hjem › Lys og glass › Presentasjon av bildet av jomfruen som idealet om morskap. Bildet av moren i kunsten - "Fædrelandets mødre

Presentasjon av bildet av jomfruen som idealet om morskap. Bildet av moren i kunsten - "Fædrelandets mødre

Fødselen av et nytt liv er et av de største mysteriene på jorden, og derfor er navnet til moren alltid omgitt av ærbødighet.

Temaet morskap er et av de eldste temaene i verdenskunsten. De første bildene av en mor med et barn i armene dateres tilbake til Egypts pre-dynastiske tider.

Et bilde er et blikk, en form. Madonna (min elskerinne) - navnet på komposisjonen som viser jomfruen og barnet. En arketype er en prototype, en modell innprentet i sjelen til en person, et folk, en nasjon.

"Paleolithic Venuses" - et bilde som understreker det feminine, modningen av et nytt liv. Legemliggjøringen av ideen om morskap og forplantning.

Gudinnen har vært assosiert med månen siden antikken. Månen har tre faser: voksende, full og avtagende. De tilsvarer de tre fasene til enhver gudinne: jomfru, mor, crone. Hver av dem hadde et særskilt formål og verdi. n Jomfruen symboliserte ungdom og energi. n Mor var legemliggjørelsen av kvinnelig kraft og fruktbarhet. n Den gamle kvinnen er livserfaring, medfølelse og fremfor alt n visdom.

I den kristne kulturtradisjonen ble en spesiell rolle tildelt Guds mor - Jomfru Maria, som fødte og oppdro Frelseren. Vår Frue av Vladimir

Russisk ikon... Dette fenomenet er unikt i verdenskunsten. Russisk ikonmaleri er av stor kunstnerisk betydning. Det er en kilde til lys og glede, som får betrakteren til å føle en følelse av indre letthet, en følelse av harmoni. Ikoner helbreder, lagre...

Bildet av Madonnaene ... Ønskene mine gikk i oppfyllelse. Skaperen sendte deg ned til meg, Madonna, Den reneste sjarmen til det reneste eksempel ... A. S. Pushkin

Vi har alltid vært fascinert og inspirert av kunstnerne på 1400- og 1500-tallet, fordi de var preget av at de hadde sin egen visjon for å skrive Madonnaene. De ble preget av harmoni, form, skjønnhet i lineær og fargerytme og, viktigst av alt, av dybden av mors, øm kjærlighet hevet til nivået av et høyt, vakkert ideal.

The Pure One er standarden for femininitet, konsentrasjonen av velgjørere, et forbilde ... Hennes sjarmerende utseende er toppen av perfeksjon og harmoni

A. G. Venetsianov I full gang med landsbyens lidelser, Du deler! - Russisk kvinnes andel! Neppe vanskeligere å finne...

Kunst fra XX århundre K. S. Petrov - Vodkin Guds mor - ømhet av onde hjerter, 1915

Kazakova Yana

Mysteriet om kvinnelig skjønnhet har forstyrret menneskeheten gjennom historien om dens eksistens. Det er knapt en kunstner eller forfatter som ikke ville prøve å forstå denne hemmeligheten, men hver og en oppdaget den på sin egen måte. Det viktigste og uforandrede i denne forståelsen var moderskapsidealet, de hellige kjærlighetsbåndene mellom mor og barn. Fra skulpturene til de første kunstnerne på jorden, madonnaene til renessansens titaner, de ikonmalende ansiktene til Jomfruen, inspirerte musikalske og kunstneriske salmer til morkvinnen til verkene til samtidskunstnere - dette er veien til forstå idealet om kvinnelig skjønnhet og sjarm.

Nedlasting:

Forhåndsvisning:

Kommunal utdanningsinstitusjon

"Obshiyarskaya grunnleggende omfattende skole"

Volzhsky kommunedistrikt

Republikken Mari El

Tverrdistrikts vitenskapelig og praktisk konferanse

"Klanen min er mitt folk"

Seksjon kunsthistorie

Bildet av en kvinne-mor i kunsten til forskjellige tidsepoker

Forskning

Kazakova Yana Vladimirovna

8. klasse elev

MOU "Obshiyarskaya OOSh"

Veileder:

Pavlova Tatyana Arkadievna

lærer i russisk språk og litteratur

Field, 2016

1. Introduksjon……………………………………………………………………………… 1-4

2. Hoveddel………………………………………………………………….5-17

2.1 "Venuser" til de første kunstnerne på jorden…………………………………………5-6

2.2 Det hellige ansiktet til Guds mor…………………………………………………………6-7

2.3. Den majestetiske slaven i arbeidet til A.G. Venetsianova…………………………7-10

2.4. Mor kvinne i det 20. århundres kunst………………………………………….10-12

2.5. Toidze “Fosterlandet kaller”…………………………………………………...12

2.6. Mor i arbeidet til russiske diktere N.A. Nekrasov og S. Yesenin…….13-15

2.7. Bildet av en kvinne-mor i kunsten til republikken Mari El…………15-16

2.8. Studiet av kunnskap om bildet av en kvinne i kunst………………..17

3. Konklusjon………………………………………………………………………………………18-19

4. Referanser………………………………………………………………...20

Introduksjon

Relevans mitt arbeid er at det omhandler et uuttømmelig tema båret gjennom tidene. Og i vår tid forblir en kvinne standarden for skjønnhet, ømhet, et symbol på morskap, en muse for poeter, musikere, malere, skulptører og andre kunstnere.

Forskningsskjema- teoretisk.

