직업 조각가. 특징, 하는 일, 공부할 곳

조각의 기원과 진화에 대한 연대기적 설명은 전체 도서관은 아니더라도 여러 권을 채워야 하며, 따라서 그 요약은 대부분의 역사적 사실이 필연적으로 생략된다는 것을 의미합니다. 그럼에도 불구하고 조각의 역사에 대한 완전한 여담과는 거리가 멀더라도 대리석, 테라코타, 청동 조각품 및 부조를 만들기 위해 재능을 발휘한 특별한 거장에 대한 멋진 이야기로 가득 차게 될 것입니다. 조각가의 작품은 우리 시대의 관련성을 잃지 않습니다.

조각의 역사

선사 시대 및 신석기 시대 조각

조각의 역사는 석기 시대로 거슬러 올라갑니다. 우리에게 알려진 가장 초기 작품(예: "베레하트람의 비너스" 및 "탄탄의 비너스")은 기원전 230,000-200,000년경에 만들어졌습니다.

Berehat-Ram의 금성. 스케치.

다양한 동물과 인간의 모습이 선사시대 조각의 대상이 되었습니다. 매머드 뼈, 점토, 다양한 종류의 돌이 작품의 재료로 사용되었습니다.

신석기 시대의 조각 예술은 주로 도자기 작품이 특징입니다. 이 시대의 가장 인상적인 예술 형식은 이집트 피라미드와 파라오의 무덤에 있는 조각품이었습니다. 그들의 장식(종교적 배음이 있는)은 다양한 옅은 부조와 조각상이었습니다.

탄탄의 비너스. 스케치.

도시의 발달과 공공건물의 건축으로 특징지어지는 청동기 시대의 시작은 복잡한 도구의 생성과 개선을 동반하고 촉진하여 조각을 포함한 모든 유형의 순수 예술에 대한 수요를 증가시켰습니다. 새로운 작품은 신과 지상 통치자의 힘을 반영했습니다.

고전 고대 조각(기원전 1100-100년)

그리스 문화사에서 소위 "암흑기"(기원전 1100-900년)는 도자기의 우세를 특징으로 합니다. 일반적인 형태의 그리스 조각품은 기원전 650년부터 등장합니다. 이자형. 그 후 그리스 예술은 전통적인 연대기에 따라 발전합니다.

Celtic 금속 조각품(기원전 400-100년)도 언급할 가치가 있습니다. 그것의 발전과 영향력의 확산은 더 조직화되고 중앙 집중화된 국가와의 경쟁을 견딜 수 없었던 이질적인 켈트 부족의 무질서로 인해 방해를 받았습니다.

비잔틴 조각(330–1450)

서기 4세기까지. 초기 기독교 조각은 주로 무덤과 석관을 위한 부조로 구성되었습니다. 동로마 제국의 예술은 거의 전적으로 종교적이었고 작은 상아 조각과 보석을 제외하고는 3차원 조각을 포함하지 않았습니다.

암흑 시대의 조각품(c. 500–800)

그 시대의 이름에서 알 수 있듯이 유럽 조각가들에게 이 시기는 최고의 시기가 아니었습니다. 교회는 큰 힘이 없었고 도시는 빈곤했으며 문화 수준은 낮았습니다.

미래에는 공공 건축과 조각 사이에 연결이 형성됩니다. 일반적으로 새 건물에는 내부와 외부 모두 조각 장식이 필요했습니다. 지지 기둥에는 다양한 모양의 장식 요소가 포함되어 있으며 정면과 출입구는 부조로 장식되었습니다.

초기 로마네스크 조각(c. 800–1050)

중세 조각의 부활은 800년에 신성 로마 황제가 된 프랑크의 왕 샤를마뉴 1세와 함께 시작되었습니다. 오토 1세, 오토 2세, 오토 3세에 의해 오토 예술로 알려진 스타일로 긍정적인 문화적 변화가 계속되었습니다.

로마네스크 조각(c. 1000–1200)

십자군 전쟁을 비롯한 다양한 정치적 사건으로 인해 유럽 전역에 새로운 대성당과 교회가 급속도로 건설되었습니다. 영국과 아일랜드에서 "노르만" 건축으로 알려진 로마네스크 양식은 매우 인기가 많았고, 이로 인해 조형 예술의 발전, 조각 작업장 등이 탄생했습니다.

고딕 조각(c. 1150–1300)

12세기 말에 새로운 건축 기술과 다양한 형태의 순수 예술에 대한 수요가 발달하면서 이른바 "고딕 양식"이 형성되었습니다. 로마네스크 양식의 특징적인 특징(둥근 아치, 거대한 두꺼운 벽 및 작은 창)은 뾰족한 아치, 높은 천장, 얇은 벽 및 거대한 스테인드 글라스 창으로 대체되었습니다. 이것은 많은 대성당의 내부를 완전히 변형시켰습니다.

리슐리외 추기경의 흉상. .

로코코 조각(1700~1789년경)

바로크 양식의 드라마와 진지함에 대한 프랑스인의 반응은 격식을 차리지 않고 명랑한 로코코 양식이었다. 앞으로 기발한 퇴폐적 스타일은 국가의 정치적 상황과 관련된보다 엄격한 신고전주의로 대체되었습니다.

신고전주의 조각(1790~1830년경)

신고전주의 예술은 주로 고대 예술의 고전적 예에 대한 호소와 관련이 있습니다. 당시의 주요 조각가들은 존엄성, 의무, 영웅주의에 대한 생각을 표현했습니다.

큐피드와 프시케. . 위협하는 큐피드. 팔콘.

조각품- 3차원 형태의 도움으로 주변 세계를 예술적으로 재창조하는 미술 유형 중 하나입니다. 회화나 그래픽과 달리 조각은 부피가 크고 사방에서 볼 수 있으며 일상에서 우리를 둘러싼 사물처럼 입체적이다.

조각 작품을 현실에 더 가깝게 만들기 위해 그림을 그렸습니다. 예를 들어 고대 이집트에서는 그랬습니다. 유럽 ​​예술에서는 조각품과 함께 조각상이 만들어진 재료의 자연스러운 색상도 높이 평가되었습니다. 또한 다양한 재료로 만든 조형물도 있습니다. 그것은 장식적이며 때로는 귀중한 것으로 보입니다. 이것은 상아와 금으로 만든 세계 7대 불가사의 중 하나인 올림피아 제우스의 동상이었습니다.

M. 안토콜스키. 네스터 더 크로니클러

조반니 로렌조 베르니니. 아폴로와 다프네

키예프 성 미카엘 황금돔 대성당의 옅은 부조

스트라스부르 대성당의 정문(프랑스)

조각 발생 둥근, 걸어 다닐 수 있거나 비행기에 실을 수 있는 경우 - 이 안도. 몇 가지 유형의 구호가 있습니다. 이미지가 배경 위로 낮게 올라가는 경우-우리 앞에서 옅은, 아주 강하게 돌출되어 거의 동그란 조형물이 된다면 - 높은 구호, 그리고 구호가 심화되면 이것은- 반구호.

조각품은 작을 수 있습니다. 작은 플라스틱; 중간 크기이며 독립적인 역할을 수행합니다. 그런 다음 그림 및 그래픽과 같이 호출됩니다. 화가; 기념비적 인건축 건물, 자연 환경(기념물, 공원 조각품 등)과 관련이 있습니다.

