21세기 미국의 풍경화가. 자세히 살펴볼 가치가 있는 현대 러시아 예술가

장엄하고 다양한 러시아 그림은 항상 변덕스럽고 예술 형식의 완벽함으로 관객을 기쁘게 합니다. 이것은 유명한 예술 거장의 작품의 특징입니다. 그들은 일에 대한 특이한 접근 방식, 각 사람의 감정과 감각에 대한 경건한 태도에 항상 놀랐습니다. 아마도 이것이 러시아 예술가들이 감정적 인 이미지와 서사적으로 차분한 모티프를 생생하게 결합한 초상화 구성을 자주 묘사 한 이유 일 것입니다. Maxim Gorky가 한때 예술가는 그의 나라의 심장이자 전체 시대의 목소리라고 말한 것은 놀라운 일이 아닙니다. 실제로 러시아 예술가들의 장엄하고 우아한 그림은 당시의 영감을 생생하게 전달합니다. 유명한 작가 Anton Chekhov의 열망처럼 많은 사람들이 러시아 그림에 사람들의 독특한 풍미와 멈출 수없는 아름다움의 꿈을 가져 오려고했습니다. 다양한 장르의 진정으로 특별한 작품이 그들의 붓 아래에서 탄생했기 때문에 장엄한 예술의 거장들의 특별한 캔버스를 과소 평가하는 것은 어렵습니다. 학술 회화, 초상화, 역사 회화, 풍경화, 낭만주의 작품, 모더니즘 또는 상징주의 작품 - 모두 여전히 시청자에게 기쁨과 영감을 가져다줍니다. 누구나 화려한 색상, 우아한 선, 흉내낼 수 없는 세계 예술 장르 이상의 무언가를 발견합니다. 아마도 러시아 회화가 놀라게하는 풍부한 형태와 이미지는 주변 예술가 세계의 엄청난 잠재력과 관련이있을 것입니다. Levitan은 또한 무성한 자연의 모든 음표에는 장엄하고 특이한 색상 팔레트가 있다고 말했습니다. 그러한 시작과 함께 작가의 붓은 장엄한 창공을 드러낸다. 따라서 모든 러시아 그림은 절묘한 엄격함과 매력적인 아름다움으로 구별되며 이탈하기가 매우 어렵습니다.

러시아 회화는 세계 예술과 올바르게 구별됩니다. 사실 17세기까지 국내 회화는 전적으로 종교적 주제와 관련이 있었습니다. 차르 개혁가 인 피터 대왕이 권력을 잡으면 서 상황이 바뀌 었습니다. 그의 개혁 덕분에 러시아 마스터는 세속적 인 그림에 참여하기 시작했고 아이콘 그림은 별도의 방향으로 분리되었습니다. 17세기는 Simon Ushakov와 Iosif Vladimirov와 같은 예술가들의 시대입니다. 그런 다음 러시아 예술계에서 초상화가 탄생하여 빠르게 인기를 얻었습니다. 18세기에 초상화에서 풍경화로 전환한 최초의 예술가들이 나타났습니다. 겨울 파노라마에 대한 주인의 뚜렷한 동정이 눈에 띕니다. 18세기는 일상 회화의 탄생으로도 기억됩니다. 19세기에 러시아에서는 낭만주의, 사실주의, 고전주의라는 세 가지 경향이 인기를 끌었습니다. 이전과 마찬가지로 러시아 예술가들은 계속해서 초상화 장르로 전환했습니다. 그때 O. Kiprensky와 V. Tropinin의 세계적으로 유명한 초상화와 자화상이 나타났습니다. 19 세기 후반에 예술가들은 억압받는 상태에있는 단순한 러시아 사람들을 점점 더 자주 묘사합니다. 사실주의는 이 시기 회화의 중심 경향이 된다. 그때 실생활만을 묘사하는 Wanderers가 나타났습니다. 20세기는 물론 아방가르드 시대입니다. 당시 예술가들은 러시아와 전 세계의 추종자들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그들의 그림은 추상주의의 선구자가 되었습니다. 러시아 회화는 창작물로 러시아를 영화 롭게 한 재능있는 예술가들의 거대한 멋진 세계입니다.

살아있는 예술가의 가장 비싼 작품에 대한 평가는 나이와 건강보다 훨씬 적은 예술사에서 예술가의 역할과 위치에 대해 말하는 구성입니다.

등급을 집계하는 규칙은 간단합니다. 첫째, 살아있는 작가의 작품과의 거래만 고려됩니다. 둘째, 공개 경매 판매만 고려됩니다. 셋째, "한 아티스트-한 작품"이라는 규칙이 준수됩니다 (작품 평가에서 두 개의 레코드가 Jones에 속하는 경우 가장 비싼 레코드 만 남고 나머지는 고려되지 않음). 순위는 달러 기준(판매일 환율 기준)으로 진행됩니다.

1. 제프 쿤스 토끼. 1986. $91.075 백만

제프 쿤스(Jeff Koons, 1955)의 경매 경력을 오래 볼수록 팝아트에 불가능한 것은 없다는 확신이 생깁니다. 풍선 장난감 형태로 Koons 조각품을 감상하거나 키치하고 나쁜 취향이라고 생각할 수 있습니다. 한 가지는 부인할 수 없습니다. Jeff Koons 설치에는 막대한 비용이 듭니다.

제프 쿤스는 2007년 소더비에서 그의 거대한 금속 설치물인 행잉 하트(Hanging Heart)가 2,360만 달러에 구입되면서 세계에서 가장 성공적인 살아있는 예술가로 명성을 얻기 위한 여정을 시작했습니다. 이 작품은 Koons를 대표하는 Larry Gagosian Gallery에서 구입했습니다. 우크라이나 억만장자 Viktor Pinchuk의 이익을 위한 것이라고 보도했습니다.) 갤러리는 단순한 설치가 아니라 실제로 보석 예술 작품을 획득했습니다. 10 층의 페인트로 덮인 마음으로 구성을 만드는 데 5 만 시간이 걸렸고 그 결과 화려한 "장식"에 막대한 돈이 지불되었습니다.

다음은 2008년 6월 30일 크리스티 런던에서 1,292만 파운드(2,580만 달러)에 보라색 풍선 꽃이 판매된 것입니다. 흥미롭게도 7년 전 "Flower"의 이전 소유자가 110만 달러에 작품을 구입했으며, 이 기간 동안 시장 가격이 거의 25배 증가했다고 쉽게 계산할 수 있습니다.

2008~2009년 미술시장의 침체는 회의론자들에게 쿤스의 패션은 지나갔다고 비방할 이유를 주었다. 그러나 그들은 틀렸습니다. 미술 시장과 함께 Koons의 작품에 대한 관심이 되살아났습니다. 앤디 워홀의 팝 아트 왕의 후계자는 2012년 11월 크리스티에서 "트라이엄프" 시리즈의 다색 조각 "튤립"을 커미션을 포함해 3,370만 달러에 판매하면서 개인 최고 기록을 경신했습니다.

그러나 "튤립"은 문자적이고 비유적인 의미에서 "꽃"이었습니다. 불과 1년 후인 2013년 11월, 스테인리스 스틸 풍선 개(주황색) 조형물의 판매가 이어졌습니다. 망치의 가격은 무려 5,840만 달러였습니다! 살아있는 예술가를위한 엄청난 금액. 현대 작가의 작품은 반 고흐나 피카소의 그림 값으로 팔렸습니다. 딸기였는데...

이 결과 쿤스는 수년간 살아있는 작가 순위 1위를 지켰다. 2018년 11월에 그는 David Hockney를 잠시 앞질렀습니다(우리 순위에서 2위 참조). 그러나 불과 6 개월 후 모든 것이 정상으로 돌아 왔습니다. 2019 년 5 월 15 일 뉴욕에서 전후 및 현대 미술 경매에서 Christie는 1986 년 Koons의 교과서 조각품 인 은색 "토끼"를 판매했습니다. 비슷한 모양의 풍선을 모방한 스테인레스 스틸로 만들어졌습니다.

전체적으로 Koons는 그러한 조각품 3개와 작가의 사본 1개를 만들었습니다. 경매에는 출판사 Conde Nast (잡지 Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ 등)의 공동 소유주 인 컬트 출판사 Cy Newhouse 컬렉션의 "Rabbit"2 번 사본이 포함되었습니다. Silver "Rabbit"은 1992 년 "Glamour의 아버지"Cy Newhouse가 그 해의 기준에 따라 인상적인 금액 인 100 만 달러에 구입했습니다. 입찰자 10인의 27년 투쟁 끝에 조각품 망치의 가격은 이전 경매가보다 80배나 올랐다. 그리고 Buyer's Premium 커미션으로 최종 결과는 살아있는 모든 아티스트에게 9107만5000달러라는 기록을 세웠습니다.

2. DAVID HOKNEY 작가의 초상. 두 인물이 있는 풀. 1972. $90,312,500

David Hockney(1937)는 20세기의 가장 중요한 영국 예술가 중 한 명입니다. 2011년 데이비드 호크니는 수천 명의 전문 영국 화가와 조각가를 대상으로 실시한 설문 조사에서 역사상 가장 영향력 있는 영국 예술가로 선정되었습니다. 동시에 Hockney는 William Turner 및 Francis Bacon과 같은 마스터를 우회했습니다. 그의 작품은 일반적으로 팝 아트에 기인하지만 초기 작품에서는 Francis Bacon의 정신으로 표현주의에 더 끌렸습니다.

David Hockney는 영국 요크셔에서 태어나고 자랐습니다. 미래 예술가의 어머니는 청교도 적 엄격함으로 가족을 지켰고 아마추어 수준에서 약간의 그림을 그리는 단순한 회계사 인 그의 아버지는 아들에게 그림을 그리도록 격려했습니다. 20대 초반에 David는 캘리포니아로 이주하여 약 30년 동안 그곳에서 살았습니다. 그는 여전히 거기에 두 개의 작업장을 가지고 있습니다. Hockney는 그의 작품의 주인공을 지역 부자, 빌라, 수영장, 캘리포니아 태양 아래서 목욕하는 잔디밭으로 만들었습니다. 미국 시대의 가장 유명한 작품 중 하나 인 "Splash"그림은 사람이 물에 뛰어든 후 수영장에서 솟아 오르는 물보라 뭉치의 이미지입니다. 2초도 안 되는 "살아 있는" 이 뭉치를 묘사하기 위해 Hockney는 2주 동안 작업했습니다. 그런데 이 그림은 2006년 소더비에서 540만 달러에 팔렸고 한동안 그의 가장 비싼 작품으로 여겨졌습니다.

호크니(Hockney, 1937)는 이미 80대에 접어들었지만 여전히 작업을 하며 기술 혁신을 통해 새로운 예술적 기법을 발명하기도 합니다. 그는 폴라로이드 사진으로 거대한 콜라주를 만드는 아이디어를 생각해 내고 그의 작품을 팩스 기계에 인쇄했으며 오늘날 아티스트는 iPad에서 그림을 열정적으로 마스터합니다. 태블릿에 그려진 그림은 그의 전시회에서 정당한 자리를 차지합니다.

2005년 호크니는 마침내 미국에서 영국으로 돌아왔다. 이제 그는 야외와 스튜디오에서 지역 숲과 황무지의 거대한 (종종 여러 부분으로 구성됨) 풍경을 그립니다. Hockney에 따르면 캘리포니아에서 30년을 보낸 그는 계절의 단순한 변화에 너무 익숙해져서 진정으로 그를 매혹시키고 매혹시켰습니다. 예를 들어, 그의 최근 작품의 전체 주기는 일년 중 다른 시기에 같은 풍경에 전념합니다.

2018년에 Hockney의 그림은 천만 달러를 여러 번 돌파했습니다. 그리고 2018년 11월 15일, 살아있는 예술가의 작품에 대한 새로운 절대 기록이 Christie에 등록되었습니다. "예술가의 초상화(두 인물이 있는 풀)" 그림이 $90,312,500에 등록되었습니다.

3. 게르하르트 리히터 추상 회화. 1986. 4,630만 달러

리빙 클래식 게르하르트 리히터(1932)우리 순위에서 2 위를 차지했습니다. 독일 예술가는 Jeff Koons의 5,800만 번째 기록이 치기 전까지 살아있는 동료들 사이에서 리더였습니다. 그러나 이러한 상황이 예술 시장에서 이미 철인 리히터의 권위를 흔들 수 있을 것 같지는 않습니다. 2012년 결과에 따르면 독일 예술가의 연간 경매 회전율은 Andy Warhol과 Pablo Picasso에 이어 두 번째입니다.

수년 동안 현재 리히터에게 닥친 성공을 예고한 것은 아무것도 없었습니다. 수십 년 동안 작가는 현대 미술 시장에서 겸손한 위치를 차지했으며 명성을 전혀 열망하지 않았습니다. 명성이 저절로 그를 추월했다고 말할 수 있습니다. 많은 사람들은 뉴욕의 MoMA 박물관이 1995년 리히터의 1977년 10월 18일 시리즈를 구입한 것이 출발점이라고 생각합니다. 미국 박물관은 15개의 회색조 그림에 300만 달러를 지불했고 곧 독일 예술가의 본격적인 회고전을 개최하는 것에 대해 생각하기 시작했습니다. 장대한 전시회는 6년 후인 2001년에 열렸고 그 이후로 리히터의 작품에 대한 관심은 비약적으로 커졌습니다. 2004년부터 2008년까지 그의 그림 가격은 세 배로 뛰었습니다. Artnet 웹 사이트에 따르면 2010년에 Richter의 작품은 이미 7,690만 달러를 벌어들였고, 2011년에는 경매에서 Richter의 작품이 총 2억 달러를 벌어들였으며, 2012년(Artprice에 따르면)에는 2억 6,270만 달러가 그 어떤 작품보다도 많은 수익을 올렸습니다. 다른 살아있는 예술가.

예를 들어 Jasper Johns의 경우 경매에서의 압도적인 성공은 주로 초기 작품에만 수반되지만 Richter의 작품에서는 이러한 급격한 구분이 일반적이지 않습니다. 직업. 지난 60년 동안 이 예술가는 초상화, 풍경, 선착장, 누드, 정물, 그리고 물론 추상화와 같은 거의 모든 전통적인 그림 장르에서 자신을 시도했습니다.

Richter의 경매 기록의 역사는 일련의 정물화 "양초"로 시작되었습니다. 1980년대 초에 제작된 27개의 사실적인 양초 이미지는 작품당 15,000 독일 마르크($5,800)에 불과했습니다. 그러나 여전히 슈투트가르트의 막스 헤츨러 갤러리에서 열린 첫 전시회에서 아무도 양초를 사지 않았습니다. 그런 다음 그림의 주제는 구식이라고 불 렸습니다. 오늘날 "양초"는 항상 작품으로 간주됩니다. 그리고 그들은 수백만 달러의 비용이 듭니다.

2008년 2월 "캔들", 1983년에 작성되었으며 예기치 않게 £에 구입되었습니다. 797만 달러(1,600만 달러). 이 개인 기록은 3년 반 동안 지속되었습니다. 그 다음에 2011년 10월다른 것 "촛불"(1982)이미 £에 Christie's에서 망치를 맞았습니다. 1,046만 달러(1,648만 달러). 이 기록으로 Gerhard Richter는 Jasper Johns와 Jeff Koons에 이어 처음으로 가장 성공적인 생존 아티스트 3위에 진입했습니다.

그런 다음 Richter의 "추상화"의 승리 행렬이 시작되었습니다. 작가는 독특한 작가의 기법으로 그러한 작품을 그립니다. 그는 밝은 배경에 간단한 페인트를 혼합하여 적용한 다음 자동차 범퍼 크기의 긴 스크레이퍼로 캔버스에 칠합니다. 이로 인해 복잡한 색상 전환, 점 및 줄무늬가 나타납니다. 그의 "추상화"의 표면을 조사하는 것은 발굴과 같습니다. 그 위에는 수많은 다채로운 층의 틈을 통해 다양한 "인물"의 흔적이 보입니다.

2011년 11월 9일현대 및 전후 미술 경매에서 Sotheby의 대규모 "추상화(849-3)" 1997년은 2080만 달러(1320만 파운드). 그리고 6개월 후, 2012년 5월 8일뉴욕의 전후 및 현대 미술 경매에서 Christie 's "추상화(798-3)" 1993년은 기록을 세웠다 2,180만 달러(커미션 포함). 5개월 후 - 다시 기록: "추상화(809-4)" 2012년 10월 12일 런던 소더비에서 열린 록 뮤지션 에릭 클랩튼 컬렉션에서 2,130만 달러(3,420만 달러). 3000만이라는 장벽은 마치 현대 회화가 아니라 이미 100년 된 걸작에 관한 것처럼 아주 쉽게 리히터에 의해 점령되었습니다. Richter의 경우 "위인"의 판테온에 포함 된 것은 이미 예술가의 생애 동안 일어난 것 같습니다. 독일 가격은 계속 상승하고 있습니다.