Forskningshypotese- bildet av en kvinne-mor er idealet om kvinnelig skjønnhet og sjarm gjennom hele menneskehetens eksistens.

gjenstand forskning er forståelse og refleksjon av idealet om morskap i ulike historiske formasjoner.

Studieemne- bildet av en kvinne-mor i ulike typer kunst

Mål: Å avsløre funksjonene ved å forstå hemmeligheten til kvinnelig skjønnhet, reflektert i bildet av en kvinne-mor, i forskjellige perioder av historien;

Oppgaver:

Å studere bildet av en kvinne-mor i forskjellige typer kunst
Bistå i dannelsen av personlighet gjennom forskningsaktiviteter;
Å danne ferdighetene til å tale offentlig, gjennomføre vitenskapelig kontrovers;

Hovedmetodene for denne forskningen er:

analyse og syntese;

observasjon;

sammenligning;

datavisualisering.

Forventede resultater:besittelse av informasjon om legemliggjørelsen av bildet av en kvinne-mor i ulike typer kunst og ferdighetene til elementære forskningsaktiviteter.

2. Hoveddel

Bildet av en kvinne-mor gjennom tidene

Etter å ha analysert et stort antall reproduksjoner, bilder av skulpturer, bemerket vi et visst mønster: til tross for forskjeller i forståelsen av kvinnelig skjønnhet, bruker kunstnere og skulptører fra forskjellige tidsepoker lignende bilder. Disse inkluderer:

1. "Venus" av de første artistene

2. Guds mors hellige ansikt

3. Madonnaer fra renessansens titaner

4. Den majestetiske slaven i arbeidet til A.G. Venetsianova

5. Morkvinne i det 20. århundres kunst

6. Bildet av moren i litteraturen (på eksemplet med N. Nekrasov og S. Yesenin)

7. Bildet av en kvinne-mor i kunsten til republikken Mari El.

2.1 "Venus" av de første kunstnerne på jorden

Under arkeologiske utgravninger i forskjellige land i verden ble det funnet mer enn hundre og femti små kvinnelige figurer, som forskere ga et kodenavn"Paleolittiske venuser". Det var ikke den kvinnelige kroppens nåde og harmoni som disse steinstatuene 5-10 centimeter høye legemliggjorde, tvert imot så de ekstremt primitive og til og med frekke ut. Ansiktene deres ble erstattet av en jevn bule uten å tegne individuelle trekk, hendene og føttene deres var knapt skissert eller fraværende i det hele tatt, kroppene deres var unødvendig forlenget. Spesiell oppmerksomhet rettes mot bildet av alt som understreker det feminine prinsippet: ublu store bryster og hofter, en enorm svulmende mage, der et nytt liv modnes. De komplekse mønstrene til kvinners frisyrer er nøye tegnet. Hva er i veien her? Hvorfor hadde disse figurene fortsatt et så poetisk navn? La oss ikke skynde oss med konklusjoner og vurderinger. La oss prøve å forstå vår egen type, mentalt akseptere deres synspunkt. Faktum er at i den primitive epoken var en kvinne-mor omgitt av en spesiell Halo av håp og ideelle tanker. I samfunnet var det en kvinnekult, som legemliggjorde ideen om morskap og forplantning. Ideene om fruktbarhet og beskyttelse av ildstedet ble også knyttet til kvinnen. Så de paleolittiske venusene inneholdt ikke bare magiske og kultbetydninger, men også det estetiske idealet til våre fjerne forfedre. Hvert av disse bildene er en ekte hymne til en kvinne-mor, etterfølgeren til menneskeheten.

2.2 Vår Frues hellige ansikt

Middelalderkunst i europeiske land i dag kan ikke forestilles uten det mye avbildede bildet av Guds mor. I Vest-Europa ble han assosiert med madonna-kulten, og i Rus' - med Guds mor, som ble oppfattet som beskytteren og beskytteren av hennes hjemland, menneskers forbeder overfor Gud. Et av de beste tidlige eksemplene på bysantinsk maleri varIkon for Vår Frue av Vladimir, opprettet i Konstantinopel på XII århundre. Så ble hun brakt til Rus og har siden den gang ikke forlatt grensene til det russiske landet. Mange legender er knyttet til dette ikonet. Etter gammel skikk ble hun båret på slede om sommeren. Noen få verst fra Vladimir reiste hester seg plutselig, og ingen kraft kunne flytte dem. Byttet ut hestene - de sto rotfestet til stedet. Siden den gang har de bestemt seg: ikonet vil forbli på denne jorden. En enorm Assumption Cathedral ble bygget i Vladimir og dette fantastiske ikonet ble plassert i den. Mange ganger reddet og beskyttet hun det russiske folket på slagmarkene og i arbeidsgjerninger. Guds mors øyne er fulle av en følelse som i middelalderen ble definert som «gleden ved hellig sorg». Disse ordene formidler veldig nøyaktig hovedbetydningen. Det som er bestemt ovenfra vil bli oppnådd. Fremtiden er uunngåelig. Babyen presser ansiktet forsiktig mot morens kinn og legger armen rundt halsen hennes. Barnas øyne er festet på Mary, som om de leter etter beskyttelse fra henne. Med venstre hånd holder Maria barnet og prøver forsiktig å beskytte ham mot skjebnen som er forberedt for henne. På hennes strenge ansikt, fullt av åndelig adel og stum bebreidelse, lå angst og tristhet på lur. Med all den moderlige ømheten i utseendet hennes, føler man bevisstheten om uunngåelige offer. "Vladimir Mother of God" er et av de beste verkene innen middelalderkunst, som kunstneren I.E. Grabar kalte med rette «den uforlignelige, fantastiske, evige sangen om morsrollen». I gammel russisk kunst ble bildet av Guds mor assosiert med kulten til Moder Jord; begge hadde felles prinsipper om hellighet og morskap. «Den første mor er den aller helligste Theotokos; den andre moren er den fuktige jorden, sier folkevisdommen. I sinnet til en russisk person har bildet av Guds mor alltid vært omgitt av en aura av renhet, hellighet og oppofrende kjærlighet. Gammel russisk ikonografi inkluderer mange bilder av Guds mor, men de dateres alle tilbake til fire hovedtyper: Omen (som betyr Frelserens fødsel, inkarnasjonen av et nytt liv), Guds mor Orante ("ber" med hendene hevet mot himmelen), Hodegetria ("guidebok" som peker på Jesusbarnet som sitter i armene hennes) og Eleusa ("ømhet", å kjærtegne og omfavne sønnen hennes). De sanne mesterverkene innen gammelt russisk ikonmaleri inkluderer"Vår Frue av Don"opprettet på 1300-talletTheophanes den greske.Den fikk dette navnet i forbindelse med seieren til troppene til prins Dmitrij Donskoy på Kulikovo-feltet. Oppvarmet av en dyp menneskelig følelse, er Don Guds mor, i likhet med Vladimir Guds mor, et uttrykk for grenseløs mors kjærlighet til Sønnen, som i fremtiden venter på martyrdøden i menneskehetens frelses navn. I mellomtiden holder hun ham forsiktig og kjærlig i armene. Den gjerrige fargerike serien, som domineres av myke, mørke toner, skaper fortsatt en følelse av ro, stille og lys glede.

