paradiso e Orfeo. Appartiene anche ai primi pittori di fiori indipendenti. Adam Willaerts di Anversa (1577, morto dopo il 1649), trasferitosi a Utrecht nel 1611, era un rappresentante del paesaggio marino di questo stile di transizione. Le sue vedute costiere e marine (ad esempio, a Dresda, da Weber ad Amburgo, nella Galleria Liechtenstein) sono ancora secche nel disegno delle onde, ancora rozze nel rappresentare la vita delle navi, ma accattivanti con l'onestà del loro rapporto con la natura. Infine, Alexander Kerrinx di Anversa (1600 - 1652), che trasferì la sua arte paesaggistica fiamminga ad Amsterdam, segue ancora Coninxloe nei dipinti con la sua firma, ma nei successivi dipinti di Brunswick e Dresda, è ovviamente influenzato dal tonale olandese brunastro di Van Goyen pittura. . Appartiene, quindi, ai maestri di transizione nel senso più pieno della parola.

Dei maestri di Anversa di questo tipo rimasti in patria, Sebastian Vranks (1573 - 1647) rivela un indubbio successo come paesaggista e pittore di cavalli. Raffigura anche il fogliame sotto forma di grappoli, il più delle volte pendenti come una betulla, ma gli conferisce una connessione più naturale, conferisce una nuova chiarezza al tono arioso e sa trasmettere un carattere vitale alle azioni della scrittura sicura e coerente cavalli e cavalieri della sua battaglia e scene di rapina che si possono vedere, ad esempio, a Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam e da Weber ad Amburgo.

Infine, nella pittura architettonica già nel XVI secolo, seguendo le tracce di Steenwick il Vecchio, sviluppò uno stile di transizione, consistente nella graduale sostituzione della lettera seguendo la natura con il fascino artistico, suo figlio Gendrik Steenwick il Giovane (1580 - 1649 ), che si trasferì a Londra, e accanto a lui, il principale Così, Peter Neefs il Vecchio (1578 - 1656), le cui vedute interne delle chiese si trovano a Dresda, Madrid, Parigi e San Pietroburgo.

In generale, la pittura fiamminga era ovviamente sulla strada giusta per tornare alla piccola arte, quando la grande arte di Rubens si levò sopra di essa come il sole e la portò con sé nel regno della luce e della libertà.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - il sole attorno al quale ruota tutta l'arte belga del XVII secolo, ma allo stesso tempo uno dei grandi luminari dell'arte paneuropea di questo periodo. Contrariamente a tutti i pittori barocchi italiani, è il principale rappresentante del barocco in pittura. La pienezza delle forme, la libertà di movimento, il dominio sulle masse, che conferisce pittoresco allo stile barocco dell'architettura, nei dipinti di Rubens rinunciano alla pesantezza della pietra e, con il lusso inebriante dei colori, ricevono un nuovo diritto indipendente esistere. Con la potenza delle forme individuali, la grandiosità della composizione, la pienezza sbocciante di luci e colori, la passione della vita nel trasferimento di azioni improvvise, la forza e il fuoco nell'eccitare la vita corporea e spirituale del suo maschio e femmina carnosi, figure vestite e svestite, supera tutti gli altri maestri. Il corpo lussuoso delle sue donne bionde con guance carnose, labbra carnose e un sorriso allegro risplende di candore. Bruciata dal sole, la pelle dei suoi eroi maschi risplende e la loro fronte audace e convessa è ravvivata da un potente arco delle sopracciglia. I suoi ritratti sono i più freschi e sani, non i più individuali e intimi per il loro tempo. Nessuno sapeva riprodurre animali selvatici e domestici in modo così vivido come lui, anche se per mancanza di tempo, nella maggior parte dei casi, lasciava che i suoi assistenti li ritraessero nei suoi dipinti. Nel paesaggio, la cui esecuzione affidò anche ad aiutanti, vide anzitutto l'effetto generale dovuto alla vita atmosferica, ma egli stesso dipinse, anche in età avanzata, paesaggi sorprendenti. La sua arte abbracciava l'intero mondo dei fenomeni spirituali e fisici, l'intera complessità del passato e del presente. Dipinse d'altare e ancora pitture d'altare che dipinse per la chiesa. Ha dipinto ritratti e ritratti principalmente per se stesso e per i suoi amici. Immagini mitologiche, allegoriche, storiche e scene di caccia che ha creato per i grandi di questo mondo. I dipinti di paesaggi e di genere erano lavori secondari occasionali.

Gli ordini piovvero su Rubens. Dal suo studio uscirono almeno duemila quadri. La grande richiesta della sua arte provocò la frequente ripetizione di interi quadri o di singole parti da parte dei suoi allievi e assistenti. All'apice della sua vita, di solito lasciava dipinti dipinti a mano ai suoi assistenti. Ci sono tutte le transizioni tra le sue opere scritte a mano ei dipinti dello studio, per i quali ha fornito solo schizzi. Con tutta la somiglianza delle forme di base e degli stati d'animo di base, i suoi dipinti rivelano significativi cambiamenti di stile, gli stessi di molti dei suoi contemporanei, dalla modellazione plastica dura e dalla scrittura spessa e pesante a un'esecuzione più leggera, più libera e brillante, a contorni più vivaci, a modellati più morbidi, ariosi e pieni di atmosfera, illuminati dai colori fioriti della pittura tonale.

All'inizio dell'ultima letteratura su Rubens c'è l'opera cumulativa ampiamente concepita di Max Rooses: The Works of Rubens (1887-1892). Le migliori e più importanti opere biografiche sono quelle di Rooses e Michel. Opere raccolte, dopo Waagen, furono pubblicate anche da Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg e Wilhelm Bode. Domande separate su Rubens sono state analizzate da Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns e altri. Rubens, come incisore, era impegnato a Gimans e Voorthelm-Schnevogt.

Rubens nacque a Siegen, vicino a Colonia, dalla rispettata Anversa e ricevette la sua prima educazione artistica nella città dei suoi padri da Tobias Verhegt (1561 - 1631), mediocre paesaggista dello stile di transizione, poi studiò per quattro anni con Adam Van Noort (1562 - 1641), uno dei maestri medi dell'italianismo di maniera, come è ormai noto, e lavorò poi per altri quattro anni con Otto Van Ven, un ricco di narrativa, vuoto nelle forme di un falso classico, al quale a prima si unì strettamente e nel 1598 divenne maestro di corporazione. Nel 1908 Habertzwil dedicò articoli dettagliati ai tre insegnanti di Rubens. È impossibile stabilire con certezza un'unica immagine del primo periodo di Anversa di Rubens. Dal 1600 al 1608 visse in Italia; prima a Venezia, poi principalmente al servizio di Vincenzo Gonzaga a Mantova. Ma già nel 1601, a Roma, per i tre altari della chiesa di Santa Croce in Gerusalemme, dipinse Il ritrovamento della croce, L'incoronazione di spine e L'esaltazione della croce. Questi tre dipinti, ora appartenenti alla cappella di un ospedale di Grasse, nel sud della Francia, rivelano lo stile del suo primo periodo italiano, ancora alla ricerca di se stesso, ancora influenzato dalle copie di Tintoretto, Tiziano e Correggio, ma già pieno di tensione indipendente per forza e movimento. Nel 1603 il giovane maestro si recò in Spagna su ordine del suo principe. Dai dipinti che ha dipinto lì, le figure dei filosofi Eraclito, Democrito e Archimede nel Museo di Madrid rivelano forme ancora pompose e dipendenti, ma anche una forte impressione per la profondità psicologica. Tornato a Mantova, Rubens dipinse una grande pala d'altare in tre parti, la cui immagine centrale, con l'omaggio della famiglia Gonzaga a S. Trinità, era conservata in due parti nella biblioteca di Mantova, e dalle ampie e abbondanti pitture laterali, che mostrano la potenza sempre crescente delle forme e delle azioni delle masse, il Battesimo di Cristo finì nel Museo di Anversa e la Trasfigurazione in il Museo Nancy. Poi nel 1606 il maestro dipinse nuovamente a Roma per la Chiesa Nuova una magnifica, già piena di potenza rubensiana nelle sue figure piene di luce, la pala dell'Assunzione di S. Gregory”, ora di proprietà del Museo di Grenoble, ea Roma sostituito già nel 1608 da altri tre dipinti, per niente dei migliori, dello stesso maestro. Di stile più chiaramente caravaggesco è la spettacolare "Circoncisione di Cristo" del 1607 in Sant'Ambrogio a Genova. Tuttavia, ricercatori come Rooses e Rosenberg attribuiscono il maestro al periodo italiano, quando copiò le opere di Tiziano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo e Raffaello, e una serie di dipinti del suo pennello, apparentemente, però, scritti Dopo. Grandi allegorie dell'ostentazione e della virtù a Dresda, provenienti da Mantova, forti nella forma e nel colore, se non furono scritte, come pensa con noi Michel, intorno al 1608 a Mantova, allora ammettiamo piuttosto, insieme a Bode, che apparvero secondo ritorno di Rubens in patria che con Roosers, che furono scritti prima del suo viaggio italiano ad Anversa. L'immagine di Girolamo a Dresda, disegnata con sicurezza e plasticamente modellata, rivela anche una peculiare maniera rubensiana, forse anche troppo sviluppata per il suo periodo italiano, a cui ora attribuiamo questo quadro. Al ritorno di Rubens nel 1608 ad Anversa, già nel 1609 fu nominato pittore di corte di Albrecht e Isabella, e il suo stile, già indipendente, si sviluppò rapidamente in grandioso potere e grandezza.

Disordinata nella composizione, irrequieta nei contorni, irregolare negli effetti di luce è la sua Adorazione dei Magi (1609-1610) a Madrid, segnata però da un potente movimento. Pieno di vita e passione, potente nella modellazione muscolare dei corpi, la sua famosa immagine in tre parti "Esaltazione della Croce" nella cattedrale di Anversa. Ricordi italiani più forti si avvertono in immagini mitologiche simultanee, come Venere, Amore, Bacco e Cerere a Kassel, e il robusto Prometeo incatenato a Oldenburg. Esempi caratteristici di un ritratto su larga scala di quest'epoca sono i ritratti paesaggistici di Albrecht e Isabella a Madrid e il magnifico quadro di Monaco, che rappresenta in un pergolato di caprifoglio il maestro stesso con la sua giovane moglie, Isabella Brant, riportata in patria nel 1609 , un'immagine incomparabile di calma pura felicità amore.

L'arte di Rubens scoprì un ulteriore volo tra il 1611 e il 1614. L'enorme dipinto "Discesa dalla Croce" con la maestosa "Visita Maria Elisabetta" e "Ingresso al Tempio" sulle ali, nella Cattedrale di Anversa, è considerata la prima opera in cui il maestro ha portato i suoi tipi e il suo metodo di scrittura al pieno sviluppo. Meravigliosa è l'appassionata vitalità dei singoli movimenti, ancora più meravigliosa è la forza penetrante della resa pittorica. A questi anni appartengono anche dipinti mitologici come "Romolo e Remo" nella Galleria Capitolina, "Fauno e Fauno" nella Galleria Schonborn di Vienna.

