Chardin Jean Baptiste bilder og biografi. Chardin, Jean Baptiste Simeon Maleteknikk og nye emner

Jean-Baptiste Lamarck (1744-1829) naturforsker, introduserte begrepet "biologi" I alt som naturen jobber med, gjør den ingenting

Pierre Teilhard de Chardin (1881-1955), filosof, teolog Willy-nilly, mennesket kommer igjen til seg selv og i alt det ser, betrakter det seg selv.Det er ingen fremtid for mennesket, forventet som et resultat av evolusjon, utenfor hans forening med andre mennesker.Vi kjenner oss selv og

Teilhard de Chardin Pierre (1881-1955) - fransk naturforsker, medlem av jesuittordenen (1899), prest (siden 1911), tenker og mystiker. En etterkommer av Voltaire, som var grandonkelen til T.s mor.Forfatteren av begrepet "kristen evolusjonisme". Professor ved Institutt for geologi

Jean Baptiste Simeon Chardin - stor fransk kunstner på 1700-tallet. Han ble mest kjent som en uovertruffen mester i stilleben og sjangermaleri. Arbeidet til Chardin hadde stor innflytelse på blomstringen av realismen på 1700-tallet.

Den franske maleren Jean Baptiste Simeon Chardin ble født i 1699. Han bodde hele livet i Paris, i Saint-Germain-des-Pres-kvarteret. Kunstnerens lærere var Pierre Jacques Kaz (1676-1754) og Noel Nicolas Coypel (1690-1734). Han ble berømt etter «Debutantutstillingen» i 1728, hvor han presenterte flere av maleriene sine. Senere ble han tatt opp på akademiet som "en maler av blomster, frukt og sjangerscener." Kunstnerens samtidige, så vel som kjennere av maleri i de påfølgende årene, har alltid beundret Chardins evne til å se essensen av gjenstander og formidle hele spekteret av farger og nyanser. Denne egenskapen til kunstneren tillot ham å lage uvanlig realistiske og dype lerreter. Maleriene hans er preget av emosjonell subtilitet, utdyping av detaljer, klarhet i bildet, harmoni og fargerik. Hovedpersonene i portrettene hans er vanlige mennesker i tredje stand, som er opptatt med hverdagslige anliggender.

I 1728 ble Jean-Baptiste Siméon Chardin tatt opp til Paris Academy of Arts. Fra 1737 var han fast deltaker i Paris Salons. I 1743 ble han rådgiver for Kunstakademiet, og i 1750 kasserer ved Akademiet. Siden 1765 var han medlem av Rouen Academy of Sciences, Literature and Fine Arts. Den store franske kunstneren døde 6. desember 1779. Etter seg selv etterlot Jean Baptiste Simeon Chardin en rik arv. Maleriene hans er på store museer over hele verden, inkludert i St. Petersburg.

Er du en blomsterhandler eller en profesjonell blomsterhandler? Alt nødvendig tilbehør for arbeidet ditt kan du. Stort og variert utvalg av kvalitetsprodukter.

Jean Baptiste Siméon Chardin malerier med titler

selvportrett

Kunstens attributter og prisene som tilsvarer dem

Buffet

Guvernante

Jente som renser grønnsaker

Jente med racket og fjerbolle

Kanariøyene

House of Cards II

Sexgutt i kjelleren

Bønn før middag

Boble

Stilleben med kunstens attributter

Stilleben med druer og granatepler

Stilleben med vilt og jakthund

Vaskedame

kjøpmann

Omsorgsfull tjener

Tegner

Sølv terrin

sølvbeger

hardtarbeidende mor

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - Fransk maler, en av de mest kjente kunstnerne på 1800-tallet og en av de beste koloristene i maleriets historie, kjent for sitt arbeid innen stilleben og sjangermaleri.

