Didžiausi Ukiyo-e menininkai. Hokusai – Japonijos pasaulis Šiuolaikinių japonų menininkų vyras ir žmona

Japonijos menas apskritai ir japonų tapyba ypač daugeliui vakariečių atrodo sudėtingi ir neaiškūs, kaip ir Rytų kultūra apskritai. Be to, retai kas skiria japonų tapybos stilius. Bet kultūringam žmogui, ypač jei jis yra grožio žinovas, būtų gerai suprasti šią temą.

Japonijos kultūra ir tapyba senovėje

Ankstyvosios Džomonų kultūros (apie 7000 m. pr. Kr.) atstovai užsiėmė molinių, daugiausia moterų, figūrėlių gamyba. Vėlesniu laikotarpiu atvykėliai pradėjo gaminti varinius ginklus, bronzinius varpus su schematiškai nupieštais figūromis, primityvią keramiką. Senovinių kapų sienų tapyba ir kontūriniai vaizdai ant varpų laikomi ankstyviausiais japonų tapybos pavyzdžiais.

Budizmo ir kinų kultūros įtaka

Vaizduojamojo meno raida Japonijoje gavo rimtą postūmį, kai iš Korėjos ir Kinijos į Japonijos teritoriją atėjo budizmas. Valdžios žmonės ypač domėjosi budizmu. 7-9 amžių tapyba beveik visiškai nukopijavo kinų vizualinę tradiciją, pagrindiniai to meto objektai buvo Buda, viskas, kas su juo susiję, ir scenos iš budistų dievybių. 10 amžiuje japonų tapybai didelę įtaką padarė grynosios žemės budizmo mokykla.

VI-VII amžiuje visoje Japonijoje pradėtos statyti šventyklos ir vienuolynai, kuriems reikėjo ypatingos teminės puošybos. Šventyklos sienų tapyba yra vienas iš pradinių Japonijos vaizduojamojo meno raidos etapų. Ryškūs šventyklų tapybos pavyzdžiai yra freskos Asuka-dera, Shitenoji ir Horyuji šventyklose. Vieni iškiliausių to meto darbų yra Horyuji šventyklos auksinėje salėje. Be sienų tapybos, šventyklose buvo įrengtos Budos ir kitų dievybių statulos.

Hainano laikotarpio viduryje kinų tapybos mokyklą Japonijoje pakeitė savas stilius, vadinamas Yamato-e. Paveikslai Yamato-e stiliumi dekoruoti sulankstomi ekranai ir stumdomos durys, kaip taisyklė, pagrindinė Yamato-e tema buvo Kiotas ir miesto gyvenimo scenos. Kraštovaizdžio lapai ir iliustracijos ant ritinių (emaki), kaip pagrindiniai tapybos formatai, pasirodė beveik kartu su Yamato-e. Žymiausius emaki stiliaus kūrinius galima pamatyti japonų epe „Pasakojimas apie Genji“, kuris datuojamas 1130 m., nors galėjo būti parašytas ir anksčiau.

Pereinant valdžiai iš aristokratijos į samurajus, aristokratai, bijodami prarasti turtus, savo lėšas dažnai investuodavo į meno kūrinius, visais būdais globodami garsius to meto menininkus. Klasikiniai darbo pavyzdžiai, kuriuos aristokratai pasirinko, paprastai buvo sukurti konservatizmo stiliumi. Kamakura laikotarpiu (1185–1333) samurajai pirmenybę teikė realizmui, Japonijos vaizduojamajame mene vyravo šios dvi tendencijos.

XIII amžiuje japonų kultūra buvo gana stipriai paveikta dzenbudizmo. Tapyba tušu buvo plačiai praktikuojama Kamakuros ir Kioto vienuolynuose. Rašalo piešiniai buvo paprasto monochrominio stiliaus, iš esmės tapybos stiliaus, atkeliavusio į Japoniją iš Dainos Kinijos (960–1279) ir juanių (1279–1368) imperijų. 1400 m. pabaigoje ypač išpopuliarėjo vienspalviai rašalo paveikslai, vadinami shibokuga.

Edo laikotarpio tapyba

1600 metais į valdžią atėjo Tokugavos šogunatas, šalyje viešpatavo santykinė tvarka ir stabilumas, ir tai pasireiškė visose gyvenimo srityse – nuo ​​ekonomikos iki politikos. Pirklių klasė pradėjo sparčiai turtėti ir domėtis menu.

