I principali generi dell'opera russa. Opera: la formazione del genere caratterizza Opera e i suoi componenti

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MUSICA LIRICA, dramma o commedia in musica. Si cantano testi drammatici nell'opera; il canto e l'azione scenica sono quasi sempre accompagnati da un accompagnamento strumentale (solitamente orchestrale). Molte opere sono inoltre caratterizzate dalla presenza di intermezzi orchestrali (introduzioni, conclusioni, intervalli, ecc.) e stacchi di trama riempiti da scene di balletto.

L'opera nasce come passatempo aristocratico, ma diventa ben presto un intrattenimento per il grande pubblico. Il primo teatro d'opera pubblico fu aperto a Venezia nel 1637, solo quattro decenni dopo la nascita del genere stesso. Poi l'opera si diffuse rapidamente in tutta Europa. Come intrattenimento pubblico, ha raggiunto il suo massimo sviluppo nel XIX e all'inizio del XX secolo.

Nel corso della sua storia, l'opera ha avuto una forte influenza su altri generi musicali. La sinfonia è nata da un'introduzione strumentale alle opere italiane del XVIII secolo. I passaggi virtuosistici e le cadenze del concerto per pianoforte sono in gran parte il risultato di un tentativo di riflettere il virtuosismo operistico-vocale nella trama dello strumento a tastiera. Nel 19 ° secolo la scrittura armonica e orchestrale di R. Wagner, da lui creata per il grandioso "dramma musicale", ha determinato l'ulteriore sviluppo di numerose forme musicali, e anche nel XX secolo. molti musicisti consideravano la liberazione dall'influenza di Wagner come la corrente principale del movimento verso la nuova musica.

forma operistica.

Nel cosiddetto. nell'opera lirica, la forma oggi più diffusa del genere operistico, si canta l'intero testo. Nell'opera comica, il canto di solito si alterna a scene di conversazione. Il nome "opera comica" (opéra comique in Francia, opera buffa in Italia, Singspiel in Germania) è in gran parte condizionale, perché non tutte le opere di questo tipo hanno un contenuto comico (una caratteristica dell '"opera comica" è la presenza di parole dialoghi). Una specie di opera comica leggera e sentimentale, che si diffuse a Parigi e Vienna, cominciò a chiamarsi operetta; in America si chiama commedia musicale. Le opere teatrali con musica (musical) che hanno guadagnato fama a Broadway hanno solitamente un contenuto più serio rispetto alle operette europee.

Tutte queste varietà di opera si basano sulla convinzione che la musica, e in particolare il canto, esaltino l'espressività drammatica del testo. È vero, a volte altri elementi hanno svolto un ruolo altrettanto importante nell'opera. Così, nell'opera francese di certi periodi (e nell'opera russa del XIX secolo), la danza e il lato spettacolare acquistarono un significato molto significativo; Gli autori tedeschi spesso consideravano la parte orchestrale non come un accompagnamento, ma come una parte vocale equivalente. Ma in tutta la storia dell'opera, il canto ha avuto ancora un ruolo dominante.

Se i cantanti guidano un'esibizione operistica, allora la parte orchestrale costituisce la cornice, il fondamento dell'azione, la fa avanzare e prepara il pubblico per eventi futuri. L'orchestra sostiene i cantanti, sottolinea i momenti culminanti, colma con il suo suono le lacune del libretto oi momenti di cambio di scena, e infine si esibisce alla conclusione dell'opera quando cala il sipario.

La maggior parte delle opere ha introduzioni strumentali per aiutare a impostare la percezione dell'ascoltatore. Nei secoli XVII-XIX tale introduzione era chiamata ouverture. Le ouverture erano pezzi da concerto laconici e indipendenti, tematicamente estranei all'opera e quindi facilmente sostituibili. Ad esempio, l'ouverture della tragedia Aureliano a Palmira Rossini in seguito si trasformò in un'ouverture comica barbiere di siviglia. Ma nella seconda metà del XIX secolo. i compositori iniziarono a esercitare un'influenza molto maggiore sull'unità dello stato d'animo e sulla connessione tematica tra l'ouverture e l'opera. Nacque una forma di introduzione (Vorspiel), che, ad esempio, nei successivi drammi musicali di Wagner, include i temi principali (leitmotiv) dell'opera e li mette direttamente in azione. La forma dell'ouverture dell'opera "autonoma" era in declino, e nel tempo Desiderio Puccini (1900) l'ouverture potrebbe essere sostituita da pochi accordi iniziali. In una serie di opere del 20 ° secolo. in generale, non ci sono preparativi musicali per l'azione scenica.

L'azione operistica si sviluppa dunque all'interno della cornice orchestrale. Ma poiché l'essenza dell'opera è il canto, i momenti più alti del dramma si riflettono nelle forme complete dell'aria, del duetto e di altre forme convenzionali in cui la musica viene alla ribalta. Un'aria è come un monologo, un duetto è come un dialogo, in un trio di solito si incarnano i sentimenti contrastanti di uno dei personaggi nei confronti degli altri due partecipanti. Con ulteriore complicazione, sorgono varie forme di ensemble, come un quartetto in Rigoletto Verdi o sestetto in Lucia de Lammermoor Donizetti. L'introduzione di tali forme di solito interrompe l'azione per fare spazio allo sviluppo di una (o più) emozioni. Solo un gruppo di cantanti, uniti in un ensemble, può esprimere contemporaneamente più punti di vista sugli eventi in corso. A volte il coro funge da commentatore delle azioni degli eroi dell'opera. In generale, il testo nei cori d'opera è pronunciato relativamente lentamente, le frasi vengono spesso ripetute per rendere comprensibile il contenuto all'ascoltatore.

Le arie stesse non costituiscono un'opera. Nel tipo classico di opera, il mezzo principale per trasmettere la trama al pubblico e sviluppare l'azione è il recitativo: recitazione melodica veloce in metro libero, supportata da accordi semplici e basata su intonazioni vocali naturali. Nelle opere comiche, il recitativo è spesso sostituito dal dialogo. Il recitativo può sembrare noioso per gli ascoltatori che non comprendono il significato del testo parlato, ma è spesso indispensabile nella struttura contenutistica dell'opera.

Non in tutte le opere è possibile tracciare una linea netta tra recitativo e aria. Wagner, ad esempio, ha abbandonato le forme vocali complete, mirando al continuo sviluppo dell'azione musicale. Questa innovazione è stata ripresa, con varie modifiche, da numerosi compositori. Sul suolo russo, l'idea di un continuo "dramma musicale" fu, indipendentemente da Wagner, testata per la prima volta da A.S. Dargomyzhsky in ospite di pietra e MP Mussorgsky in sposarsi- hanno chiamato questa forma "opera conversazionale", dialogo d'opera.

Opera come dramma.

Il contenuto drammatico dell'opera è incarnato non solo nel libretto, ma anche nella musica stessa. I creatori del genere operistico chiamavano le loro opere dramma per musica - "dramma espresso in musica". L'opera è più di uno spettacolo con canti e balli interpolati. Il gioco drammatico è autosufficiente; l'opera senza musica è solo una parte dell'unità drammatica. Questo vale anche per le opere con scene parlate. In opere di questo tipo, ad esempio, in Manon Lesco J. Massenet - I numeri musicali conservano ancora un ruolo fondamentale.

È estremamente raro che un libretto d'opera venga messo in scena come un pezzo drammatico. Sebbene il contenuto del dramma sia espresso a parole e vi siano dispositivi scenici caratteristici, tuttavia, senza musica, qualcosa di importante va perduto, qualcosa che può essere espresso solo dalla musica. Per lo stesso motivo, solo raramente si possono utilizzare come libretto opere drammatiche, senza prima ridurre il numero dei personaggi, semplificare la trama ei personaggi principali. È necessario lasciare spazio alla musica per respirare, deve essere ripetuta, formare episodi orchestrali, cambiare umore e colore a seconda delle situazioni drammatiche. E poiché il canto rende ancora difficile la comprensione del significato delle parole, il testo del libretto deve essere così chiaro da poter essere percepito cantando.

In questo modo, l'opera subordina a sé la ricchezza lessicale e la forma raffinata di un buon dramma, ma compensa questo danno con le possibilità del proprio linguaggio, che fa appello direttamente ai sentimenti degli ascoltatori. Sì, fonte letteraria Madama Farfalla Puccini - L'opera teatrale di D. Belasco su una geisha e un ufficiale di marina americano è irrimediabilmente superata e la tragedia dell'amore e del tradimento espressa nella musica di Puccini non è svanita nel tempo.

Quando componeva musica operistica, la maggior parte dei compositori osservava determinate convenzioni. Ad esempio, l'uso di registri acuti di voci o strumenti significava "passione", armonie dissonanti esprimevano "paura". Tali convenzioni non erano arbitrarie: le persone generalmente alzano la voce quando sono eccitate e la sensazione fisica di paura è disarmonica. Ma i compositori d'opera esperti usavano mezzi più sottili per esprimere contenuti drammatici nella musica. La linea melodica doveva corrispondere organicamente alle parole su cui cadeva; la scrittura armonica doveva riflettere il flusso e il riflusso delle emozioni. Era necessario creare diversi modelli ritmici per impetuose scene declamatorie, ensemble solenni, duetti d'amore e arie. Anche le possibilità espressive dell'orchestra, compresi i timbri e le altre caratteristiche associate ai vari strumenti, sono state poste al servizio di obiettivi drammatici.

Tuttavia, l'espressività drammatica non è l'unica funzione della musica nell'opera. Il compositore d'opera risolve due compiti contraddittori: esprimere il contenuto del dramma e dare piacere agli ascoltatori. Secondo il primo compito, la musica serve il dramma; secondo la seconda, la musica è autosufficiente. Molti grandi compositori d'opera - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - hanno sottolineato l'inizio espressivo e drammatico dell'opera. Da altri autori, l'opera ha acquisito un aspetto da camera più poetico, sobrio. La loro arte è caratterizzata dalla sottigliezza dei mezzitoni ed è meno dipendente dai cambiamenti nei gusti del pubblico. I compositori lirici sono amati dai cantanti, perché, sebbene un cantante d'opera debba essere un attore in una certa misura, il suo compito principale è puramente musicale: deve riprodurre accuratamente il testo musicale, dare al suono la colorazione necessaria e fraseggiare magnificamente. Gli autori lirici includono i napoletani del XVIII secolo, Handel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masnet, Tchaikovsky e Rimsky-Korsakov. Pochi autori hanno raggiunto un equilibrio quasi assoluto di elementi drammatici e lirici, tra questi Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek e Britten.

repertorio operistico.

Il repertorio operistico tradizionale è costituito principalmente da opere del XIX secolo. e una serie di opere della fine del XVIII e dell'inizio del XX secolo. Il romanticismo, con la sua attrazione per gesta elevate e terre lontane, ha contribuito allo sviluppo della creatività operistica in tutta Europa; la crescita della classe media portò alla penetrazione di elementi popolari nel linguaggio operistico e fornì all'opera un pubblico numeroso e riconoscente.

Il repertorio tradizionale tende a ridurre l'intera diversità di genere dell'opera a due categorie molto capienti: "tragedia" e "commedia". Il primo è solitamente presentato più largo del secondo. La base del repertorio oggi sono le opere italiane e tedesche, in particolare le "tragedie". Nel campo della "commedia" predomina l'opera italiana, o almeno in italiano (ad esempio le opere di Mozart). Ci sono poche opere francesi nel repertorio tradizionale e di solito sono eseguite alla maniera degli italiani. Diverse opere russe e ceche occupano il loro posto nel repertorio, quasi sempre eseguite in traduzione. In generale, le principali compagnie d'opera aderiscono alla tradizione di eseguire opere in lingua originale.

Il principale regolatore del repertorio è la popolarità e la moda. Un certo ruolo è giocato dalla prevalenza e dalla coltivazione di certi tipi di voci, anche se alcune opere (come Aiutante Verdi) sono spesso eseguite senza tener conto della disponibilità o meno delle voci necessarie (quest'ultima è la più comune). In un'epoca in cui le opere con parti virtuose di coloratura e trame allegoriche passavano di moda, poche persone si preoccupavano dello stile appropriato della loro produzione. Le opere di Handel, ad esempio, furono trascurate fino a quando la famosa cantante Joan Sutherland e altri iniziarono a eseguirle. E il punto qui non è solo nel "nuovo" pubblico, che ha scoperto la bellezza di queste opere, ma anche nell'aspetto di un gran numero di cantanti con un'alta cultura vocale che possono far fronte a sofisticate parti d'opera. Allo stesso modo, la ripresa dell'opera di Cherubini e Bellini è stata ispirata dalle brillanti esecuzioni delle loro opere e dalla scoperta della "novità" delle opere antiche. Anche i compositori del primo barocco, soprattutto Monteverdi, ma anche Peri e Scarlatti, furono portati fuori dall'oblio.

Tutti questi risvegli richiedono edizioni commentate, in particolare le opere di autori del XVII secolo, sulla cui strumentazione e principi dinamici non abbiamo informazioni esatte. Ripetizioni infinite nel cosiddetto. le arie da capo nelle opere della scuola napoletana e in Handel sono piuttosto noiose ai nostri tempi - il tempo dei riassunti. L'ascoltatore moderno difficilmente riesce a condividere la passione degli ascoltatori anche della Grand Opera francese del XIX secolo. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevi) ad un intrattenimento che ha occupato l'intera serata (così, la partitura completa dell'opera Fernando Cortes Spontini suona per 5 ore, esclusi gli intervalli). Non è raro che i punti oscuri della partitura e le sue dimensioni inducano il direttore o il direttore di scena a tagliare, riorganizzare i numeri, inserire e persino inserire nuovi brani, spesso in modo così goffo che appare solo un lontano parente dell'opera che appare nel programma davanti al pubblico.

Cantanti.

Secondo la gamma di voci, i cantanti d'opera sono generalmente divisi in sei tipi. Tre tipi di voci femminili, dall'alto al basso - soprano, mezzosoprano, contralto (quest'ultimo è raro di questi tempi); tre uomini: tenore, baritono, basso. All'interno di ogni tipo possono esserci diverse sottospecie, a seconda della qualità della voce e dello stile di canto. Il soprano lirico-coloratura ha una voce leggera ed estremamente mobile, tali cantanti possono eseguire passaggi virtuosi, scale veloci, trilli e altri ornamenti. Soprano lirico-drammatico (lirico spinto) - una voce di grande luminosità e bellezza. Il timbro del soprano drammatico è ricco e forte. La distinzione tra voci liriche e drammatiche vale anche per i tenori. Esistono due tipi principali di bassi: "basso cantante" (basso cantante) per feste "serie" e comico (basso buffo).

A poco a poco, si sono formate le regole per scegliere un timbro di canto per un certo ruolo. Le parti dei personaggi principali e delle eroine erano solitamente affidate a tenori e soprani. In generale, più vecchio ed esperto è il personaggio, più bassa dovrebbe essere la sua voce. Una ragazza innocente - per esempio, Gilda in Rigoletto Verdi è un soprano lirico e l'infida seduttrice Delilah nell'opera Saint-Saens Sansone e Dalila- mezzosoprano. Parte di Figaro, l'eroe energico e spiritoso del Mozart Nozze di Figaro e Rossini Barbiere di Siviglia scritto da entrambi i compositori per il baritono, anche se come parte del protagonista, la parte di Figaro avrebbe dovuto essere destinata al primo tenore. Parti di contadini, maghi, persone in età matura, governanti e anziani venivano solitamente create per baritoni bassi (ad esempio, Don Giovanni nell'opera di Mozart) o bassi (Boris Godunov per Mussorgsky).

I cambiamenti nei gusti del pubblico hanno svolto un certo ruolo nel plasmare gli stili vocali operistici. La tecnica di produzione del suono, la tecnica del vibrato ("singhiozzando") è cambiata nel corso dei secoli. J. Peri (1561–1633), cantante e autore della prima opera parzialmente conservata ( Dafne) cantava presumibilmente con quella che è nota come voce bianca - in uno stile relativamente piatto, immutabile, con poco o nessun vibrato - in linea con l'interpretazione della voce come strumento in voga fino alla fine del Rinascimento.

Durante il 18 ° secolo si sviluppò il culto del cantante virtuoso, prima a Napoli, poi in tutta Europa. A quel tempo, la parte del protagonista nell'opera era interpretata da un soprano maschio - castrato, cioè un timbro, il cui cambiamento naturale era interrotto dalla castrazione. I cantanti-castrati hanno portato la gamma e la mobilità delle loro voci ai limiti di ciò che era possibile. Star dell'opera come il castrato Farinelli (C. Broschi, 1705–1782), il cui soprano, secondo i racconti, superava in forza il suono di una tromba, o il mezzosoprano F. Bordoni, di cui si diceva che potesse tirare il suono più a lungo di tutti i cantanti del mondo, subordinando completamente alla loro abilità quei compositori di cui hanno eseguito la musica. Alcuni di loro stessi componevano opere e dirigevano compagnie d'opera (Farinelli). Era scontato che i cantanti decorassero le melodie composte dal compositore con i propri ornamenti improvvisati, indipendentemente dal fatto che tali decorazioni si adattassero o meno alla situazione della trama dell'opera. Il possessore di qualsiasi tipo di voce deve essere addestrato all'esecuzione di passaggi veloci e trilli. Nelle opere di Rossini, ad esempio, il tenore deve padroneggiare la tecnica della coloratura così come il soprano. La rinascita di tale arte nel 20 ° secolo. ha permesso di dare nuova vita alla variegata opera operistica di Rossini.

Un solo stile di canto del XVIII secolo. pressoché immutato fino ad oggi - lo stile del basso comico, perché i semplici effetti e il veloce chiacchiericcio lasciano poco spazio alle singole interpretazioni, musicali o sceniche; forse, le commedie areali di D. Pergolesi (1749–1801) vengono rappresentate oggi non meno di 200 anni fa. Il vecchio loquace e irascibile è una figura molto venerata nella tradizione operistica, un ruolo preferito per i bassi inclini al clowning vocale.

Lo stile di canto puro e iridescente del bel canto (bel canto), tanto amato da Mozart, Rossini e altri compositori d'opera della fine del XVIII e della prima metà dell'Ottocento, nella seconda metà dell'Ottocento. gradualmente ha lasciato il posto a uno stile di canto più potente e drammatico. Lo sviluppo della moderna scrittura armonica e orchestrale ha gradualmente modificato la funzione dell'orchestra nell'opera, da accompagnatrice a protagonista, e di conseguenza i cantanti hanno avuto bisogno di cantare più forte per non essere soffocati dagli strumenti. Questa tendenza è nata in Germania, ma ha influenzato tutta l'opera europea, compresa quella italiana. Il "tenore eroico" tedesco (Heldentenor) è chiaramente generato dall'esigenza di una voce capace di ingaggiare un duello con l'orchestra wagneriana. Le ultime composizioni di Verdi e le opere dei suoi seguaci richiedono tenori "forti" (di forza) ed energici soprani drammatici (spinto). Le esigenze dell'opera romantica a volte portano anche a interpretazioni che sembrano andare contro le intenzioni espresse dallo stesso compositore. Quindi, R. Strauss ha pensato a Salome nella sua opera omonima come "una ragazza di 16 anni con la voce di Isotta". Tuttavia, la strumentazione dell'opera è così densa che sono necessarie cantanti matrone mature per eseguire la parte principale.

Tra le leggendarie star dell'opera del passato ci sono E. Caruso (1873-1921, forse il cantante più popolare della storia), J. Farrar (1882-1967, sempre seguito da un seguito di ammiratori a New York), F. I. Chaliapin (1873-1938, basso potente, maestro del realismo russo), K. Flagstad (1895-1962, eroico soprano norvegese) e molti altri. Nella generazione successiva, furono sostituiti da M. Callas (1923–1977), B. Nilson (n. 1918), R. Tebaldi (1922–2004), J. Sutherland (n. 1926), L. Price (n. . 1927) ), B. Sills (n. 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913–1975), T. Gobbi (1913–1984), F. Corelli (n. 1921), C. Siepi (n. . 1923), J. Vickers (n. 1926), L. Pavarotti (n. 1935), S. Milnes (n. 1935), P. Domingo (n. 1941), J. Carreras (n. 1946).

Teatri d'opera.

Alcuni edifici dei teatri d'opera sono associati a un certo tipo di opera, e in alcuni casi, infatti, l'architettura del teatro era dovuta all'uno o all'altro tipo di rappresentazione dell'opera. Pertanto, l'Opera di Parigi (il nome Grand Opera è stato fissato in Russia) era destinata a uno spettacolo luminoso molto prima che il suo attuale edificio fosse costruito nel 1862-1874 (architetto Ch. Garnier): la scala e l'atrio del palazzo furono progettati come competere con lo scenario dei balletti e delle magnifiche processioni che si sono svolte sul palco. La "Casa delle rappresentazioni solenni" (Festspielhaus) nella città bavarese di Bayreuth fu creata da Wagner nel 1876 per mettere in scena i suoi epici "drammi musicali". Il suo palcoscenico, modellato sulle scene degli antichi anfiteatri greci, ha una grande profondità e l'orchestra si trova nella buca dell'orchestra e nascosta al pubblico, in modo che il suono si disperda e il cantante non abbia bisogno di sforzare troppo la sua voce. L'originale Metropolitan Opera House di New York (1883) è stato progettato come una vetrina per i migliori cantanti del mondo e rispettabili abbonati alla loggia. La sala è così profonda che i suoi palchi "a ferro di cavallo di diamante" offrono ai visitatori maggiori opportunità di vedersi rispetto a un palco relativamente poco profondo.

L'aspetto dei teatri d'opera, come uno specchio, riflette la storia dell'opera come fenomeno della vita pubblica. Le sue origini sono nella rinascita dell'antico teatro greco nei circoli aristocratici: questo periodo corrisponde al più antico teatro dell'opera sopravvissuto: l'Olimpico (1583), costruito da A. Palladio a Vicenza. La sua architettura, riflesso del microcosmo della società barocca, si basa su una caratteristica pianta a ferro di cavallo, dove dal centro si aprono a ventaglio ordini di palchi: il palco reale. Una pianta simile è conservata negli edifici dei teatri La Scala (1788, Milano), La Fenice (1792, bruciata nel 1992, Venezia), San Carlo (1737, Napoli), Covent Garden (1858, Londra). Con meno palchi, ma con livelli più profondi grazie ai supporti in acciaio, questo piano fu utilizzato in teatri d'opera americani come la Brooklyn Academy of Music (1908), i teatri d'opera di San Francisco (1932) e Chicago (1920). Soluzioni più moderne dimostrano il nuovo edificio della Metropolitan Opera nel Lincoln Center di New York (1966) e la Sydney Opera House (1973, Australia).

L'approccio democratico è caratteristico di Wagner. Ha chiesto la massima concentrazione da parte del pubblico e ha costruito un teatro dove non ci sono palchi e i posti sono disposti in monotone file continue. L'austero interno di Bayreuth fu ripetuto solo nel Teatro Principale di Monaco (1909); anche i teatri tedeschi costruiti dopo la seconda guerra mondiale risalgono a esempi precedenti. Tuttavia, l'idea wagneriana sembra aver contribuito al movimento verso il concetto di arena, cioè teatro senza boccascena, che viene proposto da alcuni architetti moderni (il prototipo è l'antico circo romano): l'opera è lasciata ad adattarsi a queste nuove condizioni. L'anfiteatro romano di Verona è adatto per mettere in scena spettacoli d'opera monumentali come Aida Verdi e Guglielmo Tell Rossini.

festival lirici.

Un elemento importante del concetto wagneriano di opera è il pellegrinaggio estivo a Bayreuth. L'idea fu ripresa: negli anni '20 la città austriaca di Salisburgo organizzò un festival dedicato principalmente alle opere di Mozart e invitò persone di talento come il regista M. Reinhardt e il direttore d'orchestra A. Toscanini a realizzare il progetto. Dalla metà degli anni '30, il lavoro operistico di Mozart ha plasmato il Festival inglese di Glyndebourne. Dopo la seconda guerra mondiale, a Monaco apparve un festival, dedicato principalmente all'opera di R. Strauss. Firenze ospita il "Maggio musicale fiorentino", dove viene eseguito un repertorio molto vasto, che comprende sia opere antiche che moderne.

STORIA

Le origini dell'opera.