Biografi om Jean Baptiste Siméon Chardin

En student av Pierre-Jacques Caza og Noel Coypel, Chardin ble født og tilbrakte hele livet i det parisiske kvarteret Saint-Germain-des-Pres. Det er ingen bevis for at han noen gang reiste utenfor den franske hovedstaden. Ved å hjelpe Kuapel med å fremføre tilbehør i maleriene sine, skaffet han seg en ekstraordinær kunst å skildre livløse gjenstander av alle slag og bestemte seg for å vie seg eksklusivt til deres reproduksjon.

Kreativitet Chardin

Han ble tidlig kjent for den parisiske offentligheten som en utmerket mester i stilleben. Dette var i stor grad på grunn av Paris "debutanteutstilling", som fant sted på Place Dauphine. Så i 1728 presenterte han flere lerreter der, blant annet stillebenet "Scat". Maleriet imponerte Nicolas de Largillière, et æresmedlem av det franske akademiet for maleri og skulptur, så mye at han inviterte den unge kunstneren til å stille ut verkene sine innenfor akademiets vegger.

Deretter insisterte maleren på at Chardin skulle konkurrere om en plass ved akademiet. Allerede i september ble hans kandidatur akseptert, og han ble oppført som «en skildring av blomster, frukt og sjangerscener».

Med perfekt mestring av kunnskapen om fargeforhold, følte Chardin subtilt sammenkoblingen av objekter og originaliteten til strukturen deres.

Diderot beundret dyktigheten som kunstneren får deg til å føle bevegelsen av juice under huden på frukten. I fargen på objektet så Chardin mange nyanser og formidlet dem med små strøk. Den hvite fargen er vevd av lignende nyanser. Grå- og bruntonene som Chardin eide er uvanlig mange. Lysstrålene trenger gjennom lerretet og gir motivet klarhet og klarhet.

Sjangermaleriene, preget av sin naive enkelhet i innholdet, fargenes styrke og harmoni, penselens mykhet og rikdom, enda mer enn Chardins tidligere verk, fremførte ham fra en rekke samtidskunstnere og styrket en av hans fremtredende steder i fransk maleris historie. I 1728 ble han tildelt kunstakademiet i Paris, i 1743 ble han valgt til dets rådgivere, i 1750 overtok han stillingen som dets kasserer; i tillegg var han siden 1765 medlem av Rouen Academy of Sciences, Literature and Fine Arts.

I verk av forskjellige år og forskjellige sjangre, som Laundress (1737), Jar of Olives (1760) eller Attributes of the Arts (1766), forblir Chardin alltid en utmerket tegner og kolorist, en kunstner av et "stille liv", en dikterhverdagen; hans blikk og ømme blikk åndeliggjør de mest verdslige gjenstander.

I de siste årene av sitt liv vendte Chardin seg til pasteller og skapte flere praktfulle portretter (selvportrett, 1775), der han viste sin iboende emosjonelle subtilitet, men også evnen til psykologisk analyse.

Encyklopedister gjorde mye for å spre berømmelsen til Chardin, som kontrasterte hans "borgerlige" kunst med hoffkunstnere "revet vekk fra folket" - mestere av erotiske og pastorale vignetter i rokokkoens ånd.

Diderot sammenlignet sin ferdighet med hekseri:

«Å, Chardin, det er ikke de hvite, røde og svarte malingene du sliper på paletten din, men selve essensen av gjenstander; du tar luft og lys på tuppen av børsten din og legger dem på lerretet!»

Kunstnerens arbeid

• Fru Chardin
• Kok rengjøringsneper
• Vaskedamer
• kortlås
• Bønn før middag
• jente som leser et brev
• Kunstattributter
• Stilleben med en kalkun
• Stilleben med frukt
• Stilleben
• Vanntank i kobber
• hardtarbeidende mor

I spissen for Chardin gikk en galakse av mestere inn i kunsten på 1700-tallet, og motarbeidet en oppriktig og enkel historie om naturen til det seremonielle rokokkomaleriet. Chardin var ikke bare skaperen av stillebenene og hverdagsscenene som glorifiserte ham, men også en av grunnleggerne av det nye portrettkonseptet i europeisk maleri av opplysningstiden. Han var en av de første franske kunstnerne som vendte seg mot sjangertypen portrett, som var et viktig stadium i utviklingen av 1700-tallets maleri, akkurat som den realistiske hverdagssjangeren.