Dipinti di Rubens del 1613 e 1614, fiduciosi nella composizione, con forme e colori ben definiti, sono alcuni dipinti contrassegnati in via eccezionale dal suo nome e dall'anno di esecuzione. Tali sono il dipinto puro nella forma, bello nei colori "Giove e Callisto" (1613), pieno di luce magica "Fuga in Egitto" a Kassel, "Venere ghiacciata" (1614) ad Anversa, patetico "Compianto" (1614) in Vienna e "Susanna" (1614) a Stoccolma, il cui corpo è senza dubbio più piacevole e meglio compreso del corpo troppo lussuoso della sua precedente Susanna a Madrid; in termini di pittura, potenti immagini simboliche del solitario Cristo crocifisso sullo sfondo di un cielo oscurato a Monaco e Anversa sono adiacenti a questi dipinti.

Da quel momento in poi, le commissioni si accumularono nello studio di Rubens a tal punto che diede ai suoi assistenti una partecipazione più cospicua all'esecuzione dei suoi dipinti. Il più antico, oltre a Jan Brueghel, appartiene all'eccezionale pittore di animali e frutti Frans Snyders (1579 - 1657), secondo lo stesso Rubens, che dipinse l'aquila nel dipinto di Oldenburg con Prometeo sopra menzionato, e al vivace paesaggista Jan Wildens ( 1586 - 1653), che lavorò dal 1618 per Rubens. Il collaboratore più notevole fu Anton van Dyck (1599 - 1641), che in seguito divenne una figura indipendente. In ogni caso, divenuto maestro nel 1618, fu fino al 1620 il braccio destro di Rubens. I dipinti di Rubens di questi anni di solito contrastano la penombra bluastra del corpo con una macchia di luce giallo-rossastra, mentre i dipinti con la collaborazione chiaramente stabilita di Van Dyck si distinguono per un chiaroscuro caldo uniforme e una trasmissione pittorica più nervosa. Tra questi ci sono sei grandi immagini dipinte con entusiasmo della vita del console romano Decius Moussa, nel Palazzo del Liechtenstein a Vienna, i cartoni di cui Rubens realizzò per i tappeti tessuti nel 1618 (copie sopravvissute sono a Madrid), e grandi dipinti decorativi del plafond (conservati solo schizzi in varie collezioni), e alcune delle composizioni spettacolari, con molte figure delle pale d'altare di questa chiesa, "Il miracolo di S. Saverio" e "Miracolo di S. Ignazio”, salvato dal Museo di Corte di Vienna. La collaborazione di Van Dyck è innegabile anche nella grande Crocifissione di Anversa, in cui Longino, a cavallo, trafigge il costato del Salvatore con una lancia, nella Madonna con i peccatori penitenti a Kassel, e secondo Bode anche nel Giorno della Trinità di Monaco e nel Lazar di Berlino, secondo Rooses anche nella drammatica caccia al leone e nel non meno drammatico, appassionato e rapido rapimento delle figlie di Leucippo a Monaco. Tutti questi dipinti brillano non solo per il potere audace della composizione di Rubens, ma anche per la finezza penetrante del sentimento della pittura di Van Dyck. Tra i quadri dipinti a mano, dipinti nelle parti principali dallo stesso Rubens tra il 1615 e il 1620, ci sono anche i migliori dipinti religiosi - pieni di esuberanti, agitati movimenti di massa "Il Giudizio Universale" a Monaco e pieni di animazione interiore "Assunzione di Nostra Signora" a Bruxelles e a Vienna, oltre a magistrali dipinti mitologici, lussuosi "baccanali" e immagini di "Thiazos" a Monaco, Berlino, San Pietroburgo e Dresda, in cui il potere della traboccante gioia sensuale della vita, tradotto dal romano al fiammingo, sembra che per la prima volta raggiunga la piena espressione. La "Battaglia delle Amazzoni" a Monaco (circa 1620), una creazione inaccessibile nel senso della pittoresca trasmissione della più violenta colluttazione e battaglia, sebbene scritta in piccole dimensioni, confina qui. Poi ci sono bambini nudi a grandezza naturale, come eccellenti putti con una ghirlanda di frutta a Monaco, poi violente scene di caccia, caccia al leone, di cui la migliore è a Monaco, e caccia al cinghiale, di cui la migliore è a Dresda. Seguono i primi dipinti di paesaggio con aggiunte mitologiche, ad esempio l'atmosfera piena del Naufragio di Enea a Berlino, o con ambienti naturali, come il radioso paesaggio romano con rovine al Louvre (1615 circa) e i paesaggi pieni di vita "Estate" e "Inverno (c. 1620) a Windsor. Trasmesse maestosamente, scritte in modo ampio e veritiero senza un accenno ai vecchi manierismi, illuminate dalla luce di tutti i tipi di manifestazioni celesti, si ergono come punti di riferimento nella storia della pittura di paesaggio.

Chiari, maestosi, potenti, appaiono finalmente i ritratti di Rubens di questo quinquennio. Opera magistrale del suo autoritratto agli Uffizi, il suo gruppo di ritratti "Quattro filosofi" a Palazzo Pitti è magnifico. Nel pieno della sua bellezza è sua moglie Isabella nei nobili ritratti di Berlino e L'Aia. Intorno al 1620, alla National Gallery di Londra fu dipinto anche uno straordinario ritratto di Susanna Fuhrman con un cappello con una piuma, ventilato con i più delicati chiaroscuri. I famosi ritratti maschili del maestro di questi anni sono visibili a Monaco e nella Galleria del Liechtenstein. Con quanta passione Rubens ha raffigurato episodi della storia del mondo sacro, scene di caccia e persino paesaggi, ha dipinto le sue figure di ritratti con altrettanta calma, riuscendo a trasmettere il loro involucro corporeo con potere monumentale e verità, ma senza cercare di spiritualizzare internamente, colto solo in generale , caratteristiche facciali.

Van Dyck lasciò Rubens nel 1620 e sua moglie Isabella Brant morì nel 1626. Un nuovo impulso per la sua arte fu il suo nuovo matrimonio con la giovane e bella Helena Furman nel 1630. Tuttavia, anche i suoi viaggi artistici e diplomatici a Parigi servirono da impulso ( 1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) e Londra (1629, 1630). Delle due grandi serie storiche con allegorie, 21 enormi dipinti della vita di Maria de Medici (la storia è stata scritta da Grossman) appartengono ora alle migliori decorazioni del Louvre. Abbozzati dalla mano magistrale di Rubens, ridipinti dai suoi studenti, finiti da lui stesso, questi dipinti storici sono pieni di molti ritratti moderni e figure mitologiche allegoriche nello spirito del barocco moderno e presentano una tale massa di bellezze individuali e una tale armonia artistica che rimarranno per sempre le migliori opere di pittura del XVII secolo. Di una serie di dipinti della vita di Enrico IV di Francia, due finiti a metà sono finiti agli Uffizi; i bozzetti per altri sono conservati in collezioni diverse. I nove dipinti che glorificano Giacomo I d'Inghilterra, con cui Rubens qualche anno dopo decorò i campi del plafond della sala principale della White Hall, anneriti dalla fuliggine londinese, sono irriconoscibili, ma essi stessi non appartengono alle opere di maggior successo del maestro .

Tra i quadri religiosi dipinti da Rubens negli anni Venti, la grande "Adorazione dei Magi" infuocata ad Anversa, completata nel 1625, segna ancora una volta un punto di svolta nel suo sviluppo artistico con la sua pennellata più libera e ampia, il linguaggio delle forme più leggero e le , colorazione ariosa. . La luminosa e ariosa "Assunzione di Maria" della cattedrale di Anversa fu completata nel 1626. Seguono la pittoresca e libera "Adorazione dei Magi" al Louvre e "L'educazione della Vergine Maria" ad Anversa. A Madrid, dove il maestro studiò nuovamente Tiziano, la sua colorazione divenne più ricca e "fiorita". La "Madonna" con i santi che la adorano nella chiesa agostiniana di Anversa è una ripetizione più barocca della Madonna dei Frari di Tiziano. Una parte significativamente rivista del "Trionfo di Cesare" di Mantegna, situata nel 1629 a Londra (ora alla National Gallery), a giudicare dalla sua lettera, potrebbe apparire anche solo dopo questo periodo. Questo decennio è particolarmente ricco di grandi ritratti del maestro. Più vecchia, ma ancora piena di bell'aspetto, è Isabella Brant in un bellissimo ritratto dell'Hermitage; tratti già più nitidi sono rappresentati dal ritratto degli Uffizi. Tra i più belli e colorati c'è il doppio ritratto dei suoi figli nella Galleria del Liechtenstein. Famoso è il ritratto espressivo di Caspar Gevaert alla sua scrivania ad Anversa. E lo stesso anziano maestro appare davanti a noi con un sottile sorriso diplomatico sulle labbra in un bellissimo ritratto a busto di Aremberg a Bruxelles.

L'ultimo decennio toccato a Rubens (1631 - 1640) fu sotto la stella della sua amata seconda moglie, Elena Furman, che dipinse in tutte le forme e che gli servì da natura per i dipinti religiosi e mitologici. I suoi migliori ritratti di Rubens appartengono ai ritratti femminili più belli del mondo: a mezzo busto, con un abito ricco, con un cappello con una piuma; a grandezza naturale, seduta, in un abito lussuoso aperto sul petto; in piccola forma, accanto a suo marito per una passeggiata in giardino - è nella Pinakothek di Monaco; nudo, solo parzialmente coperto da un manto di pelliccia - nel Museo della Corte di Vienna; in abito da passeggio nei campi - all'Eremo; con il suo primogenito sulle cinture, a braccetto con il marito, e anche per strada, accompagnata da un paggio - dal barone Alphonse Rothschild a Parigi.

Le opere ecclesiastiche più significative di questa fiorente e radiosa tarda era del maestro sono la composizione maestosa e calma, risplendente di tutti i colori dell'arcobaleno, l'altare di S. Ildefons con potenti figure di donatori sulle porte del Museo della Corte di Vienna e una magnifica pala d'altare nella cappella funeraria di Rubens nella chiesa di Jacob ad Anversa, con santi della città dipinti da volti vicini al maestro. Opere più semplici, come: S. Cecilia a Berlino e la magnifica Betsabea a Dresda non sono inferiori a loro per tono e colori. Tra i preziosi quadri mitologici di questo periodo ci sono i sfavillanti Giudizi di Paride a Londra ea Madrid; e quale appassionata vitalità respira la caccia di Diana a Berlino, quanto favolosamente lussuosa la festa di Venere a Vienna, quale luce magica illumina Orfeo ed Euridice a Madrid!

Preparatori per questo tipo di dipinti sono alcune immagini di genere del maestro. Quindi, il personaggio del genere mitologico cattura l'audacemente sensuale "Ora dell'appuntamento" a grandezza naturale a Monaco.

