Engelsk dramatiker en av forløperne til Shakespeare. William Shakespeare - Strålende dramatiker

WORKSHOP 1 Emne: "Engelsk teater fra Adrazhennyas æra. Creativity of W. Shakespeare” 1. Smidige kjennetegn ved utviklingen av den engelske teaterkunsten fra Adragen-tiden. 2. Kreativitet W. Shakespeare. Periyadyzatsyya kreativ dramatiker (aptimist, tragisk, romantisk). 3. Shakespeares dramaer er den mest dristige og dristige kunsten av alle. Pastanovs skuespill av Shakespeare på scenen i europeiske teatre. 4. Shakespeares fenomen i den virkelige teatralske ferdigheten. Prøver ab aўtarstvo creatў. 5. Teater "Globe": historie og nåtid. Pabudova-scener, sceneutstyr, skuespillermestere.

Renessansens teater. engelsk teater

Teateret i den engelske renessansen ble født og utviklet på torget, som bestemte dens nasjonale britiske smak og demokrati. De mest populære sjangrene på arealscenene var moral og farser. Under Elizabeth Tudors regjeringstid ble mysteriene forbudt. Fra begynnelsen av 1500-tallet nærmet engelsk teaterkunst seg et nytt stadium – begynnelsen på utviklingen av det humanistiske dramaet, som begynte å ta form på bakgrunn av den politiske kampen mellom kongemakten og den katolske kirke.

Skarp kritikk og propaganda av den nye humanistiske ideologien lød fra scenen, ikledd klær av vante mellomspill og moral. I stykket av humanisten John Rastell "Interlude on the Nature of the Four Elements" (1519), i tillegg til skikkelsene som er tradisjonelle for moral, er det følgende karakterer: Tørst etter kunnskap, Lady Nature, Experience, og som opposisjon. til dem - djevelen Uvitenhet og skjøgen Tørst etter nytelse. Den uforsonlige kampen til disse karakterene i stykket ender med opplysningens seier over obskurantisme og uvitenhet.

John Bale - en fremtredende skikkelse i den engelske reformasjonen og en kjent forfatter, forfatter av stykket "King John". Ved å legge sosiale temaer til moralen la han grunnlaget for dramaturgi i sjangeren historisk kronikk.

Det nye teatret ble født ut av en middelalderfarse. Hofpoeten, musikeren og arrangøren av fargerike briller, John Gaywood, utviklet farsen ved å skrive satiriske mellomspill. I dem latterliggjorde han svindelen til munker og selgere av avlat, presteskapets intriger, grådige etter profitt, prestenes listige triks, som dekket deres synder med prangende fromhet. I tillegg til hovedpersonen – en skurk – og negative karakterer – deltok kirkemenn – enkeltsinnede og godmodige allmue i korte hverdagsscener. De satiriske mellomspillene på begynnelsen av 1500-tallet ble bindeleddet mellom middelaldersk farseteater og det fremvoksende dramatiske teateret.

Introduksjonen av det engelske folket til italiensk kultur og kunst bidro til aktiv oppfatning og popularisering av eldgammel kultur og prestasjonene til den eldgamle sivilisasjonen. Det intensive studiet av det latinske språket og arbeidet til Seneca og Plautus førte til oversettelser av eldgamle tragedier og komedier til engelsk. Forestillinger basert på disse oversettelsene ble svært populære blant det aristokratiske miljøet og universitetsmiljøet.

Samtidig beundret aristokratene og den opplyste offentligheten sonettene til Petrarca og diktene til Ariosto. Romanene til Boccaccio og Bandello var kjent i et raznochin-samfunn. Ved det kongelige hoff ble maskerader introdusert som underholdende underholdningsbegivenheter, hvor scener fra italienske pastoraler ble spilt ut.

De første eksemplene på nasjonal komedie og tragedie dukket opp på scenen på midten av 1500-tallet. Nicholas Udol, forfatteren av den første engelske komedien, Ralph Royster Doyster (ca. 1551), var en utdannet hoffarrangør av underholdning og prøvde å lære folk «gode leveregler» gjennom verkene sine.

Gorboduk-skuespillet (1562) av Thomas Norton og Thomas Sequile ble først fremført ved hoffet til dronning Elizabeth og regnes som den første engelske tragedien. Den viser tydelig imitasjonen av den romerske tragedien: stykkets inndeling i 5 akter, korsang og monologer av budbringere, blodige forbrytelser, men handlingen er basert på et historisk faktum fra middelalderens historie. Tragediens moral var i den allegoriske pantomimen og mellomspillene som skuespillerne utførte mellom handlingene, og forklarte uventede plottvendinger.

Etter farse mysterier og primitive farser, på grunnlag av gammel og italiensk dramaturgi, ble en ny engelsk dramaturgi født, der det var komposisjonsgrunnlag, proporsjonalitet av deler, logikk i utviklingen av handling og karakterer.

Dramatikerne til den nye generasjonen hadde nesten alle universitetsutdanning og kom fra et demokratisk miljø. Etter å ha forent seg i en kreativ gruppe kalt "University Minds", prøvde de i sine arbeider å syntetisere den høyhumanistiske kulturen til aristokrater og folkevisdom med dens folklore.

W. Shakespeares forgjenger – den kjente engelske dramatikeren John Lily (ca. 1554-1606) – var en hoffpoet. I sin mest interessante komedie "Alexander og Campaspe" (1584), skrevet i henhold til historien til den greske historikeren Plinius, viste han generøsiteten til Alexander den store, som, da han så kjærligheten til sin venn, kunstneren Apelles, for de fangede Campaspe, ga etter for vennen hennes. Dermed vant plikten i kampen mellom plikt og følelse. Det idealiserte bildet av Alexander i stykket motarbeides av den skeptiske figuren til filosofen Diogenes, hvis folkevisdom og sunn fornuft seier over monarkens og hans følges selvtillit og arroganse.

John Lily la grunnlaget for den såkalte romantiske komedien. Han introduserte det lyriske elementet i dramatisk handling, og ga prosatalen en lys poetisk smak. Han viste vei for den fremtidige sammensmeltningen av de to komediesjangrene - romantisk og farseaktig.

Den sanne stamfaren til det engelske renessansedramaet var Christopher Marlowe (1564-1593), en kjent dramatiker, forfatter av verk med filosofisk og ateistisk innhold. Sønnen til en skomaker, som oppnådde graden Master of Science ved sin utholdenhet, ble han preget av mot og fritenkning. K. Marlo foretrakk arbeidet til en skuespiller i en teatertrupp fremfor karrieren til en prest som åpnet foran ham etter endt utdanning fra universitetet i Cambridge. Hans første dramatiske verk, Tamerlane den store, var fullt av ateistiske ideer. Dette monumentale verket ble skrevet i to deler i løpet av to år (del I i 1587 og del II i 1588). "Tamerlane den store" er en dramatisert biografi om den berømte østlige erobreren på slutten av XIV århundre, Timur. Marlo ga helten sin styrken og utseendet til en legendarisk helt. Og det som er spesielt viktig, han gjorde den edle føydalherren, som Timur egentlig var, til en "lavfødt hyrde", som bare ved kraften av hans vilje, energi og sinn hevet seg over de legitime herskerne.

Stykket av K. Marlo «Den tragiske historien om doktor Faust» (1588) avslører den andre siden av menneskelivet. Avvisningen av asketiske prinsipper og ubetinget underkastelse til den høyeste autoritet av hensyn til kunnskapstørst og livsglede er kledd av ham i bildet av ateisten Dr. Faust. Dramaet om Dr. Fausts frigjorte bevissthet og ensomheten som fulgte den fører ham til omvendelse, samtidig som den fremhever den enorme energien i kampen for tankefrihet.

Den siste tragedien til K. Marlo "Edward II", skrevet på materialet i historiske kronikker, ble grunnlaget for engelsk drama, som W. Shakespeare med suksess utviklet i sine verk.

Samtidig med skuespillene til K. Marlowe ble skuespill av andre dramatikere fra University Minds-gruppen satt opp på scenen: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) og Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV". " og "George Green, Weckfield feltvaktmann" (1592).

Det kreative fellesskapet av dramatikere fra University Minds-gruppen gikk foran et nytt stadium i utviklingen av nasjonalt drama - fødselen til renessansens tragedie og komedie. Gradvis dukket bildet av en ny helt opp - modig og modig, viet til det humanistiske idealet.

På slutten av 1500-tallet samlet det engelske folketeateret enorme folkemengder for sine forestillinger, absorberte alle de revolusjonære ideene og imiterte de modige heltene som forsvarte deres menneskeverd i kampen. Antallet teatertroppene økte jevnt og trutt, forestillingene fra hotellgårder og bytorg flyttet til teatre spesielt bygget for dette formålet.

I 1576, i London, bygde James Burbage det første teateret, som ble kalt "The Theatre". Det ble fulgt av bygging av flere teaterbygninger på en gang: "Curtain", "Blackfriars", "Rose" og "Swan". Til tross for at byrådet etter sin ordre forbød teaterforestillinger i selve London i 1576, lå teatrene på sørbredden av Themsen, i et område som var utenfor allmenningens makt.

Skuespillere ved teatre i London for det meste, ikke medregnet de kjente, som nøt patronage av adelen, var folk med lav inntekt og rettighetsløse. Den kongelige resolusjonen likestilte kunstnere med hjemløse vagabonder og sørget for straff for tropper som ikke hadde velstående beskyttere. Til tross for den tøffe holdningen til teatre fra myndighetenes side, økte deres popularitet fra år til år og antallet økte.

Organiseringsformen for teatertroppene på den tiden var av to typer: et aksjepartnerskap av skuespillere med selvstyre og et privat foretak ledet av en gründer som eide rekvisitter og kjøpte rettighetene til å sette opp et teaterstykke fra dramatikere. En privat gründer kunne ansette hvilken som helst tropp, og sette skuespillerne i trelldom til hans innfall.

Den kvantitative sammensetningen av troppen var ikke mer enn 10-14 personer, som i teatrets repertoar måtte spille flere roller. De kvinnelige rollene ble spilt av ganske unge menn, og oppnådde en pålitelig ytelse med plastisitet av bevegelser og lyrikk av stemmen. Den generelle måten å opptre på av skuespillerne gikk gjennom et stadium av overgang fra episk stil og sublim patos til en behersket form for internt drama. De ledende skuespillerne i den tragiske sjangeren i W. Shakespeares tid var Richard Burbage og Edward Alleyn.

William Shakespeare ble født 23. april 1564 i den lille byen Stratford-upon-Avon (engelsk Stratford-upon-Avon). Faren hans, John Shakespeare, var hanskemaker, og i 1568 ble han valgt til borgermester i byen. Hans mor, Mary Shakespeare fra Arden-familien, tilhørte en av de eldste engelske familiene. Det antas at Shakespeare studerte ved Stratford "grammar school", hvor han studerte det latinske språket, det grunnleggende om gresk og fikk kunnskap om gammel mytologi, historie og litteratur, reflektert i arbeidet hans. I en alder av 18 giftet Shakespeare seg med Anne Hathaway, fra hvem en datter Susanna og tvillingene Hamnet og Judith ble født. Mellom 1579 og 1588 ofte kalt "tapt år", fordi. det er ingen eksakt informasjon om hva Shakespeare gjorde. Rundt 1587 forlot Shakespeare familien og flyttet til London, hvor han tok opp teateraktiviteter.

Vi finner den første omtalen av Shakespeare som forfatter i 1592 i den døende brosjyren til dramatikeren Robert Greene "For a penny of a mind kjøpt for en million anger", der Greene snakket om ham som en farlig konkurrent ("oppkomling", " kråke som flakker i våre fjær). I 1594 ble Shakespeare oppført som en av aksjonærene i troppen til Richard Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" (Chamberlains menn), og i 1599 ble Shakespeare en av medeierne av det nye Globe Theatre. På dette tidspunktet blir Shakespeare en ganske velstående mann, kjøper det nest største huset i Stratford, får rett til et familievåpen og den adelige tittelen som en gentleman. I mange år var Shakespeare engasjert med åger, og i 1605 ble han bonde av kirketienden. I 1612 forlot Shakespeare London og returnerte til hjemlandet Stratford. Den 25. mars 1616 ble det opprettet et testamente av en notarius, og den 23. april 1616, på bursdagen hans, dør Shakespeare.

Mangelen på biografisk informasjon og mange uforklarlige fakta ga opphav til et ganske stort antall personer som ble nominert for rollen som forfatteren av Shakespeares verk. Til nå er det mange hypoteser (først fremsatt på slutten av 1700-tallet) om at Shakespeares skuespill ble skrevet av en helt annen person. I mer enn to århundrer av eksistensen av disse versjonene har en rekke søkere blitt fremmet for "rollen" som forfatteren av disse skuespillene - fra Francis Bacon og Christopher Marlo til piraten Francis Drake og dronning Elizabeth. Det var versjoner som et helt team av forfattere gjemte under navnet Shakespeare. For øyeblikket er det allerede 77 kandidater til forfatterskap. Men hvem han enn er - og i en rekke tvister om personligheten til den store dramatikeren og poeten, vil poenget ikke bli satt snart, kanskje aldri - skapelsene til renessansens geniale i dag inspirerer fortsatt regissører og skuespillere over hele verden.

Hele karrieren til Shakespeare - perioden fra 1590 til 1612. vanligvis delt inn i tre eller fire perioder.

Fra slutten av 80-tallet av 1500-tallet gikk dramaturgien i den engelske renessansen inn i en tid med moden ferdighet. Hver ny forfatter, nesten hvert nytt verk beriker dramaet med nye ideer og kunstneriske former.

Dramaturgisk kreativitet blir profesjonell. En galakse av dramatikere, med kallenavnet "universitetshenner", dukker opp. Som kallenavnet indikerer, var dette personer med universitetsutdanning og videregående grader. De fikk en klassisk liberal utdannelse, var godt lest i gresk og romersk litteratur og kjente til skriftene til italienske og franske humanister. Robert Greene og Christopher Marlo mottok sine BA- og MA-grader fra Cambridge. John Lily, Thomas Lodge, George Peel fikk grader fra Oxford. Bare Thomas Kidd fullførte ikke universitetet, men han studerte ved en av de beste London-skolene. På dette tidspunktet var humanismen en fullt utformet doktrine, og de måtte bare akseptere den.

Men Oxford og Cambridge forberedte studentene bare på prestekarrieren. I beste fall kunne de blitt lærere. Men det var ikke derfor de leste Plautus og Seneca, Boccaccio og

Ariosto å følge denne veien. Etter å ha mottatt vitnemålene, hastet de til London. Hver av dem var full av nye ideer og kreative ambisjoner. Snart begynte trykkeriene i hovedstaden å jobbe med dem. Men det var vanskelig å leve av litterære inntekter. Dikt, romaner, hefter brakte mer berømmelse enn penger. De "stormfulle geniene" fra den tiden, som satte nye spor innen litteratur og teater, levde sultende helt nede i London, hobnobbet med stamgjester og tyver, krøp sammen i vertshus og rømte derfra når det ikke var noe å betale eieren av. . De kom også tilfeldigvis inn i salongen til en edel og velstående poesiens beskytter, men her slo de ikke rot.