Chardins verk, som er stoltheten til europeiske og amerikanske museer, fengsler med naturens spesielle naturlige enkelhet, varmen og menneskeligheten som den formidles med av kunstneren. Ordene til Chardin, sa til en av hans samtidige: "Hvem fortalte deg at de maler med maling? De bruker farger, men skriver med følelse", avslører hans dype følelsesmessige forståelse av bildet (person eller objekt). Takket være dette blir betrakteren trukket inn i natursynssfæren av kunstneren, inspirert av følelsene hans. Som ingen andre var Chardin i stand til å uttrykke opplysningstidens økte følsomhet i evnen til å finne finesser i de mest generelle tingene. Han var en mester i sin tid, hvis motto var Denis Diderots ord om at man skulle «se inn i virkeligheten og ikke prøve å dekorere den».

Kunstnerens far var snekkermester, og Chardin ble oppvokst i et halvkunstnerisk, semi-kunstnerisk miljø. Mens han studerte i studioene til kjente malere (hvor han kanskje bare var en assistent), P.Zh. Casa, N.N. Kuapel, J.B. Vanloo Chardin ble lagt merke til og invitert til å delta i restaureringen av veggmaleriene til det kongelige palasset i Fontainebleau under ledelse av Vanloo. Nesten samtidig malte han et skilt bestilt av en parisisk kirurg, som avbildet en mengde gatetilskuere som sto rundt den sårede mannen. Sjangerscenen med sin morsomhet tiltrakk publikum som så den på utstillingen. Chardins to tidlige stilleben, Skate and Buffet (begge 1728, Paris, Louvre), ble også bemerket, som han ble akseptert som medlem av Paris Royal Academy of Arts i 1728. I begge maleriene formidles skjønnheten i enkle ting poetisk - fisk og kjøkkenredskaper forsølvet mot en grønnaktig bakgrunn, og fat av mørkt glass som står på en hvit duk omgitt av spredte frukter. Et element av underholdning introduseres av en katt som forfølger fisken og en hund som bjeffer ved bordet med retter, som i maleriene til de flamske og nederlandske mesterne. Men i motsetning til de barokke stillebenene til disse nordlige kunstnerne, ser Chardins natur ikke så imponerende og fordelaktig tilrettelagt ut. Selvfølgelig tenkte kunstneren dypt ut hver nyanse i arrangementet, og hvert stilleben av Chardin får deg til å føle hans spesielle gave i betydningen verdens objektivitet.

Kunstneren tilbrakte hele livet i Paris, uten å forlate noe sted. I 1724 mottok han ærestittelen medlem av St. Lukas romerske akademi. På dette tidspunktet var han allerede kjent som en mester i stilleben. I 1731 giftet Chardin seg med Françoise Marguerite Saintard, og samme år ble sønnen hans født. Han bodde i Paris, og foretrakk å skildre folk fra sin krets, likte ikke å lage verk på offisielle ordre, selv om Frederick II, Catherine II, Gustav III og mange representanter for det strålende europeiske aristokratiet søkte å ha verkene hans. Fra 1730-årene vendte Chardin seg til å male hverdagsscener og sjangerportretter, og skapte mange av sine beste lerreter i perioden 1730-1740: Return from the Market (1739, Paris, Louvre), The Governess (1738, Ottawa , National Gallery), "The Cook (Woman Peeling Vegetables)" (1738, Washington, National Gallery of Art), "Hardworking Mother", "Prayer Before Dinner" (begge - 1740, Paris, Louvre). Chardin gikk alltid til dem fra bildet av et virkelig motiv, og ga det betydning, ledet en rolig historie om en hverdagslig begivenhet, om gjenstander relatert til en persons miljø. Kunstnerens interesse for verkene til de nederlandske mestrene på 1600-tallet var naturlig i jakten på en livlig og naturlig tolkning av naturen. Chardin gjentok ofte disse scenene som skildrer mødre som oppdrar barn eller gjør husarbeid, så mange museer og private samlinger har versjoner av disse maleriene. Når det gjelder å gi sannhet til scenene, er interiørets rolle stor. Penselen til mesteren av stilleben malte grønnsaker, tallerkener på bordet, gjenstander spredt i gangen. De forteller om levemåten til vanlige borgere, folk av den tredje eiendommen, som kunstneren selv tilhørte. I motsetning til de lyse lysende fargene til de nederlandske sjangermalerne, gir de brune, grønne, blå og hvite fargene som råder i Chardins lerreter en diskret farge.