Il primo esempio del genere operistico che ci è pervenuto è Euridice J. Peri (1600) è una modesta opera realizzata a Firenze in occasione delle nozze del re di Francia Enrico IV e Maria Medici. Come previsto, al giovane cantante e madrigalista, che era vicino alla corte, fu ordinata la musica per questo solenne evento. Ma Peri non ha presentato il solito ciclo madrigale su tema pastorale, ma qualcosa di completamente diverso. Il musicista era un membro della Camerata fiorentina, un circolo di scienziati, poeti e amanti della musica. Da vent'anni i membri della Camerata indagano sulla questione di come venivano rappresentate le antiche tragedie greche. Sono giunti alla conclusione che gli attori greci recitassero il testo in uno speciale modo declamatorio, che è qualcosa tra la parola e il vero canto. Ma il vero risultato di questi esperimenti nella rinascita di un'arte dimenticata fu un nuovo tipo di canto solista, chiamato "monodia": la monodia veniva eseguita a ritmo libero con l'accompagnamento più semplice. Pertanto, Peri e il suo librettista O. Rinuccini hanno esposto la storia di Orfeo ed Euridice in recitativo, che è stato sostenuto dagli accordi di una piccola orchestra, anzi un insieme di sette strumenti, e ha presentato lo spettacolo nel fiorentino Palazzo Pitti. Questa era la seconda opera di Camerata; primo punteggio, Dafne Peri (1598), non conservato.

La prima opera aveva predecessori. Per sette secoli la chiesa ha coltivato drammi liturgici come Gioco su Daniele dove il canto solista era accompagnato dall'accompagnamento di vari strumenti. Nel XVI secolo altri compositori, in particolare A. Gabrieli e O. Vecchi, combinarono cori secolari o madrigali in cicli di storie. Ma ancora, prima di Peri e Rinuccini, non esisteva una forma musicale-drammatica laica monodica. Il loro lavoro non è diventato un revival dell'antica tragedia greca. Ha portato qualcosa di più: è nato un nuovo genere teatrale praticabile.

Tuttavia, il pieno dispiegamento delle possibilità del genere dramma per musica, proposto dalla camerata fiorentina, è avvenuto nell'opera di un altro musicista. Come Peri, C. Monteverdi (1567-1643) era un uomo colto di famiglia nobile, ma a differenza di Peri era un musicista professionista. Nativo di Cremona, Monteverdi divenne famoso alla corte di Vincenzo Gonzaga a Mantova e diresse il coro della Cattedrale di S. Marco a Venezia. Sette anni dopo Euridice Peri, ha composto la sua versione della leggenda di Orfeo - La leggenda di Orfeo. Queste opere differiscono l'una dall'altra nello stesso modo in cui un esperimento interessante differisce da un capolavoro. Monteverdi ha aumentato di cinque volte la composizione dell'orchestra, assegnando a ciascun personaggio il proprio gruppo di strumenti, e ha preceduto l'opera con un'ouverture. Il suo recitativo non solo suonava il testo di A. Strigio, ma viveva di vita artistica propria. Il linguaggio armonico di Monteverdi è pieno di contrasti drammatici e ancora oggi colpisce per la sua audacia e pittoricità.

Le successive opere sopravvissute di Monteverdi includono Duello di Tancredi e Clorinda(1624), basato su una scena di Gerusalemme liberata Torquato Tasso - un poema epico sui crociati; Ritorno di Ulisse(1641) su un terreno risalente all'antica leggenda greca di Ulisse; Incoronazione di Poppea(1642), dai tempi dell'imperatore romano Nerone. L'ultimo lavoro è stato creato dal compositore solo un anno prima della sua morte. Quest'opera è stata l'apice del suo lavoro, in parte per il virtuosismo delle parti vocali, in parte per lo splendore della scrittura strumentale.

distribuzione dell'opera.

Nell'era di Monteverdi, l'opera conquistò rapidamente le principali città d'Italia. Roma diede all'autore operistico L. Rossi (1598–1653), che mise in scena la sua opera a Parigi nel 1647 Orfeo ed Euridice conquistare il mondo francese. F. Cavalli (1602–1676), che cantò da Monteverdi a Venezia, creò circa 30 opere; Insieme a MA Chesti (1623–1669), Cavalli divenne il fondatore della scuola veneziana, che giocò un ruolo importante nell'opera italiana nella seconda metà del XVII secolo. Nella scuola veneziana lo stile monodico, venuto da Firenze, aprì la strada allo sviluppo del recitativo e dell'aria. Le arie divennero gradualmente più lunghe e complesse, e cantanti virtuosi, di solito castrati, iniziarono a dominare il palcoscenico dell'opera. Le trame delle opere veneziane erano ancora basate sulla mitologia o su episodi storici romanzati, ma ora impreziosite da intermezzi burleschi che non avevano nulla a che fare con l'azione principale ed episodi spettacolari in cui i cantanti dimostravano il loro virtuosismo. All'Opera d'Onore Mela d'oro(1668), uno dei più complessi dell'epoca, conta 50 attori, oltre a 67 scene e 23 cambi di scena.

L'influenza italiana raggiunse persino l'Inghilterra. Alla fine del regno di Elisabetta I, compositori e librettisti iniziarono a creare il cosiddetto. maschere - spettacoli di corte che combinavano recitativi, canti, balli e si basavano su storie fantastiche. Questo nuovo genere occupò un posto importante nell'opera di G. Lowes, che nel 1643 si mise in musica Comus Milton, e nel 1656 creò la prima vera opera inglese - Assedio di Rodi. Dopo la restaurazione degli Stuart, l'opera iniziò gradualmente a prendere piede sul suolo inglese. J. Blow (1649–1708), organista della cattedrale di Westminster, compose un'opera nel 1684 Venere e Adone, ma la composizione era ancora chiamata maschera. L'unica vera grande opera creata da un inglese è stata Didone ed Enea G. Purcell (1659–1695), discepolo e successore di Blow. Eseguita per la prima volta in un collegio femminile intorno al 1689, questa piccola opera è nota per la sua straordinaria bellezza. Purcell possedeva tecniche sia francesi che italiane, ma la sua opera è un'opera tipicamente inglese. Libretto Didone, di proprietà di N. Tate, ma il compositore rivive con la sua musica, segnata dalla padronanza dei tratti drammatici, dalla straordinaria grazia e ricchezza di arie e cori.

Prima opera francese.

Come la prima opera italiana, l'opera francese della metà del XVI secolo procedeva dal desiderio di far rivivere l'antica estetica teatrale greca. La differenza era che l'opera italiana enfatizzava il canto, mentre quella francese nasceva dal balletto, genere teatrale preferito alla corte francese dell'epoca. Ballerino capace e ambizioso venuto dall'Italia, J. B. Lully (1632-1687) divenne il fondatore dell'opera francese. Ha ricevuto un'educazione musicale, compreso lo studio delle basi della tecnica compositiva, alla corte di Luigi XIV e poi è stato nominato compositore di corte. Aveva un'ottima conoscenza del palcoscenico, che era evidente nella sua musica per un certo numero di commedie di Molière, in particolare per Commerciante nella nobiltà(1670). Colpito dal successo delle compagnie d'opera arrivate in Francia, Lully decise di creare la sua compagnia. Le opere di Lully, che chiamava "tragedie liriche" ( tragédies lyriques ) , dimostrare uno stile musicale e teatrale specificamente francese. Le trame sono tratte dalla mitologia antica o dai poemi italiani, e il libretto, con i suoi solenni versi in misure rigorosamente definite, è guidato dallo stile del grande contemporaneo di Lully, il drammaturgo J. Racine. Lully intervalla lo sviluppo della trama con lunghe discussioni sull'amore e la fama, e inserisce divertissement nei prologhi e in altri punti della trama: scene con danze, cori e magnifiche scenografie. La vera portata del lavoro del compositore diventa chiara oggi, quando riprendono le produzioni delle sue opere - Alceste (1674), Atisa(1676) e Armidi (1686).

"Opera ceca" è un termine convenzionale che si riferisce a due tendenze artistiche contrastanti: filo-russa in Slovacchia e filo-tedesca nella Repubblica Ceca. Una figura riconosciuta nella musica ceca è Antonín Dvořák (1841–1904), sebbene solo una delle sue opere sia intrisa di profondo pathos. Sirena- si è affermato nel repertorio mondiale. A Praga, la capitale della cultura ceca, la figura principale del mondo operistico fu Bedřich Smetana (1824–1884), il cui La sposa barattata(1866) entrò rapidamente nel repertorio, solitamente tradotto in tedesco. La trama comica e semplice ha reso quest'opera la più accessibile nell'eredità di Smetana, sebbene sia l'autore di altre due focose opere patriottiche: una dinamica "opera di salvezza" Dalibor(1868) ed epico Libusa(1872, messo in scena nel 1881), che raffigura l'unificazione del popolo ceco sotto il dominio di una regina saggia.

Il centro non ufficiale della scuola slovacca era la città di Brno, dove visse e lavorò Leos Janacek (1854-1928), un altro ardente sostenitore della riproduzione di intonazioni recitative naturali nella musica, nello spirito di Mussorgsky e Debussy. I diari di Janacek contengono molte note di parole e ritmi sonori naturali. Dopo diverse prime e infruttuose esperienze nel genere operistico, Janáček si è rivolto per la prima volta a una straordinaria tragedia della vita dei contadini della Moravia nell'opera. Enufa(1904, l'opera più popolare del compositore). Nelle opere successive, ha sviluppato diverse trame: il dramma di una giovane donna che, per protesta contro l'oppressione familiare, entra in una storia d'amore illegale ( Katia Kabanova, 1921), vita della natura ( Finferli astuti, 1924), un incidente soprannaturale ( Rimedio Makropulos, 1926) e il racconto di Dostoevskij degli anni trascorsi nei lavori forzati ( Appunti dalla casa dei morti, 1930).

Janacek sognava il successo a Praga, ma i suoi colleghi "illuminati" trattavano le sue opere con disprezzo, sia durante la vita del compositore che dopo la sua morte. Come Rimsky-Korsakov, che ha curato Mussorgsky, i colleghi di Janáček pensavano di sapere meglio dell'autore come dovevano suonare le sue partiture. Il riconoscimento internazionale di Janáček è arrivato in seguito a seguito degli sforzi di restauro di John Tyrrell e del direttore d'orchestra australiano Charles Maceras.

Opere del 20° secolo

La prima guerra mondiale pose fine all'era romantica: la sublimità dei sentimenti insita nel romanticismo non poteva sopravvivere agli sconvolgimenti degli anni della guerra. Anche le forme operistiche consolidate erano in declino, era un periodo di incertezza e sperimentazione. La voglia di medioevo, espressa con particolare forza in parsifal E Pelléas, ha dato gli ultimi lampi in opere come Tre re amano(1913) Italo Montemezzi (1875–1952), Cavalieri di Ekebu(1925) Riccardo Zandonai (1883-1944), Semirama(1910) e Fiamma(1934) Ottorino Respighi (1879-1936). Il post-romanticismo austriaco nella persona di Franz Schrekker (1878-1933; suono lontano, 1912; stigmatizzato, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871-1942; tragedia fiorentina;Nano– 1922) ed Erik Wolfgang Korngold (1897–1957; Città morta, 1920; Miracolo di Heliana, 1927) usava motivi medievali per l'esplorazione artistica di idee spiritualistiche o fenomeni psichici patologici.

L'eredità wagneriana, raccolta da Richard Strauss, passò poi al cosiddetto. nuova scuola viennese, in particolare ad A. Schoenberg (1874–1951) e A. Berg (1885–1935), le cui opere sono una sorta di reazione antiromantica: questa si esprime sia in un consapevole allontanamento dal linguaggio musicale tradizionale, particolarmente armonico, e nella scelta delle scene "violente". La prima opera di Berg Wozzeck(1925) - la storia di uno sfortunato soldato oppresso - è un dramma avvincente e potente, nonostante la sua forma straordinariamente complessa e altamente intellettuale; seconda opera del compositore, Lulù(1937, completato dopo la morte dell'autore F. Tserhoy), è un dramma musicale non meno espressivo su una donna dissoluta. Dopo una serie di piccole opere acutamente psicologiche, tra le quali la più famosa è Aspettativa(1909), Schoenberg ha trascorso tutta la sua vita a lavorare sulla trama Mosè e Aronne(1954, l'opera rimase incompiuta) - basata sulla storia biblica del conflitto tra il profeta Mosè muto e l'eloquente Aaron, che indusse gli israeliani a inchinarsi al vitello d'oro. Scene di orgia, distruzione e sacrificio umano, in grado di oltraggiare qualsiasi censura teatrale, nonché l'estrema complessità della composizione, ne ostacolano la popolarità nel teatro dell'opera.

Compositori di diverse scuole nazionali iniziarono ad emergere dall'influenza di Wagner. Pertanto, il simbolismo di Debussy servì da impulso al compositore ungherese B. Bartok (1881-1945) per creare la sua parabola psicologica Castello del Duca Barbablù(1918); un altro autore ungherese, Z. Kodály, nell'opera Hari Janos(1926) si rivolse a fonti folcloristiche. A Berlino F. Busoni ripensa le vecchie trame delle opere liriche Arlecchino(1917) e Dottor Faust(1928, rimasto incompiuto). In tutte le opere citate, il sinfonismo onnipresente di Wagner e dei suoi seguaci lascia il posto a uno stile molto più conciso, fino a predominare la monodia. Tuttavia, il patrimonio operistico di questa generazione di compositori è relativamente piccolo e questa circostanza, insieme all'elenco delle opere incompiute, testimonia le difficoltà che il genere operistico ha incontrato nell'era dell'espressionismo e dell'imminente fascismo.

Allo stesso tempo, nuove correnti iniziarono ad emergere nell'Europa devastata dalla guerra. L'opera comica italiana ha dato la sua ultima fuga in un piccolo capolavoro di G. Puccini Gianni Schicchi(1918). Ma a Parigi, M. Ravel sollevò la torcia che si spegneva e creò il suo meraviglioso Ora spagnola(1911) e poi bambino e magia(1925, su libretto di Collet). L'opera è apparsa in Spagna - vita breve(1913) e Stand Maestro Pedro(1923) Manuel de Fallà.

In Inghilterra, l'opera ha vissuto una vera rinascita, per la prima volta da diversi secoli. I primi esemplari ora immortale(1914) Rutland Baughton (1878–1960) su un soggetto della mitologia celtica, Traditori(1906) e la moglie del nostromo(1916) Ethel Smith (1858-1944). La prima è una bucolica storia d'amore, mentre la seconda parla di pirati che vivono in un povero villaggio costiero inglese. Le opere di Smith godettero di una certa popolarità anche in Europa, così come le opere di Frederic Delius (1862-1934), in particolare Villaggio Romeo e Giulietta(1907). Delius, tuttavia, era per natura incapace di incarnare la drammaturgia del conflitto (sia nel testo che nella musica), e quindi i suoi drammi musicali statici raramente appaiono sul palco.

Il problema scottante per i compositori inglesi era la ricerca di una trama competitiva. Savitri Gustav Holst è stato scritto sulla base di uno degli episodi dell'epopea indiana Mahabharata(1916) e Ugo il mandriano R. Vaughan-Williams (1924) è un pastorale riccamente dotato di canti popolari; lo stesso vale per l'opera di Vaughan Williams Sir John innamorato secondo Shakespeare Falstaff.

B. Britten (1913–1976) riuscì a portare l'opera inglese a nuovi livelli; la sua prima opera si è rivelata un successo Pietro Grimes(1945) - un dramma che si svolge in riva al mare, dove il personaggio centrale è un pescatore rifiutato dalle persone, che è in preda a esperienze mistiche. Fonte della commedia-satira Alberto Aringa(1947) divenne un racconto di Maupassant, e in Billy Budde Viene utilizzata la storia allegorica di Melville, che tratta del bene e del male (lo sfondo storico è l'era delle guerre napoleoniche). Quest'opera è generalmente riconosciuta come il capolavoro di Britten, sebbene in seguito abbia lavorato con successo nel genere della "grande opera" - esempi sono Gloriana(1951), che racconta gli eventi turbolenti del regno di Elisabetta I, e Un sogno in una notte d'estate(1960; il libretto di Shakespeare è stato creato dal più intimo amico e collaboratore del compositore, il cantante P. Pierce). Negli anni '60, Britten prestò molta attenzione alle opere di parabole ( fiume della beccaccia – 1964, Azione in grotta – 1966, figliol prodigo- 1968); ha anche creato un'opera televisiva Owen Wingrave(1971) e opere da camera giro di vite E Profanazione di Lucrezia. L'apice assoluto del lavoro operistico del compositore è stato il suo ultimo lavoro in questo genere - Morte a Venezia(1973), dove uno straordinario ingegno si unisce a una grande sincerità.

L'eredità operistica di Britten è così significativa che pochi degli autori inglesi della generazione successiva sono stati in grado di emergere dalla sua ombra, anche se vale la pena menzionare il famoso successo dell'opera di Peter Maxwell Davies (nato nel 1934). taverniere(1972) e opere di Harrison Birtwhistle (nato nel 1934) gavan(1991). Per quanto riguarda i compositori di altri paesi, possiamo notare opere come Aniara(1951) dello svedese Karl-Birger Blomdahl (1916-1968), dove l'azione si svolge su una nave interplanetaria e utilizza suoni elettronici, o un ciclo operistico Sia la luce(1978–1979) del tedesco Karlheinz Stockhausen (il ciclo è sottotitolato Sette giorni della creazione e dovrebbe essere completato entro una settimana). Ma, naturalmente, tali innovazioni sono fugaci. Le opere del compositore tedesco Carl Orff (1895-1982) sono più significative - ad esempio, Antigone(1949), che è costruito sul modello di un'antica tragedia greca utilizzando la recitazione ritmica sullo sfondo dell'accompagnamento ascetico (principalmente strumenti a percussione). Il brillante compositore francese F. Poulenc (1899–1963) iniziò con un'opera umoristica I seni di Tiresia(1947), e poi si è rivolto all'estetica, che mette in primo piano l'intonazione e il ritmo naturali del discorso. Due delle sue migliori opere sono state scritte in questo senso: la mono-opera voce umana dopo Jean Cocteau (1959; libretto costruito come una conversazione telefonica dell'eroina) e un'opera Dialoghi dei Carmelitani, che descrive la sofferenza delle suore di un ordine cattolico durante la Rivoluzione francese. Le armonie di Poulenc sono ingannevolmente semplici e allo stesso tempo emotivamente espressive. La popolarità internazionale delle opere di Poulenc è stata facilitata anche dalla richiesta del compositore che le sue opere fossero eseguite quando possibile nelle lingue locali.

Giocoleria come un mago con stili diversi, I.F. Stravinsky (1882-1971) ha creato un numero impressionante di opere; tra questi - scritto per l'impresa romantica di Diaghilev Usignolo basato sulla fiaba di H.H. Andersen (1914), mozartiana Le avventure del rastrello basato su incisioni di Hogarth (1951), oltre a uno statico, che ricorda antichi fregi Edipo rex(1927), destinato sia al teatro che al palcoscenico da concerto. Durante la Repubblica tedesca di Weimar, K. Weil (1900–1950) e B. Brecht (1898–1950), che rifecero L'opera del mendicante John Gay in un ancora più popolare Opera da tre soldi(1928), compose un'opera ormai dimenticata su una trama fortemente satirica L'ascesa e la caduta della città di Mahagonny(1930). L'ascesa dei nazisti pose fine a questa fruttuosa collaborazione e Vail, emigrato in America, iniziò a lavorare nel genere musicale americano.

Il compositore argentino Alberto Ginastera (1916–1983) era in gran voga negli anni '60 e '70 quando apparvero le sue opere espressionistiche e apertamente erotiche. Don Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) e Beatrice Cenci(1971). Il tedesco Hans Werner Henze (nato nel 1926) divenne famoso nel 1951 quando la sua opera Boulevard Solitudine su libretto di Greta Weill basato sulla storia di Manon Lescaut; il linguaggio musicale dell'opera combina jazz, blues e tecnica a 12 toni. Le opere successive di Henze includono: Elegia per giovani innamorati(1961; l'azione si svolge nelle Alpi innevate; la partitura è dominata dai suoni di xilofono, vibrafono, arpa e celesta), giovane signore, attraversato da umorismo nero (1965), bassaridi(1966; dopo baccanti Euripide, libretto inglese di C. Cullman e W. H. Auden), antimilitarista Verremo al fiume(1976), opera fiabesca per bambini pollicino E Mare tradito(1990). Nel Regno Unito, Michael Tippett (1905–1998) ha lavorato nel genere operistico. ) : Matrimonio nella notte di mezza estate(1955), labirinto da giardino (1970), Il ghiaccio si è rotto(1977) e opera di fantascienza Capodanno(1989) - tutto su libretto del compositore. Il compositore inglese d'avanguardia Peter Maxwell Davies è l'autore della suddetta opera. taverniere(1972; trama dalla vita del compositore del XVI secolo John Taverner) e Risurrezione (1987).

Notevoli cantanti d'opera

Bjorling, Jussi (Johan Jonathan)(Björling, Jussi) (1911–1960), cantante svedese (tenore). Ha studiato alla Stockholm Royal Opera School e lì ha fatto il suo debutto nel 1930 in un piccolo ruolo in Manon Lesco. Un mese dopo, Ottavio ha cantato Don Juan. Dal 1938 al 1960, ad eccezione degli anni della guerra, canta al Metropolitan Opera e gode di particolare successo nel repertorio italiano e francese.
Galli Curci Amelita .
Gobbi, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), cantante italiano (baritono). Ha studiato a Roma e lì ha fatto il suo debutto come Germont in La Traviato. Si è esibito molto a Londra e dopo il 1950 a New York, Chicago e San Francisco, soprattutto nelle opere di Verdi; ha continuato a cantare nei maggiori teatri d'Italia. Gobbi è considerato il miglior interprete della parte di Scarpia, che ha cantato circa 500 volte. Ha recitato molte volte in film d'opera.
Domingo, Placido .
Calle, Maria .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franco- (Corelli, Franco) (nato nel 1921–2003), cantante italiano (tenore). All'età di 23 anni studia per qualche tempo al Conservatorio di Pesaro. Nel 1952 partecipa al concorso vocale del Maggio Musicale Fiorentino, dove il direttore dell'Opera di Roma lo invita a superare una prova al Teatro Sperimentale di Spoletto. Presto si è esibito in questo teatro nel ruolo di Don José in Carmen. In apertura della stagione scaligera nel 1954 canta con Maria Callas in Vestale Spontini. Nel 1961 fece il suo debutto al Metropolitan Opera come Manrico in Trovatore. Tra le sue feste più famose c'è Cavaradossi in Tosca.
Londra, Giorgio(London, George) (1920-1985), cantante canadese (basso-baritono), vero nome George Bernstein. Ha studiato a Los Angeles e ha debuttato a Hollywood nel 1942. Nel 1949 è stato invitato all'Opera di Vienna, dove ha debuttato come Amonasro in Aiutante. Ha cantato al Metropolitan Opera (1951-1966) e si è esibito anche a Bayreuth dal 1951 al 1959 come Amfortas e l'olandese volante. Ha interpretato in modo superbo le parti di Don Giovanni, Scarpia e Boris Godunov.
Milnes, Cheryl .
Nilson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918–2005), cantante svedese (soprano). Ha studiato a Stoccolma e lì ha fatto il suo debutto come Agatha in tiratore a stile libero Webber. La sua fama internazionale risale al 1951 quando cantò in Elektra Idomeneo Mozart al Glyndebourne Festival. Nella stagione 1954/1955 ha cantato Brunilde e Salome all'Opera di Monaco. Ha fatto il suo debutto come Brunnhilde al Covent Garden di Londra (1957) e come Isolde al Metropolitan Opera (1959). Riuscì anche in altri ruoli, in particolare Turandot, Tosca e Aida. Morto il 25 dicembre 2005 a Stoccolma.
Pavarotti, Luciano .
Patti, Adelina(Patti, Adelina) (1843-1919), cantante italiana (coloratura soprano). Debuttò a New York nel 1859 come Lucia di Lammermoor, a Londra nel 1861 (come Amina in Sonnambulo). Ha cantato al Covent Garden per 23 anni. Con una grande voce e una tecnica brillante, Patti è stata una delle ultime rappresentanti del vero stile belcantistico, ma come musicista e come attrice era molto più debole.
Prezzo, Leontina .
Sutherland, Giovanna .
Skipa, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), cantante italiano (tenore). Studiò a Milano e debuttò a Vercelli nel 1911 come Alfred ( La Traviata). Costantemente eseguito a Milano e Roma. Nel 1920-1932 ebbe un impegno alla Chicago Opera e cantò costantemente a San Francisco dal 1925 e al Metropolitan Opera (1932-1935 e 1940-1941). Ha superbamente interpretato le parti di Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther e Wilhelm Meister in Mignone.
Scotto, Renata(Scotto, Renata) (nata nel 1935), cantante italiana (soprano). Debutta nel 1954 al Teatro Nuovo di Napoli come Violetta ( La Traviata), nello stesso anno canta per la prima volta alla Scala. Si è specializzata nel repertorio belcantistico: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouni, Lucia di Lammermoor, Gilda e Violetta. Il suo debutto americano come Mimi da Boemia ha avuto luogo alla Lyric Opera di Chicago nel 1960, prima rappresentazione al Metropolitan Opera come Cio-Cio-San nel 1965. Il suo repertorio comprende anche i ruoli di Norma, Gioconda, Tosca, Manon Lescaut e Francesca da Rimini.
Siepi, Cesare(Siepi, Cesare) (nato nel 1923), cantante italiano (basso). Esordisce nel 1941 a Venezia come Sparafucillo in Rigoletto. Dopo la guerra iniziò ad esibirsi alla Scala e in altri teatri d'opera italiani. Dal 1950 al 1973 è stato primo contrabbassista al Metropolitan Opera, dove ha cantato, tra gli altri, Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz e Philipp in Don Carlo.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (nata nel 1922), cantante italiana (soprano). Studia a Parma e debutta nel 1944 a Rovigo come Elena ( Mefistofele). Toscanini scelse Tebaldi per esibirsi all'inaugurazione del dopoguerra della Scala (1946). Nel 1950 e nel 1955 si esibì a Londra, nel 1955 fece il suo debutto al Metropolitan Opera come Desdemona e cantò in questo teatro fino al suo ritiro nel 1975. Tra i suoi ruoli migliori ci sono Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida e altri drammatici ruoli da opere di Verdi.
Farrar, Geraldine .
Chaliapin, Fedor Ivanovich .
Schwarzkopf, Elisabetta(Schwarzkopf, Elisabeth) (nata nel 1915), cantante tedesca (soprano). Ha studiato con a Berlino e ha fatto il suo debutto all'Opera di Berlino nel 1938 come una delle Flower Maidens in parsifal Wagner. Dopo diverse esibizioni all'Opera di Vienna, è stata invitata a recitare in ruoli da protagonista. In seguito ha cantato anche al Covent Garden e alla Scala. Nel 1951 a Venezia alla prima dell'opera di Stravinskij Le avventure del rastrello cantò la parte di Anna, nel 1953 alla Scala partecipò alla prima della cantata teatrale di Orff Trionfo di Afrodite. Nel 1964 si esibì per la prima volta al Metropolitan Opera. Ha lasciato il palcoscenico dell'opera nel 1973.

