Gli artisti astratti più famosi: definizione, direzione nell'arte, caratteristiche dell'immagine e dipinti più famosi. L'arte astratta: definizione, storia, tipologie, caratteristiche Sezione in corso di compilazione e adeguamento Abstractioni

L'astrattismo è un movimento artistico relativamente giovane. L'anno 1910 è ufficialmente riconosciuto come l'anno della sua nascita, quando l'artista Wassily Kandinsky espose la prima tela con una nuova tecnica, dipinta ad acquerello.

I rappresentanti dell'arte astratta prendono forme, linee, piani semplici e complessi come base per creare i propri capolavori e giocare con il colore. Quello che succede alla fine non ha niente a che vedere con gli oggetti reali. Questo è un lavoro accessibile solo al superconscio attraverso il mondo sensoriale dell'individuo.

Per decenni dopo la comparsa della prima opera in questo stile, l'astrattismo ha subito vari cambiamenti, introdotti attivamente in altre tendenze d'avanguardia.

(Astrazione di Carol Hein)

Nell'ambito dell'astrattismo, gli artisti hanno creato numerosi dipinti, sculture e installazioni. Sono stati utilizzati elementi separati e continuano ad essere implementati con successo, anche negli interni di locali moderni.

Oggi, la tendenza astratta nell'arte è divisa in astrazione geometrica e lirica. La direzione geometrica dell'astrattismo è caratterizzata da linee rigorose e chiare, stati stabili. L'astrazione lirica è caratterizzata dalla forma libera e dalla dimostrazione delle dinamiche stabilite dal maestro o dall'artista.

Arte astratta nella pittura

Fu con la pittura che l'astrattismo iniziò il suo sviluppo. Su tela e carta, si è rivelato al mondo attraverso il gioco di colori e linee, ricreando qualcosa che non aveva analoghi nel mondo reale degli oggetti.

(...e un'astrazione più chiara di Carol Hein)

Rappresentanti brillanti dell'astrattismo sono:

• Kandinsky;
• Malevich;
• Mondrian.

Successivamente hanno avuto molti seguaci, ognuno dei quali ha dato il proprio contributo artistico, applicando nuove tecniche per applicare i colori e nuovi principi per creare una composizione astratta.

(Wassily Vasilyevich Kandinsky "Composizione IV")

I fondatori della direzione, creando i loro capolavori su tela, si sono affidati a nuove teorie scientifiche e filosofiche. Ad esempio, Kandinsky, giustificando le proprie creazioni artistiche, ha fatto appello alle opere teosofiche di Blavatsky. Mondrian era un rappresentante del neoplasticismo e utilizzava attivamente linee e colori puri nelle sue opere. I suoi dipinti sono stati ripetutamente copiati da molti rappresentanti del campo della pittura e dell'arte. Malevich era un ardente sostenitore della teoria del suprematismo. Il primato nell'arte della pittura è stato dato dal maestro al colore.

(Kazimir Malevich "Composizione di forme geometriche")

In generale, l'astrattismo nella pittura si è rivelato una duplice direzione per la gente comune. Uno considerava tali opere come vicoli ciechi, il secondo ammirava sinceramente le idee che gli artisti mettevano nelle loro creazioni.

Nonostante la casualità di linee, forme e colori, dipinti e opere d'arte nello stile dell'astrattismo creano una composizione unica e olistica percepita dal pubblico.

Indicazioni dell'astrattismo artistico

Le opere nello stile dell'astrattismo sono difficili da classificare chiaramente, poiché questa direzione ha molti seguaci, ognuno dei quali ha contribuito allo sviluppo della propria visione. In generale, può essere suddiviso in base al tipo di predominanza di linee o tecniche. Ad oggi sono presenti:

• astrattismo del colore. Nell'ambito di queste opere, gli artisti giocano con i colori e le sfumature, ponendo l'accento nelle opere sulla loro percezione da parte della mente di chi guarda;
• astrattismo geometrico. Questa tendenza ha le sue rigorose differenze caratteristiche. Queste sono linee e forme chiare, l'illusione della profondità e prospettive lineari. Rappresentanti di questa tendenza sono Suprematis, neoplasticisti;
• astrattismo espressivo e tachismo. L'enfasi in questi rami non è su colori, forme e linee, ma sulla tecnica di applicazione della pittura, attraverso la quale si imposta la dinamica, si trasmettono le emozioni e si riflette l'inconscio dell'artista, lavorando senza alcun progetto preliminare;
• arte astratta minimalista. Questa tendenza è più vicina all'avanguardia. La sua essenza si riduce all'assenza di riferimenti a qualsiasi associazione. Linee, forme e colori sono usati in modo conciso e minimo.

La nascita dell'astrattismo come tendenza nell'arte è stata il risultato dei cambiamenti avvenuti all'inizio del secolo scorso, associati a numerose nuove scoperte che hanno iniziato a far avanzare l'umanità. Tutto ciò che era nuovo e ancora incomprensibile necessitava della stessa spiegazione e via d'uscita, anche attraverso l'arte.