Alvorlig konsentrasjon i å gjøre noe (lese, spille kort eller gå på skole, blåse såpebobler, tegne, skrive et brev) er også oppfordret til å fremheve objektene rundt modellen i sjangerportretter ("House of Cards", 1741, "Young Teacher", ca. 1740, begge - Washington, National Gallery of Art; "Boy with a Spinning Top" (1738, Paris, Louvre), Chardin var spesielt glad i å skildre barn, i hvis bilder han ble tiltrukket av indre livlighet og spontanitet. Hans hyppige modeller var sønnene til gullsmeden Godefroy - Jr Auguste-Gabriel, fanget i maleriet "Boy with a Spinning Top", og ti år gamle Charles ("Portrait of Charles Godefroy", 1738, Paris, Louvre). Chardin er ikke fengslet av avsløringen av et flyktig uttrykk for følelser eller den psykologiske kompleksiteten til et barns bilde, men av en historie om en person i hans miljø. Og hvert barns portrett skapt av kunstneren er så å si et fragment av en hverdagsscene. Alt dette gir Chardins barnebilder en stor lyrisk sjarm.

Siden 1737 har kunstneren blitt en fast deltaker i de parisiske salongene, som gjenåpnet etter en lang pause. Marchands og kritikere liker verkene hans, de er ofte gjengitt i gravering av kjente mestere. Diderot, som legger merke til originaliteten til arbeidet hans, skriver entusiastisk: "Chardin er en intelligent kunstner som er perfekt i stand til å snakke om kunsten sin"; "Det er den som vet hvordan man skaper harmoni av farger og chiaroscuro!" – utbryter han beundrende om fargen til Chardin.

Malerferdighetene til kunstneren forbedres med årene. Den melodiske, enhetlige klangen av blomster i slike mesterverk av Chardin som «Still Life with a Pipe» (1737, Paris, Louvre) eller «Cut Melon» (1760, Paris, privat samling) er slående i sin mykhet og variasjon. Han komponerer sine rolige, balanserte komposisjoner i stilleben fra kjøkkengjenstander, dødt vilt, frukt, musikkinstrumenter, attributter til maleri, skulptur, arkitektur og vitenskap. Utvalget av gjenstander i hvert lerret bestemmes av koloristiske oppgaver, men i tillegg til dette har det alltid en dyp indre mening, som på samme måte poetiserer verden av enkle hverdagsaktiviteter, som "kjøkken" stilleben, eller gir ting en allegorisk lyd, i deres historie om de intellektuelle tilbøyelighetene til en person. århundre av opplysningstiden (Attributes of Science, 1731, Paris, Jacquemart-André Museum). Skjønnheten i de grasiøse formene til hvert objekt fremheves i lerretet med et utsøkt utvalg av ting Stilleben med pipe. En åpen tobakksboks med en pipe lent mot seg, en hvit keramikkmugge og en kopp som absorberte mange fargerefleksjoner forteller om moten og livet i tiden da røyking av utenlandsk tobakk var en skikk i europeiske land.