조각은 기술에서도 다릅니다. 그것은 단단한 돌로 조각하고 석고로 부어 나무로 조각하고 부드러운 재료로 성형 할 수 있습니다-점토, 플라스틱, 왁스, 금속으로 만들었습니다.

1. 당신의 도시, 마을에 어떤 조각 기념물이 있는지 기억하십시오. 어느 것이 최고라고 생각하며 그 이유는 무엇입니까?
2. 기념비가 세워진 사람의 전기를 기억하십시오. 조각가는 자신의 위업의 보편적 의미를 어떤 방식으로 표현합니까? 이 사람의 개성을 강조하는 것은 무엇입니까?
3. 좋아하는 시인이나 작가의 기념비를 디자인해야 한다고 상상해 보십시오. 당신의 의도는 무엇입니까?

학생 작품. 원형 동물 조각: 고양이, 용, 곰, 개

튜토리얼에 설명된 도구와 재료를 사용하여 조각품을 만듭니다. 다음 계획에 따라 작은 조형 예술의 예로서 자신의 조각 작업을 분석하십시오.

• 저작물의 제목, 저자.
• 작업이 수행되는 재료(플라스틱, 점토 등).
• 조각품으로 이 주제를 선택한 이유는 무엇입니까?
• 정확히 무엇을 전달하려고 했습니까? 캐릭터의 평화 또는 반대로 그의 움직임? 성공했다고 생각하세요?
• 이 작품은 어느 쪽에서 가장 잘 보인다고 생각하시나요? 작업의 공간 계획을 정확하게 강조한 악센트는 무엇입니까?
• 다른 각도에서 조각 작업을 고려하십시오. 다른 각도가 이미지 공개에 어떤 것을 추가합니까? 다른 각도에서 보면 전혀 다른 인상을 주겠죠?
• 확대된 조각상을 상상할 수 있습니까? 어디에 두시겠습니까?

조각 작업 단계

모델링- 부드러운 플라스틱 소재로 조각 이미지 생성. 모델링 재료는 점토 또는 플라스틱입니다.

점토- 천연 소재. 그것은 지구에서 추출되어 물로 부드러운 상태로 희석됩니다. 녹색 또는 회색 색상의 점토가 모델링에 더 적합합니다. 900 ° C의 온도에서 특수 가마에서 구운 점토 제품을 세라믹이라고합니다.

플라스티신- 인공 플라스틱 덩어리. 부드럽고 점토처럼 마르지 않으며 성형 된 물체가 변형되거나 갈라지지 않습니다. 다색이 될 수 있습니다. 그러나 높은 기온이나 태양 아래에서 플라스틱은 부드러워지고 녹습니다.

성형에 사용 스택- 15-20cm 길이의 나무 또는 플라스틱 주걱, 한쪽 끝이 연필처럼 날카롭게 깎여 있고 작업이 수행되는 보드. 여분의 점토는 더미로 잘라내어 표면을 매끄럽게 만들고 형태에 함몰을 만듭니다. 축을 중심으로 회전하는 판자에서 조각 작업을 하는 것이 좋습니다. 그렇지 않으면 테이블 주위를 직접 돌아다니거나 아직 준비되지 않은 작업을 다른 방향으로 회전해야 하며 이로 인해 손상될 수 있습니다.

도구 및 재료

1. 시작하기 전에 인어공주, 색칠한 여우, 꼬마 호빗, 플린트 선장 또는 다른 사람 등 어떤 종류의 캐릭터를 만들고 싶은지 결정하세요.
2. 먼저 다양한 각도에서 연필 스케치, 캐릭터 스케치를 만듭니다. 결국 조각 이미지는 입체적이며 조각을 시작하기 전에도 영웅이 모든면에서 어떻게 보일지 상상해야합니다.
3. 조각품이 20cm보다 크면 프레임을 만들고 스탠드에 고정해야하며 강해야하며 변형되어서는 안됩니다. 나무 블록이나 수평 판자에 부착된 금속 와이어일 수 있습니다.
4. 작업을 시작할 때 이미지의 크기, 의도 한 구성에 가장 적합한 재료 인 점토 또는 플라스틱을 결정해야합니다.
5. 작업에 대한 창의적인 접근 방식은 영웅의 이미지를 완전히 드러내는 데 도움이 되는 세부 사항(외모, 비율 및 특징)에 특별한 주의를 기울여야 합니다.

조각 작업 단계

일을 끝냈다

요한 게오르그 핀젤(XVIII 세기) - 우크라이나에서 일한 가장 유명한 조각가 중 한 명. 그러나 Pinzel에 대한 전기 정보는 거의 보존되지 않았습니다. 분명히 그는 남부 독일이나 체코 출신이었습니다. 1750년에 마스터가 Buchach(Ternopil 지역)에 정착한 것으로 알려져 있습니다. 그는 1761년 또는 1762년에 사망했습니다. 그러나 Pinzel의 수많은 작품이 보존되어 각각 그의 뛰어난 재능을 증명합니다. 주인은 Buchach의 시청 인 Lviv의 St. George 's Cathedral 설계에 참여했으며 작은 마을의 교회 조각상을 만들었습니다. Pinzel의 조각품은 나무로 만들어지고 페인트 칠하고 금박을 입혔습니다. 아브라함, 삼손, 성 안나 등 주인이 만든 이미지는 강하고 생생한 감정, 극도의 긴장감, 진정한 비극으로 가득 차 있습니다.

핀젤. 세인트 플로리안

도나텔로(성명 - Donato di Niccolo di Betto Bardi (c. 1386-1466) - 위대한 이탈리아 조각가 개혁가. 그는 피렌체와 파르마에서 살면서 일했습니다. 그는 로마를 방문하여 조각에 관심을 갖게되었습니다. 그것 사방에서 볼 수 있는 둥근 조각상을 다시 만들기 시작한 도나텔로였습니다. 그의 최고의 작품인 "다비드"는 파르마의 콘도티에르(사령관) 가타멜라타를 기리는 기념비로 사람과 그의 아름다움, 용기를 찬미합니다. 그러나 주인의 마지막 동상 ( "Mary Magdalene", "Judith")은 매우 비극적입니다.

도나텔로. 마돈나와 차일드

예술로 표현되는 아름다움에 대한 욕망은 아마도 사람과 동물을 구별하는 유일한 것일 것입니다. 아주 오래전부터 인간은 사냥과 생존 사이에 자신의 동굴을 파헤치면서 아름다운 것을 창조하려고 노력해 왔습니다. 인류의 발전과 함께 예술도 발전하여 점점 더 새로운 형태를 취했습니다. 미술의 주요 유형 중 하나는 조각입니다. 그리고 어떤 유형이 존재하는지 - 이 기사에서 이에 대해 설명합니다.

조각품의 주요 대상은 사람이지만 동물이나 다른 대상을 묘사할 수도 있습니다. 사용되는 재료에 따라 적절한 처리 방법이 선택됩니다. 성형, 단조, 쫓기 또는 주조가 될 수 있습니다.