Richter의 다음 기록은 사실적인 작업인 풍경화에 속했습니다. "밀라노 대성당 광장(Domplatz, Mailand)" 1968. 에 작품을 팔았다. 3,710만소더비 경매에서 2013년 5월 14일. 가장 아름다운 광장의 풍경은 1968년 독일 예술가가 지멘스 일렉트로의 주문으로 특히 회사의 밀라노 사무실을 위해 그렸습니다. 집필 당시에는 리히터의 가장 큰 비유적 작품이었습니다(거의 3x3미터 크기).

Cathedral Square 기록은 거의 2년 동안 유지되었습니다. 2015년 2월 10일그를 방해하지 않았다 "추상화"( 1986): 망치 가격이 £에 도달 3038만9000(4630만 달러). 소더비 경매에 출품된 300.5×250.5cm의 추상화는 리히터가 특별 작가의 페인트 층을 긁어내는 기법을 사용한 첫 번째 대규모 작품 중 하나입니다. 1999년 마지막으로 이 "추상화"는 경매에서 607,000달러에 구입되었습니다(올해부터 현재 판매까지 이 작품은 쾰른의 루드비히 미술관에서 전시되었습니다). 2015년 2월 10일 경매에서 200만 파운드의 경매 단계에 있는 어떤 미국 고객이 4630만 달러의 망치 가격에 도달했습니다. 즉, 1999년 이후 작품의 가격이 76배 이상 인상되었습니다!

4. Tsui Zhuzhuo "위대한 눈 덮힌 산." 2013. $39.577 백만

오랫동안 우리는 "우리가 아닌" 예술에 대한 과도한 정보로 독자들에게 과부하를 주고 싶지 않았기 때문에 중국 미술 시장의 상황 발전을 면밀히 따르지 않았습니다. 공명하는 예술가만큼 비싸지도 않은 반체제 인사 Ai Weiwei를 제외하고는 중국 작가가 너무 많고 멀리 떨어져있어 중국 시장에서 무슨 일이 일어나고 있는지 탐구 할 수 없었습니다. 그러나 그들이 말했듯이 통계는 진지한 여성이며 세계에서 가장 성공적인 살아있는 작가에 대해 이야기하고 있다면 천상의 제국 현대 미술의 뛰어난 대표자에 대한 이야기 ​​없이는 할 수 없습니다.

중국 아티스트부터 시작하겠습니다. 추이 루주오. 작가는 1944년 베이징에서 태어나 1981년부터 1996년까지 미국에서 살았다. 중국으로 돌아온 후 그는 National Academy of Arts에서 강의를 시작했습니다. Cui Ruzhuo는 전통적인 중국 수묵화 스타일을 재해석하고 중국 기업인과 관리들이 서로에게 선물하기 좋아하는 거대한 두루마리 캔버스를 만듭니다. 서양에서는 그에 대해 거의 알려진 바가 없지만 많은 사람들은 홍콩 호텔 청소부가 쓰레기로 착각하고 실수로 버린 370만 달러짜리 두루마리 이야기를 기억해야 합니다. 그래서-Cui Ruzhuo의 두루마리였습니다.

Cui Ruzhuo는 70대이며 그의 작업 시장은 번창하고 있습니다. 이 작가의 작품 60여 점이 100만 달러를 돌파했지만 그의 작품은 지금까지 중국 경매에서만 성공했습니다. Cui Ruzhuo의 기록은 정말 인상적입니다. 먼저 그것 "눈 속의 풍경"홍콩 폴리 옥션에서 2014년 4월 7일해머 가격은 HK$1억 8400만( 미화 2,370만 달러).

정확히 1년 후 2015년 4월 6일시리즈인 Cui Ruzhuo의 작품에만 전념하는 홍콩의 특별 Poly Auction에서 "강남산의 대설경"(강남은 양쯔강 하류의 우안을 차지하고 있는 중국의 역사적인 지역입니다.) 중 8개의 종이에 잉크로 그린 풍경화는 HK$2억 3,600만 달러에 달했습니다( 미화 3,044.4만 달러).

1년 후 역사는 다시 반복되었습니다. 홍콩의 Poly Auctions가 주최한 Cui Ruzhuo의 개인 경매에서 2016년 4월 4일여섯 부분의 polyptych "위대한 눈 덮인 산" 2013년 망치 가격(경매장 수수료 포함) HK$3억 600만 도달 (미화 395억 7700만 달러). 이는 현재까지 아시아 생존작가 중 절대적인 기록이다.

30년 동안 중국 현대미술과 함께 일해온 미술상 존슨 찬에 따르면 이 작가의 작품에 대한 무조건적인 가격 인상 욕구는 있지만 이 모든 것은 숙련된 수집가들이 원하지 않을 것 같은 가격 수준에서 일어나고 있다. 뭔가를 사기 위해. "중국인들은 홍콩의 Poly가 조직한 것과 같은 주요 국제 경매에서 자신의 작품에 대한 가격을 부풀려 아티스트의 등급을 높이고 싶어하지만 이러한 등급이 완전히 조작되었다는 데는 의심의 여지가 없습니다."라고 Johnson Chang은 Cui Ruzhuo의 최신 기록.

물론 이것은 한 딜러의 의견일 뿐이며 모든 데이터베이스에 실제 기록이 기록되어 있습니다. 그를 고려합시다. Cui Ruzhuo 자신은 그의 진술로 판단할 때 그의 경매 성공과 관련하여 Gerhard Richter의 겸손과는 거리가 멀다. 이 기록 경쟁이 그를 진지하게 사로잡는 것 같다. “앞으로 5~10년 안에 내 작품의 가격이 피카소나 반 고흐 같은 서양 거장의 작품 가격을 능가하기를 바랍니다. 이것이 중국의 꿈입니다.”라고 Cui Ruzhuo는 말합니다.

5 재스퍼 존스 깃발. 1983. 3,600만 달러

살아있는 예술가 순위에서 3 위는 미국인에 속합니다. 재스퍼 존스에게(1930). Jones의 작품에 대한 현재 기록 가격은 $입니다. 3600만. 그의 유명한 것에 대해 많은 돈을 지불했습니다. "깃발"크리스티 경매에서 2014년 11월 12일.

예술가가 군대에서 돌아온 직후인 1950년대 중반 Jones가 시작한 일련의 "깃발" 그림은 그의 작품의 중심 그림 중 하나가 되었습니다. 어린 시절에도 작가는 일상적인 물건을 예술 작품으로 변형시키는 레디메이드 아이디어에 관심을 가졌습니다. 그러나 Jones의 깃발은 실제가 아니었고 캔버스에 기름으로 칠해졌습니다. 따라서 예술 작품은 일상 생활에서 사물의 속성을 획득하는 동시에 깃발의 이미지이자 깃발 자체였습니다. 깃발을 사용한 일련의 작업은 Jasper Johns를 전 세계적으로 유명하게 만들었습니다. 그러나 그의 추상 작품은 그다지 인기가 없습니다. 수년 동안 위의 규칙에 따라 작성된 가장 비싼 작품 목록은 초록으로 향했습니다. "부정한 스타트". 2007년까지 1959년 Jones가 그린 이 매우 밝고 장식적인 캔버스는 살아있는 예술가가 거의 접근할 수 없는 가격의 소유자로 간주되었습니다(일생의 고전이지만)-$ 1,700만. 그것이 미술 시장에 금으로 지불 한 금액입니다. 1988년.

흥미롭게도 기록 보유자로서의 Jasper Johns의 경험은 연속적이지 않았습니다. 1989년에 그는 동료인 Willem de Kooning의 작업에 방해를 받았습니다: 2미터 추상화 "Mixing"이 Sotheby's에서 2,070만 달러에 팔렸습니다. Jasper Johns는 이사해야 했습니다. 그러나 8년 후인 1997년에 de Kooning은 사망했습니다. , 그리고 "잘못된 출발"존스는 거의 10년 동안 살아 있는 예술가들의 경매 등급 1위를 다시 차지했습니다.

그러나 2007년 모든 것이 바뀌었다. False Start 기록은 젊고 야심 찬 Damien Hirst와 Jeff Koons의 작업에 의해 처음으로 가려졌습니다. 그런 다음 Lusien Freud (현재 사망하여이 등급에 참여하지 않음)의 그림 "The Sleeping Benefit Inspector"가 3,360 만 달러에 기록적으로 판매되었습니다. 그런 다음 Gerhard Richter의 기록이 시작되었습니다. 일반적으로 현재까지 3,600만 점의 기록으로 네오 다다이즘, 추상 표현주의, 팝 아트의 교차점에서 작업하는 미국 전후 미술의 거장 중 한 명인 Jasper Johns가 영예로운 3위에 올랐습니다.

6. 에드 러셰이 스매시. 1963. 3,040만 달러

미국 예술가의 그림 "Smash"의 갑작스러운 성공 에드워드 루샤(b. 1937)경매에서 크리스티 2014년 11월 12일이 작가를 가장 비싼 살아있는 예술가의 수로 데려왔습니다. Ed Ruscha (종종 Ruscha라는 이름은 러시아어로 "Rusha"로 발음되지만 정확한 발음은 Ruscha입니다)의 작업에 대한 이전 기록 가격은 "단지"698 만 달러였습니다. 2007년 역'. 7년 후 그의 스매시대략 1,500만~2,000만 달러로 망치 가격에 도달했습니다. 3,040만 달러. 이 작가의 작품 시장이 새로운 수준에 도달했다는 것은 분명합니다. Barack Obama가 그의 작품으로 백악관을 장식하고 Larry Gagosian 자신이 그의 갤러리에서 그를 전시하는 것은 아무것도 아닙니다.

Ed Ruscha는 추상 표현주의에 대한 열광으로 전후 뉴욕을 열망하지 않았습니다. 대신에 그는 40년 넘게 캘리포니아에서 영감을 찾았고, 18세에 네브래스카에서 이주했습니다. 작가는 팝아트라는 미술의 새로운 경향의 기원에 서 있었다. Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud 및 기타 대중 문화 가수와 함께 Edward Ruscha는 1962년 Pasadena Museum의 New Image of Ordinary Things 전시회에 참여했으며, 이는 미국 팝 아트의 첫 번째 박물관 전시회가 되었습니다. 그러나 Ed Ruscha 자신은 자신의 작품이 팝 아트, 개념주의 또는 기타 예술 경향에 기인하는 것을 좋아하지 않습니다.

그의 독특한 스타일은 "텍스트 페인팅"이라고 불립니다. 1950년대 후반부터 Ed Ruscha는 단어를 그리기 시작했습니다. 워홀에게 수프 통조림이 예술 작품이 된 것처럼, 에드 루샤에게는 슈퍼마켓의 광고판이나 포장, 영화 크레딧에서 가져온 일상적인 단어와 문구(할리우드는 항상 루샤의 편이었고, 많은 동료 예술가들과 달리 Rushey는 "꿈의 공장"을 존중했습니다. 그의 화면 속 글자들은 입체적인 사물의 속성을 획득하는데, 이는 글자로 이루어진 실제 정물화이다. 그의 캔버스를 볼 때 가장 먼저 떠오르는 것은 그려진 단어의 시각적 및 청각 적 인식과 그 이후에만 의미 론적 의미입니다. 일반적으로 후자는 명확하게 해독할 수 없습니다. Ruscha가 선택한 단어와 구는 다른 방식으로 해석될 수 있습니다. 진한 파란색 배경에 있는 동일한 밝은 노란색 단어 "Smash"는 무언가를 부수거나 누군가를 산산조각 내라는 공격적인 호출로 인식될 수 있습니다. 문맥에서 벗어난 고독한 형용사(예를 들어 일부 신문 헤드라인의 일부) 또는 단순히 시각적 이미지의 도시 흐름에 포함된 단일 단어로. Ed Ruscha는 이러한 불확실성을 즐깁니다. "나는 항상 이상하고 설명할 수 없는 것들에 대해 깊은 존경심을 가지고 있었습니다. 어떤 의미에서 설명은 어떤 것을 죽입니다."라고 그는 인터뷰에서 말했습니다.

7. 크리스토퍼 울 제목 없음(RIOT). 1990. 2,993만 달러

미국 예술가 크리스토퍼 울(1955)는 2013년 Apocalypse Now를 2,650만 달러에 판매한 후 살아있는 예술가 순위에 처음 진입했으며, 이 기록은 즉시 그를 Jasper Johns 및 Gerhard Richter와 동등하게 만들었습니다. 2000만 달러가 넘는 이 역사적 거래 금액은 작가의 작품 가격이 800만 달러를 넘지 않았기 때문에 많은 사람들을 놀라게 했지만 크리스토퍼 울 작품 시장의 급속한 성장은 그 당시 이미 분명했습니다. : 작가의 실적에는 100만 달러 이상의 경매 거래가 48건 포함되어 있으며, 그 중 22건(거의 절반)이 2013년에 발생했습니다. 2년 후, 100만 달러 이상 판매된 크리스 울의 작품 수는 70점에 이르렀고, 개인 신기록은 머지않았다. 경매에서 소더비의 2015년 5월 12일 작품 "무제(RIOT)"$에 팔렸다 2993만구매자 프리미엄 포함.

크리스토퍼 울(Christopher Wool)은 흰색 알루미늄 시트에 대형 블랙 레터링으로 가장 잘 알려져 있습니다. 원칙적으로 경매에서 기록을 세운 것은 바로 그들입니다. 모두 1980년대 후반과 1990년대 초반의 것들이다. 전설에 따르면 어느 날 저녁 Wool은 저녁에 뉴욕을 돌아 다니다가 갑자기 새 흰색 트럭에 검은 글자로 된 낙서, 즉 섹스와 사랑이라는 단어를 보았습니다. 이 광경은 그에게 깊은 인상을 주었고 그는 즉시 스튜디오로 돌아와 같은 단어로 자신의 버전을 썼습니다. 때는 1987년이었고, 작가가 "문자 그대로의" 작업을 위해 단어와 구를 더 많이 탐색한 것은 이 시대의 모순적 정신을 반영합니다. 이것은 영화 "Apocalypse Now"에서 Wool이 가져온 "Sell the house, sell the car, sell the children"이라는 호출과 대문자로 된 "FOOL"( "fool")이라는 단어와 "RIOT"라는 단어입니다. ("반란"), 당시 신문 헤드라인에서 자주 발견되었습니다.

알키드 또는 에나멜 페인트가 있는 스텐실을 사용하여 알루미늄 시트에 적용되는 단어 및 구 양모는 의도적으로 줄무늬, 스텐실 마크 및 기타 창작 과정의 증거를 남깁니다. 작가는 시청자가 의미를 즉시 이해하지 못하도록 단어를 나누었습니다. 처음에는 글자의 집합체만 볼 수 있습니다. 즉, 단어를 시각적 개체로 인식한 다음 그 문구나 단어의 의미를 읽고 해독합니다. 울은 제2차 세계대전 이후 미군이 사용하던 서체를 사용하여 명령, 지시, 슬로건의 인상을 높였습니다. 이러한 "편지" 작업은 도시 경관의 일부로 인식되며, 일부 거리 개체 표면의 청결도를 위반한 불법 낙서로 인식됩니다. Christopher Wool의 이 일련의 작품은 언어적 추상화의 정점 중 하나로 인식되어 현대 미술 애호가들에게 높은 평가를 받고 있습니다.

8. 피터 도그 로즈데일. 1991. 2,881만 달러

영국인 피터 도이그(1959)는 포스트 모더니스트 Koons와 Hirst 세대에 속하지만 오랫동안 고급 예술가들에게 유리하지 않은 완전히 전통적인 풍경 장르를 선택했습니다. 그의 작품을 통해 Peter Doig는 구상화에 대한 대중의 희미해진 관심을 되살립니다. 그의 작품은 비평가와 비전문가 모두에게 높은 평가를 받고 있으며 그의 작품 가격이 급격히 상승하고 있다는 증거입니다. 1990년대 초에 그의 풍경화 비용이 수천 달러였다면 이제 그 비용은 수백만 달러에 달합니다.

도이그의 작품은 종종 마술적 사실주의라고 불린다. 실제 풍경을 바탕으로 그는 환상적이고 신비하며 종종 우울한 이미지를 만듭니다. 작가는 숲 한가운데 르 코르뷔지에가 지은 낡은 건물이나 숲속 호수 수면 위의 텅 빈 하얀 카누 등 사람들이 버린 물건을 그리는 것을 좋아한다. 자연과 상상력 외에도 Doig는 공포 영화, 오래된 엽서, 사진, 아마추어 비디오 등에서 영감을 얻습니다. Doig의 그림은 다채롭고 복잡하며 장식적이며 도발적이지 않습니다. 그런 그림을 소유하는 것이 좋습니다. 작가의 낮은 생산성은 수집가들의 관심을 불러일으키기도 합니다. 트리니다드에 거주하는 예술가는 1년에 12점 이하의 그림을 그립니다.

2000년대 초반 작가의 개별 풍경화는 수십만 달러에 팔렸다. 동시에 Doig의 작품은 Saatchi Gallery, Whitney Museum의 Biennale 및 MoMA 컬렉션에 포함되었습니다. 2006년에는 100만 달러의 경매 기준을 넘어섰고, 이듬해 예상치 못한 돌파구가 생겼습니다. 5번이나 570만 파운드(1,130만 달러)에 팔렸습니다. 그 당시 살아있는 유럽 예술가의 작품으로는 기록적인 가격이었습니다.