Idealene fra opplysningstankens æra ble uttrykt av kunstneren i lerreter med temaet "Stilleben med kunstattributter", varianter av disse tilhører Louvre, Jacquemart-André-museet, Eremitasjen, Statens museum for kunst. . SOM. Pushkin. Hermitage-lerretet (1766) ble henrettet av Chardin på ordre fra Catherine II for Kunstakademiet, men ble værende i leilighetene til keiserinnen. Den emosjonelle uttrykksevnen til fargen på stillebenet ble notert av Diderot, som skrev: "Hvor rosenkrans massene! Hvordan en ting gjenspeiles i en annen! Du vet ikke nøyaktig hva sjarmen ligger i, fordi den er sølt overalt ... "I en klar rytme arrangerte kunstneren gjenstandene sine - en figur av Mercury, en mappe med tegninger, en boks for maling og en palett, ruller med tegninger og en forberedelse, bøker. På en varm rødbrun tone er undermaleriet malt i relieff med tette strøk av alle disse gjenstandene, opplyst av mykt lys. Utvalget av gjenstander, inkludert ordenskorset til St. Mikael på båndet og medaljen som et symbol på kunstnerens fortjenstfulle arbeid, som i alle opplysningstidens allegorier, forteller uten kompleksitet om kunstnerens yrke, om hans spesielle nye frie status gitt ham etter tid.

Det siste tiåret av kunstnerens arbeid ble overskygget av hans avgang ved akademiet, svekket syn og mindre oppmerksomhet fra publikum. Imidlertid ble verkene som ble opprettet i denne perioden fremragende verk av fransk maleri på 1700-tallet. Chardin går over til pastell, og lager ekte mesterverk i denne teknikken - Selvportrett med et grønt visir (1775, Paris, Louvre) og Portrait of a Wife (1776, Chicago, Art Institute). Diderot taler også med beundring om sitt pastellfargede "Selvportrett" fra 1771 (Paris, Louvre) og, i et ønske om å støtte den aldrende kunstneren, skriver han om tingene som ble vist i Salongen fra 1771: "Alle den samme selvsikre hånden og de samme øynene , vant til å se naturen". Senere portretter markerte et nytt stadium ikke bare i hans kunst, men også i europeiske portretter på 1700-tallet. Sjangermotiver er nå utelukket av kunstneren. Han vender seg til en ny form for kammerportrett, og erstatter den lyriske fortellingen om en mann av tredje stand med en dypere generalisering. I bildet av Marguerite, kunstnerens kone, avsløres karakteren til en kvinne hvis liv ble tilbrakt i angst og bekymring for sine naboer. En sateng morgenkåpe og en klosset passende hette forringer ikke det edle utseendet til en vakker kvinne i fortiden.

Kunstneren presenterte seg også i hjemmeklær i Selvportrett med grønt visir. En bandasje på hodet, som et visir er festet på, og et halstørkle bundet i en løs knute, er attributtene til gamle og komfortable profesjonelle klær. Et rolig, innsiktsfullt blikk fra under visiret er også et kjennetegn ved yrket. Mulighetene for intim karakterisering ble utnyttet maksimalt i Chardins senere portretter, som forutså fremtidige funn i verkene til så store mestere som O. Fragonard og J.L. David.

Elena Fedotova

1700-tallet er tiden for den strålende blomstringen av fransk kultur. Det førrevolusjonære Frankrike var for hele Europa en ubestridelig trendsetter av moter og smaker, litterære og filosofiske hobbyer, livsstil. Alt dette ble feid bort av revolusjonen i 1789. I de dager var det et ordtak som sa: Hvem bodde ikke i Frankrike før revolusjonen, han vet ikke hva det virkelige livet er. Alle slags gleder var ment - estetiske og andre, som nådde en spesiell sofistikering i den førrevolusjonære perioden.

Det høye faglige nivået av kunst ble demonstrert årlig på utstillinger kalt Salons, for hvilke verk ble valgt ut av en streng akademisk jury. Den lunefulle interiørdekorasjonen utviklet seg til rokokkostilen, som omfavnet ulike typer og sjangre av kunst og brukskunst inkludert i ensemblet av interiørdekorasjoner. I dette mangfoldet og glansen er det ikke vanskelig å gå seg vill selv for en enestående mester i akademiske komposisjoner. Men Chardin, som aldri malte historiske malerier, formelle portretter eller rocaille-galante scener, og begrenset seg til de "laveste" sjangrene - stilleben og hverdagsliv, gikk ikke bare seg vill, men viste seg å være høyere og mer betydningsfull enn alle andre. dette strålende tinselet av rokokko og salongakademiisme, ble den sentrale figuren i fransk maleri på 1800-tallet og en av de mest fremtredende vesteuropeiske kunstnerne.