Letteratura:

Makhrova E.V. Il Teatro dell'Opera nella cultura tedesca nella seconda metà del XX secolo. San Pietroburgo, 1998
Simon G. W. Cento grandi opere e le loro trame. M., 1998



Storia del genere

Jacopo Peri

Le origini dell'opera possono essere considerate un'antica tragedia. Come genere indipendente, l'opera è nata in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo in una cerchia di musicisti, filosofi e poeti nella città di Firenze. Il circolo degli amanti dell'arte si chiamava "kamerata". I partecipanti alla "kamerata" sognavano di far rivivere l'antica tragedia greca, unendo dramma, musica e danza in un'unica rappresentazione. La prima rappresentazione del genere fu data a Firenze nel 1600 e raccontò di Orfeo ed Euridice. Esiste una versione secondo cui la prima rappresentazione musicale con canto fu messa in scena nel 1594 sulla trama dell'antico mito greco sulla lotta del dio Apollo con il serpente Pitone. A poco a poco, le scuole d'opera iniziarono ad apparire in Italia a Roma, Venezia e Napoli. Poi l'opera si diffuse rapidamente in tutta Europa. Alla fine del XVII e all'inizio del XVIII secolo si formarono le principali varietà di opera: opera - seria (grande opera seria) e opera - buffa (opera comica).

Alla fine del XVIII secolo, il teatro russo fu aperto a San Pietroburgo. All'inizio c'erano solo opere straniere. Le prime opere russe erano comiche. Fomin è considerato uno dei creatori. Nel 1836 ebbe luogo a San Pietroburgo la prima dell'opera di Glinka A Life for the Tsar. L'opera in Russia ha acquisito una forma perfetta, le sue caratteristiche sono state determinate: le luminose caratteristiche musicali dei personaggi principali, l'assenza di dialoghi colloquiali. Nel XIX secolo, tutti i migliori compositori russi si sono rivolti all'opera.

Varietà dell'opera

Storicamente, si sono sviluppate alcune forme di musica operistica. In presenza di alcuni schemi generali della drammaturgia operistica, tutte le sue componenti sono interpretate in modo diverso a seconda dei tipi di opera.

• grande opera ( opera seria- it., tragedia lirica, Dopo grande opera- Francese)
• semicomico ( semiseria),
• opera comica ( opera buffa- it., opera-comique- Francese, Spieler- Tedesco.),
• opera romantica, su una trama romantica.
• semiopera, semiopera, quarto d'opera ( semi- lat. metà) - una forma di opera barocca inglese, che combina dramma orale (genere), messa in scena vocale, howek e opere sinfoniche. Uno degli aderenti alla semi-opera è il compositore inglese Henry Purcell /

Nell'opera comica, tedesca e francese, il dialogo è consentito tra i numeri musicali. Ci sono anche opere serie in cui è inserito il dialogo, per esempio. "Fidelio" di Beethoven, "Medea" di Cherubini, "Magic Shooter" di Weber.

• Dall'opera buffa venne l'operetta, che acquistò particolare popolarità nella seconda metà dell'Ottocento.
• Opere per spettacoli per bambini (ad esempio, le opere di Benjamin Britten - The Little Chimney Sweep, Noah's Ark, le opere di Lev Konov - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

Elementi dell'opera

Questo è un genere sintetico che combina vari tipi di arti in un'unica azione teatrale: drammaturgia, musica, belle arti (decorazioni, costumi), coreografia (balletto).

La composizione del gruppo operistico comprende: solista, coro, orchestra, banda militare, organo. Voci d'opera: (femminili: soprano, mezzosoprano, contralto; maschili: controtenore, tenore, baritono, basso).

Un'opera d'opera è divisa in atti, immagini, scene, numeri. C'è un prologo prima degli atti e un epilogo alla fine dell'opera.

Parti di un'opera operistica - recitativi, ariosi, canzoni, arie, duetti, trii, quartetti, ensemble, ecc. Dalle forme sinfoniche - ouverture, introduzione, intervalli, pantomima, melodramma, processioni, musica da balletto.

I caratteri dei personaggi sono più completamente rivelati in numeri da solista(aria, arioso, arietta, cavatina, monologo, ballata, canto). Varie funzioni nell'opera ha recitativo- intonazione musicale e riproduzione ritmica del linguaggio umano. Spesso collega (in termini di trama e musicali) numeri completati separati; è spesso un fattore efficace nella drammaturgia musicale. In alcuni generi di opera, per lo più commedia, invece di recitativo, A proposito di, di solito nei dialoghi.

Dialogo scenico, corrisponde alla scena di un'esibizione drammatica in un'opera complesso musicale(duetto, trio, quartetto, quintetto, ecc.), la cui specificità consente di creare situazioni di conflitto, mostrare non solo lo sviluppo dell'azione, ma anche lo scontro di personaggi e idee. Pertanto, gli ensemble appaiono spesso al culmine o nei momenti finali di un'azione operistica.

coro L'opera è interpretata in modi diversi. Potrebbe trattarsi di uno sfondo non correlato alla trama principale; a volte una specie di commentatore di ciò che sta accadendo; le sue possibilità artistiche consentono di mostrare immagini monumentali della vita popolare, di rivelare il rapporto tra l'eroe e le masse (ad esempio, il ruolo del coro nei drammi musicali popolari di MP Mussorgsky "Boris Godunov" e "Khovanshchina").

Nella drammaturgia musicale dell'opera, viene assegnato un ruolo importante orchestra, i mezzi espressivi sinfonici servono a rivelare più pienamente le immagini. L'opera include anche episodi orchestrali indipendenti: ouverture, intervallo (introduzione a singoli atti). Un altro componente della performance dell'opera - balletto, scene coreografiche, dove le immagini plastiche si uniscono a quelle musicali.

Teatro dell'opera

I teatri dell'opera sono edifici di teatri musicali appositamente progettati per mostrare produzioni operistiche. A differenza dei teatri all'aperto, il teatro dell'opera è dotato di un grande palcoscenico con attrezzature tecniche costose, tra cui una fossa dell'orchestra e un auditorium su uno o più livelli, posti uno sopra l'altro o progettati sotto forma di palchi. Questo modello architettonico del teatro dell'opera è il principale. I più grandi teatri d'opera del mondo in termini di numero di posti per gli spettatori sono il Metropolitan Opera di New York (3.800 posti), la San Francisco Opera (3.146 posti) e La Scala in Italia (2.800 posti).

Nella maggior parte dei paesi, la manutenzione dei teatri d'opera non è redditizia e richiede sussidi governativi o donazioni da parte dei mecenati. Ad esempio, il budget annuale del Teatro alla Scala (Milano, Italia) nel 2010 ammontava a 115 milioni di euro (40% - sovvenzioni statali e 60% - donazioni da privati ​​e vendita di biglietti), e nel 2005 il Teatro alla Scala ha ricevuto il 25% di 464 milioni di euro - l'importo previsto dal bilancio italiano per lo sviluppo delle belle arti. E l'Estonian National Opera nel 2001 ha ricevuto 7 milioni di euro (112 milioni di corone), pari al 5,4% dei fondi del Ministero della Cultura estone.

voci d'opera

All'epoca della nascita dell'opera, quando l'amplificazione elettronica del suono non era ancora stata inventata, la tecnica del canto operistico si sviluppò nella direzione di estrarre un suono abbastanza forte da coprire il suono di un'orchestra sinfonica di accompagnamento. La potenza della voce operistica dovuta al lavoro coordinato delle tre componenti (respiro, lavoro della laringe e regolazione delle cavità risonanti) raggiungeva i 120 dB alla distanza di un metro.

I cantanti, in accordo con le parti d'opera, sono classificati in base al tipo di voce (tessitura, timbro e carattere). Tra le voci operistiche maschili ci sono:

• contro tenore,

e tra le donne:

• I compositori d'opera più popolari nello stesso periodo furono Verdi, Mozart e Puccini - rispettivamente 3020, 2410 e 2294 rappresentazioni.

Letteratura

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Guarda anche

Appunti

Collegamenti

• Il sito in lingua russa più completo dedicato all'opera e agli eventi operistici
• Libro di riferimento "100 opere" a cura di M. S. Druskin. Brevi contenuti (sinossi) di opere

forme musicali
Forme vocali	Forma distico Forma di coro-coro
forme semplici	Periodo Forma semplice in due parti Forma semplice in tre parti
forme complesse	Canzone composta forma Rondo Variazione forma Sonata forma Rondo sonata
Forme cicliche	Suite Sonata-Ciclo Sinfonico Cantata Oratorio
Forme polifoniche	Fuga canonica
Forme specifiche di europeo Medievale e Rinascimentale	Bar Virelet ́ Ballata ́ Estampi ́ La Madrigal
Forme specifiche dell'era barocca	Forme semplici del periodo barocco Forma sonata antica Forme composite del periodo barocco Forma concerto antico Arrangiamento corale
Forme specifiche dell'era del romanticismo	Forme libere Forme miste Forma ciclica a parte singola
Forme del teatro musicale	Balletto dell'Operetta
Musica Teoria musicale

musica lirica termini

Direzioni teatrali
Teatro

Tannhauser: Cari PC, non siate sconvolti dall'eccessiva abbondanza di post degli ultimi giorni... Presto avrete una meravigliosa opportunità per prendervi una pausa da loro...) Per tre settimane... Oggi ho inserito questa pagina sull'opera nel mio diario. C'è un testo, le immagini sono aumentate... Resta da raccogliere alcuni videoclip con frammenti di opera. Spero che ti piaccia tutto. Bene, la conversazione sull'opera, ovviamente, non finisce qui Sebbene il numero di grandi opere sia limitato...)

Questa è un'interessante performance teatrale che ha una certa trama che si svolge con la musica. L'enorme lavoro svolto dal compositore che ha scritto l'opera non può essere sottovalutato. Ma non meno importante è la padronanza dell'esecuzione, che aiuta a trasmettere l'idea principale dell'opera, ispirare il pubblico, portare la musica nel cuore delle persone.

Ci sono nomi che sono diventati parte integrante delle arti dello spettacolo nell'opera. Il massiccio basso di Fyodor Chaliapin è sprofondato per sempre nell'anima dei fan del canto lirico. Un tempo sognava di diventare un calciatore, Luciano Pavarotti è diventato una vera superstar del palcoscenico dell'opera. A Enrico Caruso è stato detto fin dall'infanzia che non ha né udito né voce. Fino a quando il cantante è diventato famoso per il suo bel canto unico.

La trama dell'opera

Può essere basato sia su un fatto storico che su una mitologia, una fiaba o un'opera drammatica. Per capire cosa ascolterai nell'opera, viene creato un testo del libretto. Tuttavia, per conoscere l'opera, il libretto non è sufficiente: in fondo, il contenuto viene trasmesso attraverso immagini artistiche attraverso mezzi espressivi musicali. Un ritmo speciale, una melodia brillante e originale, un'orchestrazione complessa, così come le forme musicali scelte dal compositore per le singole scene: tutto ciò crea un enorme genere di arte operistica.

Le opere si distinguono per mezzo di una struttura passante e numerata. Se parliamo della struttura numerica, qui la completezza musicale è chiaramente espressa, ei numeri solisti hanno nomi: arioso, aria, arietta, romanticismo, cavatina e altri. Le opere vocali completate aiutano a rivelare completamente il carattere dell'eroe. Annette Dasch, una cantante tedesca, ha interpretato parti come Antonia da I racconti di Hoffmann di Offenbach, Rosalind da Die Fledermaus di Strauss, Pamina da Il flauto magico di Mozart. Il pubblico del Metropolitan Opera, del teatro sugli Champs Elysees e dell'Opera di Tokyo ha potuto godere del talento poliedrico del cantante.

Contemporaneamente ai numeri vocali "arrotondati" nelle opere, viene utilizzata la recitazione musicale - recitativo. Questo è un eccellente collegamento tra vari soggetti vocali: arie, cori e ensemble. L'opera comica si distingue per l'assenza di recitativi, ma li sostituisce invece con testo parlato.

Le scene da ballo nell'opera sono considerate elementi non di base, inseriti. Spesso possono essere eliminate in modo indolore dall'azione generale, ma ci sono opere in cui il linguaggio della danza è indispensabile per il completamento di un'opera musicale.

Spettacolo operistico

L'opera combina musica vocale, strumentale e danza. Il ruolo dell'accompagnamento orchestrale è significativo: in fondo non è solo un accompagnamento al canto, ma anche la sua aggiunta e arricchimento. Le parti orchestrali possono anche essere numeri indipendenti: intervalli di azioni, introduzioni di arie, cori e ouverture. Mario Del Monaco è diventato famoso grazie all'interpretazione del ruolo di Radames dall'opera "Aida" di Giuseppe Verdi.

Parlando del gruppo d'opera, si dovrebbero nominare i solisti, il coro, l'orchestra e persino l'organo. Le voci degli interpreti d'opera sono divise in maschili e femminili. Voci d'opera femminili - soprano, mezzosoprano, contralto. Maschio - controtenore, tenore, baritono e basso. Chi l'avrebbe mai detto che Beniamino Gigli, cresciuto in una famiglia povera, anni dopo avrebbe cantato la parte del Faust di Mefistofele.

Tipi e forme dell'opera

Storicamente, si sono sviluppate alcune forme di opera. La grande opera può essere definita la versione più classica: il Guglielmo Tell di Rossini, i Vespri siciliani di Verdi, Les Troyens di Berlioz possono essere attribuiti a questo stile.

Inoltre, le opere sono comiche e semicomiche. I tratti caratteristici dell'opera comica sono apparsi nell'opera di Mozart Don Giovanni, Le nozze di Figaro e Il ratto dal serraglio. Le opere basate su una trama romantica sono chiamate romantiche: le opere di Wagner Lohengrin, Tannhäuser e The Wandering Sailor possono essere attribuite a questa varietà.

Di particolare importanza è il timbro della voce di un interprete d'opera. I proprietari del soprano timbrico più raro - coloratura sono Sumi Yo , il cui debutto avvenne sul palcoscenico del Teatro Verdi: la cantante cantò la parte di Gilda del Rigoletto, così come Joan Elston Sutherland, che per un quarto di secolo cantò la parte di Lucia dall'opera Lucia di Lammermoor di Donizetti.

L'opera ballata è nata in Inghilterra e ricorda più l'alternanza di scene di conversazione con elementi folcloristici di canti e balli. Pepusz con l '"Opera dei mendicanti" divenne lo scopritore dell'opera ballata.

Interpreti d'opera: cantanti d'opera e cantanti

Poiché il mondo della musica è piuttosto sfaccettato, si dovrebbe parlare dell'opera in un linguaggio speciale comprensibile ai veri amanti dell'arte classica. Puoi conoscere i migliori interpreti delle sedi mondiali sul nostro sito Web alla voce "Artisti » .

Gli amanti della musica esperti saranno sicuramente felici di leggere dei migliori interpreti di opere classiche. Musicisti come Andrea Bocelli sono diventati un degno sostituto dei cantanti più talentuosi della formazione dell'arte operistica. , il cui idolo era Franco Corelli. Di conseguenza, Andrea ha trovato l'opportunità di incontrare il suo idolo ed è persino diventato suo allievo!

Giuseppe Di Stefano miracolosamente non è entrato nei ranghi dell'esercito, grazie al suo incredibile timbro vocale. Titto Gobbi stava per diventare avvocato e dedicò la sua vita all'opera lirica. Puoi imparare molte cose interessanti su questi e altri artisti - cantanti d'opera nella sezione "Voci maschili".

Parlando di dive dell'opera, non si può non ricordare grandi voci come Annick Massis, che ha debuttato sul palcoscenico dell'Opera di Tolosa con una parte dell'opera di Mozart Il giardiniere immaginario.

Una delle vocalist più belle è considerata Danielle De Niese, che durante la sua carriera ha interpretato parti solistiche in opere di Donizetti, Puccini, Delibes e Pergolesi.

Caballe di Montserrat. Si è parlato molto di questa donna straordinaria: pochi interpreti potrebbero guadagnarsi il titolo di "Diva del mondo". Nonostante il cantante sia in età avanzata, continua a deliziare il pubblico con il suo magnifico canto.

Molti talentuosi interpreti d'opera hanno mosso i primi passi nello spazio domestico: Victoria Ivanova, Ekaterina Shcherbachenko, Olga Borodina, Nadezhda Obukhova e altri.

Amalia Rodrigues, una cantante di fado portoghese, e Patricia Chofi, una diva dell'opera italiana, hanno partecipato per la prima volta a un concorso musicale quando aveva tre anni! Questi e altri grandi nomi delle belle rappresentanti del genere operistico - cantanti d'opera si trovano nella sezione "Voci di donne".

Opera e teatro

Lo spirito dell'opera entra letteralmente nel teatro, penetra nel palcoscenico e i palchi in cui si sono esibiti i leggendari interpreti diventano iconici e significativi. Come non ricordare le più grandi opere della Scala, del Metropolitan Opera, del Teatro Bolshoi, del Teatro Mariinsky, dell'Opera di Stato di Berlino e altre ancora. Ad esempio, Covent Garden (Royal Opera House) è sopravvissuto a catastrofici incendi nel 1808 e nel 1857, ma la maggior parte degli elementi dell'attuale complesso è stata restaurata. Puoi leggere di queste e altre scene famose nella sezione “Luoghi”.

Nei tempi antichi si credeva che la musica fosse nata insieme al mondo. Inoltre, la musica rimuove le esperienze mentali e ha un effetto benefico sulla spiritualità dell'individuo. Soprattutto quando si tratta di opera d'arte...

italiano. opera, lett. - lavoro, lavoro, saggio

Una sorta di dramma musicale. L'opera si basa sulla sintesi di parole, azione scenica e musica. A differenza di vari tipi di teatro drammatico, in cui la musica svolge funzioni ausiliarie e applicate, nell'opera diventa il vettore principale e la forza trainante dell'azione. Un'opera ha bisogno di un concetto musicale e drammatico olistico e in costante sviluppo (vedi). Se è assente e la musica si limita ad accompagnare, illustrare il testo verbale e gli eventi che si svolgono sul palcoscenico, allora la forma operistica cade a pezzi e si perde la specificità dell'opera come un tipo speciale di arte musicale e drammatica.

L'emergere dell'opera in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. è stato preparato, da un lato, da certe forme della t-ra rinascimentale, in cui la musica aveva un significato. luogo (un magnifico intermezzo, un dramma pastorale, una tragedia con cori) e, d'altra parte, un ampio sviluppo nella stessa epoca del canto solista con instr. scorta. Fu in O. che le ricerche e gli esperimenti del XVI secolo trovarono la loro massima espressione. nel campo del wok espressivo. monodia, capace di trasmettere varie sfumature del linguaggio umano. B. V. Asafiev ha scritto: “Il grande movimento rinascimentale, che ha creato l'arte dell '“uomo nuovo”, ha proclamato il diritto di rivelare liberamente l'anima, le emozioni al di fuori del giogo dell'ascetismo, ha dato vita a un nuovo canto, in cui il suono vocalizzato e cantato è diventato un'espressione della ricchezza emotiva del cuore umano in Questa profonda rivoluzione nella storia della musica, che ha cambiato la qualità dell'intonazione, cioè rivelando il contenuto interiore, l'anima, l'umore emotivo con una voce umana e un dialetto, non poteva che portare l'arte dell'opera alla vita "(Asafiev B.V., Izbr. opere, vol. V, M., 1957, p. 63).

L'elemento più importante e irrinunciabile di una produzione operistica è il canto, che trasmette una ricca gamma di esperienze umane nelle migliori sfumature. Attraverso diff. costruire wok. le intonazioni in O. rivelano un individuo mentale. vengono trasmessi il magazzino di ogni personaggio, le caratteristiche del suo carattere e del suo temperamento. Dalla collisione di diverse intonazioni. complessi, la cui relazione corrisponde all'allineamento delle forze nei drammi. azione, la "drammaturgia dell'intonazione" di O. nasce come dramma musicale. Totale.

Lo sviluppo della sinfonia nei secoli 18-19. ampliato e arricchito le possibilità di interpretare i drammi con la musica. azioni nel discorso, la divulgazione del suo contenuto, che non sempre è pienamente rivelato nel testo cantato e nelle azioni dei personaggi. L'orchestra esegue un commento diverso e un ruolo generalizzante nell'opera. Le sue funzioni non si limitano al supporto wok. Parti e accentuazione espressiva dei singoli, più significativi. momenti di azione. Può trasmettere la "corrente sotterranea" dell'azione, formando una sorta di dramma. contrappunto a ciò che sta accadendo sul palco e ciò di cui cantano i cantanti. Una tale combinazione di piani diversi è una delle espressioni più forti. trucchi in O. Spesso l'orchestra finisce, completa la situazione, portandola al punto più alto dei drammi. voltaggio. Un ruolo importante spetta anche all'orchestra nel creare lo sfondo dell'azione, delineando la situazione in cui si svolge. Descrizione orchestrale. gli episodi a volte si trasformano in sinfonie complete. dipinti. Orco puro. alcuni eventi che fanno parte dell'azione stessa possono anche essere incarnati mediante mezzi (ad esempio, in intervalli sinfonici tra le scene). Infine, orco. lo sviluppo serve come uno degli esseri. fattori nella creazione di una forma operistica integrale e completa. Tutto quanto sopra è incluso nel concetto di sinfonismo operistico, che utilizza molte delle tecniche tematiche. sviluppo e modellatura, prevalente nell'instr. musica. Ma queste tecniche sono più flessibili e libere da usare in teatro, soggette alle condizioni e ai requisiti del teatro. Azioni.

Allo stesso tempo, l'effetto inverso di O. su instr. musica. Quindi, O. ha avuto un'influenza innegabile sulla formazione del classico. simp. orchestra. Fila di orchi. effetti che sono sorti in relazione a determinati compiti teatro.-dramma. ordine, divenne poi di proprietà di instr. creatività. Lo sviluppo della melodia operistica nei secoli XVII-XVIII. preparato alcuni tipi di classici. instr. tematismo. I rappresentanti del romanticismo programmatico ricorrevano spesso ai metodi dell'espressività operistica. sinfonismo, che ha cercato di dipingere per mezzo di instr. musica, immagini concrete e immagini della realtà, fino alla riproduzione di gesti e intonazioni del linguaggio umano.

