Caratteristiche generali della letteratura straniera del Seicento. Caratteristiche della letteratura straniera del XVII secolo
Dopo aver studiato questo capitolo, lo studente:
Sapere
- sull'esistenza di vari principi di periodizzazione del processo storico-culturale;
- cause della crisi dell'umanesimo rinascimentale;
- il contenuto del nuovo concetto di uomo, formatosi nel XVII secolo;
- i principi fondamentali dell'estetica e della poetica del classicismo e del barocco;
essere in grado di
- evidenziare la caratteristica principale nel contenuto del XVII secolo, che ne determina la specificità come epoca culturale e storica speciale;
- caratterizzare i cambiamenti nell'atteggiamento e nelle prospettive di una persona del XVII secolo;
- identificare elementi di poetica barocca e classica in un'opera d'arte;
Proprio
- un'idea delle principali tendenze nel processo storico e culturale del XVII secolo;
- l'idea della relatività del confronto tra barocco e classicismo;
- le principali disposizioni della poetica e dell'estetica del classicismo.
Tra gli storici moderni e i ricercatori della cultura ci sono quelli che diffidano dei principi esistenti di periodizzazione della storia della società umana. Alcuni di loro credono che "la natura umana in ogni momento tende alla costanza" e quindi la ricerca delle differenze tra le generazioni successive è fondamentalmente priva di significato. Altri sono sicuri che i cambiamenti non avvengano secondo una logica storica, ma sotto l'influenza di singole personalità brillanti, quindi sarebbe più ragionevole chiamare i periodi storici con i nomi di tali figure ("L'età di Beethoven", " L'età di Napoleone”, ecc.). Tuttavia, queste idee non hanno ancora avuto un impatto notevole sulla scienza storica e la maggior parte delle discipline umanistiche si basa sulla periodizzazione tradizionale.
Allo stesso tempo, il XVII secolo crea alcune difficoltà nel determinare la sua specificità come epoca culturale e storica indipendente. La complessità è già indicata dalla stessa designazione terminologica - "XVII secolo". Le epoche adiacenti sono chiamate "Rinascimento" e "Illuminismo", e già nei nomi stessi c'è un'indicazione del contenuto di queste epoche e delle linee guida ideologiche fondamentali. Il termine "XVII secolo" segna solo la posizione sull'asse cronologico. Furono fatti ripetuti tentativi per trovare altre designazioni per questo periodo (l'era della Controriforma, l'era dell'assolutismo, l'era barocca, ecc.), ma nessuna di esse attecchiva, poiché non rifletteva pienamente la natura del era. Eppure, nonostante l'incoerenza e l'eterogeneità di questo periodo storico, molti studiosi lo sottolineano transitività come caratteristica principale del XVII secolo come epoca culturale e storica.
In un'ampia prospettiva storica, qualsiasi epoca è di transizione da una fase storica all'altra, ma il XVII secolo occupa una posizione speciale in questa serie: funge da collegamento tra il Rinascimento e l'Illuminismo. Molte tendenze in vari ambiti della vita della società europea, nate nel profondo del Rinascimento, hanno ricevuto la loro logica conclusione e formalizzazione solo nel XVIII secolo, quindi il secolo "ad interim" è diventato un periodo di cambiamento radicale. Questi cambiamenti hanno interessato principalmente l'economia: i rapporti feudali sono stati attivamente sostituiti da quelli capitalistici, il che ha portato al rafforzamento della posizione della borghesia, che ha iniziato a rivendicare un ruolo più influente nella società dell'Europa occidentale. In larga misura, la lotta della nuova classe per un posto al sole ha causato cataclismi sociali in vari paesi: la rivoluzione borghese in Inghilterra, che si è conclusa con l'esecuzione del re Carlo I, il tentativo di colpo di stato in Francia nel metà del secolo, chiamata Fronda, le rivolte contadine che attraversarono l'Italia e la Spagna.
Poiché il rafforzamento di nuove relazioni economiche nei paesi dell'Europa occidentale è avvenuto a ritmi diversi, anche l'equilibrio di potere nell'arena internazionale ha subito cambiamenti nel XVII secolo. La Spagna e il Portogallo hanno perso il loro precedente potere economico e influenza politica, Inghilterra, Olanda e Francia, dove il capitalismo si è sviluppato in modo più dinamico, sono entrati in prima linea nella storia europea. Questa nuova ridistribuzione dell'Europa occidentale divenne il pretesto per la Guerra dei Trent'anni (1618-1648), una delle guerre più lunghe e sanguinose dei tempi moderni. In questo conflitto militare, in cui alla Lega asburgica, che univa principalmente paesi cattolici (Spagna, Austria, principati cattolici di Germania), si opposero i principi protestanti di Germania, Francia, Svezia, Danimarca, sostenuti da Inghilterra e Olanda. Secondo gli storici, più di 7 milioni di persone su una popolazione di 20 milioni morirono a causa della sola Lega degli Asburgo. Non sorprende che i contemporanei abbiano paragonato questo evento al Giudizio Universale. La descrizione degli orrori della Guerra dei Trent'anni si trova spesso nelle opere della letteratura tedesca di questo periodo. Un quadro esteso e molto cupo dei disastri che colpirono la Germania durante gli anni della guerra fu presentato da Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen nel suo romanzo Le avventure di Simplicius Simplicissimus (1669).
La base del conflitto tra gli stati europei non erano solo contraddizioni economiche e politiche, ma anche religiose. Nel 17 ° secolo la Chiesa cattolica, per correggere le sue posizioni frantumate e riconquistare la sua precedente influenza, inizia un nuovo ciclo di lotta contro la Riforma. Questo movimento è chiamato Controriforme. La Chiesa, ben consapevole delle possibilità propagandistiche dell'arte, incoraggia la penetrazione in essa di temi e motivi religiosi. La cultura barocca si è rivelata più aperta a tale introduzione, si è rivolta più spesso e più volentieri a trame e immagini religiose. È naturale che uno dei paesi in cui il barocco conobbe il suo massimo splendore fosse la Spagna, la principale roccaforte della Coitreformation in Europa.
Caratterizzazione del XVII secolo come un'epoca speciale nella storia della letteratura occidentale
Il XVII secolo è un secolo di guerre, conflitti politici e religiosi, un secolo in cui le idee utopistiche rinascimentali sul dominio stanno svanendo, lasciando dietro di sé una sensazione di assoluto caos mondiale. Una persona in questo caos cessa di essere la misura più alta di tutte le cose, è costretta a sottomettersi a nuove leggi e regole. E l'intensificazione della persecuzione degli eretici, l'inasprimento della censura non fanno che intensificare gli stati d'animo tragici che si riflettono nella letteratura. Appaiono due concetti di visione del mondo: il concetto cattolico di libero arbitrio e il concetto protestante di predestinazione. Il primo concetto è caratterizzato dalla percezione di una persona come libera, libera di scegliere tra il bene e il male, predeterminando così il suo futuro. Il concetto protestante presuppone che la salvezza di una persona non dipenda da come vive, e tutto è già predeterminato dall'alto. Ma questo non libera una persona dall'obbligo di essere virtuosa. Nonostante gli svantaggi del concetto cattolico di libero arbitrio, che implica una sorta di scambio tra Dio e l'uomo (buone azioni con l'aspettativa di una ricompensa divina), questo concetto ha maggiormente influenzato la letteratura del XVII secolo.
Altre idee popolari che trovarono riscontro nella letteratura del XVII secolo furono le idee di stoicismo e neostoicismo. Il principio principale e il motto degli aderenti a queste idee era la conservazione della pace interiore. Il neostoicismo è anche caratterizzato da un sentimento religioso molto forte, parallelo alle credenze e ai presentimenti evangelici.
Nel XVII secolo si formarono due sistemi artistici opposti: il barocco e il classicismo.
Caratteristiche generali del barocco.
Il barocco è tradotto dall'italiano come "pittoresco", e questa parola caratterizza al meglio questo movimento letterario. Viene a sostituire il Rinascimento e introduce nella letteratura forme bizzarre ed espressive, dinamiche, disarmonia ed espressione. La prospettiva lineare è sostituita da una strana prospettiva barocca: doppi scorci, immagini speculari, scale spostate. Tutto ciò ha lo scopo di esprimere l'inafferrabilità del mondo e la natura illusoria delle nostre idee al riguardo. In barocco, alto e scienza, terreno e celeste, spirituale e corporeo, realtà e illusione si oppongono. Non c'è chiarezza, nessuna integrità. Il mondo è diviso, in movimento e tempo senza fine. Questa corsa rende la vita umana terribilmente fugace, da qui il tema della brevità dell'uomo, della fragilità di tutto ciò che esiste.
Nella drammaturgia, il gioco barocco si manifesta inizialmente nello spettacolo, nell'illusionismo, nel passaggio dalla realtà alla fantasia. La vita umana è come un teatro. Dio recita il teatro della vita alzando il sipario del caos. Questa idea drammatica del mondo e dell'uomo in generale è caratteristica del barocco. Espone la comicità dell'esistenza umana, quando la ricerca della felicità è solo un crudele processo storico.
Caratteristiche generali del classicismo.
Di solito, la caratteristica più importante del classicismo è la sua natura normativa, vale a dire un insieme di leggi e regole obbligatorie per tutti gli artisti. Tuttavia, molti sostenitori del classicismo non hanno sempre osservato rigorosamente queste regole.
Letteratura straniera del XVII-XVIII secoloXVII secolo nello sviluppo letterario mondiale.
Il processo letterario in Europa nel XVII secolo è molto complesso e contraddittorio. Il XVII secolo è l'epoca che ha segnato il passaggio dal Rinascimento all'Illuminismo, e questo ha determinato i tratti dello sviluppo storico e culturale nei paesi europei, la posizione della reazione feudale cattolica si è rafforzata e questo ha causato una crisi dell'umanesimo rinascimentale, espressi con maggior forza nell'arte barocca.
Il barocco come stile si forma non solo nella letteratura, ma anche nella pittura e nella musica. Come tendenza letteraria, il barocco ha una serie di principi filosofici e artistici generali.
Il barocco si basa sul concetto polemico dell'uomo in relazione alle tradizioni rinascimentali. Una creatura debole e fragile, una persona, come credevano gli scrittori barocchi, è destinata a vagare nel tragico caos della vita. Una concezione profondamente pessimistica dell'essere conduce la letteratura barocca a ideali religiosi ascetici.
Il barocco crea una teoria elitaria dell'arte, afferma uno speciale stile ornamentale metaforico. Basandosi sull'idea di disarmonia del mondo, gli scrittori barocchi, cercando di esprimere l'idea di disarmonia nel sistema figurativo stesso dell'opera, si lasciano trasportare dai contrasti semantici e pittorici. I principi barocchi erano incarnati in modo più vivido nell'opera del grande drammaturgo spagnolo P. Calderon.
Nel barocco europeo si formano due correnti: alta e di base, o democratica, barocca. Alle idee elitarie, la sublime retorica dell'alto barocco, rappresentata dal teatro di P. Calderon, la poesia di L. de Gongora, D. Donne, il romanzo pastorale e galante-eroico, il barocco di base oppone lo stile del comico burlesque, che per molti aspetti parodia consapevolmente l'immaginario sublime (queste tendenze erano espresse più chiaramente in un romanzo picaresco del XVII secolo).
Un'altra tendenza letteraria del XVII secolo fu il classicismo, che ricevette una fioritura speciale in Francia. Va ricordato che le origini del classicismo risalgono all'estetica del Rinascimento, che ha creato il culto dell'antichità come fulcro dell'ideale artistico. Il classicismo rifletteva l'ascesa della coscienza nazionale della società francese. Nel primo terzo del XVII secolo in Francia si stava istituendo una monarchia assoluta, che portò all'eliminazione del conflitto civile feudale e alla formazione di un unico stato centralizzato. Questo processo storicamente progressivo crea i prerequisiti oggettivi per lo sviluppo del classicismo. Le idee di R. Descartes, il creatore della scuola filosofica razionalista, hanno avuto un profondo impatto sull'estetica del classicismo.