De ble drevet til teateret av sin kjærlighet til kunst og søken etter en jobb. Med Robert Green skjedde det for eksempel slik. En dag vandret han rundt i gatene uten en krone i lomma og møtte en gammel kjenning som slo ham med sin rike drakt. Nysgjerrig på hvor vennen hans ble så rik, hørte Green at han hadde blitt skuespiller. Skuespilleren, etter å ha fått vite at Green skriver poesi, inviterte ham til å skrive for teatret.

Lily kom til dramatikk på en annen måte. Han underviste i latin til guttene i koret. Da et annet kor fremførte forestillinger med gutteskuespillere med stor suksess, bestemte han seg for å skrive et teaterstykke og spille det ut sammen med elevene.

Men uansett hvor tilfeldige årsakene var som tiltrakk "universitetshenner" til teatret, var deres ankomst dit i hovedsak naturlig. Teateret viste seg å være den beste plattformen for ideene deres, et felt der de kunne vise sitt kunstneriske talent.

De fleste «universitetssinnene» skrev for folketeateret. Bare Lily helt fra begynnelsen ble veiledet av den "utvalgte" hoffaristokratiske offentligheten.

Peru John Lily (1553 - 1606) eier åtte skuespill: "Alexander and Campaspe" (1584), "Sappho and Phaon" (1584), "Galatea" (1588), "Endymion, or Man in the Moon" (1588), " Midas" (1589 - 1590), "Mother Bomby" (ca. 1590), "Metamorphoses of Love" (ca. 1590), "Woman in the Moon" (ca. 1594).

Det var ikke for ingenting at Lily studerte eldgamle forfattere. Han var avhengig av eldgamle historier og myter. Men skuespillene hans var på ingen måte akademiske øvelser i etterligning av eldgamle forfattere. Lilis dramaturgi var ganske moderne, til tross for de greske navnene på heltene og heltinnene. Lily lånte plott fra gammel historie og mytologi, fylte dem med pastorale elementer i den italienske humanismens ånd, og ga i komediene sine en allegorisk skildring av Elizabeths hoffsamfunn. I nesten hver eneste av hans komedier, under ett eller annet navn, blir dronning Elizabeth trukket frem, glorifisert som et forbilde for alle dyder. Lily's Athens minner om London, og de arkadiske engene er av engelsk natur.

Lilys komedier domineres av kjærlighetstemaer, bare i «Midas» var det innslag av politisk satire over den spanske kongen Philip II og i «Mother Bombie» – trekk ved hverdagssatire. Som regel foregår Lilys handling i en betinget setting. Karakterene er halvt fiktive, halvt ekte. De snakker i en veldig særegen sekulær sjargong.

Lily var skaperen av en spesiell stil av "eufuisme", som fikk navnet sitt fra Lilys roman "Euphues, or Anatomy of wit" (1579). Talestilen utviklet av Lili var nært forbundet med det ideologiske konseptet som lå til grunn for alt hans arbeid.

Lily var en representant for den hoffaristokratiske humanismen. Fullstendig støttet det eksisterende systemet, mente han at humanismen burde begrenses til oppgaven med å utdanne den ideelle gentleman, utstyrt med ytre og indre kultur. Basert på avhandlingen til den italienske forfatteren Castiglione "The Courtier", forsøkte Lily, i bildet av helten i romanen hans, Eufues, å presentere en konkret legemliggjøring av hans ideal. Høy intelligens og fin følsomhet må gå hånd i hånd med raffinerte manerer. Med sin roman ønsket Lily å gi eksempler på tapperhet til aristokratene på tiden til Elizabeth. Faktisk var romanen hans på engelsk jord et av de tidligste eksemplene på den "presise" stilen, som senere fikk en så betydelig utvikling på fransk edellitteratur fra 1600-tallet og ble grusomt latterliggjort av Molière.

Karakteristiske trekk ved den euphuistiske stilen: retorikk, en overflod av metaforer og sammenligninger, antiteser, paralleller, referanser til gammel mytologi. Ikke bare Lilys roman ble skrevet på et lignende språk, men også skuespillene hans. I Lilys komedie Endymion snakker helten om sin elskede: "O vakre Cynthia! Hvorfor kaller andre deg ustadig når jeg finner deg uforandret? Den ødeleggende tiden, ond moral, uvennlige mennesker, som så den uforlignelige konstantheten til min vakre elskede, kalte henne foranderlig, utro Er det mulig å kalle ustabil en som alltid går sine egne veier, fra fødselen uten å endre retning et øyeblikk?knopper er verdiløse til de gir farge, og fargen - til den gir moden frukt, og skal vi kalle dem foranderlig fordi fra et frø kommer en spire, fra en spire en knopp, fra en knopp en blomst?"

Euphuism hadde en betydelig innvirkning på tidens litterære språk, inkludert språket til dramatiske verk. På et visst tidspunkt spilte han en positiv rolle, og bidro til berikelsen og foredlingen av språket. Imidlertid kunne det fremhevede aristokratiet og kunstigheten til denne stilen ikke annet enn å forårsake en reaksjon fra de forfatterne som ble ledet av det levende folkespråket. Shakespeare, som først ga en viss hyllest til euphuismen, parodierte deretter denne stilen gjentatte ganger. Når Falstaff og prins Henrik (Henry IV, del 1) iscenesetter et møte mellom kongen og prinsen, imiterer den fete ridderen, som gjennom denne scenen parodierer en rekke dramatiske verk fra tiden, den euphuistiske stilen som følger:

"Harry, jeg er ikke bare overrasket over tidsfordrivet ditt, men også over samfunnet du lever i. Selv om kamille vokser raskere jo mer den blir tråkket på, slites ungdommen jo raskere jo mer den blir misbrukt. At du er min sønn , dette delvis meg Jeg er overbevist av din mors forsikringer, delvis min egen mening, men spesielt det useriøse blikket i øynene dine og den dumme hengende underleppen din ... Firmaet ditt setter flekker på en person. Jeg sier deg dette, Harry, ikke fra berusede øyne, men med tårer i øynene, ikke på spøk, men sørgende, ikke bare med ord, men med et verkende hjerte." Polonius' taler i Hamlet er også euphuistiske. Men her er det både en parodi og en karakterisering av karakteren: slik var hoffmiljøets smak.

Sammen med kunstighet var det imidlertid virkelig livlig vidd i Lilys komedier. Et eksempel på det er dialogen til Platon, Aristoteles og Diogenes i «Alexander og Campaspe», samtalene til tjenere i andre komedier. Det er bare ett skritt herfra til vidden til Shakespeare-komedier.

Lily var skaperen av "høy" komedie. Han var den første som brakte komedie utover farsen. Med mulig unntak av «Mother Bombie», hvor det er elementer av farse, maler han romantiske situasjoner overalt, og bygger handlingen på sammenstøt mellom høye lidenskaper. Også i dette er han en direkte forgjenger for Shakespeare. Men moralen som komediene hans er gjennomsyret av, er helt motsatt av Shakespeares og generelt sett de etiske prinsippene i folkedramaet. I Lilys komedier er en konflikt veldig hyppig, som oppstår fra det faktum at to mennesker elsker en kvinne ("Alexander og Campaspe", "Sappho og Faon", etc.). En av dem må gi opp sin kjærlighet. Lily hevder streng moralsk disiplin, insisterer på behovet for å undertrykke lidenskapene hennes, og i denne forstand er puritanisme ikke fremmed for ham. Folkedramaet dyrket på ingen måte den stoiske undertrykkelsen av lidenskaper, følelser og begjær. Tvert imot, hele dens patos var i å skildre styrken og skjønnheten til mektige lidenskaper, i å bekrefte legitimiteten til en persons rett til å tilfredsstille sine ambisjoner, i kampen mellom menneskets gode prinsipper mot de dårlige.

De viktigste representantene for folkedrama før Shakespeare var Green, Kid og Marlo.

Robert Green (1558 - 1592) var opprinnelig fra Norwich. Han studerte ved University of Cambridge, hvor han fikk en bachelorgrad i 1578 og en mastergrad i 1583. Som ungkar reiste han til Spania og Italia. Greens litterære virksomhet begynte i Cambridge, det ble hovedkilden til hans levebrød etter 1583, da han slo seg ned i London. Åtte-ni år levd av Green i hovedstaden var den mest stormfulle og fruktbare perioden i livet hans. Green skrev i ulike sjangre: poesi, dikt, romaner, satiriske brosjyrer og dramaer. Intens, dårlig betalt arbeid, perioder med fullstendig nød, da Green bokstavelig talt sultet, og påfølgende måneder med velstand, da han ustyrlig gledet seg og sløst bort honoraret - alt dette undergravde helsen hans. Han ble syk og døde på et gjestgiveri, i gjeld til eieren og ikke engang etterlatt penger til en begravelse.

Greenes første dramatiske opplevelse, "Alphonse, King of Aragon" (1587), er et skuespill som skildrer de ekstraordinære bragdene og grandiose seirene til en helt som vinner kronen og kjærligheten til en vakker jente. Dramatiseringen av «Furious Roland» (1588) har også et romantisk grunnlag. Plottet til Ariostos dikt ga Green muligheten til å tilfredsstille publikums kjærlighet til lys, underholdende handling og få frem helter utstyrt med store lidenskaper.

Monk Bacon og Monk Bongay (1589), i likhet med Marlowes Faust, gjenspeiler et karakteristisk fenomen fra epoken – ønsket om å kjenne naturens hemmeligheter og undertrykke den ved hjelp av vitenskap. I likhet med Marlo, skiller ikke Green vitenskap fra magi. Helten hans, munken Bacon, er en trollmann med evnen til å utføre mirakler. Imidlertid er Greenes skuespill fullstendig blottet for den tragiske følelsen som Marlowes skuespill har. Det er ingen titanisme i Greens karakterer, og hele handlingen får en romantisk fargelegging. Prinsen av Wales og hans hoffmann, Lacey, søker kjærligheten til skogvokterens datter, den vakre Marguerite. Rivaliseringen mellom de to magikerne, Bacon og Bongay, er så å si den komiske bakgrunnen til denne kjærlighetshistorien.

Et vesentlig element i stykket er forbindelsen med folklore. Handlingen har sine røtter i engelske folkelegender om middelalderforskeren Roger Bacon (XIII århundre), som oppfant briller og underbygget prinsippet om å konstruere et teleskop. I stykket besitter han et «magisk glass» som lar ham se langt borte. Noen scener er bygget på det faktum at Bacon ser gjennom dette glasset, og det han ser, ser publikum.

Monk Bacon og Monk Bongay er et av de mest populære teaterstykkene i folketeateret. Den er gjennomsyret av unektelig demokrati. Heltinnen i stykket Margarita er en jente fra folket som fungerer som legemliggjørelsen av idealet om skjønnhet, troskap og kjærlighet, som bæreren av frie følelser. "Verken kongen av England, eller herskeren over hele Europa," erklærer hun, "ville få meg til å slutte å elske den jeg elsker."

Greens holdning til vitenskap er også gjennomsyret av demokrati. Monk Bacon bruker sin magiske kraft ikke til personlige formål, men for å hjelpe mennesker. På slutten av stykket ytrer han en profeti om Englands fremtid, som, etter å ha gått gjennom krigens smeltedigel, vil nå et fredelig liv:

Først vil Mars ta markene i besittelse, så kommer slutten på militærstormen: Hester vil beite uten frykt på marken, Rikdom vil blomstre på bredden, hvis syn Brutus en gang beundret, Og fred vil stige ned fra himmelen til buskene ...

I "James IV" (1591) brukte Green, som andre dramatikere fra tiden, det historiske plottet til å tolke politiske problemer. Green er tilhenger av "opplyst monarki". Som Shakespeare senere reiser han spørsmålet om kongens personlighet, og mener at det avhenger av om regjeringen vil være rettferdig eller urettferdig. Den skotske kong James IV er avbildet i stykket som en typisk legemliggjøring av monarkisk vilkårlighet. På grunn av sin kjærlighet til Ida, datteren til grevinnen av Arran, som handlet på foranledning av den forræderske hoffmannen Atekin, beordrer James IV drapet på sin kone Dorothea, datteren til den engelske kongen. Advart om konspirasjonen går dronningen i skjul. Nyheten om hennes antatte død når hennes far, Henry VII, som invaderer Skottland med en hær. Dorothea dukker opp i skjul. Jakob IV omvender seg, og alt ender i fred.

Dette stykket er, som andre verk av Green, preget av en kombinasjon av et sosiopolitisk tema med personlige konflikter. Den onde kong James er motstander av den engelske kong Henry VII, som fungerer som vokter av rettferdighet og lovlighet. For å forstå den generelle ånden i dette stykket er episoden der advokaten, kjøpmannen og presten har en samtale om årsakene til sosiale katastrofer av stor betydning. Grønt gjør presten til talsmann for de mest rettferdige synspunkter. "Hva er navnet på en slik orden der de fattige alltid taper saken sin, uansett hvor rettferdig den er?" presten er indignert, og de vil ty til din hjelp, du skal fjerne den siste tråden fra dem og la dem gå verden rundt med barna sine. Nå har krigen begynt; de ranede er bekymret; vi er ranet selv uten fiender; våre egne ødelegger oss og dømmer på samme tid: i fredstid sparte ikke loven oss, nå vi vil ødelegge den i sin tur."

Helten i stykket "George Greene, Weckfield Field Watchman" (1592) er en mann av folket, en yeoman, stolt over å være en almue, og nekter adelstittelen, som kongen vil at han skal få. George Green er fiendtlig mot føydalherrene, han fanger de opprørske herrene som gjorde opprør mot Edward III. Den politiske retningen til stykket samsvarte med standpunktene til de borgerlige humanistene, som i styrkingen av det absolutte monarkiet så et middel til å undertrykke føydale baroners egenvilje. Ideen om enheten mellom folket og kongen i kampen mot føydalherrene går gjennom hele stykket. Slike oppfatninger av Greene var selvfølgelig en illusjon som oppsto på det stadiet av den sosiale utviklingen i England, da det absolutte monarkiet stolte i sin kamp mot føydalherrene på støtte fra borgerskapet og folket.

Som i «The Monk Bacon» kan man i «Weckfield Field Watchman» tydelig kjenne sammenhengen mellom Greenes dramaturgi og folklore. For ikke å nevne det faktum at en av karakterene i stykket er helten fra folkeballader Robin Hood, bildet av George Green ble også lånt av forfatteren fra folkesanger. De demokratiske sympatiene til forfatteren gjenspeiles også i bildene av byfolket i Weckfield, i den kjærlige skildringen av vanlige menneskers liv og i folkehumoren som farger en rekke episoder av stykket.

