100 kjente malerier. De mest kjente og betydningsfulle maleriene i verden for kunsthistorien
Storslåtte kunstverk laget av store mestere kan overraske selv folk som kunst betyr lite for. Det er derfor verdensberømte museer er blant de mest populære attraksjonene, og tiltrekker seg millioner av besøkende i året.
For å skille seg ut fra det enorme antallet malerier skrevet gjennom kunsthistorien, trenger kunstneren ikke bare talent, men også evnen til å uttrykke et unikt plot på en uvanlig og veldig relevant måte for sin tid.
Maleriene som presenteres nedenfor, snakker høyt ikke bare om forfatternes talent, men også om de mange kulturelle trendene som har dukket opp og forsvunnet, og om de viktigste historiske hendelsene som alltid har blitt reflektert i kunsten.
"Venus fødsel"
Dette maleriet, malt av den store renessansemesteren Sandro Botticelli, skildrer øyeblikket da den vakre Venus dukker opp fra havskummet. En av de mest overbevisende aspektene ved maleriet er den beskjedne posituren til gudinnen og hennes enkle, men vakre ansikt.
"Hunder spiller poker"
Denne serien på 16 malerier, malt av Cassius Coolidge i 1903, viser hunder samlet rundt et kaffe- eller spillebord som spiller poker. Mange kritikere anerkjenner disse maleriene som den kanoniske skildringen av tidens amerikanere.
Portrett av Madame Recamier
Malt av Jacques-Louis David, dette portrettet viser en glitrende sosialist i en kontrasterende minimalistisk og enkel setting, kledd i en enkel ermeløs hvit kjole. Dette er et levende eksempel på nyklassisisme i portrettkunst.
№5
Dette berømte maleriet av Jackson Pollock er hans mest ikoniske verk, og viser levende alt kaoset som raste i Pollocks sjel og sinn. Dette er et av de dyreste verkene som noen gang er solgt av en amerikansk kunstner.
"Menneskesønnen"
«Menneskesønnen» av Rene Magritte er et slags selvportrett som skildrer kunstneren selv i svart dress, men med et eple i stedet for et ansikt.
"Nummer 1" ("Royal Red and Blue")
Dette ganske ferske stykket av Mark Rothko er ikke annet enn penselstrøk av tre forskjellige nyanser på et håndlaget lerret. Maleriet er for tiden utstilt på Art Institute of Chicago.
"Massacre of the Innocent"
Basert på den bibelske historien om massakren på uskyldige babyer i Betlehem, skapte Peter Paul Rubens dette makabre og brutale maleriet som berører følelsene til alle som ser på det.
"En søndag ettermiddag på øya Grande Jatte"
Laget av Georges Seurat, dette unike og veldig populære maleriet skildrer den avslappede atmosfæren til en helg i en storby. Et slikt maleri er et utmerket eksempel på pointillisme, som kombinerer mange prikker til en helhet.
"Danse"
«Dans» av Henri Matisse er et eksempel på en stil som kalles fauvisme, som er preget av lyse, nesten unaturlige farger og former og høy dynamikk.
"Amerikansk gotisk"
"American Gothic" er et kunstverk som perfekt symboliserer bildet av amerikanere under den store depresjonen. I dette maleriet avbildet Grant Wood et strengt, tilsynelatende religiøst par som sto foran et enkelt hus med gotiske vinduer.
"Blomsterlaster"
Dette maleriet av den mest populære meksikanske maleren på 1900-tallet, Diego Rivera, viser en mann som knapt tåler en kurv overfylt med lyse tropiske blomster på ryggen.
"Whistlers mor"
Også kjent som Arrangement in Grey and Black. The Artist's Mother, dette er et av de mest kjente maleriene av den amerikanske kunstneren James Whistler. I dette maleriet avbildet Whistler moren sin sittende i en stol mot en grå vegg. Maleriet bruker kun sorte og grå nyanser.
"Minnenes utholdenhet"
Dette er et kultverk av ikke mindre kult Salvador Dali, den verdensberømte spanske surrealisten som brakte denne bevegelsen til kunstens forkant.
Portrett av Dora Maar
Pablo Picasso er en av de mest populære og innflytelsesrike spanske malerne. Han er grunnleggeren av den sensasjonelle stilen på den tiden, kalt kubisme, som søker å bryte opp ethvert objekt og formidle det med klare geometriske former. Dette maleriet er det første portrettet i kubistisk stil.
"Portrett av en kunstner uten skjegg"
Dette maleriet av Van Gogh er et selvportrett, og unikt, fordi det skildrer maleren uten det vanlige skjegget. I tillegg er dette et av få Van Gogh-malerier som har blitt solgt til private samlinger.
"Nattkafé terrasse"
Malt av Vincent van Gogh, skildrer dette maleriet et kjent syn på en helt ny måte, ved å bruke utrolig livlige farger og uvanlige former.
"Komposisjon VIII"
Wassily Kandinsky er anerkjent som grunnleggeren av abstrakt kunst – en stil som bruker former og symboler i stedet for kjente objekter og mennesker. "Komposisjon VIII" er et av de første maleriene av kunstneren, laget utelukkende i denne stilen.
"Kysse"
Et av de første kunstverkene i jugendstilen, dette maleriet er nesten utelukkende utført i gulltoner. Maleriet av Gustav Klimt er et av de mest slående stilverkene.
"Ball på Moulin de la Galette"
Maleriet av Pierre Auguste Renoir er en levende og dynamisk skildring av bylivet. I tillegg er det et av de dyreste maleriene i verden.
"Olympia"
I Olympia skapte Édouard Manet en ekte kontrovers, nesten en skandale, siden en naken kvinne med et blikk tydeligvis er en elskerinne, ikke tilslørt av mytene fra den klassiske perioden. Dette er et av de tidlige verkene i stil med realisme.
"Tredje mai 1808 i Madrid"
I dette verket skildret Francisco Goya Napoleons angrep på spanjolene. Dette er et av de første spanske maleriene som skildrer krigen i et negativt lys.
"Las Meninas"
Det mest kjente maleriet av Diego Velasquez skildrer den fem år gamle Infanta Margherita foran et portrett av foreldrene hennes malt av Velasquez.
"Portrett av Arnolfinis"
Dette maleriet er et av de eldste maleriene. Den ble malt av Jan van Eyck og skildrer den italienske forretningsmannen Giovanni Arnolfini og hans gravide kone i deres hjem i Brugge.
"Hyle"
Et maleri av den norske kunstneren Edvard Munch viser en mannsansikt forvrengt av frykt mot en blodrød himmel. Landskapet i bakgrunnen tilfører dette maleriet en mørk sjarm. I tillegg er The Scream et av de første ekspresjonistiske maleriene der realismen holdes på et minimum for å gi mer frihet til følelser.
"Vann"
Vannliljer, av Claude Monet, er en del av en serie på 250 malerier som viser elementer fra kunstnerens egen hage. Disse maleriene er utstilt i ulike kunstmuseer rundt om i verden.
"Starlight Night"
Van Goghs «Starry Night» er et av de mest kjente bildene i samtidskulturen. Den er for tiden utstilt på Museum of Modern Art i New York.
"Icarus fall"
Dette maleriet, malt av den nederlandske kunstneren Pieter Brueghel, viser en persons likegyldighet til lidelsene til sine medmennesker. Et sterkt sosialt tema vises her på en ganske enkel måte, ved å bruke bildet av Ikaros som drukner under vann og folk som ignorerer lidelsen hans.
"Skapelsen av Adam"
Skapelsen av Adam er en av flere praktfulle fresker av Michelangelo som pryder taket i Det sixtinske kapell i Vatikanpalasset. Den skildrer skapelsen av Adam. I tillegg til å skildre ideelle menneskelige former, er fresken et av de første forsøkene på å skildre Gud i kunsthistorien.
"Det siste måltid"
Denne fresken av den store Leonardo skildrer Jesu siste måltid før hans svik, arrestasjon og død. I tillegg til komposisjon, form og farge er diskusjonen om denne fresken full av teorier om skjulte symboler og Maria Magdalenas nærvær ved siden av Jesus.