Astrattismo (lat. astrazione- rimozione, distrazione) o arte non figurativa- una direzione dell'arte che ha abbandonato la rappresentazione di forme approssimative alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è raggiungere l '"armonizzazione" raffigurando determinate combinazioni di colori e forme geometriche, facendo sentire allo spettatore la completezza e la completezza della composizione. Personaggi di spicco: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Storia

Astrattismo(arte sotto il segno delle "forme zero", arte non oggettiva) - una direzione artistica che si è formata nell'arte della prima metà del XX secolo, rifiutandosi completamente di riprodurre le forme del reale mondo visibile. I fondatori dell'astrattismo sono considerati V. Kandinsky , P.Mondrian E K. Malevich.

V. Kandinsky ha creato il proprio tipo di pittura astratta, liberando da ogni segno di oggettività le macchie degli impressionisti e del "selvaggio". Piet Mondrian è arrivato alla sua inutilità attraverso la stilizzazione geometrica della natura, iniziata da Cézanne e dai cubisti. Le tendenze moderniste del XX secolo, incentrate sull'astrattismo, si discostano completamente dai principi tradizionali, negando il realismo, ma allo stesso tempo rimangono nel quadro dell'arte. La storia dell'arte con l'avvento dell'astrattismo ha vissuto una rivoluzione. Ma questa rivoluzione non è nata per caso, ma in modo del tutto naturale, ed è stata predetta da Platone! Nella sua opera successiva Philebus, ha scritto della bellezza delle linee, delle superfici e delle forme spaziali in sé, indipendenti da ogni imitazione di oggetti visibili, da ogni mimesi. Questo tipo di bellezza geometrica, in contrasto con la bellezza delle forme naturali "irregolari", secondo Platone, non è relativa, ma incondizionata, assoluta.

XX secolo e presente

Dopo la prima guerra mondiale del 1914-18, le tendenze dell'arte astratta si manifestarono spesso in singole opere di rappresentanti del dadaismo e del surrealismo; allo stesso tempo si determinò il desiderio di trovare applicazione per forme non pittoriche nell'architettura, nell'arte decorativa e nel design (esperimenti del gruppo Style e del Bauhaus). Diversi gruppi di arte astratta ("Arte concreta", 1930; "Cerchio e quadrato", 1930; "Astrazione e creatività", 1931), che uniscono artisti di varie nazionalità e tendenze, sorsero all'inizio degli anni '30, principalmente in Francia. Tuttavia, l'arte astratta non era molto diffusa a quel tempo e verso la metà degli anni '30. i gruppi si sciolsero. Negli anni della seconda guerra mondiale (1939-1945) sorse negli Stati Uniti una scuola del cosiddetto espressionismo astratto (pittori J. Pollock, M. Toby ecc.), che si sviluppò nel dopoguerra in molti paesi (sotto il nome di tachisme o “arte senza forma”) e proclamò come metodo il “puro automatismo mentale” e l'impulsività subconscia soggettiva della creatività, il culto di combinazioni inaspettate di colori e trame.

Nella seconda metà degli anni '50, negli Stati Uniti nacque l'arte dell'installazione, la pop art, che poco dopo glorificò Andy Warhol con la sua infinita replica di ritratti di Marilyn Monroe e lattine di cibo per cani - l'astrattismo del collage. Nelle arti visive degli anni '60 divenne popolare la forma meno aggressiva e statica di astrazione, il minimalismo. Allo stesso tempo Barnet Newmann, fondatore dell'astrattismo geometrico americano insieme a A. Liebermann, A. Tenuto E K. Noland impegnato con successo nell'ulteriore sviluppo delle idee del neoplasticismo olandese e del suprematismo russo.

Un'altra tendenza nella pittura americana era chiamata astrattismo "cromatico" o "post-pittura". I suoi rappresentanti in una certa misura respinsero il fauvismo e il post-impressionismo. Stile rigido, contorni netti enfatizzati delle opere E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella gradualmente ha lasciato il posto alla pittura di un magazzino contemplativo e malinconico. Negli anni '70 e '80 la pittura americana torna all'arte figurativa. Inoltre, una sua manifestazione così estrema come il fotorealismo si è diffusa. La maggior parte degli storici dell'arte concorda sul fatto che gli anni '70 siano il momento della verità per l'arte americana, poiché durante questo periodo si è finalmente liberata dall'influenza europea ed è diventata puramente americana. Tuttavia, nonostante il ritorno di forme e generi tradizionali, dalla ritrattistica alla pittura storica, anche l'arte astratta non è scomparsa.

I dipinti, le opere d'arte "non belle" sono state create come prima, poiché il ritorno al realismo negli Stati Uniti non ha superato l'astrattismo in quanto tale, ma la sua canonizzazione, il divieto dell'arte figurativa, che si identificava principalmente con il nostro realismo sociale, e quindi non potrebbe essere considerato odioso in una società "libera democratica", un divieto ai generi "bassi", alle funzioni sociali dell'arte. Allo stesso tempo, lo stile della pittura astratta ha acquisito una certa morbidezza, che prima gli mancava: la razionalizzazione dei volumi, l'offuscamento dei contorni, la ricchezza dei mezzitoni, le sottili soluzioni cromatiche ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Tutte queste tendenze hanno gettato le basi per lo sviluppo dell'astrattismo moderno. Nella creatività non può esserci nulla di congelato, definitivo, poiché questa sarebbe la morte per lui. Ma non importa quali percorsi prenda l'astrattismo, non importa quali trasformazioni subisca, la sua essenza rimane sempre immutata. Sta nel fatto che l'astrattismo nelle belle arti è il modo più accessibile e nobile per catturare l'essere personale, e in una forma più adeguata, come una stampa facsimile. Allo stesso tempo, l'astrattismo è una realizzazione diretta della libertà.