Grin var helt ukarakteristisk for tragisk patos. Som regel har skuespillene hans en lykkelig slutt. Det komiske elementet i dem er veldig betydelig, som Green organisk koblet til hovedlinjene i plottet. Green likte å bygge komplekse intriger og lede parallell handling.

Disse trekkene i Greens dramaturgi har kommet godt inn i praksisen til det engelske renessanseteateret.

Thomas Kidd er en av de mest interessante og samtidig de mest mystiske skikkelsene i den engelske renessansen. Selv datoene for hans fødsel og død er ikke nøyaktig kjent: det antas at han ble født i 1557 og døde i 1595. Vi vet bare at før han ble dramatiker, var han skribent. Noen av skuespillene hans ble publisert uten forfatterens navn, andre ble kun merket med initialer. Hovedkilden for å bestemme Kids forfatterskap var regnskapsbøkene til teatergründeren Philip Genslo, som noterte betalingen av royalties til forfatterne av stykkene.

Ifølge forskere var Kid forfatteren av fem skuespill. Den første i tiden var den "spanske tragedien", hvis popularitet kan bedømmes ut fra det faktum at den i løpet av et tiår ble utgitt fire ganger (1. utgave - uten dato, 2. - 1594, 3. - 1599, 4. - 1602). Selv om navnet på forfatteren ikke er angitt på noen utgave, anser alle forskere tilknytningen til dette stykket til Kid som udiskutabel. Det antas at Kid skrev den første delen av tragedien "Jeronimo", som skildrer hendelsene før den "spanske tragedien".

Kid er videre kreditert med forfatterskapet til stykket, hvis lange tittel lyder: "Tragedien til Soliman og Persis, der konstans i kjærlighet er avbildet, skjebnes ustabilitet og dødsforhandlinger." Med sikkerhet kan man snakke om Kids forfatterskap i forhold til tragedien «Pompeii den store og den vakre Cornelia», fordi navnet hans er angitt på tittelbladet. Det står også at stykket er en oversettelse av en tragedie av den franske poeten Robert Garnier. Til slutt antas det at Kyd var forfatteren av den pre-shakespeariske tragedien av Hamlet, som er kjent for å ha blitt fremført på scenen i 1587-1588, selv om teksten ikke har kommet ned til oss.

Det mest bemerkelsesverdige av alle disse dramaene var den "spanske tragedien", som markerte begynnelsen på sjangeren "blodig drama". Det begynner med at spøkelsen til Andrea dukker opp, og roper etter hevn for hans død i hendene på portugiseren Balthazar. Denne oppgaven overtas av vennen til den avdøde, Horatio, som fanger Balthazar og bringer ham til Spania. Men her klarer Balthazar å bli venner med sønnen til hertugen av Castilla - Lorenzo. Med hans hjelp skal Balthazar gifte seg med bruden til avdøde Andrea, den vakre Belimperia. Men Belimperia elsker Horatio. For å eliminere rivalen dreper Balthazar og vennen Lorenzo Horatio. De henger liket av den drepte mannen på et tre foran huset hans. Horatios far, Hieronimo, finner liket og lover å finne morderne for å ta hevn på dem. Mor Horatio, sjokkert av sorg, begår selvmord. Etter å ha fått vite hvem som var årsaken til alle ulykkene hans, kommer Jeronimo med en plan for hevn. Han inviterer sønnens mordere til å delta i fremføringen av stykket ved bryllupsfeiringen i anledning ekteskapet til Balthazar og Belimperia. Alle hovedpersonene er involvert i dette stykket. I løpet av dette stykket må Hieronimo drepe Lorenzo og Balthazar, noe han gjør. Belimperia begår selvmord, far Lorenzo faller død, og dermed blir Jeronimos hevn utført. Når kongen beordrer Hieronimos arrestasjon, biter han av seg tungen og spytter den ut for ikke å avsløre hemmeligheten hans. Hieronimo stikker seg deretter med en dolk.

"Spansk tragedie" - et drama med rettsintriger og grusom hevn - er av betydelig interesse både i sine kunstneriske trekk og i sin ideologiske orientering.

Kid avviste ferdige plott av gammel eller middelaldersk opprinnelse, og oppfant selv handlingen til tragedien hans, som finner sted i det moderne Spania, på 80-tallet av 1500-tallet. Han fyller stykket med voldsomme lidenskaper, raskt utviklende hendelser og patetiske taler. Han bygger dyktig handlingen og leder flere parallelle intriger samtidig, og slår seeren med uventede tilfeldigheter og skarpe svinger i karakterenes skjebne. Karakterene er skissert med skarpe, uttrykksfulle streker. Temperament er kombinert i dem med målrettethet, med et enormt viljesterkt press. Han lager bilder av skurker som ikke kjenner noen grenser for bedrag og grusomhet. Jeronimos hevntørst blir til en besettelse som grenser til galskap.

Å matche hele fargen på tragedien og kvinnelige bilder, spesielt heltinnen i stykket Belimperiya, som ikke er dårligere enn menn i lidenskap, energi, besluttsomhet. Barnekarakterer utøser følelsene sine i taler fulle av intens emosjonalitet, stormfulle utrop, dristige overdrivelser. I dette ligner Kids tragedie på mange andre dramatiske verk fra tiden. Men det er et trekk i «den spanske tragedien» som skiller dette stykket fra massen av moderne dramatisk produksjon. Dette er hennes eksepsjonelle teatralitet og scenetilstedeværelse. I motsetning til mange skuespill, der mye av handlingen fant sted utenfor scenen, foregår i Kid alt på scenen, foran publikum. Etter å ha overvunnet skjematikken til det litterære, "akademiske" dramaet, gjenopplivet Kid på et nytt grunnlag elementene av visualisering og effektivt skue, karakteristisk for mysterieteateret. Barneleken skaper et spennende skue, hendelsene som presenteres i den forårsaker enten medlidenhet og medfølelse, eller frykt og redsel. Gjennom handlingen til «den spanske tragedien» er det åtte drap og selvmord, som hver utføres på sin egen måte; i tillegg blir publikum vist henging, galskap, biting av tunga og andre forferdelige ting. Heltene til Kid holdt ikke bare taler, men utførte mange forskjellige gjerninger, og alt dette krevde nye skuespillerteknikker for den tiden, utvikling av ansiktsuttrykk, gestikulering og scenebevegelse. Blant de nyskapende elementene i Kids dramaturgi bør man også merke seg hans introduksjon av «scenen på scenen» – et apparat som inneholdt rike scenemuligheter og senere ble brukt av Shakespeare gjentatte ganger.

Kids dramatiske nyvinninger var ikke et mål i seg selv. De er uløselig knyttet til den ideologiske orienteringen til arbeidet hans. Skrekk og skurkskap, presentert i overflod i «den spanske tragedien», reflekterte Kidus karakteristiske tragiske virkelighetsoppfatning.

Haugen av grusomheter og grusomheter i det blodige dramaet var en refleksjon av den individualistiske egenviljens festlighet og kollapsen av alle føydale bånd under forholdene i det fremvoksende borgerlige samfunnet. Bruddet av gamle moralske normer kom til uttrykk i tapet av tilbakeholdende prinsipper. Sinne, bedrag, svik, rovdrift, vold, drap og andre lignende fenomener fanget i det blodige dramaet var ikke en oppfinnelse av dramatikere, men en refleksjon av virkelighetens fakta. Ikke uten grunn var det i sjangeren blodig drama at et betydelig antall verk ble skapt basert på moderne materiale, og ikke på lånte litterære eller historiske handlinger.

Det store flertallet av blodige tragedier skildret livet til de øvre lag i samfunnet, hoffet og adelen. Sjangerens demokratiske orientering ble reflektert i det faktum at blodige dramaer i hovedsak alltid fordømte umoral og grusomhet i det høye samfunnet.

En spesiell plass blant de blodige dramaene inntar verket til en ukjent forfatter «Arden fra Feversham» (ca. 1590). Den vesentlige forskjellen til dette stykket fra andre verk av denne sjangeren er at handlingen i det ikke finner sted ved hoffet og ikke blant adelen, men i livet til mennesker av en enkel rang. Dette er det første borgerlige familiedramaet i det engelske teateret. Kilden til handlingen var de virkelige hendelsene som fant sted i 1551.

Stykket skildrer historien om drapet på burgessen av Arden av hans kone Alice og hennes elsker Mosby. Ute av stand til å begrense lidenskapene sine, bestemmer Alice seg for å kvitte seg med sin uelskede ektemann, men implementeringen av planen hennes møter alltid hindringer, og Arden klarer å unngå fellene som er forberedt for ham om og om igjen.

Dramatikeren leder handlingen med stor dyktighet, og utfolder seg foran betrakteren bilder av provins- og storbylivet til middelklassefolk, arbeidsfolk og samfunnets avskum. Den dramatiske ferdigheten som historien utfolder seg med, har fått forskere til å spekulere i at Shakespeare eller The Kid kunne ha vært forfatteren av dette anonyme stykket. Disse forutsetningene har imidlertid ingen seriøs begrunnelse.

Den største av Shakespeares forgjengere var Christopher Marlowe (1564-1593). Sønnen til en skomaker fra Canterbury, som fullførte et fullstendig vitenskapelig kurs ved University of Cambridge, mottok Marlow i 1587 graden master of liberal arts. Etter å ha bosatt seg i London, var han engasjert i poetiske og dramatiske aktiviteter, og satte opp skuespill for offentlige teatre.

Mens han bodde i London, sluttet Marlowe seg til en sirkel av fritenkere, ledet av Walter Raleigh, en av den engelske renessansens lyseste skikkelser; Raleigh var en kriger, navigatør, poet, filosof, historiker. Ideologisk knyttet til Raleigh, bekjente Marlo åpent ateisme og republikanske synspunkter. Tallrike oppsigelser av Marlo er bevart, som ble arkivert av agenter fra det hemmelige politiet. Det ble gjennomført en etterforskning av saken om hans fritenking. Men myndighetene bestemte seg for å klare seg uten den vanlige juridiske prosedyren: Marlo ble drept av regjeringsagenter på et vertshus i byen Deptford, og så ble det laget en versjon om at årsaken til dikterens død var et slagsmål om en tavernajente. Faktisk, som forskere nå har dokumentert, ble dramatikeren offer for polititerroren til den elizabethanske regjeringen.

Marlos første skuespill dukket opp i 1587, og fem år senere var han allerede død. Til tross for den korte varigheten av hans aktivitet, etterlot Marlo en svært betydelig dramatisk arv.

Den første tragedien til Marlowe sjokkerte bokstavelig talt hans samtidige. Ikke et eneste verk av scenen før den gang hadde en slik suksess som det som falt til "Tamerlane" (1. del - 1587, 2. del - 1588). Tragediens helt er en enkel hyrde som blir en kommandør og erobrer en rekke riker i øst.

Tamerlane er en titanisk personlighet: han streber etter ubegrenset herredømme over verden. Dette er en mann med store ambisjoner, en utrettelig tørst etter makt, ukuelig energi. Han tror ikke på skjebnen og på Gud, han er sin egen skjebne og sin egen gud. Han er urokkelig overbevist om at alt ønsket er oppnåelig, du trenger bare å virkelig ønske og oppnå det.

Troen på kraften i menneskets sinn og vilje uttrykkes av Marlo i Tamerlanes monolog:

Vi er skapt av fire elementer, som kjemper hardnakket seg imellom. Naturen lærer sinnet vårt å sveve og med en umettelig sjel erkjenne verdens vidunderlige arkitektur, måle himmellegemenes komplekse vei og streve etter uendelig kunnskap...

Etter å ha oppnådd en av sine første militære seire, fanger Tamerlane den vakre Zenocrate, datteren til den egyptiske sultanen. Han forelsker seg i henne med all lidenskapens kraft som ligger i hans natur. Zenocrate er først redd for Tamerlanes ukuelighet, og deretter, dempet av hans heroiske energi, gir hun hjertet sitt til ham. Tamerlane gjør sine erobringer, og ønsker å legge hele verden for føttene til sin elskede kvinne. På slutten av første del går Tamerlane i kamp med faren til Zenocrates, den egyptiske sultanen. Zenocrate opplever en splittelse av følelser mellom kjærlighet til Tamerlane og til faren. Tamerlane fanger sultanen, men gir tilbake sin frihet, og han velsigner ekteskapet sitt med Zenocrates.

Hvis den første delen skildrer erobringen av Østen av Tamerlane, så ser vi i den andre Tamerlane spre sine erobringer til Vesten. Han beseirer den ungarske kongen Sigismund.

Zenocrate, som klarte å gi Tamerlane tre sønner, dør. Tamerlanes sorg er grenseløs. Han brenner ned byen der Zenocrate døde. Akkompagnert av sine tre sønner, feier Tamerlane, som en dødens virvelvind, med troppene sine gjennom alle de nye landene han erobrer. Han erobrer Babylon og Tyrkia. Her beordrer han at Koranen skal brennes. Denne episoden er en utfordring for den ateistiske Marlo-religionen, det var ikke vanskelig for samtidige å gjette at han også refererer til kristendommens hellige skrifter. Tamerlane dør, beordrer å bli gravlagt ved siden av Zenocrates og testamenterer til sønnene sine for å fortsette erobringen av nye land.

"Tamerlane" av Marlo er apoteosen til en sterk personlighet, en hymne til menneskelig energi. Helten fra tragedien legemliggjør ånden fra epoken da frigjøringen av individet fra føydale lenker fant sted. Tamerlane har utvilsomt trekk ved borgerlig individualisme. Hans høyeste ambisjon er ubegrenset makt over verden og mennesker. Han forkaster de gamle moralske prinsippene og mener at den eneste loven er hans vilje.

Men det var også et dypt demokratisk grunnlag i bildet av Tamerlane. Marlo valgte som helten i dramaet en mann som reiser seg fra bunnen til toppen av makt og makt. Folkets publikum på den tiden skulle visstnok bli imponert av denne hyrden, som beseirer kongene og får dem til å tjene ham. Tamerlane tvinger en av de fangede kongene til å skildre et trinn ved foten av tronen hans, han spenner andre konger til en vogn og rir rundt på den, setter en annen konge i et bur og bærer ham bak seg for å demonstrere sin makt.

Den demokratiske tilskueren applauderte selvfølgelig gledelig dette opptoget av så mange avsatte konger, beseiret av en enkel hyrde. "Tamerlane" var en utfordring for den gamle verden, dens herskere. Marlowe forkynte så å si i sitt skuespill at en ny hersker over verden skulle komme; han har ingen titler, ingen forfedre, men han er mektig, smart, energisk, og før hans vilje vil troner og altere falle til støv. Slik var i hovedsak ideen med stykket, og dette var dets patos, som fengslet samtiden så mye.