Chardin kom fra en parisisk håndverkerbakgrunn, faren hans var en håndverker som spesialiserte seg på å lage biljardbord. Dette miljøet var preget av streng moral og flid, mannen stod opp tidlig og fra morgen til kveld forberedte produkter på bestilling eller for salg, og oppnådde høyeste kvalitet, og kona hadde ansvaret for husholdningen. De levde behagelig, i nøysomhet, økonomisk og nøkternt, fornuftig og flittig, og hele livet deres var farget av kjærlighet til ildstedet, sine kjære, familietradisjoner, høy patos av menneskeverd, som viser seg i ydmykhet og fromt arbeid ikke mindre enn i aristokratiske dueller og militære bedrifter.

Denne måten for håndverksmiljøet vil bli både gjenstand for Chardins image og ånden som gir næring til arbeidet hans og formet hans fantastiske stil. Kunstnerens far rev seg, malte flittig overflaten på biljardbordet, den minste ujevnhet gjorde det til et billig kjøkkenbord som ikke var verdt materialene som ble brukt. Med samme utholdenhet og meningsfulle iver gransket Chardin sine små bilder fra tidlig ungdom til han døde i høy alder. Han skrev dem lenge, kjærlig, flittig og nøye.

Etter å ha blitt opplært av akademiske malere, mestere i det historiske maleriet til Vanloo og Kuapel, avsto Chardin imidlertid fra å skrive historiske malerier. Hele livet beklaget han at han ikke hadde en skikkelig utdannelse, ikke kjente til mytologi, historie og litteratur, og derfor ikke kompetent kunne ta på seg et historisk plot. Derfor malte han det han kjente godt - gjenstandene som omringet den parisiske handelsmannen, det koselige interiøret han bodde i.

De første verkene til kunstneren var stilleben, kjøkken og jakttrofeer (ikke uten innflytelse fra Vanloo), der han prøvde å stå "på tå" i den nedre sjangeren av død natur, og ga den en aristokratisk jaktkarakter, deretter rikelig barokk, hvis dette er kjøkkenartikler. Hans tidlige lerreter var vellykkede i et profesjonelt miljø, og etter et kort opphold i det beskjedne mindre akademiet St. Luke, ble den tjueni år gamle Chardin i 1628 tatt opp til det kongelige kunstakademi i spesialiteten " død natur". Ved Akademiet slo Chardin, som en beskjeden, pliktoppfyllende og velvillig person, rot og var dets faste kasserer og møteleder. Fra hans uttalelser er appellen bevart: "Mer mildhet, herrer, mer mildhet," sier de, det er ingen grunn til å kritisere hverandre, kunstnerens håndverk er veldig vanskelig, en sjelden av dem som har studert i flere tiår oppnår suksess, mange ble aldri kunstnere, forlatt det er en vanskelig yrke, å bli soldater eller skuespillere; selv bak et middelmådig bilde ligger tiår med studier og år med møysommelig arbeid på dette lerretet. Med en slik mykhet var Chardin imidlertid ikke helt ufarlig. På Salong-utstillingen kunne han henge opp bilder av akademikere i kontrast for diskret å sette i gang deres mangler; men i sine ytringer var han ekstremt forsiktig og velvillig.