1624–1644 m. laikotarpio paveiksluose vaizduojami įvairių Japonijos visuomenės sluoksnių ir dvarų atstovai, besirenkantys viename Kioto rajonų prie Kamogavos upės. Panašios sritys egzistavo ir Osakoje, ir Edo. Tapyboje atsirado atskiras ukiyo-e stilius, kurio temos buvo sutelktos į karštuosius taškus ir kabuki teatrą. ukiyo-e stiliaus kūriniai išpopuliarėjo visoje šalyje iki XVIII amžiaus pradžios, ukiyo-e stilius dažniausiai buvo vaizduojamas medžio raižinių pavidalu. Pirmosios spausdintos šio stiliaus nuotraukos buvo skirtos jausmingoms ir erotinėms temoms ar tekstams. XVIII amžiaus pabaigoje ukiyo-e tapybos veiklos centras persikėlė iš Kioto-Osakos regiono į Edą, kur kabuki aktorių portretai ir Japonijos gražuolių atvaizdai užėmė pagrindinį dėmesį objektų galerijoje.

XVIII amžiaus pabaiga laikoma auksine ukiyo-e stiliaus era. Tuo metu dirbo nuostabi japonų menininkė Torii Kienaga, vaizduodama daugiausia grakščias japoniškas gražuoles ir aktus. Po 1790 m. meno scenoje ėmė ryškėti naujos tendencijos ir menininkai, tarp kurių garsiausi buvo Kitagawa Utamaro, Katsuhika Hokusai, Ando Hiroshige ir Utagawa Kunieshi.

Vakarų meno mokyklos atstovams japoniškasis ukiyo-e stilius tapo ne tik vienu iš egzotiškų tapybos stilių, o tikru įkvėpimo ir tam tikrų detalių pasiskolinimo šaltiniu. Tokie menininkai kaip Edgaras Degas ir Vincentas van Goghas savo darbuose naudojo Ukiyo-e stilistines kompozicijas, perspektyvas ir spalvas. Vakarų mene gamtos tema nebuvo labai populiari, tačiau Japonijoje gamta ir gyvūnai buvo piešiami gana dažnai, o tai savo ruožtu kiek praplėtė Vakarų meistrų tematiką. Prancūzų menininkas ir stiklo meistras Emile'as Galle'as savo vazų dekoravimui panaudojo Hokusai žuvies eskizus.

Imperatoriaus Meiji (1868-1912) ir jo provakarietiškos politikos epochoje ukiyo-e stilius, visada glaudžiai susijęs su liaudies tautine kultūra, gerokai sulėtino jo raidą ir praktiškai žlugo. Japonijos menininkų darbuose atsirado vis daugiau vakarietiškų motyvų, Europos meno stilius padarė didelę įtaką tokių japonų menininkų, kaip Maruyama Okio, Matsumara Goshun ir Ito Yakushu, kūrybai, kurie, nepaisant viso europietiškumo, sumaniai derino japonų tradicijas, Kinijos ir Vakarų tapyba savo darbuose.

Šiuolaikinė japonų tapyba

Meiji laikotarpiu Japonijos kultūra patyrė gana radikalių transformacijų: visur buvo įdiegtos vakarietiškos technologijos, o šis procesas neaplenkė vaizduojamojo meno. Valdžia išsiuntė daug menininkų studijuoti į Europą ir JAV, o kultūroje gana pastebima kova tarp Vakarų inovacijų ir tradicinių japonų stilių. Tai tęsėsi keletą dešimtmečių, o galiausiai Vakarų įtaka Japonijos mene tapo vyraujanti Taisho laikotarpiu (1912-1926).

Hokusai, XVIII amžiaus japonų menininkas, sukūrė svaiginantį meno kūrinių kiekį. Hokusai dirbo iki senatvės, nuolat tvirtindamas, kad „viskas, ką jis darė iki 70 metų, buvo neverta ir neverta dėmesio“.

Bene garsiausias japonų menininkas pasaulyje, jis visada išsiskyrė iš savo bendraamžių domėjimusi kasdieniu gyvenimu. Užuot vaizdavę žavingas geišas ir herojiškus samurajus, Hokusai piešė darbininkus, žvejus ir miesto žanro scenas, kurios dar nebuvo Japonijos meno susidomėjimo objektas. Jis taip pat laikėsi europietiško požiūrio į kompoziciją.

Štai trumpas pagrindinių terminų sąrašas, padėsiantis šiek tiek naršyti Hokusai darbą.

1 Ukiyo-e yra spaudiniai ir paveikslai, populiarūs Japonijoje nuo 1600 iki 1800 m. Japonijos vaizduojamojo meno judėjimas, išsivystęs Edo laikotarpiu. Šis terminas kilęs iš žodžio „ukyo“, kuris reiškia „kintamas pasaulis“. Uikiye yra užuomina į klestinčios pirklių klasės hedonistinius džiaugsmus. Šia kryptimi Hokusai yra garsiausias menininkas.

Hokusai per savo gyvenimą vartojo mažiausiai trisdešimt pseudonimų. Nepaisant to, kad slapyvardžių naudojimas buvo įprasta to meto japonų menininkų praktika, slapyvardžių skaičiumi jis gerokai aplenkė kitus pagrindinius autorius. Hokusai slapyvardžiai dažnai naudojami jo kūrybos etapams periodizuoti.