"Guernica"
Picassos "Guernica" skildrer eksplosjonen av den spanske byen med samme navn under den spanske borgerkrigen. Dette er et svart-hvitt bilde, som negativt skildrer fascisme, nazisme og deres ideer.
"Jente med en perleørering"
Dette maleriet av Johannes Vermeer omtales ofte som den nederlandske Mona Lisa, ikke bare på grunn av dets ekstraordinære popularitet, men også fordi uttrykket i jentas ansikt er vanskelig å fange og forklare.
"Halshugging av døperen Johannes"
Maleriet av Caravaggio skildrer veldig realistisk øyeblikket av drapet på døperen Johannes i fengselet. Maleriets halvmørke og ansiktsuttrykkene til karakterene gjør det til et ekte klassisk mesterverk.
"Nattevakten"
Nattevakten er et av Rembrandts mest kjente malerier. Den skildrer et gruppeportrett av et riflekompani ledet av offiserene. Et unikt aspekt ved maleriet er halvmørket, som gir inntrykk av en nattscene.
"Skolen i Athen"
Malt av Raphael i hans tidlige romerske periode, skildrer denne fresken kjente greske filosofer som Platon, Aristoteles, Euklid, Sokrates, Pythagoras og andre. Mange filosofer er avbildet som samtidige til Rafael, for eksempel Platon - Leonardo da Vinci, Heraclitus - Michelangelo, Euklid - Bramante.
"Mona Lisa"
Sannsynligvis det mest kjente maleriet i verden er Leonardo da Vincis Gioconda, bedre kjent som Mona Lisa. Dette lerretet er et portrett av fru Gherardini, som tiltrekker seg oppmerksomhet med et mystisk ansiktsuttrykk.
Leonardo di ser Piero da Vinci (15. april 1452 – 2. mai 1519) var en kjent italiensk maler, arkitekt, filosof, musiker, forfatter, oppdagelsesreisende, matematiker, ingeniør, anatom, oppfinner og geolog. Kjent for sine malerier, hvorav de mest kjente er Nattverden og Mona Lisa, samt en rekke oppfinnelser som var langt forut for sin tid, men som bare forble på papiret. I tillegg ga Leonardo da Vinci et viktig bidrag til utviklingen av anatomi, astronomi og teknologi.
Raphael Santi (28. mars 1483 – 6. april 1520) var en stor italiensk maler og arkitekt som var aktiv under renessansen, og dekket perioden fra slutten av 1400-tallet til de første årene av 1500-tallet. Tradisjonelt regnes Raphael som en av de tre store mesterne i denne perioden, sammen med Michelangelo og Leonardo da Vinci. Mange av verkene hans er i det apostoliske palasset i Vatikanet, i et rom kalt Rafaels stanza. Her er blant annet hans mest kjente verk – «The School of Athens».
Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6. juni 1599 – 6. august 1660) var en spansk maler, portrettmaler, hoffmaler for kong Filip IV, den største representanten for det spanske maleriets gullalder. I tillegg til en rekke malerier som skildrer historiske og kulturelle scener fra fortiden, malte han mange portretter av den spanske kongefamilien, så vel som andre kjente europeiske skikkelser. Det mest kjente verket til Velasquez er maleriet "La Meninas" (eller "Familie til Philip IV") fra 1656, som ligger i Prado-museet i Madrid.
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz og Picasso (25. oktober 1881 – 8. april 1973) er en verdenskjent spansk kunstner og skulptør, grunnleggeren av regien i finere kunst - kubisme. Regnes som en av de største kunstnerne som påvirket utviklingen av kunst på 1900-tallet. Eksperter, ble anerkjent som den beste artisten blant de som har levd de siste 100 årene, så vel som den "dyreste" i verden. I løpet av livet skapte Picasso rundt 20 tusen verk (ifølge andre kilder, 80 tusen).
Vincent Willem van Gogh (30. mars 1853 – 29. juli 1890) var en berømt nederlandsk maler som fikk berømmelse først etter sin død. I følge mange eksperter er Van Gogh en av de største kunstnerne i europeisk kunsthistorie, så vel som en av de mest fremtredende representantene for postimpresjonismen. Forfatter av mer enn 2100 kunstverk, inkludert 870 malerier, 1000 tegninger og 133 skisser. Hans tallrike selvportretter, landskap og portretter er blant de mest gjenkjennelige og dyre kunstverkene i verden. Det mest kjente verket til Vincent van Gogh regnes kanskje som en serie malerier kalt "Solsikker".
Michelangelo Buonarroti (6. mars 1475 – 18. februar 1564) er en verdenskjent italiensk billedhugger, kunstner, arkitekt, poet og tenker som satte et uutslettelig avtrykk på hele verdenskulturen. Det mest kjente verket til kunstneren er kanskje freskene i taket til Det sixtinske kapell. Blant skulpturene hans er de mest kjente "Pieta" ("Kristi klagesang") og "David". Av arkitekturverkene - utformingen av kuppelen til Peterskirken. Interessant nok ble Michelangelo den første representanten for vesteuropeisk kunst, hvis biografi ble skrevet i løpet av hans levetid.
På fjerde plass i rangeringen av de mest kjente artistene i verden er Masaccio (21. desember 1401-1428) - en stor italiensk kunstner som hadde en enorm innvirkning på andre mestere. Masaccio levde et veldig kort liv, så det er lite biografiske bevis om ham. Bare fire av freskene hans har overlevd, som uten tvil er Masaccios verk. Andre antas å ha blitt ødelagt. Masaccios mest kjente verk er Treenighetsfresken i kirken Santa Maria Novella i Firenze, Italia.
Peter Paul Rubens (28. juni 1577 – 30. mai 1640) var en flamsk (sørnederlandsk) maler, en av barokkens største kunstnere, kjent for sin ekstravagante stil. Regnes som den mest allsidige artisten i sin tid. I sine arbeider la Rubens vekt på og legemliggjorde fargens vitalitet og sensualitet. Han malte en rekke portretter, landskap og historiske malerier med mytologiske, religiøse og allegoriske emner. Det mest kjente verket til Rubens er triptyken "Descent from the Cross" skrevet i perioden fra 1610 til 1614 og brakte kunstneren verdensomspennende berømmelse.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (29. september 1571 – 18. juli 1610) var en stor italiensk kunstner fra tidlig barokk, grunnleggeren av europeisk realistisk maleri på 1600-tallet. I sine arbeider brukte Caravaggio dyktig kontrastene mellom lys og skygge, med fokus på detaljer. Ofte avbildet vanlige romere, folk fra gatene og markedene i bilder av helgener og madonnaer. Eksempler er "The Evangelist Matthew", "Bacchus", "Conversion of Saul" osv. Et av de mest kjente maleriene til kunstneren er "The Lute Player" (1595), som Caravaggio kalte det mest vellykkede maleriet for ham .
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) er en kjent nederlandsk maler og gravør, som regnes som den største og mest kjente kunstneren i verden. Forfatter av ca 600 malerier, 300 etsninger og 2 tusen tegninger. Dens karakteristiske trekk er en mesterlig lek med lyseffekter og dype skygger. Det mest kjente verket til Rembrandt er det fire meter lange maleriet "Nattvakt", skrevet i 1642 og nå lagret i Statens museum i Amsterdam.
100 flotte malerier (del 1)
Flotte lerreter er alltid et speil av tiden, uansett hvilken kompleks allegorisk form kunstneren kan kle dem. Ikke alle bilder er klare for betrakteren ved første blikk, noen av dem krever nøye oppmerksomhet, refleksjon, en viss forberedelse og kunnskap.
På nettstedet vårt ønsker vi ikke bare å snakke om de mest kjente verdenskunstverkene, men å gi alle en mulighet til å bestille en høykvalitetsreproduksjon på naturlig lerret av et favorittmesterverk.