I prototipi di tutte le scene secolari di Watteau sono i famosi, con dei volanti dell'amore, dipinti chiamati "Giardini dell'amore", con gruppi di coppie innamorate lussuosamente vestite a una festa in giardino. Una delle migliori opere di questo tipo è di proprietà del barone Rothschild a Parigi, l'altra è al Museo di Madrid. I dipinti di genere più importanti con piccole figure della vita popolare, dipinti da Rubens, sono la danza contadina maestosa e vitale, puramente rubensiana a Madrid, il torneo mezzo-paesaggio davanti al fossato del castello, al Louvre, e la fiera nella stessa collezione, i cui motivi ricordano già Teniers.

La maggior parte dei paesaggi reali di Rubens appartengono anche agli ultimi anni della sua vita: tale è il radioso paesaggio con Ulisse a Palazzo Pitti, tali sono i paesaggi, nuovi nel design, artisticamente esplicativi, con un'immagine semplice e ampia dei dintorni , l'area pianeggiante in cui si trovava la dacia di Rubens, e con un cielo maestoso, pieno di cambi d'umore. I più belli sono il tramonto infuocato a Londra e i paesaggi con un arcobaleno a Monaco e San Pietroburgo.

Qualunque cosa Rubens abbia intrapreso, ha trasformato tutto in oro splendente; e chi entrava in contatto con la sua arte, come collaboratore o discepolo, non poteva più uscire dal suo circolo vizioso.

Dei numerosi allievi di Rubens, solo Anton van Dyck (1599 - 1641) - la cui luce, ovviamente, si riferisce alla luce di Rubens, come la luce lunare del sole - raggiunge i cieli dell'arte con una testa illuminata dallo splendore. Sebbene Balen sia considerato il suo vero maestro, lo stesso Rubens lo chiamava suo allievo. In ogni caso, il suo sviluppo giovanile, per quanto ne sappiamo, è stato sotto l'influenza di Rubens, da cui non si discosta mai del tutto, ma, secondo il suo temperamento più impressionabile, rielabora in modo più nervoso, gentile e sottile nella pittura e meno forte nel disegno. . Un lungo soggiorno in Italia lo trasformò finalmente in un pittore e maestro dei colori. Non era suo compito inventare e esacerbare drammaticamente l'azione dal vivo, ma sapeva come collocare le figure nei suoi dipinti storici in relazioni chiaramente ponderate tra loro e comunicare ai suoi ritratti le sottili caratteristiche dello status sociale, che divenne il pittore preferito dei nobili del suo tempo.

Gli ultimi lavori di sintesi su Van Dyck sono di Michiels, Giffrey, Kust e Schaeffer. Pagine separate della sua vita e della sua arte sono state spiegate da Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti e dall'autore di questo libro. Anche adesso stanno discutendo sulla distinzione tra diversi periodi della vita, che erano principalmente legati al viaggio. Secondo le ultime ricerche, lavorò fino al 1620 ad Anversa, nel 1620 - 1621 a Londra, nel 1621 - 1627 in Italia, principalmente a Genova, con una pausa dal 1622 al 1623, svolta, come mostrò Rooses, probabilmente a casa, nel 1627 - 1628 in Olanda, poi di nuovo ad Anversa, e dal 1632 come pittore di corte di Carlo I a Londra, dove morì nel 1641, e durante questo periodo, nel 1634 - 1635 fu a Bruxelles, nel 1640 e 1641 ad Anversa e Parigi.

Non ci sono quasi opere giovanili di Van Dyck in cui l'influenza di Rubens non sarebbe evidente. Anche le sue prime serie apostoliche mostrano già tracce della maniera rubensiana. Di queste, alcune delle teste originali sono conservate a Dresda, altre ad Althorp. Tra i quadri religiosi dipinti da Van Dyck secondo il proprio disegno, a proprio rischio e pericolo, dal 1618 al 1620, mentre era al servizio di Rubens, appartengono al “Martirio di S. Sebastian", con la vecchia composizione sovraccarica "Compianto su Cristo" e "Bathing Susanna" a Monaco. "Tommaso a San Pietroburgo", "Il serpente di rame" a Madrid. Nessuno di questi dipinti può vantare una composizione perfetta, ma sono ben dipinti e di colore fiorito. Il "Jerome" di Dresda è pittoresco e profondamente sentito nell'anima, rappresentando un vivido contrasto con il vicino Jerome Rubens più calmo e scritto in modo approssimativo.

Seguono: Il Cristo deriso a Berlino, il più forte ed espressivo di questi dipinti semi-Rubens, e di bella composizione, senza dubbio abbozzato da Rubens, St. Martino" a Windsor, seduto su un cavallo, tendendo un mantello a un mendicante. La ripetizione semplificata e più debole di questo Martino nella chiesa di Savetham è più vicina alla maniera successiva del maestro.

Van Dyck è un grande artista in quest'epoca di Rubens, specialmente nei suoi ritratti. Alcuni di essi, combinando i noti vantaggi di entrambi i maestri, furono attribuiti a Rubens nel XIX secolo, finché Bode non li restituì a Van Dyck. Sono più individuali nei tratti individuali, più nervosi nell'espressione, più morbidi e profondi nella scrittura rispetto ai ritratti simultanei di Rubens. I più antichi di questi ritratti semi-Rubens di Van Dyck sono entrambi ritratti a mezzo busto di un'anziana coppia di sposi nel 1618 a Dresda, i più belli sono le mezze figure di due coppie di sposi nella galleria del Liechtenstein: una donna con allacciatura d'oro sul petto , un signore che si infila i guanti, seduto di fronte a una signora dalle tende rosse con un bambino in grembo, a Dresda. Gli appartiene la magnifica Isabella Brant dell'Hermitage, e dal Louvre un doppio ritratto del presunto Jean Grusset Richardeau e di suo figlio in piedi accanto a lui. Dei doppi ritratti sono noti gli sposi in piedi uno accanto all'altro: il ritratto di Frans Snyders e sua moglie con pose molto forzate, Jan de Wael e sua moglie a Monaco, è il più pittoresco. Infine, negli autoritratti giovanili del maestro, dallo sguardo pensoso e sicuro di sé, a San Pietroburgo, Monaco e Londra, la sua stessa età, sui vent'anni, indica un periodo precoce.

Dai dipinti religiosi dipinti da Van Dyck tra il 1621 e il 1627. in Italia, nel sud, è rimasta una bella scena, ispirata a Tiziano, con la "Moneta di Pietro" e "Maria con il Bambino" in un'aureola infuocata, a Palazzo Bianco, che ricorda Rubens, la "Crocifissione" in il palazzo reale di Genova, teneramente sentito in termini pittoreschi e spirituali, la Deposizione della Galleria Borghese a Roma, la languida testa di Maria a Palazzo Pitti, la magnifica e radiosa famiglia della Pinacoteca di Torino, e il potente, ma piuttosto garbato Pala della Madonna del Rosario a Palermo con figure allungate. Dei dipinti secolari, citeremo qui solo il bellissimo, nello spirito di Giorgione, il dipinto raffigurante le tre età della vita nel museo cittadino di Vincenza e il dipinto semplice nella composizione, ma focoso "Diana ed Endimon" a Madrid.

Nei suoi ritratti italiani, soprattutto genovesi, si manifestano anche un tratto sicuro, deciso e allo stesso tempo gentile che modella in chiaroscuro scuro e una colorazione profonda e ricca delle teste italiane che cercano l'unità di umore. Dipinto in uno scorcio ardito, quasi rivolto verso lo spettatore, il ritratto equestre di Antonio Giulio Brignole Sale, che agita il cappello nella mano destra in segno di saluto, collocato a Palazzo Rossi a Genova, è stato un vero indicatore del nuovo percorso. Nobili, con colonne e panneggi barocchi sullo sfondo, spiccano i ritratti della signora Geronimo Brignole Sale con la figlia Paola Adorio in abito di seta blu scuro con ricami in oro e un giovane in abiti da nobile, della stessa collezione al culmine della ritrattistica assoluta. Sono attigui i ritratti della Marchesa Durazzo in abito damascato di seta giallo chiaro, con bambini, davanti a una tenda rossa, un vivace ritratto di gruppo di tre fanciulli con un cane e un nobile ritratto di fanciullo in abito bianco, con un pappagallo, custodito nel Palazzo Durazzo Pallavicini. A Roma, la Galleria Capitolina ha un doppio ritratto molto vitale di Luca e Cornelis de Wael; a Firenze, a Palazzo Pitti, c'è un ritratto spiritualmente espressivo del cardinale Giulio Bentivoglio. Altri ritratti del periodo italiano di Van Dyck trovano la loro strada all'estero. Uno dei migliori è di proprietà di Pierpont Morgan a New York, ma si possono trovare anche a Londra, Berlino, Dresda e Monaco.

Il quinquennio (1627 - 1632) trascorso dal maestro in patria dopo il rientro dall'Italia si rivelò estremamente fruttuoso. Grandi pale d'altare piene di movimento, quali sono i potenti Crocifissi nella chiesa di S. Zhen a Dendermonde, nella chiesa di Michele a Gand, e nella chiesa di Romualdo a Meheln, e l'adiacente "Esaltazione della Croce" nella chiesa di S. Gens in Courtrai non lo rappresenta così come le opere piene di vita interiore, alle quali si aggiungono la Crocifissione di prossima uscita al Museo di Lille, "Riposo durante il volo" a Monaco e singole Crocifissioni piene di sentimento ad Anversa, Vienna e Monaco. Questi dipinti traducono le immagini di Rubens dal linguaggio eroico al linguaggio del sentimento. I dipinti più belli di questo periodo includono la Madonna con una coppia inginocchiata di donatori e angeli che versano fiori al Louvre, la Madonna con Gesù Bambino in piedi a Monaco e l'atmosfera piena di "Compianto su Cristo" ad Anversa, Monaco, Berlino e Parigi. Madonne e lamentazioni in genere erano i temi preferiti di Van Dyck. Raramente ha assunto immagini di divinità pagane, anche se il suo Ercole al bivio degli Uffizi, le immagini di Venere, Vulcano, Vienna e Parigi mostrano che era in grado di affrontarle in una certa misura. Rimase principalmente un ritrattista. Di questo periodo di cinque anni sono stati conservati circa 150 ritratti del suo pennello. I loro lineamenti del viso sono ancora più nitidi, nelle mani tipicamente aggraziate e inattive c'è ancora meno espressione che nei dipinti italiani dello stesso tipo. Alla loro postura si aggiunse una disinvoltura un po' più aristocratica, e nel colorito più freddo apparve uno stato d'animo generale più sottile. I vestiti di solito cadono facilmente e liberamente, ma materialmente. Tra i più belli, dipinti a grandezza naturale, ci sono i caratteristici ritratti della sovrana Isabella a Torino, al Louvre e nella Galleria del Liechtenstein, Philippe de Roy e sua moglie nella collezione Wallace a Londra, doppi ritratti di un gentiluomo e una dama con un bambino in braccio al Louvre e al Museo Gotico e qualche altro ritratto di gentiluomini e dame a Monaco. Tra i ritratti di vita e generazione più espressivi includiamo i ritratti del vescovo Mulderus e Martin Pipino ad Anversa, Adrian Stevens e sua moglie a San Pietroburgo, il conte Van den Berg a Madrid e il canonico Antonio de Tassis nella Galleria del Liechtenstein. L'organista Liberty guarda languidamente, lo scultore Colin de Nole, sua moglie e la loro figlia sembrano noiosi al gruppo di ritratti a Monaco. I ritratti di un gentiluomo e di una signora a Dresda e di Maria Luisa de Tassis nella Galleria del Liechtenstein si distinguono per una postura nobile e pittoresca. L'influenza di Van Dyck su tutta la ritrattistica del suo tempo, specialmente inglese e francese, fu enorme; tuttavia, per caratteristica naturale e verità interiore, i suoi ritratti non possono essere paragonati a quelli dei suoi contemporanei Velázquez e Frans Hals, per non citarne altri.

