Il teatro come forma d'arte e la sua differenza fondamentale dalle altre forme d'arte. La storia del teatro: l'emergere e lo sviluppo dell'arte teatrale, fatti divertenti Elenco delle fonti utilizzate

CLASSIFICAZIONE DEGLI ARTT

L'arte (riflessione creativa, riproduzione della realtà in immagini artistiche.) esiste e si sviluppa come un sistema di tipi interconnessi, la cui diversità è dovuta alla versatilità di se stessa (il mondo reale, visualizzato nel processo di creazione artistica.

I tipi di arte sono forme storicamente stabilite di attività creativa che hanno la capacità di realizzare artisticamente il contenuto della vita e differiscono nei modi della sua incarnazione materiale (parola nella letteratura, suono nella musica, materiali plastici e colorati nelle belle arti, ecc.) .

Nella moderna letteratura di storia dell'arte si è sviluppato un certo schema e sistema di classificazione delle arti, sebbene non ce ne sia ancora uno solo e siano tutti relativi. Lo schema più comune è la sua divisione in tre gruppi.

Il primo include le arti spaziali o plastiche. Per questo gruppo di arti, la costruzione spaziale nella divulgazione dell'immagine artistica è essenziale: belle arti, arti decorative e applicate, architettura, fotografia.

Il secondo gruppo comprende arti temporanee o dinamiche. In essi, la composizione che si svolge nel tempo è di fondamentale importanza: musica, letteratura.Il terzo gruppo è rappresentato da tipi spazio-temporali, chiamati anche arti sintetiche o spettacolari: coreografia, letteratura, arte teatrale, cinematografia.

L'esistenza di vari tipi di arti è dovuta al fatto che nessuna di esse, con i propri mezzi, può dare un quadro artistico completo del mondo. Un'immagine del genere può essere creata solo dall'intera cultura artistica dell'umanità nel suo insieme, costituita da singoli tipi di arte.

TEATRO

Il teatro è una forma d'arte che domina artisticamente il mondo attraverso un'azione drammatica svolta da un team creativo.

La base del teatro è la drammaturgia. La natura sintetica dell'arte teatrale determina la sua natura collettiva: la performance combina gli sforzi creativi di un drammaturgo, regista, artista, compositore, coreografo, attore.

Gli spettacoli teatrali sono divisi in generi:

Tragedia;

Commedia;

Musicale, ecc.

L'arte teatrale affonda le sue radici in tempi antichi. I suoi elementi più importanti esistevano già nei riti primitivi, nelle danze totemiche, nel copiare le abitudini degli animali, ecc.

Il teatro è un'arte collettiva (Zahava)

La prima cosa che ferma la nostra attenzione quando pensiamo alle specificità del teatro è il fatto essenziale che un'opera d'arte teatrale - una performance - è creata non da un artista, come nella maggior parte delle altre arti, ma da molti partecipanti al processo creativo processi. Drammaturgo, attore, regista, truccatore, decoratore, musicista, illuminatore, costumista, ecc. Ognuno contribuisce con la propria parte di lavoro creativo alla causa comune. Pertanto, il vero creatore nell'arte teatrale non è un individuo, ma una squadra, un insieme creativo. La squadra nel suo insieme è l'autore di un'opera d'arte teatrale finita: una performance. La natura del teatro richiede che l'intero spettacolo sia intriso di pensiero creativo e sentimento vivo. Devono essere saturi di ogni parola della commedia, di ogni movimento dell'attore, di ogni messa in scena creata dal regista. Tutte queste sono manifestazioni della vita di quell'unico, integrale, organismo vivente che, nascendo grazie agli sforzi creativi dell'intero team teatrale, ottiene il diritto di essere definito una vera opera d'arte teatrale: uno spettacolo. La creatività di ogni singolo artista coinvolto nella creazione della performance non è altro che un'espressione delle aspirazioni ideologiche e creative dell'intero team nel suo insieme. Senza un team unito, ideologicamente coeso, appassionato di compiti creativi comuni, non ci può essere una performance a tutti gli effetti. La creatività teatrale a tutti gli effetti presuppone la presenza di una squadra che abbia una visione del mondo comune, aspirazioni ideologiche e artistiche comuni, un metodo creativo comune a tutti i suoi membri e soggetto alla disciplina più severa. "La creatività collettiva", ha scritto K. S. Stanislavsky, "su cui si basa la nostra arte, richiede necessariamente un insieme, e coloro che la violano commettono un crimine non solo contro i loro compagni, ma anche contro l'arte stessa che servono". Il compito di educare un attore nello spirito del collettivismo, derivante dalla natura stessa dell'arte teatrale, si fonde con il compito dell'educazione comunista, che presuppone lo sviluppo di un sentimento di devozione agli interessi del collettivo in ogni modo possibile, e la lotta più aspra contro tutte le manifestazioni dell'individualismo borghese.