2 Edo laikotarpis yra laikotarpis nuo 1603 iki 1868 m. Japonijos istorijoje, kai buvo pastebėtas ekonomikos augimas ir naujas susidomėjimas menu bei kultūra.

3 Shunrō yra pirmasis iš Hokusai slapyvardžių.

4 Shunga pažodžiui reiškia "pavasario paveikslas", o "pavasaris" yra japonų slengas, reiškiantis seksą. Taigi, tai erotinio pobūdžio graviūros. Juos kūrė labiausiai gerbiami menininkai, tarp jų ir Hokusai.

5 Surimono. Naujausias „surimono“, kaip buvo vadinami šie pasirinktiniai spaudiniai, sulaukė didžiulės sėkmės. Skirtingai nuo ukiyo-e spaudinių, kurie buvo skirti masinei auditorijai, surimono retai buvo parduodami plačiajai visuomenei.

6 Fuji kalnas yra simetriškas kalnas, kuris yra aukščiausias Japonijoje. Bėgant metams jis įkvėpė daugybę menininkų ir poetų, įskaitant Hokusai, išleidusį ukiyo-e seriją „Trisdešimt šeši Fudžio kalno vaizdai“. Šioje serijoje yra žinomiausi Hokusai spaudiniai.

7 Japonizmas yra ilgalaikė Hokusai įtaka vėlesnėms Vakarų menininkų kartoms. Japonisme yra stilius, įkvėptas ryškių ukiyo-e spaudinių spalvų, perspektyvos trūkumo ir kompozicinių eksperimentų.

Japonų tapyba yra visiškai unikalus pasaulio meno judėjimas. Jis gyvuoja nuo seniausių laikų, tačiau kaip tradicija neprarado savo populiarumo ir gebėjimo nustebinti.

Dėmesys tradicijoms

Rytai – tai ne tik peizažai, kalnai ir kylanti saulė. Tai ir žmonės, sukūrę jo istoriją. Būtent šie žmonės daugelį amžių palaikė japonų tapybos tradiciją, plėtodami ir tobulindami savo meną. Tie, kurie daug prisidėjo prie istorijos, yra japonų menininkai. Jų dėka šiuolaikiniai išlaikė visus tradicinės japonų tapybos kanonus.

Paveikslų atlikimo būdas

Skirtingai nuo Europos, japonų menininkai mieliau piešė grafiką, o ne tapybą. Tokiuose paveiksluose nerasite impresionistams taip būdingų šiurkščių, neatsargių aliejinių potėpių. Kokia grafinė tokio meno kaip japonų medžiai, uolos, gyvūnai ir paukščiai pobūdis – viskas šiuose paveiksluose nupiešta kuo aiškiau, tvirtomis ir pasitikinčiomis tušo linijomis. Visi kompozicijos objektai turi turėti kontūrą. Kontūro viduje užpildymas dažniausiai atliekamas akvarelėmis. Spalva išplaunama, dedama kitų atspalvių, kažkur paliekama popieriaus spalva. Dekoratyvumas kaip tik ir išskiria japonų paveikslus nuo viso pasaulio meno.

Kontrastai tapyboje

Kontrastas yra dar viena būdinga japonų menininkų naudojama technika. Tai gali būti tono, spalvos arba šiltų ir šaltų atspalvių kontrasto skirtumas.

Menininkas griebiasi šios technikos, kai nori išryškinti kokį nors dalyko elementą. Tai gali būti augalo gysla, atskiras žiedlapis arba medžio kamienas danguje. Tada vaizduojama šviesi, apšviesta objekto dalis ir po ja esantis šešėlis (arba atvirkščiai).

Perėjimai ir spalviniai sprendimai

Tapant japoniškus paveikslus dažnai naudojami perėjimai. Jie gali būti skirtingi: pavyzdžiui, nuo vienos spalvos iki kitos. Ant vandens lelijų ir bijūnų žiedlapių galite pastebėti perėjimą nuo šviesaus atspalvio iki sodrios, ryškios spalvos.

Perėjimai taip pat naudojami vandens paviršiaus ir dangaus vaizde. Labai gražiai atrodo sklandus perėjimas nuo saulėlydžio iki tamsios, gilėjančios prieblandos. Piešiant debesis taip pat naudojami perėjimai iš skirtingų atspalvių ir refleksai.

Pagrindiniai japonų tapybos motyvai

Mene viskas yra susieta su realiu gyvenimu, su jame dalyvaujančių žmonių jausmais ir emocijomis. Kaip ir literatūroje, muzikoje ir kitose kūrybos formose, taip ir tapyboje yra keletas amžinų temų. Tai istorinės temos, žmonių ir gamtos vaizdai.

Japonijos peizažai būna įvairių. Dažnai paveiksluose yra tvenkinių vaizdai - mėgstamiausias japonų baldas. Dekoratyvinis tvenkinys, šalia kelios vandens lelijos ir bambukai – taip atrodo tipiškas XVII-XVIII a.