2008년 도이그는 테이트 갤러리와 파리 현대미술관에서 개인전을 열었다. Doig의 작업에 대한 수백만 달러 가격표가 표준이 되었습니다. Peter Doig의 개인 기록은 최근 1년에 여러 번 업데이트되었습니다. 살아있는 작가 순위에서 이 아티스트의 사진과 위치를 변경할 시간만 있습니다.

현재까지 Peter Doig의 가장 비싼 작품은 1991년 Rosedale 설경입니다. 흥미롭게도 이 기록은 소더비나 크리스티가 아닌 필립스 현대 미술 경매에서 세워졌습니다. 2017년 5월 18일에 일어난 일입니다. 토론토의 이웃 중 하나인 눈 덮인 로즈데일의 전망은 이전 기록("Swallowed in the Mire"의 경우 2,590만 달러)보다 약 300만 달러 증가한 2,881만 달러에 전화 구매자에게 판매되었습니다. 그림 "Rosedale"은 1998 년 런던 Whitechapel Gallery에서 열린 Doig의 주요 전시회에 참가했으며 일반적으로이 작품은 시장에 신선했기 때문에 기록적인 가격이 책정되었습니다.

9. FRANK STELLA 케이프 파인즈. 1959. 2,800만 달러

프랭크 스텔라는 회화 이후의 추상화와 미니멀리즘을 밝은 예술로 대표하는 인물입니다. 특정 단계에서는 하드 엣지 페인팅 스타일이라고 합니다. 처음에 Stella는 그의 그림의 엄격한 기하학, 금욕적인 단색 및 구조를 Jackson Pollock과 같은 추상 표현주의 캔버스의 자발성과 무작위성과 대조했습니다.

1950년대 후반에 유명한 화랑 소유주인 레오 카스텔리(Leo Castelli)의 눈에 띄어 처음으로 전시회에 입상했습니다. 그 위에 그는 소위 "검은 그림"을 발표했습니다. 그 사이에 도색되지 않은 캔버스의 얇은 간격이있는 평행 한 검은 선으로 칠해진 캔버스입니다. 선은 착시를 연상시키는 기하학적 모양으로 형성되며 깜박이고 움직이고 비틀리는 바로 그 그림은 오랫동안 보면 깊은 공간감을 만듭니다. Stella는 알루미늄과 구리에 대한 작업에서 얇은 분할 스트립이 있는 평행선의 주제를 계속했습니다. 색상, 그림의 기초, 심지어 그림의 모양까지 변경되었습니다 (그 중에서도 문자 U, T, L 모양의 작품이 눈에 띕니다). 그러나 그의 그림의 주요 원칙은 여전히 ​​윤곽선의 명확성, 기념비성, 단순한 형태, 단색으로 구성되었습니다. 그 후 수십 년 동안 Stella는 그러한 기하학적 그림에서 부드럽고 자연스러운 형태와 선으로, 단색 그림에서 밝고 다양한 색상 전환으로 이동했습니다. 1970년대에 Stella는 배를 칠하는 데 사용되는 거대한 패턴에 매료되었습니다. 작가는 조립 요소가있는 거대한 그림에 사용했습니다. 그는 작품에 강철 파이프 또는 철망 조각을 포함했습니다.

초기 인터뷰에서 프랭크 스텔라는 자신의 작품에 담긴 의미, 아니 오히려 의미의 부재에 대해 솔직하게 이야기합니다. 그림은 어떤 것의 복제가 아니라 그 자체로 오브제입니다. "페인트만 칠해진 평평한 표면이에요." 스텔라가 말했다.

음, Frank Stella가 서명한 이 "페인트가 칠해진 표면"은 오늘날 수백만 달러의 가치가 있을 수 있습니다. 살아있는 예술가 순위에서 처음으로 Frank Stella는 Delaware Crossing (1961)을 수수료를 포함하여 $ 13.69 백만에 판매하여 2015 년에 얻었습니다.

4년 후인 2019년 5월 15일, 초기(1959) 작품 "Cape of Pines"가 새로운 기록을 세웠습니다. 망치 가격은 커미션을 포함하여 2,800만 달러가 넘었습니다. 이것은 29개의 "검은 그림" 중 하나입니다. Stella가 뉴욕에서 열린 첫 전시회에서 데뷔한 바로 그 그림입니다. 프린스턴 대학을 졸업한 Frank Stella는 당시 23세였습니다. 그는 종종 예술가들을 위한 유성 페인트를 살 돈이 충분하지 않았습니다. 젊은 예술가는 수리 ​​작업으로 달빛을 비추고 있었고 순수한 페인트 색상을 정말 좋아했고 캔버스에이 페인트로 작업하는 아이디어가 떠 올랐습니다. Stella는 검은색 에나멜 페인트로 평행 줄무늬를 칠하고 그 사이에 밑칠을 하지 않은 얇은 캔버스 선을 남깁니다. 또한 그는 눈금자없이 예비 스케치없이 글을 씁니다. Stella는 특정 그림에 얼마나 많은 검은 선이 나타날지 정확히 알지 못했습니다. 예를 들어 그림 "Cape of Pines"에는 35 개가 있으며 작품 제목은 Massachusetts Bay - Point of pines에있는 케이프의 이름을 나타냅니다. 20세기 초에는 대형 놀이공원이 있었고 오늘날에는 Revere 시의 구역 중 하나입니다.

10. YOSHITOMO NARA 등 뒤에서 칼. 2000. 2,495만 달러

나라 요시토모(1959)는 일본 네오 팝 아트의 핵심 인물 중 한 명이다. 일본인 - 세계적인 명성과 수년간의 해외 활동에도 불구하고 그의 작품은 여전히 ​​명백한 국가적 정체성으로 구별되기 때문입니다. Nara가 가장 좋아하는 캐릭터는 일본 만화 및 애니메이션 만화 스타일의 소녀와 개입니다. 그가 수년 동안 발명 한 이미지는 "사람들에게 갔다": 티셔츠에 인쇄되고 기념품과 다양한 "상품"이 만들어집니다. 수도에서 멀리 떨어진 가난한 가정에서 태어나 재능으로 사랑받을 뿐만 아니라 스스로를 만든 인물로 높이 평가받는다. 작가는 빠르고 표현력있게 작업합니다. 그의 걸작 중 일부는 문자 그대로 하룻밤 사이에 완성된 것으로 알려져 있습니다. 원칙적으로 Yoshitomo Nara의 그림과 조각은 매우 간결하고 표현 수단도 아끼지 만 항상 강한 감정적 책임을 지닙니다. 나라의 십대 소녀들은 종종 불친절한 곁눈질로 시청자를 바라봅니다. 그들의 눈에는 뻔뻔함, 도전 및 공격성이 있습니다. 손에-칼, 담배. 묘사된 왜곡된 행동은 억압적인 공중 도덕, 다양한 금기, 일본인이 채택한 교육 원칙에 대한 반응이라는 의견이 있습니다. 거의 중세 시대의 엄격함과 수치심은 내면의 문제를 일으키고 지연된 정서적 폭발의 토대를 만듭니다. "등 뒤의 칼"은 아티스트의 주요 아이디어 중 하나를 광범위하게 반영합니다. 이 작품에는 미워하는 소녀의 모습과 그녀의 등 뒤로 손이 위협적으로 감긴 모습이 등장한다. 2019년까지 나라 요시토모의 그림과 조각은 이미 백만, 심지어 수백만 마르크를 한 번 이상 넘었습니다. 그러나 2000만 - 처음으로. 나라는 세계에서 가장 유명한 일본 태생의 예술가 중 한 명입니다. 그리고 지금 가장 비싼 생활비. 2109년 10월 6일 홍콩 소더비에서 그는 무라카미 타카시로부터 이 타이틀을 가져와 90세의 아방가르드 예술가 쿠사마 야요이를 눈에 띄게 능가했습니다(그녀의 그림에 대한 최대 경매 가격은 이미 900만 달러에 접근하고 있습니다).

11. 쩡 판치 마지막 식사. 2001. 2,330만 달러

소더비 홍콩에서 2013년 10월 5일연도 규모 캔버스 "마지막 식사"베이징 예술가 쩡 판즈 (1964) 1억6000만 홍콩 달러라는 기록적인 금액에 팔렸습니다. 2,330만 달러미국. 물론 레오나르도 다빈치의 영향으로 작성된 Fanzhi의 작업의 최종 비용은 약 1,000 만 달러라는 예비 추정치의 두 배로 밝혀졌습니다.Zeng Fanzhi의 이전 가격 기록은 $였습니다. 960만이 작품은 2008년 5월 Christie의 홍콩 경매에서 지불되었습니다. 마스크 시리즈. 1996년 6".

"최후의 만찬"은 1994년부터 2001년까지의 기간을 다루는 "가면" 시리즈에서 Fanzhi가 그린 가장 큰(2.2 × 4미터) 그림입니다. 주기는 경제 개혁의 영향으로 중국 사회의 진화에 전념합니다. PRC 정부에 의한 시장 경제 요소의 도입은 중국인의 도시화와 분열을 가져왔습니다. Fanzhi는 태양 아래에서 싸워야하는 현대 중국 도시의 주민들을 묘사합니다. Fanzhi를 읽을 때 Leonardo의 잘 알려진 프레스코 구성은 완전히 다른 의미를 갖습니다. 장면은 예루살렘에서 벽에 전형적인 상형 문자 판이있는 중국 학교 교실로 옮겨졌습니다. "그리스도"와 "사도들"은 주홍색 넥타이를 가진 개척자로 변했고 "유다"만이 금색 넥타이를 착용합니다. 이것은 사회주의 국가에서 일상적인 삶의 방식을 관통하고 파괴하는 서구 자본주의에 대한 은유입니다.

Zeng Fanzhi의 작품은 양식적으로 유럽 표현주의에 가깝고 극적입니다. 그러나 동시에 그들은 중국의 상징과 특성으로 가득 차 있습니다. 이러한 다재다능함은 중국과 서양 수집가 모두를 예술가의 작품으로 끌어들입니다. 이것에 대한 직접적인 확인은 The Last Supper의 출처입니다. 이 작품은 1980년대와 1990년대 초 중국 아방가르드의 유명한 수집가인 벨기에 남작 Guy Ullens가 경매에 내놓았습니다.

12. 로버트 레이먼 다리. 1980. 2,060만 달러

경매에서 크리스티 2015년 5월 13일추상 작업 "다리" 85세 미국 화가 로버트 라이먼(Robert Ryman)은 2,060만 달러커미션을 고려하면 낮은 추정치보다 두 배나 비쌉니다.

로버트 라이먼(1930)은 그가 예술가가 되고 싶다는 것을 즉시 깨닫지 못했습니다. 23세에 그는 재즈 색소폰 연주자가 되고 싶어 테네시 주 내슈빌에서 뉴욕으로 이사했습니다. 그동안 그는 유명한 음악가가 된 것이 아니라 MoMA에서 경비원으로 돈을 벌어야 했고 그곳에서 Saul LeWitt와 Dan Flavin을 만났습니다. 첫 번째는 박물관에서 야간 비서로 일했고 두 번째는 경비원과 엘리베이터 운영자로 일했습니다. Rothko, De Kooning, Pollock 및 Newman과 같은 MoMA에서 본 추상 표현주의 작품에서 영감을 받은 Robert Ryman은 1955년에 회화를 시작했습니다.

Ryman은 종종 미니멀리스트라고 불리지만 그는 환상을 만드는 데 관심이 없기 때문에 "현실주의자"라고 불리는 것을 선호합니다. 그는 그가 사용하는 재료의 품질만을 보여줍니다. 그의 작품 대부분은 간결한 사각형 모양을 기반으로 가능한 모든 흰색 음영 (회색 또는 황색에서 눈부신 흰색까지)의 페인트로 칠해져 있습니다. 그의 경력 동안 Robert Ryman은 캔버스, 강철, 플렉시 유리, 알루미늄, 종이, 골판지, 비닐, 벽지 등에 오일, 아크릴, 카제인, 에나멜, 파스텔, 구 아슈 등으로 많은 재료와 기술을 시도했습니다. 그의 전문 복원가인 친구인 Orrin Riley는 그가 사용하려고 생각한 재료의 부식성에 대해 그에게 조언했습니다. 한 예술가가 말했듯이 "나는 질문이 없다. 무엇쓰기, 가장 중요한 것- 어떻게쓰다". 질감, 획의 특성, 다채로운 표면과 바닥 가장자리 사이의 경계, 작품과 벽 사이의 관계에 관한 것입니다. 1975년부터 그의 작업의 특별한 특징은 Ryman이 직접 디자인하고 고의적으로 눈에 띄게 두는 비품이었습니다. Ryman은 작품에 "제목"보다는 "이름"을 부여하는 것을 선호합니다. "이름"은 한 작품을 다른 작품과 구별하는 데 도움이 되며, Ryman은 종종 자신의 작품을 페인트 브랜드, 회사 등으로 명명하고 "제목"은 일종의 암시와 깊이 숨겨진 의미를 주장합니다. 작가가 정기적으로 거부하는 작품. 재료와 기술 외에는 중요하지 않습니다.

13. 데미안 허스트 졸린 봄. 2002. 1,920만 달러

영국 예술가 데미안 허스트에게 (1965)살아있는 고전 Jasper Johns와의 분쟁에서이 등급에서 처음으로 1 위를 차지할 운명이었습니다. 이미 언급 한 작품 "False Start"는 오랫동안 침몰 할 수없는 리더로 남을 수 있습니다. 2007년 6월 21일당시 설치 42세의 Hirst "졸린 봄"(2002)는 소더비에서 £에 팔리지 않았습니다. 976만 달러, 즉 1920만 달러. 그런데 작품은 다소 특이한 형식을 가지고 있습니다. 한편으로 이것은 알약 더미(6,136 알약)가 있는 디스플레이 캐비닛으로, 사실상 고전적인 설치물입니다. 한편 이 쇼케이스는 평면(깊이 10cm)으로 만들어 프레임에 담아 플라스마 패널처럼 벽에 걸어두어 회화 고유의 소유의 편안함을 충분히 제공한다. 2002년에는 이 설치물의 자매작인 Sleepy Winter가 반값이 넘는 740만 달러에 팔렸습니다. 누군가는 태블릿이 겨울에 더 퇴색된다는 사실로 가격 차이를 "설명"했습니다. 그러나 그러한 것들에 대한 가격 책정 메커니즘이 더 이상 장식 효과와 관련이 없기 때문에 이러한 설명이 절대적으로 근거가 없다는 것은 분명합니다.

2007년에 많은 사람들은 Hirst를 살아있는 예술가 중 가장 비싼 작품의 작가로 인정했습니다. 그러나 문제는 "계산 방법에 따라"라는 범주에서 나옵니다. 사실 Hurst는 값 비싼 파운드에 팔렸고 Jones는 현재 가격이 떨어지고 심지어 20 년 전에도 달러에 팔렸습니다. 그러나 20년의 인플레이션을 고려하지 않고 액면가로 계산하더라도 Hirst의 작업은 달러로, Jones의 작업은 파운드로 더 비쌌습니다. 상황은 경계선이었고 모든 사람은 누가 가장 비싸다고 생각할지 자유롭게 결정할 수 있었습니다. 그러나 Hurst는 오래지 않아 1위를 유지했습니다. 같은 2007년에 그는 "Hanging Heart"로 쿤스에 의해 1위에서 밀려났다.

현대 미술 가격이 전 세계적으로 하락하기 직전에 Hirst는 젊은 예술가를 위해 전례없는 사업을 시작했습니다. 2008 년 9 월 15 일 런던에서 열린 그의 작품 단독 경매입니다. 전날 발표 된 Lehman Brothers의 파산 소식은 현대 미술 애호가들의 식욕을 망치지 않았습니다. Sotheby 's에서 제공하는 223 개의 작품 중 5 개만이 새로운 소유자를 찾지 못했습니다 (그런데 구매자 중 한 명은 Viktor Pinchuk이었습니다. ). 일하다 "황금 황소 자리"- 포름알데히드에 황금 원반을 씌운 거대한 황소 조각상, - 가져옴 £10.3m ($18.6m). 이것은 파운드(거래가 이루어진 통화)로 측정한 경우 Hurst의 최상의 결과입니다. 그러나 우리는 달러 기준으로 순위를 매기고 있으므로 (황금 송아지가 우리를 용서할 수 있기를) Hirst의 베스트 세일을 Sleepy Spring으로 간주합니다.

2008년 이후로 Hirst는 Sleepy Spring과 Golden Calf를 판매하지 않았습니다. Richter, Jones, Fanzhi, Wool 및 Koons의 작업을위한 2010 년대의 새로운 기록은 Damien을 우리 등급의 6 번째 줄로 옮겼습니다. 그러나 Hirst 시대의 쇠퇴에 대해 단정적으로 판단하지 맙시다. 분석가들에 따르면 "슈퍼 스타"로서의 Hurst는 이미 역사상 사라졌으며 이는 그들이 그것을 아주 오랫동안 살 것이라는 것을 의미합니다. 그러나 미래의 가장 큰 가치는 그의 경력에서 가장 혁신적인 시기인 1990년대에 창작된 작품에서 예측된다.