개념을 고려하기 전에 구체적인 정의를 내릴 필요가 있습니다. 조각이란 무엇이며 그 특징은 무엇입니까? 어려움은 이 질문에 명확하게 대답하기가 쉽지 않다는 사실에 있습니다. 그러나 우리는 그것을 이해하려고 노력할 것입니다.

정의: "조각이란 무엇입니까?" 다양한 옵션

모든 개념이나 현상은 다르게 해석됩니다. 그 이유는 각 미술사가가 자신의 각도에서 문제를 바라보기 때문입니다. 따라서 모든 사람은 "조각"의 개념에 대한 자신의 의미를 개발합니다. 조각이 무엇인지, 다양한 설명 사전에서 배울 수 있습니다.

Efremova의 설명 사전에 따르면 조각은 모델링, 절단 또는 주조를 사용하여 3 차원 (부조) 이미지를 만드는 예술입니다.

Ushakov의 설명 사전에서 다음 정의를 찾을 수 있습니다.

그러나 조각이 특별한 종류의 순수 예술이라는 데 모든 출처가 동의한다는 점에 유의해야 합니다. 그리고 이것에 대해 의심의 여지가 없습니다.

조각품. 조각품이란 무엇입니까?

용어 자체는 문자 그대로 "조각"또는 "조각"으로 번역되는 라틴어 "sculptura"에서 유래했습니다. 그건 그렇고, "조각"이라는 용어는 "조각"이라는 단어의 동의어로 자주 사용됩니다.

재능있는 젊은 예술가는 "이것은 형태와 관련된 감정의 영역입니다."라고 아주 잘 설명했습니다. 모든 조각품의 기초는 모든 사람이 접근하고 이해할 수있는 고대 언어 인 형식이어야합니다.

조각의 역사

이러한 유형의 예술의 뿌리는 고대로 거슬러 올라갑니다. 구석기 시대에 그녀의 첫 작품이 등장했습니다. 서유럽의 수많은 구석기 유적지에서 발견되는 여성이나 다양한 동물의 이미지 형태의 조각품은 이를 생생하게 확인시켜줍니다. 신석기 시대에는 다양한 조각 기념물이 더욱 확장되었습니다.

물론 이러한 유형의 예술은 고대 그리스 시대에 가장 발전했습니다. 사람의 성격을 기반으로 영적으로나 육체적으로 조화롭게 발전한 고대 그리스 철학의 주요 표현 형식 중 하나가 된 것은 조각입니다. 수많은 신상, 신화 속 영웅, 전사들이 고대 헬라스의 거장들에 의해 만들어졌는데, 조각품은 삶의 산물이었습니다. 고대 그리스 거장의 이해에서 조각이란 무엇입니까? 우선 이것은 가장 정확한 해부학적 세부 사항을 기반으로 한 형태의 유연성, 가소성 및 유기성입니다. Phidias, Myron, Lysippus, Praxiteles 등은 그러한 위대한 거장들 사이에서 구별 될 수 있습니다.

조각은 고대 전통을 기반으로 한 르네상스 시대인 15-16세기에 새로운 발전을 이루었습니다. 이탈리아는 르네상스 조각의 중심지가 되었으며, 당시 위대한 조각가 중에는 미켈란젤로, 도나텔로, 베로키오 및 기타 창작자들이 있었습니다.

소비에트 이데올로기들도 조각에 큰 관심을 기울였습니다. 그것은 소비에트 사회주의 사상을 전파하는 효과적인 도구가 되었습니다. 소비에트 조각의 주요 특징은 기념비로 간주 될 수 있습니다. 장엄한 석비, 거대한 기념비, 수천 개의 공산주의 지도자 기념비가 소비에트 조각품에 의해 우리에게 남겨졌습니다.

현대 조각에서 전면에 등장하는 것은 이미지(오브제)가 아니라 색상, 질감, 재료의 선택이다. 현대 조각에서 거의 예술적 표현의 주요 도구가 되는 것은 색상입니다.

조각의 주요 유형

조각의 주요 유형은 다음과 같습니다.

• 둥근 조각품(실제로 조각상과 흉상);
• 부조 조각(옅은 부조 및 높은 부조);
• 이젤 조각;

이 예술의 일부 특정 유형도 구별됩니다: 소형 얼음, 공원 및 기타. 장르에 따라 조각은 초상화, 가정, 역사적, 상징적 일 수 있습니다.

조각 제작 과정

조각품을 만드는 것은 쉬운 일이 아니며 특정 기술과 힘든 작업이 필요합니다. 조각가는 작품에 대한 아이디어가 떠오르는 즉시 축소된 모델을 만들어 구현을 시작합니다. 레이아웃이 완전히 준비된 경우에만 조각 자체를 진행할 수 있습니다.

동상을 조각하려면 기초와 강철 프레임이 필요합니다. 그런 다음 작가는 자신의 레이아웃에 가까운 조각품을 얻을 때까지이 프레임을 점토로 덮기 시작합니다. 그렇게하면서 그는 자신의 손뿐만 아니라 스택과 같은 특수 조각 도구를 사용합니다. 균열이 생기지 않도록 조각할 때 재료를 지속적으로 적셔주는 것이 중요합니다.

모델링이 완료되면 조각가는 점토보다 강한 재료로 자신의 창조물을 정확하게 주조합니다. 그 후 캐스트를 기반으로 돌, 강철 또는 청동과 같은 다른 재료로 조각품을 만들 수 있습니다. 하나의 위대한 조각 작품도 예비 조형과 주물을 만들지 않고는 완성되지 않는다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 조각의 역사에는 소스 자료로 즉시 작업하는 마스터가 있었지만. 이들 중 하나는 위대한 창조자 미켈란젤로였습니다.

공원 장식으로 조각

조각 유형 중 하나는 오랜 역사를 가진 전통을 가진 공원 조각입니다. 조각 장식이 없는 아름다운 공원이나 도시 정원은 상상하기 어렵습니다. 조각으로 정원을 장식하는 전통은 고대 그리스인들에 의해 확립되었습니다. 신의 조각상이나 용감한 전사가 없는 고대 로마의 정원을 상상하기는 어렵습니다.

17세기에 베니스는 공원과 정원을 위한 조각품 제작의 중심지가 되었습니다. 오스트리아, 폴란드, 러시아의 귀족들이 개인 공원을 위해 전체 조각품을 구입했습니다. 당시 공원 조각은 활발하게 건설되고 있던 상트 페테르부르크 장식의 중요한 요소가되었습니다. 가장 뛰어난 베네치아 마스터는 피에트로 바라타(Pietro Baratta)라고 할 수 있습니다. 그의 작품은 여전히 ​​상트페테르부르크의 여름 정원이나 차르스코에 셀로 자연 보호 구역에서 볼 수 있습니다.

소위 장식 조각은 현대 공원에서 특히 인기를 얻고 있습니다. 이것은 살아있는 식물 (나무 또는 덤불)에서 실제 걸작을 만드는 것입니다.

세계에서 가장 유명한 조각품

세계의 유명한 조각품은 그 특징으로 인해 인기를 얻었습니다. 세계에서 가장 유명한 5개의 조각품을 소개합니다.