A volte, tuttavia, Van Dyck ha anche preso in mano l'ago per incidere. Conosciuto per 24 fogli eseguiti facilmente e con grande significato del suo lavoro. D'altra parte, commissionò ad altri incisori la riproduzione di una grande serie di piccoli ritratti di famosi contemporanei da lui dipinti, dipinti in un tono di grigio. Nella raccolta completa, questa "Iconografia di Van Dyck" in cento fogli è apparsa solo dopo la sua morte.

Come pittore di corte di Carlo I, Van Dyck dipinse piccoli quadri religiosi e mitologici durante gli ultimi otto anni della sua vita. Tuttavia, molti dei migliori dipinti scritti durante il suo breve soggiorno nei Paesi Bassi appartengono a questo periodo tardo del maestro. Era l'ultima e più pittoresca rappresentazione del "Riposo durante la fuga in Egitto", con una danza rotonda di angeli e pernici volanti, ora all'Ermitage, il "Compianto di Cristo" più maturo e più bello del Museo di Anversa, non solo chiara, calma e commovente nella composizione, ma espressione di vero dolore, ma anche nei colori, con i suoi bellissimi accordi di blu, bianco e oro scuro, che rappresentano un'opera magistrale e incantevole. Seguono poi i numerosissimi ritratti del periodo inglese. È vero, sotto l'influenza del tipo di corte londinese, le sue teste diventano sempre più simili a maschere, le sue mani diventano sempre meno espressive; ma gli abiti sono più raffinati e più materici nelle scritte, i colori, il cui tono argenteo solo a poco a poco ha cominciato a sbiadire, conquistano sempre più in tenero fascino. Naturalmente, Van Dyck ha anche organizzato un laboratorio a Londra con una produzione su larga scala, in cui sono stati coinvolti numerosi studenti. Il ritratto di famiglia a Windsor, che mostra la coppia reale seduta con due bambini e un cane, è una dimostrazione piuttosto debole. Il ritratto equestre del re nello stesso punto davanti all'arco trionfale è stato dipinto con grande gusto, ancora più pittoresco è il suo ritratto equestre alla National Gallery, davvero pittoresco è il delizioso ritratto del re in abito da caccia al Louvre . Dei ritratti della regina Henrietta Maria di Van Dyck, quello posseduto da Lord Northbrook a Londra e raffigurante la regina con i suoi nani su un giardino terrazzato è tra i più freschi e antichi, e quello nella galleria di Dresda, per tutta la sua nobiltà, è tra i più deboli e gli ultimi. Sono famosi vari ritratti dei figli del re inglese, appartenenti ai capolavori più attraenti di Van Dyck. Torino e Windsor hanno i ritratti più belli dei tre bambini reali; ma il più lussuoso e grazioso di tutti è il ritratto di Windsor con i cinque figli del re, con un cane grande e uno piccolo. Degli altri numerosi ritratti di Van Dyck a Windsor, il ritratto di Lady Venice Digby, con le sue aggiunte allegoriche in forma di colombe e divinità dell'amore, preannuncia una nuova era, e il doppio ritratto di Thomas Killigrew e Thomas Carew colpisce per la relazioni di vita rappresentate che sono insolite per il nostro maestro. Di particolare grazia si distingue il ritratto di James Stuart, con un grosso cane aggrappato, al Metropolitan Museum of Art di New York, ritratto dei promessi sposi, figli di Guglielmo II d'Orange e di Henrietta Maria Stuart, in il museo della città di Amsterdam è delizioso. Sono stati conservati circa un centinaio di ritratti del periodo inglese del maestro.

Van Dyck è morto giovane. Come artista, ha parlato, a quanto pare, tutto. Gli mancano la versatilità, la pienezza e la potenza del suo grande maestro, ma ha superato tutti i suoi contemporanei fiamminghi nella sottigliezza di uno stato d'animo puramente pittorico.

Altri importanti pittori, collaboratori e allievi di Rubens ad Anversa prima e dopo Van Dyck, vivono solo echi dell'arte di Rubens, anche Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), fratello del grande scultore, e suo nipote Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) non sono così significativi da soffermarsi su di loro. I rappresentanti di vari dipartimenti realistici dell'officina di Rubens hanno un'importanza più indipendente. Frans Snyders (1579 - 1657) iniziò con una natura morta, che gli piaceva rappresentare a grandezza naturale, in modo ampio, realistico e, nonostante ciò, decorativo; per tutta la vita ha dipinto immagini grandi, piene di salutari osservazioni di utensili da cucina e frutta, come quelle disponibili a Bruxelles, Monaco e Dresda. Nella bottega di Rubens imparò anche a rappresentare vivace e affascinante, quasi con la forza e la luminosità del suo maestro, il mondo vivente, animali a grandezza naturale in scene di caccia. I suoi grandi dipinti di caccia a Dresda, Monaco, Vienna, Parigi, Kassel e Madrid sono classici a modo loro. A volte confuso con Snyders è suo cognato Paul de Vos (1590-1678), i cui grandi dipinti di animali non possono eguagliare la freschezza e il calore dei dipinti di Snyders. Il nuovo stile paesaggistico, sviluppato sotto l'influenza di Rubens, che ha eliminato quasi completamente i vecchi sfondi scenici a tre colori e le tradizionali chiome degli alberi simili a ciuffi, appare più chiaramente davanti a noi nei dipinti e nelle incisioni di Lucas van Oudens (1595 - 1672), assistente nel tardo periodo del maestro nel paesaggio. I suoi numerosi ma per lo più piccoli dipinti di paesaggi, di cui nove appesi a Dresda, tre a San Pietroburgo, due a Monaco, sono immagini semplici e naturali degli affascinanti paesaggi di confine locali tra la regione collinare del Brabante e la pianura fiamminga. La performance è ampia e meticolosa. I suoi colori si sforzano di trasmettere non solo l'impressione naturale di alberi e prati verdi, terra brunastra e distanze collinari bluastre, ma anche un cielo leggermente nuvoloso e luminoso. I lati soleggiati delle sue nuvole e degli alberi di solito brillano di macchie gialle di luce e, sotto l'influenza di Rubens, a volte compaiono anche nuvole di pioggia e arcobaleni.

L'arte di Rubens provocò una rivoluzione nell'incisione su rame dei Paesi Bassi. Numerosi incisori, di cui esaminava il lavoro, erano al suo servizio. Il più antico di loro, l'Anversa Cornelis Galle (1576 - 1656) e gli olandesi Jacob Matham (1571 - 1631) e Jan Müller, tradussero ancora il suo stile in un più antico linguaggio delle forme, ma gli incisori della scuola di Rubens, un certo numero di che vengono aperti da Peter Southman di Harlem (1580 - 1643), e continua a brillare con nomi come Lukas Forstermann (nato nel 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boezio e Schelte. Bolswerth, Pieter de Jode il giovane e soprattutto il grande incisore di chiaroscuri Jan Wittdöck (n. 1604) riuscirono a infondere ai loro fogli la forza e il movimento di Rubens. La nuova tecnica della mezzatinta, che irruvidiva la superficie della lastra per mezzo di un piccone per raschiare su di essa un disegno in morbide masse, fu, se non inventata, poi per la prima volta ampiamente utilizzata da Vallerand Vaillant di Lille (1623 - 1677), allievo dell'allievo di Rubens Erasmo Quellinus, famoso eccellente ritrattista e originale pittore di natura morta. Poiché, tuttavia, Vaillant ha studiato quest'arte non in Belgio, ma ad Amsterdam, dove si è trasferito, la storia dell'arte fiamminga non può che menzionarlo.

Alcuni importanti maestri anversani di questo periodo, che non avevano rapporti diretti con Rubens o con i suoi allievi, che si unirono a Caravaggio a Roma, formarono un gruppo romano. Contorni chiari, modellazione plastica, ombre pesanti di Caravaggio si addolciscono solo nei loro dipinti successivi di una pittura più libera, più calda, più ampia che parlava dell'influenza di Rubens. A capo di questo gruppo c'è Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), il cui allievo Gerard Zegers (1591 - 1651) nei suoi dipinti successivi si trasferì senza dubbio nel fairway di Rubens, e Theodore Rombouts (1597 - 1637) rivela l'influenza di Caravaggio nel suo genere, a grandezza naturale, con colori lucidi metallici e ombre nere, dipinti ad Anversa, Gand, San Pietroburgo, Madrid e Monaco.

Il più antico degli allora pittori fiamminghi che non erano in Italia, Caspar de Crayer (1582 - 1669), si trasferì a Bruxelles, dove, in competizione con Rubens, non andò oltre l'eclettismo. Sono guidati dall'Anversa Jacob Jordaens (1583 - 1678), anch'egli allievo e genero di Adam Van Noort, il capo dei realisti belgi veramente indipendenti dell'epoca, uno dei più significativi pittori fiamminghi eccezionali del XVII secolo, accanto a Rubens e Van Dyck. Rooses gli dedicò anche un'ampia opera. Più ruvido di Rubens, è più diretto e originale di lui. I suoi corpi sono ancora più massicci e carnosi di quelli di Rubens, le sue teste sono più rotonde e ordinarie. Le sue composizioni, solitamente ripetute, con lievi modifiche per dipinti diversi, sono spesso più spontanee e spesso oberate di lavoro, il suo pennello, nonostante tutta la sua abilità, è più secco, più liscio, a volte più denso. Nonostante tutto, è un colorista meraviglioso e originale. All'inizio scrive in modo fresco e vivace, modellando debolmente con colori locali saturi; dopo il 1631, trascinato dal fascino di Rubens, passa a chiaroscuri più delicati, a colori intermedi più nitidi ea un tono brunastro della pittura, da cui traspaiono efficacemente toni di base succosi e profondi. Ha anche ritratto tutto ciò che è raffigurato. Deve il suo miglior successo ai dipinti allegorici e di genere a grandezza naturale, nella maggior parte dei casi sul tema dei proverbi popolari.

Il primo dipinto conosciuto di Jordaens "Crocifissione" nel 1617 nella chiesa di S.. Paolo ad Anversa rivela l'influenza di Rubens. Jordaens è completamente se stesso nel 1618 nell'Adorazione dei pastori a Stoccolma e in un quadro simile a Braunschweig, e soprattutto nelle prime immagini di un satiro che visita un contadino, al quale racconta una storia incredibile. Il primo dipinto di questo tipo è di proprietà del signor Celst a Bruxelles; seguite da copie a Budapest, Monaco e Kassel. I primi dipinti religiosi includono anche le immagini espressive degli Evangelisti al Louvre e dei Discepoli alla Tomba del Salvatore a Dresda; dei primi dipinti mitologici, meritano menzione Meleagro e Atlanta ad Anversa. La prima delle sue composizioni viventi di gruppi di ritratti di famiglia (circa 1622) appartiene al Museo di Madrid.