Jan van Eyck(1390-1441) regnes for å være den største nederlandske maleren på 1400-tallet, som la grunnlaget for den realistiske tradisjonen innen altermaleri. Opprinnelig fra en liten nederlandsk by ved elven Meuse, i 1422, allerede en respektert mester, gikk han inn i tjenesten til grev Johannes av Bayern og deltok frem til 1424 i utsmykningen av grevens palass i Haag. I 1425 flyttet Van Eyck til Lille, hvor han ble hoffmaler for hertugen av Burgund, Filip III den gode. Ved hoffet til hertugen, som satte stor pris på kunstneren, malte han ikke bare, men utførte også mange diplomatiske oppdrag, og reiste gjentatte ganger til Spania og Portugal.
I 1431 flyttet Van Eyck til Brugge, hvor han bodde til slutten av sine dager, og utførte arbeid både som hoffmaler og som kunstner av byen. Det største antallet verk som har kommet ned til oss ble skrevet av mesteren på et tidspunkt da han var i tjeneste for hertugen av Burgund.
Et av Van Eycks mest kjente verk, Portrait of the Arnolfinis, er i samlingen til London National Gallery. På bildet som skildrer ekteskapet til to velstående unge mennesker, fant kunstneren et sted for flere symboler - for eksempel for en hund som ligger ved føttene til den nygifte, et symbol på troskap. I et rundt speil som henger på veggen i dypet av komposisjonen, reflekteres to personer - åpenbart ekteskapets vitner. I en av dem avbildet kunstneren seg selv, som inskripsjonen over speilet sier. Artisten fremførte de nygifte i full vekst. Maleren skildrer kjærlig ting rundt de nygifte. Disse gjenstandene forteller mye om livsstilen til eierne deres, og understreker deres borgerdyder - sparsommelighet, beskjedenhet, kjærlighet til orden.
Innholdet i maleriet beskrevet ovenfor er bare den vanligste versjonen, men for noen forskere er en annen attraktiv: Dette er et selvportrett av kunstneren. Tilbake i 1934 foreslo den kjente østerrikske kunstkritikeren Erwin Panofsky at maleriet ikke skildrer et ekteskap, men en forlovelse. I tillegg ble det slått fast at Giovanni Arnolfini og hans kone ikke eksisterte, og kvinnen som er avbildet på bildet venter tydeligvis på tilføyelsen av familien.Og Margarita van Eyck (kunstnerens søster) fødte 30. juni 1434 en sønn.
Så hvem er helten i bildet? Eller er det egentlig en familiescene, og ikke et tilpasset portrett i det hele tatt? Spørsmålet er fortsatt åpent...
Van Eyck introduserer betrakteren inn i personvernet til mennesker, og viser skjønnheten i hverdagen. Ved å gjøre dette åpnet han for nye, realistiske muligheter for kunst, som ble fullstendig realisert først på 1600-tallet, da mange lignende malerier ble skapt i Holland.
Denne største skapelsen av kunstneren, som hans "Spring", i mer enn tre hundre år var i dyp glemsel i den rolige villaen Castello i nærheten av Firenze. Bildet ble lagt merke til først i midten av forrige århundre, da de prerafaelittiske malerne Milles og Rossetti gjenoppdaget Botticelli som et av de sjeldneste talentene i Italia på 1400-tallet.
Venus' fødsel ble skrevet for Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, fetteren til Lorenzo den storslåtte og Botticellis viktigste beskytter. Firenze, hvor kunstneren tilbrakte mesteparten av livet, ble styrt av den mektige Medici-familien. Plottet til bildet er knyttet til kulturen til domstolen til Lorenzo Medici, gjennomsyret av neoplatonismens filosofi. Denne tiden med strofene til Poliziano og sonettene til Lorenzo den storslåtte, tiden for turneringer og karnevalsprosesjoner var Botticellis storhetstid.
I The Birth skildret Sandro Botticelli bildet av Afrodite Urania - den himmelske Venus, datteren til Uranus, født fra havet uten en mor. Bildet fanger ikke så mye selve fødselen, men øyeblikket som fulgte da Venus, drevet av pusten fra luftens genier, når den lovede kysten. Skjønnheten til den nakne figuren er kronet av nymfen Ora, som er legemliggjørelsen av naturen, hun er klar til å dekke henne med en kappe. Ora er et av de tre fjellene, årstidenes nymfer. Dette fjellet, å dømme etter blomstene som dekker klærne hennes, beskytter den tiden av året når kraften til Venus når sitt høydepunkt. Kanskje var dette bildet av kunstneren inspirert av en av de homeriske salmene, som beskriver hvordan Zephyr, vestavindens gud, brakte Venus til øya Kypros, hvor fjellene tok imot henne.
I følge Lorenzo Medicis krets er Venus, kjærlighetsgudinnen, også menneskehetens gudinne. Det er hun som lærer folk fornuft, tapperhet, hun er harmoniens mor, født fra foreningen av materie og ånd, natur og ideer, kjærlighet og sjel.
Verdens mest kjente maleri, Mona Lisa, av Leonardo da Vinci, er i Louvre.
Mona Lisa ble opprettet mellom 1503 og 1506 og fullført i 1510. Det er fortsatt uklart hvem som stilte for den store mesteren. Kunstneren mottok en bestilling på maleriet fra Francesco del Giocondo, en florentinsk silkehandler, og de fleste historikere og kunsthistorikere mener at portrettet viser Lisa Gherardini, Giocondos kone, som bestilte portrettet til ære for fødselen til deres andre sønn, som ble født i desember 1502. Likevel, i 500 år, har ikke uenighetene stilnet om hvem som egentlig er avbildet i dette berømte maleriet.
Ordet "Mona" er mest sannsynlig en forkortet form av "monna" eller "mia donna", det vil si "milady" eller "madame". På fransk heter det "La Joconde", og på italiensk - "La Gioconda" (lystig), men dette er bare et ordspill, et sammentreff med navnet på den som fungerte som prototypen på bildet.
Portrettet er et utmerket eksempel på Leonards favorittteknikk, den såkalte sfumatoen – «smoky chiaroscuro», et mildt halvlys med et mykt tonespekter som ser ut til å være litt utsmurt og jevn overgang fra den ene til den andre. Samtidig markerer Leonardo munnvikene og øynene med en slik presisjon og ynde at bildet får en virkelig fantastisk kvalitet.
Noen forskere hevder at bildet er et selvportrett av Leonardo selv, som ga hans utseende feminine trekk eller til og med trekk av en hermafroditt. Og faktisk, hvis bildet av Mona Lisa for å fjerne håret, får du et merkelig kjønnsløst ansikt. Denne hypotesen ble bekreftet av arbeidet utført av uavhengige forskere - Lillian Schwartz fra Bell Labs-laboratoriet og Digby Quest fra Maudsley-klinikken i London, som bekreftet hypotesen om at Leonardo kunne fremstille seg selv i bildet av Mona Lisa. Ved hjelp av spesielle dataprogrammer sammenlignet forskerne Mona Lisa og Leonardos selvportrett, laget da han allerede var i en respektabel alder. Resultatet er fantastisk. «Mona Lisa» viste seg å være nærmest et speilbilde av ansiktet til den store mesteren. Nesten alle ansiktstrekk passet perfekt, inkludert nesetippen, leppene og øynene.
I 1911 ble Mona Lisa stjålet fra Louvre av italieneren Vincenzo Perugia, som jobbet som snekker i museet. Han bar bare maleriet ut av galleriet og gjemte det under klærne. Det berømte maleriet ble funnet først i 1913, da kidnapperen prøvde å selge det til en viss samler. Før dette ble Leonardos mesterverk oppbevart i en koffert med dobbel bunn. Angriperen forklarte hva han hadde gjort ved å si at han ønsket å returnere til Italia et maleri som var ulovlig eksportert av Napoleon Bonaparte.
Fra Robert Cummings Great Artists:
"Alt kjent som 'Venus of Dresden', var dette maleriet ekstremt originalt, uten sidestykke i den klassiske antikkens kunst. Verket demonstrerer kunstnerens interesse for et nytt skjønnhetsideal, hvor den poetiske stemningen råder over det rasjonelle innholdet.