Spesielt bør nevnes salongen. Dette er en årlig gjennomgang av de beste verkene laget av de beste kunstnerne i Frankrike, som verkene ble valgt ut til med hjelp av en kompetent jury. Slike utstillinger med et fengslende og kvalifisert utvalg er en viktig forutsetning for kunstens utvikling: Hvis bare kundene bedømte kunsten, ville kunsten aldri hevet seg over tilsvarende portretter, sukkersøte landskap og ideologisk konsistente altermalerier. Holde et høyt faglig nivå og betjente salonger. Arbeidene som ble valgt ut av juryen, uansett hvor akademiske og «salong» de var, hadde én viktig fordel – de var mesterlige, profesjonelle verk. Og en talentfull amatør kunne utvikle seg, ha nivået på disse salongene som en stemmegaffel for sin aktivitet. Produksjonen av «genier» krever et miljø med sterke middelmådighetsfagfolk.

Ved å bli akademiker og motta lønnsomme regelmessige bestillinger, forbedret Chardin seg i en gang for alle valgte sjangere. Han maler stilleben, der han, for å oppnå billedlig perfeksjon, beveger seg fra tidlige flerstavelseskomposisjoner til stadig enklere, beskjedne produksjoner av tre til fem av de vanligste gjenstandene som han flytter fra stilleben til stilleben - et glass, en skjev flaske med mørkt glass, en kobbermørtel, en leireskål, noen ganger dukker det opp en porselensmugge; til redskapene legger han en drueklase og et knust granateple, og oftere et eple, en potet, en løk, et par egg, en flue og en kakerlakk, gjengangere i kjøkkeninnredningen. Jo enklere iscenesettelse av de mest vanlige gjenstandene er, desto vanskeligere blir maleriet og komposisjonen. En komposisjon er ikke en produksjon, du kan sette på de mest luksuriøse gjenstandene, de mest komplekse arkitektoniske dekorasjonene og de vakreste og mange sitter i forskjellige og dyre kostymer, og komposisjonen fra denne luksuriøse produksjonen kan vise seg å være primitiv, banal, kjedelig, og heller ikke komplisert, men knitrende. Tvert imot, med det mest beskjedne settet med objekter, kan komposisjonen, som maleri, være den mest komplekse og perfekte. Komposisjon er ikke et arrangement, ettersom dette latinske uttrykket noen ganger blir unøyaktig forstått og oversatt, men "sammenstilling", det vil si korrelasjon, etablere koblinger i et verk mellom dets elementer, oppnå enhet og harmoni av deler.

Men det kan ikke sies at enkle gjenstander er magert materiale for en maler. Du kan reise rundt kloden, eller du kan reise langs overflaten av et eple; du kan se på de astronomiske verdenene gjennom et teleskop, eller du kan se på en plantecelle gjennom et mikroskop og i begge tilfeller gjøre funn, lage vitenskapelige teorier som er betydningsfulle på en eller annen måte. Slik er det i kunsten. Ikke naturalismen når Chardin; ja, han streber etter illusjon, kikker inn i en skjev kobbertank, men noe mer oppnås - pittoresk og plastisk rikdom, et perfekt malerspråk utvikles. Mange malere kom til suksess takket være interessante plott, og man kan bare forstå arbeidet deres ved å rake disse ytre lagene, på jakt etter kryptert undertekst. Chardin, på den annen side, på grunn av sin "uvitenhet", nekter først umiddelbart og for alltid "interessante plott", og selve maleriet er fortsatt det mest interessante plottet for ham. Dette er en av de mest "rene" malerne i kunsthistorien. Andre lignende kan kalles med mindre Cezanne.

«Hvem fortalte deg at de skriver med maling? De skriver med følelser, men de bruker bare maling! - Et slikt utrop av Chardin er kjent. Chardin stoler ikke på resonnementer om kunst og skoleregler, og foretrekker å stole på intuisjon, stole på kunstnerens intelligente øye, føle seg inn i bildets motiv og skrive når alle sjelens krefter er på tuppen av børsten. Chardin formulerte ikke teorier, prøvde ikke å uttrykke med ord trekkene til hans kreative metode. Han var over alle teoriene fra sin samtid, rubenistenes og poussinistenes ran. Han forsto hvor vanskelig det var å oppnå et verdig kunstnerisk resultat, og kastet ikke bort tiden på å snakke.