Den samme utfordringen var inneholdt i The Tragic History of Doctor Faust (1588 - 1589). Her er helten også en titanisk personlighet. Men hvis Tamerlane ønsket å oppnå ubegrenset makt over verden gjennom militære bedrifter, så streber Faust mot det samme målet gjennom kunnskap. Ved å låne handlingen fra den tyske folkeboken om trollmannen Dr. Faust, skapte Marlo et typisk renessanseverk som reflekterte tidens viktigste trekk - fremveksten av en ny vitenskap.

Faust avviser middelalderens skolastikk og teologi, som er maktesløse til å forstå naturen og oppdage dens lover; de binder bare personen. Opprøret mot middelalderens teologi og avvisningen av religion er nedfelt i alliansen Faust inngår med djevelen. Den gudløse og ateisten Marlo gir her full utløp for sitt hat mot religion. Helten hans finner mer fordel for seg selv i fellesskap med djevelen - Mefistofeles enn i lydighet mot religiøse dogmer.

I Marlowes tragedie aner man en kraftig impuls til kunnskap, et lidenskapelig ønske om å erobre naturen og få den til å tjene mennesket. Hos Faust er dette ønsket om kunnskap nedfelt. Søkerne etter nye veier i vitenskapen var modige mennesker som heroisk gjorde opprør mot middelalderens religiøse fordommer, modig tålte forfølgelsen av kirken og forfølgelsen av obskurantister, som satte livet på spill i navnet på å nå sitt store mål.

En slik heroisk person er Faust, som til og med godtar å selge sin sjel til djevelen for å mestre naturens hemmeligheter og erobre den. Faust komponerer en entusiastisk hymne til kunnskap:

Å, for en verden, en verden av visdom og nytte, Ære, allmakt og makt er åpen for de som har gitt seg til vitenskapen! Alt som ligger mellom de stille polene er underlagt meg.

Kunnskap er ikke et mål i seg selv for Faust. Det er for ham den samme måten å erobre hele verden for seg selv, som for Tamerlane var hans sverd. Vitenskapen burde gi ham rikdom og makt.

Det er imidlertid en forskjell mellom Faust og Tamerlane. Tamerlane er et helt menneske. Han kjenner ingen tvil og nøling. Stykket om ham er faktisk ikke en tragedie, men snarere et heroisk drama, for fra begynnelse til slutt ser betrakteren heltens solide triumfer. Faust er annerledes. Her føler vi helt fra starten av heltens dualitet. Han har to sjeler. Faust lengter etter, om enn kortsiktig, men fortsatt reell makt over verden og er klar til å ofre sin "udødelige" sjel for dette. Men frykt bor også i ham, frykt for denne "sjelen" hans, som til slutt må betale for brudd på tingenes evige orden.

På slutten av tragedien er Faust klar til å gi avkall på seg selv, «for å brenne bøkene sine». Hva er det - forfatterens anerkjennelse av nederlaget til helten hans? Avvisning av ønsket om ubegrenset frihet og makt over verden, forsoning med alt som Faust først ga avkall på?

Det bør ikke glemmes at Marlowe var avhengig av sin kilde for å skape tragedie og måtte følge hendelsesforløpet i legenden om Faust. I tillegg ble Marlowe tvunget til å regne med det rådende synspunktet og kunne ikke ha satt opp stykket dersom Faust ikke hadde blitt straffet for å ha gitt avkall på religion. Men foruten disse ytre omstendighetene som spilte sin rolle, var det også en indre grunn som fikk Marlo til å skrive en slik avslutning på tragedien. Faust gjenspeiler dualiteten til idealet om en fri person, som Marlowe strebet etter. Helten hans er en sterk mann som har frigjort seg fra Guds makt og føydalstaten, men han er også en egosentriker som tråkker på sosiale institusjoner og moralske lover.

"Faust" er den mest tragiske av Marlowes kreasjoner, fordi den avslører blindveien som en person går inn i, og avviser alle moralske normer i sin streben etter frihet.

«Den maltesiske jøden» (1592) betegner et nytt stadium i utviklingen av Marlos verdensbilde. I motsetning til de to første dramaene, som glorifiserte individet, kritiserer Marlo her individualismen.

Tragedien finner sted på Malta. Når den tyrkiske sultanen krever hyllest fra ridderne på Malta, finner sjefen for ordenen en enkel vei ut. Han tar penger fra jødene som bor på øya og betaler ned til tyrkerne. Denne vilkårligheten gjør den velstående jøden Barabas sint, som nekter å gi penger og gjemmer dem i huset sitt. Så fratar de ham eiendommen hans og gjør huset hans om til et nonnekloster. For å spare pengene som er gjemt der, tvinger Barabas datteren til å erklære sin konvertering til kristendommen og bli nonne. Men i stedet for å hjelpe faren, blir Abigail, datteren til Barabas, en oppriktig kristen. Så forgifter Barabas henne. I mellomtiden er Malta beleiret av tyrkerne. Barabas går over til deres side og hjelper dem å ta over festningen. Som en belønning for dette utnevner tyrkerne ham til guvernør og gir ham de forhatte ridderne i hendene. Han ønsker å beholde guvernørskapet, men innser at for dette trenger han støtte fra innbyggerne, tilbyr Barabas de fangede ridderne frihet og lover å ødelegge tyrkerne på betingelse av at ridderne deretter overlater ledelsen av øya i hans hender og betale ham hundre tusen pund. Barabas ordner en luke, som han plasserer en gryte med kokende harpiks under. De tyrkiske militærlederne invitert av ham burde falle i denne luken. Men den tidligere guvernøren på øya, dedikert til saken, ordner slik at Barabas faller ned i luken, som brenner i kokende tjære.

I bildet av Barabas stemplet Marlo, som humanist, borgerskapets oppkjøpsevne og grådighet. Marlowe var den første som skapte den rovvilte borgerlige typen i engelsk renessansedrama.

Hvis rikdom i de to første av skuespillene hans ble fremstilt av Marlo som et av virkemidlene for å tilfredsstille menneskelige behov, så viser dramatikeren i The Maltese Jew den skadelige effekten av gull på karakteren når rikdom blir en slutt. Bildet av Barabas legemliggjør de typiske trekkene til borgerskapet i epoken med den primitive akkumuleringen av kapital. Han grunnla sin formue ved åger. Nå er han kjøpmann, og sender skipene sine med varer til forskjellige land. Han omsetter inntektene sine til smykker. Med lidenskapen til en skattejeger, kvelende av glede, snakker han om skattene sine:

Poser med opal, safir og ametyst, topas, smaragd og hyasint, rubin, glitrende diamanter, edelstener, store, og hver veier mange karat. For dem vil jeg i nødstilfelle kunne løse de store kongene fra fangenskap, - Dette er hva min rikdom består av Og det er dette, tror jeg, det er nødvendig å snu Inntekt fra handel; Prisen deres vil øke hele tiden, og i en liten boks vil du spare et uendelig antall skatter.

All natur, ifølge Barabas, skal tjene formålet med å øke rikdommen, der han ser det høyeste gode, fordi, som han sier: "Folk verdsettes bare for rikdom." Når det gjelder samvittighet og ære, har Barabas sin egen mening om denne saken:

De uheldige som har en samvittighet, dømt til å leve i fattigdom for alltid.

Derfor, når eiendommen hans blir konfiskert fra Barabas, uttaler han i desperasjon en monolog full av lidenskap:

Jeg mistet alt gullet, all rikdommen! Herregud, fortjente jeg dette? Hvorfor bestemte dere dere, stjerner, for å kaste Meg ned i fortvilelse og fattigdom?

Etter å ha blitt guvernør søker Barabas å bruke makt til sin fordel; samtidig uttrykker han en typisk borgerlig holdning til makt:

Jeg vil beholde makten oppnådd ved forræderi med fast hånd. Uten overskudd vil jeg ikke skille meg av med henne. Den som med makt, ikke skaffet seg venner eller sekker fulle av gull, er som et esel i Æsops fabel: Han kastet av seg bagasjen med brød og vin Og begynte å gnage tørkede tistler.

Ateisten Marlo fordømte det grusomme rovdyret til Barabas, og unnlot likevel ikke å legge ord i munnen som avslørte de kristnes hyklerske religion:

Fruktene av deres tro vet jeg er: Bedrag og ondskap, stolthet overmål, - Og dette er ikke i samsvar med deres lære.

Barabas blir motarbeidet som en positiv karakter av herskeren over Malta, Farnese. I hans taler hører vi fordømmelse av åger og andre metoder for borgerlig akkumulering. Når Barabas kaller den monetære hyllesten som herskeren har pålagt ham for et tyveri, innvender Farnese:

Nei, vi tar bort rikdommen din, for å redde mange mennesker med dette. Til det beste for alle, la en lide, enn alle andre tåle for en.

Dermed setter Marlo prinsippet om felles beste mot individualisme.

Når det gjelder dybden av sosial innsikt, nærmer "Jøden fra Malta" Marlo seg til "Venezias kjøpmann" og "Timon fra Athen" av Shakespeare.

«Edward II» (1593) er en historisk kronikk mettet med politisk innhold. Edward II er en viljesvak, bortskjemt konge, en slave av hans lidenskaper, innfall, innfall. Makt tjener ham bare som et middel til å tilfredsstille sine egne innfall. Svak vilje og myk kropp er han lydig mot sine undersåtter, spesielt en av dem, Gaveston, hvis uforskammede oppførsel forårsaker generell forargelse.

Den svake kongen blir motarbeidet av den energiske og ambisiøse Mortimer, som reiser et opprør for å ta makten i egne hender. Han utgir seg for å være vokter av felles interesse. I hovedsak ser han i makt bare tilfredsstillelsen av sin egoisme. Etter å ha eliminert kongen ved å drepe og bli landets de facto hersker, forårsaker han også misnøye med sitt styre og blir offer for et edelt opprør.

"Edward II" er et anti-monarkistisk og anti-edelt skuespill. Marlo benekter kongemaktens guddommelighet og viser et bilde av en stat hvor vilkårlighet og vold hersker. Dette stykket fortsetter kritikken av individualisme som fant sted i The Maltese Jew. Edwards svakhet og Mortimers styrke står mot hverandre som to sider av egoisme. Den epikuriske Edward og den ambisiøse Mortimer er bare to sider av individualisme.

Massakren i Paris (1593) har som handling hendelsene i Bartolomeusnatten. Marlo viser her konsekvensene av religiøs intoleranse og bruker dette til sin stadige kritikk av religion. Det siste verket til Marlo - "The Tragedy of Dido, Queen of Carthage" (1593) - forble uferdig. Skrevet av Thomas Nash.

Marlowes dramaturgi er en av de viktigste utviklingen i utviklingen av engelsk renessansedrama. Av alle Shakespeares forgjengere var han den mest begavede. En tidlig død avbrøt aktiviteten hans i sin beste alder, men det Marlowe klarte å gjøre beriket hans tids teater.

I tragediene uttrykte Marlo patosen ved å hevde en personlighet frigjort fra middelalderske føydale bånd og restriksjoner. Glorifiseringen av menneskets makt, hans ønske om kunnskap og makt over verden, avvisningen av religion og patriarkalsk moral kombineres i Marlowes helter med fornektelsen av ethvert etisk grunnlag. Individualismen til hans mektige helter bar en anarkistisk karakter.

Fra og med ideen om å bekrefte personligheten i Tamerlane, kommer Marlo allerede i Faust til en delvis forståelse av motsetningene til individualisme, hvis kritikk blir hovedmotivet til den maltesiske jøden. Samtidig bør man selvfølgelig også ta hensyn til forskjellen i heltenes mål: for Tamerlane - dette er makt, for Faust - kunnskap, for Barabas - rikdom. Faust fremstår derfor som en helt med virkelig positive ambisjoner for all sin individualisme. Selv om det i Marlos skuespill er forsøk på å skape positive karakterer (Zenocrates in Tamerlane, Farnese i The Maltese Jew), skapte likevel ikke Marlo bilder som ideologisk og kunstnerisk fullt ut kunne motstå hans individualistiske helter. Derav inkonsekvensen og noe ensidighet som er karakteristisk for Marlowes dramaturgi. Oppgaven med å skape titaniske karakterer som bærer positive sosiale ambisjoner ble utført av Shakespeare, som erstattet Marlo, som skyldte mye til sin forgjenger.

Marlo ga et betydelig bidrag til utviklingen av drama, og løftet dens kunstneriske form til en stor høyde. Han ga eksempler på en mer perfekt konstruksjon av dramatisk handling, som han ga intern enhet, bygde utviklingen av plottet rundt personligheten og skjebnen til den sentrale karakteren. I hans arbeid fikk begrepet det tragiske også en dypere utvikling. Før Marlowe ble det tragiske forstått eksternt som et bilde på alle slags skurkskap, som forårsaket frykt og redsel. Marlo selv sto på denne posisjonen, og skapte "Tamerlane" og "maltesisk jøde". Marlowes «Faust» overgår begge disse dramaene i en dypere forståelse av det tragiske, som her uttrykkes ikke så mye i det ytre som i den indre konflikten i heltens sjel, som kulminerer i stykkets finale. Bildet av Faust, i samsvar med Aristoteles sin forståelse av det tragiske, vekker frykt og medfølelse. Samtidig bør det bemerkes at Marlowes realisme ble dypere fra skuespill til skuespill, og nådde den største psykologiske sannheten i Edward II.

Fortjenesten til Marlo var også introduksjonen av blanke vers i dramaet. Hvite vers hadde den friheten som var nødvendig for å gi karakterenes tale naturlig. Av alle Shakespeares forgjengere var Marlowe den mest begavede poeten. Stilen hans ble preget av patos, dristige sammenligninger, livlige metaforer, en overflod av hyperboler, og samsvarte på beste måte med følelsene til Marlowes titaniske helter. Energien og den store emosjonelle kraften i Marlowes dramatiske tale ga Ben Jonson full grunn til å snakke om Marlowes «kraftige vers».

Hovedartikkel:Elizabethansk drama

I Shakespeares tid, sammen med det da vellykkede Globe Theatre i London, var det flere andre bemerkelsesverdige teatre som konkurrerte med hverandre. Teater "Rose" (Rosen, 1587-1605), bygget av forretningsmannen Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). The Swan Theatre (The Swan, 1595-1632), som ble bygget av gullsmeden og kjøpmannen Francis Langley (Francis Langley, 1548-1602), Fortune Theatre, hvis bygging begynte i 1600, og andre. En av Shakespeares mest kjente dramatikere var den talentfulle poeten Christopher Marlowe (1564-1593), under hvis innflytelse Shakespeare utvilsomt falt helt i begynnelsen av sitt arbeid, og alle skuespillene hans ble deretter satt opp på Rose Theatre. Han var en av dramatikerne - "akademikere" som hadde Oxford- eller Cambridge-diplomer, som også inkluderte Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lyly (John Lyly, 1554-1606), Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567- 1601), George Peele (1556-1596) og Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558-1625). Sammen med dem arbeidet andre forfattere, som ikke hadde universitetsutdanning, hvis forfatterskap på en eller annen måte påvirket Shakespeares arbeid. Dette er Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), som skrev et tidligere skuespill om Hamlet, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, d. 1599), forfatter av stykket "To shrews from Abingdon" (The Two Angry Women of Abingdon), på grunnlag av hvilken Shakespeares komedie "The Merry Wives of Windsor" (The Merry Wives of Windsor, 1597-1602) ble skapt.