Denne liggende naken har blitt et av de mest populære bildene av europeisk maleri. Giorgione skildrer en skikkelse som sover under et tre med lukkede øyne, fordypet i drømmer og uvitende om at hun blir overvåket. Nesten alle senere varianter av dette temaet skildrer henne våken. Spesielt avbildet Manet i sin "Olympia" "Venus" som tilbyr seksuelle tjenester.
Venus' myke nyanser og avrundede former snakker om innflytelsen til Leonardo da Vinci, som også kan sees i løsningen av foldene på draperiene. «Dresden Venus» ble skrevet på ett tiår i «Mona Lisa» – og begge ga umiddelbart opphav til mange kopier og imitasjoner.
Dyktig gjengitt chiaroscuro og høydepunkter på luksuriøse draperier demonstrerer Giorgiones mestring av oljemalingsteknikker.
De glatte konturene av kroppen forsterker følelsen av dyp søvn og inviterer deg så å si til å kjærtegne figuren med øynene.
Bildets erotiske natur indikerer at maleriet ble bestilt for et privat soverom.
Røntgenbilder og registreringer av restauratører fra 1800-tallet indikerer at Giorgione opprinnelig avbildet (eller skulle avbilde) Amorfiguren på høyre side av lerretet.
Ifølge ryktene hadde ikke Giorgione tid til å fullføre maleriet i løpet av sin levetid, og det er generelt akseptert at ordren om å fullføre landskapet ble gitt til Titian. Det «lagdelte» landskapet og de blå åsene i horisonten er karakteristisk for Titians tidlige stil. Den for tidlige døden til en rival bidro til fremveksten av Titians stjerne."
I. Bosch viste seg å være en veldig vanskelig kunstner, selv nå er det ikke noe etablert synspunkt på tolkningen av plott og individuelle bilder av maleriene hans.
For middelalderkunstnere (så vel som for deres betraktere) hadde alle gjenstander og fenomener en symbolsk betydning, hver gjenstand fikk sin symbolske tolkning basert på Bibelens tekster. Så, for eksempel, basert på uttrykket: "Guds ord er sterkt som en løve," ble løven ansett som et symbol på den kristne tros allmakt, fordi løvefigurene pryder portalene til mange romanske katedraler i Frankrike , og i Italia plasserte skulptører fra 1200- og 1300-tallet løver ved foten av kirketalerstoler. Boschs verk er kanskje også vanskelig for direkte persepsjon i vår tid, fordi kunstneren, i tillegg til tradisjonelle middelaldersymboler (kjent for alle), brukte andre symboler - mindre studert og vanskelig å tyde.
Boschs kunstneriske språk passer aldri helt inn i middelalderske symboltolkninger. Kunstneren brukte ofte visse symboler i en mening motsatt av den allment aksepterte, og fant også opp nye symboler. Kanskje var det derfor han ble kalt den «dystre science fiction-forfatteren», «æresprofessor i mareritt», men moderne surrealister så i Bosch sin åndelige far og forløper. Her er en slik scene. Et kjærestepar avsondret seg i en gjennomsiktig boble. Litt høyere klemmer en ung mann en diger ugle, til høyre for boblen midt i bassenget, i vannet, står en annen mann på hodet med bena vidt fra hverandre, som fuglene har bygget rede mellom. Ikke langt fra ham mater en ung mann, som lener seg ut med sin elskede fra et rosa hult eple, en monstrøs drueklase til folk som står opp til nakken i vann. Dette er "Garden of Earthly Delights" - et av de mest kjente maleriene av Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch skapte sin triptyk "Garden of Earthly Delights", eller "Garden of Delights" (det kalles ofte det mest "Bosch"-verket) i 1503, og i det ble hans særegne visjon av verden fullt ut manifestert. Navnet på maleriet var allerede gitt i moderne litteratur, og i andre halvdel av 1500-tallet, da det kom i kong Filip IIs eie, ble det kalt "Verdens mangfold", på 1600-tallet hadde det navnet "Vanity and Glory".
Paradis er avbildet på venstre side av denne triptyken, helvete er avbildet til høyre, og et bilde av jordisk eksistens ble plassert mellom dem. Venstre side av gledens hage skildrer scenen for Evas skapelse, og selve Paradiset skinner og skimrer med lyse, glitrende farger. På bakgrunn av et fantastisk landskap i paradis. fylt med en rekke dyr og planter viser mesteren den våkne Adam Adam, som nettopp har våknet, reiser seg fra bakken og ser forundret på Eva, som Gud viser ham. Den kjente kunsthistorikeren C. de Tolnay bemerker at det overraskede blikket som Adam kaster på den første kvinnen allerede er et skritt på veien til synd. Og Eva, hentet fra Adams ribbein, er ikke bare en kvinne, men også et redskap for forførelse. Motsetningen mellom en rolig og syndfri mann og en kvinne som bærer syndens frø i seg er gjengitt i naturen rundt dem. En forkrøplet palme som vokser på en mystisk oransje stein er diagonalt motsatt av en blomstrende palme. Flere hendelser kaster en mørk skygge på det fredelige livet til dyr: en løve sluker en hjort, et villsvin forfølger et mystisk dyr. Og over det hele reiser seg Livets Kilde, en hybrid av en plante og en marmorstein, en svevende gotisk struktur satt på de mørkeblå steinene på en liten øy. Helt på toppen av den er det fortsatt en knapt merkbar halvmåne, men allerede fra innsiden titter den ut, som en orm, en ugle - et budbringer av ulykke.
Den sentrale delen av triptyken - selve "Garden of Earthly Delights" - skildrer et grandiost landskap dekket med nakne figurer av menn og kvinner. Dyr av unaturlige proporsjoner, fugler, fisk, sommerfugler, alger, enorme blomster og frukter skiller seg ut i komposisjon av "Garden of Earthly Delights". tre skudd: i forgrunnen vises "ulike gleder", det andre er okkupert av en kavalkade av mange ryttere som rir på forskjellige dyr, det tredje (lengst) er kronet med en blå himmel , hvor folk flyr på bevingede fisker og ved hjelp av sine egne vinger. Det ser ut til at et slikt landskap mot bakgrunnen ikke kan være noe mer kyskt enn kjærlighetsspillene til menneskepar. Men, som psykoanalysen (foreslo psykiateren R. Khaikin til og med en psykopatologisk analyse av I. Boschs arbeid), drømmebøker fra den tiden avslører den sanne betydningen av disse jordiske gledene: kirsebær, jordbær, jordbær og druer, spist med slik glede av mennesker, symboliserer syndig seksualitet, blottet for lyset av guddommelig kjærlighet ; eplebåten som elskere trekker seg tilbake i er formet som en kvinnes bryster; fugler blir personifiseringen av begjær og fordervelse, fisken er et symbol på rastløs lyst, skallet er det feminine prinsippet.
Nederst på bildet klemte en ung mann et digert jordbær. Betydningen av dette bildet vil bli klart for oss hvis vi husker at i vesteuropeisk kunst tjente jordbær som et symbol på renhet og jomfruelighet. Scenen med en drueklase i bassenget er et sakrament, og en gigantisk pelikan som plukker opp et kirsebær (et symbol på sensualitet) på det lange nebbet, erter med seg mennesker som sitter i toppen av en fantastisk blomst. Pelikanen selv symboliserer kjærlighet til sin neste. Kunstneren gir ofte symbolene for kristen kunst en konkret sanselig lyd, reduserer dem til det materielle og kroppslige plan.
Hieronymus Bosch skaper en fantastisk verden av flyktige begjær og sensuelle nytelser: Aloe graver seg inn i nakent kjøtt, koraller griper fast kropper, skallet smeller igjen og gjør kjærlighetsparet til fanger. I utroskapens tårn, som reiser seg fra Lake of Lust og hvis gul-oransje vegger glitrer som krystall, sover forførte ektemenn mellom hornene. Den stålfargede glasskulen der elskere hengir seg til kjærtegn, overvinnes av en halvmånekrone og rosa marmorhorn. Kulen og glassklokken som skjuler de tre synderne illustrerer det nederlandske ordtaket. "Lykke og glass - så kortvarige de er!" Og de er også symboler på syndens kjetterske natur og farene den medfører for verden.