Indicazioni

Nell'astrattismo si possono distinguere due direzioni chiare: l'astrazione geometrica, basata principalmente su configurazioni chiaramente definite (Malevich, Mondrian), e l'astrazione lirica, in cui la composizione è organizzata da forme che fluiscono liberamente (Kandinsky). Anche nell'astrattismo ci sono molte altre importanti tendenze indipendenti.

Cubismo

Una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme geometriche enfaticamente condizionate, dal desiderio di "scindere" oggetti reali in primitive stereometriche.

Raionismo (luchismo)

Direzione nell'arte astratta degli anni '10, basata sullo spostamento degli spettri luminosi e sulla trasmissione della luce. L'idea dell'emergere di forme dall '"incrocio dei raggi riflessi di vari oggetti" è caratteristica, poiché una persona percepisce effettivamente non l'oggetto stesso, ma "la somma dei raggi provenienti dalla sorgente luminosa, riflessa dal oggetto."

neoplasticismo

La designazione della direzione dell'arte astratta, che esisteva nel 1917-1928. in Olanda e artisti uniti raggruppati attorno alla rivista "De Stijl" ("Stile"). Caratterizzato da chiare forme rettangolari in architettura e pittura astratta nella disposizione di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori primari dello spettro.

Orfismo

Direzione nella pittura francese degli anni '10. Gli artisti-orfisti hanno cercato di esprimere la dinamica del movimento e la musicalità dei ritmi con l'aiuto delle "regolarità" della compenetrazione dei colori primari dello spettro e dell'intersezione delle superfici curvilinee.

Suprematismo

Direzione nell'arte d'avanguardia, fondata negli anni '10. Malevich. Era espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici. La combinazione di figure geometriche multicolori forma equilibrate composizioni suprematiste asimmetriche permeate di movimento interno.

Tachismo

La tendenza dell'astrattismo dell'Europa occidentale degli anni '50 e '60, che era più diffusa negli Stati Uniti. È un dipinto con macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Tratti, linee e macchie di tachismo vengono applicati alla tela con rapidi movimenti della mano senza un piano premeditato.

espressionismo astratto

Il movimento di artisti che dipingono velocemente e su grandi tele, utilizzando pennellate non geometriche, grandi pennelli, a volte colando vernice sulla tela, per far emergere al meglio le emozioni. Il metodo espressivo della pittura qui è spesso importante quanto la pittura stessa.

Astrattismo all'interno

Di recente, l'arte astratta ha iniziato a spostarsi dai dipinti degli artisti all'accogliente interno della casa, aggiornandola favorevolmente. Lo stile minimalista con l'uso di forme chiare, a volte piuttosto insolite, rende la stanza insolita e interessante. Ma è facile esagerare con il colore. Considera la combinazione di arancione in uno stile così interno.

Il bianco meglio diluisce l'arancia ricca e, per così dire, la raffredda. Il colore arancione rende la stanza più calda, quindi non molto; non impedire. L'enfasi dovrebbe essere sui mobili o sul suo design, ad esempio un copriletto arancione. In questo caso, le pareti bianche annegheranno la luminosità del colore, ma lasceranno la stanza colorata. In questo caso, i dipinti della stessa gamma serviranno come un'aggiunta eccellente: l'importante è non esagerare, altrimenti ci saranno problemi con il sonno.

La combinazione di colori arancione e blu è dannosa per qualsiasi stanza, se non si applica all'asilo nido. Se scegli tonalità non brillanti, si armonizzeranno con successo tra loro, aggiungeranno umore e non influenzeranno negativamente nemmeno i bambini iperattivi.

L'arancione si sposa bene con il verde, creando l'effetto di un albero di mandarino e una sfumatura di cioccolato. Il marrone è un colore che varia dal caldo al freddo, quindi normalizza perfettamente la temperatura generale della stanza. Inoltre, questa combinazione di colori è adatta per la cucina e il soggiorno, dove è necessario creare un'atmosfera, ma non sovraccaricare l'interno. Dopo aver decorato le pareti con i colori bianco e cioccolato, puoi tranquillamente mettere una sedia arancione o appendere un'immagine luminosa con un ricco colore mandarino. Mentre sei in una stanza del genere, avrai un ottimo umore e il desiderio di fare quante più cose possibili.

Dipinti di famosi artisti astratti

Kandinsky è stato uno dei pionieri dell'arte astratta. Ha iniziato la sua ricerca nell'impressionismo e solo allora è arrivato allo stile dell'astrattismo. Nel suo lavoro ha sfruttato la relazione tra colore e forma per creare un'esperienza estetica che abbracciasse sia la visione che le emozioni del pubblico. Credeva che l'astrazione completa desse spazio a un'espressione profonda e trascendente e che copiare la realtà interferisse solo con questo processo.