14. 마우리치오 카텔란 그를. 2001. 1,719만 달러

이탈리아인 Maurizio Cattelan(1960)은 경비원, 요리사, 정원사, 가구 디자이너로 일하다가 미술계에 입문했습니다. 독학으로 배운 작가는 아이러니한 조각과 설치 작품으로 세계적으로 유명해졌습니다. 그는 교황에게 운석을 떨어뜨렸고, 고객의 아내를 사냥 트로피로 바꾸고, 옛 거장 박물관 바닥에 구멍을 뚫고, 밀라노의 증권 거래소에 거대한 가운데 손가락을 들고 프리즈 박람회에 살아있는 당나귀를 가져왔습니다. . 가까운 장래에 Cattelan은 구겐하임 미술관에 황금 변기를 설치할 것을 약속합니다. 결국 Maurizio Cattelan의 장난은 예술계에서 널리 인정되었습니다. 그는 베니스 비엔날레에 초대되었습니다 (2011 년 설치 "Others"-관객 군중의 모든 파이프와 들보에서 위협적으로 보이는 2 천 마리의 비둘기 무리) 아래 통과), 뉴욕 구겐하임 미술관에서 회고전(2011년 11월)을 준비하고 마침내 그의 조각품에 큰 돈을 지불합니다.

2010년부터 Maurizio Cattelan의 가장 비싼 작품은 바닥의 구멍에서 들여다보는 한 남자의 밀랍 조각으로 겉보기에는 예술가 자신과 비슷합니다("Untitled", 2001). 3부와 작가의 사본이 함께 존재하는 이 조각-설치는 로테르담의 보이만스 반 뵈닝겐 미술관에서 처음 공개되었습니다. 그런 다음 이 장난꾸러기 캐릭터는 18세기와 19세기 네덜란드 화가들의 그림이 있는 홀 바닥의 구멍에서 밖을 내다보았습니다. 이 작품에서 Maurizio Cattellan은 거장들의 그림으로 박물관 홀의 신성한 공간을 침범하는 대담한 범죄자와 자신을 연관시킵니다. 따라서 그는 미술관 벽이 부여하는 신성함의 후광을 예술에서 빼앗고자 합니다. 전시를 위해 매번 바닥에 구멍을 뚫어야 하는 이 작품은 소더비에서 792만2000달러에 팔렸다.

이 기록은 2016년 5월 8일에 무릎을 꿇은 히틀러를 묘사한 Cattelan의 훨씬 더 도발적인 작품인 Him이 1718만 9000만 달러에 낙찰될 때까지 유지되었습니다. 이름이 이상합니다. 캐릭터 선택은 위험합니다. Cattelan의 다른 모든 것과 마찬가지로. 그는 무엇을 의미합니까? "그의" 또는 "지옥의 폐하"? Fuhrer의 이미지를 노래하는 것에 대해 확실히 말하는 것이 아님이 분명합니다. 이 작품에서 히틀러는 오히려 무기력하고 불쌍한 모습으로 등장한다. 그리고 터무니없이-사탄의 화신은 남학생 의상을 입고 그의 얼굴에 겸손한 표정으로 무릎을 꿇고 어린 아이 크기로 만들어졌습니다. Cattelan에게 이 이미지는 절대악의 본질을 숙고하고 두려움을 없애는 방법에 대한 초대입니다. 그건 그렇고, "Him"조각은 서양 관객들에게 잘 알려져 있습니다. 시리즈의 그녀의 형제들은 퐁피두 센터와 솔로몬 구겐하임 미술관을 비롯한 전 세계 주요 박물관에서 10회 이상 전시되었습니다.

15. MARC GROTJAN 무제(S III가 프랑스에 출시됨 Face 43.14). 2011. 1,680만 달러

2017년 5월 17일, 경매에 나온 Marc Grotjan의 가장 강력한 그림 중 하나가 Christie의 뉴욕 저녁 경매에 나타났습니다. 그림 "Untitled (S III Released to France Face 43.14)"는 파리의 수집가인 Patrick Seguin이 1300만~1600만 달러의 추정가로 전시했으며 제3자에 의해 로트 판매가 보장되었기 때문에 아무도 특별히 놀라지 않았습니다. 49세 작가의 개인 경매 신기록 수립으로 . 망치의 가격은 1,475만 달러(구매자 프리미엄 포함 1,680만 달러)로 Grotjan의 이전 경매 기록을 1,000만 달러 이상 넘어섰고, 그는 작품이 8자리에 팔리는 살아있는 예술가 클럽에 속하게 되었습니다. 경매 저금통 마크 그로티안에서 약 30년 동안 같은 결과(매출액 100만 달러 이상, 1000만 달러 이하)와 같은 7자리 수.

Mark Grotjan(1968)은 그의 작업 전문가들이 모더니즘, 추상 미니멀리즘, 팝 및 옵아트의 영향을 보고 친구 Brent Peterson과 함께 로스앤젤레스로 이사하고 갤러리를 연 후 1990년대 중반에 기업 정체성을 갖게 되었습니다. "702호실". 작가 자신이 회상했듯이 그 당시 그는 예술에서 자신에게 먼저 온 것이 무엇인지 생각하기 시작했습니다. 그는 실험할 수 있는 동기를 찾고 있었습니다. 그리고 나는 그가 항상 선과 색에 관심이 있다는 것을 깨달았다. 선형 원근법, 수많은 소실점 및 다색 추상 삼각형 모양을 사용한 레이온주의와 미니멀리즘 정신에 대한 실험은 결국 Grotjan을 세계적인 명성으로 이끌었습니다.

여러 개의 지평선과 소실점이 있는 추상적이고 다채로운 풍경에서 나비 날개를 연상시키는 삼각형 모양으로 마무리되었습니다. Grotjan의 그림 2001–2007 그들은 그것을 "나비"라고 부릅니다. 오늘날 소실점을 이동시키거나 여러 개의 소실점을 공간적으로 이격하여 동시에 사용하는 것은 작가의 가장 강력한 기법 중 하나로 여겨진다.

다음 대규모 작품 시리즈는 "Faces"라고 불 렸습니다. 이 시리즈의 추상 라인에서 Matisse, Jawlensky 또는 Brancusi의 정신으로 마스크 상태로 단순화된 인간 얼굴의 특징을 추측할 수 있습니다. 형태의 궁극적 단순화 및 양식화, 그림의 구성 솔루션에 대해 말하면서 눈과 입의 흩어져있는 윤곽이 덤불에서 우리를 바라 보는 것처럼 보일 때 연구자들은 Grotjan의 얼굴과 원시 예술의 연결에 주목합니다. 아프리카와 오세아니아의 부족, 작가 자신은 단순히 "정글에서 내다보는 눈의 이미지를 좋아한다. 나는 때때로 개코원숭이나 원숭이의 얼굴을 상상했다. 내가 의식적이든 무의식적이든 원시 아프리카 예술의 영향을 받았다고 말할 수는 없고 오히려 그 영향을 받은 예술가들의 영향을 받았다. 피카소가 가장 분명한 예입니다."

"Faces"시리즈의 작품은 잔인하고 우아하며 눈을 즐겁게하고 마음을 즐겁게합니다. 시간이 지남에 따라 이러한 작업의 질감도 변경됩니다. 내부 공간의 효과를 만들기 위해 작가는 두꺼운 페인트의 넓은 스트로크, 심지어 폴록 스타일 스패터를 사용하지만 그림의 표면을 평평하게 하여 자세히 살펴보면 완전히 평평한 것 같습니다. 경매 기록을 세운 그림 Untitled(S III Released to France Face 43.14)는 Mark Grotjan의 이 유명한 시리즈에 속합니다.

16. 무라카미 다카시 내 외로운 카우보이. 1,516만 달러

일본어 무라카미 다카시(1962)조각으로 우리의 평가를 입력 "나의 외로운 카우보이", 2008년 5월 Sotheby's에서 $에 판매됨 1,516만. 이 판매로 무라카미 다카시는 오랫동안 가장 성공적인 살아있는 아시아 예술가로 간주되었습니다. Zeng Fanzhi의 The Last Supper 판매로 가려졌습니다.

Takashi Murakami는 예술가, 조각가, 패션 디자이너 및 애니메이터로 활동하고 있습니다. Murakami는 서양이나 다른 차입 없이 진정한 일본을 작업의 기초로 삼고 싶었습니다. 학생 시절에 그는 일본 전통 예술인 니혼가에 매료되었고 나중에는 애니메이션과 만화의 대중 예술로 대체되었습니다. 그리하여 환각적인 Mr DOB, 웃는 꽃의 패턴, 밝고 반짝이는 유리 섬유 조각품이 마치 일본 만화의 페이지에서 막 튀어나온 것처럼 탄생했습니다. 어떤 사람들은 Murakami의 예술을 패스트 푸드이자 저속함의 구체화라고 생각하고 다른 사람들은 예술가를 일본 Andy Warhol이라고 부릅니다.

Murakami는 Andy Warhol의 The Lonely Cowboys (1968)에서 조각품의 이름을 빌 렸습니다. 일본인은 자신이 인정한 것처럼 한 번도 본 적이 없지만 단어 조합을 정말 좋아했습니다. 한 조각으로 무라카미는 일본 에로만화 팬들을 기쁘게 해 웃음을 자아냈다. 크기가 커지고 입체화 된 애니메이션 영웅은 대중 문화의 주물로 변합니다. 이 예술적 진술은 고전적인 서양 팝 아트(Allen Jones의 가구 세트 또는 Koons의 Pink Panther를 기억하십시오)의 정신에 상당히 부합하지만 국가적 트위스트가 있습니다.

17. 카우스. 앨범 KAWS. 2005. $14,784,505

KAWS는 뉴저지 출신의 미국인 예술가 Brian Donelly의 가명입니다. 그는 1974년생으로 우리 평가에서 최연소 참여자입니다. Donelly는 Disney에서 애니메이터로 시작했습니다(만화 "101 Dalmatians" 등의 배경 그리기). 어렸을 때부터 그래피티에 관심이 많았습니다. 처음에 그의 시그니처 디자인은 눈구멍 자리에 "X"가 있는 두개골이었습니다. 젊은 작가의 작품은 쇼 비즈니스맨과 패션 업계 사람들에게 사랑을 받았습니다. 그는 Kanye West 앨범의 커버를 만들었고 Nike, Comme des Garçons 및 Uniqlo와의 콜라보레이션을 발표했습니다. 시간이 지남에 따라 KAWS는 현대 미술계에서 잘 알려진 인물이 되었습니다. 그의 시그니처인 미키 마우스 조각상은 박물관, 공공 장소 및 개인 소장품으로 진출했습니다. KAWS가 My Plastic Heart 브랜드로 한정판 비닐 장난감을 출시하자 갑자기 높은 수집가들의 관심 대상이 되었습니다. 이 "장난감"의 열정적 인 수집가 중 한 명은 Black Star의 창립자 인 래퍼 Timati입니다. 그는 "Cavs Companions"의 전체 시리즈를 거의 완전히 수집했습니다.

KAWS의 작품은 2019년 4월 1일 소더비 홍콩 경매에서 1,470만 달러로 작가 작품 최고 기록을 세웠습니다. 일본 패션디자이너 니고의 컬렉션에 있었다. 미터 캔버스 KAWS 앨범은 1967년 유명한 비틀즈 앨범 "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"의 표지에 대한 오마주입니다. 사람 대신 Kimpsons가 있습니다. Simpsons 만화 시리즈의 양식화된 캐릭터로 눈 대신 "X"가 있습니다.

18. 진산 타직 신부. 1983. 1,389만 달러

1980년대 후반 중국 예술의 소위 "뉴 웨이브"에 속하는 상대적으로 젊고 현대적인 중국 예술가들 사이에서 우리의 평가에는 완전히 다른 세대와 다른 학교의 대표자가 포함되었습니다. 현재 80세가 넘은 김산(진상이)은 중국 공산권 1세대 예술가의 밝은 대표자에 속한다. 이 예술가 그룹의 견해는 가장 가까운 공산주의 동맹 인 소련의 영향으로 대부분 형성되었습니다.

1950년대 중국에서는 여전히 이례적인(전통적인 수묵화와 달리) 소련의 공식 미술, 사회주의 리얼리즘, 유화가 절정에 달했고 소련 화가 콘스탄틴이 북경미술대학에 3년 동안 왔다. 1954년부터 1957년까지) Methodievich Maksimov를 가르쳤습니다. 당시 막내였던 진샤니가 반에 들어갔다. 작가는 모델을 올바르게 이해하고 묘사하는 방법을 가르쳐 준 사람이 Maksimov라고 말하면서 항상 선생님을 따뜻하게 기억했습니다. K. M. Maksimov는 이제 고전이 된 중국 현실주의자들의 은하계 전체를 불러왔습니다.

Jin Shan의 작품에서 소련의 "가혹한 스타일"과 유럽 회화 학교의 영향을 느낄 수 있습니다. 작가는 르네상스와 고전주의의 유산을 연구하는 데 많은 시간을 할애했으며 작품에서 중국 정신을 보존하는 것이 필요하다고 생각했습니다. 1983년에 그린 그림 "타직 신부"는 금산 작품의 새로운 이정표이자 보편적으로 인정받는 걸작으로 여겨진다. 2013년 11월 중국 가디언 경매에 출품되어 추정가보다 몇 배 더 비싸게 팔린 것은 바로 그녀였습니다. 수수료를 포함해 1,389만 달러였습니다.

19. BANKSY 부패한 의회. 2008. 1,214만 달러

Banksy 태그가 있는 벽화는 1990년대 후반에 도시의 벽에 나타나기 시작했습니다(처음에는 영국에서, 그 다음에는 전 세계적으로). 그의 철학적이면서도 날카로운 그래피티는 시민의 자유에 대한 국가의 공격, 환경에 대한 범죄, 무책임한 소비, 불법 이주 시스템의 비인간성 문제에 전념했습니다. 시간이 지남에 따라 Banksy의 벽 "비난"은 전례없는 미디어 인기를 얻었습니다. 사실 그는 국가와 기업의 위선을 비난하는 여론의 주요 대변인 중 한 명이 되어 자본주의 체제에서 점점 더 불의를 만들어내고 있습니다.

Banksy의 중요성, "시간의 신경"에 대한 감각 및 그의 은유의 정확성은 청중뿐만 아니라 수집가들에게도 높이 평가되었습니다. 2010년대에는 그의 작품에 수십만 달러, 심지어 백만 달러 이상이 기부되었습니다. Banksy 낙서가 부서지고 벽 조각과 함께 도난당했습니다.

첨단 디지털 감시 시대에도 Banksy는 여전히 익명을 유지하고 있습니다. 더 이상 한 사람이 아니라 재능있는 여성이 이끄는 여러 아티스트 그룹이라는 버전이 있습니다. 그것은 많은 것을 설명할 것입니다. 그리고 증인의 카메라 렌즈에 잡힌 작가의 외적 차이와 비인격적인 스텐실 적용 방법 (고속을 제공하고 작가의 직접적인 참여가 필요하지 않음), 그림 주제의 감동적인 낭만주의 (공, 눈송이 등). 어쨌든 그의 조수를 포함하여 Banksy 프로젝트의 사람들은 입을 다물고 있는 방법을 알고 있습니다.

2019년 뱅크시의 가장 비싼 작품은 예기치 않게 4미터 캔버스 Devolved Parliament("저하된", "부패한" 또는 "위임된" 의회)가 되었습니다. 영국 하원에서 논쟁을 벌이는 침팬지는 스캔들 같은 브렉시트의 해에 청중을 조롱하는 것 같습니다. 이 그림이 이 역사적 전환점보다 10년 전에 그려졌기 때문에 누군가가 그것을 예언적이라고 생각한다는 것은 놀라운 일입니다. 2019년 10월 3일 소더비 경매에서 알려지지 않은 구매자가 예비 추정가의 6배인 12,143,000달러에 치열한 입찰에 석유를 구입했습니다.

20. JOHN CURREN "달콤하고 단순합니다." 1999. $12.007 백만

미국 예술가 존 커런(1962)도발적인 성적 사회적 주제에 대한 풍자적인 비유적 그림으로 유명합니다. Curren의 작업은 옛 거장(특히 장로 Lucas Cranach와 매너리스트)의 페인팅 기법과 광택 있는 잡지의 패션 사진을 결합하는 데 성공했습니다. 더 기괴한 것을 달성하기 위해 Karren은 종종 인체의 비율을 왜곡하고 개별 부분을 확대하거나 축소하며 부서지고 예의 바른 포즈로 영웅을 묘사합니다.