L'influenza rubensiana è di nuovo evidente nei dipinti di Jordaens, scritti dopo il 1631. Nella sua satira di un contadino a Bruxelles, si nota già una svolta. Le sue famose raffigurazioni del "Re dei fagioli", di cui Kassel possiede la copia più antica - altre sono al Louvre e a Bruxelles - così come le sue innumerevoli immagini del proverbio "Ciò che cantano i vecchi, i piccoli squittiscono", un anversa la cui copia è datata 1638. ancora più freschi nei colori del Dresden, scritto nel 1641 - altri al Louvre ea Berlino - appartengono già alla maniera più morbida e morbida del maestro.

Prima del 1642 furono dipinti anche i rozzi dipinti mitologici "Processione di Bacco" a Kassel e "Arianna" a Dresda, vivaci ed eccellenti ritratti di Jan Wirth e sua moglie a Colonia; poi, fino al 1652, dipinti animati all'esterno e all'interno, nonostante le linee più pacate, come S. Ivo a Bruxelles (1645), un superbo ritratto di famiglia a Kassel e un vibrante "Re dei fagioli" a Vienna.

Nel 1652 il maestro era in pieno vigore con un invito all'Aia per partecipare alla decorazione del "Castello della foresta", a cui danno la "Divinizzazione del principe Friedrich Heinrich" e "La vittoria della morte sull'invidia" di Jordaens la sua impronta, e nel 1661 un invito ad Amsterdam, dove dipinse quadri superstiti ma ormai quasi indistinguibili per il nuovo municipio.

Il dipinto più bello e religioso dei suoi ultimi anni è Gesù tra gli scribi (1663) a Magonza; splendidamente nei colori, "Ingresso al Tempio" a Dresda e "Ultima Cena" permeata di luce ad Anversa.

Se Jordaens è troppo rozzo e irregolare per essere classificato tra i più grandi dei grandi, allora, come pittore borghese di Anversa e pittore di borghesi, occupa un posto d'onore accanto a Rubens, principe dei pittori e pittore di principi. Ma proprio per la sua originalità, non creò discepoli o seguaci degni di nota.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) era un maestro, come Jordans, che si univa indipendentemente al passato pre-rubensiano dell'arte fiamminga, particolarmente eccezionale come ritrattista, alla ricerca della verità e della sincerità senza arte con uno stile pittorico calmo e penetrante, un peculiare brillantezza negli occhi delle sue figure e piena di colorazione leggera. Il miglior gruppo di ritratti di famiglia, con una composizione rilassata, appartiene al Museo di Bruxelles, e il ritratto singolo più forte del maestro della corporazione Grafeo appartiene ad Anversa. Molto tipici sono anche i suoi doppi ritratti della coppia di sposi e delle sue figlie piccole a Berlino.

In contrasto con il suo stile puramente fiammingo, con un tocco italiano, che fu sostenuto con maggiori o minori deviazioni dalla stragrande maggioranza dei pittori belgi del XVII secolo, la scuola vallone di Luttich, esplorata da Gelbier, sviluppò lo stile romano-belga di la tendenza Poussin dopo i francesi. A capo di questa scuola c'è Gerard Duffet (1594 - 1660), un accademico inventivo e molto raffinato, meglio conosciuto a Monaco. Gérard Leresse (1641 - 1711), allievo del suo allievo Bartolet Flemalle o Flemal (1614 - 1675), pigro imitatore di Poussin, trasferitosi già ad Amsterdam nel 1667, trapiantò da Lüttich in Olanda questo stile accademico imitando quello francese, che ha perseguito non solo come pittore e incisore di soggetti mitologici, ma anche con una penna nel suo libro, che ha un impatto significativo. Era un estremo reazionario e soprattutto contribuì all'inizio del secolo alla svolta della sana tendenza nazionale della pittura olandese nel fairway romanico. "Seleuco e Antiochia" ad Amsterdam e Schwerin, "Parnaso" a Dresda, "La partenza di Cleopatra" al Louvre ne danno un'idea sufficiente.

Leres, infine, ci riporta dalla grande pittura belga alla piccola; e quest'ultima, indubbiamente, conobbe ancora nei dipinti di piccole figure con campiture paesaggistiche o architettoniche la matura fioritura nazionale del Seicento, che crebbe direttamente dal terreno preparato dai maestri del periodo di transizione, ma raggiunse una completa libertà di movimento grazie alla l'onnipotente Rubens, in alcuni punti anche grazie a nuove influenze, francesi e italiane, o anche all'impatto della giovane arte olandese su quella fiamminga.

Una vera immagine di genere, e ora, come prima, ha interpretato il primo ruolo nelle Fiandre. Allo stesso tempo, si nota un confine piuttosto netto tra i maestri che raffiguravano la vita delle classi superiori in scene secolari o piccoli ritratti di gruppo, ei pittori della vita popolare nelle taverne, nelle fiere e nelle strade di campagna. Rubens ha creato esempi di entrambi i generi. I pittori secolari, nello spirito dei Giardini dell'amore di Rubens, raffigurano signore e signori in seta e velluto, che giocano a carte, festeggiano, suonano musica allegra o ballano. Uno dei primi tra questi pittori fu Christian van der Lamen (1615 - 1661), noto per dipinti a Madrid, Gotha, soprattutto a Lucca. Il suo allievo di maggior successo fu Jérôme Janssens (1624 - 1693), il "Ballerino" le cui scene di danza si possono vedere a Braungschweig. Sopra di lui come pittore si erge Gonzales Kokvets (1618 - 1684), un maestro dei ritratti aristocratici di piccoli gruppi raffiguranti membri della famiglia uniti in casa a Kassel, Dresda, Londra, Budapest e L'Aia. I più prolifici ritrattisti fiamminghi della vita popolare delle classi inferiori furono i Tenier. David Teniers il Vecchio (1582 - 1649) e suo figlio David Teniers il Giovane (1610 - 1690) si distinguono dalla numerosa famiglia di questi artisti. Il più anziano era probabilmente uno studente di Rubens, il Rubens più giovane probabilmente dava consigli amichevoli. Entrambi sono ugualmente forti sia nel paesaggio che nel genere. Tuttavia, non è stato possibile separare tutte le opere dell'anziano dai dipinti giovanili del giovane. All'anziano appartengono indubbiamente i quattro paesaggi mitologici del Museo di Corte di Vienna, ancora impegnati a trasmettere i "tre piani", "La tentazione di S. Anthony" a Berlino, "Mountain Castle" a Braunschweig e "Mountain Gorge" a Monaco.

Poiché David Teniers il Giovane fu influenzato dal grande Adrien Brouwer di Oudenard (1606-1638), diamo la precedenza a quest'ultimo. Brouwer è il creatore e il profano di nuovi percorsi. Bode ha studiato a fondo la sua arte e la sua vita. Per molti aspetti è il più grande dei pittori olandesi di vita popolare e allo stesso tempo uno dei più ispirati paesaggisti belgi e olandesi. L'influenza della pittura olandese sul fiammingo nel XVII secolo fu vista per la prima volta con lui, allievo di Frans Hals ad Haarlem, già prima del 1623. Al suo ritorno dall'Olanda, si stabilì ad Anversa.

Allo stesso tempo, la sua arte dimostra che gli epiteti più semplici della vita della gente comune possono, grazie alla loro esecuzione, acquisire il più alto valore artistico. Dall'olandese ha preso l'immediatezza della percezione della natura, la performance pittorica, di per sé artistica. In quanto olandese, si dichiara con un rigoroso isolamento nel trasmettere momenti di varie manifestazioni della vita, come un olandese, con prezioso umorismo, mette in risalto scene di fumo, risse, giochi di carte e bevute in taverna.

I primi dipinti che dipinse in Olanda, bevute contadine, risse ad Amsterdam, rivelano nei loro caratteri rozzi e ficcanaso le risposte dell'antica arte fiamminga di transizione. I capolavori di questo periodo sono i suoi già "Giocatori di carte" di Anversa e le scene di taverna dello Städel Institute di Francoforte. Un ulteriore sviluppo emerge nettamente in "Knife" e "Village Bath" della Pinakothek di Monaco: qui l'azione è già drammaticamente forte senza figure secondarie superflue; l'esecuzione in tutti i dettagli è pensata in modo pittoresco; dal chiaroscuro dorato del colore, brillano ancora i toni del rosso e del giallo. Segue il tardo periodo maturo del maestro (1633 - 1636), con figure più individuali, una tonalità di colore più fredda, in cui spiccano i locali di vernice verde e blu. Questi includono 12 dei suoi diciotto dipinti di Monaco e il migliore dei suoi quattro dipinti di Dresda. Schmidt-Degener ha allegato loro una serie di dipinti provenienti da collezioni private di Parigi, ma la loro autenticità, a quanto pare, non è sempre stabilita con precisione. A questi anni appartengono anche i migliori paesaggi di Brouwer, in cui i motivi più semplici della natura dei dintorni di Anversa sono alimentati da una trasmissione calda e radiosa di fenomeni di aria e luce. "Dunes" a Bruxelles, un dipinto con il nome del maestro, dimostra l'autenticità degli altri. Hanno un aspetto più moderno di tutti i suoi altri paesaggi fiamminghi. Tra i migliori ci sono il chiaro di luna e il paesaggio pastorale di Berlino, il paesaggio di dune dai tetti rossi nella Bridgewater Gallery e il potente paesaggio del tramonto attribuito a Rubens a Londra.

I dipinti di genere degli ultimi due anni di vita del maestro di grandi dimensioni prediligono scritte chiare e sfumate e una più netta subordinazione dei colori locali a un tono grigio generale. Contadini che cantano, soldati che giocano a dadi e la coppia ospitante nella bettola della Pinakothek di Monaco sono affiancati da forti dipinti raffiguranti operazioni presso l'Istituto Staedel e il "Fumatore" del Louvre. L'arte originale di Brouwer è sempre l'esatto contrario di tutte le convenzioni accademiche.