O. utilizza una varietà di generi di musica quotidiana: canto, danza, marcia (nelle loro numerose varietà). Questi generi servono non solo a delineare lo sfondo, su cui si svolge l'azione, a creare un nat. e colore locale, ma anche per caratterizzare i personaggi. Un metodo chiamato "generalizzazione attraverso il genere" (termine di A. A. Alshwang) trova ampia applicazione in O.. Il canto o la danza diventa un mezzo di realismo. tipizzazione dell'immagine, rivelando il generale nel particolare e nell'individuo.

rapporto diff. elementi che compongono O. come art. intero, varia a seconda dell'estetica complessiva. tendenze che prevalgono in un'epoca particolare, in una direzione o nell'altra, nonché da una creatività specifica. compiti risolti dal compositore in questo lavoro. Ci sono orchestre prevalentemente vocali, in cui all'orchestra è assegnato un ruolo secondario e subordinato. Tuttavia, l'orchestra può essere Ch. portatore di drammi. azione e dominare il wok. feste. O. sono noti, costruiti sull'alternanza di lavori finiti o relativamente finiti. forme (aria, arioso, cavatina, vari tipi di ensemble, cori), e O. preim. magazzino recitativo, in cui l'azione si sviluppa continuamente, senza smembramento in separato. episodi (numeri), O. con una predominanza dell'inizio solista e O. con ensemble o cori sviluppati. Tutto r. 19esimo secolo è stato avanzato il concetto di "dramma musicale" (vedi Dramma musicale). Muse. il dramma si opponeva alla O condizionale di una struttura "numerata". Questa definizione significava produzione, in cui la musica è interamente subordinata ai drammi. azione e segue tutte le sue curve. Tuttavia, questa definizione non tiene conto dello specifico regolarità della drammaturgia operistica, che non coincidono in tutto con le leggi dei drammi. t-ra, e non delimita O. da alcuni altri tipi di teatro. spettacoli con la musica, in cui non gioca un ruolo di primo piano.

Il termine "Oh". condizionale e sorto più tardi del tipo di dramma musicale da lui designato. lavori. Per la prima volta, questo nome fu usato nel suo significato dato nel 1639, ed entrò in uso generale nel XVIII - inizio XVIII secolo. XIX secolo Gli autori delle prime opere, apparse a Firenze a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, le chiamavano "drammi in musica" (Drama per musica, letteralmente "dramma attraverso la musica" o "dramma per musica"). La loro creazione è stata causata dal desiderio di rinascita di altri greci. tragedia. Questa idea nacque in un circolo di studiosi, scrittori e musicisti umanisti che si raggrupparono attorno al nobile fiorentino G. Bardi (vedi Camerata fiorentina). I primi esemplari di O. sono considerati "Daphne" (1597-98, non conservato) e "Eurydice" (1600) di J. Peri sul successivo. O. Rinuccini (G. Caccini ha anche scritto la musica per "Euridice"). cap. il compito proposto dagli autori della musica era la chiarezza della declamazione. Wok. le parti sono sostenute in un magazzino melodico-recitativo e contengono solo alcuni elementi di coloratura poco sviluppati. Nel 1607 c'era una postazione a Mantova. O. "Orfeo" di C. Monteverdi, uno dei più grandi drammaturghi-musicisti della storia della musica. Ha portato un vero dramma in O., la verità delle passioni, ha arricchito la sua espressione. strutture.

Nato in un'atmosfera aristocratica. salon, O. alla fine si democratizza, diventa accessibile a fasce più ampie della popolazione. A Venezia, che è diventata nel mezzo. XVII secolo cap. centro di sviluppo del genere operistico, nel 1637 fu aperto il primo teatro pubblico. teatro dell'opera ("San Cassiano"). Il cambiamento della base sociale della lingua ha influito sul suo stesso contenuto e carattere. fondi. Insieme al mitologico le trame appaiono storiche. temi, c'è una brama di drammi taglienti e intensi. conflitti, la combinazione del tragico con il comico, il sublime con il ridicolo e il vile. Wok. le parti sono melodiche, acquisiscono le caratteristiche del bel canto e sorgono indipendentemente. episodi solisti di tipo arioso. Le ultime opere di Monteverdi furono scritte per Venezia, tra cui L'incoronazione di Poppea (1642), ripresa nel repertorio dei tempi moderni. teatri d'opera. F. Cavalli, M. A. Chesti, G. Legrenzi, A. Stradella appartenevano ai maggiori rappresentanti della scuola lirica veneziana (vedi scuola veneziana).

La tendenza ad aumentare melodica. inizio e cristallizzazione dei lavori finiti. le forme, delineate dai compositori della scuola veneziana, furono ulteriormente sviluppate dai maestri della scuola operistica napoletana, che si era sviluppata all'inizio. 18esimo secolo Il primo grande rappresentante di questa scuola fu F. Provencale, il suo capo - A. Scarlatti, tra i maestri di spicco - L. Leo, L. Vinci, N. Porpora e altri Opere in italiano. libretti nello stile della scuola napoletana furono scritti anche da compositori di altre nazionalità, tra cui I. Hase, G. F. Handel, M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky. Nella scuola napoletana si forma finalmente la forma dell'aria (soprattutto da capo), si stabilisce un confine netto tra aria e recitativo, si definisce la drammaturgia. funzioni diff. elementi di O. nel suo insieme. L'attività dei librettisti A. Zeno e P. Metastasio contribuì alla stabilizzazione della forma operistica. Hanno sviluppato un tipo armonioso e completo di opera seria ("opera seria") su mitologico. o storico-eroico. complotto. Ma nel tempo il dramma. il contenuto di questa O. passava sempre più in secondo piano e si trasformava in un intrattenimento. "concerto in costume", obbedendo completamente ai capricci dei cantanti virtuosi. Già nel Ser. XVII secolo italiano. O. si è diffuso in un certo numero di Europa. Paesi. La sua conoscenza è servita da incentivo per l'emergere in alcuni di questi paesi della propria nazionalità. opera t-ra. In Inghilterra, G. Purcell, utilizzando i risultati della scuola d'opera veneziana, ha creato un'opera profondamente originale. nella lingua madre "Dido ed Enea" (1680). J. B. Lully è stato il fondatore dei francesi. tragedia lirica - il tipo di eroico-tragico. O., per molti aspetti vicino al classico. tragedie di P. Corneille e J. Racine. Se "Dido and Aeneas" di Purcell è rimasto un singolo fenomeno che non ha avuto una continuazione in inglese. suolo, quindi il genere della lirica. la tragedia è stata ampiamente sviluppata in Francia. Il suo culmine in ser. 18esimo secolo era associato al lavoro di J. F. Rameau. Tuttavia, l'italiano serie d'opera, che ha dominato il 18 ° secolo. in Europa, divenne spesso un freno allo sviluppo del nat. DI.

Negli anni '30. 18esimo secolo in Italia sorse un nuovo genere: l'opera buffa, che si sviluppò dal fumetto. intermezzi, to-rye era consuetudine eseguire tra le azioni della serie operistica. Il primo esempio di questo genere è generalmente considerato gli intermezzi di G. V. Pergolesi The Servant-Mistress (1733, eseguito tra gli atti della sua serie d'opera The Proud Prisoner), che presto ricevettero il loro significato. scenico lavori. L'ulteriore sviluppo del genere è collegato al lavoro del computer. N. Logroshino, B. Galuppi, N. Piccinni, D. Cimarosa. L'opera buffa rifletteva il realista avanzato. tendenze di quell'epoca. Ampolloso condizionatamente eroico. i personaggi dell'opera seria si opponevano alle immagini della gente comune della vita reale, l'azione si sviluppava rapidamente e vividamente, la melodia associata al Nar. origini, combinando una caratteristica tagliente con la melodiosità di una sensazione morbida. magazzino.

Insieme all'italiano opera buffa nel XVIII secolo. altro nat. tipi comici. R. La rappresentazione di "The Maid-Mistress" a Parigi nel 1752 contribuì a rafforzare la posizione dei francesi. comico d'opera, radicato in Nar. discrete esibizioni, accompagnate dal canto di semplici canti distici. Democratico querela in ital. "buffons" è stato sostenuto dai leader dei francesi. Illuminismo D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm e altri. le opere di F. A. Philidor, P. A. Monsigny e A. E. M. Grétry si distinguono per il loro realismo. contenuto, scala sviluppata, melodica. ricchezza. In Inghilterra sorse un'opera ballata, il cui prototipo era "Opera of the Beggars" di J. Pepusch all'op. J. Gaia (1728), che era una satira socialmente puntata sull'aristocratico. serie operistica. "The Beggar's Opera" ha influenzato la formazione nel mezzo. 18esimo secolo Tedesco Singspiel, che poi converge con i francesi. comico d'opera, preservando nat. carattere nel sistema figurativo e nella musica. lingua. I maggiori rappresentanti della Germania settentrionale. i Singspiel erano I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, l'austriaco - I. Umlauf e K. Dittersdorf. Il genere singspiel fu profondamente ripensato da W. A. ​​Mozart in Il ratto dal serraglio (1782) e Il flauto magico (1791). All'inizio. 19esimo secolo in questo genere si manifestano romantici. tendenze. Le caratteristiche del singspiel sono conservate dal prodotto "software". Tedesco musica romanticismo "Sparatutto libero" K. M. Weber (1820). Basato su Nar. usanze, canti e balli sviluppati nat. generi spagnoli. musica t-ra - zarzuela e successivamente (seconda metà del XVIII secolo) tonadilla.

Nell'ultimo terzo del XVIII secolo Il russo è sorto. comico O., raccogliendo storie dalle patrie. vita. Giovane russo. O. ha assunto alcuni elementi dell'italiano. opera buffa, francese comico d'opera, tedesco singspiel, ma dalla natura delle immagini e dell'intonazione. in termini di musica, era profondamente originale. I suoi personaggi erano per la maggior parte persone del popolo, la musica era basata sui mezzi. misura (a volte completamente) sulla melodia di Nar. canzoni. O. occupava un posto importante nel lavoro del talentuoso russo. maestri E. I. Fomin ("Cocchieri sulla base", 1787, ecc.), V. A. Pashkevich ("Sfortuna dalla carrozza", 1779; "St. I ed. 1792, ecc.). A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. nat. tipo nar.-fumetto domestico. O. è originario della Polonia, della Repubblica Ceca e di alcuni altri paesi.

Diff. generi operistici, nettamente differenziati al 1° piano. XVIII secolo, nel corso dello storico lo sviluppo convergeva, i confini tra loro spesso diventavano condizionali e relativi. Il contenuto del fumetto Il lago si è approfondito, vi sono stati introdotti elementi di sensibilità. patetico, drammatico e talvolta eroico ("Riccardo Cuor di Leone" Gretry, 1784). D'altra parte, l'eroico "serio". O. ha acquisito maggiore semplicità e naturalezza, liberandosi dalla sua intrinseca retorica pomposa. La tendenza al rinnovamento della tradizione. tipo di serie d'opera appare nel mezzo. 18esimo secolo all'italiano comp. N. Jommelli, T. Traetta e altri Musica e teatro indigeni. la riforma è stata realizzata da K. V. Gluck, artt. i cui principi si sono formati sotto l'influenza delle sue idee. e francese Illuminismo. Inizia la sua riforma a Vienna negli anni '60. 18esimo secolo ("Orfeo ed Euridice", 1762; "Alceste", 1767), lo completò un decennio dopo nelle condizioni pre-rivoluzionarie. Parigi (il culmine della sua innovazione operistica - "Ifigenia in Tauris", 1779). Impegnarsi per un'espressione veritiera di grandi passioni, per i drammi. giustificando tutti gli elementi della rappresentazione dell'opera, Gluck abbandonò ogni schema prescritto. Ha usato l'espresso. fondi come l'italiano. Oh, così francese. lirica tragedia, subordinandoli a un unico drammaturgo. Intenzione.

L'apice dello sviluppo di O. nel XVIII secolo. era opera di Mozart, sintetizzava le conquiste di vari artisti nazionali. scuole e ha portato questo genere a un'altezza senza precedenti. Il più grande artista realista, Mozart ha incarnato drammi acuti e intensi con grande potenza. conflitti, ha creato personaggi umani vividi, vitalmente convincenti, rivelandoli in relazioni complesse, intrecci e lotte di interessi opposti. Per ogni trama, ha trovato una forma speciale di dramma musicale. incarnazioni e le corrispondenti espressioni. strutture. In "Le nozze di Figaro" (1786) si rivela nelle forme dell'italiano. l'opera buffa è realistica profonda e nettamente moderna. contenuto, in "Don Juan" (1787) la commedia si unisce all'alta tragedia (dramma giocosa - "dramma allegro", secondo la stessa definizione del compositore), in "Il flauto magico" l'alta morale è espressa in una forma favolosa. ideali di gentilezza, amicizia, fermezza dei sentimenti.

Ottimo francese. la rivoluzione ha dato nuovo impulso allo sviluppo di O. Vkon. 18esimo secolo in Francia è nato il genere dell '"opera della salvezza", in cui il pericolo imminente è stato superato grazie al coraggio, al coraggio e al coraggio degli eroi. Questo O. denunciava la tirannia e la violenza, cantava il valore dei combattenti per la libertà e la giustizia. La vicinanza delle trame al presente, il dinamismo e la rapidità dell'azione hanno avvicinato l '"opera della salvezza" al comico dell'opera. Allo stesso tempo, si distingueva per il vivido dramma della musica, il ruolo accresciuto dell'orchestra. Esempi tipici di questo genere sono Lodoiska (1791), Eliza (1794) e il particolarmente popolare O. Two Days (Water Carrier, 1800) di L. Cherubini, così come The Cave di J. F. Lesueur (1793 ). L '"opera della salvezza" confina nella trama e nella sua drammaturgia. struttura "Fidelio" L. Beethoven (1805, 3a edizione 1814). Ma Beethoven elevò il contenuto della sua opera a un'alta generalizzazione ideologica, approfondì le immagini e sinfonizzò la forma operistica. "Fidelio" è alla pari delle sue più grandi sinfonie. creazioni, occupando un posto speciale nell'arte operistica mondiale.

Nel 19 ° secolo c'è una netta differenziazione. nat. scuole d'opera. La formazione e la crescita di queste scuole erano associate al processo generale di formazione delle nazioni, alla lotta dei popoli per il potere politico. e indipendenza spirituale. Nell'arte si sta formando una nuova direzione: il romanticismo, che coltivava, al contrario del cosmopolita. tendenze dell'Illuminismo, crescente interesse per nat. forme di vita e tutto ciò in cui si manifestava lo "spirito dei popoli". A O. fu assegnato un posto importante nell'estetica del romanticismo, uno dei capisaldi del quale era l'idea della sintesi delle arti. Per i romantici O. sono caratterizzati da trame dalle cuccette. fiabe, leggende e tradizioni o dallo storico passato del paese, immagini colorate della vita e della natura, l'intreccio del reale e del fantastico. I compositori romantici si sono sforzati di incarnare sentimenti forti e vividi e stati d'animo nettamente contrastanti, combinando pathos tempestoso con lirismo sognante.

Uno dei posti principali nello sviluppo di O. ha mantenuto l'italiano. scuola, sebbene non avesse più tale esclusione. valori, come nel XVIII secolo, e suscitò aspre critiche da parte di rappresentanti di altre nazionalità. scuole. Tradizionale generi italiani. O. sono stati aggiornati e modificati sotto l'influenza delle esigenze della vita. Wok. l'inizio ha continuato a dominare il resto degli elementi vocali, ma la melodia è diventata più flessibile, drammaticamente significativa, una linea netta tra recitativo e melodico. è stato cancellato dal canto, è stata data maggiore attenzione all'orchestra come mezzo musicale. caratteristiche di immagini e situazioni.

Le caratteristiche del nuovo sono state chiaramente manifestate da G. Rossini, il cui lavoro è nato dall'italiano. cultura operistica del XVIII secolo. Il suo "Il barbiere di Siviglia" (1816), che fu l'apice dello sviluppo dell'opera buffa, differisce notevolmente dalla tradizione. esempi di questo genere. La commedia delle situazioni, non esente da elementi di superficiale buffoneria, si trasformò in realista per Rossini. una commedia di personaggi che unisce vivacità, divertimento e arguzia a una satira azzeccata. Le melodie di quest'opera, spesso vicine al folk, hanno una caratteristica tagliente e corrispondono molto accuratamente alle immagini dei personaggi. Nel fumetto "Cenerentola" (1817). O. acquisisce lirico-romantico. colorazione, e in "The Thieving Magpie" (1817) si avvicina al dramma quotidiano. Nella sua matura opera-seria, intrisa del pathos del patriottismo e del folk-liberato. lotta ("Moses", 1818; "Mohammed", 1820), Rossini rafforzò il ruolo del coro, creò grandi cuccette. scene piene di drammaticità e grandiosità. Nar.-libero. le idee furono espresse in modo particolarmente vivido in O. "William Tell" (1829), in cui Rossini andò oltre l'italiano. tradizione operistica, anticipando alcune caratteristiche del francese. grande romantico. DI.

Negli anni 30-40. 19esimo secolo si svolse il lavoro di V. Bellini e G. Donizetti, apparve la prima O. del giovane G. Verdi, che fungeva da vivido esempio di italiano. romanticismo. Compositori riflessi nel loro O. patriottico. ascesa associata al movimento italiano. Risorgimento, tensione delle attese, sete di un grande sentimento libero. In Bellini, questi stati d'animo si colorano di toni di lirismo morbido e sognante. Uno dei suoi migliori lavori - O. sullo storico. trama "Norma" (1831), in cui si accentua il dramma personale. "Sleepwalker" (1831) - dramma lirico. O. dalla vita della gente comune; O. "Puritans" (1835) combina la lirica. dramma con il tema della religione popolare. lotta. Storico-romantico. un dramma dalle forti passioni è caratteristico dell'opera di Donizetti ("Lucia di Lammermoor", 1835; "Lucrezia Borgia", 1833). Hanno anche scritto fumetti. O. (il migliore di loro - "Don Pasquale", 1843), collegando le tradizioni. buffoneria con semplice e senza pretese. lirismo. Tuttavia, il fumetto il genere non ha attratto compositori romantici. direzioni, e Donizetti fu l'unico grande italiano dopo Rossini. un maestro che si dedica a questo genere significa. attenzione nel tuo lavoro.

Il punto più alto dello sviluppo dell'italiano. O. nel XIX secolo. e uno dei più grandi palcoscenici dell'arte operistica mondiale è l'opera di Verdi. Il suo primo O. "Nebuchadnezzar" ("Nabucco", 1841), "Lombards in the first crusade" (1842), "Ernani" (1844), ha affascinato il pubblico del patriottico. pathos e nobile eroismo. sentimenti, non privi però di un certo sciame romantico. trampoli. Negli anni '50. ha creato il enorme dramma. forza. In O. "Rigoletto" (1851) e "Il trovatore" (1853), che conservavano il romantico. caratteristiche, incarnate profondamente realistiche. contenuto. In "La Traviata" (1853), Verdi fece il passo successivo verso il realismo, prendendo il soggetto dalla vita di tutti i giorni. Operazione. Anni 60-70 - "Don Carlos" (1867), "Aida" (1870) - utilizza forme operistiche monumentali, arricchisce le strutture wok. e orco. espressività. Fusione completa della musica con il dramma. azione da lui compiuta. in O. "Otello" (1886), che unisce il potere shakespeariano delle passioni con una trasmissione insolitamente flessibile e sensibile di tutto ciò che è psicologico. sfumature. Alla fine della tua creatività modo in cui Verdi si rivolse al genere della commedia ("Falstaff", 1892), ma si allontanò dalle tradizioni dell'opera buffa, creando il prodotto. con un'azione in continua evoluzione e una lingua wok molto caratteristica. parti basate sulla recitazione. principio.

In Germania, prima 19esimo secolo O. di una forma grande non esisteva. Dip. tenta di creare un grande tedesco. O. sullo storico tema nel XVIII secolo. non hanno avuto successo. Nazionale Tedesco O., che ha preso forma nella corrente principale del romanticismo, sviluppato dal singspiel. Influenzato dal romantico idee arricchite sfera figurativa ed esprimere. mezzi di questo genere, ne ha ampliato la portata. Uno dei primi tedeschi romantico O. era "Ondine" di E. T. A. Hoffmann (1813, post. 1816), ma il periodo di massimo splendore della nazionale. Opera t-ra iniziò con la comparsa di "Free shooter" di K. M. Weber (1820). L'enorme popolarità di questa O. si basava sulla combinazione di realismo. dipinti di vita quotidiana e poesia. paesaggio con sacramenti. demoniaco fantasia. "Free Shooter" è servito come fonte di nuovi elementi figurativi e coloristici. tecniche non solo per la creatività operistica tav. compositori, ma anche per i romantici. sinfonia software. Stilisticamente meno solido, il grande "cavalleresco" O. "Evryant" di Weber (1823) conteneva, tuttavia, preziosi reperti che influenzarono l'ulteriore sviluppo dell'arte operistica in Germania. Da "Evryants" si estende un filo diretto all'unità. produzione operistica. R. Schumann "Genoveva" (1849), così come "Tannhauser" (1845) e "Lohengrin" (1848) Wagner. In "Oberon" (1826), Weber si rivolse al genere del favoloso singspiel, rafforzando l'esotico nella musica. est colorazione. Rappresentanti del romantico indicazioni in esso. O. erano anche L. Spohr e G. Marschner. A. Lorzing, O. Nikolai, F. Flotov hanno sviluppato in modo diverso le tradizioni del singspiel, il cui lavoro era caratterizzato dalle caratteristiche dell'intrattenimento superficiale.

Negli anni '40. 19esimo secolo nominato come il più grande maestro di esso. arte dell'opera R. Wagner. Il suo primo maturo, indipendente. in stile O. "The Flying Dutchman" (1841), "Tannhäuser", "Lohengrin" sono ancora in gran parte associati al romantico. tradizioni di inizio secolo. Allo stesso tempo, definiscono già la direzione della musica e della drammaturgia. Le riforme di Wagner, da lui pienamente attuate negli anni 50-60. I suoi principi, esposti da Wagner nel teorico e nel pubblicistico. opere, nasceva dal riconoscimento dell'importanza primaria dei drammi. iniziò in O.: "il dramma è l'obiettivo, la musica è il mezzo per la sua realizzazione". Impegno per la continuità della musica. sviluppo, Wagner abbandonò la tradizione. O. forme di struttura "numerata" (aria, ensemble, ecc.). Ha posto le basi per la drammaturgia operistica con un complesso sistema di leitmotiv sviluppato da Ch. arr. nell'orchestra, a seguito della quale il ruolo delle sinfonie nella sua O. è notevolmente aumentato. inizio. Frizione e tutti i tipi di polifoniche. combinazioni di vari i leitmotiv formavano una musica che scorre senza sosta. tessuto - "una melodia senza fine". Questi principi furono pienamente espressi in "Tristano e Isotta" (1859, post. 1865) - la più grande opera d'arte operistica romantica, che rifletteva la visione del mondo del romanticismo con la massima completezza. Un sistema sviluppato di leitmotiv distingue anche O. "The Nuremberg Mastersingers" (1867), ma è realistico. la trama definita significa. il ruolo in questa O. degli elementi del canto e del racconto vivace e dinamico. scene. Centro. un posto nell'opera di Wagner è occupato da una grandiosa tetralogia operistica, creata in quasi un quarto di secolo, - "Ring of the Nibelung" ("Gold of the Rhine", "Valkyrie", "Siegfried" e "Death of the Gods ", completamente post. 1876). La condanna del potere dell'oro come fonte del male rende anticapitalista "l'Anello del Nibelungo". direzione, ma il concetto generale di tetralogia è contraddittorio e manca di coerenza. O.-mistero "Parsi-fal" (1882), per tutta la sua arte. valori testimoniati della crisi del romantico. visione del mondo nell'opera di Wagner. Dramma musicale. i principi e il lavoro di Wagner hanno causato grandi polemiche. Trovando ardenti aderenti e apologeti tra molti musicisti, furono fortemente respinti da altri. Un certo numero di critici, apprezzando la musica pura. risultati di Wagner, credeva di essere nel magazzino del suo talento di sinfonista, e non di teatro. compositore, e andò a O. sulla strada sbagliata. Nonostante i forti disaccordi nella sua valutazione, l'importanza di Wagner è grande: ha influenzato lo sviluppo della truffa. 19 - prego. 20 ° secolo I problemi posti da Wagner trovarono soluzioni diverse per i compositori appartenenti al dec. nat. scuole e arti. direzioni, ma nessun musicista pensante non poteva determinare il suo atteggiamento nei confronti delle opinioni e della creatività. Pratica tedesca. riformatore dell'opera.