1. 고대 조각품 중 가장 유명한 것은 밀로의 비너스로도 알려진 아프로디테 여신상입니다. 대리석 컬트 조각상은 기원전 2세기에 만들어졌으며 오늘날까지 살아 남았습니다. 오늘날 이 2미터 조각품은 루브르 박물관의 특별 갤러리에서 볼 수 있습니다.

2. 가장 높은 조각은 중국(허난성)의 Vairochana Buddha 동상입니다. 기념비의 총 높이는 158m이며 2002년에 건립이 완료되었습니다. 조각품은 주조 구리로 만들어졌으며 이 프로젝트의 총 비용은 약 5,500만 달러였습니다.

3. 가장 신비한 조각품은 이스터 섬의 모아이 조각품입니다. 과학자들은 조각상이 고대 폴리네시아의 장인들의 작품이며 우리 시대의 첫 번째 천년까지의 연대를 모호하게 제시합니다.

4. 가장 애국적인 조각품은 미국 국민의 상징인 세계적으로 유명한 자유의 여신상입니다. 그것은 또한 지구상에서 두 번째로 높은 것입니다.

5. 가장 황금빛 조각상은 태국의 왓 트라이밋 사원에 있는 부처상입니다. 3m 조각상은 전체가 순금으로 만들어졌다는 점에서 독특합니다.

조각 조각

(Latin sculptura, from sculpo - I carve, cut out), 조각, 플라스틱(Greek plastika, from plasso - I sculpt), 3차원, 물리적으로 3차원 이미지의 원리에 기반한 순수 예술의 한 유형. 일반적으로 조각에서 이미지의 대상은 사람이며 덜 자주-동물 (동물 장르), 더 드물게-자연 (풍경) 및 사물 (정물)입니다. 공간에서 인물의 위치 지정, 움직임의 전달, 자세, 제스처, 형태의 릴리프를 향상시키는 명암 모델링, 몰딩의 질감 또는 재료의 처리, 볼륨의 건축학적 구성, 시각적 질량의 영향, 무게 관계, 비율 선택, 각각의 경우 실루엣의 특정 특성이 조각의 주요 표현 수단입니다. 3차원 조각 형태는 특정 모델의 해부학적(구조적) 특징을 기반으로 주변 건축 또는 자연 환경과의 조화, 리듬, 균형, 상호 작용의 법칙에 따라 실제 공간에 구축됩니다.

조각에는 두 가지 주요 유형이 있습니다. 공간에 자유롭게 배치되고 일반적으로 원형보기가 필요한 원형 (동상, 조각 그룹, 조각상, 몸통, 흉상 등)과 이미지가 평면에 위치하는 부조입니다. 배경을 형성합니다.

내용과 기능에 따라 조각품은 기념비적, 기념비적 장식, 이젤 및 소위 작은 형태의 조각으로 나뉩니다. 긴밀한 상호 작용으로 발전하는 이러한 유형의 조각품에는 고유한 특성이 있습니다. 기념비적이고 기념비적인 장식 조각은 특정 건축 공간 또는 자연 환경을 위해 설계되었으며 주로 공공 장소(도시의 거리와 광장, 공원, 정면 및 공공 건물의 인테리어. 새로운 음영으로 건축 형태의 표현력을 보완하기 위해 건축 이미지를 구체화하도록 설계되었습니다. 센티미터. 예술의 합성)은 일반적으로 형태의 위엄과 재료의 내구성, 비 유적 체계의 고상함, 폭이 특징 인 도시 기념물, 기념물, 기념 구조물에서 특히 완전성으로 드러나는 대규모 이데올로기 및 비 유적 작업을 해결할 수 있습니다 일반화. 건축과 직접적인 관련이 없는 이젤 조각은 자연에 더 가깝고 일반적으로 전시장, 박물관 및 주거용 인테리어에 배치됩니다. 이것은 조각의 조형 언어의 특징, 치수, 좋아하는 장르 (초상화, 일상 장르, 누드, 동물 장르)를 결정합니다. 기념비적 인 것보다 이젤 조각은 사람의 내면 세계에 대한 관심, 미묘한 심리학 및 내러티브가 특징입니다. 작은 형태의 조각에는 주로 주거용 인테리어를 위한 광범위한 작업이 포함되며 많은 측면에서 예술 및 공예와 병합됩니다. 작은 형태의 조각품에는 메달 아트와 글립틱스 작품도 포함됩니다. 조각 작업의 목적과 내용은 조형 구조의 특성을 결정하며, 이는 다시 조각 재료의 선택에 영향을 미칩니다. 조각 기술은 자연적 특징과 후자를 처리하는 방법에 크게 의존합니다. 모델링에는 부드러운 물질(점토, 왁스, 플라스틱 등)이 사용됩니다. 단단한 물질(각종 석재, 나무 등)은 재료의 불필요한 부분을 제거하고 그 속에 감춰진 입체적 형태를 점차 드러내는 깎기(조각)나 조각 등의 가공을 거친다. 액체에서 고체로 변할 수 있는 물질(각종 금속, 석고, 콘크리트, 플라스틱 등)은 특별히 제작된 주형을 사용하여 조각품을 주조하는 데 사용됩니다. 금속으로 조각품을 재현하기 위해 그들은 또한 전기 도금(전기 화학적 방법으로 정확한 사본을 얻음)에 의존합니다. 녹지 않은 형태로 조각의 금속은 단조, 엠보싱, 용접 및 절단을 통해 가공됩니다. 세라믹 조각을 만들기 위해 특수한 유형의 점토가 사용되며 일반적으로 그림이나 유색 유약으로 덮고 특수 가마에서 구워집니다. 색상은 고대부터 조각에 사용되었습니다. 고대, 중세 및 르네상스의 채색 조각은 잘 알려져 있습니다. 조각의 다색성에 대한 호소 또는 단색 색조, 색조 및 재료의 자연스러운 색상으로의 이탈은 주어진 국가 및 주어진 시대의 예술 발전의 일반적인 방향과 관련이 있습니다. 원시 시대로 거슬러 올라가는 조각의 출현은 인간의 노동 활동과 주술적 신념과 직접적으로 관련되어 있습니다. 구석기 시대 유적지(프랑스의 몬테스판, 오스트리아의 빌렌도르프, 소련의 몰타 및 뷰렛)에서 동물과 여성의 이미지가 발견되었습니다. 형태의. 신석기 시대의 조각품(둥근, 보통 작음)은 돌, 뼈, 나무로 된 부드러운 암석에서 조각되었습니다. 부조는 석판과 동굴 벽에 실행되었으며 인물의 이미지에서는 형태의 도식화가 지배적이었습니다. 조각품은 종종 도구, 노동 및 사냥 도구를 장식하는 수단으로 사용되었으며 부적으로 사용되었습니다. 조각은 노동 분업의 성장과 기술 진보와 관련하여 원시 공동 시스템이 분해되는 기간 동안 더 발전했습니다. 이 단계의 가장 밝은 기념물은 스키타이인의 황금 부조, 녹 문화의 테라코타 머리, 오세아니아 민족의 유형학적으로 다양한 나무 조각 조각입니다.