Gyvūnai japonų tapyboje

Gyvūnai taip pat yra dažnai pasikartojantis Azijos tapybos elementas. Tradiciškai tai yra sėlinantis tigras arba naminė katė. Apskritai azijiečiai labai mėgsta, todėl jų atstovai sutinkami visose rytietiško meno formose.

Faunos pasaulis yra kita tema, kuria vadovaujasi japonų tapyba. Paukščiai – gervės, dekoratyvinės papūgos, prabangūs povai, kregždutės, nepastebimi žvirbliai ir net gaidžiai – visa tai randama rytietiškų meistrų piešiniuose.

Žuvys yra ne mažiau aktuali tema japonų menininkams. Koi karpiai yra japoniška auksinės žuvelės versija. Šios būtybės gyvena Azijoje visuose tvenkiniuose, net ir mažuose parkuose bei soduose. Koi karpis yra tam tikra tradicija, kuri priklauso būtent Japonijai. Šios žuvys simbolizuoja kovą, ryžtą ir savo tikslo siekimą. Ne veltui jie vaizduojami plūduriuojantys su srautu, visada su dekoratyviais bangų keterais.

Japonijos paveikslai: žmonių vaizdavimas

Žmonės japonų tapyboje yra ypatinga tema. Menininkai vaizdavo geišas, imperatorius, karius ir vyresniuosius.

Geišos vaizduojamos apsuptos gėlių, visada dėvinčios įmantrius chalatus su daugybe klosčių ir elementų.

Išminčiai vaizduojami sėdintys arba ką nors aiškinantys savo mokiniams. Senojo mokslininko įvaizdis yra Azijos istorijos, kultūros ir filosofijos simbolis.

Karys buvo vaizduojamas kaip baisus, kartais bauginantis. Ilgieji buvo detaliai nupiešti ir atrodė kaip viela.

Paprastai visos šarvų detalės yra išaiškinamos naudojant rašalą. Dažnai nuogus karius puošia tatuiruotės, vaizduojančios rytų drakoną. Tai Japonijos stiprybės ir karinės galios simbolis.

Valdovai buvo vaizduojami imperatoriškoms šeimoms. Gražūs drabužiai ir papuošimai vyriškuose plaukuose yra tai, kuo gausu tokių meno kūrinių.

Peizažai

Tradicinis japonų peizažas – kalnai. Azijos dailininkams pavyko pavaizduoti įvairius peizažus: tą pačią viršūnę jie gali pavaizduoti skirtingomis spalvomis, su skirtinga atmosfera. Vienintelis dalykas, kuris lieka nepakitęs, yra privalomas gėlių buvimas. Dažniausiai kartu su kalnais menininkas vaizduoja kokį nors augalą pirmame plane ir jį detaliai piešia. Gražiai atrodo kalnai ir vyšnių žiedai. Ir jei jie piešia krentančius žiedlapius, paveikslas sukelia susižavėjimą liūdnu grožiu. Paveikslo atmosferos kontrastas yra dar viena nuostabi Japonijos kultūros kokybė.

Hieroglifai

Dažnai paveikslo kompozicija japonų tapyboje derinama su raštu. Hieroglifai išdėstyti taip, kad kompoziciškai atrodytų gražiai. Dažniausiai jie piešiami paveikslo kairėje arba dešinėje. Hieroglifai gali atvaizduoti tai, kas pavaizduota paveiksle, jo pavadinimą arba menininko vardą.

Japonija yra viena turtingiausių šalių istorija ir kultūra. Visame pasaulyje japonai paprastai laikomi pedantiškais žmonėmis, kurie estetiką randa absoliučiai visose gyvenimo apraiškose. Todėl japonų paveikslai visada yra labai harmoningi spalvomis ir tonais: jei yra kokios nors ryškios spalvos purslų, tai tik semantiniuose centruose. Kaip pavyzdį naudodamiesi Azijos menininkų paveikslais, galite studijuoti spalvų teoriją, teisingą formos atvaizdavimą naudojant grafiką ir kompoziciją. Japoniškų paveikslų atlikimo technika yra tokia aukšta, kad gali būti pavyzdžiu dirbant su akvarele ir atliekant grafikos darbų „plovimą“.

Sveiki, mieli skaitytojai – žinių ir tiesos ieškotojai!

Japonijos menininkai turi unikalų stilių, kurį ištobulino ištisos meistrų kartos. Šiandien kalbėsime apie ryškiausius japonų tapybos atstovus ir jų paveikslus, nuo seniausių laikų iki šių dienų.

Na, pasinerkime į Tekančios saulės šalies meną.

Meno gimimas

Senovinis tapybos menas Japonijoje pirmiausia siejamas su rašymo ypatumais, todėl yra pastatytas ant kaligrafijos pagrindų. Pirmuosiuose pavyzdžiuose yra kasinėjimų metu rastų bronzinių varpų fragmentų, indų, namų apyvokos daiktų. Daugelis jų buvo nudažyti natūraliais dažais, o tyrimai leidžia manyti, kad gaminiai buvo pagaminti anksčiau nei 300 m.