2.3. Den majestetiske slaven i arbeidet til A.G. Venetsianova

Anerkjent portrettmaler, akademiker i maleri A.G. Venetsianov (1780-1847) i en alder av 44 år, føler misnøye og behovet for å jobbe annerledes, forlater uventet St. Petersburg og slår seg ned i villmarken i Tver. I sine selvbiografiske notater forklarer han senere trinnet sitt: "For å vie seg mer fullstendig til maleri fra originaler av naturen ... dro han til landsbyen sin, der tok han opp naturens ubetingede oppmerksomhet ..." Han følte virkelig som en gratis artist, uavhengig av kundenes krav og ønsker. Han begynte å male enkle russiske bondekvinner, opptatt med deres vanlige og vanskelige arbeid. Langt fra det støyende bylivet utviklet kunstneren sin egen idé om idealet om kvinnelig skjønnhet, på mange måter forskjellig fra allment aksepterte normer. Han malte "Reaper", "Sykepleier med et barn", "Jente med kornblomster", "Pelageya (jente med ljå og en rake)", "Jente i et hodesjal" - mange malerier der, i dekke av en majestetisk slav , la han vekt på den åndelige begynnelsen og den lyse personligheten. Valget av slike emner kunne forklares med forfatterens ønske om å understreke at det var kvinnen, til tross for alle livets vanskeligheter, som var og forble vokteren av bondelivets beste tradisjoner. Og her er et annet maleri av A.G. Venetsianov, opprettet i de samme årene -«I innhøstingen. Sommer", hvorpå han fanget bøndene under sommermarkarbeidet. Solen banker nådeløst, gyllen rugskiver står på rader, åsene blir grønne i horisonten... I midten av bildet er en kvinnelig høster med et barn i armene. Etter å ha slått seg til ro på en høy plattform, klemmer hun kjærlig babyen og glemmer tretthet. A.G. Venetsianov kom ut av folket og ble alltid inne i dem. Og da han fikk akademiske titler; og når han latterliggjorde adelsmenn i sine satiriske ark; og da han, inntil den siste dagen av sitt liv, ordnet livet til bøndene, behandlet og underviste dem i sin Safonkovo; da han kledde på og matet fattige livegne i stand til kunst på skolen sin ... Og da han, i motsetning til den «guddommelige» Karl Bryullov, som overveldet grunneieren Engelhardt med høye fraser, raskt og enkelt ble enige om hvor mye han ville gi T. Shevchenko ... Bilde «I innhøstingen. Summer" tilhører de mesterverkene som har varig verdi og den dag i dag gir publikum en ekte estetisk nytelse. Dette er et virkelig russisk landskap, det er i dette bildet naturen fremstår "for kunstneren, med dikterens ord, som" en oase av ro, arbeid og inspirasjon. "Plottet til maleriet" Ved innhøstingen "er hentet fra hverdagens folkeliv. Men A.G. skal skildre dette livet i dets hverdagsaspekt, og denne konklusjonen bekreftes av det fullstendige fraværet av hverdagslig tilbehør på lerretet. Maleriet har undertittelen "Sommer", som perfekt uttrykker den generelle stemningen til hele verket luft, tykk mørk gyllen rug rører seg ikke. Betrakteren ser ut til å høre denne klingende stillheten herske over jordene. Himmelen har hevet seg høyt over den flate jorden, og "en slags stille skyspill" finner sted på Ved første øyekast på bildet ser vi bare en skikkelse av bondekvinner, og først da legger vi merke til i bakgrunnen figurene til andre høstere, innhyllet i en dis av varm luft, som om de går i oppløsning i et endeløst rom. Inntrykket av uendelighet fra luften, av lengden på feltene skapes av vekslingen av fly som stiger opp til de kuperte horisontlinjene, og stiger opp etter hverandre. Ikke rart mange kunsthistorikere bemerker at maleriene til A. G. Venetsianov er gjennomsyret av en enkelt rytme, som musikalske verk. I lerretet «I høsten. Sommer "(som i maleriet" På dyrkbar jord. Våren "), hovedmotivet utspiller seg i forgrunnen, og gjentas deretter rytmisk flere ganger, som et refreng i en sang. Rolig og naturlig, og retter opp den overarbeidede ryggen, sitter en kvinne og legger en sigd ved siden av henne. Hennes staselige, majestetiske figur, innhyllet i tett trykkende luft, er opplyst av de varme strålene fra middagssolen. En bondekvinne, som mater et barn som klamrer seg til henne, sitter i profil til betrakteren, på en høyde, hvorfra utsikten over de grenseløse åkrene åpner seg - enten sjenerøst oversvømmet av solen, deretter litt skyggelagt av sølvhvite skyer som sakte flyter over den høye himmelen.