Il romanticismo ha contribuito al rinnovamento del figurativo e del tema. sfere dell'opera, l'emergere dei suoi nuovi generi in Francia. Franz. romantico O. si è evoluto nella lotta contro l'accademico. pretesa dell'Impero napoleonico e l'epoca della Restaurazione. Un tipico rappresentante di questo accademismo musicale esteriormente spettacolare, ma freddo. Era G. Spontini. I suoi O. "Vestal" (1805), "Fernand Cortes, or the Conquest of Mexico" (1809) sono pieni di echi militari. processioni ed escursioni. Eroico la tradizione proveniente da Gluck vi rinasce completamente e perde il suo significato progressivo. Più vitale era il genere comico. O. Esternamente confina con questo genere "Joseph" di E. Megul (1807). Questa O., scritta su una storia biblica, collega il classico. rigore e semplicità con alcune caratteristiche del romanticismo. Romantico. la colorazione è inerente a O. sulle trame fiabesche di N. Isoire ("Cenerentola", 1810) e A. Boildieu ("Cappuccetto rosso", 1818). L'ascesa dei francesi è in gioco il romanticismo operistico. anni '20 e '30 Nel campo della commedia O. si rifletteva nella "White Lady" Boildieu (1825) con il suo patriarcale-idilliaco. colore e mistero. fantasia. Nel 1828 c'era un posto a Parigi. "Il muto di Portici" di F. Aubert, che fu uno dei primi esempi di opera lirica. Il famoso cap. arr. come un maestro comico. genere operistico, Aubert ha creato O. drama. piano con un'abbondanza di situazioni di conflitto acuto e dinamiche ampiamente dispiegate. nar. scene. Questo tipo di O. fu ulteriormente sviluppato nel Guglielmo Tell di Rossini (1829). Il rappresentante più importante dello storico e del romantico. francese O. divenne J. Meyerbeer. Padronanza di grandi spettacoli teatrali. masse, la sapiente distribuzione dei contrasti e il modo brillantemente decorativo delle muse. Le lettere gli hanno permesso, nonostante il noto stile eclettico, di creare opere che catturano l'azione con un dramma intenso e un teatro puramente spettacolare. vistosità. La prima opera parigina di Meyerbeer "Robert the Devil" (1830) contiene elementi di un cupo demoniaco. finzione nello spirito di essa. romanticismo precoce. 19esimo secolo L'esempio più brillante dei francesi. romantico O. - "Huguenots" (1835) sullo storico. una trama dell'era del socio-religioso. wrestling in Francia nel XVI secolo. Le ultime opere di Meyerbeer (The Prophet, 1849; The African Woman, 1864) mostrano segni di declino del genere. Vicino a Meyerbeer nell'interpretazione dello storico. soggetti F. Halevi, il migliore di O. to-rogo - "Zhidovka" ("Figlia del cardinale", 1835). Un posto speciale in francese musica t-re ser. 19esimo secolo occupa il lavoro operistico di G. Berlioz. In O. "Benvenuto Cellini" (1837), intriso di spirito rinascimentale, si affida alle tradizioni e alle forme della commedia. genere operistico. Nella dilogia dell'opera "Trojans" (1859) Berlioz continua l'eroico di Gluck. tradizione, dipingendola in chiave romantica. toni.

Negli anni 50-60. 19esimo secolo emerge l'opera lirica. Rispetto al grande romantico. O. la sua scala è più modesta, l'azione è concentrata sulla relazione di più. attori, privi di un alone di eroismo e romanticismo. esclusività. Rappresentanti lirici. O. si rivolgeva spesso alle storie della produzione. letteratura mondiale e drammaturgia (W. Shakespeare, J. W. Goethe), ma le ha interpretate in termini quotidiani. I compositori hanno una creatività meno forte. individualità, questo a volte portava alla banalità e ad una netta contraddizione tra la natura zuccherino-sentimentale della musica e l'ordine dei drammi. immagini (ad esempio, "Amleto" di A. Thomas, 1868). Allo stesso tempo, nei migliori esempi di questo genere, l'attenzione è rivolta all'interno. mondo dell'uomo, sottile psicologismo, a testimonianza del rafforzamento del realismo. elementi nell'opera d'arte. Prod., Approvato il genere della lirica. O. in francese. musica t-re e incarnava più pienamente i suoi tratti caratteristici era "Faust" di C. Gounod (1859). Tra gli altri O. questo compositore si distingue "Romeo e Giulietta" (1865). In un numero di lirica O. Il dramma personale degli eroi viene mostrato sullo sfondo dell'esotico. vita e natura est. paesi ("Lakme" L. Delibes, 1883; "Pearl Diggers", 1863, e "Jamile", 1871, J. Bizet). Nel 1875 apparve la "Carmen" di Bizet, realistica. un dramma della vita della gente comune, in cui la verità delle passioni umane sarà espressa in modo mozzafiato. la forza e la rapidità dell'azione si combinano con un sapore di genere folk insolitamente brillante e succoso. In questa produzione Bizet ha superato i limiti della lirica. O. e raggiunse le vette del realismo operistico. Ai più eminenti maestri della lirica. O. apparteneva anche a J. Massenet, che con sottile penetrazione e grazia esprimeva le esperienze intime dei suoi eroi (Manon, 1884; Werther, 1886).

Tra i giovani nazionali scuole che hanno raggiunto la maturità e l'indipendenza nel XIX secolo, la più importante per importanza è quella russa. Il rappresentante del russo romanticismo operistico, caratterizzato da un pronunciato nat. personaggio, era A. N. Verstovsky. Tra i suoi O. il più importante fu "Askold's Grave" (1835). Con l'avvento del classico capolavori di M. I. Glinka Rus. La scuola dell'opera entrò nel suo periodo di massimo splendore. Avendo padroneggiato i risultati più importanti dell'Europa occidentale. musica da Gluck e Mozart al suo italiano, tedesco. e francese contemporanei, Glinka è andato da solo. modo. L'originalità delle sue produzioni operistiche. è radicato in una profonda connessione con Nar. suolo, con correnti avanzate di Rus. Società. vita e cultura dell'era Pushkin. In "Ivan Susanin" (1836), creò il nat. russo tipo storico. O., il cui eroe è un uomo del popolo. Il dramma delle immagini e dell'azione si combina in quest'opera con la grandiosità monumentale dello stile dell'oratorio. Epopea altrettanto originale. drammaturgia O. "Ruslan e Lyudmila" (1842) con la sua galleria di immagini diverse, mostrate sullo sfondo dei maestosi dipinti del Dr. Rus' e affascinante pittoresco magico-fantastico. scene. Russia. compositori del 2° piano. Il XIX secolo, basandosi sulle tradizioni di Glinka, ha ampliato i temi e la struttura figurativa della creatività operistica, si è posto nuovi compiti e ha trovato mezzi adeguati per risolverli. A. S. Dargomyzhsky ha creato un letto domestico. dramma "Mermaid" (1855), in uno sciame e fantastico. gli episodi servono a incarnare la vita in modo realistico. contenuto. In O. "The Stone Guest" (sul testo invariato della "piccola tragedia" di A. S. Pushkin, 1866-69, completato da Ts. A. Cui, strumentato da N. A. Rimsky-Korsakov, 1872), avanzò un riformista compito - creare un'opera libera dalle convenzioni operistiche, in cui si raggiungesse una fusione completa di musica e teatro. Azioni. A differenza di Wagner, che ha trasferito il centro di gravità allo sviluppo orchestrale, Dargomyzhsky si è adoperato principalmente per l'incarnazione veritiera delle intonazioni del linguaggio umano vivente nella melodia vocale.

Significato mondiale Rus. La scuola dell'opera è stata approvata da A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaikovsky. Nonostante tutte le differenze, creativo le loro individualità erano unite da una tradizione comune e fondamentale. ideologico ed estetico. i principi. Tipici di loro erano democratici avanzati. orientamento, realismo delle immagini, pronunciato nat. la natura della musica, il desiderio di approvazione dell'alto umanistico. ideali. La ricchezza e la versatilità del contenuto della vita incarnata nell'opera di questi compositori corrispondeva a una varietà di tipi di produzioni operistiche. e mezzi di musica. drammaturgia. Mussorgsky con grande potere riflesso in "Boris Godunov" (1872) e "Khovanshchina" (1872-80, completato da Rimsky-Korsakov, 1883) il più acuto socio-storico. conflitti, la lotta del popolo contro l'oppressione e la mancanza di diritti. Allo stesso tempo, il profilo luminoso delle tavole. le masse è combinato con una profonda penetrazione nel mondo spirituale della personalità umana. Borodin è stato l'autore dello storico-patriottico. O. "Prince Igor" (1869-87, completato da Rimsky-Korsakov e A. K. Glazunov, 1890) con le sue immagini convesse e solide di personaggi, epica monumentale. quadri del dott. Rus', a-Crym opposto a est. scene nel campo polovtsiano. Rimsky-Korsakov, che si è rivolto a Preim. alla sfera di vita e rituali, da decomporre. forme del popolo poetico creatività, ha creato la fiaba dell'opera "The Snow Maiden" (1881), l'opera epica "Sadko" (1896), la leggenda dell'opera "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904), la satirica puntata fiaba O. "The Golden Cockerel" ( 1907) e altri, caratterizzato dall'uso diffuso di melodie di canzoni popolari in combinazione con la ricchezza dell'orco. colore, abbondanza di episodi sinfonici e descrittivi, intrisi di un sottile senso della natura, e talvolta di un intenso dramma ("La battaglia di Kerzhents" da "Il racconto della città invisibile di Kitezh ..."). Čajkovskij era interessato a Ch. arr. problemi associati alla vita mentale di una persona, alla relazione dell'individuo e all'ambiente. In primo piano nella sua O. - psicologica. conflitto. Allo stesso tempo, ha prestato attenzione alla rappresentazione della vita quotidiana, la specifica situazione di vita in cui si svolge l'azione. Campione russo. lirica O. è "Eugene Onegin" (1878) - prod. profondamente nazionale sia nella natura delle immagini che nella musica. lingua associata alla cultura russa. montagne canzoni romantiche. In The Queen of Spades (1890) lirica. il dramma diventa tragedia. La musica di questa O. è permeata da una continua intensa corrente di musica sinfonica. sviluppo, informando la musica. concentrazione drammaturgica e intenzionalità. Psicologico acuto. il conflitto era al centro dell'attenzione di Čajkovskij anche quando si rivolgeva allo storico. trame ("Maid of Orleans", 1879; "Mazepa", 1883). Russia. i compositori hanno anche creato una serie di fumetti. O. su trame dalle cuccette. vita, in cui l'inizio comico è combinato con elementi fantasy lirici e fiabeschi ("Sorochinskaya Fair" di Mussorgsky, 1874-80, completata da Cui, 1916; "Cherevichki" di Tchaikovsky, 1880; "May Night", 1878, e "La notte prima di Natale", 1895, Rimsky-Korsakov).

Nel senso di proporre nuovi compiti e otd. preziosa drammaturgia. I reperti interessano l'opera di A. N. Serov - "Judith" (1862) su una storia biblica, interpretata in un piano oratorio, "Rogneda" (1865) su una storia dalla storia del Dr. Rus' e "The Enemy Force" (1871, completato da B.C. Serova e H.P. Solovyov), che si basa sul moderno. dramma domestico. Tuttavia, lo stile eclettico riduce la loro arte. valore. Il significato delle opere di Ts. A. Cui "William Ratcliff" (1868), "Angelo" (1875) e altre si è rivelato transitorio. i classici dell'opera sono occupati da "Oresteia" di S. I. Taneyev (1894), in cui la trama è antica. la tragedia serve al compositore per mettere in scena una morale grande e generalmente significativa. i problemi. S. V. Rachmaninov in "Aleko" (1892) ha reso un certo tributo alle tendenze veriste. In The Miserly Knight (1904) ha continuato la tradizione delle recitazioni. O. proveniente dall '"Ospite di pietra" (questo tipo di O. fu presentato a cavallo tra il XIX e il XX secolo da opere come "Mozart e Salieri" di Rimsky-Korsakov, 1897; "Festa durante la peste" di Cui , 1900), ma rafforzò il ruolo della sinfonia. inizio. Il desiderio di sinfonizzare la forma operistica si manifestò anche nella sua O. "Francesca da Rimini" (1904).

Tutto r. 19esimo secolo Avanzamento polacco e ceco. scuole d'opera. Il creatore della nazionale polacca O. era S. Moniuszko. Il più popolare dei suoi O. "Pebbles" (1847) e "Enchanted Castle" (1865) con il loro brillante nat. il colore della musica, il realismo delle immagini. Moniuszko ha espresso il patriottismo nel suo lavoro operistico. stati d'animo della società polacca avanzata, amore e simpatia per la gente comune. Ma non ebbe successori nella musica polacca del XIX secolo. Il periodo di massimo splendore del teatro dell'opera ceco fu associato alle attività di B. Smetana, che creò storie storiche ed eroiche, leggendarie ("Brandeburgo nella Repubblica Ceca", 1863; "Dalibor", 1867; "Libuše", 1872) e commedie- famiglia ("The Bartered Bride" , 1866) O. Riflettevano il pathos del nazional-liberato. la lotta è data in modo realistico. immagini di persone vita. I risultati di Smetana sono stati sviluppati da A. Dvorak. Le sue favolose opere "Devil and Kacha" (1899) e "Mermaid" (1900) sono intrise della poetica della natura e delle persone. finzione. Nazionale O., basato su trame di Nar. vita e contraddistinto dalla vicinanza delle muse. lingua alle intonazioni popolari, si verifica tra i popoli della Jugoslavia. Fama acquisita O. croato comp. V. Lisinsky ("Porin", 1851), I. Zaits ("Nikola Shubich Zrinsky", 1876). F. Erkel è stato il creatore di un grande storico e romantico. sospeso. O. "Bank bang" (1852, post. 1861).

A cavallo tra il XIX e il XX secolo. ci sono nuove tendenze operistiche associate alle tendenze generali nelle arti. cultura di questo periodo. Uno di questi era il verismo, che era più diffuso in Italia. Come rappresentanti di questa tendenza in letteratura, i compositori veristi cercavano materiale per drammi acuti. disposizioni nella realtà quotidiana ordinaria, gli eroi dei loro prodotti. hanno scelto persone comuni, non contraddistinte da qualità speciali, ma capaci di provare sentimenti profondi e forti. Tipici esempi di drammaturgia operistica verista sono L'onore rurale di P. Mascagni (1889) ei Pagliacci di R. Leoncavallo (1892). Le caratteristiche del verismo sono anche caratteristiche dell'opera operistica di G. Puccini. Tuttavia, lui, superando il noto naturalistico. i limiti dell'estetica verista, nei migliori episodi delle sue opere. raggiunto veramente realistico. profondità e forza espressiva delle esperienze umane. Nella sua O. "La Boheme" (1895), il dramma della gente comune è poeticizzato, i personaggi sono dotati di nobiltà spirituale e sottigliezza di sentimenti. Nei drammi "Tosca" (1899) i contrasti sono acuiti e lirici. il dramma diventa tragico. Nel corso dello sviluppo, la struttura figurativa e lo stile dell'opera di Puccini si espansero, arricchendosi di nuovi elementi. Passando a scene di vita fuori dall'Europa. popoli ("Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910), ha studiato e utilizzato il loro folklore nella sua musica. Nel suo ultimo O. "Turandot" (1924, completato da F. Alfano) favolosamente esotico. La trama è interpretata nello spirito della psicologia. un dramma che unisce un inizio tragico a una commedia grottesca. Nella musica Il linguaggio di Puccini rifletteva alcune delle conquiste dell'impressionismo nel campo dell'armonia e dell'orco. colore. Comunque wok. l'inizio conserva il suo ruolo dominante. erede italiano. tradizione operistica del XIX secolo, fu notato. maestro del bel canto. Uno dei punti di forza del suo lavoro sono le melodie espressive ed emotivamente piene di respiro ampio. Insieme a questo, nella sua O. aumenta il ruolo del recitativo-declamativo. e forme ariose, wok. l'intonazione diventa più flessibile e libera.

E. Wolf-Ferrari ha seguito un percorso speciale nel suo lavoro operistico, cercando di unire le tradizioni dell'italiano. opere buffa con alcuni elementi di drammaturgia operistica verista. Tra i suoi O. - "Cenerentola" (1900), "Quattro tiranni" (1906), "Collana di Madonna" (1911), ecc.

Tendenze simili all'italiano. il verismo esisteva nell'arte operistica di altri paesi. In Francia, erano associati a una reazione contro l'influenza wagneriana, particolarmente pronunciata in O. "Fervaal" V. d "Andy (1895). La fonte diretta di queste tendenze era l'esperienza creativa di Bizet ("Carmen"), così come l'attività letteraria E. Zola A. Bruno, che ha dichiarato i requisiti della verità della vita nella musica, la vicinanza agli interessi dell'uomo moderno, ha creato una serie di O. basata sui romanzi e sulle storie di Zola (in parte nel suo libre), tra cui: "The Siege of the Mill" (1893, la trama riflette gli eventi della guerra franco-prussiana del 1870), "Messidor" (1897), "Hurricane" (1901). discorso dei personaggi più vicino alla solita lingua parlata, ha scritto O. nei testi in prosa, tuttavia, i suoi principi realistici non erano abbastanza coerenti e il dramma della sua vita è spesso combinato con un vago simbolismo.Un'opera più integrale - O. "Louise" G. Charpentier (1900), che ha guadagnato fama grazie alle immagini espressive della gente comune e ai dipinti luminosi e pittoreschi della vita parigina.

In Germania, le tendenze veriste si riflettevano in O. "Valley" di E. d'Alber (1903), ma questa direzione non era ampiamente utilizzata.

Parzialmente in contatto con il verismo di L. Janacek in O. "Enufa" ("La figliastra", 1903). Allo stesso tempo alla ricerca del vero e dell'espresso. musica recitazione, basata sulle intonazioni del linguaggio umano vivente, il compositore si avvicinò a Mussorgsky. Associato alla vita e alla cultura della sua gente, Janacek ha creato il prodotto. grande realistico. le forze, le immagini e l'intera atmosfera dell'azione to-rogo sono profondamente naturali. carattere. Il suo lavoro ha segnato una nuova tappa nello sviluppo del ceco. O. dopo Smetana e Dvorak. Non è passato dalle conquiste dell'impressionismo e di altre arti. correnti all'inizio XX secolo, ma è rimasto fedele alle tradizioni della sua nazione. cultura. In O. "I viaggi di Pan Brouchka" (1917) eroico. le immagini della Repubblica Ceca dell'epoca delle guerre hussite, che ricordano alcune pagine dell'opera di Smetana, vengono messe a confronto con una fantasmagoria bizzarra ironicamente colorata. Sottile sensazione ceca. la natura e la vita sono intrise di O. "Le avventure di una volpe che tradisce" (1923). Tipico di Janacek era l'appello alle trame del russo. classico letteratura e drammaturgia: "Katya Kabanova" (basato su "Thunderstorm" di A. N. Ostrovsky, 1921), "From the House of the Dead" (basato sul romanzo di F. M. Dostoevsky "Notes from the House of the Dead", 1928). Se nella prima di queste O. l'enfasi è sulla lirica. dramma, poi nel secondo compositore ha cercato di trasmettere un'immagine complessa della decomposizione delle relazioni. personaggi umani, ricorrevano a mezzi musicali altamente espressivi. espressioni.

Per l'impressionismo, op. elementi to-rogo furono usati presto nell'opera da molti compositori. Il 20 ° secolo, in generale, la gravitazione verso i drammi non è caratteristica. generi. Un esempio quasi unico di una produzione operistica che incarna costantemente l'estetica dell'impressionismo è "Pelléas et Mélisande" (1902) di C. Debussy. L'azione di O. è avvolta in un'atmosfera di vaghi presentimenti, desideri e aspettative, tutti i contrasti sono attenuati e indeboliti. Nel tentativo di trasferire al wok. parti intonazione magazzino personaggi del discorso, Debussy ha seguito i principi di Mussorgsky. Ma le stesse immagini della sua O. e tutti i misteri del crepuscolo. il mondo in cui si svolge l'azione porta l'impronta del simbolismo. mistero. La straordinaria sottigliezza delle sfumature colorate ed espressive, la risposta sensibile della musica ai minimi cambiamenti negli stati d'animo dei personaggi si combinano con la ben nota unidimensionalità del colore generale.

Il tipo di impressionista O. creato da Debussy non è stato sviluppato in nessuno dei suoi. creatività, né in francese. arte lirica del XX secolo. "Ariana e Barbablù" di P. Duke (1907), con qualche somiglianza esterna con O. "Pelleas e Mélisande", è più razionalista. la natura della musica e la predominanza del descrittivo colorato. elementi rispetto a quelli psicologicamente espressivi. M. Ravel ha scelto una strada diversa in un fumetto in un atto. O. "Spanish Hour" (1907), in cui la musica nettamente caratteristica. la declamazione proveniente dal "Matrimonio" di Mussorgsky è combinata con un uso colorito di elementi spagnoli. nar. musica. Il dono intrinseco del compositore è caratteristico. la delineazione delle immagini ha influenzato anche il balletto O. The Child and the Magic (1925).

In lui. O. con. 19 - prego. 20 ° secolo l'influenza di Wagner era notevole. Tuttavia, la drammaturgia musicale wagneriana. principi e stile furono adottati dalla maggior parte dei suoi epigoni seguaci. In un favolosamente romantico le opere di E. Humperdinck (la migliore è Hans e Gretel, 1893), l'armonia e l'orchestrazione lussureggianti wagneriane si combinano con la semplice melodia melodica di Nar. magazzino. X. Pfitzner ha introdotto elementi di simbolismo religioso e filosofico nell'interpretazione di fiabe e trame leggendarie ("Rose from the Garden of Love", 1900). clericale cattolico. le tendenze si riflettevano nella sua O. "Palestrina" (1915).

Come uno dei seguaci di Wagner, R. Strauss iniziò il suo lavoro operistico ("Guntram", 1893; "Without Fire", 1901), ma in futuro subì un cambiamento significativo. Evoluzione. In "Salome" (1905) ed "Electra" (1908) apparvero tendenze espressioniste, sebbene fossero percepite piuttosto superficialmente dal compositore. L'azione in queste O. si sviluppa con un'emozione sempre crescente. tensione, l'intensità delle passioni a volte rasenta lo stato patologico. ossessione. L'atmosfera di febbrile eccitazione è supportata da un'orchestra massiccia e riccamente colorata, che raggiunge una potenza sonora colossale. Scritta nel 1910, la commedia lirica O. "Il cavaliere delle rose" segnò una svolta nel suo lavoro dalle tendenze espressioniste a quelle neoclassiche (vedi Neoclassicismo). Elementi dello stile mozartiano si combinano in questa O. con la bellezza sensuale e il fascino del valzer viennese, la trama si fa più leggera e trasparente, senza però liberarsi completamente dal lusso sonoro wagneriano. Nelle opere successive, Strauss si rivolse a stilizzazioni nello spirito delle muse barocche. t-ra ("Ariadne auf Naxos", 1912), alle forme del classico viennese. operette ("Arabella", 1932) o opere buffa del XVIII secolo. ("The Silent Woman", 1934), alla pastorale antica nella rifrazione rinascimentale ("Daphne", 1937). Nonostante il noto eclettismo di stile, le opere di Strauss hanno guadagnato popolarità tra gli ascoltatori grazie alla disponibilità di musica e all'espressività delle melodie. linguaggio, un'incarnazione poetica di semplici conflitti di vita.

Da con. 19esimo secolo desiderio di creare una nazionale opera t-ra e la rinascita di tradizioni dimenticate e perdute in quest'area si manifesta nel Regno Unito, Belgio, Spagna, Danimarca, Norvegia. Tra i prodotti che hanno ricevuto il premio internazionale. riconoscimento - "Rural Romeo and Julia" F. Dilius (1901, Inghilterra), "La vita è breve" M. de Falla (1905, Spagna).

20 ° secolo mezzi contributivi. cambiamenti nella comprensione stessa del genere operistico. Già nel primo decennio del XX secolo. è stata espressa l'opinione che O. sia in uno stato di crisi e non abbia prospettive di ulteriore sviluppo. VG Karatygin scrisse nel 1911: "L'opera è l'arte del passato, in parte del presente". Come epigrafe al suo articolo "Drama and Music", ha preso la dichiarazione di VF Komissarzhevskaya: "Stiamo passando dall'opera al dramma con la musica" (raccolta "Alkonost", 1911, p. 142). Alcuni moderni zarub. gli autori propongono di abbandonare il termine "O." e sostituirlo con il concetto più ampio di "teatro musicale", dal pl. prod. Il 20 ° secolo, definito come O., non soddisfa i criteri di genere stabiliti. Il processo di interazione e compenetrazione decomp. generi, che è uno dei segni dello sviluppo della musica nel XX secolo, porta all'emergere della produzione. tipo misto, per il quale è difficile trovare una definizione univoca. O. si avvicina all'oratorio, cantata, utilizza elementi di pantomima, estr. recensioni, anche il circo. Insieme alle tecniche dell'ultimo teatro. tecnologia in O., vengono utilizzati i mezzi della cinematografia e dell'ingegneria radiofonica (le possibilità di percezione visiva e uditiva vengono ampliate con l'ausilio della proiezione di film, apparecchiature radio), ecc. con ciò si tende a distinguere tra le funzioni della musica e del teatro. azione e costruzione di forme operistiche basate su schemi a blocchi e principi di instr. musica.