노예 소유 사회의 예술에서 조각은 특정 작업과 자체 주인을 갖는 특별한 종류의 활동으로 두드러졌습니다. 의식과 마법의 의미를 지닌 고대 동양 국가의 조각품은 엄격한 사회 계층 구조, 신과 왕의 힘을 영속시키는 역할을했으며, 이는 웅장한 규모와 간결한 스타일의 작품으로 확인되었습니다. , 장엄한 파라오 동상 , 볼륨으로 요약 된 귀족의 초상화는 원래 재료 블록에 대한 아이디어를 유지했습니다. 비슷한 방식으로 발전한 다른 고대 동양 전제정치(수메르, 아카드, 바빌로니아, 아시리아)의 조각에서 색채의 밝기(수메르), 풍경의 요소(아시리아)를 포함하여 구호에 수많은 세부 사항을 도입했습니다. , 독특한 기능이었습니다.

고대 그리스와 부분적으로는 고대 로마의 조각품은 자유 시민 대중을 대상으로 하고 여러 측면에서 고대 신화의 조형적 구체화라는 점에서 다른 인본주의적 성격을 가지고 있습니다. 신과 영웅, 운동 선수 및 전사의 이미지에서 고대 그리스의 조각가는 조화롭게 발전된 성격의 이상을 구현하고 윤리적 및 미적 아이디어를 주장했습니다. 전체론적이고 소성적으로 일반화되었지만 다소 속박된 고대 시대의 조각은 해부학에 대한 정확한 지식을 기반으로 한 고전적인 조각으로 대체되었으며, 공간에서 인물을 자유롭게 설정하여 Myron, Phidias, Poliklet, 스코파스, 프락시텔레스, 리시포스. 그들의 작업에서 그리스 조각의 인본주의 적 본질이 가장 완벽하게 드러났습니다. 인간 성격의 중요성에 대한 주장, 인체의 조형적 아름다움, 이미지의 이상적인 일반화와 결합되었습니다. 헬레니즘 예술에서 고전 조각의 균형과 조화는 드라마, 한심한 열정, 이미지의 강렬함, 형태의 외적 과시로 대체됩니다. 고대 로마 조각의 사실주의는 특히 인물의 개인 및 사회적 묘사의 선명도를 강조하는 초상화 예술에서 완전히 드러났습니다. 승리의 기둥과 아치를 장식하는 역사 및 내러티브 플롯이 있는 부조가 개발되었습니다. 일종의 승마 기념물 (Marcus Aurelius 동상, 나중에 로마의 국회 의사당 광장에 Michelangelo가 설치)이있었습니다.

기독교는 세계관의 주요 형태로서 유럽 중세 조각의 성격을 크게 결정했습니다. 필요한 연결 고리로 조각은 로마네스크 시대 대성당의 건축 구조에 들어가 지각 구조의 가혹한 엄숙함을 따릅니다. 사도, 예언자, 성자, 환상적인 피조물의 부조와 조각상, 때로는 실제 인물의 이상화된 이미지가 문자 그대로 대성당의 입구, 위층의 회랑, 포탑의 벽감, 코니스 선반을 채우는 고딕 예술에서 조각은 특히 중요한 역할을 합니다. 두드러진 역할. 그것은 건축을 "인간화"하고 영적 풍요를 향상시킵니다. 고대 Rus에서 구호 기술은 높은 수준에 도달했습니다 (Kyiv 슬레이트 부조, Vladimir-Suzdal 학교 사원의 돌 조각 장식). 중세 시대에 조각품은 중동 및 극동 국가에서 널리 개발되었습니다. 인도, 인도네시아, 인도 차이나의 조각은 볼륨을 구성하는 힘과 조형의 감각적 정교함을 결합한 기념비적 인 성격으로 특히 세계에서 예술적 의미가 큽니다.

XII-XVI 세기에. 서유럽 조각은 점차 종교적이고 신비로운 내용에서 벗어나 삶을 보다 직접적으로 묘사하는 방향으로 나아갑니다. 다른 나라의 조각품보다 일찍, XIII 후반 - XIV 세기 초. XV-XVI 세기에 북부 이탈리아 (Niccolò Pisano 및 기타)에서 새로운 현실적인 경향이 나타났습니다. 고대 전통을 기반으로 한 이탈리아 조각은 르네상스 인본주의의 이상을 표현하는 데 점점 더 끌리고 있습니다. 센티미터.르네상스). 삶의 긍정 정신으로 가득 찬 생생한 인간 캐릭터의 구체화가 그녀의 주요 임무가됩니다 (Donatello, Jacopo della Quercia, A. Verrocchio의 작업). 독립형(즉, 건축과 상대적으로 독립적인) 조각상을 만들고, 도시 앙상블에 기념물을 배치하는 문제를 해결하고, 다면적인 부조에서 중요한 진전이 이루어졌습니다. 브론즈 캐스팅과 체이싱 기법이 개량되어 마졸리카 기법이 사용되고 있다. 르네상스 예술의 정점 중 하나는 거대한 힘과 강렬한 드라마로 가득 찬 미켈란젤로의 조각 작품이었습니다. 장식 작업에 대한 주된 관심은 매너리즘의 조각가를 구별합니다 (B. Cellini 및 기타). 다른 나라의 르네상스 조각가 중 Klaus Sluter (Burgundy), J. Goujon 및 J. Pilon (프랑스), M. Lacher (오스트리아), A. Kraft, F. Stoss 및 T. Riemenschneider (독일)가 눈에 띕니다. .

바로크 조각에서 르네상스의 조화와 명료함은 종종 엄숙한 화려함으로 가득 찬 역동적인 변화하는 형태의 요소에 자리를 내어줍니다. 장식 트렌드가 빠르게 성장하고 있습니다. 조각은 말 그대로 교회, 궁전, 분수, 공원의 건축과 얽혀 있습니다. 바로크 시대에는 수많은 기념 초상화와 기념물도 제작되었습니다. 바로크 조각의 가장 큰 대표자는 이탈리아의 L. Bernini, 독일의 A. Schluter, 프랑스의 P. Luger입니다. 바로크와 밀접한 관련이있는 고전주의가 발전합니다 (F. Girardon, A. Coisevox 및 기타). 계몽주의 시대에 다시 생각한 고전주의 원칙은 18세기 후반부터 19세기 1/3까지 서유럽 조각의 발전에 중요한 역할을 했습니다. (이탈리아의 A. Canova, 덴마크의 B. Thorvaldsen), 초상화가 중요해졌습니다 (J. B. Pigalle, E. M. Falcone, 프랑스의 J. A. Houdon). 정서적 긴장, 새로운 표현 수단에 대한 탐색은 낭만주의 시대 조각의 특징입니다 (P. J. David d "Angers, A. L. Bari, F. Rude in France).