Den strenge og åndelige levemåten til dyktige håndverkere, som ligger til grunn for både personligheten og kunsten til Chardin, var også gjenstand for hans bilder. Han skapte en rekke sjangermalerier bygget på samme måte som et stilleben – interiørscener: et måltid, barneleker, matlaging, vask av klær, mor og barn. Chardin var lykkelig gift. Da hans første kone døde, etter ti års enkeskap, giftet han seg med en eldre rik dame som hedret mannen sin, en arbeider og verdig person, respektert av alle, og omringet hans alderdom med omsorg og oppmerksomhet. Chardin fulgte strengt den livsstilen hans far, en snekker, hans bestefar, en håndverker og hele denne klassen holdt seg til. Han levde komfortabelt, i overflod, uten ytre glans, som velstående fasjonable kunstnere noen ganger ønsket, og etterlignet de aristokratiske karakterene i portrettene deres.

Karakteristisk er navnet på et av Chardins sjangermalerier – «Bønn før middag»: en mor lærer barn å takke Gud før et måltid og huske at mennesket ikke lever av brød alene.

"Laundress" er et av mesterverkene til Chardin, kunstneren er generelt veldig jevn, i nesten alle verk oppnådde han et høyt kunstnerisk resultat. Men dette bildet er fortsatt veldig bra. I et halvmørkt rom - vaskerommet i boligen til en gjennomsnittlig pariser, en hushjelp vasker i et trau, og en baby sitter på gulvet og driver med en spennende virksomhet - blåser han såpebobler med konsentrasjon. En kvinne opptatt med klesvask ser på den lille med glede og godkjennelse og passer på ham. I mørkets dyp - en dør på gløtt til et annet, lyst rom, hvor det også vaskes; gyllent lys «omslutter» skikkelsen til vaskekonen som står der, krakken og trauet.

Å bare fortelle handlingen er å si ingenting eller nesten ingenting om Chardin. Hvordan klassisk balanserte gjenstander er fordelt - som i et stilleben på bordet, gryter og boller, så på gulvet i rommet er det figurer og møbler; hvordan lyset fra den mørke dybden bare snapper det som gir komposisjonen et ekstra organiserende prinsipp; som en farge som gir en lokal farge til objekter og en fargekarakteristisk til belysning, danner et fargesystem med penetrasjon av primær- og sekundærfarger overalt; hvordan illusjonen av teksturen til tre, stoffer av forskjellige varianter, kroppsoverflate skapes - og samtidig bygges et gjennomtenkt, tydelig organisert fargesystem.

Hvis vi sammenligner stillebenene og hverdagsmaleriet til Chardin med de nederlandske og flamske maleriene på 1600-tallet, der hele hærer av kunstnere spesialiserte seg i disse sjangrene og, konkurrerende og konkurrerende, oppnådde glans og perfeksjon i dem, viser det seg at den beskjedne Chardin ved siden av dem er mer kompleks og overbevisende enn nederlenderne med alle sine smykkebeger og Delft-fajanse, en overflod av eksotisk frukt, vilt og merkelig sjøfisk, de ser mer skisserte og fattigere ut enn Chardins fargerike symfonier skrevet om en eller annen uskrelt potet.

Når det gjelder Chardin, er det en strek å sammenligne ideene hans med utsagnene og teoriene til opplysningsfilosofene. Han er så å si programmatisk «anti-intellektuell», understreker sin manglende utdannelse og skyr alle mulige teorier. Men hans dype tilknytning til opplysningstidens kultur ligger i hans kreative metode, som han formulerte med en pensel, og ikke med ord. Og når man sammenligner hans verk med åndslivets idoler på 1700-tallet, de franske leksikonene og opplysningsmennene, virker Chardins verk ikke mindre betydningsfullt, dypt og intellektuelt enn verkene til filosofene og forfatterne Diderot, Voltaire og Rousseau.

«Unlearned» Chardin er en av høydepunktene i den store franske kulturen i opplysningstiden.