[redigere] Teaterteknikk i William Shakespeares tid

Hovedartikkel:Teaterteknikk i Shakespeares tidsalder

Teaterteknikk i Shakespeares tid – Shakespearesk teater tilsvarer utvilsomt stykkets system, opprinnelig iscenesatt av grupper omreisende komikere på vertshus og hotellgårder; disse hotellgårdene besto vanligvis av en bygning omgitt i andre etasje av en åpen etasjebalkong, langs hvilken rommene og inngangene til dem var plassert. En vandrende tropp, som hadde gått inn i en slik gårdsplass, iscenesatte en scene nær et av rektanglene på veggene; tilskuere ble sittende på gårdsplassen og på balkongen. Scenen ble arrangert i form av en treplattform på geitene, hvorav en del gikk ut til den åpne gårdsplassen, og den andre, baksiden, forble under balkongen. En gardin falt fra balkongen. Dermed ble det umiddelbart dannet tre plattformer: den fremre - foran balkongen, den bakre - under balkongen bak gardinen, og den øverste - selve balkongen over scenen. Det samme prinsippet ligger til grunn for overgangsformen til det engelske teateret på 1500- og begynnelsen av 1600-tallet. Det første offentlige stasjonære teatret ble bygget i London (eller rettere sagt utenfor London, utenfor bygrensene, siden teatre ikke var tillatt i byen) i 1576 av Burbage-skuespillfamilien. I 1599 ble Globe Theatre opprettet, som det meste av Shakespeares verk er knyttet til. Shakespeares teater kjenner ennå ikke auditoriet, men kjenner tunet som et minne om hotellgårder. Et slikt åpent, takløst auditorium var omgitt av et galleri eller to gallerier. Scenen var dekket med et tak og representerte de samme tre plattformene på hotellgården. Den fremre delen av scenen kilt nesten en tredjedel inn i auditoriet - en stående parterre (og dermed bokstavelig talt bærer navnet "par terre" - på bakken). Den demokratiske delen av publikum, som fylte parterren, omringet også scenen i en tett ring. Den mer privilegerte, aristokratiske delen av publikum slo seg ned – liggende og på krakker – på selve scenen langs kantene. Historien til teateret på denne tiden bemerker den konstante fiendtligheten og krangelen, noen ganger til og med forvandlet til en kamp, ​​mellom disse to gruppene av tilskuere. Her hadde håndverkernes og arbeidernes klassefiendskap mot aristokratiet en ganske støyende effekt. Generelt var den stillheten, som auditoriet vårt kjenner, ikke i Shakespeares teater. Baksiden av scenen var adskilt av en skyvegardin. Intime scener ble vanligvis fremført der (for eksempel på Desdemonas soverom), de spilte også der når det var nødvendig å raskt overføre handlingen til et annet sted og vise karakteren i en ny posisjon (for eksempel i Marlos drama "Tamerlane" der er en notis: "gardinen er trukket tilbake, og Zenocrate ligger i sengen, Tamerlane sitter ved siden av henne", eller i Shakespeares "The Winter's Tale": "Pauline trekker gardinen tilbake og avslører Hermine, stående i form av en statue" ). Den fremre plattformen var hovedscenen, den ble også brukt til prosesjoner, den gang favoritt i teateret, for å vise fekting, som var ekstremt populær på den tiden (scenen i siste akt av Hamlet). Her opptrådte også klovner, sjonglører, akrobater og underholdt publikum mellom scenene i hovedstykket (det var ingen pauser i Shakespeare-teatret). Deretter, under den senere litterære behandlingen av Shakespeare-dramaer, ble noen av disse klovne-mellomspillene og klovnebemerkningene inkludert i den trykte teksten. Hver forestilling ble nødvendigvis avsluttet med en "jiga" - en spesiell type sang med en dans fremført av en klovn; åstedet for gravere i Hamlet på Shakespeares tid var et klovneri, det ble senere fylt med patos. I Shakespearesk teater er det fortsatt ingen skarp forskjell mellom en dramatisk skuespiller og en akrobat, en narr. Riktignok er denne forskjellen allerede i ferd med å utvikles, det føles, den er i støpeskjeen. Men kantene er ennå ikke slettet. Koblingen som forbinder Shakespeare-skuespilleren med bøffelen, histrionen, gjøgleren, middelaldermysteriets klovneaktige "djevel", med den farseformede bøffelen, er ennå ikke brutt. Det er ganske forståelig hvorfor kjelemakeren fra "The Taming of the Shrew" ved ordet "komedie" først og fremst husker gjøglerens triks. Den øvre scenen ble brukt når handlingen skulle skildres av hendelsenes logikk over, for eksempel på festningens vegger ("Coriolanus"), på Julies balkong ("Romeo og Julie"). I slike tilfeller har manuset en merknad "over". For eksempel ble en slik layout praktisert - toppen avbildet en festningsmur, og gardinen på den bakre plattformen trukket tilbake i bunnen betydde samtidig at byportene åpnet foran vinneren. Et slikt system av teater forklarer også strukturen i Shakespeares dramaer, som fortsatt ikke kjenner noen inndeling i akter (denne inndelingen ble gjort etter Shakespeares død, i utgaven av 1623), verken eksakt historisisme eller billedrealisme. Parallellen mellom handlinger i ett og samme stykke, så karakteristisk for elisabethanske dramatikere, har nylig blitt forklart med scenens særegne struktur, åpen for publikum fra tre sider. Den såkalte loven om "tidslig kontinuitet" dominerer denne scenen. Utviklingen av det ene plottet gjorde det mulig for det andre å fortsette så å si "bak kulissene", som fylte det tilsvarende intervallet med "teatralsk tid" mellom segmenter av dette plottet. Handlingen er bygget på korte episoder med aktivt spill, og handlingen overføres fra sted til sted med relativ hastighet. Dette gjenspeiles også i tradisjonen med mystiske scener. Så en ny utgang fra samme person, eller til og med bare noen få skritt langs scenen med en tilsvarende tekstforklaring, indikerte allerede et nytt sted. For eksempel, i Much Ado About Nothing, forteller Benedict til gutten: "Jeg har en bok på vinduet på rommet mitt, ta den med hit til hagen" - dette betyr at handlingen foregår i hagen. Noen ganger i verkene til Shakespeare er et sted eller en tid angitt ikke så enkelt, men med en hel poetisk beskrivelse av det. Dette er et av favoritttriksene hans. For eksempel, i "Romeo og Julie", på bildet som følger scenen i en måneskinn natt, sier Lorenzo som kommer inn: "Et klart smil fra en gryende gråøyd Gloomy driver allerede natten og forgyller østens sky med striper av lys ..." Eller ordene i prologen til første akt av "Henry V": " ... Tenk deg at slettene i de to riker strekker seg vidt her, hvis kyster, Lenker seg tett inntil hverandre, skiller seg det smale, men farlige, mektige havet. Noen få skritt Romeo med venner betydde at han flyttet fra gaten til huset. For å utpeke et sted ble det også brukt "titler" - nettbrett med inskripsjon. Noen ganger avbildet scenen flere byer samtidig, og inskripsjoner med navnene deres var nok til å orientere betrakteren i aksjon. Med slutten av scenen forlot karakterene scenen, noen ganger til og med forble - for eksempel forkledde gjester som gikk nedover gaten til Capulets hus ("Romeo og Julie") forlot ikke scenen, og utseendet til lakeier med servietter betydde at de allerede var ankommet og er i kamrene til Capulets. Drama på denne tiden ble ikke sett på som "litteratur". Dramatikeren drev ikke forfatterskap, og det var ikke alltid mulig. Tradisjonen med anonymt drama kom fra middelalderen gjennom omreisende tropper og fortsatte å operere. Så navnet til Shakespeare dukker opp under titlene på skuespillene hans først i 1593. Det teaterdramatikeren skrev, hadde han ikke til hensikt å publisere, men hadde utelukkende teateret i tankene. En betydelig del av dramatikerne fra den elisabethanske tiden var knyttet til et bestemt teater og påtok seg å levere et repertoar til dette teatret. Konkurransen av tropper krevde et stort antall skuespill. For perioden fra 1558 til 1643 er antallet i England anslått til over 2000 navn. Svært ofte brukes det samme skuespillet av en rekke tropper, som omarbeider hver på sin egen måte, tilpasser den til troppen. Anonymt forfatterskap utelukket litterært plagiat, og vi kunne bare snakke om «pirat»-konkurransemetoder, når et skuespill blir stjålet på gehør, ifølge et omtrentlig opptak osv. Og i Shakespeares verk kjenner vi en rekke skuespill som var bruken av handlinger fra allerede eksisterende dramaer. Slike er for eksempel Hamlet, King Lear og andre. Publikum krevde ikke navnet på forfatteren av stykket. Dette førte igjen til at det skrevne skuespillet kun var «grunnlaget» for forestillingen, forfatterens tekst ble endret på noen som helst måte under prøvene. Nøklenes forestillinger er ofte betegnet med bemerkningen "narren sier", som gir innholdet i narrens scene til teatret eller improvisasjoner av narren selv. Forfatteren solgte manuskriptet sitt til teatret og hevdet deretter ingen opphavsrettskrav eller rettigheter til det. Det felles og dermed veldig raske arbeidet til flere forfattere på ett skuespill var veldig vanlig, for eksempel utviklet noen en dramatisk intriger, andre - en komisk del, narrer, andre skildret alle slags "forferdelige" effekter, som var veldig populær den gang, osv. e. Ved slutten av epoken, på begynnelsen av 1600-tallet, begynte litterært drama allerede å komme inn på scenen. Fremmedgjøring mellom «lærde» forfattere, sekulære «amatører» og profesjonelle dramatikere blir mindre og mindre. Litterære forfattere (for eksempel Ben Jonson) begynner å jobbe for teatret, teaterdramatikere begynner på sin side i økende grad å bli publisert.

[redigere] Spørsmålet om periodisering

Forskere av Shakespeares verk (den danske litteraturkritikeren G. Brandes, utgiver av de russiske komplette verkene til Shakespeare S. A. Vengerov) på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet, basert på verkenes kronologi, presenterte hans åndelige evolusjon fra en "munter stemning", tro på rettferdighetens triumf, humanistiske idealer i begynnelsen av veien til skuffelse og ødeleggelsen av alle illusjoner på slutten. Imidlertid har det de siste årene vært en oppfatning om at konklusjonen om forfatterens personlighet basert på verkene hans er en feil.

I 1930 foreslo Shakespeare-forskeren E. K. Chambers en kronologi av Shakespeares arbeid etter sjanger, senere ble den korrigert av J. McManway. Det var fire perioder: den første (1590-1594) - tidlig: kronikker, renessansekomedier, "skrekktragedie" ("Titus Andronicus"), to dikt; den andre (1594-1600) - renessansekomedier, den første modne tragedien ("Romeo og Julie"), kronikker med elementer av tragedie, eldgammel tragedie ("Julius Cæsar"), sonetter; den tredje (1601-1608) - store tragedier, eldgamle tragedier, "mørke komedier"; den fjerde (1609-1613) - eventyrdramaer med en tragisk begynnelse og en lykkelig slutt. Noen av Shakespeare-lærde, inkludert A. A. Smirnov, kombinerte den første og andre perioden til en tidlig periode.

[redigere] Første periode (1590-1594)

Den første perioden er ca 1590-1594 år.

Etter litterære metoder det kan kalles en imitasjonsperiode: Shakespeare er fortsatt fullstendig prisgitt sine forgjengere. Etter humør denne perioden ble definert av tilhengere av den biografiske tilnærmingen til studiet av Shakespeares verk som en periode med idealistisk tro på de beste aspektene av livet: "Den unge Shakespeare straffer entusiastisk last i sine historiske tragedier og synger entusiastisk om høye og poetiske følelser - vennskap , selvoppofrelse, og spesielt kjærlighet" (Vengerov) .

I tragedien Titus Andronicus» Shakespeare hyllet fullt ut tradisjonen til sine samtidige dramatikere for å holde oppmerksomheten til publikum ved å tvinge frem lidenskaper, grusomhet og naturalisme. Skrekkene til «Titus Andronicus» er en direkte og umiddelbar refleksjon av grusomhetene i skuespillene til Kid og Marlowe.

Sannsynligvis var Shakespeares første skuespill de tre delene av Henry VI. Holinshed's Chronicles fungerte som kilde for denne og påfølgende historiske kronikker. Temaet som forener alle Shakespeares krøniker er endringen av en rekke svake og udyktige herskere som førte landet til borgerstrid og borgerkrig og gjenoppretting av orden med tiltredelsen av Tudor-dynastiet. Som Marlowe i Edward II, beskriver ikke Shakespeare bare historiske hendelser, men utforsker motivene bak karakterenes handlinger.

« Komedie av feil"- en tidlig, "student" komedie, komedie av stillinger. Etter datidens skikk, en omarbeiding av stykket av en moderne engelsk forfatter, kilden til dette var Plautus' komedie Menechmas, som beskriver tvillingbrødrenes eventyr. Handlingen finner sted i Efesos, som har liten likhet med en gammel gresk by: forfatteren overfører tegnene til det moderne England til en antikk setting. Shakespeare legger til en dobbel tjenerhistorie, og forvirrer dermed handlingen enda mer. Det er karakteristisk at det allerede i dette verket er en blanding av det komiske og det tragiske, som er vanlig for Shakespeare: den gamle mannen Egeon, som uforvarende brøt den efesiske loven, trues med henrettelse, og bare gjennom en kjede av utrolige tilfeldigheter , absurde feil, i finalen kommer frelsen til ham. Å avbryte et tragisk plot med en komisk scene, selv i de mørkeste verkene til Shakespeare, er en påminnelse, forankret i middelaldertradisjonen, om dødens nærhet og samtidig livets ustanselige flyt og dets konstante fornyelse.

Stykket " Temmingen av spissmusen”, skapt i tradisjonen med farsekomedie. Dette er en variant av handlingen, populær i London-teatrene på 1590-tallet, om pasifiseringen av en kone av mannen hennes. I en spennende duell møtes to fremragende personligheter og kvinnen er beseiret. Forfatteren forkynner ukrenkeligheten til den etablerte orden, der familiens overhode er en mann.