Nel suo sviluppo, il classicismo del XVII secolo ha attraversato due fasi principali. Nella prima metà del XVII secolo affermò le alte idee di cittadinanza ed eroismo, che si riflettevano nelle tragedie politiche di P. Corneille.
Nella seconda metà del XVII secolo, dopo i tragici eventi della Fronda, i motivi tragici si approfondirono nel classicismo. Il classicismo ha creato una teoria estetica coerente, che è stata completata nel trattato "Arte poetica" di N. Boileau. I classicisti svilupparono una teoria normativa dell'arte, inclusa una chiara differenziazione tra "alto" e "basso", canoni di genere e stile rigorosi. L'atteggiamento razionalista ha determinato il concetto di uomo, le caratteristiche del conflitto nelle opere classiche. Allo stesso tempo, i classicisti difendevano il principio di "imitazione della natura", "ragionevole verosimiglianza", che permetteva loro di ricreare nelle loro opere i tratti tipici della vita sociale del XVII secolo.
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XVII secolo nello sviluppo letterario mondiale
Il Rinascimento è difficile da separare dalla storia e dalla cultura del XVII secolo. All'inizio del XVII secolo, i luminari del Rinascimento continuarono a creare. La transizione tra le epoche è molto fluida e dura per diverse generazioni. La stessa cosa accade ai limiti superiori del periodo. XVII - XVIII secolo - un'epoca fondamentale per lo sviluppo della moderna cultura europea. In questa era vengono creati stati di tipo moderno. In Francia, sotto l'influenza della cultura del classicismo, si creano le norme della letteratura e della lingua, che hanno messo radici fino al XX secolo. Il movimento illuminista e la letteratura razionalista avevano una funzione regolatrice simile in Inghilterra.
Il Rinascimento è un'era di ottimismo sociale, la scoperta dell'universo e delle capacità umane. Il sistema sociale diventa più dinamico, si aprono le possibilità della personalità umana e del destino. C'è una convinzione nel superare gli ostacoli sociali in varie aree. L'ideale dell'uomo rinascimentale è tipologicamente simile nelle diverse culture. L'ideale universale incarnava la trinità di bellezza, bontà e verità. Ma già alla fine del Rinascimento, nel XVI secolo, questo ideale comincia a vacillare. Nel XVI secolo ci sono le guerre di religione, la lotta degli stati per le colonie, la competizione nell'arena europea. Un'unica cultura europea viene scossa. Si perde l'influenza generalizzante dell'origine latina. Appare una cultura nazionale e vengono creati diversi tipi di stati: borghesi (rivoluzione in Olanda e Inghilterra), emersi come risultato del processo di rifeudalizzazione, ritorno ai vecchi rapporti sociali (Spagna, Germania, Italia). In Germania regnava l '"assolutismo nano", lo stato era in uno stato di frammentazione. La situazione fu aggravata dalla Guerra dei Trent'anni avvenuta nel XVI secolo. In Francia, c'è stato un graduale movimento verso il capitalismo. La Francia di quell'epoca è una delle principali potenze europee. È considerata un classico per la letteratura dell'epoca. Manifesta più chiaramente le tendenze alla centralizzazione: le differenze regionali scompaiono, il centro si rafforza, si crea un unico sistema legale e culturale - e l'assolutismo (il ruolo esclusivo del potere reale).
Nel XVII secolo appare il concetto di potere. Il potere diventa una forza transpersonale che non può essere controllata. Il filosofo inglese Hobbes ha immaginato lo stato nella forma del mostro Leviatano, che controlla tutto, richiede sottomissione e agisce con metodi duri. C'è una completa unificazione della vita, sottomissione al re. La categoria della maneggevolezza diventa quella dominante nell'epoca. In Europa ci sono rituali che controllano la vita culturale e sociale, viene introdotta l'etichetta. Nell'era di Luigi XIV, l'etichetta era esagerata. Il rigido controllo statale diventa una forza vincolante. Avvengono le rivoluzioni, seguite dalla dittatura e dalla successiva restaurazione della monarchia.
Durante il XVII secolo si stava formando un nuovo ideale religioso. C'è la ricerca di un Dio "personale", il suo approccio alla vita quotidiana. La borghesia presuppone l'iniziativa personale. L'incarnazione di questa ricerca è la Riforma nelle sue manifestazioni estreme (puritanesimo, calvinismo). Il lato rituale viene scartato e rimane la nuda fede. Il postulato di base del protestantesimo è la prova individuale che sei degno della salvezza divina. Il contenuto dell'epoca è anche il movimento di controriforma, che si sta sviluppando soprattutto in Spagna e in Italia. Secondo i controriformatori, Dio è relegato nell'empireo, agisce come una forza cieca e irrazionale. Portatrice di questa fede è la Chiesa, anch'essa relegata nell'empireo. Questa strategia è attuata dall'ordine dei Gesuiti, il cui slogan è “Il fine giustifica i mezzi”.
Il XVII secolo è un punto di svolta, quando i valori umani stanno cambiando catastroficamente. I simboli dell'epoca sono le ricerche infinite, la fiducia nelle categorie irrazionali e la ribellione, il tumulto della propria volontà. L'uomo dell'epoca cerca sostegno nella ricerca. Questo supporto diventa o ragione o sentimento. Verità, bontà e bellezza iniziano a esistere separatamente l'una dall'altra. Di conseguenza, sorgono due tendenze opposte: razionalismo e irrazionalismo, rispettivamente.
Il sintomo più evidente del razionalismo è l'ascesa della scienza. Nella ricerca sull'empirismo si pone il problema del metodo, avvicinando la scienza alla letteratura (René Descartes, Spinoza, Hobbes). Queste ricerche scientifiche trovano la loro continuazione fino al XX secolo.
Il rovescio di queste ricerche è l'irrazionalismo. L'irrazionalismo dubita delle possibilità della conoscenza umana. Cerca di identificare le aree dell'ignoto, per mostrare la diversità e il gioco dei fenomeni. Nell'irrazionalismo spicca la categoria del concetto: la convergenza di categorie diverse, ma misticamente correlate. La metafora si sviluppa dal concetto. La letteratura di quest'epoca è metaforica. La scelta tra verità particolari dipende dalla propria volontà.
Uno degli universali dell'epoca è un senso di crisi, una svolta, una rivalutazione degli ideali del Rinascimento. La letteratura dell'epoca è polemica e propagandistica. L'ideale del Rinascimento è cercare di ripristinarlo o negarlo. C'è anche un rifiuto del principio di armonia. Nel XVII secolo c'è un'installazione sulle categorie dominanti. La dialettica è determinata dall'unità e dalla lotta degli opposti: l'interazione di ragione e sentimenti, personalità e società. L'era barocca è interessata ai processi personali. L'umanesimo sta cambiando - diventa "umanesimo nonostante". Il valore di una persona non è fissato inizialmente, è acquisito. Un'altra caratteristica dell'epoca è l'analitismo, un approccio di ricerca. Viene sviluppato un metodo per smembrare la realtà nei dettagli e nella sua combinazione inaspettata. L'era si impegna per ampi panorami epici. Gli scrittori sottolineano la centralizzazione dell'idea. Grazie alla scoperta dell'idea, c'è un'interazione tra creatività giornalistica e artistica. L'idea stessa in un testo letterario si rivela attraverso il pathos e la logica. La logica organizza la composizione, la connessione delle parti. Uno dei problemi principali dell'epoca è la verità e la credibilità. C'è una ricerca di criteri di verità.
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Letteratura barocca (descrizione generale).
Scrittori e poeti dell'era barocca percepivano il mondo reale come un'illusione e un sogno. Le descrizioni realistiche erano spesso combinate con la loro rappresentazione allegorica. Sono ampiamente utilizzati simboli, metafore, tecniche teatrali, immagini grafiche (linee di poesia formano un'immagine), saturazione di figure retoriche, antitesi, parallelismi, gradazioni, ossimori. C'è un atteggiamento burlesco-satirico nei confronti della realtà. La letteratura barocca è caratterizzata dal desiderio di diversità, di sommatoria della conoscenza del mondo, inclusività, enciclopedismo, che a volte si trasforma in caos e raccolta di curiosità, il desiderio di studiare l'essere nei suoi contrasti (spirito e carne, oscurità e luce, tempo ed eternità). L'etica barocca è segnata da un desiderio per il simbolismo della notte, il tema della fragilità e dell'impermanenza, il sogno della vita (F. de Quevedo, P. Calderon). La commedia di Calderon "La vita è un sogno" è ben nota. Si stanno sviluppando anche generi come il romanzo galante-eroico (J. de Scudery, M. de Scudery), il romanzo di vita reale e satirico (Furetière, C. Sorel, P. Scarron). Nell'ambito dello stile barocco nascono le sue varietà e direzioni: Marinismo, Gongorismo (Cultranesimo), Concettualismo (Italia, Spagna), Scuola Metafisica ed Eufuismo (Inghilterra) (Vedi Letteratura Precisa).
Le azioni dei romanzi sono spesso trasferite nel mondo immaginario dell'antichità, in Grecia, i cavalieri e le dame di corte sono raffigurati come pastorelle e pastorelle, che si chiama pastorale (Honoré d'Urfe, "Astrea"). La poesia fiorisce la pretenziosità, l'uso di metafore complesse. Forme comuni come sonetto, rondò, concetti (una breve poesia che esprime un pensiero spiritoso), madrigali.
In occidente, nel campo del romanzo, un rappresentante eccezionale è G. Grimmelshausen (il romanzo "Simplicissimus"), nel campo del dramma - P. Calderon (Spagna). V. Voiture (Francia), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora y Argote (Spagna), D. Donne (Inghilterra) divennero famosi nella poesia. In Russia, la letteratura barocca include S. Polotsky, F. Prokopovich. In Francia fiorì in questo periodo la "letteratura preziosa". Veniva poi coltivato principalmente nel salotto di Madame de Rambouillet, uno dei salotti aristocratici di Parigi, il più alla moda e famoso. In Spagna, la tendenza barocca in letteratura era chiamata "gongorismo" dal nome del rappresentante più importante (vedi sopra).
letteratura barocca (caratteristiche generali).
gli universali dell'epoca compaiono nel barocco e nel classicismo. Nella letteratura europea, il classicismo è presentato come una versione semplificata del barocco; nella letteratura russa, il barocco e il classicismo sono considerati movimenti artistici diversi. Ma nel lavoro di uno scrittore, entrambe queste tendenze possono convergere. In Spagna, il barocco occupava una posizione dominante. La sua estetica e poetica sono state sviluppate dai rappresentanti della scuola Lope de Vega. Il classicismo lì si sviluppò solo teoricamente. In Inghilterra nessuno dei metodi era dominante, poiché lì le tradizioni del Rinascimento erano forti. Solo verso la metà del secolo i tratti classicistici si svilupparono nell'arte inglese (teoria di Ben Jonson), ma non attecchirono in questo paese. In Germania si sta sviluppando il barocco di base, i cui generi preferiti sono il dramma sanguinario e il romanzo picaresco. Il classicismo diventa il metodo fondamentale in Francia, ma anche qui compaiono tendenze barocche. Insieme al classico c'è anche la letteratura da salotto, la poesia dei libertini.
Il barocco si realizza non solo nella letteratura. Inizialmente, è stato evidenziato in architettura (le opere del Bernini, le fontane di Versailles). Nella musica, il barocco era rappresentato dalle opere di Bach e Handel, nella pittura da Tiziano e Caravaggio, nella letteratura da Jean-Baptiste Marino e Calderon. Il barocco è strettamente legato al Rinascimento. Yu.B. Wipper parla del Manierismo, il tragico umanesimo del tardo Rinascimento. Questa è un'uscita verso spazi allegorici con conflitti filosofici che dimostrano la fede nell'uomo e la tragedia dell'esistenza umana.
La stessa parola "barocco" non ha una spiegazione esatta. Questo termine si riferisce a una vasta gamma di fenomeni. Il barocco, per definizione, non ha canoni. Il canone è individuale, qui regna la diversità.