Høyre fløy på triptyken – Helvete – er mørk, dyster, urovekkende, med separate lysglimt som gjennomsyrer nattens mørke, og med syndere som plages av en slags gigantiske musikkinstrumenter. I sentrum av helvete er en enorm skikkelse av Satan, dette er en slags "guide" gjennom helvete - hoved-"fortelleren" med et dødsblekt ansikt og et ironisk smil på tynne lepper. Bena er hule trestammer, og de hviler på to skip. Satans kropp er et åpent eggeskall, på randen av hatten hans går eller danser demoner og hekser med syndige sjeler ... Eller de leder mennesker skyldige i en unaturlig synd rundt en enorm sekkepipe (et symbol på det maskuline prinsippet). helvetes hersker, straff inntreffer synder: de korsfestet en synder, gjennomboret ham med harpestrenger; Ved siden av ham leder en rødkroppet demon en repetisjon av et infernalsk orkester fra toner skrevet på baken til en annen synder. En demon sitter i en høy stol og straffer fråtsere og fråtsere. Han satte føttene i ølkanner, og en bowlerhatt settes på fuglehodet hans. Og han straffer syndere ved å sluke dem.
Helvetes port representerer det tredje stadiet av fallet, da jorden selv ble til helvete. Gjenstander som tidligere tjente synd, er nå blitt straffeinstrumenter. Disse kimærene med dårlig samvittighet har alle de spesifikke betydningene til drømmenes seksuelle symboler. Haren (på bildet overskrider størrelsen på en person) i kristendommen var et symbol på sjelens udødelighet. Hos Bosch spiller han på hornet og senker synderhodet ned i helvetesilden. Gigantiske ører tjener som et tegn på ulykke. En enorm nøkkel, festet til skaftet av en munk, forråder sistnevntes ønske om ekteskap, som er forbudt for medlemmer av presteskapet. Inne i monsteret er en taverna, som et banner flagrer over - den samme sekkepipen. På et stykke avstand sitter en mann i en tilstand av melankoli og lener seg over kaos. Hvis du ser trekkene til Hieronymus Bosch selv i det, kan hele bildet vises foran betrakteren i et annet lys: kunstneren selv oppfant dette marerittet, all denne smerten og plagene er begått i hans sjel. Noen kunsthistorikere insisterer på dette, for eksempel Charles de Tolnay, som allerede er nevnt. Bosch var imidlertid en dypt religiøs person, og han kunne ikke engang tenke på å plassere seg selv i helvete. Mest sannsynlig bør kunstneren ses etter blant de bildene som bærer lys og godhet i maleriene hans, ikke uten grunn tilhørte han Jomfruens brorskap.
For vår samtid er handlingene til karakterene i The Garden of Delights stort sett uforståelige, men for Boschs samtidige (som allerede nevnt ovenfor) var de fylt med dyp symbolsk betydning. Hans malerier (inkludert The Garden of Earthly Delights) skremmer ofte betrakteren med den unaturlige kompatibiliteten mellom mennesker og dyr, levende og døde i én karakter, og samtidig kan de underholde. Karakterene hans ligner de marerittaktige bildene av Apokalypsen og på samme tid - på karnevalets muntre djevler. Men med alle de mange tolkningene av betydningen av Garden of Earthly Delights, kan ingen av dem
dekker alle bildene av bildet fullstendig.
Denne altertavlen er den siste av Raphaels hovedverk om hans favorittemne. Selv i den tidlige kreativiteten vendte han seg til bildet av Madonna og barnet, hver gang på jakt etter en ny tilnærming. Den dominerende naturen til Rafaels geni ble uttrykt i ønsket om en guddom, for transformasjonen av det jordiske, menneskelige til det evige, guddommelige.
Det ser ut til at teppet nettopp har skilt seg og et himmelsk syn har åpnet seg for de troendes øyne - Jomfru Maria som går på en sky med Jesusbarnet i armene. Madonnaen holder tillitsfullt og klamrer seg til sin Jesus på en moderlig måte, forsiktig og forsiktig. Rafaels geni så ut til å ha omsluttet den guddommelige babyen i en magisk sirkel formet av Madonnaens venstre hånd, hennes fallende slør og Jesu høyre hånd. Blikket hennes, rettet gjennom betrakteren, er fullt av urovekkende framsyn om sønnens tragiske skjebne. Madonnaens ansikt er legemliggjørelsen av det eldgamle skjønnhetsidealet kombinert med spiritualiteten til det kristne idealet.
Pave Sixtus II, martyrdøden i 258 e.Kr og regnet blant de hellige, ber Maria om forbønn for alle som ber til henne foran alteret. Stillingen til Saint Barbara, ansiktet hennes og nedslåtte øyne uttrykker ydmykhet og ærbødighet. I dypet av bildet, i bakgrunnen, som knapt kan skilles i en gylden dis, gjettes ansiktene til engler vagt, noe som forsterker den generelle sublime atmosfæren. Øynene og bevegelsene til de to englene i forgrunnen er rettet mot Madonnaen. Tilstedeværelsen av disse bevingede guttene, som minner mer om mytologiske amoriner, gir lerretet en spesiell varme og menneskelighet.
"Den sixtinske madonna" ble bestilt av Raphael i 1512 som en altertavle for kapellet til klosteret Saint Sixtus i Piacenza. Pave Julius II, som på den tiden fortsatt var kardinal, samlet inn midler til bygging av et kapell der relikviene til St. Sixtus og St. Barbara ble oppbevart.
I Russland, spesielt i første halvdel av 1800-tallet, var Raphaels "Sistinske Madonna" veldig aktet, entusiastiske linjer fra så forskjellige forfattere og kritikere som V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev er dedikert til henne. Belinsky skrev fra Dresden til V.P. Botkin, og delte med ham sine inntrykk av den "sixtinske madonna": "Hvilken adel, hvilken nåde av børsten! Du kan ikke se! Jeg husket ufrivillig Pushkin: den samme adelen, den samme nåden for uttrykk, med samme alvorlighetsgrad! Ikke rart Pushkin elsket Raphael så mye: han er i slekt med ham av natur. To store russiske forfattere, L. N. Tolstoj og F. M. Dostojevskij, hadde reproduksjoner av den sixtinske madonna på sine kontorer. Kona til F. M. Dostojevskij skrev i dagboken sin: "Fjodor Mikhailovich satte verkene til Raphael over alt annet i maleriet og anerkjente den sixtinske madonna som hans høyeste verk."
Carlo Maratti uttrykte sin overraskelse over Raphael på denne måten: "Hvis de viste meg et bilde av Raphael og jeg ikke ville vite noe om ham, hvis de fortalte meg at dette var skapelsen av en engel, ville jeg tro det."
Det store sinnet til Goethe satte ikke bare pris på Raphael, men fant også et passende uttrykk for hans vurdering: "Han skapte alltid det andre bare drømte om å skape."
Dette er sant, fordi Raphael legemliggjorde i sine verk ikke bare ønsket om et ideal, men selve idealet som var tilgjengelig for en dødelig.
Fra boken "100 flotte bilder" av Ionina N.A.:
Augsburg, hvor hele det spanske hoffet og mange tyske fyrster på den tiden samlet seg. I Augsburg malte Titian et enormt rytterportrett av Karl V morgenen før slaget der monarken vant en av sine mest strålende seire. Dette portrettet slo Tizians samtidige med sin uventedehet: det var rart å se keiseren - en subtil lenestoldiplomat og melankoliker - i skikkelse av en ridder og en helt med et spyd i hånden, med hevet visir, galopperende ensom blant markene . Men slik var monarkens vilje.