La pittura era profondamente spirituale per Kandinsky. Ha cercato di trasmettere la profondità delle emozioni umane attraverso un linguaggio visivo universale di forme e colori astratti che trascendesse i confini fisici e culturali. Lui vide astrattismo come una modalità visiva ideale in grado di esprimere il "bisogno interiore" dell'artista e trasmettere idee ed emozioni umane. Si considerava un profeta la cui missione è condividere questi ideali con il mondo, a beneficio della società.

Nascosti in colori vivaci e chiare linee nere raffigurano diversi cosacchi con lance, oltre a barche, figure e un castello in cima a una collina. Come in molti dipinti di questo periodo, rappresenta una battaglia apocalittica che porterà alla pace eterna.

Per facilitare lo sviluppo di uno stile pittorico non oggettivo, come descritto nel suo On the Spiritual in Art (1912), Kandinsky riduce gli oggetti a simboli pittografici. Rimuovendo la maggior parte dei riferimenti al mondo esterno, Kandinsky ha espresso la sua visione in modo più universale, traducendo l'essenza spirituale del soggetto attraverso tutte queste forme in un linguaggio visivo. Molte di queste figure simboliche furono ripetute e perfezionate nel suo lavoro successivo, diventando ancora più astratte.

Kazimir Malevich

Le idee di Malevich sulla forma e sul significato nell'arte portano in qualche modo a concentrarsi sulla teoria dell'astrattismo stilistico. Malevich ha lavorato con stili diversi nella pittura, ma soprattutto si è concentrato sullo studio delle forme geometriche pure (quadrati, triangoli, cerchi) e sulla loro relazione tra loro nello spazio pittorico. Attraverso i suoi contatti in Occidente, Malevich ha potuto trasmettere le sue idee sulla pittura ad amici artisti in Europa e negli Stati Uniti, influenzando così profondamente l'evoluzione dell'arte contemporanea.

"Quadrato nero" (1915)

L'iconico dipinto "Black Square" fu mostrato per la prima volta da Malevich in una mostra a Pietrogrado nel 1915. Quest'opera incarna i principi teorici del suprematismo sviluppati da Malevich nel suo saggio "Dal cubismo e futurismo al suprematismo: nuovo realismo nella pittura".

Sulla tela davanti allo spettatore c'è una forma astratta disegnata su uno sfondo bianco sotto forma di un quadrato nero: è l'unico elemento della composizione. Anche se il dipinto sembra semplice, ci sono elementi come impronte digitali, pennellate che si intravedono attraverso gli strati neri di vernice.

Per Malevich, il quadrato significa sentimenti e quello bianco significa vuoto, niente. Vedeva il quadrato nero come una presenza divina, un'icona, come se potesse diventare una nuova immagine sacra per l'arte non oggettiva. Anche alla mostra, questa immagine è stata collocata nel luogo in cui di solito viene collocata un'icona in una casa russa.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, uno dei fondatori del movimento olandese De Stijl, è riconosciuto per la purezza delle sue astrazioni e la pratica metodica. Semplificò piuttosto radicalmente gli elementi dei suoi dipinti per mostrare ciò che vedeva non direttamente, ma figurativamente, e per creare un linguaggio estetico chiaro e universale nelle sue tele. Nei suoi dipinti più famosi degli anni '20, Mondrian riduce le forme a linee e rettangoli, e la tavolozza al più semplice. L'uso dell'equilibrio asimmetrico è diventato fondamentale per lo sviluppo dell'arte contemporanea e le sue iconiche opere astratte continuano ad essere influenti nel design e sono familiari alla cultura popolare fino ad oggi.

L '"albero grigio" è un esempio della prima transizione di Mondrian allo stile astrattismo. L'albero 3D è ridotto alle linee e ai piani più semplici, utilizzando solo grigi e neri.

Questo dipinto fa parte di una serie di opere di Mondrian che hanno adottato un approccio più realistico, dove, ad esempio, gli alberi sono presentati in modo naturalistico. Mentre i pezzi successivi sono diventati sempre più astratti, ad esempio, le linee dell'albero sono ridotte fino a quando la forma dell'albero è appena visibile e secondaria alla composizione complessiva di linee verticali e orizzontali. Qui è ancora visibile l'interesse di Mondrian ad abbandonare l'organizzazione strutturata delle linee. Questa mossa è stata significativa per lo sviluppo della pura astrazione di Mondrian.

Roberto Delaunay

Delaunay è stato uno dei primi artisti dello stile astratto. Il suo lavoro ha influenzato lo sviluppo di questa direzione, basata sulla tensione compositiva causata dal contrasto dei colori. Cadde rapidamente sotto l'influenza del colore neoimpressionista e seguì molto da vicino il sistema cromatico delle opere nello stile dell'astrattismo. Considerava il colore e la luce gli strumenti principali con cui è possibile influenzare l'obiettività del mondo.

Nel 1910, Delaunay aveva dato il proprio contributo al cubismo sotto forma di due serie di dipinti raffiguranti cattedrali e la Torre Eiffel, che combinavano forme cubiche, dinamiche di movimento e colori vivaci. Questo nuovo modo di usare l'armonia dei colori contribuì a separare lo stile dal cubismo ortodosso, chiamato orfismo, e influenzò immediatamente gli artisti europei. La moglie di Delaunay, l'artista Sonia Turk-Delaunay, ha continuato a dipingere nello stesso stile.