fremfor alt rundt, er det imidlertid organisk forbundet med landskapet og den pågående handlingen av båndene til uatskillelig enhet. Men naturen i maleriene til A. G. Venetsianov er ikke bare en arena for menneskelig arbeid, den virker ikke som vold mot naturen, forvrenger dens naturlige utseende. Fra kunstnerens synspunkt er menneskelig arbeid en fortsettelse av naturens vitale aktivitet, med den eneste forskjellen at den går fra spontan til rasjonell. Og mennesket fremstår dermed som en natur som forstår seg selv, det er i denne forstand det er "skapelsens krone". Bakgrunnen er utmerket malt - et felt med skiver og figurer av høstere, og over dem - en høy himmel med smeltende skyer. Solen er bak bondekvinnen, og takket være dette er ansiktet hennes og det meste av figuren skyggelagt, og dette gjør det mulig å generalisere formene og avsløre rene og glatte linjer i silhuetten hennes A. G. Venetsianov hadde en sjelden poetisk gave, han visste å finne poesi i hverdagens bekymringer og plager mennesket i sitt arbeid og liv. Ordene som ble sagt av Gogol om A.S. er fullt anvendelige for ham. Pushkin. Som verkene til Pushkin, "hvor russisk natur puster i ham", så maleriene til A.G. Venetsianov "kan bare forstås fullstendig av en hvis sjel bærer i seg rent russiske elementer, for hvem Rus er hjemlandet, hvis sjel ... er ømt organisert og utviklet i følelser."

2.4. Morkvinnen i det 20. århundres kunst

I det 20. århundres kunst lød det evige temaet morskap på en helt ny måte, og glorifiserte de dypeste og mest oppriktige menneskelige følelser. Hun fant den lyseste kunstneriske legemliggjørelsen i kunstnerens arbeidK.S. Petrova-Vodkina(1878-1939). Opprettelsen av de beste verkene om dette emnet ble innledet av bekjentskap med lerretene til de italienske mesterne fra renessansen, og spesielt med mesterverkene til gammelt russisk ikonmaleri. Virkelig russiske, nasjonale tradisjoner gjenspeiles i slike malerier som "Mother" (1913; 1915), "Our Lady Tenderness of Evil Hearts" (1914-1915). Etter oktoberrevolusjonen streber Petrov-Vodkin etter å realisere det nye forholdet mellom mennesket og verden, for å føle harmonien i "planetarisk eksistens". I livets stormende, heftige strøm lød ordene med håp for kunstneren:

Det blir et fantastisk liv!.. Det blir et fantastisk liv.Overbevist om at "en russisk person, til tross for all pine, vil arrangere et fritt, ærlig liv," prøver kunstneren å finne sin viktigste støtte. Han vil legemliggjøre sin forståelse av pågående historiske hendelser i den berømte"Petrograd Madonna"(1920). Hvor lik og ulik de vanlige bildene av Madonnas, heltinnen til kunstnerens maleri! Hvem er hun? En arbeider av det revolusjonære Petrograd, Guds mor fra gamle russiske ikoner, eller renessansens madonna? Sannsynligvis både det, og en annen, og den tredje. Hun absorberer virkelig tidligere, nåværende og fremtidige tider, legemliggjør mange av ansiktene til kjente madonnaer. En ung kvinne med et barn i armene er avbildet på bakgrunn av det revolusjonære Petrograd, der en ny æra av menneskehetens historie begynte. Forbipasserende skynder seg et sted, noen stopper ved veggene til bygninger for å diskutere påklistrede dekreter fra den nye regjeringen. Men alt dette er bare en midlertidig bakgrunn for hovedbildet av en kvinne-mor. Det er ingen tilfeldighet at hun har ryggen vendt mot byen. Hennes viktigste bekymring er for barnet, for dets nåtid og fremtid. Et fullblods kvinnelig bilde med fullstendig fullstendighet ble bestemt i maleriet "Mother" i 1915. Bondekvinner fra lerretene "Mother" fra 1913 eller "Mother" fra 1915 personifiserte begynnelsen på livets fylde. Assosiert med ideen om kysk nøysomhet og renhet var en følelse av dyp blå. Moren på bildet av Petrov-Vodkin er en ung kvinne med bratte skuldre og en staselig nakke. Calicoskjørtet hennes, som opptar hele bunnen av bildet, er flammende og klangfullt og varmt. De skrå linjene på veggen, vinduene og helligdommene forsterker bare den nesten statuære tettheten til figuren hennes, sjarmen til hennes vulgære og på samme tid nesten "kongelige" holdning. Og viktigst av alt, selve uttrykket av morens "ansikt" har endret seg avgjørende. Det litt "magre-ydmyke" uttrykket til bonden "Mor" fra 1913, med hennes "døsig-døsig" utseende fra under halvsirkelformede øyenbryn, er erstattet av et mer åpent og dristig uttrykk.en omgang med hodet er verdt det - så vakkert og fritt, som om det frigjør fra noe tyngende eller lenkende!I utgangspunktet ble dette maleriet løst i hverdagslige termer, men etter å ha besøkt den første store utstillingen av ryddet ikoner levert av private samlere i 1913, kunstneren resolutt ombygd og komposisjon, og fargen på bildet.En mor i en rosa genser og et rødt skjørt sitter med et barn i armene mot bakgrunnen av Volga-steppene som går ned i dypet Det vakre bildet av en kvinne, en enkel russisk bondekvinne, presenteres som et generalisert bilde av mors kjærlighet og menneskelig lykke. Dette temaet er interessant nedfelt i bildet"Mor" til kunstneren AL. Deineka (1899-1969). Komposisjonen hennes er overraskende enkel: på en jevn mørk bakgrunn er et nærbilde av en kvinne med et sovende barn i armene avbildet. I skikkelse av en mor formidles den majestetiske holdningen til venetianske bondekvinner, ømme, dirrende følelser for babyen som klamrer seg til skulderen hennes. I kontrast til guttens skjøre kropp, vasket ut av søvnen, med morens sterke og sterke figur, søker kunstneren å understreke den uløselige åndelige forbindelsen mellom dem, morens beredskap til å beskytte barnet fra livets motgang.