Il teatro è un'arte sintetica. Attore - portatore delle specificità del teatro

Nella connessione più stretta con il principio collettivo nell'arte teatrale c'è un'altra caratteristica specifica del teatro: la sua natura sintetica. Il teatro è una sintesi di molte arti che interagiscono tra loro. Questi includono la letteratura, la pittura, l'architettura, la musica, l'arte vocale, l'arte della danza, ecc. Tra queste arti ce n'è una che appartiene solo al teatro. Questa è l'arte dell'attore. L'attore è inseparabile dal teatro e il teatro è inseparabile dall'attore. Ecco perché possiamo dire che l'attore è il portatore delle specificità del teatro. La sintesi delle arti nel teatro - la loro combinazione organica nello spettacolo - è possibile solo se ciascuna di queste arti svolge una certa funzione teatrale. Nell'esecuzione di questa funzione teatrale, il lavoro di una qualsiasi delle arti acquisisce per essa una nuova qualità teatrale. Perché la pittura teatrale non è la stessa cosa della semplice pittura, la musica teatrale non è la stessa cosa della semplice musica, e così via. Solo la recitazione è di natura teatrale. Naturalmente, il valore dell'opera per la rappresentazione è incommensurabile con il valore della scenografia. Lo scenario è chiamato a svolgere un ruolo ausiliario, mentre lo spettacolo è il fondamento ideologico e artistico della futura performance. Eppure una commedia non è la stessa cosa di una poesia o di una storia, anche se scritta sotto forma di dialogo. Qual è la differenza più significativa (nel senso che ci interessa) tra opera teatrale e poesia, scenografia da quadro, costruzione scenica da struttura architettonica? Una poesia, un'immagine hanno un significato indipendente. Il poeta, il pittore si rivolgono direttamente al lettore o allo spettatore. L'autore di un'opera teatrale come opera letteraria può anche rivolgersi direttamente al suo lettore, ma solo al di fuori del teatro. A teatro, invece, il drammaturgo, il regista, l'arredatore e il musicista parlano al pubblico attraverso l'attore o in connessione con l'attore. In effetti, la parola del drammaturgo risuona sul palco, che l'autore non ha riempito di vita, non l'ha fatta sua parola, è percepita come viva? Le indicazioni del regista formalmente eseguite o la messa in scena proposta dal regista ma non vissuta dall'attore possono risultare convincenti per lo spettatore? Ovviamente no! Può sembrare che la situazione sia diversa con la decorazione e la musica. Immagina che lo spettacolo inizi, il sipario si apra e, sebbene non ci sia un solo attore sul palco, l'auditorium applaude il magnifico scenario creato dall'artista. Si scopre che l'artista si rivolge direttamente allo spettatore e non attraverso l'attore. Ma qui escono gli attori, nasce un dialogo. E inizi a sentire che man mano che l'azione si svolge, una sorda irritazione cresce dentro di te contro lo scenario che hai appena ammirato. Senti che ti distrae dall'azione scenica, ti impedisce di percepire la recitazione. Inizi a capire che esiste una sorta di conflitto interno tra il set e la recitazione: o gli attori non si comportano come dovrebbero comportarsi nelle condizioni associate a questo set, oppure il set caratterizza in modo errato la scena. L'una non va d'accordo con l'altra, non c'è sintesi delle arti, senza la quale non c'è teatro. Accade spesso che il pubblico, incontrando con entusiasmo questo o quello scenario all'inizio dell'atto, lo rimproveri quando l'azione è finita. Ciò significa che il pubblico ha valutato positivamente il lavoro dell'artista, indipendentemente da questa performance, come un'opera d'arte della pittura, ma non l'ha accettata come scenografia teatrale, come elemento della performance. Ciò significa che lo scenario non ha adempiuto alla sua funzione teatrale. Per adempiere al suo scopo teatrale, deve riflettersi nella recitazione, nel comportamento dei personaggi sul palco. Se l'artista mette in fondo al palco un magnifico fondale che ritrae perfettamente il mare, e gli attori si comportano sul palco come si comportano le persone nella stanza, e non in riva al mare, il fondale rimarrà morto. Qualsiasi parte della scenografia, qualsiasi oggetto posto sulla scena, ma non animato dall'atteggiamento della gomma espresso attraverso l'azione, rimane morto e deve essere allontanato dalla scena. Qualsiasi suono che risuonava per volontà del regista o del musicista, ma non percepito in alcun modo dall'attore e non riflesso nel suo comportamento scenico, deve essere messo a tacere, perché non ha acquisito una qualità teatrale. Essere teatrale per tutto ciò che è sul palco, informa l'attore. Tutto ciò che si crea nel teatro per ricevere la pienezza della propria vita attraverso l'attore è teatrale. Tutto ciò che rivendica un significato indipendente, un essere autosufficiente, è antiteatrale. Questo è il segno con cui distinguiamo un'opera teatrale da una poesia o da un racconto, una scenografia da un dipinto, una costruzione scenica da una struttura architettonica.

Il teatro è un'arte collettiva

Il teatro è un'arte sintetica. Attore-portatore delle specificità del teatro

L'azione è il materiale principale dell'arte teatrale

La drammaturgia è la componente principale del teatro

La creatività dell'attore è il materiale principale della regia artistica

Lo spettatore è la componente creativa del teatro ZAKHAVA!!!

TEATRO(dal greco theatron - luoghi per uno spettacolo, spettacolo), il tipo principale di arte spettacolare. Il concetto generico di teatro è suddiviso in tipi di arte teatrale: teatro drammatico, opera, balletto, teatro pantomima, ecc. L'origine del termine è legata all'antico teatro antico greco, dove i luoghi dell'auditorium venivano chiamati così (dal verbo greco "teaomai" - guardo). Tuttavia, oggi il significato di questo termine è estremamente vario. Viene inoltre utilizzato nei seguenti casi:

1. Un teatro è un edificio appositamente costruito o adattato per mostrare spettacoli ("Il teatro è già pieno, le scatole brillano" A.S. Pushkin).

2. Un'istituzione, un'impresa impegnata a mostrare spettacoli, nonché l'intero team dei suoi dipendenti che forniscono il noleggio di spettacoli teatrali (Teatro Mossovet; tour del Teatro Taganka, ecc.).

3. Un insieme di opere drammatiche o teatrali strutturate secondo l'uno o l'altro principio (teatro di Cechov, teatro rinascimentale, teatro giapponese, teatro di Mark Zakharov, ecc.).

4. In un senso obsoleto (conservato solo nel gergo professionale teatrale) - palcoscenico, palcoscenico ("La nobile povertà è buona solo a teatro" A.N. Ostrovsky).

5. In senso figurato - il luogo di eventuali eventi in corso (teatro delle operazioni militari, teatro anatomico).

L'arte teatrale ha caratteristiche specifiche che rendono le sue opere uniche, ineguagliabili in altri generi e tipi di arte.

Prima di tutto, è la natura sintetica del teatro. Le sue opere comprendono facilmente quasi tutte le altre arti: letteratura, musica, belle arti (pittura, scultura, grafica, ecc.), canto, coreografia, ecc.; e utilizzare anche i numerosi risultati di un'ampia varietà di scienze e campi della tecnologia. Così, ad esempio, gli sviluppi scientifici della psicologia hanno costituito la base della recitazione e della direzione della creatività, nonché della ricerca nel campo della semiotica, della storia, della sociologia, della fisiologia e della medicina (in particolare, nell'insegnamento del discorso scenico e del movimento scenico). Lo sviluppo di vari rami della tecnologia consente di migliorare e passare a un nuovo livello di macchine sceniche; economia sonora e acustica del teatro; attrezzatura per l'illuminazione; l'emergere di nuovi effetti scenici (ad esempio fumo sul palco, ecc.). Parafrasando il famoso detto di Molière, possiamo dire che il teatro "prende il suo bene dove lo trova".