David Teniers il Giovane, pittore di genere prediletto dal mondo nobile, invitato nel 1651 dal pittore di corte e direttore della galleria dell'arciduca Leopoldo Guglielmo da Anversa a Bruxelles, dove morì in vecchiaia, non può essere paragonato a Brouwer nel immediatezza del trasferimento della vita, nell'esperienza emotiva dell'umorismo, ma proprio per questo lo supera con la raffinatezza esterna e la stilizzazione urbana della vita popolare intesa. Gli piaceva ritrarre cittadini vestiti aristocraticamente nei loro rapporti con la gente del villaggio, a volte dipingeva scene secolari della vita dell'aristocrazia, e trasmetteva persino episodi religiosi nello stile dei suoi dipinti di genere, all'interno di stanze squisitamente decorate o tra veri osservati, ma paesaggi decorativi. Tentazione di S. Anthony (a Dresda, Berlino, San Pietroburgo, Parigi, Madrid, Bruxelles) appartiene ai suoi argomenti preferiti. Più di una volta ha anche dipinto una prigione con l'immagine di Peter sullo sfondo (Dresda, Berlino). Dei temi mitologici nello stile dei suoi dipinti di genere, chiameremo "Nettuno e Anfitrite" a Berlino, il dipinto allegorico "Cinque sensi" a Bruxelles, opere poetiche - dodici dipinti da "Gerusalemme liberata" a Madrid. Anche i suoi dipinti che rappresentano alchimisti (Dresda, Berlino, Madrid) possono essere classificati come un genere dell'alta società. La stragrande maggioranza dei suoi dipinti, di cui 50 a Madrid, 40 a San Pietroburgo, 30 a Parigi, 28 a Monaco, 24 a Dresda, raffigurano l'ambiente degli abitanti del villaggio che si divertono durante le loro ore di svago. Li raffigura mentre banchettano, bevono, ballano, fumano, giocano a carte oa dadi, a una festa, in un'osteria o per strada. La sua scrittura leggera e libera nel suo linguaggio naturale delle forme, travolgente e allo stesso tempo gentile, ha sperimentato cambiamenti solo nel colore. Il tono della sua “Festa al tempio nella penombra” del 1641 a Dresda è pesante, ma profondo e freddo. Quindi ritorna al tono marrone dei primi anni, che si trasforma rapidamente in un focoso tono dorato in dipinti come la prigione del 1642 a San Pietroburgo, la "birreria della Gilda" nel 1643 a Monaco e "Il figliol prodigo" in 1644 al Louvre, divampa più luminoso in "Danza" del 1645 a Monaco e "Giocatori di dadi" del 1646 a Dresda, poi, come mostrano i "Fumatori" del 1650 a Monaco, diventa gradualmente più grigio e, infine, nel 1651, in "Matrimonio contadino" a Monaco, vira in un raffinato tono argentato e si accompagna alla scrittura sempre più leggera e fluida che contraddistingue i dipinti di Teniers degli anni Cinquanta, come la sua "Guardia" del 1657 a Buckingham Palace. Infine, dopo il 1660 il suo pennello diventa meno sicuro, la colorazione è di nuovo più marrone, secca e torbida. Monaco possiede un dipinto raffigurante un alchimista, con le sembianze di un dipinto di un anziano maestro del 1680.

Tra gli allievi di Brouwer spicca Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), nei cui dipinti le lotte a volte finiscono tragicamente; Gillis van Tilborch (circa 1625-1678) è conosciuto dagli studenti di Teniers il Giovane, che dipinse anche ritratti di gruppi familiari nello stile di Kokves. Insieme a loro ci sono membri della famiglia di pittori Rikavert, di cui in particolare David Rikaert III (1612 - 1661) raggiunse una certa ampiezza di indipendenza.

Accanto alla pittura nazionale fiamminga di piccole figure vi è una simultanea, anche se non equivalente, tendenza italianizzante, i cui maestri operarono temporaneamente in Italia e raffigurarono la vita italiana in tutte le sue manifestazioni. Tuttavia, il più grande di questi membri della "comunità" olandese a Roma, portato via da Raffaello o Michelangelo, erano gli olandesi, sui quali torneremo di seguito. Pieter Van Laer di Gaarlem (1582 - 1642) è il vero fondatore di questa tendenza, che influenzò ugualmente sia gli italiani del tipo Cherkvozzi che i belgi del tipo di Jan Mils (1599 - 1668). Meno indipendenti sono Anton Goubau (1616 - 1698), che ha riempito le rovine romane di vita colorata, e Peter Van Blemen, soprannominato Standardaard (1657 - 1720), che ha preferito le fiere di cavalli italiane, le battaglie di cavalleria e le scene di accampamento. La vita popolare italiana è rimasta fin dai tempi di questi maestri un'area che attira ogni anno folle di pittori del nord.

Al contrario, la pittura di paesaggio si sviluppò nello spirito nazionale fiammingo, con temi di battaglie e rapinatori, accanto a Sebastian Vranks, il cui allievo Peter Snyers (1592-1667) si trasferì da Anversa a Bruxelles. I primi dipinti di Sniers, come quelli di Dresda, lo mostrano su un percorso piuttosto pittoresco. Successivamente, come pittore di battaglie della Casa d'Asburgo, enfatizzò la fedeltà topografica e strategica più che la fedeltà pittorica, come dimostrano i suoi grandi dipinti a Bruxelles, Vienna e Madrid. Il suo miglior allievo fu Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), pittore di battaglie di Luigi XIV e professore all'Accademia di Parigi, che trapiantò a Parigi lo stile di Snyers, da lui affinato nella prospettiva aerea e leggera. Alla Reggia di Versailles e all'Hotel des Invalides di Parigi, dipinse grandi serie di pitture murali, impeccabili nelle loro forme sicure e nell'impressione di un paesaggio pittoresco. I suoi dipinti a Dresda, Vienna, Madrid e Bruxelles con campagne, assedi di città, accampamenti, ingresso vittorioso del grande re si distinguono anche per la loro brillante sottigliezza pittorica della percezione. Questo dipinto di battaglia dei Nuovi Paesi Bassi fu trasferito in Italia da Cornelis de Wael (1592-1662), che si stabilì a Genova, e, avendo qui acquisito un pennello più perfetto e colori caldi, passò presto a rappresentare la vita popolare italiana.

Nella pittura paesaggistica belga vera e propria, descritta in modo più dettagliato dall'autore di questo libro in The History of Painting (suo e di Woltmann), si può distinguere abbastanza chiaramente la tendenza originale, nativa, solo leggermente toccata dalle influenze meridionali, dalla tendenza pseudo-classica tendenza che confinava con Poussin in Italia. La pittura paesaggistica nazionale belga ha mantenuto, rispetto a quella olandese, a parte Rubens e Brouwer, una caratteristica di decoratività in qualche modo esteriore; con questa caratteristica, è apparsa nella decorazione di palazzi e chiese con serie decorative di dipinti in abbondanza come da nessun'altra parte. Paul Bril di Anversa ha instillato questo tipo di pittura a Roma; in seguito i belgi francesizzati Francois Millet e Philippe de Champagne decorarono le chiese parigine con dipinti di paesaggi. L'autore di questo libro ha scritto un articolo separato sui paesaggi della chiesa nel 1890.

Dei maestri di Anversa, si dovrebbe in primo luogo indicare Caspar de Witte (1624 - 1681), poi Peter Spirincks (1635 - 1711), che possiede paesaggi di chiese erroneamente attribuiti a Peter Risbrak (1655 - 1719) nel coro della chiesa agostiniana chiesa di Anversa, e in particolare su Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), soprannominato "Horizonte" per la nitidezza delle distanze montane azzurre dei suoi dipinti di successo, fortemente rievocativi di Duguet, ma aspri e freddi.

La pittura paesaggistica nazionale belga di questo periodo fiorì prevalentemente a Bruxelles. Il suo antenato era Denis Van Alsloot (circa 1570-1626), che, basato sullo stile di transizione, sviluppò grande forza, fermezza e chiarezza pittorica nei suoi dipinti semi-rurali e semi-urbani. Il suo grande discepolo Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), influenzato da Jacques d'Artois, partecipò alla decorazione delle chiese belghe con paesaggi biblici con lussureggianti alberi verde scuro e distanze collinari blu, in modo ampio, libero, in qualche modo ampio. Jacques d'Artois (1613 - 1683), il miglior paesaggista di Bruxelles, allievo del quasi sconosciuto Jan Mertens, decorò anche chiese e monasteri con grandi paesaggi, le cui scene bibliche furono dipinte dai suoi amici, pittori storici. I suoi paesaggi della cappella di S. L'autore di questo libro ha visto le mogli della Cattedrale di Bruxelles nella sagrestia di questa chiesa. I paesaggi ecclesiastici erano, in ogni caso, anche i suoi grandi dipinti del Museo di Corte e della Galleria del Liechtenstein a Vienna. Con i suoi dipinti di piccole stanze, che rappresentano la lussureggiante natura della foresta dei dintorni di Bruxelles, con i suoi giganteschi alberi verdi, le strade di sabbia gialla, le distanze collinari blu, i fiumi e gli stagni luminosi, puoi conoscere meglio Madrid e Bruxelles e anche perfettamente a Dresda , Monaco e Darmstadt. Con una lussuosa composizione chiusa, profonda, satura di colori vivaci, con un'aria limpida con nuvole, che sono caratterizzate da lati illuminati giallo oro, trasmettono perfettamente il carattere generale, ma pur sempre solo generale dell'area. Dorato, più caldo, più decorativo, se volete, più veneziano di colore di d'Artois, il suo miglior allievo Cornelis Huysmans (1648 - 1727), il cui miglior paesaggio ecclesiastico è il "Cristo in Emmaus" della chiesa di St. Wives a Mecheln .

Nella città balneare di Anversa si è naturalmente sviluppato anche un porto turistico. Il desiderio di libertà e naturalezza del XVII secolo si concretizzò qui nei dipinti che rappresentano le battaglie costiere e navali di Andries Aartvelt o Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) e Hendrik Mindergout (1632 - 1696), che però non riesce a raggiungere i migliori artigiani olandesi dello stesso settore.

Nella pittura architettonica, che raffigurava volentieri l'interno delle chiese gotiche, ai maestri fiamminghi, come Peter Neefs il giovane (1620 - 1675), che difficilmente andava oltre uno stile grezzo di transizione, mancava anche il fascino interno, luminoso e pittoresco dell'olandese immagini di chiese.

Più audacia e luminosità i belgi hanno portato alle immagini di animali, frutti, natura morta e fiori. Tuttavia, anche Jan Fit (1611 - 1661), pittore di utensili da cucina e frutta, non andò oltre Snyders, che eseguì con cura e unì in modo decorativo tutti i dettagli. Anche la pittura floreale non è andata ad Anversa, almeno da sola, oltre a Jan Brueghel il Vecchio. Anche l'allievo di Brueghel in questo campo, Daniel Seghers (1590 - 1661), lo superò solo nell'ampiezza e nel lusso dell'impianto decorativo, ma non nella comprensione del fascino delle forme e dei colori cangianti dei singoli colori. In ogni caso, le ghirlande di fiori di Seghers sulle Madonne di grandi pittori figurativi e le sue rare e indipendenti immagini di fiori, come un vaso d'argento a Dresda, rivelano la chiara luce fredda di un'esecuzione incomparabile. Anversa nel XVII secolo è il luogo principale della pittura neerlandese di fiori e frutti, ma lo deve non tanto ai maestri locali quanto al grande utrechtiano Jan Davids de Gey (1606 - 1684), che si trasferì ad Anversa e vi allevò la sua figlio Cornelis, nato a Leida de Gay (1631 - 1695), in seguito anche maestro di Anversa. Ma sono loro, i più grandi di tutti i pittori di fiori e frutti, che si distinguono per il loro infinito amore per i dettagli di finitura e il potere della pittura, capace di fondere internamente questi dettagli, come maestri del tipo olandese, e non belga.