2.5. I.M.Toidze "Fosterlandet kaller".

I de tøffe årene med militære rettssaker ble det gjort en oppfordring fra mor om å forsvare moderlandet. Det er umulig å komme vekk fra det direkte åpne utseendet til en kvinne-mor. Gesten med den løftede hånden minner mange om det velkjente bildet av Vår Frue Organa, som ber om menneskehetens frelse.

Konklusjon: Til alle tider sang artister skjønnheten til en kvinne. Men det var bildet av en kvinne-mor som var idealet om kvinnelig skjønnhet.

I trykt litteratur, som av åpenbare grunner først var forbeholdt overklassen, forble bildet av moren i skyggene lenge. Kanskje ble det navngitte emnet ikke ansett som verdig en høy stil, eller kanskje er årsaken til dette fenomenet mer enkelt og naturlig: tross alt ble adelige barn som regel tatt for å utdanne ikke bare veiledere, men også sykepleiere, og barn av adelen, i motsetning til bondebarn ble kunstig skilt fra moren og matet på melk fra andre kvinner; derfor skjedde det en – om enn ikke helt bevisst – sløving av sønlige følelser, som til syvende og sist ikke kunne annet enn å påvirke arbeidet til fremtidige poeter og prosaforfattere.

Det er ingen tilfeldighet at Pushkin ikke skrev et eneste dikt om moren sin og så mange vakre poetiske dedikasjoner til barnepiken Arina Rodionovna, som for øvrig dikteren ofte kalte ømt og forsiktig - "mamma".

2.6. Mor i arbeidet til den russiske poeten N.A. Nekrasov og S. Yesenin.

Mor ... Den kjæreste og nærmeste personen. Hun ga oss liv, ga oss en lykkelig barndom. Mors hjerte, som solen, skinner alltid og overalt, og varmer oss med sin varme. Hun er vår beste venn, en klok rådgiver. Mor er vår skytsengel.

Derfor blir bildet av moren et av de viktigste i russisk litteratur allerede på 1800-tallet.

Virkelig, dypt, lød temaet til moren i poesien til Nikolai Alekseevich Nekrasov. Lukket og reservert av naturen, kunne Nekrasov bokstavelig talt ikke finne nok lyse ord og sterke uttrykk til å sette pris på morens rolle i livet hans. Både den unge mannen og den gamle mannen, Nekrasov snakket alltid om sin mor med kjærlighet og beundring. En slik holdning til henne, bortsett fra de vanlige kjærlighetssønner, fulgte utvilsomt fra bevisstheten om hva han skyldte henne:

Og hvis jeg rister det lett av meg med årene
Fra sjelen til mine skadelige spor
Korrigere alt rimelig med føttene dine,
Stolt av uvitenhet om miljøet,
Og hvis jeg fylte livet mitt med kamp
For idealet om godhet og skjønnhet,
Og bærer sangen komponert av meg,
Levende kjærlighets dype trekk -
Å, min mor, jeg er inspirert av deg!
Du reddet en levende sjel i meg!

Først av alt, som en høyt utdannet kvinne, introduserte hun barna sine for intellektuelle, spesielt litterære, interesser. I diktet "Mor" minner Nekrasov om at han som barn, takket være moren, ble kjent med bildene til Dante og Shakespeare. Hun lærte ham også kjærlighet og medfølelse for de «hvis ideal er redusert sorg», det vil si for livegne.

Bildet av en kvinne - en mor er levende representert av Nekrasov i mange av hans arbeider "I full gang landsbyens lidelse", "Orina, soldatens mor"

Dikt "Lytte til krigens redsler"

Nekrasov-tradisjoner i bildet av det lyse bildet av moren - en bondekvinne i tekstene til S.A. Yesenin.

Et lyst bilde av dikterens mor går gjennom Yesenins verk. Utstyrt med individuelle trekk, vokser det til et generalisert bilde av en russisk kvinne, vises i dikterens ungdommelige dikt, som et fabelaktig bilde av den som ikke bare ga hele verden, men også gledet seg over sangens gave. Dette bildet tar også på seg det spesifikke jordiske utseendet til en bondekvinne, opptatt med hverdagslige anliggender: "Mor takler ikke grep, bøyer seg lavt ..."