Impostazioni della visione del mondo del barocco:
1. Sentire la natura contraddittoria del mondo, la mancanza di forme stabilite, la lotta senza fine. Il compito dell'autore è cogliere la realtà nella sua variabilità.
2. Tono emotivo pessimista. Viene dalla frammentazione, dalla dualità del mondo. Nella letteratura di questa tendenza si trova spesso il motivo del doppio.
3. Motivi principali: la lotta della carne e dello spirito, del visibile e del reale. Uno dei temi preferiti è la lotta tra la vita e la morte. Gli autori barocchi spesso raffigurano una persona nei suoi stati limite (sonno, malattia, follia, una festa durante una pestilenza).
4. Teatralità, gioco, esperimenti di eroi con la vita, atteggiamento riverente nei confronti delle gioie terrene, ammirazione delle piccole cose della vita. Le opere barocche mostrano un caleidoscopio di vita.
5. L'eroe barocco è un individualista completo. Questa è una creatura brillante, ma inizialmente viziosa che ha bisogno di espiare i suoi peccati, o una persona inizialmente gentile, ma sfigurata dalle circostanze della vita. Il secondo tipo di eroe cerca di fuggire dal mondo nella creatività o creando utopie di vita.
L'estetica barocca è esposta nei trattati Wit or the Art of a Quick Mind (Balthasar Grassian) e Aristotle's Spyglass (Emmanuel Tesauro). L'arte dal punto di vista del barocco è creatività soggettiva. Non esprime la verità, ma crea un'illusione, obbedendo alla volontà dell'autore. Il compito dello scrittore è la trasformazione della realtà. Il volo del pensiero deve essere esagerato. Gli autori barocchi sono interessati a tutto ciò che è insolito. Conoscendo l'inedito, il lettore può essere sorpreso. Lo strumento artistico principale è la metafora. La metafora si interseca con l'amplificazione - esagerazione. Lo stesso oggetto viene ruotato da lati diversi.
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Caratteristiche della letteratura inglese del XVII secolo.
La prima metà del XVII secolo fu segnata in Inghilterra dal fiorire della poesia barocca, rappresentata principalmente dalla scuola dei poeti metafisici. Uno dei poeti più talentuosi di questa direzione, che ha aperto nuovi orizzonti della poesia europea dei tempi moderni, è stato John Donne (1572-1631), il cui lavoro è consigliato agli studenti per conoscere. La rivoluzione borghese inglese (1640-1650) ebbe un'influenza decisiva sullo sviluppo della letteratura inglese nel XVII secolo. Si è svolto sotto slogan religiosi puritani, che hanno determinato le specificità del pensiero artistico dell'epoca.
L'attenzione principale nello studio della letteratura inglese del XVII secolo dovrebbe essere data all'opera di D. Milton (1608-1674). Un eccezionale pubblicista rivoluzionario, Milton riflette nelle sue poesie i conflitti politici più urgenti del nostro tempo. La sua poesia "Paradise Lost" è un tentativo di comprensione socio-filosofica dello sviluppo del mondo e dell'umanità nel suo insieme. Nel mondo artistico del poema, le tendenze barocche e classiciste si combinano organicamente, il che dovrebbe essere notato durante l'analisi.
trascrizione
1 Annotazione La pubblicazione, destinata agli studenti di filologia e scritta sotto forma di lezioni frontali, descrive le condizioni per la formazione della letteratura europea nei secoli XVII e XVIII, analizza l'opera di scrittori di spicco, le cui opere riflettevano i tratti caratteristici della cultura artistica sistemi di quel tempo: realismo rinascimentale, barocco, classicismo, classicismo illuminista, realismo illuminista, sentimentalismo. Dopo ogni argomento, viene offerto un elenco di riferimenti, che facilita notevolmente l'orientamento degli studenti all'interno di questo corso.
2 Veraksich I.Yu. Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII Corso di lezioni frontali
3 Premessa Il corso "Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII" è parte integrante del corso universitario "Storia della letteratura straniera". Il manuale, scritto sotto forma di lezioni frontali, ha lo scopo di aiutare gli studenti a padroneggiare materiale difficile ma interessante, per prepararli alla percezione della letteratura dei secoli XVII-XVIII. Tutto il materiale è organizzato in modo tale che, di conseguenza, gli studenti abbiano una visione olistica delle peculiarità del processo letterario dei secoli XVII-XVIII. La letteratura straniera del XVII secolo è stata a lungo considerata un fenomeno che precede l'Illuminismo. Tuttavia, gli studi degli ultimi decenni hanno dimostrato che ha le sue caratteristiche distintive, compreso lo stile. Fu il XVII secolo a determinare a lungo lo sviluppo dei principali sistemi artistici dell'epoca: classicismo, barocco, realismo rinascimentale. Gli illuministi si sono basati in gran parte sull'esperienza dei loro predecessori nello sviluppo di concetti epici (onore, ragione, rapporto tra onore e dovere, ecc.). I sistemi artistici del XVIII secolo (classicismo illuminista, realismo illuminista, sentimentalismo) sono considerati in dettaglio. Il materiale teorico complesso è completato da un'analisi delle opere dei rappresentanti più importanti di un particolare sistema artistico. Ciò tiene conto dei concetti ben noti dei critici letterari, presentati in libri di testo, libri di testo sulla storia della letteratura e pubblicazioni di riferimento, che facilitano notevolmente l'orientamento degli studenti all'interno di questo corso. Il numero di ore previste dal curriculum per lo studio del corso "Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII", purtroppo, è esiguo, pertanto questo manuale fornisce un sistema di conoscenze di base necessarie agli studenti. Dopo ogni argomento, agli studenti viene offerto un elenco di riferimenti, il cui studio consentirà loro di riassumere le conoscenze acquisite durante le lezioni, nonché durante il lavoro indipendente sull'argomento.
4 Contenuti Lezione 1. Caratteristiche generali del processo letterario del Seicento. Il lavoro di Lope de Vega. Lezione 2. La letteratura barocca spagnola del XVII secolo. Lezione 3. Letteratura tedesca del XVII secolo. Lezione 4. Il classicismo francese (Cornel, Racine, Molière). Conferenza 5. L'età dell'illuminismo. Caratteristiche generali dell'Illuminismo inglese. Conferenza 6. Illuminismo inglese. D. Swift. R. Burns. Conferenza 7. Illuminismo tedesco. Il programma estetico di Lessing. Conferenza 8. L'opera di Goethe. Conferenza 9. Illuminismo francese. Voltaire. J.-J. Rousseau. Conferenza 10. Creatività di Beaumarchais.
5 Lezione 1 Caratteristiche generali del processo letterario del XVII secolo. Creatività Piano Lope de Vega 1. Caratteristiche dello sviluppo del processo letterario del XVII secolo. 2. Principali tendenze letterarie del XVII secolo: a) classicismo; b) barocco; c) Realismo rinascimentale. 3. Creatività di Lope de Vega: a) una breve panoramica della vita e del percorso creativo del drammaturgo; b) l'originalità ideologica e artistica del dramma "Fuente Ovehuna"; c) l'originalità ideologica e artistica del dramma "La stella di Siviglia". 1. Peculiarità dello sviluppo del processo letterario del XVII secolo Le epoche letterarie sono difficili da inserire nel rigido quadro del calendario. Parlando della letteratura del XVIII secolo, abbiamo in mente, prima di tutto, l'età dell'illuminazione. Esiste un contenuto ideologico ed estetico simile nel concetto di "letteratura straniera del XVII secolo"? Non c'è consenso su questo tema sia nella scienza domestica che all'estero. Molti studiosi di letteratura rispondono negativamente a questa domanda e avanzano molti argomenti che suonano molto convincenti. Chiunque si rivolga allo studio di quest'epoca è colpito innanzitutto dalla varietà dei processi economici, sociali, politici e culturali che hanno avuto luogo in quel momento nei diversi paesi d'Europa. Nell'economia dell'Inghilterra e dei Paesi Bassi, i rapporti borghesi nel XVII secolo divennero predominanti; in Francia l'ordine capitalista trionfò nell'industria, nel commercio e nelle banche, ma nell'agricoltura il sistema feudale era ancora abbastanza forte; in Spagna, Italia, Germania i rapporti borghesi erano appena visibili, assumendo la forma dell'usura. Altrettanto evidenti sono i contrasti nella correlazione delle forze sociali. All'inizio del XVII secolo finì la rivoluzione borghese nei Paesi Bassi, che si fuse con la lotta di liberazione nazionale contro il dominio spagnolo e portò all'emergere dello stato borghese dell'Olanda. C'è stata una rivoluzione borghese in Inghilterra. Tuttavia, in Italia, Spagna e Germania, le forze feudali stanno cercando di consolidare il loro potere.
6 Quadro non meno variegato della vita politica dell'Europa occidentale. Nel XVII secolo l'assolutismo era la forma di stato dominante. Non è un caso che il secolo in esame sia chiamato il secolo dell'assolutismo. Tuttavia, le forme del sistema assolutista erano diverse nei paesi europei. Il XVII secolo è l'era delle continue guerre in Europa, delle continue conquiste coloniali nel Nuovo Mondo, in Asia e in Africa. Allo stesso tempo, i vecchi paesi coloniali di Spagna e Portogallo vengono gradualmente messi in secondo piano dai giovani stati di Olanda e Inghilterra. Con una tale diversità di relazioni economiche, politiche e sociali nei paesi europei, sembrerebbe impossibile parlare di unità della cultura dell'Europa occidentale nel XVII secolo. Eppure faremo riferimento al punto di vista di S.D. Artamonova, Z.T. Civile, che considera quest'epoca come una fase indipendente nella storia della letteratura straniera, poiché attraverso la varietà di forme specifiche di sviluppo storico e culturale dei singoli paesi, sono visibili le caratteristiche della comunità tipologica dei processi sociali, politici e culturali di quest'epoca . Quindi, il XVII secolo è un periodo indipendente nell'era di transizione dal feudalesimo al capitalismo, che si trova tra il Rinascimento e l'Illuminismo. Questo è un periodo storico denso di eventi, segnato da una lotta di classe estremamente intensa e caratterizzato da una crescente esplorazione della natura. Entrano nell'arena politica due gruppi: l'Unione protestante (Francia, Olanda, Inghilterra, Danimarca, Svezia fondata nel 1607) e la Lega cattolica (Austria, Spagna, Vaticano fondata nel 1609). La rivalità tra questi due schieramenti politici portò alla Guerra dei 30 anni, l'evento chiave del XVII secolo. La guerra iniziò nel 1618 e fu caratterizzata da una lotta tra il primo ordine borghese, stabilito nei Paesi Bassi a seguito del movimento di liberazione, e una speciale forma reazionaria del tardo sistema feudale. D'altra parte, è sorto un conflitto armato tra paesi feudali con diversi livelli di sviluppo. La guerra si concluse con la conclusione della pace di Vestfalia nel 1648, il definitivo riconoscimento degli Stati Generali (Paesi Bassi) e la rivoluzione borghese inglese del 1649. È così che sono sorti i primi stati-nazione borghesi e il dominio della Spagna reazionaria è stato infranto. Vediamo quindi che la cosa principale che caratterizza la storia dell'Europa nel XVII secolo è la transizione, la crisi dell'epoca. Le fondamenta secolari si stanno sgretolando; l'ordine feudale conserva ancora il suo predominio, ma nel profondo del feudalesimo si rivelano le contraddizioni più acute, che fanno presagire il crollo del vecchio sistema.