Da qui - la seguente caratteristica specifica dell'arte teatrale: la collettività del processo creativo. Tuttavia, le cose non sono così semplici qui. Non si tratta solo del lavoro congiunto del numeroso staff teatrale (dal cast dello spettacolo ai rappresentanti dei laboratori tecnici, il cui lavoro ben coordinato determina in gran parte la "purezza" dello spettacolo). In ogni opera d'arte teatrale c'è un altro coautore a tutti gli effetti e più importante: lo spettatore, la cui percezione corregge e trasforma la performance, ponendo accenti in modi diversi e talvolta cambiando radicalmente il significato generale e l'idea della performance . Uno spettacolo teatrale senza spettatori è impossibile: il nome stesso del teatro è associato ai posti degli spettatori. La percezione del pubblico di una performance è un serio lavoro creativo, indipendentemente dal fatto che il pubblico ne sia consapevole o meno.

Quindi la caratteristica successiva dell'arte teatrale è la sua natura momentanea: ogni performance esiste solo al momento della sua riproduzione. Questa caratteristica è inerente a tutti i tipi di arti dello spettacolo. Tuttavia, ci sono alcune peculiarità qui.

Quindi, in un circo, quando è richiesta l'abilità artistica dei partecipanti allo spettacolo, la purezza tecnica del trucco diventa ancora un fattore fondamentale: la sua violazione comporta un pericolo per la vita dell'artista circense, indipendentemente dalla presenza o dall'assenza di spettatori. In linea di principio, la co-paternità attiva con il pubblico è, forse, solo un artista circense: un clown. Da qui lo sviluppo di uno dei tipi di teatro, la clownerie teatrale, che si sviluppa secondo leggi vicine a quelle del circo, ma comunque diverse: il teatro generale.

L'esecuzione di arte musicale e vocale, con lo sviluppo della tecnologia di registrazione audio, ha acquisito la possibilità di fissazione e ulteriore riproduzione multipla, identica all'originale. Ma un'adeguata registrazione video di uno spettacolo teatrale è in linea di principio impossibile: l'azione si sviluppa spesso contemporaneamente in diverse parti del palcoscenico, il che dà volume a quanto sta accadendo e forma una gamma di toni e semitoni dell'atmosfera scenica. Con i primi piani delle riprese, le sfumature della vita scenica generale rimangono dietro le quinte; i piani generali sono troppo piccoli e non possono trasmettere tutti i dettagli. Non è un caso che solo la regia, le versioni televisive o cinematografiche d'autore di spettacoli teatrali realizzati secondo leggi interculturali diventino successi creativi. È come con una traduzione letteraria: la fissazione secca di uno spettacolo teatrale su pellicola è simile all'interlineare: tutto sembra essere corretto, ma la magia dell'arte scompare.

Qualsiasi spazio vuoto può essere definito un palcoscenico vuoto. L'uomo si sta muovendo

nello spazio qualcuno lo guarda, e già questo basta per un teatrale

azione. Tuttavia, quando parliamo di teatro, di solito intendiamo qualcos'altro. Rosso

tende, riflettori, versi vuoti, risate, oscurità: tutto questo è mescolato in modo casuale

la nostra mente e crea un'immagine sfocata, che designiamo in tutti i casi

in una parola. Diciamo che il cinema ha ucciso il teatro, intendendo il teatro quello

esisteva al tempo dell'avvento del cinema, cioè un teatro con botteghino, foyer, pieghevole

poltrone, luci della ribalta, cambi di scena, intervalli e musica, come se la parola stessa

"teatro" per definizione significa proprio questo e quasi nient'altro.

Cercherò di dividere questa parola in quattro modi e di evidenziarne quattro diversi.

significati, quindi parlerò del Teatro Morto, del Teatro Sacro, del Teatro Grezzo.

e sul teatro in quanto tale. A volte questi quattro teatri esistono nel quartiere da qualche parte

West End a Londra o vicino a Times Square a New York. A volte sono separati da centinaia

miglia, e talvolta questa divisione è condizionata, poiché due di esse sono combinate in

una sera o un atto. A volte per un solo momento tutti e quattro i teatri -

Sacro, grezzo, inanimato e il teatro in quanto tale si fondono in uno. P.Ruscello"Spazio vuoto"

1. TEATRO E VERITÀ Oscar Remez "La maestria del regista"

Se è vero che "teatralità" e "verità" lo sonoprincipalecomponenti di una performance drammatica, altrettanto vereEil fatto che la lotta di questi due principi è la fonte dello sviluppoespressivosignifica nell'arte teatrale. Questa lotta è facileindovinatoquando esaminiamo il passato del teatro, e moltopiù difficilesi rivela quando si considera il creativo viventeprocessisviluppandosi davanti ai nostri occhi.

3. CICLO DI STORIA DEL TEATRO

Confrontando il noto passato e il presente emergente, si può giungere alla conclusione su uno schema speciale di cambiamenti nelle tendenze teatrali, una ciclicità speciale, rigorosamente misurata, delle epoche teatrali.

La principessa Turandot è stata sostituita da un nuovo criterio di verità scenica: il metodo delle azioni fisiche. La nuova tradizione teatrale è stata continuata nelle opere di M. Kedrov. Allo stesso tempo e nella stessa vena, hanno funzionato i teatri di A. Popov e A. Lobanov. Inoltre, la "vitalità" scenica sempre più rigorosa e coerente è sostituita dalla teatralità romantica di N. Okhlopkov. La sintesi di due principi, l'apice del teatro della fine degli anni '40 - "The Young Guard", un'opera di N. Okhlopkov, che esprimeva in modo più completo la realtà per mezzo del linguaggio artistico moderno. A metà degli anni '50 - una nuova ondata - il trionfo del metodo di analisi efficace: le opere di M. Knebel, la nascita di Sovremennik, le performance di G. A. Tovstonogov.

Come puoi vedere, ogni direzione teatrale si sviluppa dapprima, per così dire, in modo latente, spesso matura nelle viscere della direzione precedente (e, come si scopre in seguito, polare), nasce inaspettatamente, si sviluppa in conflitto con la tradizione e supera il percorso condizionato dalla dialettica - ascesa, pienezza espressiva, crisi creativa. Ogni periodo della storia del teatro ha il suo leader. Lo seguono, lo imitano, discutono ferocemente con lui, di regola, da due lati: quelli che sono rimasti indietro e quelli che sono davanti.