Troskap, følelsesfasthet, hjertelig hengivenhet, uuttømmelig tålmodighet er generalisert og poetisert av Yesenin i bildet av en mor. "Å, min tålmodige mor!" - dette utropet slapp fra ham ikke ved en tilfeldighet: sønnen bringer mye uro, men morens hjerte tilgir alt. Så det er et hyppig motiv for Yesenins sønns skyld. På turene husker han stadig hjembyen: den er kjær for ungdomsminnet, men mest av alt tiltrekker moren som lengter etter sønnen henne dit.

«Søt, snill, gammel, øm» mor blir sett av poeten «på foreldremiddagen». Moren er bekymret – sønnen har ikke vært hjemme på lenge. Hvordan er han i det fjerne? Sønnen prøver å berolige henne i brev: "Det kommer tid, kjære, kjære!" I mellomtiden strømmer «kveldens usigelige lys» over morshytta. Sønnen, "fortsatt like mild", "drømmer bare om hvor snart fra den opprørske lengselen etter å vende tilbake til vårt lave hus." I "Brevet til moren" uttrykkes sønlige følelser med gjennomtrengende kunstnerisk kraft: "Du er min eneste hjelp og glede, du er mitt eneste uutsigelige lys."

Yesenin var 19 år gammel da han med fantastisk penetrasjon sang i diktet "Rus" tristheten til mors forventning - "venter på gråhårede mødre."

Sønnene ble soldater, den kongelige tjenesten tok dem med til verdenskrigens blodige felt. Sjelden-sjelden kommer fra dem "klodser, utledet med slike vanskeligheter," men de venter alle på sine "skjøre hytter", varmet av et mors hjerte. Yesenin kan plasseres ved siden av Nekrasov, som sang "tårene til fattige mødre."

De kan ikke glemme barna sine
De som døde i det blodige feltet,
Hvordan ikke reise en gråtepil
Av deres hengende grener.

2.7. Bildet av en kvinne-mor i kunsten til republikken Mari El

Skulpturen "Jomfru Maria med Kristusbarnet" (30. november 2007 i Yoshkar-Ola) er plassert på Republikkens plass og den hellige jomfru Maria.

Folkets kunstner i Russland A. Kovalchuk.

Jomfru Maria (Jomfru Maria) - i kristendommen, den jordiske moren til Jesus Kristus, en av de mest ærede personlighetene og den største av kristne helgener. I ortodoksi, katolisisme og en rekke andre kirker er den æret som Guds mor (Guds mor), himmelens dronning, den salige jomfru, Madonnaen.

Skulpturen ble skapt i henhold til alle tradisjonene til den russisk-ortodokse skolen og er en to-sifret komposisjon - Guds mor, som velsigner innbyggerne i Mari El, med Kristus-barnet i armene. Bildet av Guds mor med barnet er identisk med ikonet til den suverene Guds mor, men på skulpturen har ikke Guds mor et septer, kule og krone. Høyde - ca 3 meter, materiale - bronse. En marmorplate med en bønn er festet til sokkelen: "Å, hellige jomfru Maria, frels og bevar vårt Mari-land"

Minnekompleks "Grieving Mother" (Minneskulptur "Grieving")Det ble reist i 2002 nær bygningskomplekset til innenriksdepartementet i republikken Mari El på Komsomolskaya Street, 137. Minnesmerket er en hyllest til minnet om de ansatte i innenriksdepartementet som døde i linjen av plikt. Komplekset består av minneskulpturen "Grieving", som er en halvfigur av en sørgende mor som bøyde hodet og foldet hendene i en bønn, samt en murvegg med minneplaketter hvor etternavn, navn, patronymics og leveår av sovjetiske og russiske ansatte i de indre organer er udødeliggjort tilfeller av republikken Mari El, som døde under tjenesten. På den siste tavlen er inskripsjonen:

En studie av kunnskapen til elever på skolen vår om bildet av en kvinne-mor i kunsten fra forskjellige tidsepoker.

Vi ønsket å vite hva elevene på skolen vår vet om dette temaet. Vi gjennomførte en sosiologisk undersøkelse blant elever (5-9 klassetrinn)

De ble stilt følgende spørsmål:

1. Hvilke verk kan du nevne som snakker om moren?

2.Hvilken av kunstnerne avbildet madonnaer og kvinner med et barn i armene?

3. En kvinne er en mor i kunsten til vår republikk.

Resultatene av undersøkelsen viste at kun 30 % av elevene ga svar på 1 spørsmål.

For det meste ble diktere kalt -N. Nekrasov, S. Yesenin, A. Pushkin.

Spørsmål 2 ble besvart av 20 % av skoleelevene. Svarene var Leonardo da Vinci, Rafael Santi.

Omtrent 10 % svarte riktig på spørsmål 3. Det ble hovedsakelig kalt monumentet til Peter og Fevronia i byen Yoshkar-Ola.

Konklusjon: Vår forskning har vist at kunnskapen om bildet av en kvinne-mor i kunstverk, dessverre, er på et lavt nivå.

Konklusjon

Dataene innhentet lar oss trekke følgende konklusjoner:

Det viktigste og uforandrede i å forstå hemmeligheten bak kvinnelig skjønnhet har gjennom alle epoker forblitt idealet om morsrollen, det hellige båndet mellom mor og barn. Bildet av en kvinne-mor er et evig bilde. Dette er en slags moralsk stemmegaffel for kunsten til enhver tid, enhver nasjon.

Malere og skulptører fra forskjellige tidsepoker brukte lignende bilder: bildet av en ammende mor, en kvinne-mor med et barn i armene, et familieportrett.

Primitive artister sang ikke kvinnekroppens ynde og statelighet, men ga spesiell oppmerksomhet til skildringen av alt som understreker det feminine: ublu store bryster og hofter, en enorm svulmende mage der nytt liv modnes.