L'opera principale di Delaunay è dedicata alla Torre Eiffel, il famoso simbolo della Francia. Questo è uno dei più impressionanti di una serie di undici dipinti dedicati alla Torre Eiffel tra il 1909 e il 1911. È dipinto di rosso vivo, che lo distingue immediatamente dall'ottusità della città circostante. Le imponenti dimensioni della tela esaltano ulteriormente l'imponenza di questo edificio. Come un fantasma, la torre si erge sopra le case circostanti, scuotendo figurativamente le fondamenta stesse del vecchio ordine. La pittura di Delaunay trasmette questa sensazione di sconfinato ottimismo, innocenza e freschezza di un tempo che non ha ancora assistito a due guerre mondiali.

František Kupka

Frantisek Kupka è un artista cecoslovacco che dipinge nello stile astrattismo si è laureato all'Accademia delle arti di Praga. Da studente, dipinse principalmente su temi patriottici e scrisse composizioni storiche. I suoi primi lavori erano più accademici, tuttavia, il suo stile si è evoluto nel corso degli anni e alla fine si è evoluto in arte astratta. Scritti in modo molto realistico, anche i suoi primi lavori contenevano temi e simboli mistici surreali, che si conservavano durante la scrittura di astrazioni. Kupka credeva che l'artista e il suo lavoro prendessero parte a una continua attività creativa, la cui natura non è limitata, come un assoluto.

"Amorfa. Fuga a due colori" (1907-1908)

A partire dal 1907-1908, Kupka iniziò a dipingere una serie di ritratti di una ragazza che teneva in mano una palla, come se stesse per giocare o ballare con essa. Ha quindi sviluppato rappresentazioni sempre più schematiche di lei e alla fine ha prodotto una serie di disegni completamente astratti. Sono stati realizzati in una tavolozza limitata di rosso, blu, bianco e nero. Nel 1912, al Salon d'Automne, una di queste opere astratte fu esposta per la prima volta pubblicamente a Parigi.

Astrattisti moderni

Dall'inizio del XX secolo, artisti, tra cui Pablo Picasso, Salvador Dalì, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, hanno sperimentato le forme degli oggetti e la loro percezione, mettendo anche in discussione i canoni esistenti nell'arte. Abbiamo preparato una selezione dei più famosi artisti astratti moderni che hanno deciso di spingere i propri confini della conoscenza e creare la propria realtà.

artista tedesco Davide Schenel(David Schnell) ama vagare per luoghi che prima erano dominati dalla natura, e ora sono pieni di edifici di persone, dai campi da gioco alle fabbriche e alle fabbriche. I ricordi di queste passeggiate danno vita ai suoi luminosi paesaggi astratti. Dando libero sfogo alla sua immaginazione e alla sua memoria, piuttosto che fotografie e video, David Schnell crea dipinti che ricordano la realtà virtuale del computer o illustrazioni per libri di fantascienza.

Creando i suoi quadri astratti su larga scala, l'artista americana Cristina Baker(Kristin Baker) trae ispirazione dalla storia dell'arte e dalle corse Nascar e Formula 1. All'inizio, dà volume al suo lavoro, applicando diversi strati di vernice acrilica e fissando con nastro adesivo le sagome. Kristin quindi lo rimuove con cura, rivelando gli strati di vernice sottostanti e facendo sembrare la superficie dei suoi dipinti un collage multistrato e multicolore. Nell'ultima fase del lavoro, raschia via tutte le protuberanze, facendo sembrare i suoi dipinti come se fossero una radiografia.

Nel suo lavoro, l'artista di origine greca di Brooklyn, New York, Elena Anagno(Eleanna Anagnos) esplora aspetti della vita quotidiana spesso trascurati dalle persone. Nel corso del suo “dialogo con la tela”, concetti ordinari acquistano nuovi significati e sfaccettature: lo spazio negativo diventa positivo e le piccole forme aumentano di dimensioni. Cercando di dare vita ai suoi dipinti in questo modo, Eleanna cerca di risvegliare la mente umana, che ha smesso di porsi domande e di essere aperta a qualcosa di nuovo.

Dando vita a schizzi luminosi e macchie di vernice sulla tela, un artista americano Sara Spitler(Sarah Spitler) cerca di riflettere il caos, il disastro, lo squilibrio e il disordine nel suo lavoro. È attratta da questi concetti, poiché sono al di fuori del controllo di una persona. Pertanto, il loro potere distruttivo rende le opere astratte di Sarah Spitler potenti, energiche ed emozionanti. Oltretutto. l'immagine risultante sulla tela di inchiostro, colori acrilici, matite di grafite e smalto sottolinea la natura effimera e la relatività di ciò che sta accadendo intorno.