Naturalmente, il percorso di ascesa alla sintesi teatrale è molto complesso. I punti di svolta nell'arte teatrale non sono necessariamente associati ai nomi dei registi qui nominati. Anche la pedante divisione degli operatori teatrali in "gruppi", "correnti", "campi" è difficilmente giustificata. Non dimentichiamo - durante il periodo di sintesi teatrale degli anni '20, nientemeno che K. S. Stanislavsky creò spettacoli in cui la tendenza vincente si esprimeva in modo più completo e vivido - "Hot Heart" (1926) e "The Marriage of Figaro" ( 1927) . Fu in queste opere che la brillante teatralità si unì a un profondo sviluppo psicologico.

Una continuazione di questo tipo di tradizione all'Art Theatre fu uno spettacolo come The Pickwick Club (1934), messo in scena dal regista V. Ya Stanitsyn.

Si potrebbe avere l'impressione che il teatro si ripeta, seguendo un cerchio prestabilito. Un concetto che è molto vicino a questo tipo di comprensione (con qualche spostamento e ambiguità di terminologia) è stato proposto una volta da J. Gassner nel suo libro "Form and Idea in Modern Theatre".

Tuttavia, il concetto di uno sviluppo ciclico chiuso del teatroerrato. Un quadro oggettivo dello sviluppo della storia del teatro -movimento, eseguito a spiraleessenziale, Che succedeogni casanella sua nuova svolta, il teatro propone fondamentalmente novitàcriteri verità e teatralità che a coronamento di ciascuna, dai cicli di sviluppo, la sintesi si pone ogni volta su basi diverse. Allo stesso tempo, la nuova teatralità non può che dominare (pur nelle polemiche) l'esperienza precedente, e questo è il presupposto inevitabile nel futuro dell'equilibrio dinamico. Così, la lotta tra teatralità e verità diventa il contenuto della storia della regia dei mezzi espressivi, fonte di sviluppo di nuove forme teatrali moderne.

1. Il teatro come forma d'arte ha una natura sintetica. Gli spettacoli teatrali includono possibilità espressive, mezzi di quasi tutti i tipi di arte (letteraria, musica, belle arti, coreografia, ecc.). Allo stesso tempo, nessuna delle forme d'arte giocherà un ruolo di primo piano. Attualmente, la sintesi del teatro si ottiene attraverso l'uso degli sviluppi della scienza e della tecnologia moderne (psicologia, semiotica, tecnologia).

2. Il teatro è un processo creativo collettivo. Non si tratta solo della creatività congiunta dei membri della troupe, ma anche dell'interazione, della co-paternità dello spettatore. La percezione del pubblico può correggere e modificare la performance. La performance non è possibile senza un pubblico. La percezione del pubblico è un lavoro serio, creativo, intellettuale, anche se lo spettatore stesso non se ne rende conto.

3. Il teatro esiste come performance momentanea. Ogni performance esiste solo nel momento della sua riproduzione. Ciò fornisce una comprensione dell'idea di storicità nella percezione del teatro. È nel teatro che lo spettatore ha accesso diretto, coinvolgimento nell'opera. Indipendentemente dall'epoca in cui recitano gli attori.

4. Un'opera teatrale non si conserva a causa del momento, esiste solo nel momento attuale. Qualsiasi trasferimento su pellicola consente solo di fissare l'azione. In questo caso, la magia dell'arte scompare.

5. Il teatro, come ogni tipo di arte, è soggetto a un certo tempo artistico, gli eventi sul palcoscenico (la nascita di un'opera) avvengono contemporaneamente all'atto della percezione da parte dello spettatore. Nel teatro, il cosiddetto. tempo di scena - durante il quale si svolge la performance. Attualmente lo spettacolo è di 2,5-3 ore, ma alcune produzioni suggeriscono una durata di 5-10 ore. A volte ci vogliono diversi giorni.

6. Il principale portatore dell'idea teatrale, l'azione è l'attore. L'immagine dell'attore viene creata nell'ambito dell'idea stabilita dalla commedia, la sua interpretazione da parte del regista, ma, nonostante ciò, l'attore rimane un artista che incarna autonomamente immagini viventi sul palco.

7. Il teatro come forma d'arte è soggetto a interpretazione. Il problema dell'interpretazione si pone in relazione non tanto ai testi della drammaturgia moderna quanto ai testi dei classici. L'interpretazione in teatro è una variante di una nuova lettura di un'opera nota, in cui si può rintracciare la posizione filosofica, politica, morale dell'autore.

A teatro, l'interpretazione permette di correlare i problemi del presente con i fatti storici del passato.

Nell'analisi dell'interpretazione teatrale, un ruolo importante è svolto dalla comprensione degli atteggiamenti del regista, della sua visione del mondo, nonché dal chiarimento di alcuni eterni problemi relativi all'essenza dell'uomo. Lo spettatore, percependo un'opera classica in teatro, entra in dialogo non tanto con l'autore, quanto con il regista, che gli permette di svelare l'essenza dei conflitti della società moderna. Ma allo stesso tempo, lo spettatore è in dialogo con l'epoca in cui l'opera è stata creata. I registi si rivolgono a opere classiche, le interpretano, perché. in loro il conflitto non è risolto, è eterno. Il regista è in uno stato di "appello interpretativo" (W. Eco). L'interpretazione in teatro è possibile, è possibile a livello di drammaturgo, a livello di regista, attore, spettatore, critico teatrale (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Scrivi un saggio sull'argomento: Quali sono le somiglianze tra teatro e scultura? 1 pagina

TEATRO (Theatron greco - un luogo per gli spettacoli) - una forma d'arte basata sul riflesso artistico della vita, realizzata attraverso un'azione drammatica eseguita da attori davanti al pubblico. L'arte del teatro è secondaria. La base dell'arte del palcoscenico è il dramma, che acquisisce una nuova qualità nell'incarnazione teatrale: teatralità, immagine teatrale. Lo sviluppo del teatro è strettamente connesso allo sviluppo del dramma e ai mezzi drammatici ed espressivi del dramma del monologo e del dialogo. L'opera principale dell'arte teatrale è una performance, un'azione artisticamente organizzata, spettacolare e giocosa. La performance è il risultato degli sforzi del team creativo. Allo stesso tempo, la performance si distingue per l'unità figurativa. La struttura figurativa dello spettacolo è creata dall'unità di tutti gli elementi dell'azione teatrale, subordinati a un unico compito artistico - il "super compito", e un unico obiettivo scenico che organizza l'azione scenica nel tempo e nello spazio, "attraverso l'azione ”.