Naujas meno raidos etapas prasidėjo atvykus į Japoniją. Budistų panteono dievybių atvaizdai, Mokytojo ir jo pasekėjų gyvenimo scenos buvo pritaikytos emakimono - specialioms popieriaus ritinėlėms.

Religinės temos vyravimą tapyboje galima atsekti viduramžių Japonijoje, būtent nuo 10 iki 15 a. To laikmečio menininkų vardai, deja, iki šių dienų neišliko.

XV-XVIII amžiais prasidėjo naujas laikas, pasižymintis menininkų, turinčių išvystytą individualų stilių, atsiradimu. Jie nubrėžė tolesnio vaizduojamojo meno raidos vektorių.

Ryškūs praeities atstovai

Įtemptas Xubun (XV a. pradžia)

Siekdamas tapti puikiu meistru, Xiubun studijavo Kinijos dainų menininkų rašymo būdus ir jų kūrinius. Vėliau jis tapo vienu iš tapybos įkūrėjų Japonijoje ir sumi-e kūrėju.

Sumi-e yra meno stilius, pagrįstas piešimu rašalu, o tai reiškia vieną spalvą.

Syubunas padarė daug, kad naujasis stilius įsitvirtintų meno sluoksniuose. Jis mokė meno kitus talentus, įskaitant būsimus garsius dailininkus, pavyzdžiui, Sesshu.

Populiariausias Xiubun paveikslas vadinasi „Skaitymas bambukų giraitėje“.

Tense Xubun „Skaitymas bambukų giraitėje“.

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Jis tapo savo vardu pavadintos mokyklos – Hasegawa – kūrėju. Iš pradžių jis bandė vadovautis Kano mokyklos kanonais, tačiau pamažu jo darbuose ėmė atsekti individualią „rašyseną“. Tohaku vadovavosi Sesshu grafika.

Kūrinių pagrindas buvo paprasti, lakoniški, bet tikroviški peizažai paprastais pavadinimais:

• "Pušys";
• "Klevas";
• „Pušys ir žydintys augalai“.

Hasegawa Tohaku „Pušys“.

Broliai Ogata Korin (1658-1716) ir Ogata Kenzan (1663-1743)

Broliai buvo puikūs XVIII amžiaus amatininkai. Vyriausias, Ogata Korin, visiškai atsidavė tapybai ir įkūrė rimpos žanrą. Jis vengė stereotipinių vaizdų, pirmenybę teikė impresionistiniam žanrui.

Ogata Korin piešė gamtą apskritai, o ypač gėles ryškių abstrakcijų pavidalu. Jo teptukai priklauso paveikslams:

• „Slyvų žiedas raudonai baltas“;
• „Matsušimos bangos“;
• "Chrizantemos".

Ogata Korin „Matsušimos bangos“.

Jaunesnysis brolis Ogata Kenzan turėjo daug pseudonimų. Nors vertėsi tapyba, labiau garsėjo kaip nuostabus keramikas.

Ogata Kenzan įvaldė daugybę keramikos kūrimo technikų. Jis išsiskyrė nestandartiniu požiūriu, pavyzdžiui, kūrė kvadrato formos lėkštes.

Jo paties paveikslas nepasižymėjo puošnumu – tai irgi buvo jo ypatumas. Jis mėgo ant savo dirbinių pritaikyti slinktį primenančią kaligrafiją ar poezijos ištraukas. Kartais jie dirbdavo kartu su broliu.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Jis kūrė ukiyo-e stiliumi – savotišką medžio raižinį, kitaip tariant, graviūrinę tapybą. Per visą savo karjerą jis pakeitė apie 30 vardų. Garsiausias jo darbas yra „Didžioji banga prie Kanagavos“, kurio dėka jis išgarsėjo už savo tėvynės ribų.

Hokusai Katsushika „Didžioji banga nuo Kanagavos“.

Ypač daug Hokusai pradėjo dirbti po 60 metų, o tai atnešė gerų rezultatų. Van Goghas, Monet ir Renoir buvo susipažinę su jo darbais ir tam tikru mastu tai turėjo įtakos Europos meistrų darbui.

Ando Hiroshige (1791–1858)

Vienas didžiausių XIX amžiaus menininkų. Jis gimė, gyveno ir dirbo Edo mieste, tęsė Hokusų kūrybą, buvo įkvėptas jo darbų. Tai, kaip jis vaizdavo gamtą, yra beveik toks pat įspūdingas, kaip ir pačių kūrinių skaičius.

Edo yra buvęs Tokijo vardas.

Štai keletas figūrų apie jo kūrybą, kurią vaizduoja paveikslų serija:

• 5,5 tūkst. – visų graviūrų skaičius;
• „100 Edo peržiūrų;
• „36 Fudži vaizdai“;
• „69 Kisokaido stotys“;
• „53 Tokaido stotys“.