7 L'inizio di questo periodo fu posto dall'era precedente. La visione del mondo rinascimentale viene sostituita da una nuova. Anche i cambiamenti nel campo della scienza hanno contribuito alla sua formazione. In Europa compaiono le prime comunità e accademie scientifiche, inizia la pubblicazione di riviste scientifiche. La scienza scolastica del Medioevo cede il passo al metodo sperimentale. La matematica divenne il principale campo della scienza nel XVII secolo. In queste condizioni storiche, oltre che sotto l'influenza della tradizione rinascimentale che in parte continuò, si svilupparono concetti di comprensione della realtà, basati su visioni opposte del mondo e dello scopo dell'uomo. Questi processi non potevano che riflettersi nella sfera della creatività letteraria e nello sviluppo del pensiero filosofico dell'epoca. Se gli scrittori, da un lato, propugnavano la liberazione dell'individuo, dall'altro osservavano un graduale ritorno al vecchio ordine sociale, che, in luogo della precedente sottomissione personale, instaurava una nuova forma di dipendenza umana da un base materiale e ideologica. Questo nuovo ha dato origine alla fede nel destino. Una novità nel concetto di uomo, proposto dalla letteratura di questo periodo, era la comprensione della responsabilità delle sue azioni e azioni, indipendentemente dai rapporti politici e religiosi con cui era incatenato. La questione del rapporto dell'uomo con Dio occupava un posto decisivo nel pensiero del XVII secolo. Dio rappresentava l'ordine supremo, l'armonia, che veniva presa a modello per la caotica struttura terrena. La partecipazione a Dio avrebbe dovuto aiutare una persona a resistere alle prove della vita. 2. Principali tendenze letterarie del XVII secolo L'aggravamento della lotta politica e ideologica si rifletteva nella formazione e nel confronto dei due sistemi artistici del barocco e del classicismo. Di solito, caratterizzando questi sistemi, si concentra sulle loro differenze. La loro dissomiglianza è indiscutibile, ma non c'è dubbio che questi due sistemi abbiano caratteristiche tipologicamente comuni: 1) i sistemi artistici sorsero come consapevolezza della crisi degli ideali rinascimentali; 2) i rappresentanti del barocco e del classicismo rifiutarono l'idea di armonia alla base del concetto umanistico rinascimentale: invece dell'armonia tra uomo e società, l'arte del XVII secolo rivela una complessa interazione tra l'individuo e l'ambiente; invece dell'armonia tra ragione e sentimento, viene proposta l'idea di subordinare le passioni alla ragione.
8 A. Classicismo Il classicismo del XVII secolo divenne una sorta di riflesso dell'umanesimo post-rinascimentale. I classicisti sono caratterizzati dal desiderio di esplorare la personalità nelle sue connessioni con il mondo. Il classicismo come sistema artistico combina un orientamento verso l'antichità con una profonda penetrazione nel mondo interiore dei personaggi. La lotta tra sentimento e dovere è il principale conflitto del classicismo. Attraverso il suo prisma, gli scrittori hanno cercato di risolvere molte delle contraddizioni della realtà. Classicismo dal lat. classicus di prima classe, esemplare nato in Italia nel XVI secolo negli ambienti universitari come pratica di imitazione dell'antichità. Gli studiosi umanisti cercarono di opporre al mondo feudale l'alta ottimistica arte degli antichi. Hanno cercato di far rivivere l'antico dramma, hanno cercato di derivare dalle opere di antichi maestri le regole generali sulla base delle quali sarebbero state costruite le antiche commedie greche. In effetti, la letteratura antica non aveva regole, ma gli umanisti non capivano che l'arte di un'epoca non poteva essere "trapiantata" in un'altra. Dopotutto, qualsiasi lavoro nasce non sulla base di determinate regole, ma sulla base di specifiche condizioni di sviluppo sociale. Nella Francia del XVII secolo il classicismo non solo si sviluppa rapidamente, trova nella filosofia la sua giustificazione metodologica, ma diventa anche, per la prima volta nella storia, un movimento letterario ufficiale. Ciò è stato facilitato dalla politica della corte francese. L'assolutismo francese (una forma transitoria dello stato, quando l'aristocrazia indebolita e la borghesia, che non si è ancora rafforzata, sono ugualmente interessate al potere illimitato del re) ha cercato di ristabilire l'ordine in tutti gli ambiti della vita, per stabilire i principi della disciplina civile. Il classicismo, con il suo rigido sistema di regole, era conveniente per l'assolutismo. Ha permesso al potere reale di interferire nella sfera artistica della vita pubblica, per controllare il processo creativo. Fu per tale controllo che negli anni '40 del XVII secolo fu creata la famosa Académie de Reshelie. La filosofia di René Descartes (), che sosteneva che l'uomo, e non Dio, è la misura di tutte le cose, si oppose per molti aspetti alla reazione cattolica di quel tempo. Invece di affermare l'ascetismo e l'obbedienza, Descartes proclama "Cogito, ergo sum" "Penso, quindi sono". L'annuncio della ragione umana aveva un carattere oggettivamente anticlericale. Questo è ciò che ha attratto i teorici dell'estetica del classicismo negli insegnamenti del pensatore francese. La filosofia del razionalismo ha predeterminato la natura delle idee dei classicisti sull'ideale e sull'eroe positivo. I classicisti vedevano l'obiettivo dell'arte nella conoscenza della verità, che fungeva da ideale di bellezza. Propongono un metodo per raggiungerlo, basato su tre loro categorie centrali
9 estetica: ragione, modello, gusto. Tutte queste categorie erano considerate criteri oggettivi di abilità artistica. Dal punto di vista dei classicisti, le grandi opere non sono il frutto del talento, non dell'ispirazione, non della fantasia artistica, ma seguendo ostinatamente i dettami della ragione, studiando le opere classiche dell'antichità e conoscendo le regole del gusto. I classicisti credevano che solo quella persona che può subordinare i suoi sentimenti e le sue passioni alla ragione fosse un degno esempio. Ecco perché una persona capace di sacrificare i propri sentimenti per amore della ragione è sempre stata considerata un eroe positivo della letteratura classica. Così, secondo loro, è Sid, il personaggio dell'omonima commedia di Corneille. La filosofia razionalista ha anche predeterminato il contenuto del sistema artistico del classicismo, che si basa sul metodo artistico come sistema di principi attraverso i quali avviene lo sviluppo artistico della realtà in tutta la sua diversità. Appare il principio di gerarchia (cioè di subordinazione) dei generi, affermando la loro disuguaglianza. Questo principio era in buon accordo con l'ideologia dell'assolutismo, che paragonava la società a una piramide, in cima alla quale sta il re, così come con la filosofia del razionalismo, che richiedeva chiarezza, semplicità e un approccio sistematico a qualsiasi fenomeno. Secondo il principio della gerarchia, esistono generi "alti" e "bassi". Ai generi "alti" (tragedia, ode) veniva assegnato un tema nazionale, potevano solo raccontare di re, generali e della più alta nobiltà. Il linguaggio di queste opere aveva un carattere ottimista e solenne ("calma alta"). Nei generi "bassi" (commedia, favola, satira) si poteva toccare solo problemi particolari o vizi astratti (avarizia, ipocrisia, vanità, ecc.), agendo come tratti privati assolutizzati del carattere umano. Gli eroi nei generi "bassi" potrebbero essere rappresentanti delle classi inferiori della società. L'allontanamento di persone nobili era consentito solo in casi eccezionali. Nel linguaggio di tali opere erano consentiti maleducazione, allusioni ambigue, giochi di parole ("bassa calma"). L'uso delle parole "alta calma" qui, di regola, era di natura parodica. In accordo con i principi del razionalismo, i classicisti avanzavano la richiesta della purezza dei generi. I generi misti, come la tragicommedia, vengono eliminati. Ciò colpisce la capacità di un particolare genere di riflettere in modo completo la realtà. D'ora in poi, solo l'intero sistema dei generi è in grado di esprimere la diversità della vita. In altre parole, nel classicismo la ricchezza e la complessità della realtà si rivelano non attraverso il genere, ma attraverso il metodo.
10 Entro la metà del XVII secolo, era fermamente radicata l'opinione che il genere letterario più importante fosse la tragedia (in architettura un palazzo, in pittura un ritratto cerimoniale). In questo genere, le leggi erano le più severe. La trama (storica o leggendaria, ma plausibile) dovrebbe riprodurre tempi antichi, la vita di stati lontani. Dovrebbe essere intuito già dal nome, come l'idea dalle prime righe. La fama della trama si opponeva al culto dell'intrigo. Si trattava di affermare la logica della vita, in cui la regolarità trionfava sul caso. Un posto speciale nella teoria della tragedia era occupato dal principio delle tre unità. Fu formulato nelle opere degli umanisti italiani e francesi del XVI secolo (J. Trissino, J. Scaliger), che si affidarono ad Aristotele nella loro lotta con il teatro medievale. Ma solo i classicisti del XVII secolo (soprattutto Boileau) lo elevarono a legge indiscutibile. L'unità dell'azione richiedeva la riproduzione di un'azione integrale e completa che unisse tutti i personaggi. L'unità di tempo è stata ridotta all'obbligo di mettere le azioni in un giorno. L'unità del luogo si esprimeva nel fatto che l'azione dell'intera opera doveva svolgersi in un unico luogo. Il principale lavoro teorico, che ha delineato i principi che abbiamo considerato, è stato il libro di N. Boileau "Poetic Art" (1674). I rappresentanti più famosi del classicismo: Jean Lafontaine (), Pierre Corneille (), Jean Racine (), Jean-Baptiste Moliere (). B. Barocco Ci sono diverse spiegazioni per il termine "barocco". E ognuno di loro dà molto per capire lo stile stesso. Si ritiene che il nome di questa direzione derivi dal portoghese perola barrocca, che significa preziosa perla di forma irregolare, luccicante e luccicante di tutti i colori dell'arcobaleno. Secondo la seconda versione del barocco, un intricato sillogismo scolastico. Infine, la terza versione di barocco significa falsità e inganno. Il fatto che questa perla dalla forma irregolare contrasti immediatamente il barocco con l'armoniosa arte del Rinascimento, vicina all'ideale classico. In riavvicinamento con una perla preziosa, si nota il desiderio barocco di lusso, raffinatezza e decoro. La menzione del sillogismo indica la connessione del barocco con la scolastica medievale. Infine, il fatto che il barocco sia interpretato come falsità e inganno sottolinea il momento illusorio, che è molto forte in quest'arte.