I påfølgende skuespill beveger Shakespeare seg bort fra eksterne komiske enheter. " Kjærlighetens resultatløse anstrengelser"- en komedie skapt under påvirkning av Lilys skuespill, som han skrev for oppsetning i masketeateret ved det kongelige hoff og i aristokratiske hus. Med et ganske enkelt plott er stykket en kontinuerlig turnering, en konkurranse av karakterer i vittige dialoger, komplekst verbalt spill, komponering av dikt og sonetter (på dette tidspunktet mestret Shakespeare allerede en vanskelig poetisk form). Språket til «Love's Labour's Lost» – pretensiøst, blomstrende, det såkalte euphuismet – er språket til den engelske aristokratiske eliten på den tiden, som ble populær etter utgivelsen av Lilys roman «Euphues, or the Anatomy of Wit».

[redigere] Andre periode (1594–1600)

Romeo og Julie. Maleri av F. Dixie (1884)

Rundt 1595 skaper Shakespeare en av sine mest kjente tragedier - "Romeo og Julie", - historien om utviklingen av den menneskelige personlighet i kampen med ytre omstendigheter for retten til kjærlighet. "For sin versjon av Romeo og Julie kan Shakespeare ha brukt en omarbeiding av en gammel tekst etterlatt av 'akademikerne' (kretsen av dramatikere som hadde universitetsgrader)." om den sørgelige skjebnen til Romeo og Julie (1524) ble plukket ut. opp av andre italienske forfattere (Bandello, Bolderi, Groto) og videre spredt i europeisk litteratur.I England ble det velkjente plottet satt av Arthur Brooke som grunnlag for diktet "The Tragic Story of Romeus and Juliet" (Arthur Brooke) . The tragical Historye of Romeus and Juliet, 1562)." Sannsynligvis fungerte Brookes arbeid som en kilde for Shakespeare. Han styrket handlingens lyrikk og drama, tenkte om og beriket karakterenes karakterer, skapte poetiske monologer som avslører hovedpersonenes indre opplevelser, og forvandlet dermed et vanlig verk til en renessanse kjærlighetsdikt.Dette er en tragedie av en spesiell type, lyrisk, optimistisk, til tross for døden til hovedpersonene i finalen.Navnene deres har blitt et kjent navn for den høyeste lidenskapens poesi.

Omtrent 1596, et annet av Shakespeares mest kjente verk dateres tilbake - "Kjøpmannen i Venezia". Shylock, akkurat som en annen kjent jøde fra det elisabethanske dramaet - Barabbas ("Jew of Malta" av Marlo), lengter etter hevn. Men i motsetning til Barabbas er Shylock, som fortsatt er en negativ karakter, mye vanskeligere. På den ene siden er dette en grådig, utspekulert, til og med grusom ågerbruker, på den annen side en fornærmet person hvis krenkelse forårsaker sympati. Shylocks berømte monolog om identiteten til jøden og enhver annen person "Men har ikke jøden øyne?..."(akt III, scene 1) anses av noen kritikere for å være den beste talen til forsvar for jødisk likestilling i all litteratur. Stykket kontrasterer pengemakten over en person og vennskapskulturen – en integrert del av livets harmoni.

Til tross for "problemet" med stykket og dramaet i historien til Antonio og Shylock, er "The Merchant of Venice" i atmosfæren nær eventyrspill som " Sov en sommernatt"(1596). Det magiske skuespillet ble trolig skrevet til feiringen i anledning bryllupet til en av de elisabethanske adelsmennene. For første gang i litteraturen gir Shakespeare fantastiske skapninger med menneskelige svakheter og motsetninger, og skaper karakterer. Som alltid legger han dramatiske scener i lag med komiske: athenske håndverkere, veldig like engelske arbeidere, forbereder flittig og klønete til bryllupet til Theseus og Hippolyta stykket "Pyramus og Thisbe", som er en historie om ulykkelig kjærlighet, fortalt i en parodisk form. Forskerne ble overrasket over valget av plott for "bryllupsspillet": dets eksterne plot - misforståelser mellom to par elskere, løst kun takket være Oberons velvilje og magi, en hån mot kvinnelige innfall (Titanias plutselige lidenskap for stiftelsen ) - uttrykker et ekstremt skeptisk syn på kjærlighet. Imidlertid har dette "et av de mest poetiske verkene" en alvorlig konnotasjon - opphøyelsen av en oppriktig følelse, som har et moralsk grunnlag.

Falstaff med en stor kanne vin og et beger. Maleri av E. von Grützner (1896)

S. A. Vengerov så overgangen til den andre perioden "i fravær leketøy ungdommens poesi, som er så karakteristisk for den første perioden. Heltene er fortsatt unge, men de har allerede levd et anstendig liv og det viktigste for dem i livet er nytelse. Porsjonen er pikant, livlig, men allerede den milde sjarmen til jentene til de to Veronians, og enda mer Juliet, er ikke i den i det hele tatt.

Samtidig skaper Shakespeare en udødelig og mest interessant type, som til nå ikke hadde noen analoger i verdenslitteraturen - Sir John Falstaff. Suksessen til begge deler Henrik IV«Ikke minst av alt er fortjenesten til denne mest slående karakteren i kronikken, som umiddelbart ble populær. Karakteren er utvilsomt negativ, men med en kompleks karakter. En materialist, en egoist, en mann uten idealer: ære er ingenting for ham, en observant og innsiktsfull skeptiker. Han nekter ære, makt og rikdom: han trenger penger bare som et middel til å skaffe mat, vin og kvinner. Men essensen av tegneserien, kornet i bildet av Falstaff, er ikke bare hans vidd, men også en munter latter av seg selv og verden rundt ham. Hans styrke ligger i kunnskapen om menneskets natur, alt som binder en person er motbydelig for ham, han er personifiseringen av åndens frihet og skruppelløshet. En mann fra den forbigående tiden, han er ikke nødvendig der staten er mektig. Å innse at en slik karakter er malplassert i et drama om en ideell hersker, i " Henrik V Shakespeare fjerner det: publikum blir ganske enkelt informert om Falstaffs død. I følge tradisjonen antas det at på forespørsel fra dronning Elizabeth, som ønsket å se Falstaff på scenen igjen, gjenoppstod Shakespeare ham i " The Merry Wives of Windsor". Men dette er bare en blek kopi av den tidligere Falstaff. Han mistet kunnskapen om verden rundt seg, det er ingen sunnere ironi, latter av seg selv. Bare en selvfornøyd skurk gjensto.

Mye mer vellykket er forsøket på å gå tilbake til Falstaff-typen i siste spill av andre periode - "Tolvte natt". Her, i Sir Tobys og hans følges skikkelse, har vi så å si en andre utgave av Sir John, dog uten hans glitrende vidd, men med samme smittende godmodige ridderlighet. Det passer også perfekt inn i rammen av "Falstaffian"-perioden, for det meste en frekk hån mot kvinner i "Temmingen av spissmusen".

[redigere] Tredje periode (1600-1609)

Hamlet og Horatio på kirkegården. Maleri av E. Delacroix (1839)

Den tredje perioden av hans kunstneriske virksomhet, omtrent dekker 1600-1609 år, kaller tilhengere av den subjektivistiske biografiske tilnærmingen til Shakespeares verk perioden med "dypt åndelig mørke", og vurderer utseendet til den melankolske karakteren Jacques i komedie som et tegn på et endret verdensbilde. "Som du vil" og kaller ham nesten forgjengeren til Hamlet. Noen forskere mener imidlertid at Shakespeare, i bildet av Jacques, bare latterliggjorde melankoli, og perioden med påståtte skuffelser i livet (ifølge tilhengerne av den biografiske metoden) er faktisk ikke bekreftet av fakta i Shakespeares biografi. Tiden da dramatikeren skapte de største tragediene faller sammen med blomstringen av hans kreative krefter, løsningen av materielle vanskeligheter og oppnåelsen av en høy posisjon i samfunnet.

Rundt 1600 skaper Shakespeare "Hamlet", ifølge mange kritikere, er hans dypeste verk. Shakespeare beholdt plottet til den velkjente hevntragedien, men flyttet all oppmerksomhet til åndelig splid, hovedpersonens indre drama. En ny type helter har blitt introdusert i det tradisjonelle hevndramaet. Shakespeare var forut for sin tid - Hamlet er ikke den vanlige tragiske helten som utfører hevn for guddommelig rettferdighets skyld. Når han kommer til den konklusjon at det er umulig å gjenopprette harmonien med ett slag, opplever han tragedien med fremmedgjøring fra verden og dømmer seg selv til ensomhet. I følge definisjonen til L. E. Pinsky er Hamlet verdenslitteraturens første "reflekterende" helt.

Cordelia. Maleri av William F. Yemens (1888)

Heltene i Shakespeares «store tragedier» er fremragende mennesker der godt og ondt blandes. Stilt overfor disharmonien i verden rundt dem, tar de et vanskelig valg - hvordan de skal eksistere i det, de skaper sin egen skjebne og bærer fullt ansvar for det.

Samtidig skaper Shakespeare dramaet " Mål for mål". Til tross for at den i den første folioen fra 1623 er klassifisert som en komedie, er det nesten ingen komikk i dette seriøse verket om en urettferdig dommer. Navnet refererer til Kristi lære om barmhjertighet, i løpet av handlingen er en av heltene i livsfare, og slutten kan betraktes som betinget lykkelig. Dette problematiske verket passer ikke inn i en viss sjanger, men eksisterer på grensen til sjangere: Går tilbake til moralen, er det rettet mot tragikomedie.

Ekte misantropi dukker opp bare i "Timon av Athen"- historien om en sjenerøs og snill mann, ødelagt av de han hjalp og ble en misantrop. Stykket etterlater et smertefullt inntrykk, til tross for at det utakknemlige Athen etter Timons død lider av straff. Ifølge forskerne led Shakespeare en fiasko: Stykket er skrevet i ujevnt språk og har sammen med sine fordeler enda større ulemper. Det er ikke utelukket at mer enn én Shakespeare jobbet med det. Karakteren til Timon selv mislyktes, noen ganger gir han inntrykk av en karikatur, andre karakterer er ganske enkelt bleke. Overgangen til en ny stripe av Shakespearesk kreativitet kan vurderes "Antony og Cleopatra". I «Antony and Cleopatra» er den talentfulle, men blottet for moralske grunnlag, rovdyr fra «Julius Caesar» omgitt av en virkelig poetisk glorie, og halvforræderen Kleopatra soner i stor grad for sine synder med en heroisk død.

[redigere] Fjerde periode (1609-1612)

Prospero og Ariel. Maleri av William Hamilton (1797)

Den fjerde perioden, med unntak av stykket «Henry VIII» (noen forskere mener at det ble skrevet i samarbeid med John Fletcher), omfatter bare tre eller fire år og fire skuespill – de såkalte «romantiske dramaene» eller tragikomediene. I skuespillene fra den siste perioden understreker harde prøvelser gleden ved å befri fra katastrofer. Baktalelse blir tatt, uskyld er rettferdiggjort, lojalitet belønnes, galskapen av sjalusi har ingen tragiske konsekvenser, elskere er forent i et lykkelig ekteskap. Optimismen til disse verkene oppfattes av kritikere som et tegn på forsoning av forfatteren deres. "Pericles", et skuespill som er vesentlig forskjellig fra alt tidligere skrevet, markerer fremveksten av nye verk. Naivitet som grenser til primitivitet, fraværet av komplekse karakterer og problemer, en tilbakevending til handlingskonstruksjonen som er karakteristisk for tidlig engelsk renessansedrama - alt tyder på at Shakespeare var på jakt etter en ny form. «Winter's Tale» er en snodig fantasi, en historie «om det utrolige, hvor alt er mulig». Historien om en sjalu mann som bukker under for det onde, lider psykiske lidelser og fortjener tilgivelse ved sin omvendelse. Til slutt overvinner det gode det onde, ifølge noen forskere, og bekrefter troen på humanistiske idealer, ifølge andre, triumfen til kristen moral. The Tempest er det mest suksessrike av de siste stykkene og på en måte finalen i Shakespeares verk. I stedet for kamp, ​​hersker ånden av menneskelighet og tilgivelse her. Poetiske jenter skapt nå - Marina fra "Pericles", Loss fra "The Winter's Tale", Miranda fra "The Tempest" - dette er bilder av døtre som er vakre i sin dyd. Forskere har en tendens til å se Shakespeares farvel til teaterverdenen i sluttscenen av The Tempest, der Prospero gir avkall på magien sin og trekker seg tilbake.

[redigere] Dikt og dikt

Hovedartikkel:Dikt og dikt av William Shakespeare

Første utgave av sonettene (1609)

Generelt sett kan Shakespeares dikt selvfølgelig ikke sammenlignes med hans strålende dramaer. Men tatt av seg selv bærer de preg av et enestående talent, og hvis de ikke hadde druknet i prakten til dramatikeren Shakespeare, kunne de godt ha levert og faktisk levert stor berømmelse til forfatteren: vi vet at den lærde Mires så i Shakespeare poeten den andre Ovid. Men i tillegg er det en rekke anmeldelser av andre samtidige som snakker om den "nye Catullus" med størst entusiasme.

[redigere] dikt

Diktet «Venus og Adonis» ble publisert i 1593, da Shakespeare allerede var kjent som dramatiker, men forfatteren kaller det selv sin litterære førstefødte, og derfor er det meget mulig at det enten ble unnfanget, eller til og med delvis skrevet tilbake. i Stretford. Det er også antydningen om at Shakespeare betraktet diktet (i motsetning til skuespill for det offentlige teateret) som en sjanger verdig oppmerksomhet fra en edel beskytter og et kunstverk. Ekko av hjemlandet gjør seg tydelig gjeldende. Den lokale mellomengelske smaken er levende følt i landskapet, det er ingenting sørlig i det, som kreves av plottet, før dikterens åndelige blikk, var det utvilsomt innfødte bilder av de fredelige feltene i Warwickshire med deres myke toner og ro skjønnhet. Man aner også i diktet en utmerket hestekjenner og en utmerket jeger. Handlingen er i stor grad hentet fra Ovids Metamorfoser; i tillegg er mye lånt fra Logens Scillaes Metamorphosis. Diktet er utviklet med all renessansens arroganse, men fortsatt uten lettsindighet. Og det er dette som hovedsakelig påvirket talentet til den unge forfatteren, i tillegg til at diktet ble skrevet i klangfulle og pittoreske vers. Hvis Venus forsøk på å tenne begjær hos Adonis slår den senere leseren med sin åpenhet, gir de samtidig ikke inntrykk av noe kynisk og ikke verdig kunstnerisk beskrivelse. Foran oss er lidenskap, ekte, vanvittig, formørker sinnet og derfor poetisk legitimt, som alt som er lyst og sterkt.