Traendo ispirazione dal campo dell'architettura, l'artista di Vancouver, Canada, Jeff Dapner(Jeff Depner) crea dipinti astratti stratificati composti da forme geometriche. Nel "caos" artistico che ha creato, Jeff cerca l'armonia nel colore, nella forma e nella composizione. Ciascuno degli elementi nei suoi dipinti è collegato tra loro e porta a quanto segue: "Il mio lavoro esplora la struttura compositiva [di un dipinto] attraverso le relazioni dei colori in una tavolozza scelta…". Secondo l'artista, i suoi dipinti sono "segni astratti" che dovrebbero portare gli spettatori a un nuovo livello inconscio.

direzione

L'astrattismo (latino abstractio - rimozione, distrazione) o arte non figurativa è una direzione dell'arte che ha abbandonato la rappresentazione di forme vicine alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è raggiungere l '"armonizzazione" raffigurando determinate combinazioni di colori e forme geometriche, facendo sentire allo spettatore la completezza e la completezza della composizione. Personaggi di spicco: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Il primo quadro astratto fu dipinto da Vasilij Kandinskij nel 1910. Attualmente è nel Museo Nazionale della Georgia - così ha aperto una nuova pagina nella pittura mondiale - l'astrattismo, elevando la pittura alla musica.

Nella pittura della Russia del XX secolo, i principali rappresentanti dell'arte astratta furono Wassily Kandinsky (che completò il passaggio alle sue composizioni astratte in Germania), Natalya Goncharova e Mikhail Larionov, che nel 1910-1912 fondarono il "rayonismo", il creatore del suprematismo come nuovo tipo di creatività Kazimir Malevich, l'autore di "Black square" e Evgeny Mikhnov-Voitenko, il cui lavoro si distingue, tra l'altro, per una gamma senza precedenti di direzioni del metodo astratto applicato nelle sue opere (un numero di essi, compreso lo "stile graffiti", l'artista ha utilizzato il primo tra maestri non solo nazionali, ma anche stranieri).

Una tendenza legata all'astrattismo è il cubismo, che cerca di rappresentare oggetti reali con una moltitudine di piani che si intersecano, creando l'immagine di alcune figure rettilinee che riproducono la natura vivente. Alcuni degli esempi più notevoli di cubismo furono i primi lavori di Pablo Picasso.

Nel 1910-1915 i pittori in Russia, Europa occidentale e Stati Uniti iniziarono a creare opere d'arte astratte; tra i primi astrattisti, i ricercatori nominano Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich e Piet Mondrian. L'anno di nascita dell'arte non oggettiva è considerato il 1910, quando in Germania, a Murnau, Kandinsky scrisse la sua prima composizione astratta. I concetti estetici dei primi astrattisti presumevano che la creatività artistica riflettesse le leggi dell'universo, nascoste dietro fenomeni esterni e superficiali della realtà. Questi modelli, compresi intuitivamente dall'artista, sono stati espressi attraverso il rapporto di forme astratte (macchie di colore, linee, volumi, forme geometriche) in un'opera astratta. Nel 1911, a Monaco, Kandinsky pubblicò il libro Sullo spirituale nell'arte, diventato famoso, in cui rifletteva sulla possibilità di incarnare l'interiormente necessario, lo spirituale, in contrapposizione all'esteriore, l'accidentale. La "giustificazione logica" delle astrazioni di Kandinsky si basava sullo studio delle opere teosofiche e antroposofiche di Helena Blavatsky e Rudolf Steiner. Nel concetto estetico di Piet Mondrian, gli elementi primari della forma erano le opposizioni primarie: orizzontale - verticale, linea - piano, colore - non colore. Nella teoria di Robert Delaunay, in contrasto con i concetti di Kandinsky e Mondrian, la metafisica idealistica era respinta; Il compito principale dell'astrattismo per l'artista era studiare le qualità dinamiche del colore e altre proprietà del linguaggio artistico (la direzione fondata da Delaunay era chiamata Orfismo). Il creatore del "Rayonismo" Mikhail Larionov ha raffigurato "la radiazione della luce riflessa; polvere di colore.

Nata all'inizio degli anni '10, l'arte astratta si è sviluppata rapidamente, manifestandosi in molte aree dell'arte d'avanguardia nella prima metà del XX secolo. Le idee dell'astrattismo si riflettono nelle opere di espressionisti (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubisti (Fernand Léger), dadaisti (Jean Arp), surrealisti (Joan Mirò), futuristi italiani (Gino Severini, Giacomo Balla,

Per me, lo stile dell'arte astratta è principalmente un confronto con la logica della civiltà. L'intera storia della civiltà del secolo scorso è costruita su formule, algoritmi, principi, equazioni e regole. Tuttavia, è nella natura umana lottare per l'equilibrio e l'armonia. A questo proposito, all'alba del secolo della rivoluzione scientifica e tecnologica, appare un tale movimento artistico che non obbedisce ai canoni classici del disegno, ma, al contrario, serve come obiettivo per dare libertà all'inconscio e al caotico , a prima vista privo di significato, ma dando così a una persona l'opportunità di liberarsi dall'influenza di norme e dogmi e mantenere l'armonia interna.

Astrattismo(dal latino abstractus - remoto, astratto) è una tendenza molto ampia nell'arte del XX secolo, sorta all'inizio degli anni '10 in diversi paesi europei. L'astrattismo è caratterizzato dall'uso di elementi esclusivamente formali per visualizzare la realtà, dove l'imitazione o una visualizzazione accurata della realtà non era fine a se stessa.