Ando Hiroshige paveikslas

Įdomu tai, kad iškilusis Van Gogas nutapė porą savo graviūrų kopijų.

Modernumas

Takashi Murakami

Menininkas, skulptorius, drabužių dizaineris, vardą užsitarnavo jau XX amžiaus pabaigoje. Savo darbe jis seka mados tendencijas su klasikiniais elementais, o įkvėpimo semiasi iš animacinių filmų ir mangų.

Takashi Murakami paveikslas

Takashi Murakami darbai laikomi subkultūra, tačiau tuo pat metu jie yra neįtikėtinai populiarūs. Pavyzdžiui, 2008 metais vienas jo darbų aukcione buvo nupirktas už daugiau nei 15 mln. Vienu metu šiuolaikinė kūrėja dirbo kartu su mados namais Marc Jacobs ir Louis Vuitton.

Tyli Ašima

Ankstesnės menininkės kolegė kuria modernius siurrealistinius paveikslus. Juose vaizduojami miestų vaizdai, megapolių gatvės ir būtybės tarsi iš kitos visatos – vaiduokliai, piktosios dvasios, svetimos merginos. Paveikslų fone dažnai galima pastebėti nesugadintą, kartais net bauginančią gamtą.

Jos paveikslai pasiekia didelius dydžius ir retai apsiriboja popierine laikmena. Jie perkeliami į odos ir plastiko medžiagas.

2006 m., Didžiosios Britanijos sostinėje vykusioje parodoje, moteris sukūrė apie 20 arkinių konstrukcijų, atspindinčių kaimo ir miesto gamtos grožį dieną ir naktį. Vienas iš jų papuošė metro stotį.

Sveiki, Arakawa

Jaunuolio negalima vadinti tiesiog menininku klasikine šio žodžio prasme – jis kuria XXI amžiaus mene taip populiarias instaliacijas. Jo parodų temos tikrai japoniškos ir liečia draugiškus santykius bei komandinį darbą.

Hei Arakawa dažnai dalyvauja įvairiose bienalėse, pavyzdžiui, Venecijoje, eksponuoja savo tėvynės Modernaus meno muziejuje, pelnytai gauna įvairius apdovanojimus.

Ikenaga Yasunari

Šiuolaikinė tapytoja Ikenaga Yasunari sugebėjo sujungti du iš pažiūros nesuderinamus dalykus: šiuolaikinių merginų gyvenimą portretine forma ir tradicines japonų technikas nuo seniausių laikų. Savo kūryboje tapytojas naudoja specialius teptukus, natūralius pigmentinius dažus, rašalą, anglį. Vietoj įprasto lino – lininis audinys.

Ikenaga Yasunari paveikslas

Tokia vaizduojamos eros ir herojių išvaizdos kontrastavimo technika sukuria įspūdį, kad jos sugrįžo pas mus iš praeities.

Paveikslų seriją apie krokodilo gyvenimo sudėtingumą, neseniai išpopuliarėjusią interneto bendruomenėje, taip pat sukūrė japonų karikatūristas Keigo.

Išvada

Taigi, japonų tapyba prasidėjo maždaug III amžiuje prieš Kristų ir nuo to laiko labai pasikeitė. Pirmieji atvaizdai pritaikyti keramikai, vėliau dailėje ėmė vyrauti budistiniai motyvai, tačiau autorių pavardės neišliko iki šių dienų.

Šiuolaikinėje eroje teptuko meistrai įgavo vis daugiau individualumo, kūrė skirtingas kryptis ir mokyklas. Šių dienų vaizduojamoji dailė neapsiriboja tradicine tapyba – naudojamos instaliacijos, karikatūros, meninės skulptūros, specialios konstrukcijos.

Labai ačiū už dėmesį, mieli skaitytojai! Tikimės, kad mūsų straipsnis jums buvo naudingas, o pasakojimai apie ryškiausių meno atstovų gyvenimą ir kūrybą leido juos geriau pažinti.

Žinoma, sunku viename straipsnyje kalbėti apie visus menininkus nuo antikos iki šių dienų. Todėl tegul tai yra pirmasis žingsnis siekiant suprasti japonų tapybą.

Ir prisijunk prie mūsų – užsiprenumeruok tinklaraštį – kartu studijuosime budizmą ir Rytų kultūrą!

Menas ir dizainas

3356

01.02.18 09:02

Šiandienos meno scena Japonijoje labai įvairi ir provokuojanti: žiūrėdami į Tekančios saulės šalies meistrų darbus, pamanysite, kad atvykote į kitą planetą! Namas novatorių, pakeitusių pramonės kraštovaizdį pasauliniu mastu. Pateikiame 10 šiuolaikinių japonų menininkų ir jų kūrinių sąrašą – nuo ​​neįtikėtinų Takashi Murakami (šiandien švenčiančio savo gimtadienį) būtybių iki spalvingos Kusamos visatos.