I slaget ved Mühlberg så denne katolisismens fanatiker ut til å være drevet av en slags ekstase: han ledet ikke slaget på avstand, sittende i en båre under beskyttelse av festningsverkene. Han skyndte seg foran troppene sine for å angripe og krysset til og med det farlige vadestedet Elben og dro med seg oberstene. Denne minneverdige dagen og keiserens eneste heltedåd var ment å bli udødeliggjort av Titian. Portrettet skildrer ikke den dystre, tause og syke Karl V, som de sier om ham i fortellingene til hans samtidige. Dette er ikke Karl, som ble avbildet av den samme Titian i et portrett nå i München Pinakothek. Dette er ikke en elendig ruin, ikke en utspekulert slu, ikke en trist "universets hersker", ikke sønnen til sinnssyke Joanna og storslåtte Philip ... Dette er barnebarnet til den "siste ridderen" - Maximilian, og derfor Titian avbildet i portrettet en egen flash, og ikke en hel psykologisk karakter.
Det var slående og det mest dristige av alle verkene til Titian. I den rødlige tåken fra en vårmorgen, alene på en vidslette som strekker seg til åsene i Elben, galopperer keiseren, kledd i jaget og forgylt stål, med en hevet blokkering over et blekt og bestemt ansikt, ut av skogen med en spyd vendt fremover. Så imponerende og majestetisk rytteren ser ut! Men hvor fryktelig ensom han er på dette feltet. Og hvor han suste på en vakkert slingrende hest. Å kommandere folkene, straffe de gjenstridige med ild og sverd, bringe ned armadaer av tropper mot fiender, en mann hvis til og med late gest kan heve eller ødelegge - han er avbildet i portrettet sliten og ensom.
Tilskueren ser på hans karakteristiske, viljesterke ansikt med en skarpt utstående hake, og merker plutselig tydelig i keiserens blikk en diffus tristhet, en slags indre tretthet, som overføres til hele hans skikkelse og virker jevnt i den avmålte løpingen av en hest. Hans utseende gir inntrykk av en ond ånd, og dette synet overrasker og skremmer en. Selv fargene på portrettet inneholder noe uhyggelig, militant. I møte med Karl V ser man noe forferdelig, "spøkelsesaktig": en i felten, en i verden, en med en ødelagt sjel. Slik forsto og fremstilte Titian keiseren. Kanskje han selv ennå ikke innså sin store tretthet, og kunstneren viste ham sin egen sjel – uten pynt.
Titian i dette portrettet lot ikke lidenskapen hans, hans omfang av høytidelighet utfolde seg, men lenket seg innenfor grensene til kundens krav, og behandlet oppgaven med en sjelden kulde for seg selv. Kanskje det er derfor noen forskere noterer både i portrettet og i stillingen til keiseren en unaturlighet, som på mannekenger i arsenalet av gamle våpen. Men den psykologiske penetrasjonen til Titian nådde sin høyeste grense i dette portrettet. Når det gjelder selvtilliten til kunstneriske teknikker, er dette portrettet slående, når det gjelder uttrykket for tidens karakter og ånd - ingenting kan måle seg med det. Det ser ut til at Clio selv, historiens muse, ledet hånden til kunstneren i disse dager.
Perseus - i gresk mytologi, sønn av Danae, som led av Jupiter da han forvandlet seg til en strøm av gullregn. Hans heltedåder inkluderte å halshugge Medusa, en av de slangehårede Gorgonene, og redde den vakre Andromeda fra et sjømonster. det siste temaet er en ikke-innfødt tradisjon som ofte oppstår. Perseus er avbildet enten som en typisk helt fra den klassiske antikken, eller som en kriger i rustning. Han holder et avrundet sverd - en gave fra Mercury - og et skinnende skjold gitt til ham av Minerva, hans beskytter.
Ovid i sine Metamorphoses forteller hvordan Andromeda, datteren til en etiopisk konge, ble lenket til en stein på kysten som et offer til et sjømonster. Perseus, som flyr i himmelen, ble forelsket i henne ved første blikk. Han stormet ned akkurat i tide, drepte monsteret og frigjorde Andromeda. Bildet "Perseus og Andromeda" Rubens skapte på en tid da arbeidet hans var spesielt emosjonelt og muntert. Ved maleriets perfeksjon og den høye dyktigheten til utførelse er dette verket et av kunstnerens mesterverk. Og her, for Rubens, gjenstår det viktigste som en person ble født for: kamp, seier og kjærlighet.
Rubens var ikke interessert i selve Perseus bragd, ikke i kampen og motstanden, men i jubelen over den allerede oppnådde seieren, da gledesrop ble hørt fra kysten og alle priste den mektige helten. På dette bildet fremstår Perseus som en triumferende, den bevingede gudinnen Victoria (Glory) med en palmegren og en laurbærkrans i hendene kroner vinneren. Apoteosen til Perseus blir livets triumf, ikke lenger overskygget av noe, vakker og gledelig. Og Rubens løser denne kunstneriske oppgaven med en slik helhet, med en så fengslende kraft, som han til nå knapt har møtt. Den intense interne dynamikken til hver linje, hver form, deres voksende rytme når eksepsjonell uttrykksfullhet her. En uimotståelig kraft, som bryter inn som en virvelvind, fra et sted utenfor, gir hele komposisjonen og virvlende bevegelser, som i et virvel, en enkelt retning.
S.M. Sandomirsky
Robert Wallace i boken Leonardos verden, M., 1997 skriver: «Av de to problemene som forfatterne av Nattverden møtte i århundrer, løste Leonardo problemet med å identifisere Judas med den største letthet. Han plasserte Judas på samme side av bordet som alle andre, men skilte ham psykologisk fra andre med en ensomhet som er mye hvitere knusende enn ren fysisk adskillelse. Dyster og konsentrert vek Judas tilbake fra Kristus. På den, som det var, et eldgammelt segl av skyld og ensomhet.
Judas sitter med alle, som en apostel i rekken av apostler. Kristus er ensom, det er derfor han er trist, men den som er minst ensom er Judas. Derav hans selvsikre styrke. Og han er ikke skyldig, for samtalen på bildet handler ikke om svik, men om å redde sjelene til mennesker som er minst opptatt av dette.
Tenk på apostlene, selv om de etter det som er sagt ikke lenger bestemmer noe.
12 11 10 9 8 7 Kristus 1 2 3 4 5 6
Bartholomew John Thomas Philip Matthew
Peter Jacob Simeon
Judas
1.Foma i døråpningen på lys bakgrunn. Høyre hånd er komprimert, pekefingeren er oppe: "Gud vil ikke tillate en slik forbrytelse."
2. Jakob ser med gru på blodet fra den nye pakt som fosser ut fra håndleddet hans. Utbredte armer og hender holder Kristi ord tilbake og prøver å beskytte dem som står bak ham.
3. Philip presser fingrene mot brystet og i møte med en bønn: "Stol på meg, det er umulig fra min side."
4. Begge hender aksepterer Kristi ord og spør med et blikk den 6.: "Er det mulig det han sier."
5. Simeon aksepterer Kristi ord med sin høyre håndflate og spør den 6.
6. Matteus, begge håndflatene er rettet mot Kristus, - han gir ordene tilbake: "Det er umulig!"
7. John. Fingrene er knyttet sammen og ligger på bordet, viser angst, svakhet. Han svingte skarpt til venstre med lukkede øyne. Hodet hviler hjelpeløst på skulderen.
8. Peter. Den venstre hånden mottar Kristi ord og beroliger den 7. I høyre hånd har han en kniv - han er klar til å drepe forræderen.
9. Judas: stabil lav styrke, selvrettferdighet, besluttsomhet, energi.
10. Hevede håndflater på brysthøyde: "Hvem er forræderen?" Blikket hans myste mot kniven.
11. Høyre hånd på skulderen til den 10.: han er enig med ham. Hun aksepterer Kristi ord.
12. Bartholomew reiste seg resolutt og er klar til å handle.
Generelt tillater ikke den rette gruppen av apostler svik; den venstre innrømmer en slik mulighet og er fast bestemt på å straffe forræderen.