I fondatori dell'astrattismo sono artisti russi e l'olandese Piet Mondrian, il francese Robert Delaunay e il ceco Frantisek Kupka. Il loro metodo di disegno si basava sul desiderio di "armonizzazione", la creazione di determinate combinazioni di colori e forme geometriche per evocare varie associazioni nel contemplatore.

Nell'astrattismo si possono distinguere due direzioni chiare: l'astrazione geometrica, basata principalmente su configurazioni chiaramente definite (Malevich, Mondrian), e l'astrazione lirica, in cui la composizione è organizzata da forme che fluiscono liberamente (Kandinsky). Anche nell'astrattismo ci sono molte altre importanti tendenze indipendenti.

Cubismo— una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme geometriche enfaticamente condizionali, il desiderio di "scindere" oggetti reali in primitive stereometriche.

Raionismo (luchismo)- una tendenza nell'arte astratta degli anni '10, basata sullo spostamento degli spettri luminosi e sulla trasmissione della luce. L'idea dell'emergere di forme dall '"incrocio dei raggi riflessi di vari oggetti" è caratteristica, poiché una persona percepisce effettivamente non l'oggetto stesso, ma "la somma dei raggi provenienti dalla sorgente luminosa, riflessa dal oggetto."

neoplasticismo- designazione della direzione dell'arte astratta, che esisteva nel 1917-1928. in Olanda e artisti uniti raggruppati attorno alla rivista "De Stijl" ("Stile"). Caratterizzato da chiare forme rettangolari in architettura e pittura astratta nella disposizione di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori primari dello spettro.

Orfismo- una tendenza nella pittura francese degli anni '10. Gli artisti-orfisti hanno cercato di esprimere la dinamica del movimento e la musicalità dei ritmi con l'aiuto delle "regolarità" della compenetrazione dei colori primari dello spettro e dell'intersezione delle superfici curvilinee.

Suprematismo- una direzione nell'arte d'avanguardia, fondata negli anni '10. Malevich. Era espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici. La combinazione di figure geometriche multicolori forma equilibrate composizioni suprematiste asimmetriche permeate di movimento interno.

Tachismo- una tendenza dell'astrattismo dell'Europa occidentale degli anni '50 e '60, più diffusa negli Stati Uniti. È un dipinto con macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Tratti, linee e macchie di tachismo vengono applicati alla tela con rapidi movimenti della mano senza un piano premeditato.

espressionismo astratto- il movimento degli artisti che dipingono velocemente e su grandi tele, utilizzando pennellate non geometriche, grandi pennelli, a volte colando vernice sulla tela, per rivelare appieno le emozioni. Il metodo espressivo della pittura qui è spesso importante quanto la pittura stessa.

Una delle principali tendenze dell'arte d'avanguardia. Il principio fondamentale dell'arte astratta è il rifiuto di imitare la realtà visibile e di operare con i suoi elementi nel processo di creazione di un'opera. L'oggetto dell'arte invece delle realtà del mondo circostante diventa gli strumenti della creatività artistica: colore, linea, forma. La trama è sostituita da un'idea di plastica. Il ruolo del principio associativo nel processo artistico aumenta molte volte, e diventa anche possibile esprimere i sentimenti e gli stati d'animo del creatore in immagini astratte, ripulite dal guscio esterno, che sono in grado di concentrare il principio spirituale dei fenomeni ed essere i suoi portatori (opere teoriche di V.V. Kandinsky).

Elementi casuali di astrazione possono essere identificati nell'arte mondiale durante tutto il suo sviluppo, a cominciare dalle pitture rupestri. Ma l'origine di questo stile va ricercata nella pittura degli impressionisti, che cercavano di scomporre il colore in elementi separati. Il fauvismo ha sviluppato consapevolmente questa tendenza, "svelando" il colore, sottolineandone l'indipendenza e facendone l'oggetto dell'immagine. Dei fauvisti, Franz Marc e Henri Matisse si sono avvicinati maggiormente all'astrazione (le sue parole sono sintomatiche: "tutta l'arte è astratta"), anche i cubisti francesi (soprattutto Albert Gleizes e Jean Metzinger) e i futuristi italiani (Giacomo Balla e Gino Severini) si sono mossi questo percorso. . Ma nessuno di loro poteva o non voleva superare il confine della figuratività. "Ammettiamo, tuttavia, che qualche richiamo alle forme esistenti non dovrebbe essere completamente bandito, almeno al momento presente" (A. Glaze, J. Metzinger. On Cubism. St. Petersburg, 1913, p. 14).

Le prime opere astratte apparvero tra la fine del 1900 e l'inizio degli anni '10 nell'opera di Kandinsky mentre lavorava al testo "On the Spiritual in Art", e il suo "Picture with a Circle" (1911. NMG) è considerato il primo dipinto astratto. In questo momento, dice:<...>solo quella forma è corretta, quale<...>materializza il contenuto di conseguenza. Ogni sorta di considerazioni secondarie, e tra queste la corrispondenza della forma alla cosiddetta "natura", ad es. natura esterna, sono insignificanti e dannosi, poiché distraggono dall'unico compito della forma: l'incarnazione del contenuto. La forma è un'espressione materiale del contenuto astratto” (Contenuto e forma. 1910 // Kandinsky 2001. Vol. 1. P. 84).