Nuo futuristinių pasaulių iki punktyrinių žvaigždynų: šiuolaikiniai japonų menininkai

Takashi Murakami: tradicionalistas ir klasikas

Pradėkime nuo progos herojaus! Takashi Murakami yra vienas žymiausių Japonijos šiuolaikinių menininkų, kuriantis paveikslus, didelio masto skulptūras ir madingus drabužius. Murakami stiliui įtakos turi manga ir anime. Jis yra judėjimo „Superflat“, remiančio Japonijos meno tradicijas ir šalies pokario kultūrą, įkūrėjas. Murakami paaukštino daugelį savo bendraamžių, su kai kuriais iš jų sutiksime ir šiandien. „Subkultūriniai“ Takashi Murakami darbai pristatomi mados ir meno meno rinkose. Jo provokuojantis filmas „My Lonesome Cowboy“ (1998) 2008 m. buvo parduotas Niujorko „Sotheby's“ už rekordinę 15,2 mln. Murakami bendradarbiavo su visame pasaulyje žinomais prekių ženklais Marc Jacobs, Louis Vuitton ir Issey Miyake.

Tyliai Ashima ir jos siurrealistinė visata

Meno gamybos įmonės „Kaikai Kiki“ ir judėjimo „Superflat“ (abu įkūrė Takashi Murakami) narė Chicho Ashima yra žinoma dėl savo fantastiškų miesto peizažų ir keistų pop kūrinių. Menininkas kuria siurrealistines svajones, kuriose gyvena demonai, vaiduokliai, jaunos gražuolės, vaizduojamos svetimos gamtos fone. Jos darbai dažniausiai yra didelės apimties ir spausdinami ant popieriaus, odos ir plastiko. 2006 m. šis šiuolaikinis japonų menininkas dalyvavo Londono parodoje „Art on the Underground“. Ji platformai sukūrė 17 iš eilės einančių arkų – stebuklingas kraštovaizdis pamažu virto iš dienos į naktinį, iš miesto į kaimą. Šis stebuklas pražydo Gloucester Road metro stotyje.

Chiharu Shima ir nesibaigiančios gijos

Kitas menininkas Chiharu Shiota kuria didelio masto vizualines instaliacijas tam tikriems orientyrams. Ji gimė Osakoje, bet dabar gyvena Vokietijoje – Berlyne. Pagrindinės jos kūrybos temos – užmarštis ir atmintis, sapnai ir realybė, praeitis ir dabartis, taip pat nerimo akistata. Žymiausi Chiharu Shiota kūriniai – nepramušami juodų siūlų tinklai, kurie apgaubia įvairius kasdienius ir asmeninius daiktus, tokius kaip senos kėdės, vestuvinė suknelė, apdegęs pianinas. 2014 metų vasarą Shiota surišo dovanotus batus ir batus (kurių buvo daugiau nei 300) raudonų siūlų sruogomis ir pakabino ant kabliukų. Pirmoji Chiharu paroda Vokietijos sostinėje įvyko Berlyno meno savaitės metu 2016 metais ir sukėlė sensaciją.

Ei, Arakawa: visur, niekur

Hei Arakawa įkvėpė pokyčių būsenos, nestabilumo laikotarpiai, rizikos elementai, o jo instaliacijos dažnai simbolizuoja draugystės ir komandinio darbo temas. Šiuolaikinio japonų menininko credo apibrėžiamas performatyviu, neapibrėžtu „visur, bet niekur“. Jo kūryba pasirodo netikėtose vietose. 2013 metais Arakavos darbai buvo eksponuojami Venecijos bienalėje ir Japonijos šiuolaikinio meno parodoje Mori meno muziejuje (Tokijas). Instaliacija „Hawaiian Presence“ (2014 m.) buvo sukurta bendradarbiaujant su Niujorko menininke Carissa Rodriguez ir įtraukta į Whitney bienalę. Taip pat 2014 m. Arakawa ir jo brolis Tomu, koncertuodami kaip duetas „United Brothers“, „Frieze London“ lankytojams pasiūlė savo „kūrinį“ „The This Soup Taste Ambivalent“ su „radioaktyviomis“ Fukušimos daikono šakninėmis daržovėmis.

Koki Tanaka: santykiai ir pasikartojimai

2015 metais Koki Tanaka buvo pripažinta „Metų menininku“. Tanaka tyrinėja bendrą kūrybiškumo ir vaizduotės patirtį, skatina projekto dalyvių mainus ir pasisako už naujas bendradarbiavimo taisykles. Jo instaliaciją Japonijos paviljone 2013 m. Venecijos bienalėje sudarė vaizdo įrašai apie objektus, kurie pavertė erdvę meninių mainų platforma. Kokio Tanakos (nepainioti su bendrapavarde aktoriumi) instaliacijos iliustruoja objektų ir veiksmų santykį, pavyzdžiui, vaizdo įraše užfiksuoti paprasti gestai, atliekami įprastais daiktais (peiliu pjaustomas daržoves, alus pilamas į taurę). , atidarant skėtį). Nieko reikšmingo neįvyksta, tačiau įkyrus kartojimas ir dėmesys smulkiausioms smulkmenoms priverčia žiūrovą įvertinti kasdienybę.