Hvor mye Johannes svaiet til venstre, og frigjorde helt vinduet - lyset av Kristi sannhet, og Thomas, som var i vinduet på Kristi nivå, men stolte ikke på seg selv, men på Gud; hvordan den andre apostelen ble kastet til høyre, hvordan resten av disiplene ble blandet sammen, forvirret, småoppstyr, ga ut tanken til Leonardo da Vinci om at ideene om offer og frelse, budene i Kristi nye testamente ved apostlene - disse svake menneskene - vil ikke bli utført og hans offer vil være forgjeves. Dette er grunnen til Kristi fortvilelse. Dessuten hyller kunstneren selv den jordiske Guds høye ambisjon og offer.
Hundrevis av malerier går under hammeren til private samlinger hvert år. Samlere bruker millioner av dollar på å legge til sine private samlinger. De mest kjente maleriene er ikke alltid de dyreste. De mest kjente maleriene i verden tilhører verdensberømte museer, og i ordets bokstavelige forstand er de uvurderlige. La oss ta en titt på forskjellige museer rundt om i verden og se på disse kjente verkene.
"Venus fødsel"
Dette maleriet ble malt av den store florentinske kunstneren Sandro Botticelli i 1485-1487. Den skildrer gudinnen Venus (i gresk mytologi - Afrodite), som dukker opp fra havskummet. I dag vises dette maleriet i Uffizi-museet i Firenze.
"Vannliljer"
I 43 år av sitt liv bodde Monet i Giverny (en liten by 80 km fra Paris), han leide et hus av en normannisk grunneier og kjøpte en nabotomt der det lå en dam. Deretter, på dette stedet, anla kunstneren to hager, hvorav den ene var på vannet. Motiver av vannhagen inntar en betydelig plass i kunstnerens arbeid. Verk fra denne serien har spredt seg til museer over hele verden, men en anstendig gruppe verk presenteres i Metropolitan Museum of Art i New York. Et av de mest kjente maleriene i verden.
"Nattevakten"
Nattevakten ble fullført i 1642, på høyden av den nederlandske gullalderen, og er et av de mest kjente maleriene av den nederlandske maleren Rembrandt van Rijn. Maleriet viser ytelsen til riflekompaniet til kaptein Frans Banning Cock og løytnant Willem van Ruytenbürg. Maleriet vises i Rijksmuseum i Amsterdam.
"Hyle"
Dette maleriet er fra en serie verk av den norske ekspresjonistiske kunstneren Edvard Munch. Maleriet viser en lidende skikkelse mot en blodrød himmel. Edvard Munch laget flere varianter av Skriket. Det presenterte bildet ble malt i 1893 og var i Nasjonalgalleriet. Men i 1994 ble verket stjålet, men noen måneder senere ble det funnet og returnert til museet.
"Jente med en perleørering"
Noen ganger kalles dette bildet "nederlandske Mona Lisa". «Girl with a Pearl Earring» ble malt rundt 1665 av den nederlandske kunstneren Jan Vermeer.
Les også om de dyreste maleriene i verden i et spesialutvalg.
"Guernica"
"Guernica" er et av de mest kjente maleriene av Pablo Picasso, som viser krigens tragedie, lidelsene den påfører mennesker, spesielt uskyldige sivile. Hovedmålet til Picasso, da han laget dette verket, var å trekke verdenssamfunnets oppmerksomhet til bombingen av den baskiske byen Guernica. Maleriet ble fullført i 1937. Guernica er nå utstilt på Reina Sofia-museet i Madrid.
"Skapelsen av Adam"
Taket i Det sixtinske kapell, malt av Michelangelo mellom 1508 og 1512, er et av de mest kjente verkene fra høyrenessansen. Skapelsen av Adam er et av de mest kjente maleriene gjennom tidene. Også dette verket har vært gjenstand for utallige referanser og parodier. Les om andre mest kjente verk av Michelangelo i et eget utvalg.
"Det siste måltid"
Nattverden ble malt av den italienske kunstneren Leonardo da Vinci. Maleriet er malt på bakveggen i spisestuen i klosteret Santa Maria del Grazie i Milano. Maleriet skildrer en scene der Jesus kunngjør at en av hans tolv apostler vil forråde ham. Leonardo begynte arbeidet med The Last Supper i 1495 og fullførte det i 1498, selv om han ikke jobbet med maleriet hele tiden.
"Starlight Night"
Stjernenatten ble malt av den nederlandske kunstneren Vincent van Gogh. Til tross for at kunstneren i hele sitt liv solgte bare ett av verkene sine, er feltet for hans kreative aktivitet veldig rikt. Starry Night er et av hans mest kjente verk. Den skildrer landsbyen Saint-Remy. Siden 1941 har maleriet vært i Museum of Modern Art i New York.
"Mona Lisa"
Det mest kjente maleriet i verden regnes fortsatt for å være Mona Lisa, som ble malt av Leonardo da Vinci under renessansen i Firenze. Han begynte å male dette mesterverket i 1503 (1504) og fullførte det kort før hans død i 1519. I 1911 ble Mona Lisa stjålet av Louvre-ansatt Vincenzo Perugio, en italiensk patriot som mente at Mona Lisa burde returneres til Italia. Etter 2 år med oppbevaring av maleriet hjemme, ble Perugio tatt i forsøk på å selge maleriet til direktøren for Uffizi-galleriet i Firenze. I dag henger Mona Lisa igjen på Louvre i Paris, hvor 6 millioner mennesker ser maleriet hvert år.
Torsdag 8. desember 2016 kl. 11.56 + for å sitat
Den britiske avisen The Times rangert Topp 200 artister som levde fra begynnelsen av 1900-tallet til i dag.
Som et resultat, ifølge britiske lesere, første plass okkupert av den store spanske kunstneren Pablo picasso.
Andreplass gitt til postimpresjonist Paul Cezanne, den tredje - grunnleggeren av den østerrikske jugendstilen Gustav Klimt. Den siste linjen er okkupert av en japansk samtidskunstner Hiroshi Sujimoto.
Franske artister dukker opp på topp ti Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchamp og amerikansk artist Jackson Pollock.
Topp ti er stengt av legenden om popkunst Andy Warhole, representant for abstraksjonisme Willem de Kooning og kjent modernist Piet Mondrian.
Det er umulig å ikke legge merke til overvurderingen av vurderingen til noen artister og ignorere andre, ikke mindre talentfulle. Redaksjonen av The Times, som oppsummerer resultatene av undersøkelsen, er forvirret: «Hva gjør Martin Kippenberger på topp 20? Hvorfor er han rangert høyere enn Rothko, Schiele og Klee? Er Munch (46.) verre enn Frida Kahlo? Mest sannsynlig er dette på grunn av kvinners ønske om å plassere det rettferdige kjønn så høyt som mulig i rangeringen.
Fra russiske artister vises i rangeringen Basilikum Kandinsky(15.), skaperen av Black Square "Casimir Malevich(17.). 95. merket ukrainsk-amerikansk artist Alexander Archipenko. 135. - en av grunnleggerne av konstruktivismen Alexander Rodtsjenko. Også inkludert i listen Marc Chagall-71., og Vladimir Tatlin- 145.
Her 20 beste artister i det XX århundre, ifølge britiske kunstelskere
Tjue beste artister fra XX og begynnelsen av XXI århundre
1. Pablo Picasso
2. Paul Cezanne
3. Gustav Klimt
4. Claude Monet
5. Marcel Duchamp
6. Henri Matisse
7. Jackson Pollock
8. Andy Warhol
9. Willem de Kooning
10. Piet Mondrian
11. Paul Gauguin
12. Francis Bacon
13. Robert Rauschenberg
14. Georges Braque
15. Wassily Kandinsky
16. Constantin Brancusi
17. Kazimir Malevich
18. Jasper Johns
19. Frida Kahlo
20. Martin Kippenberger
………………
Ja, hvis en slik undersøkelse ble gjennomført i vårt land, ville listen vært en helt annen. I tillegg til listene over de beste litterære verkene - i hvert land varierer de betydelig.