Abbiamo visto che c'erano connessioni significative tra la pittura fiamminga e l'arte olandese, italiana e francese. I fiamminghi seppero apprezzare la percezione diretta, intima degli olandesi, l'eleganza patetica dei francesi, il lusso decorativo delle forme e dei colori degli italiani, ma, a parte disertori e fenomeni isolati, rimasero sempre solo un quarto della essi stessi nella loro arte, per l'altro erano internamente romanizzati ed esteriormente olandesi germanici, che seppero cogliere e riprodurre la natura e la vita con forte e impetuoso entusiasmo, e in senso decorativo con umore.

Tra questi puoi anche vedere un ritratto di uno dei più famosi maestri delle Fiandre di quell'epoca, Adrian Brauer. (1606-1632) , i cui dipinti furono raccolti dallo stesso Rubens (ce n'erano diciassette nella sua collezione). Ogni opera di Brauer è una perla della pittura. L'artista era dotato di un enorme talento coloristico. Come tema del suo lavoro, ha scelto la vita quotidiana dei poveri fiamminghi - contadini, mendicanti, vagabondi - noiosa nella sua monotonia e vuoto, con il suo miserabile divertimento, a volte disturbato da uno scoppio di passioni di animali selvatici. Brouwer ha continuato le tradizioni di Bosch e Brueghel nell'arte con il suo attivo rifiuto dello squallore e della bruttezza della vita, della stupidità e della bassezza animale della natura umana, e allo stesso tempo un vivo interesse per la caratteristica unica. Non mira a dispiegare davanti allo spettatore un ampio background della vita sociale. La sua forza sta nella rappresentazione di specifiche situazioni di genere. Possiede soprattutto la capacità di esprimere nelle espressioni facciali vari effetti di sentimenti e sensazioni vissute da una persona. A differenza di Rubens, van Dyck e persino Jordans, non pensa a ideali e passioni nobili. Osserva sarcasticamente la persona così com'è. Nel museo è possibile vedere il suo dipinto "Drinking Buddies", notevole per la sua delicata colorazione chiara, che trasmette in modo sorprendente l'illuminazione e le condizioni atmosferiche. Il paesaggio urbano miserabile vicino ai bastioni, insieme ai giocatori vagabondi, evoca una malinconia straziante. Questo stato d'animo dell'artista stesso, che parla della noiosa disperazione dell'esistenza, è certamente profondamente drammatico.

Frans Hals

Il dipartimento di pittura olandese è relativamente piccolo, ma contiene dipinti di Rembrandt, Jacob Ruisdael, i piccoli olandesi, maestri del paesaggio, nature morte e scene di genere. Un curioso ritratto del mercante Willem Heithuissen, opera del grande artista olandese Frans Hals (1581/85-1666) . Heithuissen era un uomo ricco ma ottuso ed estremamente vanitoso. Rustico per natura, si sforzò tuttavia di assomigliare a nobili aristocratici per l'eleganza che la sua ricchezza sembrava poter acquisire. Hals è ridicolo e estraneo alle affermazioni di questo nuovo arrivato. Perché così insistentemente, con una certa dose di sarcasmo, rende duale l'immagine del ritratto. Dapprima notiamo la posa rilassata di Heithuissen, il suo vestito riccamente elegante, il suo cappello a tesa elegante, e poi il suo viso inespressivo, pallido, non più giovane, dall'aria spenta. L'essenza prosaica di quest'uomo emerge, nonostante tutti i trucchi per nasconderla. L'incoerenza interna e l'instabilità dell'immagine sono rivelate soprattutto dalla composizione originariamente risolta del ritratto. Heithuissen, con una frusta in mano, come dopo una cavalcata, si siede su una sedia, che sembra dondolare. Questa posa suggerisce la rapida fissazione dell'artista sullo stato del modello in un breve periodo di tempo. E la stessa postura conferisce all'immagine un'ombra di rilassamento interiore e letargia. C'è qualcosa di pietoso in quest'uomo, che cerca di nascondere a se stesso l'inevitabile appassimento, la vanità dei desideri e il vuoto interiore.

Luca Cranach

Nella sezione della pittura tedesca del Museo di Bruxelles, attira l'attenzione il geniale lavoro di Lucas Cranach il Vecchio. (1472-1553) . Questo è un ritratto del Dr. Johann Schering datato 1529. L'immagine di un uomo volitivo e forte è tipica dell'arte del Rinascimento tedesco. Ma Cranach ogni volta coglie le qualità individuali della mente e del carattere e le rivela nell'aspetto fisico del modello, colto acutamente dalla sua unicità. Nello sguardo severo di Shering, sul suo viso si avverte una sorta di fredda ossessione, rigidità e intransigenza. La sua immagine sarebbe semplicemente spiacevole se l'enorme forza interiore non evocasse un senso di rispetto per il carattere peculiare di quest'uomo. Colpisce il virtuosismo dell'abilità grafica dell'artista, che trasmette in modo così nitido i brutti lineamenti del viso e tanti piccoli dettagli del ritratto.

Collezioni italiane e francesi

La collezione di dipinti di artisti italiani può suscitare l'interesse dei visitatori del museo, in quanto contiene opere di Tintoretto, il grande pittore, l'ultimo titano del Rinascimento italiano. "Esecuzione di S. Marco” è una tela di un ciclo dedicato alla vita di un santo. L'immagine è permeata di dramma burrascoso, pathos appassionato. Non solo le persone, ma anche il cielo tra le nuvole squarciate e il mare in tempesta sembravano piangere la morte di una persona.

I capolavori della collezione francese sono il Ritratto di giovane di Mathieu Lenin e il Paesaggio di Claude Lorrain.

Nella sua sezione di arte antica, ci sono attualmente più di mille e cento opere d'arte, molte delle quali sono in grado di offrire allo spettatore un profondo piacere estetico.

Giacomo Luigi David

La seconda parte del Museo Reale di Belle Arti - collezioni d'arte del XIX e XX secolo. Contengono principalmente opere di maestri belgi. L'opera più notevole della scuola francese, conservata nel museo, è la "Morte di Marat" di Jacques Louis David (1748-1825) .

David è un famoso artista francese, il capo del classicismo rivoluzionario, i cui dipinti storici hanno avuto un ruolo enorme nel risvegliare la coscienza civica dei suoi contemporanei negli anni precedenti la rivoluzione borghese francese. La maggior parte dei dipinti pre-rivoluzionari dell'artista sono stati dipinti su soggetti della storia dell'antica Grecia e di Roma, ma la realtà rivoluzionaria ha costretto David a rivolgersi al presente e trovare in esso un eroe degno di essere un ideale.

“Maratu-David. Anno due" - tale è la laconica iscrizione sull'immagine. È percepito come un epitaffio. Marat - uno dei leader della Rivoluzione francese - fu ucciso nel 1793 (secondo il calcolo rivoluzionario nel secondo anno) monarchica Charlotte Corday. "Amico del popolo" è raffigurato al momento della morte, subito dopo il colpo. Un coltello insanguinato viene lanciato vicino al bagno curativo dove ha lavorato nonostante la sofferenza fisica. Un aspro silenzio riempie l'immagine, che suona come un requiem per un eroe caduto. La sua figura è potentemente scolpita con il chiaroscuro e paragonata a una statua. La testa rovesciata e la mano caduta sembravano congelate in un'eterna pace solenne. La composizione colpisce per la severità della selezione degli oggetti e la chiarezza dei ritmi lineari. La morte di Marat è percepita da David come un dramma eroico del destino di un grande cittadino.

Il belga Francois Joseph Navez divenne allievo di David, che visse gli ultimi anni della sua vita in esilio ea Bruxelles. (1787-1863) . Fino alla fine della sua vita, Navez è rimasto fedele alla tradizione creata dal suo maestro, soprattutto nella ritrattistica, sebbene abbia introdotto in questo genere un tocco di interpretazione romantica dell'immagine. Una delle famose opere dell'artista "Ritratto della famiglia Emptinn" fu scritta nel 1816. Lo spettatore trasmette involontariamente che la coppia giovane e bella è unita da sentimenti di amore e felicità. Se l'immagine di una donna è piena di calma gioia, quella maschile è irta di qualche mistero romantico e una leggera sfumatura di tristezza.

Pittura belga del XIX e XX secolo

Nelle sale del museo si possono vedere le opere dei più grandi pittori belgi del XIX secolo: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. A Jan Stobbarts viene presentato uno dei suoi migliori dipinti, Farm in Kreiningen, che rappresenta veramente il lavoro contadino in Belgio. Sebbene l'artista fosse un autodidatta, il dipinto è superbamente costruito e di alta qualità nella pittura. Il suo tema potrebbe essere stato ispirato da Il ritorno del figliol prodigo di Rubens. Stobbarts è stato uno dei primi pittori del XIX secolo a proclamare i principi del realismo.

L'inizio della sua carriera artistica fu difficile. Abituato al concetto romantico dell'immagine artistica, il pubblico di Anversa ha rifiutato con indignazione i suoi dipinti veritieri. Questo antagonismo si dimostrò così forte che alla fine Stobbarts fu costretto a trasferirsi a Bruxelles.

Il museo ha ventisette tele del famoso artista belga Henri de Brakeleur. (1840-1888) , che era il nipote e allievo di A. Leys, un eccezionale pittore storico. L'accresciuto interesse per la storia nazionale del Belgio, le sue tradizioni, lo stile di vita, la cultura si combinava in de Brakeler con uno strano sentimento d'amore, pieno di leggero rimpianto e nostalgia per il passato. Le sue scene di genere sono permeate di ricordi del passato, i suoi personaggi assomigliano a persone di secoli passati, circondati da oggetti d'antiquariato e oggetti. Nell'opera di de Brakelera c'è indubbiamente un elemento di stilizzazione. In particolare, il suo dipinto "Geografo" ricorda l'opera dei maestri olandesi del XVII secolo G. Metsu e N. Mas. Nella foto vediamo un vecchio seduto su uno sgabello di velluto del XVII secolo e immerso nella contemplazione di un antico raso dipinto.

Dipinto di James Ensor (1860-1949) "La signora in blu" (1881) reca tracce della forte influenza dell'impressionismo francese. La scala pittoresca è composta da toni blu, grigio-bluastri e verdi. Un tratto vivace e libero trasmette vibrazione e movimento dell'aria.

L'interpretazione pittoresca dell'immagine trasforma il motivo quotidiano in una scena poetica. L'accresciuta percezione pittorica dell'artista, un debole per la fantasia e un desiderio costante di trasformare ciò che vede in qualcosa di insolito si riflettono anche nelle sue brillanti nature morte, il cui esempio più riuscito è lo Skat di Bruxelles. Il pesce di mare è di una bellezza ripugnante con il suo colore e la sua forma rosa taglienti, come se si confondessero davanti agli occhi, e c'è qualcosa di spiacevole e inquietante nel suo sguardo ammaliante e penetrante diretto direttamente allo spettatore.

Ensor visse una lunga vita, ma l'attività del suo lavoro ricade nel periodo dal 1879 al 1893. L'ironia di Ensor, il rifiuto dei tratti brutti della natura umana con spietato sarcasmo, si manifesta in numerosi dipinti raffiguranti maschere di carnevale, che si possono vedere anche al Museo di Bruxelles. Indubbiamente il successivo legame di Ensor con l'arte di Bosch e Brueghel.