11 Il barocco si basa sulla disarmonia e sul contrasto. Questo è il contrasto tra la natura umana irragionevole e una mente sobria. Il barocco è anche caratterizzato dal contrasto tra il prosaico e il poetico, il brutto e il bello, la caricatura e l'alto ideale. Gli scrittori barocchi hanno sottolineato la dipendenza dell'uomo dalle condizioni oggettive, dalla natura e dalla società, dall'ambiente materiale e dall'ambiente. La loro visione di una persona è sobria e spietatamente dura. Rifiutando l'idealizzazione dell'uomo, che era alla base della letteratura rinascimentale, gli artisti barocchi dipingono le persone come malvagie ed egoiste o prosaiche e ordinarie. L'uomo stesso è ai loro occhi portatore di disarmonia. Nella sua psicologia cercano contraddizioni e stranezze. Pertanto, ombreggiano la complessità del mondo interiore di una persona e sottolineano in esso, per così dire, caratteristiche che si escludono a vicenda. Ma non solo l'uomo è disarmonico. Uno dei principi della letteratura barocca è anche il principio della dinamica, del movimento. Il movimento è visto come basato su contraddizioni interne e antagonismo. In questa disarmonia interna, riflessa nella letteratura del barocco, si manifestava il fatto che la disarmonia regna nella società stessa, derivante dalla lotta di interessi egoistici. A questo è collegata una caratteristica importante della comprensione della bellezza, l'idea di bellezza nell'arte barocca. La vita è prosaica, l'uomo è per natura debole e vizioso. Pertanto, tutto ciò che è bello è al di fuori del principio naturale materiale. Solo un impulso spirituale può essere bello. Il bello è fugace, ideale e non appartiene al reale, ma all'altro mondo, il mondo della fantasia. Per gli scrittori del Rinascimento, la bellezza era contenuta nella natura stessa, per esempio nella poesia naturale delle persone. Per gli scrittori barocchi, la bellezza è il risultato di un'abilità consapevole, di un'attività mentale consapevole. È bizzarro, peculiare, pretenzioso. Nel XVI e XVII secolo, scrittori di diversi paesi discutevano su ciò che era più alto: questa immediatezza della natura stessa o arte, artigianato. Le simpatie degli scrittori barocchi erano dalla parte dell'artigianato. Questo vale anche per lo stile letterario, che hanno cercato di rendere inaccessibile, intricato, pieno di metafore e confronti complessi, iperbole e figure retoriche. Nonostante il barocco sia uno stile completo, da un punto di vista ideologico non era integrale. Basti ricordare la feroce politica perseguita da Gongora e Quevedo. Gongora rappresentava il barocco nella sua forma aristocratica. Contrapponeva la realtà a un mondo illusorio, simile a uno scenario condizionale. La creazione di questo mondo è stata anche servita dallo stile di Gongora, pieno di intricate iperboli e immagini bizzarre e
12 trasforma la vita in una fantasia. Questo stile era chiamato "culteranismo" (dalla parola culto lavorato, vestito). In contrasto con Gongora, il suo avversario Quevedo cercava contrasti e contraddizioni nella stessa realtà spagnola, portando i vizi della vita al punto di caricatura e grottesco. Il suo stile di "concettismo" (dalla parola concepto pensiero) si oppone a ciò che rappresentava Gongora. Per completare la caratterizzazione del Barocco occorre aggiungere quanto segue. I più grandi scrittori di quest'epoca, Quevedo, Tirso de Molina, Calderon, erano persone religiose. Molte delle loro opere sono intrise di un'idea religiosa e appartengono all'arte religiosa. Sulla base di ciò, è molto facile dichiararli reazionari. Tuttavia, i più grandi di loro (Calderon, Quevedo, Gracian, Tirso de Molina) sono entrati in contatto nel loro lavoro con le idee popolari e il punto di vista popolare. Hanno dato una critica sobria e tagliente al mondo monetario emergente, hanno dipinto una persona comune e hanno contribuito così alla democratizzazione dell'arte. B. Realismo rinascimentale Il realismo rinascimentale, che si sviluppò parallelamente al classicismo e al barocco, gettò nuova luce sulle contraddizioni dell'epoca, soprattutto nelle opinioni sui valori morali, il più alto dei quali era l'uomo. I rappresentanti del realismo rinascimentale erano per molti versi oppositori del classicismo con il suo sistema di regole e norme e barocco, aspirando al mondo dell'esotico e della fantasia. Non accettavano i manierismi, l'eccessiva raffinatezza delle opere barocche. I seguaci dell'umanesimo rimasero sostenitori della chiarezza, veridicità nell'arte, ma non avevano più fretta di affermare il potere della mente umana e le possibilità illimitate dell'individuo. Sperimentando la stessa delusione per gli ideali umanistici dei contemporanei, gli scrittori del realismo rinascimentale non avevano paura di sollevare domande scottanti. Un posto speciale tra loro è occupato dal concetto di virtù, compresa la dignità umana, l'orgoglio, l'onore, che sono in conflitto con i pregiudizi di classe del feudalesimo. Inoltre, i rappresentanti del realismo rinascimentale si sono rivolti alla descrizione della vita quotidiana delle persone. Hanno continuato a sviluppare la tradizione della letteratura urbana. Per la prima volta i rappresentanti del realismo rinascimentale hanno sollevato la questione del rapporto tra il carattere morale di una persona e il suo patrimonio, con l'ambiente in cui è stato educato. Allo stesso tempo, i rappresentanti del popolo si sono rivelati più alti e moralmente più spesso nelle loro opere, e Lope de Vega, ad esempio, per la prima volta ha mostrato ai contadini una comunità di individui brillanti, persone capaci di discutere questioni elevate e, se necessario, difendere fino in fondo la loro dignità umana.
13 Il rimprovero fatto dai critici agli scrittori umanisti è l'assenza di un'acuta critica sociale nei loro scritti. Ma non dobbiamo dimenticare che sia nella drammaturgia che nella prosa, le questioni etiche sono strettamente connesse con le questioni politiche. Solo ora non vengono messi in primo piano. La quotidianità terrena di una persona non richiede un alto pathos e raffinatezza nell'espressione dei pensieri. Allo stesso tempo, dietro l'apparente semplicità di descrivere la realtà, gli scrittori nascondono serie riflessioni sul destino del loro paese e della loro gente. Ecco perché la drammaturgia di Lope de Vega o la prima drammaturgia di Tirso de Molina non hanno ancora perso il loro suono civile. E non è un caso che in varie fonti letterarie gli scrittori del realismo rinascimentale della prima metà del XVII secolo siano spesso classificati tra gli autori del tardo Rinascimento, e la loro opera è considerata nella sezione della storia della letteratura rinascimentale. Troviamo un tale approccio nelle opere di A.L. Stein, V.S. Uzina, N.I. Balashova. 3. Creatività di Lope de Vega A. Panoramica della vita e del percorso creativo del drammaturgo A cavallo tra il XVI e il XVII secolo, Lope de Vega (), basandosi sulle tradizioni del teatro popolare spagnolo e sulla potente tradizione realistica di il Rinascimento, creò la drammaturgia spagnola. Tra la galassia di drammaturghi eccezionali, occupa il primo posto. Gli spagnoli adoravano il loro genio nazionale. Il suo nome è diventato un simbolo di tutto ciò che è bello. Lope Felix de Vega Carpio nacque il 25 novembre 1562 a Madrid. Suo padre, originario di una famiglia di contadini asturiani, era un uomo ricco che aveva il suo stabilimento di ricamo d'oro a Madrid. Diede al figlio una buona educazione e anche la nobiltà, avendo acquistato, secondo l'usanza di quei tempi, patente per titolo nobiliare. Dopo aver ricevuto la sua prima educazione in un collegio dei gesuiti, il giovane si è laureato all'università. Già da giovane era al servizio di persone nobili, si esibiva presto con compagnie di recitazione per le quali scriveva opere teatrali, un tempo era un soldato, si sposava più volte, aveva un numero infinito di relazioni amorose, all'età di a cinquant'anni divenne impiegato dell'Inquisizione, poi monaco e prete, il che non gli impedì di condurre uno stile di vita laico, senza interrompere le sue relazioni amorose fino alla sua età avanzata. Solo poco prima della sua morte, sotto l'influenza di difficili esperienze personali (la morte del figlio, il rapimento della figlia), Lope de Vega iniziò a dedicarsi a credenze ascetiche ea mostrare un debole per il misticismo. Morì circondato dall'onore universale. Più di cento poeti hanno composto poesie per la sua morte. La vita versatile di Lope de Vega si riflette nella sua opera letteraria. La facilità con cui scriveva, la ricchezza e la brillantezza
14 delle sue opere furono ammirate dai suoi contemporanei, che lo definirono "un miracolo della natura", "fenice", "un oceano di poesia". All'età di cinque anni, Lope de Vega scriveva già poesie ea dodici anni componeva una commedia, che fu messa in scena. Successivamente, come ha assicurato, ha scritto la commedia più di una volta in un giorno. Ha provato tutti i generi poetici e di prosa. Secondo lo stesso Lope de Vega, ha scritto 1800 commedie, a cui si devono aggiungere 400 drammi religiosi e un numero molto elevato di intermezzi. Tuttavia, lo stesso Lope de Vega si preoccupava poco della sicurezza delle sue opere drammatiche, che erano considerate il tipo più basso di letteratura, per cui la maggior parte di esse non fu pubblicata durante la sua vita. Ci è pervenuto il testo di sole 400 commedie di Lope de Vega (quasi interamente poetiche), e altre 250 sono note solo per titolo. Il drammaturgo ha notato presto che i drammi scritti secondo le rigide regole del classicismo non trovano una risposta adeguata tra la gente. Le magnifiche frasi degli eroi sono percepite con freddezza, le passioni sembrano eccessive. Lope de Vega voleva compiacere il pubblico, scriveva per la gente comune. I fondatori del teatro classico chiedevano unità di impressione, tragico per tragedia, divertente per commedia. Lope de Vega ha rifiutato questo, affermando che tutto nella vita non è tragico o tutto è divertente, e per amore della verità della vita ha stabilito per il suo teatro "una miscela del tragico con il divertente", "una miscela del sublime e il divertente." Lope de Vega credeva che limitare il drammaturgo a un limite di ventiquattro ore, esigere da lui l'unità del luogo fosse assurdo, ma l'unità della trama è necessaria, l'unità dell'azione è obbligatoria. Il drammaturgo sviluppa una teoria dell'intrigo scenico. L'intrigo è il nervo del gioco. Lega insieme lo spettacolo e trattiene con forza lo spettatore affascinato dal palcoscenico. Fin dall'inizio, l'intrigo dovrebbe già legare saldamente il nodo degli eventi e condurre lo spettatore attraverso un labirinto di ostacoli scenici. Lope de Vega si è cimentato in vari generi. Ha scritto sonetti, poemi epici, racconti, poesie spirituali. Tuttavia, Lope de Vega era per eccellenza un drammaturgo. La gamma di trame delle opere è ampia: storia umana, storia nazionale della Spagna, in particolare tempi eroici, eventi della vita dei contemporanei di vari strati sociali del paese, episodi vividi della vita di tutti i popoli. Ci sono 3 periodi nell'opera del drammaturgo: I periodo () in questo momento riassume attivamente le conquiste del teatro nazionale, afferma il diritto dello scrittore alla libera creatività. Le migliori opere teatrali di questo periodo sono The Dance Teacher (1594), The Valencian Widow (1599), The New World Discovered by Christopher Columbus (1609).