Curren은 1989년 학교 앨범에서 다시 그린 소녀들의 초상화로 시작했습니다. Cosmopolitan과 Playboy의 사진에서 영감을 얻은 가슴이 큰 미녀 사진으로 1990년대 초에 계속되었습니다. 1992년에는 부유한 노부인의 초상화가 등장했다. 그리고 1994년에 Curren은 수년 동안 그의 주요 뮤즈이자 모델이 된 조각가 Rachel Feinstein과 결혼했습니다. 1990년대 후반에 커린의 기교는 그의 그림의 키치하고 기괴한 것과 결합하여 인기를 끌었습니다. 2003년 래리 가고시안이 작가의 홍보를 맡았고, 가고시안 같은 딜러가 작가를 맡는다면 성공은 보장된다. 2004년 휘트니 미술관에서 존 커런 회고전이 열렸다.

이 무렵 그의 작품은 6자리 숫자에 팔리기 시작했다. John Curran의 그림에 대한 현재 기록은 2016년 11월 15일 Christie's에서 1,200만 달러에 판매된 Sweet and Simple의 것입니다. 2008 년 그의 이전 기록은 550 만 달러였습니다 (그런데 같은 작품 "귀엽고 단순함"에 대해 지불).

21. 브라이스 마든 참석. 1996–1999 109억 1700만 달러

우리 순위에 있는 또 다른 살아있는 미국 추상 미술가는 Bryce Marden(1938)입니다. 미니멀리즘 스타일의 Marden의 작품과 1980 년대 후반부터 몸짓 그림은 독특한 작가의 약간 음소거 된 팔레트로 구별됩니다. Marden 작품의 색상 조합은 그리스, 인도, 태국, 스리랑카 등 전 세계 여행에서 영감을 받았습니다. Marden의 형성에 영향을 준 작가 중에는 Jackson Pollock(1960년대 초 Marden은 유대인 박물관에서 경비원으로 일하면서 Pollock의 "물방울"을 개인적으로 관찰함), Alberto Giacometti(파리에서 그의 작업에 대해 알게 됨) 및 Robert Rauschenberg (Marden이 조수로 일하던 중). Marden 작업의 첫 번째 단계는 색상이 지정된 직사각형 블록(수평 또는 수직)으로 구성된 고전적인 미니멀리스트 캔버스에 전념합니다. 사람이 그린 것이 아니라 기계로 인쇄한 것처럼 이상적인 작품 품질을 추구했던 다른 많은 미니멀리스트와 달리 Marden은 다양한 재료(왁스 및 유성 페인트)를 결합하여 작가 작업의 흔적을 유지했습니다. 1980년대 중반 이후 동양 서예의 영향으로 기하학적 추상화는 구불구불한 선으로 대체되었고 배경은 동일한 단색의 색면으로 바뀌었습니다. 이러한 "구불구불한" 작품 중 하나인 "The Attended"는 2013년 11월 Sotheby's에서 커미션을 포함하여 1091.7만 달러에 판매되었습니다.

22. 피에르 술라주 회화 186 x 143 cm, 1959년 12월 23일. 1060만 달러

23. 장샤오강 영원한 사랑. 1,020만 달러

중국 현대미술의 또 다른 대표자는 상징주의자이자 초현실주의자이다. 장샤오강(1958). 소더비 홍콩에서 2011년 4월 3일, 벨기에 남작 Guy Ullens 컬렉션의 중국 아방가르드가 판매 된 곳, Zhang Xiaogang의 삼부작 "영원한 사랑"$에 팔렸다 1020만. 당시에는 작가뿐만 아니라 중국 현대미술 전체의 기록이기도 했다. Xiaogang의 작품은 자신의 박물관을 열려는 억만 장자의 아내 Wang Wei가 구입했다고합니다.

신비주의와 동양철학을 좋아하는 장샤오강은 삶, 죽음, 재생의 세 부분으로 구성된 "영원한 사랑"의 이야기를 썼습니다. 이 삼면화는 1989년 국립미술관에서 열린 상징적인 중국/아방가르드 전시회에 등장했습니다. 또한 1989년에는 천안문 광장에서 학생 시위가 군대에 의해 잔인하게 진압되었습니다. 이 비극적 인 사건 이후 나사가 조여지기 시작했습니다. 국립 박물관 전시회가 분산되고 많은 예술가가 이주했습니다. 위로부터 부과된 사회주의 리얼리즘에 대응하여 냉소적 리얼리즘의 방향이 생겨났는데, 그 대표적인 인물이 장샤오강이었다.

24. 브루스 나우만 무기력한 헨리 무어. 1967. 990만 달러

미국 사람 브루스 나우만(1941)제48회 베니스 비엔날레(1999)의 본상을 수상한 은 오래전 그의 기록을 경신했습니다. Nauman은 60년대에 그의 경력을 시작했습니다. 감정가들은 그를 앤디 워홀, 조셉 보이스와 함께 20세기 후반 예술계에서 가장 영향력 있는 인물 중 한 명으로 부릅니다. 그러나 그의 일부 작품의 풍부한 지성과 절대적인 비장식성은 분명히 일반 대중에게 그의 빠른 인지도와 성공을 방해했습니다. Nauman은 종종 언어를 실험하여 친숙한 문구의 예상치 못한 의미를 발견합니다. 단어는 네온 사이비 사인과 패널을 포함하여 그의 많은 작품의 중심 문자가 됩니다. Nauman은 자신을 조각가라고 부르지 만 지난 40 년 동안 조각, 사진, 비디오 아트, 공연, 그래픽과 같은 완전히 다른 장르에서 자신을 시도했습니다. 1990년대 초 Larry Gagosian은 예언적인 말을 했습니다. "Naumann 작업의 진정한 가치는 아직 실현되지 않았습니다." 그래서 일어났습니다. 2001년 5월 17일 1967년 Naumann의 Christie's에서 "무력한 헨리 무어(후면)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview))는 전후 예술 부문에서 새로운 기록을 세웠습니다. 등 뒤로 묶인 Naumann의 손 깁스, 석고와 왁스로 만든 망치 아래 $ 990만프랑스 거물 Francois Pinault 컬렉션에서 (다른 출처에 따르면 American Phyllis Wattis에 따르면). 작업 견적은 2-3백만 달러에 불과했기 때문에 그 결과는 모두에게 정말 놀라운 일이었습니다.

이 전설적인 판매 이전에 Naumann의 작품 중 두 작품만이 백만 달러를 넘었습니다. 그리고 지금까지 그의 전체 경매 경력에서 "Henry Moore ..."외에 6 개의 작품 만이 7 자리에 올랐지 만 그 결과는 여전히 900 만과 비교할 수 없습니다.

무기력한 헨리 무어(Helpless Henry Moore)는 60년대에 20세기 최고의 조각가 중 한 명으로 꼽히는 영국 예술가 헨리 무어(1898–1986)의 인물에 대한 나우만의 논쟁적인 작품 시리즈 중 하나입니다. 인정받는 스승의 그늘에 가려진 젊은 작가들은 맹렬한 비판으로 그를 공격했다. Naumann의 작업은 이러한 비판에 대한 응답이자 동시에 창의성이라는 주제에 대한 성찰입니다. 작품의 제목은 영어 단어 bound-bound (문자 그대로의 의미에서)와 특정 운명에 처한 두 가지 의미를 연결하여 말장난이됩니다.

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미술 신문 러시아등급을 제시합니다 : 러시아에서 가장 비싼 살아있는 예술가. 서부 케이지에 러시아 예술가가 없었고 그렇지 않다고 여전히 확신한다면 우리는 그것에 대해 논쟁 할 준비가되어 있습니다. 숫자의 언어.

조건은 간단했습니다. 각 살아있는 예술가는 가장 비싼 작품 하나만으로 대표될 수 있었습니다. 등급을 집계할 때 공개 경매 결과뿐만 아니라 가장 유명한 비공개 판매도 고려되었습니다. 등급 작성자는 "무언가가 크게 팔리면 누군가가 그것을 필요로합니다"라는 원칙에 따라 안내되었으므로 기록적인 개인 판매를 대중에게 가져온 아티스트의 마케팅 담당자 및 언론 관리자의 작업에 감사했습니다. 중요 사항: 등급은 전적으로 재무 지표를 기반으로 합니다. 작가들의 전시 활동을 바탕으로 한다면 조금은 달라 보일 것이다. 분석을 위한 외부 소스로 제공되는 리소스 Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.com그리고 Artinvestment.ru.

미국 달러는 세계 등급의 통화로 선택되었고 영국 파운드는 러시아 예술가의 판매에 해당하는 것으로 간주되었습니다 (국내 판매의 90 %가이 통화로 런던에서 발생했기 때문에). 미국 달러와 유로로 판매된 나머지 10%의 작품은 거래 당시의 환율로 다시 계산되어 일부 위치가 변경되었습니다. 작품의 실제 비용 외에도 아티스트의 총 자본화(모든 연도 동안 경매에서 가장 많이 팔린 작품 수), 역대 아티스트 순위에서 현대 아티스트의 위치에 대한 데이터가 수집되었습니다. 다른 작가의 모든 판매 작품 중 참가자의 가장 비싼 작품의 장소와 국적 및 거주 국가에 대해서도. 투자의 객관적인 지표로 각 아티스트의 반복 판매 통계에도 중요한 정보가 포함되어 있습니다.
매력.

작년 2013년은 국제 판매 순위에서 현대 예술가의 위치를 ​​크게 변경했습니다. 가장 비싼 예술 작품 상위 50개 중 지난 시즌에 16개의 현대 작품이 판매되었습니다. 살아있는 예술가에 대한 수요는 부분적으로는 모든 현대 미술에 대한 수요와 동일하며 부분적으로는 사망 후 자산의 자본화가 항상 증가할 것이라는 냉소적인 이해에 있습니다.

러시아 참가자 중 가장 존경받는 형제는 형제였습니다. 세르게이그리고 알렉세이 트카체비(b. 1922년과 1925년), 막내 - 아나톨리 오스몰로브스키(b. 1969). 문제는 누가 새로운 사람이 될 것인가이다. 장 미셸 바스키아열려있는 동안. 아티스트 판매에서 명확한 구매자 등급을 볼 수 있습니다. 리더는 외국 수집가와 러시아 과두가, 10 ~ 30 위는 이민자 수집가가 제공하며 상위 50 위의 조건부 바닥은 우리의 미래입니다. 젊은 수집가는 " 새로운 » 돈.

1. 일리야 카바코프
일반적으로 러시아의 주요 예술가 (Dnepropetrovsk에서 태어난 Kabakov가 자신을 우크라이나어로 그리는 것을 막지 못함), 모스크바 개념주의의 창시자 (그 중 하나), "전체"라는 용어와 실천의 저자 인 것 같습니다. 설치". 1988년부터 그는 뉴욕에서 살면서 작업을 해왔습니다. 그는 아내 Emilia Kabakov와 협력하여 제목이 "Ilya and Emilia Kabakov"와 같아야하지만 Ilya Iosifovich가 Ilya와 Emilia보다 일찍 알려 졌기 때문에 그대로 두십시오. 작품은 Tretyakov Gallery, 러시아 박물관, Hermitage, MoMA, Kolodzei 예술 재단(미국) 등
생년월일: 1933
제품: "딱정벌레". 1982년
판매일자: 2008년 2월 28일
가격(GBP)1: 2,932,500
총 자본금(GBP): 10,686,000
좌석: 1
작업당 평균 비용(GBP): 117,429
반복 판매 횟수: 12

2. 에릭 불라토프
나중에 Sots Art라고 불리는 기법을 사용하여 그의 작품에서 비유적인 그림과 텍스트를 결합했습니다. 소비에트 시대에 성공적인 아동 도서 삽화가. 1989년부터 그는 뉴욕에서 거주하며 작업하고 있으며 1992년부터는 파리에서 활동하고 있습니다. 퐁피두 센터에서 개인전을 가진 최초의 러시아 예술가. 작품은 Tretyakov Gallery, 러시아 박물관, Pompidou Center, Cologne의 Ludwig Museum 등의 컬렉션에 보관되며 재단 컬렉션에 포함됩니다. Dina Verny, Victor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Ekaterina 및 Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
생년월일: 1933
작품: "CPSU에 영광". 1975년
판매일자: 2008년 2월 28일
가격(GBP)1: 1,084,500
총 자본금(GBP): 8,802,000
좌석: 2
작업당 평균 비용(GBP): 163,000
반복 판매 횟수: 11

3. 비탈리 코마르와 알렉산더 멜라미드
Sots Art의 제작자 - 비공식 예술의 교활한 경향으로 공식의 상징과 기술을 패러디합니다. 그들은 1978년부터 뉴욕에서 살았습니다. 2000년대 중반까지는 둘이서 일했다. 예술 프로젝트로 유명 예술가들의 '영혼 판매'를 경매(영혼 앤디 워홀그 이후로 모스크바 예술가 소유 알레나 키르초바). 작품은 MoMA, 구겐하임 미술관, 메트로폴리탄 미술관, 루브르 박물관 컬렉션에 있습니다. 샬바 브레우스, 다리아 주코바그리고 로만 아브라모비치등
출생연도: 1943, 1945
작품: "로스트로포비치의 별장에서 솔제니친과 뵐의 만남". 1972년
판매일자: 2010년 4월 23일
가격(GBP)1: 657 250
총 자본금(GBP): 3,014,000
좌석: 7
작업당 평균 비용(GBP): 75,350
반복 판매 횟수: 3

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4. 세묜 파이비소비치
회화가 저널리즘보다 Semyon Natanovich를 매료시킬 때 지금도 가장 정확한 사실 주의자로 남아있는 포토 리얼리스트 아티스트. Malaya Gruzinskaya에서 전시되었으며 1985 년 뉴욕 ​​딜러와 수집가가 주목했습니다. 1987년부터 그는 미국과 서유럽에서 정기적으로 전시회를 열었습니다. 러시아의 동성애 선전에 관한 법률 폐지를 적극적으로 지지합니다. 모스크바에서 거주하며 작업합니다. 작품은 Tretyakov Gallery, Moscow House of Photography, 독일, 폴란드, 미국의 박물관 컬렉션에 포함되어 있습니다. 다리아 주코바그리고 로만 아브라모비치, 이고르 마르킨, 이고르
츠카노바.
생년월일: 1949
구성: "군인"(시리즈 "스테이션"에서) 1989
판매일자: 2007년 10월 13일
가격(GBP)1: 311,200
총 자본금(GBP): 3,093,000
좌석: 6
작업당 평균 비용(GBP): 106,655
반복 판매 횟수: 7

5. 그레고리(그리샤) 브루스킨
최초이자 마지막 소비에트 경매의 주인공 소더비 1988년에 그의 작품 The Fundamental Lexicon이 최고 로트(220,000파운드)가 되었습니다. 독일 정부의 초청으로 그는 재건된 베를린의 독일 의회를 위한 기념비적인 삼부작을 만들었습니다. 전시회의 "올해의 프로젝트"후보에서 칸딘스키 상을 수상했습니다. 시간 H멀티미디어 미술관에서 뉴욕과 모스크바에서 거주하며 작업합니다. 작품은 Tretyakov Gallery, 러시아 박물관, Pushkin Museum im 컬렉션에 있습니다. A. S. Pushkin, 쾰른의 Ludwig Museum, MoMA, 유대인 문화 박물관 (뉴욕) 등이 스페인 여왕 컬렉션에 포함되어 있습니다. 소피아, 페트르 아벤, 샬바 브레우스, 블라디미르, 에카테리나 세메니킨, 밀로스 포만.
생년월일: 1945
삽화: "Logii. 1 부". 1987년
판매일자: 07.11.2000
가격(GBP)1: 424,000
총 자본금(GBP): 720,000
좌석: 15
작업당 평균 비용(GBP): 24,828
반복 판매 횟수: 5

6. 올렉 첼코프
60년대의 가장 유명한 예술가 중 한 명으로 1960년대에 밝은 아닐린 색상으로 칠해진 인간의 얼굴(또는 인물), 점토로 성형된 것처럼 거친 그림을 시작했고 여전히 계속하고 있습니다. 1977년부터 파리에 살고 있다. 작품은 Tretyakov Gallery, 러시아 박물관, Hermitage, Rutgers University의 Zimmerli 박물관 등의 컬렉션에 포함되어 있습니다. 미하일 바리시니코프, 아서 밀러, 이고르 츠카노프.러시아에서 가장 큰 Tselkov 작품의 개인 컬렉션은 에브게니 에브투셴코.
생년월일: 1934
삽화: "풍선을 든 소년" 1957년
판매일자: 2008년 11월 26일
가격(GBP)1: 238,406
총 자본금(GBP): 4,232,000
좌석: 5
작업당 평균 비용(GBP): 53,570
반복 판매 횟수: 14