L'essenza giocosa del teatro sta cambiando storicamente. Nato dal rituale, il sistema di influenza spettacolare nel suo insieme è preservato in tutte le fasi dello sviluppo del teatro - la trasformazione dell'attore, che usa i suoi dati psicofisici per creare l'immagine di un'altra persona - il carattere della parola e plasticità sono le condizioni principali per coinvolgere lo spettatore nell'azione. Il teatro moderno conosce varie forme di organizzazione dell'azione teatrale. In un teatro dell'esperienza realistico e psicologico, il principio di riflettere la vita nelle forme della vita stessa implica il principio di una "quarta parete", come se separasse lo spettatore dal palcoscenico e creasse l'illusione della realtà. Nel teatro della rappresentazione - il "teatro epico" il principio del gioco potrebbe non coincidere con la verità delle circostanze della vita e suggerisce una soluzione poetico-generalizzata, metaforica, figurativa.

Il teatro è un'arte collettiva (vedi). Nel processo di evoluzione storica, è stato stabilito il principio dell'ensemble. Nel teatro moderno, il ruolo dell'organizzatore dell'azione scenica e degli sforzi creativi della squadra spetta al regista, responsabile dell'interpretazione scenica della base drammatica. Con l'aiuto di mezzi figurativi ed espressivi come messa in scena, tempo-ritmo, composizione, il regista crea un'immagine artistica della performance.

Per sua natura, l'arte del teatro è sintetica (vedi). La natura della sintesi nella storia dell'arte teatrale è cambiata, il balletto si è distinto, il teatro musicale è diventato indipendente. Il teatro contemporaneo tende a coniugare le più diverse forme d'arte. L'organizzazione della sintesi spettacolare dipende in gran parte dalla partecipazione del compositore, del costumista, del lighting designer e, soprattutto, dello scenografo. L'ambiente materiale creato dai mezzi dello scenografo può avere funzioni diverse, ma sempre, in corrispondenza al contesto dell'insieme, l'esecutore, portatore di verità psicologica, organizza l'attenzione dello spettatore.

L'arte del teatro è progettata per la percezione collettiva. Lo spettatore, la sua reazione è una componente dell'azione. Il teatro non esiste senza la reazione immediata del pubblico. Una performance provata ma non mostrata al pubblico non è un'opera d'arte. È lo spettatore che ha il diritto di distinguere tra il significato del dispositivo espressivo scelto dall'esecutore e il suo utilizzo. Lo spettatore del teatro moderno è influenzato da molte forme spettacolari che ampliano le sue associazioni e cambiano le sue preferenze. Il teatro non può non tenere conto di questi cambiamenti nel suo sviluppo, aumentando il ruolo e il significato delle forme teatrali, rafforzando il legame tra l'azione scenica e il pubblico.

L'arte del teatro è una forma di coscienza sociale, un mezzo di conoscenza artistica e di educazione. La specificità del teatro sta nel riflesso di conflitti e personaggi significativi che influenzano gli interessi e le esigenze del pubblico moderno. L'originalità del teatro come forma d'arte sta in questa modernità, che ne fa un importante fattore educativo.

2. Arte teatrale

L'arte teatrale è una delle arti più complesse, efficaci e antiche. Inoltre, è eterogeneo, sintetico. Come componenti, l'arte teatrale include architettura, pittura e scultura (scenografie) e musica (suona non solo nel musical, ma spesso in una performance drammatica) e coreografia (di nuovo, non solo nel balletto, ma anche nel dramma). ) , e letteratura (il testo su cui è costruita una performance drammatica), e l'arte della recitazione, ecc. Tra tutto quanto sopra, l'arte della recitazione è la principale, determinante per il teatro. Il famoso regista sovietico A. Tairov ha scritto: "... nella storia del teatro ci sono stati lunghi periodi in cui è esistito senza opere teatrali, in cui ha funzionato senza scenografie, ma non c'è stato un solo momento in cui il teatro era senza attore " Tairov A. Ya , Note del regista. Articoli. Conversazioni. Discorsi. Lettere. M., 1970, pag. 79. .

L'attore nel teatro è l'artista principale che crea quella che viene chiamata l'immagine scenica. Più precisamente, un attore di teatro è allo stesso tempo un artista-creatore e il materiale della creatività, e il suo risultato è un'immagine. L'arte dell'attore ci permette di vedere con i nostri occhi non solo l'immagine nella sua espressione finale, ma anche il processo stesso della sua creazione, formazione. L'attore crea un'immagine da se stesso e allo stesso tempo la crea in presenza dello spettatore, davanti ai suoi occhi. Questa è forse la principale specificità del palcoscenico, dell'immagine teatrale - ed ecco la fonte del piacere artistico speciale e unico che offre allo spettatore. Lo spettatore a teatro, più che altrove nell'arte, è direttamente coinvolto nel miracolo della creazione.

L'arte del teatro, a differenza delle altre arti, è un'arte viva. Si verifica solo nell'ora dell'incontro con lo spettatore. Si basa sull'indispensabile contatto emotivo e spirituale tra il palcoscenico e il pubblico. Non esiste un tale contatto, il che significa che non esiste uno spettacolo che viva secondo le proprie leggi estetiche.

È un grande tormento per un attore recitare davanti a una sala vuota, senza un solo spettatore. Un tale stato equivale a trovarsi in uno spazio chiuso al mondo intero. Nell'ora della rappresentazione, l'anima dell'attore è diretta verso lo spettatore, così come l'anima dello spettatore è diretta verso l'attore. L'arte del teatro vive, respira, emoziona e cattura lo spettatore in quei momenti felici in cui, attraverso i fili invisibili delle trasmissioni ad alta tensione, c'è uno scambio attivo di due energie spirituali, reciprocamente aspiranti l'una all'altra - da attore a spettatore , da spettatore ad attore.

Leggendo un libro, stando davanti a un quadro, il lettore, lo spettatore non vede lo scrittore, il pittore. E solo a teatro una persona incontra faccia a faccia un artista creativo, lo incontra al momento della creazione. Indovina l'emergere e il movimento del suo cuore, vive con lui tutte le vicissitudini degli eventi che si sono svolti sul palco.