XVIII 세기 초부터 러시아 조각에서. 중세 종교 형식에서 세속 형식으로 전환되고 있습니다. 바로크 양식과 고전주의와 같은 일반적인 유럽 스타일에 따라 발전하면서 새로운 국가 설립의 파토스와 시민의 계몽 이상을 현실 세계의 조형적 아름다움에 대한 인식과 결합합니다. 상트페테르부르크에 있는 팔코네의 표트르 대제 기념비는 러시아의 새로운 역사적 열망의 상징이 되었습니다. 공원의 기념비적이고 장식적인 조각품, 나무 조각품, 형식적인 초상화의 훌륭한 예는 이미 18세기 전반에 나타납니다. (B.K. Rastrelli 및 기타). XVIII 후반 - XIX 세기 전반. 뛰어난 거장들의 은하계로 대표되는 러시아 조각 학교가 형성되고 있습니다. F. I. Shubin, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Martos, V. I. Demut-Malinovsky, F. P. Tolstoy, S. S. Pimenova. 건축과의 긴밀한 연결, 그것과의 합성에서 동등한 위치, 비 유적 구조의 일반화는 러시아 고전주의 조각의 전형입니다. 1830년대와 40년대 러시아 조각에서 이미지의 역사적 구체성 (B. I. Orlovsky)과 장르 특이성 (P. K. Klodt, N. S. Pimenov)에 대한 욕구는 점점 더 범해지고 있습니다.

XIX 세기 후반. 러시아와 서유럽 조각은 예술 민주화의 일반적인 과정을 반영합니다. 지금 살롱아트로 재탄생하고 있는 고전주의는 사실주의적 방향( 센티미터.리얼리즘) 공개적으로 표현 된 사회적 지향, 일상 생활에 대한 인식, 예술가의 관심 가치, 노동 주제에 대한 호소, 공공 도덕 문제 (프랑스의 J. Dalou, 벨기에의 C. Meunier 등). 현실적인 러시아 조각은 Wanderers 그림의 강한 영향으로 발전합니다. 후자의 특징 인 조국의 역사적 운명에 대한 반성의 깊이는 또한 M. M. Antokolsky의 조각 작업을 구별합니다. 현대 생활에서 가져온 플롯, 농민 테마 (F. F. Kamensky, M. A. Chizhov, S. O. Ivanov)는 조각에서 확인되지만 과도한 자연주의와 이미지의 세속성, 때로는 감성으로 고통받습니다.

XIX 세기 후반의 예술에서. 건축과 예술의 합성이 무너지고 기념비적 장식과 기념비적 조각의 쇠퇴; 다양한 자연주의 흐름이 퍼집니다. 조각의 위기를 극복하려는 시도는 "현대"스타일의 틀 내에서 예술의 종합에 대한 열망이 다시 되살아 난 19 세기 말-20 세기 초에 윤곽이 잡혔습니다. 특히 조각)이 중요한 위치를 차지한다. 이 시대 조각의 발전은 현대 예술 경향(인상주의, 상징주의)의 영향을 받았으며 과거의 전통(그리스 고풍, 고전, 르네상스)에 크게 의존하고 있습니다. 모든 국립 학교에 강력한 영향을 미치는 O. Rodin은 자연 연구와 밀접하게 연결되어 있으며 감정적 영향이 밝고 이데올로기 적 디자인이 중요한 작품을 만들어 시대의 모순적인 성격을 반영합니다. 부분적으로는 로댕의 영향을 받아 20세기 프랑스 조각의 거장들의 작품이 구체화되었습니다. - E. A. Bourdelle, A. Maillol, Ch. Despio. XX 세기 상반기에 다른 국가에서 이러한 유형의 예술을 가장 많이 대표했습니다. E. Barlach(독일), I. Meshtrovic(크로아티아)이었다. 이 기간의 러시아 조각의 다양한 방향은 S. M. Volnukhin, I. Ya. Gintsburg, P. P. Trubetskoy, A. S. Golubkina, S. T. Konenkov, A. T. Matveev, N. A. Andreev에 의해 표현됩니다. 조각에서는 형태의 조형적 표현력이 가장 중요합니다(이탈리아의 M. Rosso, 스위스의 A. Giacometti, 독일의 G. Kolbe).

XX 세기에. 조각의 발전은 모순적인 성격을 띤다. 20세기 모더니즘 회화 경향의 실험주의. 조각품에 침투했습니다. 입체파의 영향은 특히 강했고 (P. Picasso, A. P. Archipenko, A. Laurent) 조각에 다양한 비 전통적인 재료가 포함되었습니다. 구성주의의 대표자는 N. Gabo, A. Pevzner, 초현실주의 - X. Arp, 추상 미술 - A. Calder 및 기타 Dadaists (M. Duchamp)였으며 그 후 팝 아트 아티스트는 일상적인 물건을 작품으로 변형시키는 원리를 도입했습니다. 소위 오브제라고 불리는 조각의 예술적-조형적 형태의 의미를 부정하는 것. 최신 재료(I. Noguchi, USA)로 만든 장식적 형태나 거대한 양식화 인물(G. Moore, 영국)은 현대 도시 환경에 적합합니다.

모더니스트 경향은 사회주의 리얼리즘의 길을 따라 발전하고 있는 소비에트 조각에 의해 지속적으로 반대된다. 그것의 형성은 최초의 혁명적 기념물과 기념 명판이 만들어지고 나중에 기념비적 조각의 많은 중요한 작품이 만들어진 기념비적 선전에 대한 레닌주의 계획과 분리 할 수 ​​없습니다. 20-30년대 기념비에서. (조각가 A. T. Matveev, S. D. Merkurov, B. D. Korolev, M. G. Manizer 등), 대형 공공 건물, 지하철역, 모든 연합 및 국제 전시회를 장식하는 기념비적이고 장식적인 조각 (V. I. Mukhina 등의 "Worker and Kolkhoz Woman") , 사회주의 세계관이 분명하게 드러났고 민족의 원칙과 예술의 당 정신이 실현되었습니다. 20~30년대 조각의 중심. 혁명의 주제 (Matveev 및 기타), 혁명적 사건에 참여하는 이미지, 사회주의 건설자가됩니다. 이젤 조각의 큰 장소는 초상화 (Andreev, Golubkina, S. D. Lebedeva, V. N. Domogatsky 및 기타)와 전사 (I. D. Shadr 및 기타), 전사 (L. V Sherwood)의 이미지가 차지합니다. , 노동자 (G. I. Motovilov). 동물주의 조각이 발전하고 있으며 (I. S. Efimov, V. A. Vatagin) 작은 형태의 조각이 눈에 띄게 업데이트되었습니다 (V. V. Kuznetsov, N. Ya. Danko 등). 1941-45 년의 위대한 애국 전쟁 동안 조국과 소비에트 애국심의 주제가 전면에 등장하여 영웅의 초상화 (Mukhina, Lebedeva, N. V. Tomsky), 긴장된 극적인 장르 인물 및 그룹 (V. V. Lishev, E F. Belashova 및 기타). 전쟁 기간의 비극적 사건과 영웅적 행위는 특히 1940-1970 년대 기념 구조물 조각에 생생하게 반영되었습니다. (E. V. Vuchetich, Y. Mikenas, G. Jokubonis, L. V. Bukovsky 등). 40-80년대. 조각은 공공 건물 및 앙상블의 건축에서 장식적 또는 공간적 조직 구성 요소로서 적극적인 역할을 하며 수많은 새로운 기념물 및 기념비적 구성과 함께 도시 복합 건물을 만드는 데 사용됩니다(M. K. Anikushin, E. D. Amashukeli, V. Z. Borodai, L. E. Kerbel, A. P. Kibalnikov, O. K. Komov, Yu. G. Orekhov, T. Sadykov, V. E. Tsigal, Yu. 조각, 주거 지역의 조각 장식 등 현대성에 대한 예리한 감각, 플라스틱 업데이트 방법 모색 언어는 50-80년대 후반 이젤 조각의 전형입니다. (A. G. Pologova, L. M. Baranov 등). 소비에트 조각의 많은 국립 학교에 공통적 인 것은 공산주의의 건설자, 민족 간의 우정 주제에 대한 호소, 평화를위한 투쟁과 같은 현대인의 성격을 구현하려는 열망입니다. 같은 경향이 다른 사회주의 국가의 조각품에도 내재되어 있는데, 이는 폴란드의 K. Dunikovsky, 동독의 F. Kremer, 유고슬라비아의 A. Avgustinchich, 헝가리의 J. Kisfaludy-Strobl, 다른 사람). 서유럽 조각에서 파시즘과 전쟁에 대한 반응은 가장 진보적 인 세력의 활성화를 일으켰고 높은 인본주의 적 파토스 (조각가 M. Mazakurati, 이탈리아의 J. Manzu, 핀란드의 V. V. Aaltonen)로 가득 찬 작품 제작에 기여했습니다. 주요 예술가의 조각은 근대성의 진보적 아이디어를 촉진하고 특정 폭, 서사시 및 표현력으로 역사적 및 현대적 사건을 재창조하는 반면 다양한 모더니스트 운동의 대표자는 실제 생활 문제에서 주관적 환상의 세계로 이동하여 현실과의 생생한 연결을 끊습니다. 형식주의적 실험