Men så langt har vi bare denne listen, der vi ikke kjenner mange artister.
Derfor - her er en kort historie om de første tjue artistene.
En komplett liste 200 beste artister fra det 20. og tidlige 21. århundre- på slutten av innlegget.
...................
1.Picasso Pablo- Spansk kunstner, grafiker
8. Andy Warhol(virkelige navn - Andrew Warhola, Rusyn. Andriy Vargola; 1928-1987) er en amerikansk kunstner og produsent, en bemerkelsesverdig person i historien til popkunst og moderne kunst generelt. Grunnlegger av "homo universale"-ideologien.
Warhol skapte flere malerier som ble en sensasjon i kunstverdenen. I 1960 skapte han design for bokser med Coca-Cola, noe som ga ham berømmelse som kunstner med en ekstraordinær visjon om kunst. Og i 1960-1962 dukket det opp en syklus av verk som skildrer bokser med Campbells suppe. 
Warhol en av de første som brukte silketrykk og silketrykk som en metode for å lage malerier.
Warhol skapte en rekke malerier der han skildret idolene i det moderne samfunnet. Blant stjernene som Andy malte: tilbakevendende Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin og andre. Disse tegningene i lyse farger ble Warhols varemerke. gjenskape atmosfæren i Amerika på 60-tallet. 
Ifølge kritikere reflekterte disse maleriene vulgariteten til massekonsumkulturen, mentaliteten til den vestlige sivilisasjonen. Warhol regnes blant representantene for popkunst og konseptuell kunst, som Robert Rauschenberg, Jasper Johns og Roy Lichtenstein. For tiden når prisene på maleriene hans titalls millioner dollar. En hel subkultur har samlet seg rundt figuren til Warhol.
I 2015 ble maleriet solgt til Qatari Museum Authority for 300 millioner dollar. 287\237\225
12. Francis Bacon-(1909-1992) - Engelsk kunstner- ekspresjonistisk. Bacons maleri er alltid ekspressivt, det er et slags rop som formidler tilværelsens tragedie. Hovedtemaet i arbeidet hans er menneskekroppen - forvrengt, langstrakt, innelukket i geometriske former. Flere verk er inkludert i listen over de dyreste maleriene.
14. mai 2008 ble Francis Bacons 1976 Landmark of the Canonical 20th Century triptyk solgt på Sotheby's for 86,3 millioner dollar. Solgt av Muy-familien, eiere av Château Pétrus vinproduksjon, til den russiske milliardæren Roman Abramovich. Og maleren fikk tittelen som den dyreste etterkrigskunstneren og tok tredjeplassen blant topp ti dyreste kunstnere i verden generelt, nest etter Picasso og Klimt. 180\122\96
13.Robert Rauschenberg(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) er en amerikansk kunstner. En representant for abstrakt ekspresjonisme, og deretter konseptuell kunst og popkunst, i sine arbeider graviterte han mot teknikken med collage og ferdiglaget, brukt søppel.
Som andre representanter for popkunst, prøvde han å uttrykke sin visjon om verden i uvanlige, sjokkerende former. Til dette ble det brukt lerreter, collager, installasjoner.
På begynnelsen av 50-tallet gikk Rauschenberg gjennom tre stadier med å lage malerier:
"Hvitt maleri" - svarte tall og noen symboler er avbildet på hvit bakgrunn.
"Black Painting" - utklipp av aviser ble limt på lerretet, og alt dette ble dekket med svart emalje.
"Red Painting" - abstrakte lerreter i røde toner, delvis med klistremerker fra aviser, spiker, fotografier m.m.
I 1953 slettet Rauschenberg en tegning av Willem de Kooning og stilte den ut under tittelen "Erased De Kooning Drawing", noe som reiste spørsmålet om kunstens natur. 
Siden midten av 50-tallet har Rauschenberg laget romlige objekter som han kaller "kombinerte malerier", for eksempel:
"Odalisque" (satengpute, fylt kylling, fotografier og reproduksjoner)
"Bed" - en seng sprutet med maling og plassert vertikalt ... 
På slutten av 50-tallet mestret han frottage-teknikken (gnidning introdusert i kunsten av Max Ernst) for å overføre magasinfotografier til papir. Rauschenberg brukte den til å lage en grafisk syklus med 34 illustrasjoner for Dantes Inferno i popkunststilen. I 1962 mestret han teknikken med silketrykk og skapte en rekke store verk i den. Et av maleriene i denne serien veien til himmelen» ( himmel måte, 1964). På den sameksisterer popkulturelle symboler (for eksempel amerikanske astronauter) med bilder av Rubens.
Rauschenberg er eier av mange priser, inkludert: hovedprisen på Venezia-biennalen, Grammy, USAs nasjonale medalje, Imperial Prize of Japan og andre.
På 60- og 70-tallet var Rauschenberg involvert i feltet performance, happenings og andre teatralske handlinger.
1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Francis Bacon 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 Georges Braque 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Frida Kahlo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Egon Schiele
23 Donald Judd
24 Bruce Nauman
25 Alberto Giacometti
26 Salvador Dali
27 Auguste Rodin
28 Mark Rothko
29 Edward Hopper
30 Lucian Freud
31 Richard Serra
32 René Magritte
33 David Hockney
34 Philip Gaston
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38 Max Ernst
39 Diane Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42 Max Beckmann
43 Barnet Newman
44 Giorgio de Chirico
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Edvard Munch
47 Pierre August Renoir
48 menn Ray
49 Henry Moore
50 Cindy Sherman
51 Jeff Koons
52 Tracey Emin
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Henry Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorki
58 Amadeo Modigliani
59 Umberto Boccioni
60 Jean Dubuffet
61 Eva Hesse
62 Edward Villard
63 Carl Andre
64 Juan Gris
65 Lucio Fontana
66 Franz Kline
67 David Smith
68 Joseph Beuys
69 Alexander Calder
70 Louise Bourgeois
71 Marc Chagall
72 Gerhard Richter
73 Balthus
74 Joan Miro
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Jenny Saville
80 Dan Flavin
81 Alfred Stiglitz
82 Anselm Kiefer
83 Matthew Burney
84 Georges Gros
85 Bernd og Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Bryce Marden
88 Maurizio Catellan
89 Saul Levitt
90 Chuck Close 2915
91 Edward Weston
92 Joseph Cornell
93 Karel Appel
94 Bridget Riley
95 Alexander Archipenko
96 Anthony Caro
97 Richard Hamilton
98 Clifford Still
99 Luc Tuymans
100 Oldenburg klasse
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Frank Auerbach
103 Dinos og Jake Chapman
104 Marlene Dumas
105 Antona Tapies
106 Giorgio Morandi
107 Walker Evans
108 Nan Goldin
109 Robert Frank
110 Georges Rouault
111 Arp Hans
112 august Avsender
113 James Rosenquist
114 Andreas Gursky
115 Eugene Atget
116 Jeff Wall
117 Ellsworth Kelly
118 Bill Brandt
119 Christo og Jean-Claude
120 Howard Hodgkin
121 Joseph Albers
122 Piero Manzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapoor
125 L. S. Lowry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delaunay
128 Stuart Davis
129 Ed Ruscha
130 Gilbert og George 2729
131 Stanley Spencer
132 James Ensor
133 Fernand Ledger
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Alexander Rodtsjenko
136 Robert Ryman
137 Ed Reindhard
138 Hans Belmer
139 Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Weegee
142 Paula Rego
143 Thomas Hart Benton
144 Hans Hoffmann
145 Vladimir Tatlin
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 Jörg Imendorff
149 Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed og Nancy Kienholz
152 Richard Prince
153 Ansel Adams
154 Naum Gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Stael 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez-Torres 2228
160 Giacomo Balla 2225
161 Ben Nicholson 2221
162 Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gobert 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Yannis Kounellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fischli & Weiss 2203
188 August John 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203-rangeringer
sitert
Likte: 5 brukere