Solo il lettore, solo con il libro prezioso, può vivere momenti emozionanti e felici. E il teatro non lascia solo il suo pubblico. Tutto nel teatro si basa sull'interazione emotiva attiva tra coloro che creano un'opera d'arte sul palco quella sera e coloro per i quali viene creata.

Lo spettatore arriva a uno spettacolo teatrale non come un osservatore esterno. Non può non esprimere il suo atteggiamento nei confronti di ciò che sta accadendo sul palco. Un'esplosione di applausi di approvazione, risate allegre, silenzio teso e imperturbato, un sospiro di sollievo, silenziosa indignazione: la complicità dello spettatore nel processo dell'azione scenica si manifesta nella più ricca varietà. Un'atmosfera di festa nasce in teatro quando tale complicità, tale empatia raggiunge la sua massima intensità...

Questo è ciò che significa vivere l'arte. Arte, in cui si sente il battito del cuore umano, si colgono sensibilmente i movimenti più sottili dell'anima e della mente, in cui è racchiuso l'intero mondo dei sentimenti e dei pensieri umani, delle speranze, dei sogni, dei desideri.

Certo, quando pensiamo e parliamo di un attore, capiamo quanto sia importante per il teatro non solo un attore, ma un insieme di attori, l'unità, l'interazione creativa degli attori. "Un vero teatro", ha scritto Chaliapin, "non è solo creatività individuale, ma anche un'azione collettiva che richiede la completa armonia di tutte le parti".

Il teatro è, per così dire, doppiamente arte collettiva. Lo spettatore percepisce una produzione teatrale, un'azione scenica non da solo, ma collettivamente, “sentendo il gomito di un vicino”, che in larga misura accresce l'impressione, il contagio artistico di ciò che sta accadendo sul palco. Allo stesso tempo, l'impressione stessa non proviene da una persona-attore, ma da una squadra di attori. Sia sul palco che nell'auditorium, su entrambi i lati della rampa, vivono, sentono e agiscono - non individui separati, ma persone, una società di persone, collegate tra loro per un po' da comune attenzione, scopo, azione comune .

In larga misura, è proprio questo che determina l'enorme ruolo sociale ed educativo del teatro. L'arte, che si crea e si percepisce insieme, diventa una scuola nel vero senso della parola. “Il teatro”, ha scritto il famoso poeta spagnolo Garcia Lorca, “è una scuola di lacrime e risate, una piattaforma libera da cui le persone possono denunciare moralità superate o false e spiegare, usando esempi viventi, le leggi eterne del cuore umano e dell'umana sensazione."

Una persona si rivolge al teatro come riflesso della sua coscienza, della sua anima: si riconosce nel teatro, nel suo tempo e nella sua vita. Il teatro apre davanti a lui incredibili opportunità di conoscenza di sé spirituale e morale.

E lascia che il teatro, per sua natura estetica, un'arte condizionale, come altre arti, sul palcoscenico appaia davanti allo spettatore non la realtà stessa, ma solo il suo riflesso artistico. Ma c'è così tanta verità in quella riflessione che viene percepita in tutta la sua assolutezza, come la vita più genuina, vera. Lo spettatore riconosce la realtà superiore dell'esistenza dei personaggi di scena. Il grande Goethe ha scritto: "Cosa può essere più natura del popolo di Shakespeare!"

A teatro, in una vivace comunità di persone che si sono riunite per uno spettacolo teatrale, tutto è possibile: risate e lacrime, dolore e gioia, indignazione palese e gioia violenta, tristezza e felicità, ironia e sfiducia, disprezzo e simpatia, silenzio vigile e forte approvazione - in una parola, tutta la ricchezza delle manifestazioni emotive e degli sconvolgimenti dell'anima umana.

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Il teatro come forma d'arte. La specificità della creatività teatrale.

Il teatro come forma d'arte.

L'arte teatrale è una delle arti più complesse, efficaci e antiche. Inoltre, è eterogeneo, sintetico. Come componenti, l'arte teatrale include architettura, pittura e scultura (scenografie) e musica (suona non solo nel musical, ma spesso in una performance drammatica) e coreografia (di nuovo, non solo nel balletto, ma anche nel dramma). ) , e letteratura (il testo su cui è costruita una performance drammatica), e l'arte della recitazione, ecc. Tra tutto quanto sopra, l'arte della recitazione è la principale, determinante per il teatro.

L'arte del teatro, a differenza delle altre arti, è un'arte viva. Si verifica solo nell'ora dell'incontro con lo spettatore. Si basa sull'indispensabile contatto emotivo e spirituale tra il palcoscenico e il pubblico. Non esiste un tale contatto, il che significa che non esiste uno spettacolo che viva secondo le proprie leggi estetiche.

Il teatro è un'arte doppiamente collettiva. Lo spettatore percepisce una produzione teatrale, un'azione scenica non da solo, ma collettivamente, “sentendo il gomito di un vicino”, che in larga misura accresce l'impressione, il contagio artistico di ciò che sta accadendo sul palco. Allo stesso tempo, l'impressione stessa non proviene da una persona-attore, ma da una squadra di attori. Sia sul palco che nell'auditorium, su entrambi i lati della rampa, vivono, sentono e agiscono - non individui separati, ma persone, una società di persone, collegate tra loro per un po' da comune attenzione, scopo, azione comune .

In larga misura, è proprio questo che determina l'enorme ruolo sociale ed educativo del teatro. L'arte, che si crea e si percepisce insieme, diventa una scuola nel vero senso della parola. “Il teatro”, ha scritto il famoso poeta spagnolo Garcia Lorca, “è una scuola di lacrime e risate, una piattaforma libera da cui le persone possono denunciare moralità superate o false e spiegare, usando esempi viventi, le leggi eterne del cuore umano e dell'umana sensazione."

Una persona si rivolge al teatro come riflesso della sua coscienza, della sua anima: si riconosce nel teatro, nel suo tempo e nella sua vita. Il teatro apre davanti a lui incredibili opportunità di conoscenza di sé spirituale e morale.

^ La specificità della creatività teatrale.

Ogni arte, avendo speciali mezzi di influenza, può e deve dare il suo contributo al sistema generale dell'educazione estetica.