엔쿠(일본). "은자". 나무. 17 세기 간논지 사원. 나고야.

미켈란젤로(이탈리아). "밤". 피렌체에 있는 산 로렌조 교회의 새 성구실(메디치 예배당)의 장식 세부 사항. 대리석. 1520년 - 1534년.

A. 마욜(프랑스). "바운드 운동". 청동. 20세기 초 메트로폴리탄 박물관. 뉴욕.

"꺾이지 않은". 살라스필스(라트비아 SSR)의 파시스트 테러 희생자를 추모하는 추모 앙상블의 일부. 콘크리트. 1967. 조각가 L. Bukovsky, J. Zarin, O. Skarainis.
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출처: 대중 미술 백과사전. 에드. 필드 VM; M.: 출판사 "소비에트 백과사전", 1986.)

조각품

조각, 종류 중 하나 시각 예술. 조각은 회화와 달리 묘사된 것이 아니라 실제의 부피를 가지고 있다. 조각품에는 원형 조각품과 원형 조각품의 두 가지 주요 유형이 있습니다. 안도. 둥근 조각상은 여유 공간에 "살아"있습니다. 모든면에서 주위를 돌고 손으로 거칠거나 매끄러운 표면을 느끼고 모양의 원형을 느낄 수 있습니다. 부조는 평면의 3차원 도면과 유사합니다.
조각 속 이미지의 주요 주제는 사람입니다. 때때로 주인은 동물과 새, 무생물을 묘사합니다. 원형 조각에서는 회화와 달리 자연을 재현하는 것이 매우 어렵고 공기 분위기의 특징을 전달하는 것이 불가능합니다. 그러나 조각가는 서정적이고 충만한 것에서 웅장하고 장엄한 것까지 모든 감정과 아이디어를 신체적 형태로 표현할 수 있습니다. 주인은 자신이 인생에서 보는 형태를 정확하게 복사하려고 노력하지 않습니다. 조각에서는 모든 예술 작품과 마찬가지로 가장 중요하고 필수적인 것을 선택하고 불필요한 세부 사항을 제거하고 반대로 무언가를 강조하고 강조하고 과장해야합니다. 조각가는 복사하는 것이 아니라 자연에 대한 지식을 바탕으로 새로운 형태를 만들고 창조합니다.

모든 조각품은 조명에 매우 민감합니다. 상단 및 측면 조명, 흐린 날씨 및 밝은 햇빛에서 다르게 보입니다. 조각가들은 작업에서 이것을 고려합니다. 조각 작품은 거리나 도시 광장, 박물관 홀, 공원 골목, 집 안의 방 등 특정 환경을 기반으로 만들어집니다. 조각품이 서게 될 장소에 따라 크기, 제작될 재료, 모양의 특징이 결정됩니다.
목적에 따라 조각품은 기념비와 이젤로 나뉩니다. 기념비 조각은 역사적 사건을 기리거나 뛰어난 인물을 묘사하기 위해 세워진 기념비입니다. 그것들은 일반화된 이미지로 훌륭한 아이디어를 표현하는 조각의 능력을 구현합니다. 공원 조각은 자연 환경을 장식하는 역할을 합니다. 조각가의 숙련된 손은 완벽한 형태를 만들기 위해 자연과 경쟁하는 것 같습니다. 기계로 만든 조각상을 이젤 조각이라고 합니다. 그들은 작은 방, 박물관 홀용입니다.
모든 조각 재료는 부드러운 (점토, 플라스틱, 왁스) 및 단단한 (돌, 나무, 상아)로 나눌 수 있습니다. 조각가는 부드러운 재료를 사용하여 미래 조각상을 조각하고 부피를 늘립니다. 원시 시대부터 알려진 가장 오래된 플라스틱 재료인 점성이 있고 부드러운 점토는 주인의 손가락 아래에서 어떤 모양이든 취합니다. 구운 점토로 만든 제품을 테라코타(이탈리아 테라코타 - 탄 흙)라고 합니다. 무덤과 사원의 조각품은 고대부터 내구성이 강한 돌로 조각되었습니다. 단단한 암석 (화강암, 현무암 등)은 가공하기 어렵고 작은 부분을 잘라낼 수 없습니다. 따라서 그러한 작품에서 돌 블록 (고대 이집트 조각)의 덩어리가 가장 강하게 느껴집니다. 석회암은 더 부드러운 돌입니다. 중세에는 구호 장식으로 사용되었습니다. 포털대성당. 고대 그리스인들은 처음으로 대리석으로 작업했습니다. 숨쉬는 돌처럼 반짝이며 살색에 가깝고 벌거 벗은 신과 영웅의 조각상에 적합했습니다.
르네상스의 위대한 조각가 미켈란젤로그들은 조각품을 만드는 것이 매우 간단하다는 유명한 말을합니다. 돌을 가져다가 "불필요한 모든 것을 제거"해야합니다. 실제로, 단단한 재료로 작업하는 마스터는 돌이나 나무 덩어리의 "포로 상태에서"미래의 조각품을 "해방"합니다. 돌을 다루려면 체력과 자신감 있는 손이 필요하다. 한 번의 실수로 작업이 망가집니다. 첫째, 큰 못처럼 보이는 도구 인 혀를 사용하여 가장 큰 조각을 돌에서 잘라냅니다. 그런 다음 그들은 거칠기를 부드럽게하는 평평한 톱니 모양의 끝이있는 대형 커터 인 트로이 목마와 함께 작업합니다. 더 작은 절단기인 Scarpel은 작은 세부 사항을 잘라냅니다. 드릴 (특수 드릴)을 사용하여 구멍을 뚫습니다 (머리카락 컬, 눈동자 등). 작업이 완료되면 조각품의 개별 부품이 광택이 나도록 연마됩니다.
나무는 옛날부터 조각가들에 의해 사용되었습니다. 수천 년 동안 재미있는 장난감과 작은 장식용 인형을 만든 민속 공예가가 가장 좋아하는 재료로 남아 있습니다. 목재 작업 도구는 기본적으로 다양한 칼, 끌, 톱 및 망치와 같이 석재와 동일합니다. 돌보다 나무를 조각하는 것이 더 쉽지만 작업 자체가 어렵습니다. 목재는 섬유 방향으로만 절단할 수 있습니다. 계획의 실행은 가장 부적절한 장소에 "나타난" 매듭에 의해 방해를 받을 수 있습니다. 마지막으로 나무 조형물이 마르거나 갈라지지 않도록 완성된 조각상을 두 부분으로 나누고 내부에서 속을 파낸 다음 반쪽을 다시 붙입니다. 나무는 다른 재료와 달리 미래 작업의 형태를 "제안"합니다. 조각가는 나무 매듭을 조각상의 손으로, 오래된 그루터기의 흩어진 뿌리를 괴물의 구부러진 발로 바꿀 수 있습니다. 따뜻한 "살아있는"재료인 목재는 조각품을 특별한 유기적 힘.
청동, 구리, 주철, 금과 같은 금속은 조각 재료 중에서 두드러집니다. 청동(또는 다른 금속) 조각을 만드는 과정에서 먼저 밀랍, 석고, 점토 등으로 모형을 만듭니다.