15 Nel secondo periodo (), lo scrittore crea i propri drammi storici nazionali, utilizzando le trame dei romanzi popolari Fuente Ovehuna (1613), Figlio illegittimo di Mudarra (1612). In questo periodo apparvero le commedie più famose: "Il cane nella mangiatoia" (1613), "Il matto" (1613). III periodo () scrive i drammi "The Best Alcalde King" (), "The Star of Seville" (1623), la commedia "Girl with a Jug" (1623), "To Love Without Knows Who" (1622). Nonostante la complessità di classificare l'eredità dello scrittore per genere, di solito si distinguono tre gruppi di opere: drammi folk-eroici, nazionali-storici e sociali; commedie domestiche, chiamate "commedie di cappa e spada"; autos attività spirituali. B. L'originalità ideologica e artistica del dramma "Fuente Ovejuna" Il dramma "Fuente Ovejuna" è uno degli apici dell'opera di Lope de Vega. Può anche essere attribuito al numero di rappresentazioni storiche, poiché la sua azione si svolge alla fine del XV secolo, durante il regno di Ferdinando e Isabella. La cosa più notevole di questa commedia, intrisa di pathos veramente rivoluzionario, è che il suo eroe non è un personaggio individuale, ma le masse popolari. La città di Fuente Ovehuna, tradotto significa "Sorgente delle pecore", si trova in Spagna vicino alla città di Cordoba. Qui, nel 1476, scoppiò una rivolta contro l'arbitrarietà del comandante dell'Ordine di Calatrava, Fernand Gomez de Guzman. Il comandante è stato ucciso dai ribelli. Questo fatto storico è stato riprodotto nella sua commedia dal drammaturgo. Il concetto di "ordine spirituale" ci porta alla profonda antichità della Spagna. Già nel XII secolo nel paese furono creati ordini spirituali e cavallereschi, organizzazioni militari e monastiche per combattere i Mori. A capo dell'ordine c'era il Gran Maestro, soggetto ai consigli dell'ordine e del Papa. Il potere del Gran Maestro era esercitato dai comandanti dei governatori militari regionali. Questi ordini conquistarono presto vasti territori, divennero economicamente più forti e poiché erano direttamente subordinati al Papa, e non al re, divennero una sorta di roccaforte dell'anarchia feudale nel paese. Il comandante dell'Ordine di Calatrava, Fernand Gomez, che è di stanza con il suo distaccamento nel villaggio di Fuente Ovehuna, compie violenze contro gli abitanti, insulta l'alcalde locale e cerca di disonorare sua figlia Laurencia. Il contadino Frondoso, che la ama, riesce a proteggere la ragazza. Ma durante le nozze di Frondoso e Laurencia, il comandante si presenta con i suoi scagnozzi, disperde i radunati, picchia l'alcalde, vuole impiccare Frondoso e rapisce Laurencia per poi impossessarsene con la forza. I contadini non possono sopportare tanto disonore: sono tutti uomini,
16 donne, bambini senza eccezioni si armano e picchiano gli stupratori. Durante l'inchiesta giudiziaria nominata dal re in questo caso, quando i contadini vengono torturati, chi ha ucciso esattamente Fernand Gomez, tutti come una risposta: "Fuente Ovejuna!" Il re è costretto a fermare la corte: "perdona" i contadini e prende Fuente Ovejuna sotto la sua diretta autorità. Tale è il potere della solidarietà popolare. Il comandante Fernand Gomez, come dice la cronaca storica, prese arbitrariamente possesso della città di Fuente Ovehuna, contro la volontà del re e delle autorità della città di Cordoba. I contadini che si ribellarono contro di lui personificavano non solo combattenti contro gli oppressori del popolo, ma anche combattenti per l'unità politica del paese, che Lope de Vega sottolineava nella sua commedia. Ciò ha coinciso con il programma politico delle autorità spagnole. Pertanto, è stato possibile glorificare i contadini ribelli in modo così audace. I problemi politici dell'opera sono interpretati da Lope de Vega in una prospettiva storica. Il matrimonio dell'infante aragonese Ferdinando con Isabella di Castiglia significò l'annessione del regno d'Aragona di Castiglia, cioè l'unificazione di tutta la Spagna. A Lope de Vega, i contadini di Fuente Ovehuna sono devoti a Ferdinando e Isabella, mentre il comandante, insieme a tutto il suo ordine, agisce da traditore, sostenendo le pretese al trono castigliano di un altro pretendente, che porterebbe alla frammentazione del Spagna. Così, nella commedia di Lope de Vega, l'unità nazionale, la nazionalità e la vera nobiltà sono internamente collegate. Il personaggio centrale della commedia Laurencia. Questa è una semplice contadina. Affascinante, orgoglioso, dalla lingua tagliente, intelligente. Ha un'autostima molto sviluppata e non si lascerà offendere. Lawrencia è corteggiata dai ragazzi del villaggio, ma per ora lei e la sua amica Pascuala hanno deciso che gli uomini sono tutti furfanti. I soldati cercano di sedurre Laurencia con doni, inclinandola al favore del comandante, ma la ragazza risponde loro con disprezzo: la gallina non è così stupida, sì, e dura per lui. (Tradotto da K. Balmont) Tuttavia, la ragazza sa già che l'amore esiste nel mondo; Ha già una certa filosofia al riguardo. In una delle scene della commedia inizia una disputa sull'amore tra giovani contadini e ragazze. Che cos'è l'amore? Esiste? Il contadino Mengo, uno dei personaggi più interessanti della commedia, nega l'amore. Barrildo non è d'accordo con lui: se l'amore non esistesse, non potrebbe esistere neanche il mondo. (Tradotto da K. Balmont)
17 Questo giudizio è ripreso da altri. L'amore, secondo Laurencia, è "il desiderio di bellezza" e il suo obiettivo finale è "gustare il piacere". Davanti a noi c'è la filosofia che afferma la vita del Rinascimento. Il personaggio di Laurencia non viene immediatamente rivelato allo spettatore. Non sappiamo ancora quali forze d'animo nasconda in sé questa contadina. Ecco la scena in riva al fiume: Laurencia sta sciacquando i panni, il contadino Frondoso, languendo d'amore per lei, le racconta i suoi sentimenti. La spensierata Laurencia ride di lui. Le dà gioia prendere in giro il suo amante, ma le piace lui, questo giovane onesto e sincero. Appare il comandante. Vedendolo, Frondoso si nasconde e il comandante, credendo che la ragazza sia sola, le si attacca sgarbatamente. Laurencia è in grave pericolo e non ha altra scelta che chiedere aiuto. Non fa il nome di Frondoso, nascosto dietro un cespuglio, chiama il cielo. Ecco una prova del coraggio di Frondoso: il suo amore è forte, è abbastanza altruista? E il giovane si precipita in soccorso. È minacciato di morte, ma salva la ragazza. Frondoso è costretto a nascondersi. I soldati del comandante gli danno la caccia per catturarlo e giustiziarlo. Ma è disattento. Cerca di incontrare Laurencia, la ama e ancora una volta le racconta del suo amore. Ora la ragazza non può che amarlo, è pronta a sposarlo. Così, la sbadata Laurencia, che considerava tutti gli uomini ingannatori e ladri, si innamorò. Tutto promette la sua felicità. Il matrimonio avrà luogo tra poco. I genitori dei giovani accettano di unirli. Nel frattempo, il comandante ei suoi soldati sono oltraggiosi, traboccando dalla coppa della pazienza del popolo. A Fuente Ovehuna stanno accadendo cose terribili. Ma il poeta non può essere cupo, parlando anche di questo. Gli stati d'animo di sconforto e pessimismo gli sono estranei, così come i suoi eroi contadini. Lo spirito di allegria e fede nella verità è invisibilmente presente sul palco. Frondoso e Laurencia sono sposati. I contadini cantano canti salutari. Il corteo nuziale viene superato dal comandante con i suoi soldati. Il comandante ordina di sequestrare entrambi. E la folla festosa è dispersa, i giovani sposi vengono catturati, i genitori sfortunati piangono i loro figli. Frondoso è minacciato di morte. Dopo lunghe torture, sporche molestie, Laurencia fugge dal comandante. E come è cambiata! È apparsa all'assemblea nazionale, dove le donne non erano ammesse: non ho bisogno del diritto di voto, una donna ha il diritto di lamentarsi (Tradotto da K. Balmont) Ma non è venuta qui per lamentarsi, ma per esprimere il suo disprezzo per gli uomini miserabili che non sanno difendersi. Lei rifiuta suo padre. Denuncia i contadini codardi:
18 Siete pecore, e la chiave delle pecore è giusta per voi in cui vivere!.. Siete selvaggi, non spagnoli, codardi, prole di lepre. Infelice! Dai le tue mogli a uomini strani! Perché porti le spade? Appendi dal lato del mandrino! Te lo giuro, lo farò in modo che le donne stesse lavino il loro onore macchiato nel sangue di infidi tiranni, e ti lasceranno al freddo (Tradotto da K. Balmont) Il discorso di Laurencia ha acceso i contadini, si sono ribellati. La furia dei ribelli è spietata. Il comandante viene ucciso. Allegra e timida, una contadina piuttosto ordinaria all'inizio della commedia, Laurencia nel corso dell'azione diventa il leader riconosciuto dei ribelli. E non solo il risentimento personale e l'amore per Frondoso guidano le sue azioni, ma anche gli interessi comuni del villaggio. Il gioco si conclude con un lieto fine. I contadini hanno vinto. E non potrebbe essere altrimenti, perché la vita vince sempre. Questa è la principale differenza tra Lope de Vega e poeti e drammaturghi barocchi. L'essenza della domanda non è nei temi e nelle trame, non negli eventi rappresentati, ma nell'atteggiamento dell'autore nei confronti di questi argomenti, trame ed eventi. B. Originalità ideologica e artistica del dramma "La stella di Siviglia" (1623) Lo spettacolo si svolge a Siviglia, il centro dell'Andalusia, in tempi antichi, quando il paese era governato dal re contadino Sancio IV il Temerario. Il conflitto si sviluppa tra il re, che non tiene conto della dignità umana degli altri, e la vecchia Spagna, che conserva le tradizioni e vive secondo le leggi dell'alto onore. Due concetti di onore determinano lo sviluppo del conflitto. Entrambi sono incarnati nel personaggio centrale Sancho Ortiz. Al re piaceva Estrella, soprannominata dal popolo per la sua bellezza la "Stella di Siviglia". Vuole impossessarsi della bella, ma il fratello della ragazza, Busto Tabera, si mette sulla sua strada. Trovando il re nella sua casa, si precipita contro di lui con una spada. Il monarca decide di uccidere il nemico, ma per questo usa il nobile Sancho Ortiz, il fidanzato di Estrella. Il re gioca sull'onestà di Sancho. Prima di ordinare l'assassinio di Busto Tabera, porta Sancho fuori per un franco discorso
19 devozione e lealtà al re e prende la sua parola per eseguire tutti gli ordini del padrone senza discutere. Conoscendo perfettamente la natura orgogliosa di Sancho, porge al giovane un foglio che giustifica tutte le azioni successive, ma Sancho lo strappa. E solo dopo che il re si è finalmente convinto della disponibilità di Sancho a vendicare l'insulto al monarca, dà un ordine scritto con il nome della vittima e subito se ne va frettolosamente con un'osservazione che indica completa indifferenza per il destino dei suoi subordinati: Leggi dopo e scopri chi devi uccidere. Anche se il nome può confonderti, ma non tirarti indietro (Tradotto da T. Shchepkina-Kupernik) Avendo appreso che deve uccidere Busto Taber, il suo migliore amico e fratello di Estrella, Sancho si trova di fronte a una scelta: soddisfare i desideri del re ordinare o rifiutare. In entrambi i casi, è un ostaggio d'onore. Per la prima volta, il drammaturgo ha parlato della mancanza di libertà di una persona in una società disumana e dell'insensatezza della vita. Sancho uccide Busto Tabera e perde per sempre Estrella. Il culmine del dibattito sull'onore sarà la scena del tribunale, in cui Sancho si rifiuta di nominare la persona che ha ordinato l'omicidio. Concentrandosi su questioni d'onore e tradizioni della vecchia Spagna, Lope de Vega ha allo stesso tempo sottolineato che, allevato nello spirito di queste tradizioni, Sancho Ortiz diventa il loro ostaggio, diventando uno strumento nelle mani del potere reale. Una caratteristica dell'opera è che l'autore introduce nella narrazione scenica il sapore storico insito nell'era di Sancho IV il Temerario, che conferisce all'azione una poesia emozionante. Come molte altre opere, anche la "Stella di Siviglia" è caratterizzata dall'umorismo, uno scherzo furbo. Subito dopo la patetica spiegazione dei giovani innamorati, fa parodiare i loro padroni dai servi, che si sono rivelati testimoni accidentali di questo evento. Qui, Lope de Vega segue la sua tradizione, portando "sublime e divertente" nella narrativa scenica. Elenco della letteratura consigliata e utilizzata 1. Artamonov, S.D. Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII / S.D. Artamonov. Mosca: Illuminismo, S. Artamonov, S.D. Letteratura straniera del XVII-XVIII secolo: un'antologia. Proc. indennità per gli studenti. ped. in-tov / S.D. Artamonov. M.: Illuminismo, S