7. 오스카 라빈
"Lianozovo 그룹"(1950-1960 년대 모스크바 비 순응주의 예술가)의 리더, 추문의 조직자 불도저 전시회 1974. 그는 소련에서 작품을 개인적으로 판매한 최초의 사람이었습니다. 1978년 소련 시민권을 박탈당했다. 파리에서 거주하며 작업합니다. 2006년에는 예술에 기여한 공로를 인정받아 혁신상을 수상했습니다. 작품은 Tretyakov Gallery, 러시아 박물관, 모스크바 현대 미술관, Rutgers University의 Zimmerli 박물관 컬렉션에 있으며 Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Kronik, Iveta 및 Tamaz Manasherov, Evgeny 컬렉션에 포함되어 있습니다. 누토비치, 아슬란 체호예프.
생년월일: 1928
삽화: "도시와 달(사회주의자
도시)". 1959년
판매일자: 2008년 4월 15일
가격(GBP)1: 171,939
총 자본금(GBP): 5,397,000
좌석: 3
작업당 평균 비용(GBP): 27,964
반복 판매 횟수: 45

8. 주랍 체레텔리
이미 기념비적 인 예술의 가장 큰 대표자. 모스크바의 Peter I 기념비와 기념비의 저자 선이 악을 이긴다뉴욕 유엔빌딩 앞. 모스크바 현대 미술관 창립자, 러시아 예술 아카데미 회장, 앞서 언급한 아카데미에서 일하는 Zurab Tsereteli 아트 갤러리 창시자. 러시아 외에도 Zurab Tsereteli의 조각품은 브라질, 영국, 조지아, 스페인, 리투아니아, 미국, 프랑스 및 일본을 장식합니다.
생년월일: 1934
구성: "아토스의 꿈"
판매일자: 2009년 12월 1일
가격(GBP)1: 151 250
총 자본금(GBP): 498,000
좌석: 19
작업당 평균 비용(GBP): 27,667
반복 판매 횟수: 4

9. 빅토르 피보바로프
모스크바 개념주의의 창시자 중 한 명. 개념 앨범 장르의 발명가인 Kabakov처럼; Kabakov, Bulatov 및 Oleg Vasilyev와 마찬가지로 그는 잡지 Murzilka 및 Funny Pictures와 공동 작업한 아동 도서의 성공적인 일러스트레이터입니다. 1982년부터 그는 프라하에서 살면서 일해 왔습니다. 작품은 Tretyakov Gallery, 러시아 박물관, Pushkin Museum im 컬렉션에 있습니다. A. S. 푸쉬킨, Kolodzei 예술 재단(미국), Vladimir 및 Ekaterina Semenikhin, Igor Tsukanov 컬렉션.
생년월일: 1937
삽화: "뱀이 있는 삼부작." 2000년
판매일: 2008년 10월 18일
가격(GBP)1: 145 250
총 자본금(GBP): 482,000
좌석: 20
작업당 평균 비용(GBP): 17,852
반복 판매 횟수: 6

10. 알렉산더 멜라미드
크리에이티브 탠덤의 절반 코마르 - 멜라미드, 2003년 해체. 참가자인 Vitaly Komar와 함께 불도저 전시회(그들이 죽은 곳 이중 자화상, Sots Art의 창립 작품). 1978년부터 그는 뉴욕에서 살면서 작업을 해왔습니다. 그가 독립적으로 만든 Melamid의 작품이 잘 알려진 컬렉션에 대한 정보는 없습니다.
생년월일: 1945
구성: José Saraiva Martins 추기경. 2007년
판매일: 2008년 10월 18일
가격(GBP)1: 145 250
총 자본금(GBP): 145,000
좌석: 36
작업당 평균 비용(GBP): 145,000
반복 판매 횟수: —

11. 프란시스코 인판테 아라나
아마도 러시아 예술가들 중 가장 많은 전시회 목록의 소유자 일 것입니다. 키네티스트 그룹의 일원 "움직임", 1970년대에 그는 자연 풍경에 통합된 기하학적 모양인 자신만의 사진 성능 또는 "인공물" 버전을 발견했습니다.
생년월일: 1943
작품: "사인 만들기." 1984년
판매일자: 2006년 5월 31일
가격(GBP)1: 142,400
총 자본금(GBP): 572,000
좌석: 17
작업당 평균 비용(GBP): 22,000
반복 판매 횟수: —

12. 블라디미르 네무킨
형이상학자. 러시아 아방가르드의 두 번째 물결의 고전, 불도저 전시회 참가자 중 한 명인 "Lianozovo 그룹"의 구성원, 1980 년대의 중요한 전시회의 큐레이터 (또는 창시자), 비공식 소련
예술은 이제 막 자각하고 있었다.
생년월일: 1925
작품: "미완성 솔리테어". 1966년
판매일자: 2006년 4월 26일
가격(GBP)1: 240,000
총 자본금(GBP): 4,338,000
좌석: 4
작업당 평균 비용(GBP): 36,454
반복 판매 횟수: 26회

13. 블라디미르 양킬레프스키
기념비적 인 철학적 polyptychs의 창시자 인 전후 모스크바 비공식 예술의 주요 이름 중 하나 인 초현실주의 자.
생년월일: 1938
삽화: “Triptych No. 10. 영혼의 해부학. Ⅱ." 1970년
판매일자: 2010년 4월 23일
가격(GBP)1: 133,250
총 자본금(GBP): 754,000
좌석: 14
작업당 평균 비용(GBP): 12,780
반복 판매 횟수: 7

14. 알렉산더 비노그라도프와 블라디미르 두보사르스키
그림 같은 프로젝트 주문할 그림, 절망적 인 1990 년대에 그림을 그리기 위해 시작한 2000 년대에 합당한 것을 받았습니다. 듀엣은 수집가들에게 인기를 얻었고 한 그림이 퐁피두 센터 컬렉션에 포함되었습니다.
출생연도: 1963, 1964
작품: "나이트 피트니스". 2004년
판매일자: 2007년 6월 22일
가격(GBP)1: 132,000
총 자본금(GBP): 1,378,000
좌석: 11
작업당 평균 비용(GBP): 26,500
반복 판매 횟수: 4

15. 세르게이 볼코프
사려 깊은 진술이 있는 표현적인 그림으로 유명한 페레스트로이카 예술의 영웅 중 한 명입니다. 소비에트 경매 참가자 소더비 1988년.
생년월일: 1956
삽화: "이중 시력.
삼부작"
판매일자: 2007년 5월 31일
가격(GBP)1: 132,000
총 자본금(GBP): 777,000
장소: 12
작업당 평균 비용(GBP): 38,850
반복 판매 횟수: 4

16. AES + F (타티아나 아르자마소바, 레프 에브조비치, 에브게니 스뱌츠키, 블라디미르 프리드케스)
AES 프로젝트는 그들이 기억하는 엉성한 1990년대의 좋은 프레젠테이션으로 구별되었습니다. 이제 그들은 수십 개의 화면에서 방송되는 대형 애니메이션 프레스코화를 만들고 있습니다.
출생 연도: 1955, 1958, 1957, 1956
구성: "워리어 4호"
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 120,500
총 자본금(GBP): 305,000
좌석: 27
작업당 평균 비용(GBP): 30,500
반복 판매 횟수: —

17. 레프 타벤킨
점토로 캐릭터를 조각하는 것처럼 조각적인 비전을 가진 조각가이자 화가.
생년월일: 1952
구성: 재즈 오케스트라. 2004년
판매일자: 2008년 6월 30일
가격(GBP)1: 117,650
총 자본금(GBP): 263,000
좌석: 28
작업당 평균 비용(GBP): 26,300
반복 판매 횟수: 7

18. 미하일(미샤 샤예비치) 브루실로프스키
Sverdlovsk 초현실주의, 모호한 우화의 저자.
생년월일: 1931
삽화: 축구. 1965년
판매일자: 2006년 11월 28일
가격(GBP)1: 108,000
총 자본금(GBP): 133,000
좌석: 38
작업당 평균 비용(GBP): 22,167
반복 판매 횟수: —

19. 올가 불가코바
Brezhnev 시대의 지식인 "카니발"그림의 주요 인물 중 하나입니다. 통신 회원
러시아 예술 아카데미.
생년월일: 1951
구성: "빨간색의 꿈
새." 1988년
판매일자: 2010년 11월 22일
가격(GBP)1: 100,876
총 자본금(GBP): 219,000
좌석: 31
작업당 평균 비용(GBP): 36,500
반복 판매 횟수: —

20. 알렉산더 이바노프
주로 실업가, 수집가, 바덴바덴(독일)에 있는 파베르제 박물관의 창작자로 알려진 추상 미술가.
생년월일: 1962
구성: 사랑. 1996년
판매일: 2013년 6월 5일
가격(GBP)1: 97,250
총 자본금(GBP): 201,000
좌석: 33
작업당 평균 비용(GBP): 50,250
반복 판매 횟수: —

21. 이반 추이코프
모스크바 회화적 개념주의의 독립적 날개. 일련의 그림 개체 Windows의 저자. 어쩐지 1960년대에 그는 그림을 모두 불태웠고, 그래서 화랑 주인들은 여전히 ​​안타깝다.
생년월일: 1935
작품: "무제" 1986년
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 96,500
총 자본금(GBP): 1,545,000
좌석: 10
작업당 평균 비용(GBP): 36,786
반복 판매 횟수: 8

22. 콘스탄틴 즈베즈도체토프
젊었을 때 스스로를 "소련에서" "새로운 물결"의 "아버지"라고 불렀던 Mukhomor 그룹의 일원-
정당한 이유가 있습니다. 창의적 성숙의 시작과 함께 베니스 비엔날레와 카셀의 참가자
문서. 소비에트 풀뿌리 문화의 연구원이자 시각 전문가.
생년월일: 1958
구성: "Perdo-K-62M"
판매일자: 2008년 6월 13일
가격(GBP)1: 92,446
총 자본금(GBP): 430,000
좌석: 22
작업당 평균 비용(GBP): 22,632
반복 판매 횟수: 2

23. 나탈리아 네스테로바
Brezhnev 침체의 주요 예술 스타 중 하나입니다. 질감 있는 그림 스타일로 수집가들이 선호합니다.
생년월일: 1944
작품: "Melnik과 그의
아들". 1969년
판매일자: 2007년 6월 15일
가격(GBP)1: 92,388
총 자본금(GBP): 1,950,000
좌석: 9
작업당 평균 비용(GBP): 20,526
반복 판매 횟수: 15

24. 맥심 칸토어
1997년 베니스 비엔날레 러시아관에서 공연한 표현주의 화가이자 홍보가이자 작가, 철학적이고 풍자적인 소설의 작가 드로잉 튜토리얼러시아 예술계의 안팎에 대해.
생년월일: 1957
삽화: "민주주의의 구조". 2003년
판매일: 2008년 10월 18일
가격(GBP)1: 87,650
총 자본금(GBP): 441,000
좌석: 21
작업당 평균 비용(GBP): 44,100
반복 판매 횟수: 2

25. 안드레이 시더스키
그가 발명한 psi-art 스타일로 그림을 그립니다. 그는 Carlos Castaneda와 Richard Bach의 작품을 러시아어로 번역했습니다.
생년월일: 1960
구성: "삼부작"
판매일자: 2009년 4월 12일
가격(GBP)1: 90,000
총 자본금(GBP): 102,000
좌석: 42
작업당 평균 비용(GBP): 51,000
반복 판매 횟수: —

26. 발레리 코쉴랴코프
건축을 모티브로 한 그림으로 유명합니다. "남 러시아 파동"의 가장 큰 대표자. 종종 골판지 상자, 가방, 접착 테이프를 사용합니다. 그가 참여한 첫 번째 전시회는 1988년 로스토프나도누의 공중화장실에서 열렸다.
생년월일: 1962
작품: 베르사유. 1993년
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 72,500
총 자본금(GBP): 346,000
좌석: 26
작업당 평균 비용(GBP): 21,625
반복 판매 횟수: 8

27. 알렉세이 순두코프
일상적인 러시아 생활의 "납 가증"에 대한 간결하고 납색 그림.
생년월일: 1952
삽화: "존재의 본질". 1988년
판매일자: 2010년 4월 23일
가격(GBP)1: 67,250
총 자본금(GBP): 255,000
좌석: 29
작업당 평균 비용(GBP): 25,500
반복 판매 횟수: 1

28. 이고르 노비코프
1980년대 후반 모스크바 비국교도 예술가 세대에 속한다.
생년월일: 1961
작품: "크렘린 아침 식사 또는 모스크바 판매". 2009년
판매일: 03.12.2010
가격(GBP)1: 62,092
총 자본금(GBP): 397,000
좌석: 24
작업당 평균 비용(GBP): 15,880
반복 판매 횟수: 3

29. 바딤 자카로프
모스크바 개념주의 기록관. 베니스에서 러시아를 대표하는 사려 깊은 주제에 대한 화려한 설치 작가
비엔날레.
생년월일: 1959
작품: 바로크. 1986-1994
판매일: 2008년 10월 18일
가격(GBP)1: 61,250
총 자본금(GBP): 243,000
좌석: 30
작업당 평균 비용(GBP): 20,250
반복 판매 횟수: —

30. 유리 크라스니
특별한 도움이 필요한 어린이를 위한 예술 프로그램의 저자.
생년월일: 1925
구성: "흡연자"
판매 날짜: 04.04.2008가격(GBP)1: 59,055
총 자본금(GBP): 89,000
좌석: 44
작업당 평균 비용(GBP): 11,125
반복 판매 횟수: 8

31. 세르게이와 알렉세이 트카체프
후기 소비에트 인상주의의 고전, 러시아 마을의 삶에서 그린 그림으로 유명한 Arkady Plastov의 학생.
생년월일: 1922, 1925
삽화: "현장에서". 1954년
판매 날짜: 01.12.2010
가격(GBP)1: 58,813
총 자본금(GBP): 428,000
좌석: 23
작업당 평균 비용(GBP): 22,526
반복 판매 횟수: 4

32. 스베틀라나 코피스티안스카야
회화 설치로 유명하다. 모스크바 경매 후 소더비 1988년 해외에서 일한다.
생년월일: 1950
구성: "바다 풍경"
판매일자: 2007년 10월 13일
가격(GBP)1: 57,600
총 자본금(GBP): 202,000
좌석: 32
작업당 평균 비용(GBP): 22,444
반복 판매 횟수: 2

33. 보리스 오를로프
소츠아트에 가까운 조각가. 아이러니한 "제국" 스타일의 작품과 청동 흉상과 부케의 뛰어난 드레싱으로 유명합니다.
생년월일: 1941
작품: 선원. 1976년
판매일: 2013년 10월 17일
가격(GBP)1: 55,085
총 자본금(GBP): 174,000
좌석: 34
작업당 평균 비용(GBP): 17,400
반복 판매 횟수: 1

34. 뱌체슬라프 칼리닌
도시 하층민의 삶과 음주 보헤미아의 삶을 표현하는 그림의 작가.
생년월일: 1939
작품: "행글라이더를 들고 있는 자화상"
판매일자: 2012년 11월 25일
가격(GBP)1: 54,500
총 자본금(GBP): 766,000
좌석: 13
작업당 평균 비용(GBP): 12,767
반복 판매 횟수: 24회

35. 예브게니 세메노프
복음성가의 역할을 맡은 다운병 환자들의 사진 시리즈로 유명하다.
생년월일: 1960
구성: 하트. 2009년
판매일자: 2009년 6월 29일
가격(GBP)1: 49,250
총 자본금(GBP): 49,000
좌석: 48
평균 작업 비용(GBP): 49,000
반복 판매 횟수: —

36. 유리 쿠퍼
그는 오래된 가정용품으로 향수를 불러일으키는 그림으로 유명해졌습니다. 극작가 화가의 삶에서 그린 12점의 그림, 모스크바 예술 극장에서 상연되었습니다. AP 체호프.
생년월일: 1940
작품: 창. 다스 스트리트, 56. 1978년
판매일자: 09.06.2010
가격(GBP)1: 49,250
총 자본금(GBP): 157,000
좌석: 35
작업당 평균 비용(GBP): 2,754
반복 판매 횟수: 14

37. 알렉산더 코솔라포프
온갖 공격의 대상이 된 작품을 만든 소셜 아티스트. Art Moscow 2005 박람회 기간 동안 그의 작품 중 하나는 망치로 종교적 광신자에 의해 파괴되었습니다.
생년월일: 1943
작품: "말보로 말레비치". 1987년
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 48,500
총 자본금(GBP): 510,000
좌석: 18
작업당 평균 비용(GBP): 15,938
반복 판매 횟수: 1

38. 레오니드 소코프
민속과 정치를 결합한 Sots Art의 대표적인 조각가. 유명한 작품들 중에서 코 모양으로 국적을 판별하는 장치.
생년월일: 1941
삽화: "망치로 낫을 치는 곰." 1996년
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 48,500
총 자본금(GBP): 352,000
좌석: 25
작업당 평균 비용(GBP): 13,538
반복 판매 횟수: 7

39. 블라디미르 오브치니코프
레닌그라드의 비공식 미술계의 총대주교 중 한 명. 페르난도 보테로의 정통 버전.
생년월일: 1941
삽화: "천사와 철로" 1977년
판매일자: 2007년 4월 17일
가격(GBP)1: 47,846
총 자본금(GBP): 675,000
좌석: 16
작업당 평균 비용(GBP): 15,341
반복 판매 횟수: —