Mariko Mori ir supaprastintos formos

Kita šiuolaikinė japonų menininkė Mariko Mori „užburia“ multimedijos objektus, derindama vaizdo įrašus, nuotraukas ir objektus. Jai būdingas minimalistinis futuristinis matymas ir aptakios siurrealistinės formos. Mori kūryboje pasikartojanti tema – Vakarų legendos sugretinimas su Vakarų kultūra. 2010 m. Mariko įkūrė ne pelno siekiančią švietimo kultūros organizaciją „Fau Foundation“, kuriai sukūrė meno instaliacijų seriją, pagerbdama šešis apgyvendintus žemynus. Visai neseniai Fondo nuolatinė instaliacija „Žiedas: vienas su gamta“ buvo pastatyta virš vaizdingo krioklio Resende netoli Rio de Žaneiro.

Ryoji Ikeda: garso ir vaizdo sintezė

Ryoji Ikeda yra naujosios medijos menininkas ir kompozitorius, kurio kūryba daugiausia susijusi su garsu įvairiomis „neapdorotomis“ būsenomis, nuo sinusinių bangų iki triukšmo, naudojant dažnius žmogaus klausos pakraščiuose. Jo įtraukiančiose instaliacijose yra kompiuterio generuojami garsai, kurie vizualiai paverčiami vaizdo projekcijomis arba skaitmeniniais raštais. Ikeda audiovizualinis menas naudoja mastelį, šviesą, šešėlį, garsumą, elektroninius garsus ir ritmą. Garsioji menininko bandymų įstaiga susideda iš penkių projektorių, kurie apšviečia 28 metrų ilgio ir 8 metrų pločio plotą. Sąranka konvertuoja duomenis (tekstą, garsus, nuotraukas ir filmus) į brūkšninius kodus ir dvejetainius vienetų ir nulių modelius.

Tatsuo Miyajima ir LED skaitikliai

Šiuolaikinis japonų skulptorius ir instaliacijų menininkas Tatsuo Miyajima savo mene naudoja elektros grandines, vaizdo įrašus, kompiuterius ir kitus įtaisus. Pagrindinės Miyajimos koncepcijos yra įkvėptos humanistinių idėjų ir budizmo mokymų. Šviesos diodų skaitikliai jo instaliacijose nuolat mirksi nuo 1 iki 9, simbolizuojantys kelionę iš gyvenimo į mirtį, tačiau vengiant baigtumo, kurį reiškia 0 (nulis Tatsuo kūryboje niekada nerodomas). Visur esantys skaičiai tinklelyje, bokštuose ir diagramose išreiškia Miyajimos susidomėjimą tęstinumo, amžinybės, ryšio ir laiko bei erdvės tėkmės idėjomis. Neseniai Miyajimos „Laiko strėlė“ buvo parodyta inauguracinėje parodoje „Nebaigtos mintys, matomos Niujorke“.

Nara Yoshimoto ir blogi vaikai

Nara Yoshimoto kuria paveikslus, skulptūras ir piešinius su vaikais ir šunimis – temomis, kurios atspindi vaikystės nuobodulio ir nusivylimo jausmus bei nuožmią savarankiškumą, būdingą mažiems vaikams. Yoshimoto kūrybos estetika primena tradicines knygų iliustracijas, nerimstančios įtampos ir menininko meilės pankrokui mišinys. 2011 m. Azijos draugijos muziejuje Niujorke buvo surengta pirmoji Yoshimoto personalinė paroda „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, apimanti 20 metų trukusią šiuolaikinio japonų menininko karjerą. Eksponatai buvo glaudžiai susiję su pasaulinėmis jaunimo subkultūromis ir jų susvetimėjimu protestas.

Yayoi Kusama ir erdvė, auganti į keistas formas

Nuostabi Yayoi Kusamos kūrybinė biografija trunka septynis dešimtmečius. Per šį laiką nuostabioji japonė spėjo studijuoti tapybos, grafikos, koliažo, skulptūros, kino, graviūros, aplinkos meno, instaliacijos, taip pat literatūros, mados ir drabužių dizaino sritis. Kusama sukūrė labai savitą taškinio meno stilių, kuris tapo jos prekės ženklu. Iliuzinės vizijos, vaizduojamos 88 metų Kusamos kūryboje, kai pasaulis, atrodo, padengtas išsibarsčiusiomis, keistomis formomis, yra haliucinacijų, kurias ji patyrė nuo vaikystės, rezultatas. Patalpos su spalvingais taškais ir „begalybės“ veidrodžiais, atspindinčiais jų grupes, yra atpažįstami ir nesupainiojami su niekuo kitu.