세계 박물관은 조각 예술에 대해 알고 싶은 모든 사람에게 열려 있습니다. 사람과 동물의 형상은 서로 다른 재료로 서로 다른 세기에 만들어졌습니다. 가장 유명한 조각품 중에는 신의 조각상과 골동품 조각품이 있습니다. 마스터에게 영감을 준 것은 무엇이며 가장 유명한 조각품은 무엇입니까?

유명한 고대 조각품

골동품 조각이 가장 유명합니다. 우리는 일상 생활을 포함하여 모든 곳에서 그들의 이미지를 봅니다.

"밀로의 비너스"

아마도 밀로의 비너스 조각보다 더 알아볼 수 있는 조각은 없을 것입니다. 많은 기관들이 그 사본으로 홀을 장식합니다. 생성 날짜도 저자 자신도 알려져 있지 않습니다.

과학자들은 생성 시간을 대략적으로만 결정했습니다. 그들에 따르면 비너스는 ​​기원전 130년에 조각되었다. 이자형. 오늘은 루브르 박물관에 전시되어 있습니다.

"데이빗"

청동 "David"의 저자는 조각가 Danatello입니다. 그의 작품은 지지대 없이 서 있는 전신 조각이다. 작가의 생각대로 미소짓는 벌거벗은 다윗이 방금 잘라낸 골리앗의 머리를 바라보고 있다.

이 조각품을 만든 날짜는 천사백사십년입니다. "David"는 피렌체 국립 박물관에서 시연합니다.

"원반던지기 선수"

가장 유명한 또 다른 고대 조각품은 Discobolus입니다. 처음에 작가는 청동 조각품을 주조했습니다. 생성 날짜 - 기원전 약 450년. 이자형. 나중에 여러 사본이 나타 났지만 이미 대리석으로 만들어졌습니다.

신들의 가장 유명한 조각상

거의 모든 국가에서 신상을 볼 수 있습니다. 어딘가에 그들은 표준 크기이고 박물관에 전시되어 있으며 어딘가에는 단순히 거대하고 도시의 랜드 마크입니다.

구세주 그리스도의 동상

구세주 그리스도의 거대한 동상은 리우데자네이루에 있으며 주요 국가 명소 중 하나입니다. 매년 거의 2백만 명이 그것을 보러 옵니다.

이 동상은 브라질의 신성한 상징입니다. 그리스도의 모습은 해발 700m 높이에 있습니다. 높이는 38미터입니다. 이 조각상은 1931년에 주민들과 교회의 기부금으로 세워졌습니다.

미륵불상

세계에서 가장 큰 불상은 중국의 미륵불입니다. 이 기록적인 동상은 바위에 바로 새겨져 있습니다. 높이는 71미터입니다.

그것에 대한 작업은 713년에 시작되어 90년 동안 지속된 것으로 알려져 있습니다. 중국을 찾는 수많은 관광객들은 약 천년 동안 세계에서 가장 높은 것으로 여겨진 신의 동상을 보려고 노력합니다.

시바 동상

시바 신의 현대적인 조각상은 이미 21세기 네팔에 나타났습니다. 건설에는 7년이 걸렸습니다. 높이가 43.5m인 시바는 세계에서 가장 높은 시바 신상입니다. 그것에 대한 관광객의 관심은 이해할 수 있습니다.

기타 알아볼 수 있는 조각상

조각 예술은 수천 년의 역사를 가지고 있습니다. 수년 동안 조각가들은 다양한 작품을 만들었습니다. 조각품 중 일부는 실제 광경입니다.

모아이

이스터 섬에는 850개의 모놀리식 석상이 있습니다. 놀랍게도 모두 섬 중앙을 향하고 있다. 그들 중 일부는 길이가 6미터가 넘고 무게는 20톤입니다.

원정대 중 한 명이 그곳에서 거대한 미완성 조각상을 발견했습니다. 무게는 약 270톤, 높이는 20미터입니다.

"마네켄 피스"

Manneken Pis 동상이 언제 브뤼셀에 나타 났으며 제작자가 누구인지는 정확히 알려지지 않았습니다. 이 미니어처 조각상 분수는 청동으로 만들어졌습니다. 벌거벗은 소년이 수영장에 오줌을 싸고 있습니다. 이 조각상은 15세기에 제작된 것으로 추정됩니다.

Bronze Boy는 반복적으로 납치되었습니다. 그 자리에 사본이 나타났습니다. 때때로 동상은 기억에 남는 날짜나 휴일에 따라 다른 의상을 입습니다.

대스핑크스

기자에 보존된 가장 오래된 조각품은 나일 강둑에 있는 대스핑크스입니다. 이것은 모 놀리 식 작업입니다. 스핑크스는 석회질 기원의 암석에서 조각되었습니다. 앞으로 뻗은 발 사이에는 한때 성소가 있었다. 사자상의 얼굴은 이집트의 파라오 중 한 명과 닮은 초상화를 가지고 있습니다. 광경은 이집트 피라미드 자체입니다. 이 사이트에는 이집트 및 기타 멋진 피라미드에 대한 사이트가 있습니다.

세계에서 가장 유명한 조각품

세계에서 가장 많이 복제되고 가장 잘 알려진 조각품 이미지는 The Thinker입니다. 이 유명한 조각품은 파리에 전시되어 있습니다. 저자는 로댕입니다.

1880년 로댕은 큰 주문을 받았다. 그 작품은 The Gates of Hell이라고 불릴 예정이었습니다. 작가는 박물관 입구에 설치될 여러 조각품을 만들 것이라고 가정했습니다. 이 프로젝트는 미완성 상태로 남아 있었지만 로댕은 많은 조각품을 크게 만들기로 결정했습니다. 덕분에 세상은 "Thinker"를 보았습니다. 독창적 인 주인은 돌 위에 앉아있는 남자의 깊은 사고 과정을 정확하게 전달했습니다.
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