20 3. Vipper, Yu.B., Samarin, R.M. Un corso di lezioni sulla storia delle letterature straniere del XVII secolo / Yu.B. Vipper, R.M. Samarin; ed. SS Ignatov. M.: Universitetskoe, S Erofeeva, N.E. Letteratura straniera. XVII secolo: un libro di testo per studenti ped. università / N.E. Erofeev. Mosca: Otarda, S Plavskin, Z.I. Lope de Vega / Z.I. Plavskin. M.; L., s. 6. Stein, A.L. Storia della letteratura spagnola / A.L. Opaco. 2a ed. Mosca: Editoriale URSS, S
21 Lezione 2 La letteratura barocca spagnola del XVII secolo Piano 1. Caratteristiche dello sviluppo della letteratura barocca spagnola. 2. Scuole letterarie del barocco spagnolo. 3. Luis de Gongora come rappresentante di spicco della lirica barocca spagnola. 4. Drammaturgia barocca spagnola (Calderon). 5. Francisco de Quevedo e la prosa barocca spagnola. 1. Caratteristiche dello sviluppo della letteratura barocca spagnola XVII secolo in Spagna, l'era del più profondo declino economico, crisi politica e reazione ideologica. Quando alla fine del XV secolo sorse uno stato spagnolo unificato e la Reconquista fu completata, nulla sembrò far presagire una rapida catastrofe. La colonizzazione servì dapprima come impulso per lo sviluppo dell'economia, l'emergere delle prime relazioni borghesi nell'industria e nel commercio. Ben presto, però, si rivelò il profondo declino dello stato spagnolo, della sua economia e della sua politica. L'oro americano ha permesso alle classi dirigenti e al potere reale della Spagna di trascurare lo sviluppo dell'industria e del commercio nazionali. Di conseguenza, alla fine del XVI secolo, l'industria si esaurì. Sparirono interi rami di produzione, il commercio era nelle mani degli stranieri. L'agricoltura è crollata. La gente mendicava e la nobiltà e l'alto clero stavano annegando nel lusso. Le contraddizioni sociali e nazionali all'interno del paese si sono fortemente intensificate. Nel 1640 iniziò una diffusa rivolta separatista in Catalogna (la regione più industrializzata di quella che allora era la Spagna), accompagnata da numerose rivolte e rivolte contadine. A poco a poco, la Spagna iniziò a perdere le sue colonie. Tutto ciò non poteva che lasciare un'impronta nella letteratura spagnola del XVII secolo. Tratti distintivi della letteratura spagnola del Seicento: 1) nei primi decenni del Seicento l'arte rinascimentale mantenne una posizione di forza in Spagna, pur manifestando già tratti di crisi. I principali scrittori stanno diventando sempre più chiaramente consapevoli dell'incoerenza interna degli ideali del Rinascimento, della loro incoerenza con la cupa realtà;
22 2) il sistema artistico dominante in Spagna per tutto il secolo fu il barocco. Le sue tendenze sono inerenti al lavoro degli artisti del XVII secolo Velazquez ("Venere davanti a uno specchio"), Murillo ("Gesù distribuisce il pane ai viandanti") e altri.L'interazione del barocco e del Rinascimento in Spagna era più intenso che in altri paesi dell'Europa occidentale. Non è un caso che nell'opera dei maggiori personaggi della letteratura del barocco spagnolo Quevedo, Calderon e altri, siano chiaramente rintracciati echi di ideali e problemi rinascimentali; 3) L'arte barocca spagnola era orientata verso l'élite intellettuale. In generale, l'arte del barocco spagnolo si distingue per: severità e tragedia; evidenziando il principio spirituale; il desiderio di sfuggire alle grinfie della prosa della vita. Nella seconda metà del XVII secolo fu caratterizzato da un aumento delle tendenze mistiche. 2. Scuole letterarie del barocco spagnolo Nella letteratura del barocco spagnolo (soprattutto nella prima metà del secolo) c'era una lotta tra le sue due principali scuole di culto (cultarismo) e concettualismo. Il cultismo (dallo spagnolo cultos elaborato, coltivato) era concepito per essere percepito da persone selezionate e finemente istruite. Non accettando la realtà, contrapponendola al perfetto e bellissimo mondo dell'arte, i cultisti usavano il linguaggio principalmente come mezzo per rifiutare la brutta realtà. Hanno creato uno speciale "stile oscuro", sovraccaricando le opere di metafore insolite e complesse, neologismi (per lo più di origine latina) e complesse costruzioni sintattiche. Il più grande e talentuoso poeta-cultista era Gongora (ecco perché il cultismo è anche chiamato gongorismo). Il concettualismo (dallo spagnolo consepto pensiero), in contrasto con il cultismo, pretendeva di esprimere la complessità del pensiero umano. Il compito principale dei concettualisti è rivelare connessioni profonde e inaspettate tra concetti e oggetti distanti tra loro. I concettualisti chiedevano la massima ricchezza semantica dell'enunciato. I trucchi preferiti dei concettisti sono l'uso della polisemia di una parola, un gioco di parole, la distruzione di frasi stabili e familiari. La loro lingua è più democratica della lingua dei cultisti, ma non è meno difficile da capire. Non è un caso che l'eminente filologo spagnolo R. Menendez Pidal definisse il modo dei concettualisti "stile difficile". Gli scrittori concettualisti più importanti furono Quevedo, Guevara e Gracian (quest'ultimo è anche un teorico concettualista).
23 Tuttavia, entrambe le scuole hanno più in comune che differenze. Entrambe le direzioni mettono soprattutto una metafora in cui la "mente veloce" abbina concetti inaspettati e lontani, combina l'incongruo. Con estrema adesione ai propri dogmi, le scuole arricchirono la letteratura di nuovi mezzi espressivi e ne influenzarono lo sviluppo successivo. Il cultismo era incarnato in modo più vivido nella poesia, il concettualismo nella prosa. E questa non è una coincidenza. I cultisti hanno espresso le più sottili sfumature di sentimento: la loro poesia è emotivamente satura. I concettualisti hanno trasmesso tutta la ricchezza e la flessibilità del pensiero acuto: la loro prosa è secca, razionalista, spiritosa. 3. Luis de Gongora come rappresentante di spicco dei testi barocchi spagnoli Luis de Gongora y Argote () uno dei poeti più complessi e talentuosi della letteratura mondiale, è stato a lungo considerato "astruso", "oscuro", inaccessibile al lettore comune . L'interesse per il suo lavoro è rinato nel XX secolo grazie agli sforzi di poeti come R. Dario e F. Garcia Lorca. Le opere di Gongora non furono pubblicate durante la sua vita. Furono pubblicati postumi nella raccolta Opere nei versi dell'omero spagnolo (1627) e nella raccolta delle sue opere, pubblicata nel 1629. Romanticismo, letrilla (forme popolari di poesia popolare), sonetto, poema lirico - generi in cui il poeta ha immortalato il suo nome. Gongora ha creato uno speciale "stile oscuro" nella poesia, che escludeva la lettura sconsiderata della poesia ed era per lui una sorta di mezzo per rifiutare la brutta realtà. Di grande importanza per la formazione dello stile del poeta furono le liriche arabo-andaluse medievali (Gongora nacque a Cordoba, l'antica capitale del califfato arabo, che conservava le tradizioni di una cultura millenaria). Ha riprodotto la realtà su due piani, reale e condizionale. La costante sostituzione di un piano reale con uno metaforico è l'espediente più comune nella poesia di Gongora. I temi delle sue poesie sono quasi sempre semplici, ma la loro realizzazione è estremamente difficile. Le sue linee devono essere svelate, e questa è la sua impostazione creativa consapevole. L'autore credeva che la vaghezza delle espressioni, lo "stile oscuro" inducesse una persona all'attività e alla co-creazione, mentre le solite parole ed espressioni cancellate cullano la sua coscienza. Ecco perché ha saturato il suo discorso poetico con neologismi e arcaismi esotici, usando parole familiari in un contesto insolito, e ha abbandonato la sintassi tradizionale. La poesia di Gongora dimostra la molteplicità dei punti di vista sull'argomento (pluralismo) e l'ambiguità della parola, tipica del sistema artistico barocco. Nel suo vocabolario poetico ci sono peculiari
24 parole chiave su cui è costruito un intero sistema di metafore: cristallo, rubino, perle, oro, neve, garofano. Ciascuno di essi, a seconda del contesto, acquisisce l'uno o l'altro significato aggiuntivo. Quindi, la parola "cristallo" può significare non solo acqua, fonte, ma anche il corpo di una donna o le sue lacrime. "Gold" è l'oro dei capelli, l'oro dell'olio d'oliva, l'oro dei favi; "neve volante" un uccello bianco, "neve filata" una tovaglia bianca, "neve in fuga" il viso candido di una persona amata. Negli anni ancora piuttosto giovane, Gongora crea circa 30 sonetti, che scrive sulla base di Ariosto, Tasso e altri poeti italiani. Già queste, spesso ancora poesie di studenti, sono caratterizzate da originalità d'intenzione e attenta levigatura della forma. La maggior parte di essi è dedicata al tema della fragilità della vita, della fragilità della bellezza. Il motivo del famoso sonetto "Mentre scorre il vello dei tuoi capelli" risale ad Orazio. È stato sviluppato da molti poeti, incluso Tasso. Ma anche nel tragico Tasso non suona così senza speranza come in Gongora: la bellezza non solo svanirà o svanirà, ma si trasformerà in un nulla onnipotente ... Affrettati ad assaporare il piacere del potere nascosto nella pelle, nel ricciolo, in bocca. Fino a quando il bouquet dei tuoi garofani e gigli non solo senza gloria non è appassito, ma gli anni non ti hanno trasformato in cenere e terra, in cenere, fumo e polvere. (Tradotto da S. Goncharenko) La disarmonia del mondo, in cui la felicità è fugace di fronte all'onnipotente Nulla, è sottolineata dalla composizione armoniosamente armoniosa della poesia, pensata nei minimi dettagli. Lo stile poetico di Gongora è stato espresso in modo più completo nelle sue poesie The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) e Solitude (1614). La trama di Polifemo e Galatea è presa in prestito dalle Metamorfosi di Ovidio. Gongora è stato attratto dalla trama con il suo personaggio fantastico e le immagini stravaganti. Partendo dall'immagine classica, Gongora creò un poema barocco completo e perfetto, più lirico che narrativo. È internamente musicale. Il ricercatore del lavoro di Gongora Belmas lo ha confrontato con una sinfonia. La poesia, scritta in ottave, è costruita sulle antitesi del mondo bello e luminoso di Galatea e della sua amata Aside e del mondo oscuro di Polifemo, così come il brutto aspetto del Ciclope e quel sentimento gentile e potente che lo riempiva completamente . Al centro del poema c'è l'incontro di Asis e Galatea. Non sentiamo il loro discorso, è pantomima silenziosa o balletto. L'appuntamento sembra un idillio, intriso dello spirito di armonia e serenità. Viene interrotto dall'apparizione di un mostro infuriato dalla gelosia. Gli amanti corrono ma il disastro