Il teatro, come nessun'altra forma d'arte, ha la maggiore "capacità". Assorbe la capacità della letteratura di ricreare la vita in una parola nelle sue manifestazioni esterne e interne, ma questa parola non è narrativa, ma dal suono vivace, direttamente efficace. Allo stesso tempo, a differenza della letteratura, il teatro ricrea la realtà non nella mente del lettore, ma come immagini oggettivamente esistenti della vita (spettacolo) situate nello spazio. E in questo senso il teatro è vicino alla pittura. Ma l'azione teatrale è in costante movimento, si sviluppa nel tempo - e questo è vicino alla musica. L'immersione nel mondo delle esperienze dello spettatore è simile allo stato che sperimenta un ascoltatore di musica, immerso nel proprio mondo di percezione soggettiva dei suoni.

Naturalmente, il teatro non è affatto un sostituto di altre forme d'arte. La specificità del teatro è che trasporta le "proprietà" della letteratura, della pittura e della musica attraverso l'immagine di una persona vivente che recita. Questo materiale umano diretto per altre forme d'arte è solo il punto di partenza della creatività. Per il teatro la "natura" serve non solo come materia, ma si conserva anche nella sua immediata vivacità. Come ha osservato il filosofo G. G. Shpet: “L'attore crea da se stesso in un duplice senso: 1) come qualsiasi artista, dalla sua immaginazione creativa; e 2) avere specificamente nella propria persona il materiale da cui viene creata l'immagine artistica.

L'arte del teatro ha una straordinaria capacità di fondersi con la vita. La performance sul palco, sebbene si svolga dall'altra parte della rampa, nei momenti di alta tensione offusca il confine tra arte e vita ed è percepita dal pubblico come la realtà stessa. Il potere attrattivo del teatro sta nel fatto che la "vita sul palcoscenico" si afferma liberamente nell'immaginazione dello spettatore.

Una tale svolta psicologica si verifica perché il teatro non solo è dotato delle caratteristiche della realtà, ma è di per sé una realtà creata artisticamente. La realtà teatrale, creando l'impressione della realtà, ha le sue leggi speciali. La verità del teatro non può essere misurata con i criteri della plausibilità della vita. Il carico psicologico che l'eroe del dramma assume su di sé non può essere sopportato da una persona nella vita, perché in teatro c'è un'estrema compattazione di interi cicli di eventi. L'eroe dell'opera vive spesso la sua vita interiore come un mucchio di passioni e un'alta concentrazione di pensieri. E tutto questo è dato per scontato dal pubblico. "Incredibile" secondo le norme della realtà oggettiva non è affatto un segno di arte inaffidabile. Nel teatro, "verità" e "menzogna" hanno criteri diversi e sono determinati dalla legge del pensiero figurativo. “L'arte è vissuta come realtà dalla pienezza dei nostri “meccanismi” mentali, ma allo stesso tempo è valutata nella sua specifica qualità di gioco-uomo “non reale”, come dicono i bambini, illusorio sdoppiamento della realtà. "

Il visitatore del teatro diventa uno spettatore teatrale quando percepisce questo duplice aspetto dell'azione scenica, non solo vedendo davanti a sé un atto concreto vitale, ma comprendendo anche il significato interiore di questo atto. Ciò che sta accadendo sul palcoscenico è sentito sia come la verità della vita sia come la sua ricreazione figurativa. Allo stesso tempo, è importante notare che lo spettatore, senza perdere il senso del reale, inizia a vivere nel mondo del teatro. Il rapporto tra realtà reale e teatrale è piuttosto complicato. Ci sono tre fasi in questo processo:

1. La realtà della realtà oggettivamente mostrata, trasformata dall'immaginazione del drammaturgo in un'opera drammatica.

2. Un'opera drammatica incarnata dal teatro (regista, attori) nella vita scenica: una performance.

3. La vita scenica, percepita dal pubblico e diventata parte delle loro esperienze, si è fusa con la vita del pubblico e, quindi, è tornata nuovamente alla realtà.

Ma il "ritorno" non è analogo alla fonte originaria, ora si arricchisce spiritualmente ed esteticamente. "Un'opera d'arte è fatta per vivere, per vivere quasi letteralmente

Questa parola, ad es. entrati, come avvenimenti vissuti della vita reale,

Nell'esperienza spirituale di ogni persona e di tutta l'umanità.

L'incrocio di due tipi di immaginazione attiva, quella dell'attore e quella del pubblico, dà origine a quella che viene chiamata "la magia del teatro". Il vantaggio dell'arte teatrale sta nel fatto che incarna l'immaginario in un'azione dal vivo che si svolge sul palcoscenico con chiarezza e concretezza. In altre arti, il mondo immaginario o appare nell'immaginazione umana, come nella letteratura e nella musica, oppure è raffigurato nella pietra o sulla tela, come nella scultura o nella pittura. A teatro, lo spettatore vede l'immaginario. "Ogni performance contiene alcuni elementi fisici e oggettivi a disposizione di qualsiasi spettatore".

L'arte scenica per sua stessa natura presuppone un entusiasmo non passivo, ma attivo per il pubblico, poiché in nessun'altra arte c'è una tale dipendenza del processo creativo dalla sua percezione come nel teatro. A G.D. Gachev, il pubblico è “come i celestiali, come un Argo dai mille occhi<...>accendere l'azione sul palco<...>perché il mondo stesso della scena nasce, appare, ma nella stessa misura è opera dello spettatore.

La legge fondamentale del teatro - la complicità interna del pubblico negli eventi che si svolgono sul palcoscenico - comporta l'eccitazione dell'immaginazione, la creatività indipendente e interna in ciascuno degli spettatori. Questa fascinazione per l'azione distingue lo spettatore dall'osservatore indifferente, che si ritrova anche nelle sale teatrali. Lo spettatore, a differenza dell'attore, l'artista attivo, è un artista contemplativo.

L'immaginazione attiva del pubblico non è affatto una speciale proprietà spirituale degli amanti dell'arte scelti. Certo, il gusto artistico sviluppato è di grande importanza, ma si tratta dello sviluppo di quei principi emotivi che sono inerenti a ogni persona. “Il gusto artistico apre la strada al lettore, all'ascoltatore, allo spettatore dalla forma esterna a quella interna e da essa al contenuto dell'opera. Perché questo percorso sia superato con successo, la partecipazione dell'immaginazione e della memoria, delle forze emotive e intellettuali della psiche, della volontà e dell'attenzione e, infine, della fede e dell'amore, cioè lo stesso complesso mentale integrale delle forze spirituali che realizzano il atto creativo, è necessario.