40. 콘스탄틴 쿠디야코프
종교적 주제에 대한 그림의 저자. 이제 그는 디지털 아트 기법을 연구합니다.
생년월일: 1945
삽화: 최후의 만찬. 2007년
판매일: 18.02.2011
가격(GBP)1: 46,850
총 자본금(GBP): 97,000
좌석: 43
작업당 평균 비용(GBP): 32,333
반복 판매 횟수: —

41. 에른스트 미상
소비에트 부적합주의의 아이콘-모스크바 예술가 연합 30 주년을 기념하는 전설적인 전시회의 첫날에 니키타 흐루시초프 사무 총장에게 공개적으로 반대했기 때문입니다. 그 후 그는 흐루시초프의 무덤에 기념비를 만들고 UN 유럽 본부 앞에 기념비를 세웠습니다.
생년월일: 1925
구성: "무제"
판매일자: 08.06.2010
가격(GBP)1: 46,850
총 자본금(GBP): 2,931,000
좌석: 8
작업당 평균 비용(GBP): 24,839
반복 판매 횟수: 13

42. 아나톨리 오스몰로프스키
1990년대 모스크바 행동주의의 주요 인물 중 한 명, 예술 이론가, 큐레이터, 발행인, Baza Institute 연구 및 교육 프로그램 책임자, 제1회 Kandinsky Prize 수상자.
생년월일: 1969년
구성: "빵"(시리즈 "Pagans"에서). 2009년
판매일자: 2010년 4월 23일
가격(GBP)1: 46,850
총 자본금(GBP): 83,000
좌석: 46
작업당 평균 비용(GBP): 11,857
반복 판매 횟수: —

43. 드미트리 브루벨
Brezhnev와 Honecker의 키스를 묘사한 그림으로 주로 알려진 사실주의 화가(또는 오히려 베를린 장벽에 대한 작가의 복제 덕분).
생년월일: 1960
구성: "Fraternal kiss (triptych)". 1990년
판매일자: 2013년 11월 25일
가격(GBP)1: 45,000

좌석: 40
작업당 평균 비용(GBP): 16,429
반복 판매 횟수: 2

44. 레오니드 램
러시아 아방가르드의 모티프와 소련 감옥 생활의 장면을 결합한 설치 작가. 미국에 살고 있습니다. 1970년대에 그는 거짓 혐의로 감옥과 노동 수용소에서 3년을 보냈습니다.
생년월일: 1928
삽화: "Apple II"("The Seventh Heaven" 시리즈에서). 1974-1986
판매일: 2009년 12월 16일
가격(GBP)1: 43,910
총 자본금(GBP): 115,000
좌석: 41
작업당 평균 비용(GBP): 14,375
반복 판매 횟수: —

1980년대 Irina Nakhova가 자신의 아파트에 설치한 그림 같은 설치 작품은 “total.

45. 이리나 나코바
모스크바 개념주의의 뮤즈. "올해의 프로젝트"로 칸딘스키 상 2013 수상작. 2015년 제56회 베니스 비엔날레에서
러시아를 대표하게 됩니다.
생년월일: 1955
작품: 삼부작. 1983년
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 38,900
총 자본금(GBP): 85,000
좌석: 45
작업당 평균 비용(GBP): 17,000
반복 판매 횟수: 1

46. ​​카티아 필리포바
페레스트로이카 시대에 유명해진 아방가르드 패션 디자이너. 파리 백화점 갤러리 라파예트의 창문을 장식한 피에르 가르뎅의 친구.
생년월일: 1958
"Artwork: Marina Ladynina"(시리즈 "Russian Hollywood"에서)
판매일자: 2008년 3월 12일
가격(GBP)1: 38,900
총 자본금(GBP): 39,000
좌석: 49
작업당 평균 비용(GBP): 39,000
반복 판매 횟수: —

47. 보리스 자보로프
연극 예술가, 책 삽화가. 1980년에 그는 파리로 이주하여 Comedie Francaise의 의상 작업을 했습니다.
생년월일: 1935
삽화: "커뮤니케이터".1981
판매일자: 2006년 10월 30일
가격(GBP)1: 36,356
총 자본금(GBP): 67,000
좌석: 47
작업당 평균 비용(GBP): 13,400
반복 판매 횟수: 2

48. 로스티슬라프 레베데프
고전적인 사회 예술가, Boris Orlov와 Dmitry Prigov의 동료(작업장 이웃). 그는 소련 시대의 시각적 선전을 창의적으로 변형시켰습니다.
생년월일: 1946
삽화: "러시아 동화". 1949
판매 날짜: 03.06.2008
가격(GBP)1: 34,000
총 자본금(GBP): 122,000
좌석: 39
작업당 평균 비용(GBP): 24,400
반복 판매 횟수: 2

49. 안드레이 필리포프
모스크바 개념 학교에 속합니다. "모스크바 - 제3의 로마"라는 주제로 통합된 회화 및 설치 작가. 2009년부터 Yuri Albert, Victor Skersis와 함께 큐피드 그룹의 멤버로 활동하고 있습니다.
생년월일: 1959
삽화: "용골 아래 7피트". 1988년
판매일자: 2006년 5월 31일
가격(GBP)1: 33,600
총 자본금(GBP): 137,000
좌석: 37
작업당 평균 비용(GBP): 12,455
반복 판매 횟수: 3

50. 블라디미르 신카레프
Leningrad 예술 그룹 Mitki의 창립자이자 이데올로기 자로 소설 Mitki에서이 용어가 처음 사용되었습니다. 소설은 보일러실에서 일하면서 심심해서 썼다.
생년월일: 1954
삽화: 레닌 광장 I. 1999년
판매일자: 2008년 6월 30일
가격(GBP)1: 32,450
총 자본금(GBP): 33,000
좌석: 50
작업당 평균 비용(GBP): 16,500
반복 판매 횟수: —

판매 대 전시회

시장에 대한 인식과 전문 커뮤니티에 대한 인식은 매우 다른 것처럼 보이지만 "상업적" 예술가와 "비상업적" 예술가로 구분하는 것은 매우 조건부입니다. 그래서 지난 10 년 동안 베니스 현대 미술 비엔날레 (그리고 이것이 그들의 전문 경력의 정점)에서 전시 된 러시아 예술가 중 7 개 유닛 (1 인당 11 명)이 우리 평가에 포함되었습니다. 그리고 순위에서 상위 10명의 작가들은 이전에 베니스 비엔날레에 전시했거나 주요 미술관에서 개인전을 가졌습니다. 순위에 포함되지 않은 멋진 명장들의 부재나 매출이 그다지 높지 않은 것은 간단하고 진부하게 설명된다. 수집가는 보수적이며 가장 아방가르드 예술가조차도 그림 (그림, 그림처럼 보이는 물건 또는 사진) 또는 조각품 (또는 조각품처럼 보이는 물건)을 구입하는 것을 선호합니다. 우리 평가에는 기록적인 공연이나 거대한 설치물이 없습니다 (설치물은 일반적으로 박물관에서 구입하지만 박물관 가격은 할인됩니다). 그렇기 때문에 다음과 같은 별이 있습니다. 안드레이 모나스티르스키, 올렉 쿨릭, 파벨 페퍼스타인(최근까지 그는 주로 그래픽 작업을 했으며 그래픽은 그림보다 선험적으로 저렴합니다) 또는 예를 들어 니콜라이 폴리스키, 그의 장대 한 디자인은 아직 수집가를 이해하지 못했습니다.

또한 인지도가 더디기 때문에 시장도 보수적입니다. 상위 10위에는 1950년 또는 그 이전에 태어난 모든 아티스트가 포함됩니다. 즉, 비엔날레의 유망한 참가자들은 여전히 ​​그들보다 앞서 있습니다.

주요 국제 경매는 전후 및 현대 미술 경매에 현대 러시아 예술가를 점점 더 많이 포함하고 있습니다. 2007년 2월, Sotheby's는 22개의 경매 기록을 가져온 러시아 현대 미술의 최초이자 거의 깜짝 놀랄 만한 전문 경매를 개최했습니다. Artguide는 국제 경매에서 가장 많은 금액을 모은 현대 예술가를 찾기로 결정했으며 경매 판매 결과를 기반으로 가장 비싼 살아있는 러시아 예술가 상위 10위를 집계하여 몇 가지 흥미로운 패턴을 발견했습니다. 모든 판매 가격은 구매자의 프리미엄을 고려하여 경매장에 따라 제공됩니다.

알렉산더 비노그라도프와 블라디미르 두보사르스키. 야간 피트니스. 파편. 의례 저자 (www.dubossarskyvinogradov.com)

물론 누가 정확히 경매 경주의 리더가 되었는지에 대해서는 의심의 여지가 없습니다. 2008년 2월 Phillips de Pury에서 거의 300만 파운드에 팔린 Ilya Kabakov의 웅장한 "딱정벌레"는 관심 있는 모든 사람이 기억할 것입니다. 현대 미술에서. 딱정벌레와 함께 나무 패널에 쓰여진 재미있는 동요는 미술사 및 시장 해석에서 사려 깊은 억양을 얻었습니다. 내 컬렉션” - 이것은 같은 딱정벌레 거래에 대한 현대 미술 수집가의 열정을 은유적으로 의미합니다. (Voronezh의 아마추어 시인 건축가 A. Maslennikova가 작곡 한 Kabakov가 인용 한 구절은 어린이 문학 출판사에서 1976 년에 출판 한 여름과 겨울 사이의 운율과 수수께끼를 세는 어린이 시집에 출판되었습니다. Kabakov는이 책의 삽화를 그렸습니다. 그 딱정벌레는 그의 흑백 삽화에 없었습니다).

가장 비싼 살아있는 예술가 상위 10 위가 아니라 가장 비싼 작품 상위 10 위를 만들면 Kabakov의 그림이이 목록의 처음 세 자리를 차지할 것입니다. 즉, 현재 살아있는 러시아 예술가의 가장 비싼 세 작품이 그에게 속합니다. "Beetle"외에도 1981 년 "Luxury Room"입니다 (Phillips de Pury, London, 2007 년 6 월 21 일, £ 2.036 million) 1987년 "Vacation No. 10"(Phillips de Pury London, 2011년 4월 14일, £1.497m). 게다가 관대 한 Kabakov는 1 년 전인 2011 년 11 월 24 일에 "At the University"그림이 € 754.8 천에 낙찰되어 현대 미술에서 가장 비싼 작품이 된 Vienna Dorotheum 경매에 또 다른 기록을 "제공"했습니다. 이 경매에서 팔린 예술품.

은메달리스트는 아마도 많은 사람들이 쉽게 이름을 지을 것입니다. 이것은 Eric Bulatov입니다. 그의 캔버스 "Glory to the CPSU"는 Kabakov의 "Beetle"과 동일한 Phillips de Pury 경매에서 아티스트를 위해 기록적인 금액으로 판매되었습니다.

그러나 2007 년 6 월 "Untitled"가 720,000 파운드에 Phillips de Pury에 갔던 비 순응 주의자 Yevgeny Chubarov의 3 위는 몇 달 전인 2 월이 아니라면 놀라움이라고 할 수 있습니다. 같은 해 Chubarov는 이미 런던의 Sotheby 's에서 러시아 현대 미술 전문 경매에서 큰 인기를 얻었습니다. 그곳에서 같은 이름의 (또는 오히려 이름이없는) 그의 작품이 £ 288,000 (상한선 있음)에 판매되었습니다. £ 60,000 추정), Bulatov의 그림 "Revolution-Perestroika"(판매 가격 £ 198,000)의 경매 최고가를 능가했을뿐만 아니라 당시 살아있는 러시아 예술가의 가장 비싼 작품이되었습니다. 그건 그렇고, 통화 변동의 아이러니입니다. 2000 년 11 월 Grisha Bruskin의 polyptych는 뉴욕에서 $ 424,000에 판매되었으며 파운드 스털링은 £ 296.7 천이었고 2007 년 2 월에 설치되었습니다. Chubarov의 첫 기록은 이미 £216.6000에 불과합니다.

4위를 차지한 Vitaly Komar와 Alexander Melamid의 작품은 서양 경매에서 빈번하고 상당히 성공적이지만 그들의 추정치는 £100,000를 거의 넘지 않습니다.듀오의 두 번째로 비싼 작품은 Yalta Conference입니다. 파리의 심판 "-2007 년 Macdougall 's에서 £ 184.4 천에 판매되었습니다. 그러나 물론 4 위를 차지한 그림은 다소 초기에 경매에 거의 등장하지 않는 작품에 속하며 1976년 뉴욕의 Ronald Feldman Gallery에서 열린 Komar와 Melamid의 첫 번째(매우 시끄러운) 해외 전시회에서.

Komar와 Melamid에 이어 Oleg Vasiliev와 Semyon Faibisovich는 지속적으로 경매에서 높은 기준을 유지하고 있습니다. Vasilyev는 Ilya Kabakov와 Erik Bulatov에게 기록을 가져다 준 2008년 Phillips de Pury 경매에서 3위를 차지했으며 Faibisovich는 4위를 차지했습니다. 그런 다음 1980 년 Vasiliev의 그림 "Ogonyok 잡지 표지 주제에 대한 변형"은 ₤ 120,000의 추정치로 ₤ 356 천에 판매되었으며 1986 년 Faibisovich의 "Another look at the Black Sea"는 £ 300.5 천에 판매되었습니다. 추정 £60,000-80,000. 두 아티스트의 작품은 종종 경매에서 6자리 금액을 가져옵니다.

사실, 경매에서 Faibisovich에게 명성을 가져다 준 것은 기록적인 "군인"이 아니라 2008 년 3 월 12 일 Sotheby 's에서 판매 된 그림 "Beauty"입니다. 1988년 모스크바 경매. 그 그림(다른 이름은 "5월 1일")은 £60-80,000의 추정치로 £264,000에 낙찰되었으며 구매자들 사이에서 실제 전투가 벌어졌습니다. 그 경매에서 Faibisovich의 또 다른 그림 "모스크바 거리에서"는 추정치를 두 번 초과했으며 2011-2012년에 £126,000에 판매되었습니다.

상위 10위 중 8위인 Oleg Tselkov에 대해서도 거의 같은 말을 할 수 있습니다. 반세기 전에 자신의 스타일과 주제를 발견한 그는 인지도 있고 권위 있는 예술가로서 형광색의 둥근 얼굴을 정기적으로 경매에 출품하여 계속해서 성공을 거두고 있습니다. Tselkov "Five Faces"의 두 번째로 비싼 그림은 2007 년 6 월 MacDougall 's에서 £ 223.1 천에 판매되었으며 세 번째는 "Two with Beetles"입니다. 여러 Tselkov 다른 가격 범위) £202.4000.

Grisha Bruskin은 1988년부터 그의 "Fundamental Lexicon"이 놀라운 £220,000에 판매된 Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art라는 이름으로 Sotheby's의 모스크바 경매에서 러시아 현대 미술의 경매 역사에서 특별한 역할을 했습니다. , 12배 더 높은 추정치. Polyptych "Logii"에서도 거의 동일하고 아마도 더 놀라운 일이 일어났습니다. Part I" in 2000 in Christie's in New York: polyptych가 $424,000에 팔렸는데, 이는 추정 상한선을 21(!) 배 초과한 것입니다. 이것만으로도 일종의 기록이라고 할 수 있습니다. 아마도 이 특별한 구매는 전설적인 Sotheby's Moscow 경매의 영웅으로서 Bruskin의 이름의 중요성 때문일 것입니다. Bruskin의 다른 경매 판매가 이 금액에 근접하지도 않았기 때문입니다.

Oscar Rabin의 가격은 변동하지 않지만 특히 소비에트 시대의 작품의 경우 꾸준히 눈에 띄게 증가합니다. 경매에서 판매되는이 마스터의 가장 비싼 작품은 모두 1950 년대 후반과 1970 년대 초반에 그려졌습니다. 이것들은 (그의 기록 "Socialist City"외에) "Baths (냄새 향수 "모스크바", 1966, Sotheby 's, New York, 2007 년 4 월 17 일, $ 336,000) 및 "Violin in the Cemetery"(1969, Macdougall 's, London)입니다. , 2006년 11월 27일, £168.46).

상위 10위는 젊은 세대의 대표자들인 Alexander Vinogradov와 Vladimir Dubossarsky가 마감했습니다. 그의 가장 비싼 그림은 Phillips de Pury에서 판매되었습니다(두 번째로 비싼 그림은 The Last Butterfly, 1997, Phillips de Pury, New York, $181,000). 일반적으로이 예술가들은 살아있는 예술가의 가장 비싼 그림 순위에서 분명히 볼 수있는 추세를 계속합니다. 우리는 그것에 대해 조금 더 낮게 이야기 할 것이지만 지금은 마지막으로 살아있는 러시아 예술가의 가장 비싼 작품 목록입니다.

살아있는 러시아 예술가들의 10대 작품

1. 일리야 카바코프(b. 1933). 벌레. 1982. 목재, 에나멜. 226.5x148.5. 경매 Phillips de Pury & Company, 런던, 2008년 2월 28일. 예상가 £1.2-1.8 million. 판매가 £2.93 million.