25 li supera. Arrabbiato, Polifemo lancia un sasso su Asis e lo seppellisce sotto di esso. Asis si trasforma in un ruscello. Gongora conduce il lettore al pensiero: il mondo è disarmonico, la felicità è irraggiungibile in esso, la bellezza muore in esso, proprio come muore la bella Asis sui frammenti di una roccia. Ma la disarmonia della vita è bilanciata dalla rigorosa armonia dell'arte. La poesia è completata. E con tutta la disarmonia interna, ha un equilibrio delle sue parti costitutive. Il vero apice del lavoro di Gongora è la poesia "Loneliness" (sono state scritte solo la "Prima solitudine" e parte della "Seconda" delle 4 parti previste). Il nome stesso è ambiguo e simbolico: la solitudine dei campi, delle foreste, dei deserti, il destino umano. I vagabondaggi del vagabondo solitario, l'eroe del poema, sono percepiti come un simbolo dell'esistenza umana. Non c'è praticamente trama nella poesia: un giovane senza nome, deluso da tutto, affetto da un amore non corrisposto, a seguito di un naufragio finisce su una spiaggia disabitata. La trama serve solo come pretesto per rivelare le associazioni più sottili della coscienza dell'eroe che contempla la natura. La poesia è satura di immagini, metafore, il più delle volte basate sulla fusione in un'unica immagine di concetti molto lontani l'uno dall'altro (il cosiddetto "concetto"). La compattazione figurativa del verso portata al limite crea l'effetto del "buio" dello stile. Quindi, vediamo che il lavoro di Gongora richiedeva un lettore attento, istruito, familiare con la mitologia, la storia, conoscendo storicismi e aforismi. Per un lettore perfetto, la sua poesia, ovviamente, è più comprensibile, ma per i contemporanei di Gongora sembrava misteriosa e soprannaturale. 4. Drammaturgia barocca spagnola (Calderón) Il dramma barocco si è formato nel contesto dell'intensificarsi della lotta ideologica del teatro. I sostenitori più fanatici della controriforma hanno ripetutamente avanzato richieste per il divieto di spettacoli teatrali secolari. Tuttavia, non solo le figure umanistiche del teatro spagnolo, ma anche i rappresentanti moderati dell'élite dominante della società si opposero a questi tentativi, vedendo nel teatro un potente mezzo per affermare i propri ideali. Tuttavia, fin dall'inizio del XVII secolo, le classi dirigenti attaccarono sempre più risolutamente le forze democratiche che si erano affermate nel teatro spagnolo. Questo obiettivo è stato raggiunto con la riduzione del numero delle compagnie teatrali, l'istituzione di una rigida censura laica ed ecclesiastica sul repertorio e, in particolare, la progressiva restrizione delle attività dei teatri pubblici cittadini (i cosiddetti "recinti") e il rafforzamento del ruolo dei teatri di corte. Il legislatore della moda teatrale, ovviamente, non è una massa violenta e ribelle di cittadini, come nei "recinti",
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APPENDICE 1.22 Istituto scolastico di bilancio municipale della città di Mtsensk "Scuola secondaria 7" PROGRAMMA DI LAVORO sull'argomento "Arte (MHK)" Voto: 10-11 Livello di istruzione:
Completato da: Golubeva K. Insegnante: Nemesh N.A. È. Turgenev (1818 1883) Biografia di I.S. Turgenev nacque il 28 ottobre (9 novembre) 1818 a Orel. I suoi anni d'infanzia furono trascorsi nel "nido nobile" della famiglia: la tenuta
STUDIO DEL CONCETTO "AMORE" IN UNA LEZIONE DI LETTERATURA AL LICEO (SULL'ESEMPIO DEI TESTI DI M.I. TsVETAEVA) Izmailova E.A. Studente post-laurea, Dipartimento di tecnologie educative in filologia, Stato russo
Ministero dell'Istruzione e della Scienza della Federazione Russa Istituto di istruzione di bilancio statale federale per l'istruzione professionale superiore "Istituto di architettura di Mosca (Accademia statale)" (MARCHI) Dipartimento "Disegno"
ANNOTAZIONI AI PROGRAMMI DI LAVORO DELL'ISTRUZIONE GENERALE DI BASE IN LETTERATURA. Stato del documento Nota esplicativa I programmi di lavoro sulla letteratura si basano sulla componente federale dello Stato
Nuova storia 1500-1800. (Grado 7) Il curriculum utilizza il seguente kit educativo e metodologico: Libri di testo: "Nuova storia 1500-1800" Yudovskaya A.Ya., Baranov P.A., Vanyushkina L.M., - M.: "Illuminismo",
Istituto Educativo Generale Autonomo Comunale "Scuola Secondaria 3" Approvo: direttore della scuola secondaria MAOU 3 ordinanza 196 del 30 agosto 2017. "P
Un saggio sul tema del destino della generazione del 1830 nei testi di Lermontov Fin dalla tenera età, Lermontov riflette sul destino, su un alto destino, trascorse due anni in un nobile collegio di Mosca, e nel 1830 entrò
Annotazione al programma di lavoro in letteratura al grado 5 Il programma di lavoro in letteratura per il grado 5 è stato sviluppato sulla base dei seguenti documenti: 1. Standard educativo statale federale
Sviluppo musicale ed estetico dei bambini in età prescolare. L'influenza della musica sullo sviluppo globale della personalità del bambino Preparato dal direttore musicale Churakova N.L. La storia ci insegna che l'arte è
CALENDARIO E PIANIFICAZIONE TEMATICA Per l'anno accademico 2013-2014 Voto: 7° Materia: storia Numero di ore secondo il curriculum: storia - 68, 2 ore settimanali. 1. Compilato sulla base del programma per l'istruzione generale
Sezione 4. STORIA DEL NUOVO TEMPO Argomento 4.2 Paesi dell'Europa e del Nord America nei secoli XVI-XVIII. Lezione 4.2.2. L'ascesa dell'assolutismo nei paesi europei. Età dell'Illuminismo. Piano 1. Il concetto di assolutismo. 2.
NOTA ESPLICATIVA Lo scopo del programma è aiutare lo studente, padroneggiando in modo creativo la sua lingua madre, a padroneggiare l'esperienza spirituale dell'umanità. Questo obiettivo determina le seguenti attività:. Lo studente deve imparare le leggi d'uso
Pavel Andreevich Fedotov è una figura solitaria e tragica nell'arte russa della metà del XIX secolo. Come molte persone di talento dell'epoca, visse e morì insufficientemente compreso e apprezzato dai suoi contemporanei. Destino
Annotazione al programma di lavoro in letteratura Voto: 5 Livello di studio del materiale didattico: materiale didattico di base, libro di testo: il programma di lavoro è compilato in conformità con il contenuto minimo obbligatorio di letteratura
I. Risultati pianificati della padronanza della lingua nativa (russa) e della letteratura nativa nell'ottavo anno Gli studenti dovrebbero conoscere: il significato dei mezzi visivi di fonetica, vocabolario, sintassi; uso di vari
SAGGIO FINALE 2017/2018 DIREZIONE TEMATICA "LOIY E TRADIZIONE". Nell'ambito della direzione, si può parlare di fedeltà e tradimento come manifestazioni opposte della personalità umana, considerando
(195 ° anniversario di N.A. Nekrasov) (10.12.1821-08.01.1878) 6+ “Ho dedicato la lira al mio popolo Forse morirò, a loro insaputa. Ma l'ho servito e il mio cuore è calmo "Nella storia della letteratura russa, Nikolai Alekseevich
Grado 7 "Storia della Russia dalla fine del XVI alla fine del XVIII secolo", "Storia della New Age". Il programma di lavoro è stato sviluppato sulla base della componente federale dello standard statale per l'istruzione generale di base
Annotazione al programma di lavoro in letteratura (FSES). Il programma di lavoro in letteratura per i gradi 5-9 è stato sviluppato sulla base di un programma esemplare di istruzione generale di base in letteratura, tenendo conto delle raccomandazioni
Letteratura dell'età dell'argento della fine del secolo e dell'inizio del XX secolo. riflesso delle contraddizioni e delle ricerche dell'epoca. Vita letteraria attiva: libri e riviste, serate e concorsi di poesia, salotti e caffè letterari,
Solodchik Olga 7-Zh La letteratura russa del XVIII secolo ha fatto molta strada nel suo sviluppo: dal classicismo al sentimentalismo, dall'ideale di un monarca illuminato alle esperienze intime di una persona. classicismo russo
Elenco delle domande per il test « Letteratura straniera Secoli XVII-XVIII.
1. XVII secolo nello sviluppo letterario mondiale.
2. Barocco (caratteristiche generali della direzione, metodo, stile).
3. Classicismo (caratteristiche generali della direzione, metodo, sì, stile).
4. Letteratura spagnola del XVII secolo e suoi rappresentanti.
5. L'opera di Calderón. "La vita è un sogno" Calderon (analisi dell'opera).
6. Letteratura francese del XVII secolo. Lo sviluppo della teoria del classicismo da Malherbe a Boileau.
7. L'opera di Corneille. "Sid" Corneille (analisi dell'opera).
10. Creatività Racina. Fedra (analisi dell'opera).
11. Il ruolo di Molière nella trasformazione del genere comico.
12. "Tartufo" di Moliere (analisi dell'opera).
13. "Il misantropo" di Moliere (analisi dell'opera).
14. Prosa del classicismo francese. "Racconti" Perrault.
15. Commedia italiana. Goldoni e Gozzi.
16. Letteratura inglese del XVII secolo. Lirica Donna.
17. Paradise Lost di Milton (descrizione generale dell'opera).
18. Caratteristiche generali della letteratura dell'Illuminismo nel contesto della cultura europea del XVIII secolo.
19. Creatività Defoe. "Robinson Crusoe" Defoe (analisi di 1 volume).
20. Il lavoro di Swift. "I viaggi di Gulliver" (analisi dell'opera).
21. "School of calunnia" Sheridan (analisi dell'opera).
22. Brucia i testi.
23. L'opera di Voltaire. "Candido" Voltaire (analisi dell'opera).
24. Creatività Diderot. Analisi di una delle opere di Diderot.
25. L'opera di Rousseau. Analisi di una delle opere.
26. "Le nozze di Figaro" di Beaumarchais (analisi dell'opera).
27. Il lavoro di Wieland. Satira.
28. Letteratura "Tempesta e assalto". L'opera di Goethe. Testi.
29. "La sofferenza del giovane Werther" di Goethe (analisi dell'opera).
30. "Faust" di Goethe (analisi dell'opera)
31. Il lavoro di Schiller. Analisi di una delle opere di Schiller.
32. Il preromanticismo nella letteratura straniera del Settecento. Scuola inglese. Dal sentimentalismo al preromanticismo (recensione).
Elenco dei riferimenti per la lettura obbligatoria nella disciplina
"Storia della letteratura straniera dei secoli XVII-XVIII"
1. Lope de Vega F. Cane nella mangiatoia. Molla di pecora (Fuente Ovejuna). Insegnante di danza.
2. Tirso de Molina.Beata Marta. Siviglia maliziosa, o Don Juan.
3. Calderón P.La vita è un sogno.
4. Cornell P.Sid. Orazio.
5. Racino J. Andromaca. Fedra. Britannico.
6. Molière J.-B.Misantropo. Tartufo . Avaro. Don Juan. Commerciante nella nobiltà.
7. Donn D. Poesie.
8. Thomson D. Stagioni.
9. Milton D. Paradiso perduto. Il paradiso è tornato.
10. De Foe D. Robinson Crusoe(Volume 1).
11. Rapido D. i viaggi di Gulliver (versione per adulti).
10. Mettere in campo G. La storia di Tom Jones, il trovatello.
11. Sheridan RB Scuola di calunnia.
12. Stern L. viaggio sentimentale . La vita e le opinioni di Tristram Shandy.
13. Burns R. Testi.
14. MontesquieuC. Lettere persiane.
15. Voltaire F.-M. Innocente. Candido. Vergine d'Orleans.
16. Didro D. nipote di Ramo. Suora. Jacques è un fatalista.
17. Rousseau J.-J. Julia, o Nuova Eloise (parti separate). Emile. Confessione. Pigmalione.
18. Beaumarchais P.Barbiere di Siviglia. Matrimonio di Figaro .
19. Affitto.Le avventure di Gil Blas di Santillana .
20. La Fayette. Principessa di Clèves.
21. Lafontain. Favole. Fiabe.
18. Lessing G.-E. Emilia Galotti. Laocoonte (prefazione).
19. Goethe I.-V. Testi. La sofferenza del giovane Werther. Faust.
20. Schiller F. Astuzia e amore. Ladri. Maria Stuarda. Don Carlo.
21. Gray T. Elegie.
22. Wieland. Storia degli Abderiti. Oberon.
23. Goldoni K. La padrona di casa dell'albergo, ovvero l'oste.
24. Gozzi K. Principessa Turandot.
25. Perro Sh.Racconti.
26. Choderlos de Laclos. Legami pericolosi.
27. Prevost A. La storia del cavaliere de Grieux e Manon Lescaut.
28. Austin D. Orgoglio e pregiudizio. Senso e sensibilità, o ragione e sensibilità. Argomenti della ragione. Emma.
29. Walpole G. Castello di Otranto.
30. Segreti di Radcliff A. Udolf.
Nota. La letteratura richiesta è in grassetto. Gli studenti devono osservare la proporzionalità nella scelta delle opere dall'elenco, tenendo conto delle scuole e dei generi nazionali.
La letteratura obbligatoria è contrassegnata in grassetto. Ordinario - aggiuntivo (punti bonus per la lettura).
L'elenco dei testi per la lettura si compone di obbligatori e facoltativi. Tutte le opere lette devono essere registrate nel "Diario di un lettore" (un taccuino separato) nella seguente forma:
1) impronta del libro (indicando la traduzione);
2) metodo;
3) genere di un'opera d'arte;
4) trame principali;
5) sistema di immagini, nomi.
Ogni modulo contiene elenchi di articoli per prendere appunti. Gli abstract dovrebbero essere scritti in un taccuino separato.