In una fase iniziale, l'arte astratta nella persona di Kandinsky ha assolutizzato il colore. Nello studio del colore, pratico e teorico, Kandinsky sviluppò la dottrina del colore di Johann Wolfgang Goethe e pose le basi per la teoria del colore nella pittura (tra gli artisti russi, M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun e altri erano impegnati nel colore teoria).

In Russia, nel 1912-1915, furono creati i sistemi di pittura astratta del Luchismo (M.F. Larionov, 1912) e del Suprematismo (K.S. Malevich, 1915), che determinarono in gran parte l'ulteriore evoluzione dell'arte astratta. Il riavvicinamento con l'arte astratta può essere trovato nel cubo-futurismo e nell'alogismo. Una svolta nell'astrazione fu il dipinto "Vuoto" di N.S. Goncharova (1914. Galleria statale Tretyakov), ma questo tema non trovò ulteriore sviluppo nel lavoro dell'artista. Un altro aspetto non realizzato dell'astrazione russa è la pittura a colori di OV Rozanova (vedi: Arte non oggettiva).

Il ceco Frantisek Kupka, i francesi Robert Delaunay e Jacques Villon, l'olandese Piet Mondrian, gli americani Stanton McDonald-Wright e Morgan Russell seguirono negli stessi anni la propria strada verso l'astrazione pittorica. I controrilievi di V.E. Tatlin (1914) furono le prime costruzioni spaziali astratte.

Il rifiuto dell'isomorfismo e l'appello al principio spirituale hanno dato motivo di associare l'arte astratta alla teosofia, all'antroposofia e persino all'occultismo. Ma gli stessi artisti non hanno espresso tali idee nelle prime fasi dello sviluppo dell'arte astratta.

Dopo la prima guerra mondiale, la pittura astratta guadagna gradualmente una posizione dominante in Europa e diventa un'ideologia artistica universale. Questo è un potente movimento artistico, che nelle sue aspirazioni va ben oltre i limiti dei compiti pittorici e plastici e dimostra la capacità di creare sistemi estetici e filosofici e risolvere problemi sociali (ad esempio, la "Città suprematista" di Malevich, basata sui principi di costruzione della vita). Negli anni '20, sulla base della sua ideologia, sorsero istituti di ricerca come il Bauhaus o il Ginhuk. Anche il costruttivismo è nato dall'astrazione.

La versione russa dell'astrazione era chiamata arte non oggettiva.

Molti dei principi e delle tecniche dell'arte astratta che sono diventati classici nel XX secolo sono ampiamente utilizzati nel design, nelle arti teatrali e decorative, nel cinema, nella televisione e nella computer grafica.

Il concetto di arte astratta è cambiato nel tempo. Fino agli anni '10, questo termine era usato in relazione alla pittura, dove le forme erano rappresentate in modo generalizzato e semplificato, ad es. "astratto", rispetto a una rappresentazione più dettagliata o naturalistica. In questo senso, il termine veniva applicato principalmente all'arte decorativa o alle composizioni appiattite.

Ma dal 1910, "astratto" si riferisce a opere in cui la forma o la composizione è rappresentata da un'angolazione tale che il soggetto originale cambia quasi al di là del riconoscimento. Molto spesso, questo termine denota uno stile artistico basato esclusivamente sulla disposizione di elementi visivi: forme, colori, strutture e non è affatto necessario che abbiano un'immagine iniziale nel mondo materiale.

Il concetto di significato nell'arte astratta (in entrambe le sue accezioni, precedente e successiva) è una questione complessa e costantemente dibattuta. Le forme astratte possono anche riferirsi a fenomeni non visivi, come l'amore, la velocità o le leggi della fisica, associandosi a un'entità derivata ("essenzialismo"), con un modo immaginario o altro di separarsi dal dettagliato, dettagliato e non- essenziale, casuale. Nonostante l'assenza di un soggetto rappresentativo, un'enorme espressione può accumularsi in un'opera astratta, ed elementi semanticamente pieni, come il ritmo, la ripetizione e il simbolismo del colore, indicano il coinvolgimento in idee o eventi specifici al di fuori dell'immagine stessa.

Letteratura:

• M. Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Parigi, 1949;
• M.Brion. L'arte astratta. Parigi, 1956; D.Vallier. L'arte astratta. Parigi, 1967;
• R. Cappone. Presentazione della pittura astratta. Londra, 1973;
• c.blocco. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900-1960 Colonia, 1975;
• M.Schapiro. Natura dell'arte astratta (1937) // M.Schapiro. Arte Moderna. Carte selezionate. Nuova York, 1978;
• Verso una nuova arte: saggi sullo sfondo della pittura astratta 1910-1920. ed. M. Compton. Londra, 1980;
• Lo spirituale nell'arte. Pittura astratta 1890–1985. Museo delle arti della contea di Los Angeles. 1986/1987;
• Testo di M.Tuchman; B.Altshuler. L'avanguardia in mostra. La nuova arte nel XX secolo. Nuova York, 1994;
• Astrazione in Russia. XX secolo. T. 1–2. Timing [Catalogo] San Pietroburgo, 2001;
• Non oggettività e astrazione. Sab. articoli. Rappresentante. ed. GF Kovalenko. M., 2011.;