In Occidente.-Europa. O. XX secolo hanno influenzato il arti. correnti, tra cui l'espressionismo e il neoclassicismo ebbero la massima importanza. Queste due tendenze opposte, sebbene a volte intrecciate, erano ugualmente opposte sia al wagnerismo che al realismo. estetica operistica, che richiede un vero riflesso dei conflitti della vita e di immagini specifiche. I principi della drammaturgia operistica espressionista furono espressi nel monodramma di A. Schoenberg "Waiting" (1909). Quasi privo di elementi esterni. azioni, questa è la produzione. si basa sulla continua forzatura di un vago, inquietante presentimento, culminante in un'esplosione di disperazione e orrore. Il misterioso simbolismo unito al grottesco caratterizza le muse. Il dramma di Schoenberg "The Happy Hand" (1913). Drammaturgia più sviluppata. L'idea è al centro del suo incompiuto. R. "Moses and Aaron" (1932), ma le sue immagini sono inverosimili e sono solo simboli della morale religiosa. rappresentazioni. A differenza di Schoenberg, il suo allievo A. Berg si è rivolto a storie di vita reale nell'opera e ha cercato di sollevare problemi sociali acuti. Grande potere del dramma. la sua espressione si distingue per O. "Wozzeck" (1921), intriso di profonda simpatia per i diseredati, gettati in mare dalla vita dai poveri, e condanna per il ben nutrito compiacimento di "chi è al potere". Allo stesso tempo, non ci sono realisti a tutti gli effetti in Wozzeck. personaggi, personaggi O. agiscono inconsciamente, a causa di inspiegabili pulsioni istintive e ossessioni. Incompiuto L'opera di Berg "Lulu" (1928-35), con un'abbondanza di momenti drammaticamente impressionanti e l'espressività della musica, è priva di significato ideologico, contiene elementi di naturalismo ed erotismo doloroso.

L'estetica operistica del neoclassicismo si basa sul riconoscimento dell'"autonomia" della musica e della sua indipendenza dall'azione rappresentata sulla scena. F. Busoni ha creato un tipo di "opera teatrale" neoclassica ("Spieloper"), caratterizzata da deliberata convenzionalità, non plausibilità dell'azione. Ha cercato di garantire che i personaggi O. "si comportino deliberatamente in modo diverso rispetto alla vita". Nella sua O. "Turandot" (1917) e "Harlequin, or Windows" (1916), ha cercato di ricreare in una forma modernizzata il tipo di italiano. commedia dell'arte. La musica di entrambi gli O., costruita sull'alternanza di brevi episodi chiusi, combina la stilizzazione con elementi del grottesco. Forme rigorose e strutturalmente finite instr. la musica è la base del suo O. "Doctor Faust" (completato da F. Yarnakh, 1925), in cui il compositore poneva profondi problemi filosofici.

I. F. Stravinsky è vicino a Busoni nelle sue opinioni sulla natura dell'arte operistica. Entrambi i compositori trattarono quello che chiamavano "verismo" con la stessa ostilità, intendendo con questa parola qualsiasi sforzo per la verosimiglianza realistica di immagini e situazioni nel teatro operistico. Stravinsky ha sostenuto che la musica non è in grado di trasmettere il significato delle parole; se il canto assume un tale compito, allora così facendo "esce dai limiti della musica". Il suo primo O. "Nightingale" (1909-14), stilisticamente contraddittorio, combina elementi di esotismo impressionisticamente colorato con un modo di scrivere più rigido e costruttivo. Un tipo particolare di russo. opera-buffa è "Moor" (1922), wok. le parti a-roy si basano sulla trasformazione ironica e grottesca delle intonazioni del romanticismo quotidiano dell'Ottocento. Il desiderio insito nel neoclassicismo per l'universalità, per l'incarnazione di idee e idee "universali", "transpersonali" in forme prive di nazionale. e certezza temporale, manifestata più chiaramente nell'O.-oratorio di Stravinsky "Oedipus Rex" (basato sulla tragedia di Sofocle, 1927). L'impressione di alienazione è facilitata dal libre, scritto in un moderno incomprensibile. ascoltatore di latino lingua. Utilizzando le forme dell'antica opera barocca in combinazione con elementi del genere dell'oratorio, il compositore si è deliberatamente adoperato per una rappresentazione teatrale. immobilità, statuaria. Il suo melodramma Persefone (1934) ha un carattere simile, in cui le forme operistiche si combinano con la recitazione e la danza. pantomima. In O. "Le avventure del rastrello" (1951), per incarnare la trama satirico-moralizzante, Stravinsky si rivolge alle forme del fumetto. opere del XVIII secolo, ma introduce alcune caratteristiche del romantico. fantasia e allegoria.

L'interpretazione neoclassica del genere operistico era anche caratteristica di P. Hindemith. Avendo dato a O. 20s. noto tributo alle tendenze decadenti della moda, nel suo periodo maturo di creatività si è rivolto a idee su larga scala di un piano intellettualizzato. Nel monumentale O. su una trama dell'era delle guerre contadine in Germania, "Artist Mathis" (1935) sullo sfondo di dipinti di cuccette. il movimento mostra la tragedia dell'artista, che rimane solo e non riconosciuto. O. "The Harmony of the World" (1957), il cui eroe è l'astronomo Keplero, si distingue per la complessità e la composizione multipla della composizione. Congestione dell'astratto razionalista. il simbolismo fa questa produzione. difficile da percepire per l'ascoltatore e drammaturgicamente di scarso effetto.

In it. O. XX secolo una delle manifestazioni del neoclassicismo fu l'appello dei compositori alle forme e alle immagini tipiche dell'arte operistica dei secoli XVII-XVIII. Questa tendenza ha trovato espressione, in particolare, nell'opera di J. F. Malipiero. Tra le sue opere. per la musica t-ra - cicli di miniature d'opera "Orpheids" ("Death of Masks", "Seven Songs", "Orpheus, or the Eighth Song", 1919-22), "Three Goldoni Comedies" ("Coffee House", "Signor Todero the Grump" , "Kyodzhin skirmishes", 1926), oltre a grandi eventi storici e tragici. O. "Giulio Cesare" (1935), "Antonio e Cleopatra" (1938).

Le tendenze neoclassiche si manifestarono parzialmente nei francesi. teatro dell'opera degli anni 20-30, ma qui non hanno ricevuto successivi, finiti. espressioni. A. Honegger lo ha espresso nella sua attrazione per i temi antichi e biblici come fonte di valori morali universali "eterni". Nel tentativo di generalizzare le immagini, conferendo loro un carattere "sovratemporale", ha avvicinato O. all'oratorio, a volte introdotto nelle sue opere. elementi liturgici. Allo stesso tempo, la musica il linguaggio della sua op. caratterizzato da un'espressività vivace e vivida, il compositore non ha evitato i giri di canzoni più semplici. Unità prod. Honegger (tranne per scritto insieme a J. Iber e non di grande valore O. "Eaglet", 1935), che può essere chiamato O. nel suo. senso della parola, è "Antigone" (1927). Opere come "King David" (1921, 3a edizione, 1924) e "Judith" (1925) dovrebbero piuttosto essere classificate come drammi. oratorio, sono più stabili in conc. repertorio che sul palcoscenico dell'opera. Lo stesso compositore ha dato questa definizione a una delle sue opere più significative. "Giovanna d'Arco al rogo" (1935), da lui concepita come uno spettacolo popolare di massa eseguito all'aria aperta... Diversificata nella composizione, l'opera operistica alquanto eclettica di D. Milhaud rifletteva anche temi antichi e biblici ("Eumenidi", 1922 ; "Medea", 1938; "David", 1953) Nella sua trilogia latinoamericana "Cristoforo Colombo" (1928), "Massimiliano" (1930) e "Bolivar" (1943), Milhaud resuscita il tipo di grande personaggio storico-romantico La prima di queste espressioni musicali è particolarmente su larga scala, in cui la visualizzazione di vari piani d'azione viene raggiunta simultaneamente con l'aiuto di complesse tecniche politonali nella musica e l'uso dei più recenti mezzi della tecnologia teatrale, tra cui Un tributo alle tendenze veriste era il suo O. "The Poor Sailor" (1926).Il più grande successo fu il ciclo di miniature d'opera di Milhaud ("opera-minuti"), basato sulla rifrazione parodica di trame mitologiche: "The Rape of Europa", "The Arianna abbandonata" e "La liberazione di Teseo" (1927).

Insieme a un appello alle maestà. immagini dell'antichità, del mondo biblico semi-leggendario o del Medioevo nell'opera operistica degli anni '20. c'è una tendenza all'attualità acuta dei contenuti e all'immediatezza. risposta ai fenomeni del moderno la realtà. A volte questo si limitava alla ricerca del sensazionalismo a buon mercato e portava alla creazione della produzione. personaggio leggero, semi-farsa. In O. "Jump over the shadow" (1924) e "Johnny plays" (1927) E. Kreneka colora ironicamente l'immagine del moderno. borghese la morale è presentata sotto forma di un eccentrico intrattenimento. Teatro. azione con musica eclettica che combina urbano ritmi ed elementi di jazz con un testo banale. melodia. Anche il satirico si esprime superficialmente. un elemento in O. "From Today to Tomorrow" di Schoenberg (1928) e "News of the Day" di Hindemith (1929), che occupano episodi. posto nelle opere di questi compositori. Più decisamente incarnato social-critico. tema nel teatro musicale. prod. K. Weil, scritto in collaborazione con B. Brecht - "The Threepenny Opera" (1928) e "The Rise and Fall of the City of Mahagonny" (1930), in cui vengono criticate anche le critiche satiriche. esponendo le fondamenta del capitalismo. edificio. Questi prodotti rappresentano un nuovo tipo di opera canora, fortemente rilevante nei contenuti, indirizzata a un'ampia comunità democratica. pubblico. La base della loro musica semplice, chiara e comprensibile è il dec. generi contemporanei. musica di massa. vita.

Viola audacemente i consueti canoni operistici di P. Dessau nella sua O. sui testi di Brecht - "La condanna di Lucullo" (1949), "Puntila" (1960), contraddistinti dall'acutezza e dalla rigidità delle muse. significa, un'abbondanza di effetti teatrali inaspettati, l'uso di elementi eccentrici.

La tua musica. t-r, basato sui principi di democrazia e accessibilità, è stato creato da K. Orff. Le origini del suo t-ra sono diverse: il compositore si è rivolto ad altri greci. tragedia, entro la metà del secolo. misteri, a Nar. giochi teatrali e spettacoli farseschi, drammi combinati. azione con epico narrazione, combinando liberamente il canto con la conversazione e la recitazione ritmica. Nessuna delle scene prod. Orpah non è O. nel senso comune. Ma ognuno di loro ha una definizione. musicale-drammaturgico. intenzione e la musica non si limita a funzioni puramente applicate. Rapporto tra musica e palcoscenico L'azione varia a seconda della creatività specifica. compiti. Tra le sue opere. le scene risaltano. cantata "Carmina Burana" (1936), favolosamente allegorica. musica commedie che combinano elementi di O. e dramma. spettacoli, "Moon" (1938) e "Clever Girl" (1942), musica. dramma "Bernauerin" (1945), una specie di musica. restauro antico. tragedie - "Antigone" (1949) e "Edipo Rex" (1959).

Allo stesso tempo, alcuni importanti compositori, Ser. Il Novecento, aggiornando le forme ei mezzi di espressione operistica, non si è discostato dalle tradizioni. le basi del genere. Quindi, B. Britten ha mantenuto i diritti del melodioso wok. melodie come ch. mezzo per trasmettere lo stato d'animo dei personaggi. Nella maggior parte delle sue esibizioni, l'intenso sviluppo è combinato con episodi ariosi, ensemble e cori estesi. scene. Tra i più cattivi. prod. Britten - dramma quotidiano dai colori espressionistici "Peter Grimes" (1945), camera O. "The Desecration of Lucretia" (1946), "Albert Herring" (1947) e "The Turn of the Screw" (1954), favolosamente romantico. O. "Sogno di una notte di mezza estate" (1960). Nell'opera operistica di G. Menotti, le tradizioni veriste hanno ricevuto una rifrazione modernizzata in combinazione con alcune caratteristiche dell'espressionismo (Medium, 1946; Consul, 1950, ecc.). F. Poulenc ha sottolineato la sua fedeltà al classico. tradizioni, richiamando nella dedica O. "Dialoghi dei Carmelitani" (1956) i nomi di C. Monteverdi, M. P. Mussorgsky e C. Debussy. Uso flessibile degli strumenti wok. l'espressività è il lato più forte del monodramma "The Human Voice" (1958). Il fumetto si distingue anche per la melodia brillante. L'opera di Poulenc "Breasts of Tiresias" (1944), nonostante il surreale. assurdità ed eccentricità della scena. Azioni. Il sostenitore di O. preim. wok. il tipo è X. V. Henze ("The Stag King", 1955; "Prince of Homburg", 1960; "Bassarids", 1966, ecc.).

Insieme alla varietà di forme e stilistiche Tendenze del XX secolo caratterizzato da un'ampia varietà di nazionali scuole. Alcuni di loro raggiungono l'estero per la prima volta. riconoscere e affermare la propria indipendenza. posto nello sviluppo dell'arte operistica mondiale. B. Bartok ("Il castello del duca di Barbablù", 1911) e Z. Kodaly ("Hari Janos", 1926; "Sekey spinning mill", 1924, 2a ed. 1932) introdussero nuove immagini e mezzi di drammaturgia musicale. espressività in ungherese O., tenendosi in contatto con il nat. tradizioni e facendo affidamento sull'intonazione. costruire appeso. nar. musica. Il primo esemplare maturo di Bolg. nat. O. era "Tsar Kaloyan" di P. Vladigerov (1936). Per l'arte operistica dei popoli della Jugoslavia, il lavoro di J. Gotovac è stato particolarmente importante (il suo O. "Ero from the Other World", 1935, è il più popolare).

Un tipo profondamente originale di Amer. nat. O. è stato creato da J. Gershwin sulla base di Afro-Amer. musica folklore e tradizioni del Negro. "teatro dei menestrelli". Una storia emozionante dalla vita di un negro. povero in combinazione con express. e musica accessibile, utilizzando elementi di blues, spiritual e danze jazz. i ritmi gli hanno portato la popolarità mondiale di O. "Porgy and Bess" (1935). Nazionale O. si sviluppa in un certo numero di Lat.-Amer. Paesi. Uno dei fondatori di Argent. opera t-ra F. Boero ha creato opere ricche di elementi folcloristici. su scene della vita di gauchos e contadini ("Rakela", 1923; "Robbers", 1929).

In con. anni '60 in Occidente sorse un genere speciale di "opera rock", utilizzando i mezzi del moderno. varietà e musica domestica. Un esempio popolare di questo genere è Christ Superstar (1970) di E. L. Webber.

Eventi del 20° secolo - l'offensiva del fascismo in un certo numero di paesi, la seconda guerra mondiale del 1939-45, la lotta delle ideologie fortemente aggravata - costrinse molti artisti a definire più chiaramente la loro posizione. Nuovi temi sono apparsi nella causa, e O. In O. "Guerra" di R. Rossellini (1956), "Antigone 43" di L. Pipkov (1963), la guerra viene denunciata, portando gravi sofferenze e morte alla gente comune. . Indicato come "Oh". prod. L. Nono "Intolerance 1960" (nella nuova edizione di "Intolerance 1970") esprime la rabbiosa protesta del compositore comunista contro le guerre coloniali, l'attacco ai diritti dei lavoratori, la persecuzione dei combattenti per la pace e la giustizia nel capitalismo . Paesi. Associazioni dirette ed esplicite con la modernità sono causate anche da opere come "The Prisoner" ("Prisoner") di L. Dallapikkola (1948), "Simplicius Simplicissimus" di K. A. Hartman (1948), "Soldiers" di B. A. Zimmerman ( 1960) , sebbene siano basati su trame classiche. litri. K. Penderetsky in O. "Devils from Loudin" (1969), che mostra il Medioevo. fanatismo e fanatismo, denuncia indirettamente l'oscurantismo fascista. Queste op. diverso nello stile. orientamento, e un tema moderno o vicino al moderno non è sempre interpretato in essi da posizioni ideologiche chiaramente consapevoli, ma riflettono una tendenza generale verso una connessione più stretta con la vita, un'intrusione attiva nei suoi processi, osservata nel lavoro dei progressisti paesi stranieri . artisti. Allo stesso tempo, nell'app operistica art-ve. i paesi manifestano distruttive anti-arti. tendenze moderne. "avanguardia", portando alla completa disintegrazione di O. come musical-drammatico. genere. Tale è il "Teatro di Stato" "anti-opera" di M. Kagel (1971).

In URSS, lo sviluppo di O. era indissolubilmente legato alla vita del paese, alla formazione dei gufi. musica e teatro. cultura. Kser. anni '20 includere i primi tentativi, per molti aspetti ancora imperfetti, di creare una O. su una trama della modernità o del nar. rivoluzionario movimenti del passato. Dip. reperti interessanti includono opere come "Ice and Steel" di V.V. Deshevov, "Northern Wind" di L.K. Knipper (entrambi del 1930) e alcuni altri. O. soffre di schematismo, mancanza di vita delle immagini, eclettismo delle muse. lingua. Il digiuno era un evento importante. nel 1926 O. "Love for three oranges" di S. S. Prokofiev (op. 1919), che si rivelò essere vicino ai gufi. arti. cultura con il suo umorismo che afferma la vita, il dinamismo e la vivida teatralità. Dott. i lati del talento di Prokofiev come drammaturgo sono apparsi in O. "The Gambler" (2a edizione, 1927) e "Fiery Angel" (1927), che si distinguono per il dramma intenso, la padronanza della psicologia acuta e ben mirata. caratteristiche, penetrazione sensibile nell'intonazione. struttura del linguaggio umano. Ma questi prodotti compositore, che allora visse all'estero, passò all'attenzione dei gufi. il pubblico. Il significato innovativo della drammaturgia operistica di Prokofiev fu pienamente apprezzato in seguito, quando Sov. O. è salito a un livello superiore, superando il noto primitivismo e l'immaturità dei primi esperimenti.

Le discussioni acute furono accompagnate dall'apparizione di O. "The Nose" (1929) e "Lady Macbeth of the Mtsensk District" ("Katerina Izmailova", 1932, nuova edizione 1962) di D. D. Shostakovich, che furono presentate davanti ai gufi. teatro musicale rivendicare una serie di grandi e seri compiti innovativi. Queste due O. hanno un valore disuguale. Se "The Nose" con la sua straordinaria ricchezza di finzione, rapidità d'azione e caleidoscopico. tremolanti immagini-maschere appuntite in modo grottesco era un esperimento audace, a volte provocatoriamente audace di un giovane compositore, poi "Katerina Izmailova" - produzione. maestri, collegando la profondità dell'idea con l'armonia e la premura del musical e della drammaturgia. incarnazione. La verità crudele e spietata della rappresentazione dei lati terribili del vecchio mercante. la vita, sfigurando e distorcendo la natura umana, mette questa O. alla pari delle grandi creazioni del russo. realismo. Shostakovich per molti aspetti si avvicina qui a Mussorgsky e, sviluppando le sue tradizioni, dà loro un nuovo, moderno. suono.

I primi successi nell'incarnazione dei gufi. i temi del genere operistico appartengono al mezzo. anni '30 Melodich. freschezza della musica basata sull'intonazione. costruire gufi. canzone di massa, attirò l'attenzione di O. "Quiet Don" II Dzerzhinsky (1935). Questa è una produzione servito come prototipo del prevalente nel 2 ° piano. anni '30 "opera canzone", in cui la canzone era l'elemento principale delle muse. drammaturgia. La canzone è stata utilizzata con successo come mezzo per i drammi. Caratteristiche delle immagini in O. "Into the Storm" di T. N. Khrennikova (1939, nuova edizione 1952). Ma seguiranno. l'attuazione dei principi di questa direzione ha portato alla semplificazione, al rifiuto della diversità e alla ricchezza dei mezzi del dramma operistico. espressività accumulata nei secoli. Tra gli anni '30. sui gufi. tema come prodotto grande dramma. forza e arti superiori. spicca la maestria "Semyon Kotko" di Prokofiev (1940). Il compositore è riuscito a creare immagini di rilievo e vitalmente veritiere della gente comune, per mostrare la crescita e il riforgiamento della loro coscienza nel corso della rivoluzione. lotta.

Gufi. Le opere liriche di questo periodo sono diverse sia nel contenuto che nel genere. Moderno il soggetto è stato determinato da Ch. direzione del suo sviluppo. Allo stesso tempo, i compositori si sono rivolti a trame e immagini della vita di diversi popoli e storici. epoche. Tra i migliori gufi. Anni '30. - "Cola Breugnon" ("The Master of Clamcy") di D. B. Kabalevsky (1938, 2a edizione 1968), che si distingue per la sua alta sinfonia. abilità e sottile penetrazione nel carattere dei francesi. nar. musica. Prokofiev ha scritto un fumetto dopo Semyon Kotko. O. "Fidanzamento in un monastero" ("Duenna", 1940) su una trama vicina all'opera buffa del XVIII secolo. A differenza del suo primo O. "The Love for Three Oranges", qui non opera teatro condizionale. maschere e persone viventi dotate di sentimenti genuini e sinceri, brillantezza comica e umorismo si combinano con un leggero lirismo.

Durante il periodo della Grande Patria. soprattutto la guerra del 1941-45 aumentò l'importanza del patriottismo. Temi. Realizza eroico. impresa di gufi persone nella lotta contro il fascismo era Ch. il compito di tutti i tipi di azioni legali. Gli eventi degli anni della guerra si riflettevano anche nel lavoro operistico dei gufi. compositori. Tuttavia, l'O., sorto durante gli anni della guerra e sotto la sua diretta influenza, si è rivelato per lo più artisticamente difettoso e interpretando superficialmente il tema. Più mezzi. O. per i militari. L'argomento è stato creato poco dopo, quando si è formata la già nota "distanza temporale". Tra questi spiccano "The Family of Taras" di Kabalevsky (1947, 2a edizione 1950) e "The Tale of a Real Man" di Prokofiev (1948).

Influenzato dal patriottico l'impennata degli anni della guerra, nacque l'idea di "Guerra e pace" di O. Prokofiev (1943, 2a edizione 1946, edizione finale 1952). È complesso e multicomponente nella sua drammaturgia. concetti di produzione unisce l'eroismo. nar. epico con una lirica intima. dramma. La composizione di O. si basa sull'alternanza di monumentali scene di massa, scritte a grandi tratti, con episodi sottilmente e dettagliati di carattere da camera. Prokofiev si manifesta contemporaneamente in "Guerra e pace". e come profondo drammaturgo-psicologo e come artista della potente epopea. magazzino. Storico Il tema era altamente artistico. incarnazione in O. "Decembrists" Yu. A. Shaporin (post. 1953): nonostante la ben nota mancanza di drammaticità. efficacia, il compositore è riuscito a trasmettere l'eroico. il pathos dell'impresa dei combattenti contro l'autocrazia.

Periodo di truffa. Anni '40 - presto. anni '50 nello sviluppo dei gufi. O. era complesso e controverso. Insieme ai mezzi. i risultati in questi anni sono stati particolarmente fortemente influenzati dalla pressione del dogmatico. installazioni, che hanno portato a sottovalutare le più grandi conquiste della creatività operistica, limitando la creatività. ricerche, talvolta a supporto di scarso valore nelle arti. per quanto riguarda le opere semplicistiche. Alla discussione del 1951 su questioni operistiche, tali "opere effimere", "opere di pensieri meschini e sentimenti meschini" furono aspramente criticate, e fu sottolineata la necessità di "padroneggiare l'abilità del dramma operistico nel suo insieme, tutte le sue componenti". Al 2° piano. anni '50 c'è stata una nuova impennata nella vita dei gufi. t-ra operistica, le opere di maestri come Prokofiev e Shostakovich, che erano stati ingiustamente condannati in precedenza, furono restaurate e il lavoro dei compositori sulla creazione di nuove opere operistiche fu intensificato. Un importante ruolo positivo nello sviluppo di questi processi fu svolto dalla risoluzione del Comitato Centrale del PCUS del 28 maggio 1958 "Sulla correzione degli errori nella valutazione delle opere La grande amicizia", ​​"Bogdan Khmelnitsky" e "Dal cuore" ".