Mye mer måtelig er det andre diktet, Lucretia, utgitt året etter (1594) og dedikert, som det første, til jarlen av Southampton. I det nye diktet er det ikke bare noe uhemmet, men tvert imot, alt, som i den gamle legenden, dreier seg om den mest raffinerte forståelsen av et helt konvensjonelt konsept for kvinnelig ære. Fornærmet av Sextus Tarquinius, anser Lucretia det ikke som mulig å leve etter bortføringen av hennes ekteskapelige ære og uttrykker følelsene sine i de lengste monologene. Strålende, men ganske anstrengte metaforer, allegorier og antiteser fratar disse monologene ekte følelser og gjør hele diktet retorisk. Imidlertid var denne typen høyhet under diktskrivingen veldig populær blant publikum, og Lucretia var like vellykket som Venus og Adonis. Bokhandlere, som alene på den tiden tjente på litterær suksess, siden litterær eiendom for forfattere da ikke fantes, trykket opplag etter opplag. I løpet av Shakespeares levetid gikk "Venus og Adonis" gjennom 7 utgaver, "Lucretia" - 5.

Ytterligere to dikt tilskrives Shakespeare, hvorav ett, "The Complaint of a Lover", kan ha blitt skrevet av Shakespeare i ungdommen. Diktet "The Passionate Pilgrim" ble publisert i 1599, da Shakespeare allerede var kjent. Dens forfatterskap har blitt stilt spørsmål ved: det er mulig at tretten av de nitten diktene ikke ble skrevet av Shakespeare. I 1601, i samlingen "Love's Martyr, or Rosalind's Complaint", utarbeidet under ledelse av den lite kjente poeten Robert Chester, ble Shakespeares allegoriske dikt "The Phoenix and the Dove" publisert, som er en del av en syklus av verk av andre poeter med samme karakterer.

[redigere] Sonetter

Hovedartikkel:Sonetter av William Shakespeare

Det såkalte "Chandos-portrettet" av en ukjent person, der Shakespeare tradisjonelt er sett

En sonett er et dikt på 14 linjer. I Shakespeares sonetter er følgende rim adoptert: abab cdcd efef gg, det vil si tre kvart for kryssrim, og en kuplett (en type introdusert av poeten Earl of Surrey, som ble henrettet under Henry VIII).

Totalt skrev Shakespeare 154 sonetter, og de fleste av dem ble til i årene 1592-1599. De ble først trykt uten forfatterens viten i 1609. To av dem ble publisert allerede i 1599 i samlingen Den lidenskapelige pilgrim. Dette er sonetter 138 Og 144 .

Hele syklusen av sonetter er delt inn i separate tematiske grupper:

Sonetter dedikert til en venn: 1 -126

Å synge en venn: 1 -26

Venneprøver: 27 -99

Separasjonens bitterhet: 27 -32

Den første skuffelsen hos en venn: 33 -42

Lengsel og frykt: 43 -55

Økende fremmedgjøring og melankoli: 56 -75

Rivalisering og sjalusi mot andre diktere: 76 -96

"Vinter" av separasjon: 97 -99

Feiring av fornyet vennskap: 100 -126

Sonetter dedikert til en mørk kjæreste: 127 -152

Konklusjon - kjærlighetens glede og skjønnhet: 153 -154

Sonett 126 bryter med kanonen - den har bare 12 linjer og et annet rimmønster. Noen ganger regnes det som en seksjon mellom to betingede deler av syklusen - sonetter dedikert til vennskap (1-126) og adressert til "den mørke damen" (127-154). Sonett 145 skrevet i jambisk tetrameter i stedet for pentameter og skiller seg i stil fra de andre; noen ganger tilskrives det den tidlige perioden, og dens heltinne identifiseres med Shakespeares kone Anna Hathaway (hvis etternavn, kanskje som et ordspill "hate bort" er presentert i sonetten).

Første publikasjoner

Det er anslått at halvparten (18) av Shakespeares skuespill ble publisert på en eller annen måte i løpet av dramatikerens levetid. Den viktigste publikasjonen av Shakespeares arv anses å være folioen fra 1623 (den såkalte "First Folio"), utgitt av Edward Blount og William Jaggard som en del av den såkalte. "Chester samling"; skrivere Worrall og Col. Denne utgaven inkluderer 36 Shakespeares skuespill – alle unntatt «Pericles» og «Two Noble Kinsmen». Det er denne utgaven som ligger til grunn for all forskning innen Shakespeare-feltet.

Dette prosjektet ble gjort mulig gjennom innsatsen til John Heminge og Henry Condell (1556-1630 og Henry Condell, d.1627), venner og kolleger av Shakespeare. Innledes med boken kommer en melding til leserne på vegne av Heminge og Condell, samt en poetisk dedikasjon til Shakespeare - Til minne om min elskede, forfatteren - av dramatikeren Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637), som var samtidig hans litterære motstander, kritiker og venn som bidro til utgivelsen av First Folio, eller som den også kalles - "The Great Folio" (The Great Folio av 1623).

VIII. FORGANG

Den nye dramaturgien, som erstattet middelalderens teater – mysterier, allegorisk moral og primitive folkefarser, utviklet seg gradvis.

Tilbake på trettitallet av det sekstende århundre skrev biskop Bayle, en ivrig protestant, et skuespill rettet mot katolisismen. Han illustrerte tankene sine med et eksempel fra Englands historie - Kong Johannes den jordløses kamp (regjerte fra 1199 til 1216) mot paven. I virkeligheten var denne kongen en ubetydelig person, men han var den protestantiske biskopen kjær fordi han var i fiendskap med paven. Bayle skrev en moral der personifiserte dyder og laster handlet. Den sentrale figuren i stykket ble kalt Dyd. Men samtidig ble den kalt kong Johannes. Blant de dystre skikkelsene som personifiserer laster, var navnet på den ene ulovlig grepet makt, hun er også paven; navnet på den andre er Incitement to Revolt, hun er også pavens legat. Bayles «King John» er et slags skuespill der allegoriene til den gamle middelaldermoralen ble kombinert med den nye historiske sjangeren, som senere blomstret i Shakespeares historiske skuespill. Bayles "King John" ble sammenlignet av litteraturhistorikere med en kokong: den er ikke lenger en larve, men ennå ikke en sommerfugl.

Samtidig, på trettitallet av 1500-tallet, begynte det såkalte «skole»-dramaet å utvikle seg i England. Det kalles det fordi det ble skapt innenfor murene til universiteter og skoler: skuespillene ble skrevet av professorer og lærere, fremført av studenter og skolebarn. Men det kan også kalles et "skole"-drama i den forstand at dramatikerne som skapte det selv fortsatt lærte å skrive skuespill ved å studere eldgamle forfattere og etterligne dem. På trettitallet av det sekstende århundre ble den første komedien på engelsk, Ralph Royster-Deuster, skrevet; forfatteren var en kjent lærer på den tiden, Nicholas Youdl, direktør for Eton-skolen. På femtitallet skrev de lærde advokatene Sackville og Norton den første tragedien på engelsk - Gorboduk.

Men alt dette var bare «skole». Ekte, fulle av liv dramatiske verk dukket opp først da folk fra universiteter - "universitetshenner" - begynte å gi skuespillene sine til profesjonelle skuespillere. Dette skjedde på åttitallet av det XVI århundre.

I 1586 dukker det opp to skuespill som fortjener spesiell oppmerksomhet. Forfatteren av den første er Thomas Kidd (som også skrev det første stykket om Hamlet, som dessverre ikke har kommet ned til oss).

Barnelek er en typisk "tragedie av torden og blod", som de sa da. Selve tittelen er veltalende – «Spansk tragedie». Dette er et forsøk, fortsatt primitivt, på å skildre kraften i menneskelige følelser. Den forferdelige figuren Revenge dukker opp på scenen, og minner om bildene av en gammel moral. Straks kommer Anden til den myrdede Andrea ut, som klager over de sjofele morderne og roper til sin forferdelige følgesvenn. Handlingen begynner. Den unge mannen Horatio elsker den vakre jenta Belimperia, og hun elsker ham. Men Balthazar, sønnen til den portugisiske kongen, elsker også Belimperia. Balthasar blir tatt for å hjelpe broren til Belimperia - den kriminelle Lorenzo. På en måneskinn kveld, når unge mennesker, som sitter i hagen, erklærer sin kjærlighet til hverandre, kommer maskerte mordere på scenen og dreper Horatio med dolker. På datidens engelske scene likte de å skildre drap og andre «grusomheter»: en skuespiller ble satt en flaske rød eddik under en hvit kappe; dolken stakk gjennom boblen, og røde flekker dukket opp på den hvite kappen. Etter å ha knivstukket Horatio med dolker, henger morderne liket hans på et tre - tilsynelatende for å tydeligere vise publikum liket flekket med blod. Attentatmennene tar deretter bort Belimperia med tvang. Horatios far, gamle Jeronimo, løper ut til skrikene hennes - i en skjorte, med et sverd i hendene. Når han ser liket av sønnen henge på et tre, ytrer han en tordnende monolog og ber om hevn ... Alt som skjer på scenen blir observert av Revenge and the Spirit of the myrdede Andrea, som gledesfullt venter på hevn, fordi Horatios mordere også er hans mordere. Men gamle Jeronimo nøler: det er ikke lett å ta hevn på kongens sønn. Den uheldige gamle mannen tenker lengselsfullt på livet. "O verden! utbryter han. "Nei, ikke verden, men en samling forbrytelser!" Han sammenligner seg med en ensom reisende som gikk seg vill en snørik natt... Andreas ånd er grepet av angst. Han vender seg til Vengeance, men ser at hun sover. "Våkn opp, hevn!" utbryter han fortvilet. Hevn er i ferd med å våkne. Og så slår en tanke gamle Jeronimo. For å nå målet planlegger han å sette opp et skuespill ved hoffet (leseren har allerede lagt merke til noen likheter mellom denne tragedien og Shakespeares Hamlet; vi husker nok en gang at Kidd var forfatteren av det første stykket om Hamlet). I forestillingen iscenesatt av Jeronimo, Belimperia, initiert i planen hans, samt Balthazar og Lorenzo deltar. I løpet av stykket må karakterene drepe hverandre. Gamle Jeronimo gjør det slik at i stedet for "teatralske" drap, skjer det ekte drap. Forestillingen avsluttes, men skuespillerne reiser seg ikke fra bakken. Den spanske kongen krever en forklaring fra Jeronimo. Hieronimo nekter å svare og, som bekreftelse på avslaget, biter han av sin egen tunge og spytter den ut. Så beordrer kongen å gi ham en penn slik at han skriver en forklaring. Hieronimo ber med tegn om å gi ham en kniv for å slipe pennen, og stikker seg selv med denne kniven. En jublende hevn dukker opp over en haug med blodige lik, noe som antyder at den sanne gjengjeldelsen ennå ikke kommer: den begynner i helvete.

Alt i dette stykket er teatralsk, betinget, melodramatisk tvers igjennom. Thomas Kidds "Spanske tragedie" er stamfaren til den "romantiske" trenden i dramaturgien i Shakespeare-tiden, som ga opphav til slike tragedier som for eksempel "The White Devil" eller "The Duchess of Malfi" av Shakespeares samtidige - Webster.

Samme år, 1586, ble det skrevet et skuespill av et helt annet slag. Tittelen er "Arden fra byen Feversham" (forfatteren er ukjent for oss). Dette er et familiedrama. Den forteller hvordan en ung kvinne, Alice Arden, og hennes elsker Moseby drepte Alices mann. Selve drapet er skildret med stor kraft, når Alice forgjeves prøver å vaske vekk blodflekkene (dette motivet ble utviklet med storslått kraft av Shakespeare i den berømte scenen der Lady Macbeth vandrer halvsovende, overveldet av minner). Alt i dette stykket er livsviktig, realistisk. Og selve handlingen ble lånt av forfatteren fra det virkelige liv. I epilogen ber forfatteren publikum om å tilgi ham for at det ikke er noen «dekorasjoner» i stykket. Ifølge forfatteren er "enkel sannhet" nok for kunst. Dette skuespillet kan kalles stamfaren til den trenden i dramaturgien til Shakespeare-tiden, som forsøkte å skildre hverdagslivet, for eksempel Thomas Heywoods fantastiske drama «A Woman Killed by Kindness». Shakespeares verk kombinerer begge strømninger – romantiske og realistiske.

Det var prologen. De virkelige hendelsene begynner med opptredenen på London-scenen av skuespillene til Christopher Marlowe. Marlowe ble født, som Shakespeare, i 1564 og var bare to måneder eldre enn ham. Marlos hjemland var den gamle byen Canterbury. Christopher Marlos far eide en skobutikk. Foreldrene sendte sønnen sin til Cambridge University i håp om å gjøre ham til prest. Etter å ha uteksaminert seg fra universitetet, i stedet for kirkealteret, havnet Marlo på scenen til London-scenen. Men han var ikke bestemt til å bli skuespiller. Ifølge legenden brakk han beinet og måtte slutte å spille. Så begynte han å skrive skuespill. Hans grandiose epos i to deler og ti akter "Tamerlane den store" dukket opp i 1587-1588. I dette eposet forteller Marlo om livet, krigene og døden til den berømte sjefen på XIV århundre.

"Skytisk hyrde", "raner fra Volga" kalles Tamerlane i Marlos skuespill av østkongene, som han styrter fra tronen og fanger kongedømmene deres. Tamerlanes hær består ifølge Marlo av «enkle landgutter». Marlo fremstiller Tamerlane som en muskuløs gigant. Dette er en mann med fenomenal fysisk styrke, uforgjengelig vilje og elementært temperament. Den ligner de mektige figurene skapt av Michelangelos meisel. Motivet for forherligelsen av jordelivet, så typisk for renessansen, runger høyt i dette storslåtte dramatiske eposet; Ord høres fra scenen: "Jeg tror at himmelske gleder ikke kan sammenlignes med kongelig glede på jorden!"

Tamerlane er, i likhet med Marlo selv, en lidenskapelig fritenker. I en av sine stormende tordnende monologer sier han at målet for mennesket er «for alltid å stige til uendelig kunnskap og for alltid være i bevegelse, som de himmelske sfærene som ikke kjenner hvile». Denne fabelaktige helten er full av overskudd av styrke. Han rir inn på scenen i en vogn, som kongene han har tatt til fange i stedet for hester spennes til. "Hei, du bortskjemte asiatiske maser!" roper han og maner dem videre med pisken.

Marlos neste skuespill var The Tragic History of Doctor Faust. Det var den første dramatiske tilpasningen av den berømte legenden. Marlos skuespill reflekterte menneskets ønske om å erobre naturkreftene, så karakteristisk for renessansen. Faust selger sin sjel til Mefistofeles for å «få kunnskapens gyldne gaver» og «trenge inn i naturens skattkammer». Han drømmer om å omslutte hjembyen sin med en kobbermur og gjøre den utilgjengelig for fienden, endre elveløpet, kaste en bro over Atlanterhavet, fylle Gibraltar og forbinde Europa og Afrika til ett enkelt kontinent ... "Hvor storartet det er. alt er!" - bemerket Goethe, som brukte noen av trekkene i Marlos tragedie for sin Faust.