2. 에릭 불라토프(b. 1933). CPSU에 영광을. 1975. 캔버스에 유채. 229.5 x 229. 경매 Phillips de Pury & Company, 런던, 2008년 2월 28일. 추정 £500-700,000. 판매 가격 £1.084 million.

3. 예브게니 추바로프(b. 1934). 제목 없음. 1994. 캔버스에 유채. 300 x 200. Phillips de Pury & Company 경매, 런던, 2007년 6월 22일. 추정 £100-150,000. 판매 가격 £720,000.

4. Vitaly Komar(b. 1943) 및 Alexander Melamid(b. 1945). Rostropovich의 dacha에서 Solzhenitsyn과 Bell 회의. 1972. 캔버스, 유채, 콜라주, 금박. 175 x 120. Phillips de Pury & Company 경매, 런던, 2010년 4월 23일. 추정 £100-150,000. 판매 가격 £657.25,000.

5. 올렉 바실리예프(b. 1931). 일몰 전에. 1990. 캔버스에 유채. 210 x 165. 소더비 경매, 런던, 2008년 3월 12일. 추정 £200-300,000. 판매가 £468.5천.

6. 세묜 파이비소비치(b. 1949). 군인들. 시리즈 "스테이션"에서. 1989. 캔버스에 유채. 285.4 x 190.5. 경매 Phillips de Pury & Company, 런던, 2007년 10월 13일. 추정 £40-60,000. 판매 가격 £311.2,000.

8. 올렉 첼코프(b. 1934) 풍선을 든 소년. 캔버스, 유채. 103.5x68.5. MacDougall's 경매, 런던, 2008년 11월 28일 추정 £200-300,000 판매 가격 £238.4천.

9. 오스카 라빈(b. 1928) 도시와 달(사회주의 도시). 1959. 캔버스에 유채. 90 x 109. 소더비 경매, 뉴욕, 2008년 4월 15일. 추정가 $120-160,000. 판매 가격 $337,000(2008년 4월 달러 대 파운드 환율로 £171.4).

10. Alexander Vinogradov(b. 1963) 및 Vladimir Dubossarsky(b. 1964). 야간 운동. 2004. 캔버스에 유채. 194.9 x 294.3. 경매 Phillips de Pury & Company, 런던, 2007년 6월 22일. 추정 £15-20,000. 판매 가격 £132,000.

경매 가격은 불합리한 것으로 알려져 있으며, 작품의 진행 과정에서 작가의 진정한 역할과 의미를 판단할 수는 없다. 그러나 그들과 최고 로트를 기준으로 수집가의 선호도를 대략적으로 판단할 수 있습니다. 그들은 무엇인가? 이 질문에 답하기 위해 전문가가 될 필요는 없습니다. 그들은 분명합니다. 첫째, 모든 예술가(알렉산더 비노그라도프와 블라디미르 두보사르스키 제외)는 수년 동안 "살아있는 고전"이며 매우 견고한 작품입니다. 둘째, 거의 모든 사람들이 최근 몇 년간의 작품이 아니라 훨씬 더 이른 작품, 즉 "오래된 것일수록 좋다"는 패턴도 여기에서 관련이 있습니다. 셋째, 상위 10위의 작품은 예외 없이 모두 이젤 그림이다. 넷째, 이들은 모두 크고 매우 큰 그림입니다. 이 점에서 어느 정도 "표준"은 Oscar Rabin의 "The City and the Moon"과 Oleg Tselkov의 "Boy with Balloons"로만 간주 될 수 있으며 나머지는 모두 높이가 (너비도 아님) 인간 키가 큽니다. 마지막으로, 이 모든 예술가들에게 소련(특히 비국교도) 과거의 주제는 어떤 식으로든 관련이 있으며, 많은 경우 그들의 작품에서 강조됩니다. 우리 수집가들은 바로 이 소비에트 과거에 대한 극심한 향수를 경험하고 있는 것 같습니다(서구에서 러시아 예술품을 구입하는 것은 러시아 수집가라는 것은 상식입니다).

나머지 경매 판매 리더보다 어린 Alexander Vinogradov와 Vladimir Dubossarsky는 수십 명의 가혹한 비 순응 주의자에서 벗어나려고 다소 완고하게 노력하고 있지만 이것은 언뜻보기에 불과합니다. 실제로 Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkovy 다음 세대 중 어느 것이 위의 구매 기준 (대형 이젤 그림, 소비에트 장르의 재해싱, 모티프 및 문체)을 가장 잘 충족시킬 수 있는지 상상한다면 아마도 Vinogradov와 Dubossarsky는 지난 수십 년 동안 거장의 합당한 상속자로 밝혀졌습니다. 적어도 경매 판매로 판단합니다.

모든 위대한 예술가들이 과거에 있다고 생각한다면, 당신이 얼마나 틀렸는지 전혀 모를 것입니다. 이 기사에서는 우리 시대의 가장 유명하고 재능있는 예술가에 대해 배웁니다. 그리고 저를 믿으십시오. 그들의 작품은 과거 시대의 마에스트로의 작품보다 더 깊이 기억에 남을 것입니다.

보이치에흐 밥스키

Wojciech Babski는 현대 폴란드 예술가입니다. 그는 Silesian Polytechnic Institute를 졸업했지만 자신과 연결되었습니다. 최근에 그는 주로 여성을 그렸습니다. 감정 표현에 초점을 맞추고 간단한 수단으로 최대한의 효과를 얻으려고 합니다.

색상을 좋아하지만 종종 최고의 인상을 얻기 위해 검은색과 회색 음영을 사용합니다. 새로운 기술을 실험하는 것을 두려워하지 않습니다. 최근 그는 영국을 중심으로 해외에서 점점 더 많은 인기를 얻고 있으며 이미 많은 개인 소장품에서 볼 수 있는 그의 작품을 성공적으로 판매하고 있습니다. 예술 외에도 그는 우주론과 철학에 관심이 있습니다. 재즈를 듣습니다. 현재 카토비체에서 거주하며 작업하고 있습니다.

워렌 장

Warren Chang은 현대 미국 예술가입니다. 1957년에 태어나 캘리포니아 주 몬테레이에서 자란 그는 1981년 패서디나에 있는 Art Center College of Design에서 순수 미술 학사 학위를 우등으로 졸업했습니다. 이후 20년 동안 그는 캘리포니아와 뉴욕의 여러 회사에서 일러스트레이터로 일하다가 2009년 전문 예술가로서의 경력을 시작했습니다.

그의 사실적인 그림은 전기적인 인테리어 그림과 일하는 사람들을 묘사한 그림의 두 가지 주요 범주로 나눌 수 있습니다. 이 스타일의 그림에 대한 그의 관심은 16세기 화가 Jan Vermeer의 작품에 뿌리를 두고 있으며 사물, 자화상, 가족, 친구, 학생, 스튜디오, 교실 및 가정 인테리어의 초상화로 확장됩니다. 그의 목표는 빛의 조작과 차분한 색상의 사용을 통해 사실적인 그림에서 분위기와 감정을 만드는 것입니다.

Chang은 전통 시각 예술로의 전환 이후 유명해졌습니다. 지난 12년 동안 그는 수많은 상과 영예를 얻었으며 가장 권위 있는 것은 미국 최대의 유화 커뮤니티인 미국 유화 협회의 마스터 서명입니다. 50명 중 단 한 명만이 이 상을 받을 수 있는 기회를 갖게 됩니다. 현재 Warren은 Monterey에 거주하며 자신의 스튜디오에서 작업하고 있으며 San Francisco Academy of the Arts에서 가르치기도 합니다(재능 있는 교사로 알려짐).

아우렐리오 브루니

Aurelio Bruni는 이탈리아 예술가입니다. 1955년 10월 15일 블레어에서 태어났다. 스폴레토 아트 인스티튜트에서 무대 미술 학위를 취득했습니다. 예술가로서 그는 학교에서 쌓은 기초 위에 독자적으로 "지식의 집을 지었다"고 독학했습니다. 그는 19세에 유화를 그리기 시작했습니다. 현재 움브리아에서 거주하며 작업하고 있습니다.

Bruni의 초기 그림은 초현실주의에 뿌리를 두고 있지만 시간이 지남에 따라 그는 서정적 낭만주의와 상징주의의 근접성에 초점을 맞추기 시작하여 그의 캐릭터의 절묘한 정교함과 순수함으로 이러한 조합을 강화합니다. 살아있는 물체와 무생물은 동등한 존엄성을 얻고 거의 초현실적으로 보이지만 동시에 커튼 뒤에 숨지 않고 영혼의 본질을 볼 수 있습니다. 다재다능함과 세련미, 관능미와 외로움, 사려 깊음과 풍요로움은 예술의 화려함과 음악의 조화로 양육되는 Aurelio Bruni의 정신입니다.

알렉산더 발로스

Alkasandr Balos는 유화를 전문으로 하는 현대 폴란드 예술가입니다. 1970년 폴란드 글리비체에서 태어났지만 1989년부터 미국 캘리포니아 샤스타에서 거주하며 작업하고 있습니다.

어린 시절 독학으로 미술가이자 조각가였던 아버지 얀의 지도 아래 미술을 공부했기 때문에 어릴 때부터 미술 활동은 ​​두 부모 모두의 전폭적인 지원을 받았다. 1989년 18세의 나이에 Balos는 폴란드를 떠나 미국으로 건너갔고 그곳에서 학교 교사이자 시간제 예술가인 Cathy Gaggliardi는 Alcasander에게 미술 학교에 등록하도록 권유했습니다. 그 후 Balos는 University of Milwaukee Wisconsin에서 전액 장학금을 받고 철학 교수 Harry Rosin과 함께 그림을 공부했습니다.

1995년 학사 학위로 학업을 마친 후 Balos는 Jacques-Louis David의 작품을 기반으로 하는 School of Fine Arts에서 공부하기 위해 시카고로 이사했습니다. 비유적 사실주의와 초상화는 90년대와 2000년대 초반에 Balos의 작품 대부분을 구성했습니다. 오늘날 Balos는 솔루션을 제공하지 않고 인간 존재의 특징과 단점을 강조하기 위해 인간의 모습을 사용합니다.

그의 그림의 플롯 구성은 보는 사람이 독립적으로 해석하도록 의도되었으며, 그래야만 캔버스가 진정한 시간적, 주관적 의미를 얻게 됩니다. 2005년에 작가는 북부 캘리포니아로 이사했으며 그 이후로 그의 작업 범위는 크게 확장되었으며 현재는 회화를 통해 존재의 아이디어와 이상을 표현하는 데 도움이 되는 추상화 및 다양한 멀티미디어 스타일을 포함하여 보다 자유로운 회화 방법을 포함하고 있습니다.

알리사 승려

Alyssa Monks는 현대 미국 예술가입니다. 그녀는 1977년 뉴저지 리지우드에서 태어났습니다. 그녀는 아직 어렸을 때 그림에 관심을 갖게 되었습니다. 그녀는 뉴욕의 The New School과 Montclair State University에 다녔고 1999년 Boston College에서 학사 학위를 받았습니다. 동시에 그녀는 피렌체의 Lorenzo Medici Academy에서 그림을 공부했습니다.

그런 다음 그녀는 2001년에 졸업한 조형 미술과의 New York Academy of Art에서 석사 학위 프로그램으로 공부를 계속했습니다. 그녀는 2006년에 Fullerton College를 졸업했습니다. 그녀는 전국의 대학 및 교육 기관에서 간략하게 강의했으며 뉴욕 예술 아카데미, 몽클레어 주립 대학교 및 라임 아카데미 예술 대학에서 회화를 가르쳤습니다.

“유리, 비닐, 물, 수증기 등의 필터를 이용해 인체를 왜곡합니다. 이 필터를 사용하면 인체의 일부인 색상 섬을 통해 엿볼 수 있는 추상적인 디자인의 넓은 영역을 만들 수 있습니다.

내 그림은 이미 확립된 목욕하는 여성의 전통적인 자세와 몸짓에 대한 현대적인 시각을 바꿉니다. 그들은 수영, 춤 등의 이점과 같이 자명해 보이는 것들에 대해 주의 깊은 시청자에게 많은 것을 말할 수 있습니다. 내 캐릭터는 샤워 실 유리창에 눌려 자신의 몸을 왜곡하고 나체 여성을 바라 보는 악명 높은 남성의 시선에 영향을 미친다는 사실을 깨닫습니다. 두꺼운 페인트 층이 함께 혼합되어 멀리서 유리, 증기, 물 및 육체를 모방합니다. 그러나 가까이서 보면 유성 페인트의 놀라운 물리적 특성이 분명해집니다. 여러 겹의 물감과 색을 실험하면서 추상적인 획이 다른 무언가가 되는 순간을 발견합니다.

처음 인체를 그리기 시작했을 때 나는 즉시 매료되고 심지어 집착하기까지 했고 내 그림을 가능한 한 사실적으로 만들어야 한다고 느꼈습니다. 나는 리얼리즘이 풀리고 해체되기 시작할 때까지 리얼리즘을 "공언"했습니다. 지금은 재현적 회화와 추상화가 만나는 회화 스타일의 가능성과 잠재력을 탐구하고 있습니다. 두 스타일이 동시에 공존할 수 있다면 그렇게 할 것입니다.”

안토니오 피넬리

이탈리아 예술가 - 시간 감시자” – Antonio Finelli는 1985년 2월 23일에 태어났습니다. 현재 로마와 캄포바소 사이의 이탈리아에서 거주하며 작업하고 있습니다. 그의 작품은 로마, 피렌체, 노바라, 제노아, 팔레르모, 이스탄불, 앙카라, 뉴욕 등 이탈리아와 해외의 여러 갤러리에서 전시되었으며 개인 및 공공 컬렉션에서도 볼 수 있습니다.

연필 드로잉 " 시간의 감시자안토니오 피넬리(Antonio Finelli)는 인간 시간성의 내면 세계와 그와 관련된 이 세계에 대한 엄격한 분석을 통해 영원한 여행을 떠나게 합니다. 그 주요 요소는 시간의 흐름과 그것이 피부에 가하는 흔적입니다.

Finelli는 얼굴 표정이 시간의 흐름을 나타내는 모든 연령, 성별 및 국적의 사람들의 초상화를 그립니다. 작가는 또한 캐릭터의 몸에서 무자비한 시간의 증거를 찾기를 희망합니다. 안토니오는 그의 작품을 "자화상"이라는 하나의 일반적인 제목으로 정의합니다. 왜냐하면 그의 연필 그림에서 그는 사람을 묘사할 뿐만 아니라 시청자가 사람 내부의 시간 경과의 실제 결과를 숙고할 수 있기 때문입니다.

플라미니아 카를로니

Flaminia Carloni는 외교관의 딸인 37세의 이탈리아 예술가입니다. 그녀에게는 세 자녀가 있습니다. 로마에서 12년, 영국과 프랑스에서 3년을 살았다. BD School of Art에서 미술사 학위를 받았습니다. 그런 다음 그녀는 예술 작품 복원 전문 학위를 받았습니다. 소명을 찾고 그림에 전념하기 전에 그녀는 저널리스트, 컬러리스트, 디자이너 및 여배우로 일했습니다.

그림에 대한 Flaminia의 열정은 어린 시절부터 일어났습니다. 그녀의 주요 매체는 "coiffer la pate"를 좋아하고 재료를 가지고 놀기 때문에 오일입니다. 그녀는 예술가 Pascal Torua의 작품에서 비슷한 기술을 배웠습니다. Flaminia는 Balthus, Hopper, François Legrand와 같은 회화의 거장들과 거리 예술, 중국 사실주의, 초현실주의 및 르네상스 사실주의와 같은 다양한 예술 운동에서 영감을 받았습니다. 그녀가 가장 좋아하는 예술가는 Caravaggio입니다. 그녀의 꿈은 예술의 치유력을 발견하는 것입니다.

데니스 체르노프

Denis Chernov는 1978년 우크라이나 Lviv 지역 Sambir에서 태어난 재능 있는 우크라이나 예술가입니다. 1998년 Kharkov Art College를 졸업한 후 그는 현재 Kharkov에 머물며 작업하고 있습니다. 그는 또한 Kharkov State Academy of Design and Arts, 그래픽과에서 공부했으며 2004년에 졸업했습니다.

그는 미술 전시회에 정기적으로 참여하고 있으며 현재 우크라이나와 해외에서 60회가 넘는 전시회가 열리고 있습니다. Denis Chernov의 작품 대부분은 우크라이나, 러시아, 이탈리아, 영국, 스페인, 그리스, 프랑스, ​​미국, 캐나다 및 일본의 개인 소장품으로 보관됩니다. 작품 중 일부는 Christie 's에서 판매되었습니다.

Denis는 다양한 그래픽 및 페인팅 기법을 사용합니다. 연필 그림은 그가 가장 좋아하는 그림 방법 중 하나이며 연필 그림의 주제 목록도 매우 다양하며 풍경, 초상화, 누드, 장르 구성, 책 삽화, 문학 및 역사적 재구성 및 환상을 그립니다.