60-70 caratterizzato da un'intensa ricerca di nuove strade nell'opera. La gamma di compiti si sta espandendo, compaiono nuovi temi, alcuni degli argomenti che i compositori hanno già affrontato per trovare una diversa incarnazione, altri iniziano ad essere applicati con più audacia. esprimerà. mezzi e forme della drammaturgia operistica. Uno dei più importanti è il tema di ottobre. rivoluzione e la lotta per l'approvazione del Soviet. autorità. Nella "tragedia ottimista" di A. N. Kholminov (1965), alcuni aspetti della "opera canzone" sono arricchiti dallo sviluppo della musica. le forme sono ingrandite, drammaturgia importante. il coro acquista significato. scene. Il coro è ben sviluppato. un elemento in O. "Virineya" di S. M. Slonimsky (1967), il cui aspetto più notevole è l'interpretazione originale del materiale delle canzoni popolari. Le forme delle canzoni divennero la base di O. "October" (1964) di V. I. Muradeli, dove, in particolare, si tentò di caratterizzare l'immagine di V. I. Lenin attraverso la canzone. Tuttavia, lo schematismo delle immagini, la discrepanza tra le muse. linguaggio al piano del monumentale folk-eroico. O. ridurre il valore di questo lavoro. Alcuni t-rami hanno condotto interessanti esperimenti nella creazione di spettacoli monumentali nello spirito delle cuccette. azioni di massa basate sulla produzione teatrale. genere oratorio ("Patetico oratorio" di G. V. Sviridov, "July Sunday" di V. I. Rubin).

Nell'interpretazione dei militari temi, c'è stata una tendenza, da un lato, alla generalizzazione del piano oratorio, dall'altro, a quello psicologico. approfondimento, divulgazione di eventi vsenar. valori rifratti attraverso la percezione di otd. personalità. In O. "The Unknown Soldier" di K. V. Molchanov (1967) non ci sono personaggi viventi specifici, i suoi personaggi sono solo portatori delle idee del generale. impresa. Dott. l'approccio all'argomento è tipico di "Il destino di un uomo" Dzerzhinsky (1961), dove direttamente. la trama è una biografia umana. Questa è una produzione non appartiene, tuttavia, al creativo. buona fortuna gufo Oh, l'argomento non è completamente divulgato, la musica soffre di melodrammatismo superficiale.

Un'interessante esperienza del moderno lirica Oh, consacrato problemi di relazioni personali, lavoro e vita nelle condizioni dei gufi. realtà, è "Non solo amore" R. K. Shchedrin (1961). Il compositore usa sottilmente dec. tipi di canzoncine e nar. instr. melodie per caratterizzare la vita ei personaggi del borgo contadino collettivo. O. "Dead Souls" dello stesso compositore (secondo N.V. Gogol, 1977) si distingue per una nitida caratteristica della musica, riproduzione accurata delle intonazioni del parlato in combinazione con il canto del popolo. magazzino.

Una soluzione nuova e originale istorich. l'argomento è riportato in O. "Peter I" di A.P. Petrov (1975). L'attività del grande riformatore si rivela in una serie di dipinti di ampio carattere di affresco. Nella musica di O. appare una connessione con il russo. classici dell'opera, ma allo stesso tempo il compositore gode di un acuto contemporaneo. significa realizzare un teatro vibrante. effetti.

Nel genere commedia. O. spicca "The Taming of the Shrew" di V. Ya Shebalin (1957). Continuando la linea di Prokofiev, l'autore unisce la commedia al lirico e, per così dire, resuscita le forme e lo spirito generale del vecchio classico. O. nel nuovo, moderno. forma. Melodich. la luminosità della musica è diversa dal fumetto. O. "Genoro senza radici" Khrennikov (1967; nella prima edizione di "Frol Skobeev", 1950) in russo. trama storica e domestica.

Una delle nuove tendenze dell'opera negli anni '60 e '70 è il crescente interesse per il genere dell'opera da camera per un piccolo numero di attori o mono-opera, in cui tutti gli eventi sono mostrati attraverso il prisma della coscienza individuale di un personaggio. Questo tipo include Notes of a Madman (1967) e White Nights (1970) di Yu. M. Butsko, Kholminov's Overcoat and Carriage (1971), Anne Frank's Diary di G. S. Frid (1969) e così via.

Gufi. O. si distingue per la ricchezza e la diversità della nat. scuole, to-rye, con una comunanza di fondamentali ideologici ed estetici. principi hanno ciascuno le proprie caratteristiche. Dopo la vittoria dell'ott. La rivoluzione è entrata in una nuova fase del suo sviluppo Ukr. A. Importanza per la crescita del nat. opera t-ra in Ucraina aveva un posto. prodotto eccezionale. ucraino classici dell'opera "Taras Bulba" di N. V. Lysenko (1890), che vide la luce per la prima volta nel 1924 (a cura di L. V. Revutsky e B. N. Lyatoshinsky). Negli anni 20-30. un certo numero di nuovi O. ukr. compositori in Sov. e storico (dalla storia dei movimenti rivoluzionari popolari) temi. Uno dei migliori gufi. O. di quel tempo sugli eventi di Grad. la guerra era O. "Shchors" Lyatoshinsky (1938). Yu. S. Meitus pone vari compiti nel suo lavoro operistico. La sua O. "Young Guard" (1947, 2a edizione 1950), "Dawn over the Dvina" ("Northern Dawns", 1955), "Stolen Happiness" (1960), "The Ulyanov Brothers" (1967) hanno guadagnato fama. Coro di canzoni. gli episodi sono il lato forte dell'eroico-storico. O. "Bogdan Khmelnitsky" di K. F. Dankevich (1951, 2a edizione 1953). O. "Milana" (1957), "Arsenal" (1960) di G. I. Maiboroda sono saturi della melodia della canzone. Per aggiornare il genere operistico e una varietà di drammaturgia. V. S. Gubarenko, che ha fatto il suo debutto nel 1967, cerca decisioni: la morte dello squadrone.

Molti popoli dell'URSS nat. Le scuole d'opera sono emerse o hanno raggiunto il pieno sviluppo solo dopo il 18 ottobre. rivoluzione, che li ha portati politici. e liberazione spirituale. Negli anni '20. carico approvato. scuola d'opera, classica campioni dei quali erano "Abesalom and Eteri" (completato nel 1918) e "Daisi" (1923) Z. P. Paliashvili. Nel 1926 fu completata anche la posta. O. "Tamar Tsbieri" ("Cunning Tamara", 3a edizione con il titolo "Darejan Tsbieri", 1936) M. A. Balanchivadze. Il primo grande armeno O. - "Almast" A. A. Spendiarov (costruito nel 1930, Mosca, 1933, Yerevan). U. Gadzhibekov, che ha iniziato nel 1900. lotta per la creazione dell'Azerbaigian. musical t-ra (mugham O. "Leyli and Majnun", 1908; commedia musicale "Arshin mal alan", 1913, ecc.), scrisse nel 1936 una grande epopea eroica. O. "Ker-ogly", che, insieme a "Nergiz" di A. M. M. Magomayev (1935), divenne la base della nazionale. repertorio operistico in Azerbaigian. Significa. ruolo nella formazione dell'Azerbaigian. O. ha anche interpretato Shakhsenem di RM Glier (1925, 2a edizione, 1934). Giovane Nazionale O. nelle repubbliche transcaucasiche si basava su fonti folcloristiche, sui temi di nar. epico ed eroico pagine della sua nazionale del passato. Questa linea di nazionale epico O. è stato continuato su un diverso, più moderno. stilistico base in opere come "David-bek" di A. T. Tigranyan (post. 1950, 2a edizione 1952), "Sayat-Nova" di A. G. Harutyunyan (1967) - in Armenia, "La mano destra dei grandi maestri" Sh. M Mshvelidze e "Mindiya" O. V. Taktakishvili (entrambi del 1961) - in Georgia. Uno degli azeri più popolari. O. divenne "Sevil" di F. Amirov (1952, nuova edizione 1964), in cui il dramma personale si intreccia con le vicende del grande pubblico. valori. Il tema della formazione del Soviet. autorità in Georgia Il furto della luna di A. Taktakishvili (1976).

Negli anni '30. i fondamenti della nazionale opera t-ra nelle repubbliche mer. Asia e Kazakistan, tra alcuni popoli della regione del Volga e della Siberia. Creature. assistenza nella creazione del proprio cittadino O. ha fornito a questi popoli il russo. compositori. Il primo uzbeko O. "Farkhad and Shirin" (1936) è stato creato da V. A. Uspensky sulla base dello stesso nome. Teatro. commedie, che includevano Nar. canzoni e parti di mugham. Il percorso dal dramma con la musica a O. era caratteristico di un certo numero di persone che in passato non avevano un professionista sviluppato. musica cultura. Nar. musica il dramma "Leyli e Majnun" è servito come base per O. con lo stesso nome, scritto nel 1940 da Glier insieme. dall'uzbeco. compositore-melodista T. Jalilov. Ha collegato fermamente le sue attività con l'uzbeko. musica cultura A. F. Kozlovsky, che ha creato il nat. materiale una grande storia. O. "Ulugbek" (1942, 2a edizione 1958). SA Balasanyan è l'autore del primo taj. O. "Vose Uprising" (1939, 2a edizione 1959) e "Kova the Blacksmith" (con Sh. N. Bobokalonov, 1941). Primo Kirg. O. "Aichurek" (1939) è stato creato da V. A. Vlasov e V. G. Fere insieme. con A. Maldybayev; in seguito scrissero anche "Manas" (1944), "Toktogul" (1958). Muse. drammi e opere di E. G. Brusilovsky "Kyz-Zhybek" (1934), "Zhalbyr" (1935, 2a edizione 1946), "Er-Targyn" (1936) gettarono le basi per il kazako. Teatro musicale. Creazione dei Turchi. musica Il teatro risale alla produzione dell'opera "Zohre and Tahir" di A. G. Shaposhnikov (1941, nuova edizione insieme a V. Mukhatov, 1953). Successivamente, lo stesso autore scrisse un'altra serie di O. in turkmeno. nat. materiale, compreso il giunto. con D. Ovezov "Shasen e Garib" (1944, 2a edizione 1955). Nel 1940 apparvero i primi Buriati. O. - "Enkhe - Bulat-Bator" di M. P. Frolov. Nello sviluppo della musica T-ra tra i popoli della regione del Volga e dell'Estremo Oriente ha contribuito anche a L. K. Knipper, G. I. Litinsky, N. I. Peiko, S. N. Ryauzov, N. K. Chemberdzhi e altri.

Tuttavia, già da con. anni '30 in queste repubbliche vengono nominati i propri talentuosi compositori di rappresentanti delle nazionalità indigene. Nel campo dell'opera, N. G. Zhiganov, autore del primo tat. O. "Kachkyn" (1939) e "Altynchach" (1941). Uno dei suoi migliori O. - "Jalil" (1957) ha ricevuto riconoscimenti al di fuori di Tat. SSR. K significa. successi della Nazionale musica cultura appartengono a "Birzhan and Sara" di M. T. Tulebaev (1946, SSR kazako), "Khamza" di S. B. Babaev e "Tricks of Maysara" di S. A. Yudakov (entrambi 1961, SSR uzbeko), "Pulat and Gulru" (1955) e "Rudaki" (1976) di Sh. S. Sayfiddinov (Tajik SSR), "Brothers" di D. D. Ayusheev (1962, Buryat ASSR), "Highlanders" di Sh. R. Chalaev ( 1971, Dag. ASSR) e altri.

Bielorusso nell'opera. compositori il posto principale è stato preso dai gufi. soggetto. Rivoluzioni e civili. guerra dedicata. O. "Mikhas Podgorny" di E. K. Tikotsky (1939), "Nelle foreste di Polesie" di A. V. Bogatyrev (1939). Lotta bielorussa. partigiani durante la Grande Guerra Patriottica. la guerra si rifletteva in O. "Ales" Tikotsky (1944, nella nuova edizione di "The Girl from Polesie", 1953). In questi prodotti Il bielorusso è ampiamente utilizzato. folclore. O. "The Flower of Happiness" di A. E. Turenkov (1939) si basa anche su materiale di canzoni.

Durante la lotta per il Soviet il potere nelle repubbliche baltiche veniva esercitato post. i primi lettoni. O. - "Banyuta" di A. Ya. Kalnin (1919) e la dilogia dell'opera "Fire and Sword" di Janis Medin (1a parte 1916, 2a parte 1919). Insieme a O. "In the fire" Kalnin (1937) questi lavori. divenne la base della nazionale repertorio operistico in Lettonia. Dopo l'ingresso di Latv. repubbliche dell'URSS nell'opera operistica del lettone. i compositori si riflettono in nuovi temi, lo stile e la musica vengono aggiornati. lingua O. Tra i moderni. gufi. Lettone. I laghi sono famosi per Towards a New Shore (1955), The Green Mill (1958) di MO Zarinya e The Golden Horse di A. Zhilinskis (1965). In Lituania, le basi della nazionale opera t-ra sono state poste all'inizio. 20 ° secolo le opere di M. Petrauskas - "Birute" (1906) e "Eglė - Regina dei serpenti" (1918). Il primo gufo illuminato. O. - "Il villaggio vicino alla tenuta" ("Paginerai") S. Shimkus (1941). Negli anni '50. O. appare sullo storico. ("Pilenai" V. Yu. Klova, 1956) e moderno. ("Marite" A. I. Rachyunas, 1954) temi. Una nuova tappa nello sviluppo di litas. O. è rappresentato da "Lost Birds" di V. A. Laurusas, "At the Crossroads" di V. S. Paltanavichyus (entrambi del 1967). In Estonia già nel 1906 c'era un posto. O. "Sabina" di A. G. Lemba (1906, 2a edizione "Figlia di Lembit", 1908) sul nazionale. trama con musica basata su est. nar. melodie. In con. anni '20 apparvero altre opere operistiche. dello stesso compositore (tra cui The Maiden of the Hill, 1928), The Vickers di E. Aava (1928), Kaupo di A. Vedro (1932), e altri, una solida e ampia base per lo sviluppo della musica nazionale . L'O. è stato creato dopo l'ingresso dell'Estonia nell'URSS. Uno dei primi est. gufi. O. è "Pühajärv" di G. G. Ernesaks (1946). Moderno il tema si rifletteva in O. "The Fires of Vengeance" (1945) e "The Singer of Freedom" (1950, 2a edizione 1952) di EA Kapp. La "Casa di ferro" di E. M. Tamberg (1965), "Il volo del cigno" di V. R. Tormis furono contrassegnate da nuove ricerche.

Successivamente, la cultura dell'opera iniziò a svilupparsi in Moldavia. La prima O. sullo stampo. lingua e nazionale le trame compaiono solo nella seconda metà. anni '50 Domnika di A. G. Styrcha (1950, 2a edizione 1964) gode di popolarità.

In connessione con l'ampio sviluppo dei mass media nel 20 ° secolo. c'erano tipi speciali di radio e teleopera, creati tenendo conto dello specifico. condizioni percettive durante l'ascolto alla radio o dallo schermo televisivo. All'estero paesi, un certo numero di O. furono scritti appositamente per la radio, tra cui Columbus di V. Egk (1933), The Old Maid and the Thief di Menotti (1939), The Country Doctor di Henze (1951, nuova edizione 1965) , "Don Chisciotte" di Iber (1947). Alcuni di questi O. erano anche sul palco (ad esempio, "Columbus"). Le opere televisive sono state scritte da Stravinsky ("The Flood", 1962), B. Martin ("Marriage" e "How People Live", entrambi del 1952), Kshenec ("Calculated and Played", 1962), Menotti ("Amal and the Night Guests", 1951 ; "Labyrinth", 1963) e altri importanti compositori. In URSS, opere radiofoniche e televisive come tipi speciali di produzioni. non sono stati ampiamente adottati. Le opere scritte appositamente per la televisione da V. A. Vlasov e V. G. Fere (The Witch, 1961) e V. G. Agafonnikov (Anna Snegina, 1970) hanno la natura di singoli esperimenti. Gufi. la radio e la televisione seguono la strada della creazione di montaggi e musica letteraria. composizioni o adattamenti di famose opere d'opera. classico e moderno autori.

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OPERA RUSSA. La scuola lirica russa - insieme a quella italiana, tedesca, francese - è di importanza mondiale; Ciò riguarda principalmente una serie di opere create nella seconda metà del XIX secolo, nonché diverse opere del XX secolo. Una delle opere più apprezzate sulla scena mondiale alla fine del XX secolo. - Boris Godunov MP Mussorgsky, spesso messo anche regina di spade PI Tchaikovsky (raramente le sue altre opere, principalmente Eugenio Onegin); gode di grande fama Principe Igor AP Borodin; di 15 opere di N.A. Rimsky-Korsakov appare regolarmente Il galletto d'oro. Tra le opere del Novecento. il più repertorio Angelo di fuoco S.S. Prokofiev e Lady Macbeth del distretto di Mtsensk DD Shostakovich. Naturalmente, questo non esaurisce la ricchezza della scuola lirica nazionale. Guarda anche MUSICA LIRICA.

L'aspetto dell'opera in Russia (XVIII secolo). L'opera è stato uno dei primi generi dell'Europa occidentale a mettere radici sul suolo russo. Già negli anni Trenta del Settecento fu creata un'opera di corte italiana, per la quale scrissero musicisti stranieri che lavoravano in Russia ( cm. MUSICA RUSSA); nella seconda metà del secolo compaiono rappresentazioni operistiche pubbliche; le opere vengono messe in scena anche nei teatri della fortezza. La prima opera russa è considerata Melnik: uno stregone, un ingannatore e un sensale Mikhail Matveyevich Sokolovsky su un testo di AO Ablesimov (1779) è una commedia quotidiana con numeri musicali di natura canora, che ha gettato le basi per una serie di opere popolari di questo genere: una delle prime opere comiche. Tra questi spiccano le opere di Vasily Alekseevich Pashkevich (1742-1797 circa) ( Avaro, 1782; San Pietroburgo Gostiny Dvor, 1792; Guai dalla carrozza, 1779) e Evstigney Ipatovich Fomin (1761-1800) ( Cocchieri su una base, 1787; americani, 1788). Nel genere dell'opera seria, due opere del più grande compositore di questo periodo, Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751–1825), furono scritte su libretti francesi: Falco(1786) e Rival Son, o Modern Stratonics(1787); ci sono interessanti esperimenti nei generi del melodramma e della musica per una performance drammatica.

Opera prima di Glinka (XIX secolo). Nel secolo successivo, la popolarità del genere operistico in Russia cresce ancora di più. L'opera era l'apice delle aspirazioni dei compositori russi del 19 ° secolo, e anche quelli di loro che non hanno lasciato un solo lavoro in questo genere (ad esempio, M.A. Balakirev, A.K. Lyadov) per molti anni hanno riflettuto su alcuni progetti operistici. Le ragioni sono chiare: in primo luogo, l'opera, come ha notato Čajkovskij, era un genere che permetteva di "parlare la lingua delle masse"; in secondo luogo, l'opera ha permesso di illuminare artisticamente i principali problemi ideologici, storici, psicologici e di altro tipo che occupavano le menti del popolo russo nel XIX secolo; Infine, nella giovane cultura professionale c'era una forte attrazione per generi che includevano, insieme alla musica, la parola, il movimento scenico e la pittura. Inoltre, si è già sviluppata una certa tradizione, un'eredità lasciata nel genere musicale e teatrale del XVIII secolo.

Nei primi decenni del XIX sec la corte e il teatro privato si estinsero

Il monopolio era concentrato nelle mani dello Stato. La vita musicale e teatrale di entrambe le capitali fu molto vivace: il primo quarto del secolo fu il periodo di massimo splendore del balletto russo; nel 1800 c'erano quattro compagnie teatrali a San Pietroburgo: russa, francese, tedesca e italiana, di cui le prime tre mettevano in scena sia il dramma che l'opera, l'ultima solo l'opera; diverse compagnie hanno lavorato anche a Mosca. L'impresa italiana si rivelò la più stabile: anche all'inizio degli anni '70 dell'Ottocento, il giovane Čajkovskij, che agiva in un campo critico, dovette lottare per una posizione decente dell'opera russa di Mosca rispetto a quella italiana; Raek Mussorgsky, in uno dei cui episodi viene ridicolizzata la passione del pubblico e della critica di San Pietroburgo per famosi cantanti italiani, fu scritto anche a cavallo degli anni Settanta dell'Ottocento.

L'opera russa è il contributo più prezioso al tesoro del teatro musicale mondiale. Nato nell'era del periodo di massimo splendore classico dell'opera italiana, francese e tedesca, opera russa nel XIX secolo. non solo ha raggiunto altre scuole d'opera nazionali, ma le ha anche superate. La natura multilaterale dello sviluppo del teatro dell'opera russo nel XIX secolo. ha contribuito all'arricchimento dell'arte realistica mondiale. Le opere dei compositori russi hanno aperto una nuova area di creatività operistica, vi hanno introdotto nuovi contenuti, nuovi principi per costruire la drammaturgia musicale, avvicinando l'arte operistica ad altri tipi di creatività musicale, principalmente alla sinfonia.

La storia dell'opera classica russa è indissolubilmente legata allo sviluppo della vita sociale in Russia, con lo sviluppo del pensiero russo avanzato. L'opera si distingueva per queste connessioni già nel XVIII secolo, essendo sorta come fenomeno nazionale negli anni '70, l'era dello sviluppo dell'Illuminismo russo. La formazione della scuola lirica russa è stata influenzata da idee illuministiche, espresse nel desiderio di rappresentare in modo veritiero la vita delle persone.

Così, l'opera russa fin dai suoi primi passi prende forma come un'arte democratica. Le trame delle prime opere russe spesso proponevano idee anti-servitù, caratteristiche anche del teatro drammatico russo e della letteratura russa alla fine del XVIII secolo. Tuttavia, queste tendenze non si erano ancora sviluppate in un sistema integrale, erano espresse empiricamente in scene della vita dei contadini, nel mostrare la loro oppressione da parte dei proprietari terrieri, in una rappresentazione satirica della nobiltà. Tali sono le trame delle prime opere russe: "Misfortune from the Carriage" di V. A. Pashkevich (c. 1742-1797), libretto di Ya. B. Kniazhnin (pubblicato nel 1779); "Cocchieri su una configurazione" E. I. Fomina (1761-1800). Nell'opera "The Miller - uno stregone, un ingannatore e un sensale" con un testo di A. O. Ablesimov e musica di M. M. Sokolovsky (nella seconda versione - E. I. Fomina), l'idea della nobiltà dell'opera di si esprime un contadino e si ridicolizza la nobile spavalderia. Nell'opera di M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich "San Pietroburgo Gostiny Dvor" un usuraio e un corruttore sono raffigurati in forma satirica.

Le prime opere russe erano rappresentazioni teatrali con episodi musicali nel corso dell'azione. Le scene di conversazione erano molto importanti in loro. La musica delle prime opere era strettamente connessa con le canzoni popolari russe: i compositori fecero ampio uso delle melodie delle canzoni popolari esistenti, rielaborandole, facendone la base dell'opera. In "Melnik", ad esempio, tutte le caratteristiche dei personaggi sono riportate con l'ausilio di canti popolari di diversa natura. Nell'opera "San Pietroburgo Gostiny Dvor" viene riprodotta con grande precisione una cerimonia di matrimonio popolare. In "Cocchieri su un telaio" Fomin ha creato il primo esempio di opera corale popolare, stabilendo così una delle tradizioni tipiche della successiva opera russa.

L'opera russa si è sviluppata nella lotta per la sua identità nazionale. La politica della corte reale e dei vertici della società nobile, patrocinando le truppe straniere, era diretta contro la democrazia dell'arte russa. Le figure dell'opera russa hanno dovuto apprendere abilità operistiche sui modelli dell'opera dell'Europa occidentale e allo stesso tempo difendere l'indipendenza della loro direzione nazionale. Questa lotta per molti anni è diventata una condizione per l'esistenza dell'opera russa, assumendo nuove forme in nuove fasi.

Insieme all'opera-commedia nel XVIII secolo. apparvero anche altri generi operistici. Nel 1790, a corte ebbe luogo uno spettacolo dal titolo "L'amministrazione iniziale di Oleg", il cui testo fu scritto dall'imperatrice Caterina II, e la musica fu composta congiuntamente dai compositori K. Canobbio, J. Sarti e V. A. Pashkevich. la performance non era tanto operistica quanto oratoria in natura, e in una certa misura può essere considerata il primo esempio del genere storico-musicale, così diffuso nell'Ottocento. Nell'opera dell'eccezionale compositore russo D. S. Bortnyansky (1751-1825), il genere operistico è rappresentato dalle opere liriche The Falcon e The Rival Son, la cui musica, in termini di sviluppo di forme e abilità operistiche, può essere messa in scena alla pari con esempi moderni di opera dell'Europa occidentale.

Il teatro dell'opera è stato utilizzato nel 18 ° secolo. grande popolarità. A poco a poco, l'opera della capitale penetrò nei teatri di proprietà. Teatro della fortezza a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. fornisce singoli esempi altamente artistici dell'esecuzione di opere e ruoli individuali. Vengono nominati cantanti e attori russi di talento, come, ad esempio, la cantante E. Sandunova, che si è esibita sul palcoscenico della capitale, o l'attrice serva del Teatro Sheremetev P. Zhemchugova.