Fantasiens storslåtte omfang, det kraftige trykket av krefter, som med vanskeligheter, kjennetegner Marlos verk. «Marlos kraftfulle vers», skrev Ben Jonson. Shakespeare snakker også om det "kraftige ordtaket" til Marlowe.

Puritanerne, som skapte koden for den nye borgerlige moralen, var indignerte på den lidenskapelige fritenkeren som åpenlyst forkynte hans synspunkter. Den ene etter den andre kom oppsigelser til Queen's Privy Council. Og selv vanlige folk, selv om Marlowes skuespill var en stor suksess blant dem, så noen ganger på det som skjedde på scenen ikke uten overtroisk frykt. Det var til og med et slikt rykte i London. En gang, etter forestillingen til Faust, viste det seg at skuespilleren som spilte rollen som Mephistopheles var syk og ikke gikk på teatret. Hvem spilte da Mephistopheles den dagen? Skuespillerne skyndte seg inn i garderoben, og først da, ved lukten av svovel, gjettet de at djevelen selv opptrådte på London-scenen den dagen.

Marlo skrev flere skuespill (hans beste skuespill når det gjelder livligheten til menneskeportrettene han skapte er den historiske kronikken "Kong Edward II"). Men hans fantastiske talent var ikke bestemt til å utfolde seg i full kraft. Den 30. mai 1593 ble Christopher Marlowe, i sitt trettiende år, drept på en taverna. Puritanerne gledet seg. "Herren plantet denne bjeffende hunden på hevnens krok," skrev en av dem.

Mange legender har utviklet seg rundt Marlos død. Noen legender fortalte at Marlo døde i et beruset slagsmål etter å ha kranglet med morderen sin om en prostituert; andre at han falt for å forsvare æren til en uskyldig jente. Disse legendene ble seriøst lyttet til inntil nylig. Og først i 1925 klarte den amerikanske professoren Leslie Hotson å finne dokumenter i de engelske arkivene som kaster nytt lys over omstendighetene rundt Marlos død (Hotsons oppdagelser er nedfelt i boken: Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925). Og det viste seg at drapet på Marlo var arbeidet til dronning Elizabeths Privy Council; ved drapet på Marlo var en viss Field til stede - en agent fra Privy Council.

Dermed døde «faren til engelsk drama» Christopher Marlowe, uten å avsløre sine kreative krefter fullt ut. Og akkurat i det året, da stjernen hans, brennende med en lys, lidenskapelig og ujevn glans, begynte, begynte stjernen til William Shakespeare å stige opp på den teatralske himmelen i London. I motsetning til forgjengerne hans, som var universitetsutdannede, "universitetshenner", var denne nye dramatikeren bare en skuespiller.

Vi har bare nevnt noen få av Shakespeares forgjengere. I virkeligheten gjorde Shakespeare omfattende bruk av hele den litterære fortiden til sitt hjemland. Han lånte mye fra Chaucer (for eksempel, Shakespeares dikt "Lucretia" med dets plotrøtter tar oss til Chaucers "Legends of Good Women"; bildene av Theseus og Hippolyta i komedien "A Midsummer Night's Dream" var sannsynligvis inspirert av " The Knight's Tale" fra Chaucers berømte Canterbury Tales, Chaucers dikt Troilus og Cressida påvirket Shakespeares komedie med samme navn, etc.). Shakespeare skyldte mye til Edmund Spenser, forfatter av The Faerie Queene, og til andre poeter på skolen hans. Fra "Arcadia" av Philip Sidney lånte Shakespeare plottet, som han legemliggjorde i bildet av Gloucester, forrådt av sønnen Edmund ("King Lear") - Shakespeare hyllet også euphuismen. Til slutt, blant forgjengerne til Shakespeare, bør de navnløse fortellerne til engelske folkeballader nevnes. Det er i den engelske folkeballaden det tragiske handlingsdramaet fødes, som er så typisk for Shakespeares og hans samtidiges verk. Mange tanker og følelser som lenge har eksistert blant folket og reflektert i folkeballader og sanger, har funnet en strålende kunstnerisk legemliggjøring i Shakespeares verk. Røttene til denne kreativiteten går dypt ned i folkejorden.

Av verkene fra utenlandsk litteratur var Shakespeare først og fremst påvirket av de italienske novellene Boccaccio og Bandello, hvorfra Shakespeare lånte en rekke plott til skuespillene sine. En samling italienske og franske noveller oversatt til engelsk, med tittelen The Hall of Delights, var Shakespeares håndbok. For sine "romerske tragedier" ("Julius Caesar", "Coriolanus", "Antony and Cleopatra") tok Shakespeare plott fra Plutarchs Lives of Famous People, som han leste i Norths engelske oversettelse. Blant favorittbøkene hans var også Ovids Metamorphoses i en engelsk oversettelse av Golding.

Shakespeares verk er utarbeidet av mange poeter, forfattere og oversettere.

Fra Karl den Stores bok forfatter Levandovsky Anatoly Petrovich

Kapittel først. Forgjengere Under angrepet av "barbarer" Du bør starte langveis fra, og for å nærme deg keiseren på 900-tallet, må du huske et annet imperium, mye eldre. I mer enn tolv århundrer dominerte det gamle Roma, først innenfor en liten

Fra boken til Mesteren av livegne Russland forfatter Safonov Vadim Andreevich

FORECESSORER OG FROLOV Kuzma Frolov tilbrakte hele sitt påfølgende lange liv ved Zmeinogorsk-gruven. Det var her hans dype talent som mekaniker manifesterte seg i sin helhet. Tvunget av omstendighetene til å gjøre en bred erstatning av menneskelig arbeidskraft med energien fra vann

Fra boken av William Harvey. Hans liv og vitenskapelige virksomhet forfatter Engelgardt Mikhail Alexandrovich

Kapittel II. Harveys forgjengere Physiology of the olds. - Erazistrat. - Galen. - Den endelige konklusjonen av gammel fysiologi. - Den hedenske vitenskapens fall. - Læren om den "falske vitenskapen om verden" og dens innflytelse. - Middelalderen. - Vitenskapens vekkelse. – Serviliteten til europeisk vitenskap før

Fra boken til James Watt. Hans liv og vitenskapelige og praktiske aktiviteter forfatter Kamensky Andrey Vasilievich

KAPITTEL IV. WATTS FORRETNINGER Folk har kjent kraften til damp i svært lang tid. Selv i bøker skrev de om det i antikken. Allerede den alexandrinske vitenskapsmannen Heron, 120 år f.Kr., beskrev den såkalte eoliske kulen, som roterte når den ble varmet opp på sin horisontale akse.

Fra boken Nechaev: Creator of Destruction forfatter Lurie Felix Moiseevich

FORGANG Mens Nechaev krysser havene og fjerne land, la oss forlate helten vår for en stund og vende oss til dem som banet vei for ham i den revolusjonære bevegelsen. Nechaev dukket ikke opp fra bunnen av - la oss bli kjent med hans forgjengere. En roman av F. M. Dostojevskij

Fra boken Passion for Tchaikovsky. Samtaler med George Balanchine forfatter Volkov Solomon Moiseevich

Forgjengere og samtidige Balanchine: Tsjaikovskij forgudet. Mozart. Mennesker

Fra Herodots bok forfatter Surikov Igor Evgenievich

Forgjengere Ikke alle eldgamle mennesker hadde en historisk vitenskap (grekerne holder utvetydig håndflaten her), men ikke desto mindre hadde de alle en eller annen form for historisk bevissthet, historisk hukommelse. Livet i nåtiden er tross alt umulig

Fra boken Alexander den store forfatteren Fort Paul

Grekerne - forgjengerne til Alexander Det kan hevdes at hvis invasjonen av det persiske riket viste seg å være en relativt enkel sak, så skyldtes dette ikke bare det faktum at reisende, diplomater, leger og kjøpmenn fra minst

Fra boken MATISSE forfatter Alpatov Mikhail Vladimirovich

Fra boken til Jan Hus forfatter Kratochvil Milos Vaclav

KAPITTEL 4 HUS' FORGANG OG LÆRERE Vi prøvde å presentere et bilde av det tsjekkiske og Praha-samfunnet på begynnelsen av 1400-tallet, ble kjent med dets bestanddeler, bestemte deres interesser og økonomiske styrke; og foran oss ble motsetninger avslørt og

Fra Arafats bok forfatter Konzelman Gerhard

10. Arafats forgjengere i ledelsen av PLO

Fra boken Hanssensaken. "Møflekker" i USA forfatter Kolpakidi Alexander Ivanovich

KAPITTEL FEM Hanssens forgjengere Rekrutteringsagenter i NSA, CIA, og i spesialtjenestene til den amerikanske hæren og marinen, sovjetisk etterretning glemte aldri USAs eldste spesialtjeneste, Federal Bureau of Investigation. Infiltrer FBI, som hadde ansvaret for intern

Fra Luther Burbank forfatter Molodchikov A.I.

I. SIDER FRA FORTID (Forerunners of Burbank.) 1. "Secrets of Nature" av Konrad Sprengel Man har dyrket planter i uminnelige tider. Og utvilsomt oppnådde til og med den primitive bonden, som den forkullede grenen erstattet alle landbruksredskaper.

Fra boken The Mandelstam Code forfatter Lifshits Galina Markovna

Forgjengere Det er ingen tvil om at et kunstverk bærer preg av personligheten og aktiviteten til dets skaper.I tillegg, i hvert tilfelle på sin måte, deltar også innflytelsen fra forgjengerdikterne i konstruksjonen av et poetisk verk.

Fra boken First circumnavigation of the world av James Cook

Fra boken American Scientists and Inventors av Wilson Mitchell

Wrights' forgjengere Den sanne pioneren innen tyngre enn luft-flyging var Sir George Cayley (1773–1857), som, med Orville Wrights ord, "kunne mer om prinsippene for luftfart enn noen av sine forgjengere, og like mye som noen av hans etterfølgere." ". I de

William Shakespeare regnes som en strålende poet og dramatiker, ikke bare i Storbritannia, men over hele verden. Det er generelt akseptert at verkene hans er et slags leksikon over menneskelige relasjoner, de er som et speil der mennesker, store og ubetydelige, presenteres i deres essens. Han skrev 17 komedier, 11 tragedier, 10 kronikker, 5 dikt og 154 sonetter. De studeres i skoler, høyere utdanningsinstitusjoner. Ingen dramatiker har vært i stand til å oppnå en slik storhet som Shakespeare ble tildelt etter sin død. Til nå prøver forskere fra forskjellige land å løse spørsmålet om hvordan en slik skaper kunne dukke opp på 1500-tallet, hvis verk 400 år senere fortsatt er relevante.

Det er ingen konsensus om opprinnelsen til Shakespeare. Den nøyaktige fødselsdatoen hans er ukjent. I følge allment akseptert informasjon ble han født i Stratford-upon-Avon, nær Birmingham, og ble døpt der 26. april 1564. Faren hans var kjøtthandler, hadde to hus og ble valgt til ordfører. Men i Shakespeares familie var det ingen som tok seg av litteratur, historie og var dessuten ikke glad i teatret. Det var ikke noe miljø i Stratford som kunne oppdra en fremtidig dramatiker.

Unge William gikk på en skole for ikke veldig velstående barn, som underviste gratis. I en alder av 14 ble han uteksaminert fra det, og i en alder av 18 ble han tvunget til å gifte seg med datteren til en velstående bonde - angivelig hadde familien en vanskelig økonomisk situasjon. Hans kone, Anne Hathaway, var 8 år eldre enn William.

Shakespeare var tilsynelatende skuffet over ekteskapet og dro til London for å jobbe. Det er bevis på at han ble med i en gruppe omreisende skuespillere. Det var i London han begynte å skrive poesi, dikt, og dedikerte dem til innflytelsesrike mennesker. Det er sannsynlig at han ved å gjøre det vakte oppmerksomheten til rike mennesker. Han ble anbefalt å gå på teater. Riktignok ble han ikke akseptert som skuespiller, men fikk tilbud om å betjene de besøkendes hester. Han var enig. Så prøvde han seg som sufflør. Han viste litterære evner, og forskjellige skuespill begynte å bli gitt til ham for revisjon: dramaer, komedier. Det er mulig at bekjentskap med disse verkene, fremførelsen av skuespillere på scenen gjorde at han ville prøve seg som forfatter. Og i en alder av 25 skrev han sitt første skuespill om krigen mellom to dynastier. Bak henne, en til og en til. Noen ble akseptert for produksjon, og de hadde suksess hos publikum.

Shakespeare skrev for Globe Theatre, som ble bygget i 1599 på bekostning av skuespillere, inkludert Shakespeare. På frontonet av bygningen sto ordtaket til den romerske forfatteren Petronius Voldgiften: "Hele verden er et teater, alle menneskene i den er skuespillere." Bygningen ble ødelagt av brann 29. juni 1613.

Shakespeares skuespill skilte seg fra de tradisjonelle i sitt dype innhold. Han, som ingen før ham, introduserte en spennende intrige og demonstrerte hvordan en endret situasjon forandrer mennesker. Han viste at en stor person i en ny situasjon kan opptre lavt, og omvendt kan en ubetydelig person reise seg til en stor gjerning. Han avslørte karakterenes moralske essens, etter hvert som plottet utviklet seg, viste hver sin karakter, og publikum hadde empati for det som skjedde på scenen. De dramatiske verkene til Shakespeare viste seg å være med høy moralsk patos.

Men han kunne ikke klare seg uten vanskeligheter: med skuespillene sine fratok han andre forfattere inntektene deres, publikum ville ha Shakespeare, de gikk til dramaene hans. Han lånte historier fra eldgamle forfattere, brukte historiske kronikker. For disse lånene fikk han tilnavnet «kråken i andres fjær».

Skuespill ga teatret en god inntekt, og Shakespeare selv ble rik. Han kjøpte et hus i hjemlandet i Stratford, kjøpte deretter et hus i London, ga penger mot renter. Han var en velstående forfatter og ble til og med tildelt adelens våpenskjold som avbildet en falk med et spyd.

Shakespeare levde for nytelsens skyld, og det antas at han døde etter en lystig fest med venner.

Folk nær Shakespeare, hans samtidige, satte pris på arbeidet til deres favoritt - de spådde hans evige liv i teaterverdenen. Og slik ble det. Shakespeares geni ble også snakket om mange år etter hans død, da skuespillene hans kom inn på repertoaret til verdens ledende teatre.

Heltene hans har blitt et symbol på tragiske livssituasjoner: Romeo og Julie - uselvisk kjærlighet, Lady Macbeth - kriminalitet, Iago og Othello - bedrag og godtroenhet, Falstaff - feighet og skryt, Hamlet - kasting mellom følelse og plikt.

Shakespeare var en født dramatiker, han hjelper seeren til å ta et nytt blikk på seg selv og verden.