La coscienza della realtà artistica nel processo di percezione è tanto più profonda, quanto più pienamente lo spettatore è immerso nella sfera dell'esperienza, tanto più l'arte multistrato entra nell'anima umana. È in questa giunzione di due sfere - esperienza inconscia e percezione cosciente dell'arte che esiste l'immaginazione. È insito nella psiche umana inizialmente, organicamente, accessibile a ogni persona e può essere sviluppato in modo significativo nel corso dell'accumulo di esperienza estetica.

La percezione estetica è la creatività dello spettatore e può raggiungere una grande intensità. Più ricca è la natura dello spettatore stesso, più sviluppato è il suo senso estetico, più completa è la sua esperienza artistica, più attiva è la sua immaginazione e più ricche sono le sue impressioni teatrali.

L'estetica della percezione è in gran parte orientata allo spettatore ideale. In realtà, il processo consapevole di educare alla cultura teatrale probabilmente farà avanzare lo spettatore verso l'acquisizione di conoscenze sull'arte e la padronanza di determinate capacità di percezione. Uno spettatore istruito potrebbe benissimo:

Conoscere il teatro nelle sue stesse leggi;

Conoscere il teatro nei suoi processi moderni;

Conoscere il teatro nel suo sviluppo storico.

Allo stesso tempo, bisogna essere consapevoli che la conoscenza meccanicamente ripiegata nella testa dello spettatore non è garanzia di una percezione a tutti gli effetti. Il processo di formazione della cultura dello spettatore, in una certa misura, ha le proprietà di una "scatola nera", in cui i momenti quantitativi non sempre si sommano in linea retta in determinati fenomeni qualitativi.

Il teatro è un'arte straordinaria. Se non altro perché nel secolo scorso gli è stata predetta più volte la morte imminente. Era minacciato dal Grande Silenzio, che aveva trovato la parola: sembrava che il cinema sonoro avrebbe portato via tutto il pubblico dal teatro. Poi la minaccia è arrivata dalla televisione, quando lo spettacolo è arrivato direttamente in casa, poi si è cominciato a temere la potente diffusione del video e di Internet.

Tuttavia, se ci concentriamo sulle tendenze generali nell'esistenza dell'arte teatrale nel mondo, non c'è nulla di sorprendente nel fatto che all'inizio del 21 ° secolo il teatro non solo si è mantenuto, ma ha iniziato a sottolineare chiaramente il non- carattere di massa e, in un certo senso, l'“elitarismo” della sua arte. Ma nello stesso senso si può parlare di elitarismo delle belle arti o della musica classica, se confrontiamo il pubblico di molti milioni che gli artisti popolari raccolgono con un numero limitato di persone al conservatorio.

Nel teatro sintetico dei tempi moderni, la tradizionale correlazione dei principi dominanti - verità e finzione - appare in una sorta di unità indissolubile. Questa sintesi avviene sia come atto di esperienza (percezione della verità della vita) sia come atto di piacere estetico (percezione della poesia teatrale). Quindi lo spettatore diventa non solo un partecipante psicologico all'azione, cioè una persona che "assorbe" il destino dell'eroe e si arricchisce spiritualmente, ma anche un creatore che compie un'azione creativa nella sua immaginazione, contemporaneamente a ciò che sta accadendo sul palco. Quest'ultimo momento è estremamente importante e occupa un posto centrale nell'educazione estetica del pubblico.

Naturalmente, ogni spettatore può avere la propria idea della performance ideale. Ma in tutti i casi si basa su un certo "programma" di requisiti per l'art. Questo tipo di “conoscenza” presuppone una certa maturità della cultura del pubblico.

La cultura dello spettatore dipende in larga misura dalla natura dell'arte che viene offerta allo spettatore. Più difficile è il compito che gli è stato posto: estetico, etico, filosofico, più teso è il pensiero, più acuta è l'esperienza, più sottile è la manifestazione del gusto dello spettatore. Perché quella che chiamiamo cultura del lettore, ascoltatore, spettatore è direttamente correlata allo sviluppo della personalità stessa di una persona, dipende dalla sua crescita spirituale e influenza la sua ulteriore crescita spirituale.

Il significato del compito che il teatro pone allo spettatore in termini psicologici sta nel fatto che l'immagine artistica, data in tutta la sua complessità e incoerenza, è percepita dallo spettatore dapprima come un personaggio reale, oggettivamente esistente, e poi, man mano che si abituano all'immagine e riflettono su di essa azioni, rivela (come se indipendentemente) la sua essenza interiore, il suo significato generalizzante.

In termini di estetica, la complessità del compito sta nel fatto che lo spettatore percepisce l'immaginario scenico non solo secondo criteri di verità, ma sa anche (appreso) decifrarne il significato poetico metaforico.

Quindi, la specificità dell'arte teatrale è una persona vivente, come eroe che sperimenta direttamente e come artista-artista che crea direttamente, e la legge più importante del teatro è un impatto diretto sullo spettatore.

L '"effetto teatro", la sua chiarezza è determinata non solo dalla dignità dell'arte stessa, ma anche dalla dignità, dalla cultura estetica dell'auditorium. Lo spettatore come co-creatore obbligatorio dello spettacolo è spesso scritto e parlato dagli stessi professionisti del teatro (registi e attori): “Non c'è spettacolo teatrale senza la partecipazione del pubblico, e lo spettacolo ha solo possibilità di successo se lo spettatore stesso "perde" il gioco, cioè ... ne accetta le regole e interpreta il ruolo di una persona che si immedesima o si ritira.

Tuttavia, il risveglio dell'artista nello spettatore avviene solo se lo spettatore è in grado di percepire pienamente il contenuto insito nella performance, se è in grado di espandere la sua gamma estetica e imparare a vedere il nuovo nell'arte, se, rimanendo fedele a suo stile artistico preferito, non risulta essere sordo e ad altre direzioni creative, se riesce a vedere una nuova lettura di un'opera classica ed è in grado di separare l'idea del regista dalla sua attuazione da parte degli attori ... Lì ce ne sono molti di più di questi "se". Di conseguenza, affinché lo spettatore sia coinvolto nella creatività, così che l'artista si risvegli in lui, allo stadio attuale dello sviluppo del nostro teatro, è necessario un aumento generale della cultura artistica dello spettatore.