Bildet av en ammende mor har sitt opphav i den primitive verden og går gjennom alle påfølgende tidsepoker. I middelalderen ble bildet av en kvinne-mor med et barn i armene i europeisk kunst assosiert med bildet av Madonna, og i gammel russisk - med bildet av jomfruen.

Gammel russisk ikonografi inkluderer et stort antall bilder av Guds mor, som betinget kan deles inn i fire typer:

1) Signer; 2) Oranta; 3) Hodegetria; 4) Yelesua.

Bildet av en kvinne-mor med et barn i armene har blitt et kjent ord: slike bilder kalles i økende grad Madonnaer. Når de skildrer Madonnaen, la kunstnere ofte til en fugl, en vase med blomster eller en annen gjenstand, og avbildet henne også omgitt av helgener eller engler;

Senere utmerker Madonnas seg ved den demokratiske enkelheten i bildene deres, de er mer jordiske. I moderne tid blir bildet av en enkel kvinne, en hardtarbeidende, en mor poetisert.

Kunsten på 1900-tallet reflekterte tendensen til å plassere portrettheltene på bakgrunn av naturen eller bilder av hverdagen, husholdningsskisser.

Analysen viser at i kunsten på slutten av 1900-tallet og begynnelsen av 2000-tallet ble bildet av en kvinne-mor ikke gitt tilstrekkelig oppmerksomhet, noe som ble en av årsakene til nedgangen i fødselsraten, nedgangen i statusen til moren , hennes betydning i samfunnet. Presidentprogrammet som tar sikte på å løse den demografiske krisen gir allerede positive resultater. I økende grad, på reklametavler, magasinomslag, bilder, vises et bilde som er så kjent for alle - bildet av en kvinne-mor.

Selvfølgelig er denne listen over typer bilder av en kvinne-mor ikke komplett. I fremtiden satte vi oss i oppgave å fortsette forskningen på dette emnet og analysere mer detaljert refleksjonen av bildet av en kvinne-mor i kunsten fra det 20. - tidlige 21. århundre.

Bibliografi

1. Gnedich P. P. Kunsthistorie. Nordrenessansen. - EKSMO - M., 2005

2. Gnedich P. P. Kunsthistorie. Høyrenessanse. - EKSMO - M., 2005

3. Gnedich P. P. Kunsthistorie. italiensk renessanse. - EKSMO - M., 2005

4. Danilova G. I. Verdens kunstnerisk kultur 7-8 celler. - Bustard - M., 2005

CD "History of Art", elektronisk pedagogisk verktøy, GU RC EMTO, "Cyril and Methodius", 2003

5. Maleri av sovjetiske kunstnere fra 1960-1980-tallet. Folk i det sovjetiske landet. - AURORA - L., 1986

6. Lev Lyubimov. Art of Ancient Rus'. - Opplysningstiden - M., 1996

7. Lev Lyubimov Kunst fra Vest-Europa: Middelalderen. Renessanse i Italia. - Opplysningstiden - M., 1996

8. Nonna Yakovleva. Barneleksikon. Russisk historisk maleri. - White City - M., 2000

9. Leksikon for barn. Bind 5. Art. Del 1 / Red. V. A. Volodina. – AVANTA+ – M., 2001

BILDET AV EN KVINNE-MOR GJENNOM ÅHØRENE

Mysteriet om kvinnelig skjønnhet har forstyrret menneskeheten gjennom historien om dens eksistens. Det er knapt en kunstner som ikke ville prøve å forstå denne hemmeligheten, men hver og en oppdaget den på sin egen måte. Det viktigste og uforandrede i denne forståelsen var moderskapsidealet, de hellige kjærlighetsbåndene mellom mor og barn. Fra skulpturene til de første kunstnerne på jorden, madonnaene til renessansens titaner, de ikonmalende ansiktene til Jomfruen, inspirerte musikalske salmer til morkvinnen til verkene til samtidskunstnere - dette er måten å forstå ideal for kvinnelig skjønnhet og sjarm.

"Venus" av de første kunstnerne på jorden

Under arkeologiske utgravninger i forskjellige land i verden ble det funnet mer enn hundre og femti små kvinnelige figurer, som forskere ga kodenavnet "Paleolithic Venuses". Det var ikke den kvinnelige kroppens nåde og harmoni som disse steinstatuene 5-10 centimeter høye legemliggjorde, tvert imot så de ekstremt primitive og til og med frekke ut. Ansiktene deres ble erstattet av en jevn bule uten å tegne individuelle trekk, hendene og føttene deres var knapt skissert eller fraværende i det hele tatt, kroppene deres var unødvendig forlenget. Spesiell oppmerksomhet rettes mot bildet av alt som understreker det feminine prinsippet: ublu store bryster og hofter, en enorm svulmende mage, der et nytt liv modnes. De komplekse mønstrene til kvinners frisyrer er nøye tegnet.

Hva er i veien her? Hvorfor hadde disse figurene fortsatt et så poetisk navn? La oss ikke skynde oss med konklusjoner og vurderinger. La oss prøve å forstå vår egen type, mentalt akseptere deres synspunkt. Faktum er at i den primitive epoken var en kvinne-mor omgitt av en spesiell glorie av håp og ideelle tanker. I samfunnet var det en kult av en kvinne som legemliggjorde ideen om morskap og forplantning. Ideene om fruktbarhet og beskyttelse av ildstedet ble også knyttet til kvinnen. Så de paleolittiske venusene inneholdt ikke bare magiske og kultbetydninger, men også det estetiske idealet til våre fjerne forfedre. Hvert av disse bildene er en ekte hymne til en kvinne-mor, etterfølgeren til menneskeheten.