Il miglior colorista e lo scultore più dotato morto nella prima guerra mondiale, Rick Wauters (1882-1916) rappresentati nel museo come dipinti e sculture. L'artista subì la più forte influenza di Cezanne, aderì alla corrente del cosiddetto "fauvismo brabantino", ma divenne comunque un maestro profondamente originale. La sua arte capricciosa è permeata di un amore appassionato per la vita. In The Lady with the Yellow Necklace, riconosciamo sua moglie, Nel, appollaiata su una poltrona. Il suono festivo del colore giallo delle tende, il plaid a scacchi rossi, le ghirlande verdi sulla carta da parati, il blu del vestito evocano una sensazione di gioia di essere, affascinando l'intera anima.

Il museo ospita diverse opere dell'eccezionale pittore belga Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke è ampiamente considerato come il capo dell'espressionismo belga. Il Belgio è stato il secondo paese dopo la Germania in cui questa tendenza ha acquisito una grande influenza nell'ambiente artistico. Gli eroi di Permeke, per lo più persone del popolo, sono raffigurati con deliberata grossolanità, che, secondo l'autore, dovrebbe rivelare la loro forza e potenza naturali. Permeke ricorre alla deformazione, una combinazione di colori semplificata. Tuttavia, nei suoi "Promessi sposi" si avverte una sorta di monumentalizzazione, seppur immagini primitive, il desiderio di rivelare il carattere e il rapporto tra un marinaio e la sua ragazza.

Tra i maestri della tendenza realistica del XX secolo, spiccano Isidore Opsomer e Pierre Polus. Il primo è conosciuto come un meraviglioso ritrattista ("Ritratto di Jules Destre"), il secondo - come artista che, come C. Meunier, ha dedicato il suo lavoro a rappresentare la difficile vita dei minatori belgi. Nelle sale del museo sono esposte anche opere di artisti belgi appartenenti ad altre tendenze dell'arte contemporanea, principalmente surrealismo e astrattismo.

Belgio Artisti del Belgio (artisti belgi)

Regno del Belgio

“Pittura belga contemporanea. Artisti del Belgio»

Artisti del Belgio e contemporanei.

Belgio!
Belgio! Paese belga!
Belgio! Stato del Belgio!
Belgio! Il nome ufficiale dello stato belga è Regno del Belgio!

Belgio! Il Regno del Belgio è uno stato dell'Europa nordoccidentale.
Belgio! Il Regno del Belgio è membro dell'Unione Europea (UE), delle Nazioni Unite (ONU) e del blocco militare del Nord Atlantico (NATO).
Belgio! Il Regno del Belgio copre un'area di 30.528 km².
Belgio! Regno del Belgio! Oggi, più di 10 milioni di persone vivono nel regno. La stragrande maggioranza della popolazione belga è urbana - circa il 97% già nel 2004.
Belgio! Regno del Belgio! La capitale del regno belga è la città di Bruxelles.
Belgio! Regno del Belgio! Il Belgio confina con i Paesi Bassi a nord, la Germania a est, il Lussemburgo a sud-est e la Francia a sud e a ovest. Il Regno del Belgio nel nord-ovest ha accesso al Mare del Nord.
Belgio! Regno del Belgio! La forma di governo in Belgio è una monarchia parlamentare costituzionale, la forma della struttura amministrativo-territoriale è una federazione.

Belgio Storia del Belgio
Belgio Preistoria
Belgio Storia del Belgio Le tracce più antiche della presenza di ominidi nel territorio del futuro Belgio sono state rinvenute sulla collina di Allambe, nei pressi del monte Saint-Pierre (Sint-Petersberg) nella provincia di Liegi, e risalgono al circa 800 mila anni fa.
Belgio Storia del Belgio Nel periodo 250-35 mila anni aC. e. il territorio del Belgio era abitato da uomini di Neanderthal, principalmente nelle province di Liegi e Namur.
Belgio Storia del Belgio Circa 30.000 aC. e. I Neanderthal stanno scomparendo, cacciati dai Cro-Magnon. L'ultima glaciazione in quest'area terminò intorno al 10.000 a.C. e. A quel tempo, il livello del mare in questi luoghi era significativamente più basso di quello attuale, quindi c'era un collegamento terrestre tra il Belgio e l'Inghilterra moderna, che in seguito scomparve.
Belgio Storia del Belgio Durante il periodo neolitico, il silicio veniva attivamente estratto in Belgio, come testimonia la miniera preistorica di Spienne.
Belgio Storia del Belgio I primi segni dell'età del bronzo in Belgio risalgono al 1750 aC circa. e.
Belgio Storia del Belgio Dal V secolo a.C. e. e prima dell'inizio di e. in Belgio fiorisce la cultura gallica La Tène, che mantiene legami commerciali e culturali con il Mediterraneo. Da qui le tribù di lingua gallica si espansero verso est, fino all'Asia Minore. La stessa parola "Belgio" deriva dal nome della tribù gallica belga, che abitava questo paese all'inizio della nostra era. Tra le tribù che abitavano il territorio del Belgio, Eburons, Aduatics, Nervii, Menaps sono noti da fonti storiche.

Belgio Storia del Belgio
Belgio periodo romano
Belgio Storia del Belgio Nel 54 aC. e. il territorio del Belgio moderno fu conquistato dalle truppe dell'imperatore romano Giulio Cesare e incluso nella provincia romana della Gallia.
Belgio Storia del Belgio Dopo la caduta dell'Impero Romano d'Occidente, nel V secolo la provincia romana della Gallia fu conquistata dalle tribù germaniche dei Franchi.

Belgio Storia del Belgio
Belgio Storia del Belgio prima dell'indipendenza
Belgio Storia del Belgio Nel Medioevo, il Belgio faceva parte del Ducato di Borgogna.
Belgio Storia del Belgio 1477-1556 Durante questo periodo, il matrimonio dinastico di Maria di Borgogna portò il possedimento borgognone nel Sacro Romano Impero.
Belgio Storia del Belgio 1556-1713 durante questi anni il territorio del Belgio moderno era sotto il controllo della Spagna. La Guerra dei Trent'anni segnò l'inizio della separazione dei territori belgi dai Paesi Bassi protestanti.
Belgio Storia del Belgio 1713-1792 Il territorio del Belgio moderno fu incorporato nel Sacro Romano Impero come Paesi Bassi austriaci.
Belgio Storia del Belgio 1792-1815 Il territorio del Belgio moderno passò sotto il controllo della Francia.
Belgio Storia del Belgio 1815-1830 Il territorio del Belgio moderno fu incluso, secondo la decisione del Congresso di Vienna, nel Regno dei Paesi Bassi Uniti. Tuttavia, molti in Belgio erano insoddisfatti dell'unificazione forzata con i Paesi Bassi (in primo luogo la popolazione francofona e il clero cattolico, che temevano rispettivamente il rafforzamento del ruolo della lingua olandese e della confessione protestante).

Belgio Storia del Belgio
Belgio Rivoluzione belga Stato belga
Belgio Storia del Belgio Nel 1830, a seguito della rivoluzione belga, il Belgio si ritirò dal regno olandese. Nel 1830, il proclamato Regno del Belgio ricevette per la prima volta il suo status di stato indipendente.
Belgio Storia del Belgio Il Regno del Belgio, dopo aver ottenuto l'indipendenza, iniziò a sviluppare intensamente la sua economia. Ad esempio, il Belgio è diventato il primo paese dell'Europa continentale, dove nel 1835 è stata costruita la ferrovia Mechelen-Bruxelles.
Belgio Storia del Belgio Il Belgio ha sofferto molto durante la prima guerra mondiale. I belgi chiamano ancora questa guerra la "Grande Guerra". Sebbene la maggior parte del Belgio fosse occupata, durante la guerra le truppe belghe e britanniche mantennero una piccola parte del paese, stretta tra il Mare del Nord e il fiume Yser.
Belgio Storia del Belgio La storia della città belga di Ypres è particolarmente tragica: durante la guerra fu quasi completamente distrutta. Qui, vicino alla città di Ypres, per la prima volta nella storia delle guerre è stato utilizzato gas velenoso (cloro). E il gas mostarda applicato due mesi dopo prende il nome da questa città.
Belgio Storia del Belgio Il 3 aprile 1925 fu concluso un accordo tra Belgio e Paesi Bassi per rivedere il trattato del 1839. Annullamento della lunga neutralità del Belgio e smilitarizzazione del porto di Anversa.
Belgio Storia del Belgio Seconda guerra mondiale (1940-1944). Durante la seconda guerra mondiale, i tedeschi occuparono il Belgio. Il governo belga fugge in Inghilterra e il re Leopoldo III viene deportato in Germania, poiché ha firmato l'atto di resa il 28 maggio 1940. Per tutta la durata dell'occupazione tedesca in Belgio, viene introdotto il regime dell'amministrazione militare tedesca sotto il comando del generale von Falkenhausen.
Belgio Storia del Belgio La liberazione del Belgio dalle truppe tedesche inizia il 3 settembre 1944, con l'ingresso delle truppe britanniche a Bruxelles. 11 febbraio 1945 Il Belgio dà inizio al proprio governo.

Belgio Storia del Belgio
Belgio Regno del Belgio Storia moderna del Belgio
Belgio Storia del Belgio 4 aprile 1949 Il Regno del Belgio entra a far parte della NATO.
Belgio Storia del Belgio Nel 1957, il Regno del Belgio è entrato a far parte della Comunità Economica Europea (CEE).

Belgio Cultura belga

Belgio Cultura del Belgio Una caratteristica della vita culturale del Belgio è l'assenza di un unico campo culturale.
Belgio Cultura del Belgio In effetti, la vita culturale nel regno belga è concentrata all'interno delle comunità linguistiche. Non ci sono televisioni, giornali o altri media a livello nazionale in Belgio.

Belgio Cultura del Belgio Arte del Belgio
Belgio Arte belga
Belgio Già nel Rinascimento le Fiandre divennero famose per la pittura (primitivi fiamminghi).
Belgio Successivamente, il famoso artista Rubens visse e lavorò nelle Fiandre (in Belgio, la città di Anversa è ancora spesso chiamata la città di Rubens). Nella seconda metà del XVII secolo, tuttavia, l'arte fiamminga era gradualmente diminuita.
Belgio La nuova ascesa dell'arte pittorica in Belgio appartiene ai periodi del Romanticismo, dell'Espressionismo e del Surrealismo. Artisti belgi di fama mondiale: James Ensor (espressionismo e surrealismo), Constant Permeke (espressionismo), Leon Spilliart (simbolismo).
Belgio L'artista più famoso del Belgio è senza dubbio René Magritte, considerato uno dei più importanti esponenti del surrealismo.
Belgio 2 giugno 2009 a Bruxelles nel complesso dei Musei Reali di Belle Arti ha aperto un nuovo museo dell'artista surrealista belga René Magritte (1898-1967). La mostra comprende circa 250 opere. Il nuovo museo è diventato la più grande mostra di dipinti di René Magritte al mondo.

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