Realizzazioni artistiche dell'opera russa del XVIII secolo. ha dato impulso al rapido sviluppo del teatro musicale in Russia nel primo quarto del XIX secolo.

I collegamenti del teatro musicale russo con le idee che determinarono la vita spirituale dell'epoca furono particolarmente rafforzati durante la guerra patriottica del 1812 e durante gli anni del movimento decabrista. Il tema del patriottismo, riflesso nelle trame storiche e contemporanee, diventa la base di molte rappresentazioni drammatiche e musicali. Le idee dell'umanesimo, la protesta contro la disuguaglianza sociale ispirano e fecondano l'arte teatrale.

All'inizio del XIX secolo. non si può ancora parlare di opera nel pieno senso della parola. I generi misti giocano un ruolo importante nel teatro musicale russo: tragedia con musica, vaudeville, opera comica, opera-balletto. Prima di Glinka, l'opera russa non conosceva opere la cui drammaturgia si sarebbe basata solo sulla musica senza episodi parlati.

O. A. Kozlovsky (1757-1831), che creò musica per le tragedie di Ozerov, Katenin, Shakhovsky, fu un eccezionale compositore di "tragedie sulla musica". I compositori A. A. Alyabyev (1787-1851) e A. N. Verstovsky (1799-1862) hanno lavorato con successo nel genere del vaudeville, che ha composto musica per una serie di vaudeville di contenuto umoristico e satirico.

Opera dell'inizio del XIX secolo sviluppato le tradizioni del periodo precedente. Un fenomeno caratteristico erano le esibizioni quotidiane, accompagnate da canti popolari. Esempi di questo tipo sono le esibizioni: "Yam", "Gatherings", "Girlfriend", ecc., La musica per la quale è stata scritta dal compositore dilettante A. N. Titov (1769-1827). Ma questo è tutt'altro che esaurito la ricca vita teatrale dell'epoca. L'inclinazione verso le tendenze romantiche tipiche dell'epoca si esprimeva nell'entusiasmo della società per gli spettacoli fiabesco-fantastici. La sirena del Dnepr (Lesta), che aveva diverse parti, ebbe un successo particolare. La musica per queste opere, che formavano, per così dire, i capitoli del romanzo, è stata scritta dai compositori S. I. Davydov, K. A. Kavos; è stata in parte utilizzata la musica del compositore austriaco Cauer. "The Dnieper Mermaid" non ha lasciato il palco per molto tempo, non solo per la trama divertente, che nelle sue caratteristiche principali anticipa la trama della "Sirena" di Pushkin, non solo grazie alla lussuosa produzione, ma anche grazie al musica melodica, semplice e accessibile.

Il compositore italiano K. A. Kavos (1775-1840), che ha lavorato in Russia fin dalla giovane età e si è impegnato molto nello sviluppo della performance dell'opera russa, ha fatto il primo tentativo di creare un'opera storico-eroica. Nel 1815 mise in scena a San Pietroburgo l'opera Ivan Susanin, in cui, sulla base di uno degli episodi della lotta del popolo russo contro l'invasione polacca all'inizio del XVII secolo, cercò di creare un patriottismo nazionale prestazione. Quest'opera ha risposto allo stato d'animo della società sopravvissuta alla guerra di liberazione contro Napoleone L'opera di Kavos si distingue favorevolmente tra le opere moderne per l'abilità di un musicista professionista, la dipendenza dal folklore russo, la vivacità dell'azione. Tuttavia, non supera il livello delle numerose "opere di salvataggio" di compositori francesi, che marciano sullo stesso palcoscenico; Kavos non ha potuto creare in esso l'epopea folk-tragica che Glinka ha creato vent'anni dopo, usando la stessa trama.

Il più grande compositore del primo terzo del XIX secolo. A. N. Verstovsky, che è stato menzionato come autore di musica per il vaudeville, dovrebbe essere riconosciuto. Le sue opere "Pan Tvardovsky" (post, nel 1828), "Askold's Grave" (post, nel 1835), "Vadim" (post, nel 1832) e altre costituirono una nuova tappa nello sviluppo dell'opera russa prima di Glinka. I tratti caratteristici del romanticismo russo si riflettevano nell'opera di Verstovsky. L'antichità russa, le tradizioni poetiche di Kievan Rus, le fiabe e le leggende costituiscono la base delle sue opere. Un ruolo significativo in essi è svolto dall'elemento magico. La musica di Verstovsky, profondamente radicata, basata sull'arte della canzone popolare, ha assorbito le origini popolari nel senso più ampio. I suoi personaggi sono tipici dell'arte popolare. Essendo un maestro della drammaturgia operistica, Verstovsky ha creato scene romanticamente colorate di contenuto fantastico. Un esempio del suo stile è l'opera "Askold's Grave", che è stata conservata nel repertorio fino ad oggi. Ha mostrato le migliori caratteristiche di Verstovsky: un dono melodico, un eccellente talento drammatico, la capacità di creare immagini vivaci e caratteristiche dei personaggi.

Le opere di Verstovsky appartengono al periodo preclassico dell'opera russa, sebbene il loro significato storico sia molto grande: riassumono e sviluppano tutte le migliori qualità del periodo precedente e contemporaneo nello sviluppo della musica operistica russa.

Dagli anni '30. 19esimo secolo L'opera russa entra nel FALLIMENTO del periodo classico. Il fondatore dei classici dell'opera russa M. I. Glinka (1804-1857) ha creato l'opera storica e tragica "Ivan Susanin" (1830) e il favolosamente epico - "Ruslan e Lyudmila" (1842). Questi pilastri hanno gettato le basi per due delle aree più importanti del teatro musicale russo: l'opera storica e l'epopea magica; I principi creativi di Glinka sono stati implementati e sviluppati dalla prossima generazione di compositori russi.

Glinka si è sviluppato come artista in un'epoca oscurata dalle idee del Decabrismo, che gli hanno permesso di elevare il contenuto ideologico e artistico delle sue opere a una nuova e significativa altezza. Fu il primo compositore russo, nella cui opera l'immagine del popolo, generalizzata e profonda, divenne il centro dell'intera opera. Il tema del patriottismo nella sua opera è indissolubilmente legato al tema della lotta del popolo per l'indipendenza.

Il periodo precedente dell'opera russa ha preparato l'apparizione delle opere di Glinka, ma la loro differenza qualitativa rispetto alle precedenti opere russe è molto significativa. Nelle opere di Glinka, il realismo del pensiero artistico non si manifesta nei suoi aspetti privati, ma funge da metodo creativo olistico che ci consente di dare una generalizzazione musicale e drammatica dell'idea, del tema e della trama dell'opera. Glinka comprendeva il problema della nazionalità in un modo nuovo: per lui significava non solo lo sviluppo musicale delle canzoni popolari, ma anche una riflessione profonda e sfaccettata nella musica della vita, dei sentimenti e dei pensieri delle persone, la rivelazione dei tratti caratteristici del suo aspetto spirituale. Il compositore non si è limitato a riflettere la vita popolare, ma ha incarnato nella musica i tratti tipici della visione del mondo popolare. Le opere di Glinka sono opere musicali e drammatiche integrali; non ci sono dialoghi parlati in essi, il contenuto è espresso per mezzo della musica. Invece di numeri solistici e corali separati e non sviluppati dell'opera comica, Glinka crea forme operistiche ampie e dettagliate, sviluppandole con genuina abilità sinfonica.

In "Ivan Susanin" Glinka ha cantato l'eroico passato della RUSSIA. Con grande verità artistica, le immagini tipiche del popolo russo sono incarnate nell'opera. Lo sviluppo del dramma musicale si basa sull'opposizione di varie sfere musicali nazionali.

"Ruslan e Lyudmila" è un'opera che ha segnato l'inizio delle opere epiche popolari russe. Il significato di "Ruslan" per la musica russa è molto grande. L'opera ha avuto un impatto non solo sui generi teatrali, ma anche su quelli sinfonici. Maestose immagini eroiche e misteriosamente magiche, così come colorate-orientali di "Ruslan" hanno nutrito a lungo la musica russa.

Glinka fu seguito da A. S. Dargomyzhsky (1813-1869), un artista tipico dell'era degli anni '40 e '50. 19esimo secolo Glinka ha avuto una grande influenza su Dargomyzhsky, ma allo stesso tempo nel suo lavoro sono apparse nuove qualità, nate da nuove condizioni sociali, nuovi temi che sono venuti all'arte russa. La calda simpatia per una persona umiliata, la consapevolezza della perniciosità della disuguaglianza sociale, un atteggiamento critico nei confronti dell'ordine sociale si riflettono nell'opera di Dargomyzhsky, associata alle idee del realismo critico in letteratura.

Il percorso di Dargomyzhsky come compositore d'opera iniziò con la creazione dell'opera "Esmeralda", dopo V. Hugo (pubblicata nel 1847), e l'opera centrale del compositore dovrebbe essere considerata "Sirena" (basata sul dramma di A. S. Pushkin), messa in scena nel 1856 In quest'opera, il talento di Dargomyzhsky fu pienamente rivelato e fu determinata la direzione del suo lavoro. Il dramma della disuguaglianza sociale tra le amorevoli figlie del mugnaio Natasha e il principe ha attratto il compositore con l'attualità del tema. Dargomyzhsky ha rafforzato il lato drammatico della trama sminuendo l'elemento fantastico. Rusalka è la prima opera lirico-psicologica quotidiana russa. La sua musica è profondamente folk; sulla base di una canzone, il compositore ha creato immagini viventi di eroi, ha sviluppato uno stile declamativo nelle parti dei personaggi principali, ha sviluppato scene d'insieme, drammatizzandole in modo significativo.

L'ultima opera di Dargomyzhsky, The Stone Guest, dopo Pushkin (pubblicata nel 1872, dopo la morte del compositore), appartiene già a. un altro periodo di sviluppo dell'Onera russa. Dargomyzhsky vi ha assegnato il compito di creare un linguaggio musicale realistico che rifletta le intonazioni del discorso. Il compositore ha abbandonato qui le tradizionali forme operistiche: arie, ensemble, coro; le parti vocali dell'opera prevalgono sulla parte orchestrale, The Stone Guest ha gettato le basi per una delle direzioni del periodo successivo dell'opera russa, la cosiddetta opera recitativa da camera, successivamente presentata da Mozart e Salieri di Rimsky-Korsakov, Rachmaninov Il cavaliere avaro e altri. La particolarità di queste opere è che sono tutte basate sul testo integrale inalterato delle "piccole tragedie" di Pushkin.

Negli anni '60. L'opera russa è entrata in una nuova fase del suo sviluppo. Sul palcoscenico russo compaiono le opere dei compositori del circolo Balakirev ("The Mighty Handful") e Čajkovskij. Negli stessi anni si svolse il lavoro di A. N. Serov e A. G. Rubinshtein.

L'opera operistica di A. N. Serov (1820-1871), divenuto famoso come critico musicale, non può essere annoverata tra i fenomeni molto significativi del teatro russo. Tuttavia, un tempo le sue opere hanno avuto un ruolo positivo. Nell'opera "Judith" (post, nel 1863), Serov creò un'opera di carattere eroico e patriottico basata su una storia biblica; nell'opera Rogneda (composta e messa in scena nel 1865), si rivolse all'era di Kievan Rus, volendo continuare la linea di Ruslan. Tuttavia, l'opera non era abbastanza profonda. Di grande interesse è la terza opera di Serov, The Enemy Force, basata sul dramma di A. N. Ostrovsky Don't Live As You Want (pubblicato nel 1871). Il compositore ha deciso di creare un'opera canzone, la cui musica dovrebbe essere basata su fonti primarie. Tuttavia, l'opera non ha un solo concetto drammatico e la sua musica non raggiunge le vette della generalizzazione realistica.

A. G. Rubinshtein (1829-1894), come compositore d'opera, iniziò componendo l'opera storica La battaglia di Kulikovo (1850). ha creato l'opera lirica "Feramors" e l'opera romaiga "Children of the Steppes". La migliore opera di Rubinstein, The Demon after Lermontov (1871), è sopravvissuta nel repertorio: quest'opera è un esempio di opera lirica russa, in cui le pagine più talentuose sono dedicate all'espressione dei sentimenti dei personaggi. Demon, in cui il compositore ha utilizzato la musica popolare della Transcaucasia, porta sapore locale.L'opera "Demon" ebbe successo tra i contemporanei che vedevano nel protagonista l'immagine di un uomo degli anni 40-50.

Il lavoro operistico dei compositori di The Mighty Handful e Tchaikovsky era strettamente connesso con la nuova estetica degli anni '60. Nuove condizioni sociali pongono nuovi compiti per gli artisti russi. Il problema principale dell'epoca era il problema della riflessione nelle opere d'arte della vita popolare in tutta la sua complessità e incoerenza. L'influenza delle idee dei democratici rivoluzionari (soprattutto Chernyshevsky) si rifletteva nel campo della creatività musicale dall'attrazione per temi e trame universalmente significativi, dall'orientamento umanistico delle opere e dalla glorificazione delle alte forze spirituali del persone. Di particolare importanza in questo momento è il tema storico.

L'interesse per la storia della loro gente in quegli anni è tipico non solo dei compositori. La stessa scienza storica si sta sviluppando ampiamente; scrittori, poeti e drammaturghi si rivolgono al tema storico; sviluppo della pittura storica. Le epoche dei colpi di stato, delle rivolte contadine, dei movimenti di massa sono di grande interesse. Un posto importante è occupato dal problema del rapporto tra il popolo e il potere reale. Le opere storiche di M. P. Mussorgsky e N. A. Rimsky-Korsakov sono dedicate a questo argomento.

Le opere di M. P. Mussorgsky (1839-1881), Boris Godunov (1872) e Khovanshchina (completata da Rlmsky-Korsakov nel 1882) appartengono al ramo storico e tragico dell'opera classica russa. Il compositore li ha definiti "drammi musicali popolari", poiché la parodia è al centro di entrambe le opere. L'idea principale di "Boris Godunov" (basata sull'omonima tragedia di Pushkin) è un conflitto: lo zar - il popolo. Questa idea è stata una delle più importanti e acute dell'era post-riforma. Mussorgsky voleva trovare un'analogia con il presente negli eventi del passato di Rus. La contraddizione tra interessi popolari e potere autocratico è mostrata nelle scene di un movimento popolare che si trasforma in una sollevazione aperta. Allo stesso tempo, il compositore presta grande attenzione alla "tragedia della coscienza" vissuta dallo zar Boris. L'immagine poliedrica di Boris Godunov è uno dei più alti successi dell'opera mondiale.

Il secondo dramma musicale di Mussorgsky, Khovanshchina, è dedicato alle rivolte di Streltsy alla fine del XVII secolo. L'elemento del movimento popolare in tutta la sua forza esuberante è meravigliosamente espresso dalla musica dell'opera, basata sul ripensamento creativo dell'arte del canto popolare. La musica di "Khovanshchina", come la musica di "Boris Godunov", è caratterizzata da un'alta tragedia. La base del miglio melodico di entrambe le opere è la sintesi del canto e degli inizi declamatori. L'innovazione di Mussorgsky, nata dalla novità della sua concezione, e la soluzione profondamente originale ai problemi della drammaturgia musicale ci fanno classificare entrambe le sue opere tra le più alte conquiste del teatro musicale.

Anche l'opera di A. P. Borodin (1833-1887) "Prince Igor" confina con il gruppo di opere musicali storiche (la sua trama era "The Tale of Igor's Campaign"). L'idea dell'amore per la patria, l'idea di unirsi di fronte al nemico è rivelata dal compositore con grande drammaticità (scene in Putivl). Il compositore ha unito nella sua opera la monumentalità del genere epico con un inizio lirico. Nell'incarnazione poetica del campo polovtsiano, vengono implementati i precetti di Glinka; a loro volta, le immagini musicali dell'Est di Borodin hanno ispirato molti compositori russi e sovietici a creare immagini orientali. Il meraviglioso dono melodico di Borodin si è manifestato nello stile di canto ampio dell'opera. Borodin non ha avuto il tempo di finire l'opera; Il principe Igor fu completato da Rimsky-Korsakov e Glazunov e messo in scena nella loro versione nel 1890.

Il genere del dramma musicale storico è stato sviluppato anche da N. L. Rimsky-Korsakov (1844-1908). Gli uomini liberi di Pskov che si ribellano contro Ivan il Terribile (opera La donna di Pskov, 1872) è raffigurato dal compositore con grandezza epica. L'immagine del re è un sipario di autentico dramma. L'elemento lirico dell'opera, associato all'eroina - Olga, arricchisce la musica, introducendo tratti di sublime tenerezza e morbidezza nel maestoso concetto tragico.

P. I. Tchaikovsky (1840-1893), famoso soprattutto per i suoi onori yariko-psicologici, fu autore di tre opere storiche. Le opere Oprichnik (1872) e Mazepa (1883) sono dedicate a eventi drammatici della storia russa. Nell'opera The Maid of Orleans (1879), il compositore si rivolse alla storia della Francia e creò l'immagine dell'eroina nazionale francese Giovanna d'Arco.

Una caratteristica delle opere storiche di Čajkovskij è la loro parentela con le sue opere liriche. Il compositore rivela in essi i tratti caratteristici dell'era rappresentata attraverso il destino delle singole persone. Le immagini dei suoi eroi si distinguono per la profondità e la veridicità della trasmissione del complesso mondo interiore di una persona.

Oltre ai drammi musicali folk-storici nell'opera russa del XIX secolo. un posto importante è occupato dalle opere fiabesche popolari, ampiamente rappresentate nell'opera di N. A. Rimsky-Korsakov, le migliori opere fiabesche di Rimsky-Korsakov - "The Snow Maiden" (1881), "Sadko" (1896), "Kashei l'immortale" (1902) e "Galletto d'oro (1907). Un posto speciale è occupato dall'opera The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia (1904), basata su leggende popolari sull'invasione tataro-mongola.

Le opere di Rimsky-Korsakov stupiscono per la varietà di interpretazioni del genere del racconto popolare. O questa è un'interpretazione poetica di antiche idee popolari sulla natura, espresse in una meravigliosa fiaba sulla fanciulla di neve, o un'immagine potente dell'antica Novgorod, o un'immagine della Russia all'inizio del XX secolo. nell'immagine allegorica del freddo regno di Kashcheev, poi una vera satira sul marcio sistema autocratico in stampe favolosamente popolari ("Il galletto d'oro"). In vari casi, i metodi di rappresentazione musicale dei personaggi e le tecniche della drammaturgia musicale di Rimsky-Korsakov sono diversi. Tuttavia, in tutte le sue opere si può sentire la profonda creatività del compositore che penetra nel mondo delle idee popolari, delle credenze popolari e della visione del mondo delle persone. La base della musica delle sue opere è il linguaggio delle canzoni popolari. Il supporto, l'arte popolare, la caratterizzazione dei personaggi attraverso l'uso di vari generi popolari è una caratteristica tipica di Rimsky-Korsakov.

L'apice dell'opera di Rimsky-Korsakov è la maestosa epopea sul patriottismo del popolo della Rus' nell'opera La leggenda della città invisibile di Kitezh e la fanciulla Fevronia, dove il compositore raggiunse una grande altezza di generalizzazione musicale e sinfonica del tema.

Tra le altre varietà dell'opera classica russa, uno dei posti principali appartiene all'opera lirico-psicologica, il cui inizio è stato posto da Rusalka di Dargomyzhsky. Il più grande rappresentante di questo genere nella musica russa è Čajkovskij, autore di opere brillanti incluse nel repertorio operistico mondiale: Eugene Onegin (1877-1878), The Enchantress (1887), The Queen of Spades (1890), Iolanta (1891) ). L'innovazione di Čajkovskij è associata alla direzione del suo lavoro, dedicata alle idee dell'umanesimo, alla protesta contro l'umiliazione dell'uomo, alla fede in un futuro migliore per l'umanità. Il mondo interiore delle persone, le loro relazioni, i loro sentimenti si rivelano nelle opere di Čajkovskij combinando l'efficacia teatrale con il coerente sviluppo sinfonico della musica. L'opera operistica di Čajkovskij è uno dei più grandi fenomeni dell'arte musicale e teatrale mondiale del XIX secolo.

Un numero minore di opere è rappresentato nell'opera operistica dell'opera comica dei compositori russi. Tuttavia, questi pochi campioni si distinguono per la loro identità nazionale. Non c'è leggerezza divertente, commedia in loro. La maggior parte di essi era basata sulle storie di Gogol tratte da Serate in una fattoria vicino a Dikanka. Ciascuna delle commedie d'opera rifletteva le caratteristiche individuali degli autori. Nell'opera di Tchaikovsky "Cherevichki" (1885; nella prima edizione - "Blacksmith Vakula", 1874) prevale l'elemento lirico; in "May Night" di Rimsky-Korsakov (1878) - fantastico e rituale; nella Fiera Sorochinskaya di Mussorgsky (anni '70, non finita) - puramente comica. Queste opere sono esempi dell'abilità di riflettere realisticamente la vita delle persone nel genere della commedia dei personaggi.

Un certo numero di cosiddetti fenomeni paralleli nel teatro musicale russo sono adiacenti ai classici dell'opera russa. Abbiamo in mente il lavoro di compositori che non hanno creato opere di importanza duratura, sebbene abbiano dato il proprio contributo allo sviluppo dell'opera russa. Qui è necessario nominare le opere di Ts. A. Cui (1835-1918), membro del circolo Balakirev, eminente critico musicale degli anni '60 e '70. Le opere di Cui "William Ratcliffe" e "Angelo", che non escono dallo stile convenzionale romantico, sono prive di drammaticità e, a volte, di musica brillante. I successivi supporti di Cui sono di minore importanza ("La figlia del capitano", "Mademoiselle Fifi", ecc.). Ad accompagnare l'opera classica c'era il lavoro del direttore d'orchestra e direttore musicale dell'opera di San Pietroburgo, E. F. Napravnik (1839-1916). La più famosa è la sua opera "Dubrovsky", composta nella tradizione delle opere liriche di Čajkovskij.

Dei compositori che si sono esibiti alla fine del XIX secolo. sul palcoscenico dell'opera, è necessario nominare A. S. Arensky (1861-1906), autore delle opere “Dream on. Volga", "Rafael" e "Nal and Damayanti", così come M. M. Ishyulitova-Ivanov (1859-1935), la cui opera "Asya", basata su I. S. Turgenev, è stata scritta alla maniera lirica di Ciajkovskij. Si distingue nella storia dell'opera russa "Oresteia" di S. I. Taneyev (1856-1915), secondo Eschilo, che può essere descritta come un oratorio teatrale.

Allo stesso tempo, S. V. Rachmaninov (1873-1943) ha agito come compositore d'opera, componendo alla fine del conservatorio (1892) un atto unicoera "Aleko", sostenuto nelle tradizioni di Čajkovskij. Le opere successive di Rachmaninov - Francesca da Rimini (1904) e The Miserly Knight (1904) - furono scritte nella natura delle cantate d'opera; in essi l'azione scenica è massimamente compressa e l'inizio musicale e sinfonico è molto sviluppato. La musica di queste opere, talentuosa e brillante, porta l'impronta dell'originalità dello stile creativo dell'autore.

Dei fenomeni meno significativi dell'arte operistica del primo Novecento. chiamiamo l'opera di A. T. Grechaninov (1864-1956) "Dobrynya Nikitich", in cui i tratti caratteristici di un'opera classica favolosamente epica lasciarono il posto a testi romantici, così come l'opera di A. D. Kastalsky (1856-1926) "Clara Milic ", in cui elementi di naturalismo si combinano con un lirismo sincero e impressionante.

XIX secolo - l'era dei classici dell'opera russa. I compositori russi hanno creato capolavori in vari generi di opera: dramma, epico, tragedia eroica, commedia. Hanno creato un dramma musicale innovativo che è nato in stretta connessione con il contenuto innovativo delle opere. Il ruolo importante e determinante delle scene popolari di massa, la poliedrica caratterizzazione dei personaggi, la nuova interpretazione delle forme operistiche tradizionali e la creazione di nuovi principi di unità musicale dell'intera opera sono tratti caratteristici dei classici dell'opera russa.

L'opera classica russa, sviluppatasi sotto l'influenza del pensiero filosofico ed estetico progressista, sotto l'influenza degli eventi della vita pubblica, divenne uno degli aspetti notevoli della cultura nazionale russa del XIX secolo. L'intero percorso di sviluppo dell'opera russa nel secolo scorso è stato parallelo al grande movimento di liberazione del popolo russo; i compositori sono stati ispirati da alte idee di umanesimo e illuminazione democratica, e le loro opere sono per noi grandi esempi di arte veramente realistica.