Guds mors hellige ansikt

Et av de beste tidlige eksemplene på bysantinsk maleri var ikonet til Vår Frue av Vladimir, opprettet i Konstantinopel på 1100-tallet. Så ble hun brakt til Rus og har siden den gang ikke forlatt grensene til det russiske landet. Mange legender er knyttet til dette ikonet. Etter gammel skikk ble hun båret på slede om sommeren. Noen få verst fra Vladimir reiste hester seg plutselig, og ingen kraft kunne flytte dem. Byttet ut hestene - de sto rotfestet til stedet. Siden den gang har de bestemt seg: ikonet vil forbli på denne jorden. En enorm Assumption Cathedral ble bygget i Vladimir og dette fantastiske ikonet ble plassert i den. Mange ganger reddet og beskyttet hun det russiske folket på slagmarkene og i arbeidsgjerninger.

Guds mors øyne er fulle av en følelse som i middelalderen ble definert som «gleden ved hellig sorg». Disse ordene formidler veldig nøyaktig hovedbetydningen. Det som er bestemt ovenfra vil bli oppnådd. Fremtiden er uunngåelig. Babyen presser ansiktet forsiktig mot morens kinn og legger armen rundt halsen hennes. Barnas øyne er festet på Mary, som om de leter etter beskyttelse fra henne. Med venstre hånd holder Maria barnet og prøver forsiktig å beskytte ham mot skjebnen som er forberedt for henne. På hennes strenge ansikt, fullt av åndelig adel og stum bebreidelse, lå angst og tristhet på lur. Med all den moderlige ømheten i utseendet hennes, føler man bevisstheten om uunngåelige offer.

"Vladimir Mother of God" er et av de beste verkene innen middelalderkunst, som kunstneren I.E. Grabar kalte med rette «den uforlignelige, fantastiske, evige sangen om morsrollen».

I gammel russisk kunst ble bildet av Guds mor assosiert med kulten til Moder Jord; begge hadde felles prinsipper om hellighet og morskap. «Den første mor er den aller helligste Theotokos; den andre moren er den fuktige jorden, sier folkevisdommen. I sinnet til en russisk person har bildet av Guds mor alltid vært omgitt av en aura av renhet, hellighet og oppofrende kjærlighet.

Gammel russisk ikonografi inkluderer mange bilder av Guds mor, men de dateres alle tilbake til fire hovedtyper:

Et tegn (som indikerer Frelserens fødsel, inkarnasjonen av et nytt liv), Vår Frue Orante ("ber" med hendene løftet til himmelen), Odigitpriya ("en guide", peker på Jesusbarnet som sitter i armene hennes) og Eleus ("ømhet", å kjærtegne og omfavne sønnen hennes).

De sanne mesterverkene av gammelt russisk ikonmaleri inkluderer Vår Frue av Don, skapt på 1300-tallet av Theophanes den greske. Den fikk dette navnet i forbindelse med seieren til troppene til prins Dmitrij Donskoy på Kulikovo-feltet.

Oppvarmet av en dyp menneskelig følelse, er Don Guds mor, i likhet med Vladimir Guds mor, et uttrykk for grenseløs mors kjærlighet til Sønnen, som i fremtiden venter på martyrdøden i menneskehetens frelses navn. I mellomtiden holder hun ham forsiktig og kjærlig i armene. Den gjerrige fargerike serien, som domineres av myke, mørke toner, skaper fortsatt en følelse av ro, stille og lys glede.

Madonnaer fra renessansens titaner

Høyrenessansens kunst, som ble definert i sine hovedtrekk ved begynnelsen av 1500-tallet, vil gi en annen forståelse av kvinnelig skjønnhet enn tidligere kunstnere. Titanene fra høyrenessansen: Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael og Titian - streber etter å skape et generalisert bilde av en perfekt person, vakker både fysisk og åndelig. Legemliggjøringen av et slikt ideal er Madonnaen, Jomfru Maria, med babyen Jesus Kristus - et opphøyet symbol på morskap og oppofrende kjærlighet til mennesker.

Et av de beste verkene om dette emnet vil være Leonardo da Vincis Madonna Litta, perlen i Hermitage-samlingen. Maleriet viser en ung Mary som forsiktig holder en baby i armene. Den bøyde profilen hennes er full av eksepsjonell skjønnhet og adel. Senkede øyne og et knapt merkbart smil gir Madonnaen en uvanlig uttrykksevne og varme, lyser henne med en lys morsfølelse. I dette fantastiske bildet klarte kunstneren å formidle ideen om lykke, den rent jordiske gleden ved å være og helligheten til de beste menneskelige følelsene.

En av verdenskunstens største kreasjoner var Raphaels maleri "Den sixtinske madonna" (1517-1519), som på genialt vis legemliggjør ideen om morskap, et jordisk, realistisk bilde av en kvinnelig mor.

Hun tok bare et knapt merkbart skritt mot folk. Bevegelsen hennes er rolig og majestetisk. Det ser ut til at hun ikke går, men svever i skyene, og det er ingenting forhastet og bevisst i bevegelsen hennes. Hun tiltrekker babyen litt til seg, som om hun var redd for å skille seg av ham, og samtidig holder han ut til folk. I denne motstridende gesten til moren føler vi den dype tragedien i det som skjer.

Madonnas øyne ser tillitsfullt og åpent ut. Lett, opplyst tristhet farger hennes guddommelige trekk. Ja, hun forstår perfekt hvilke alvorlige og vanskelige prøvelser i livet som venter sønnen hennes. Babyen klamrer seg til moren, han ser litt overrasket og skremt på verden som brer seg ut foran ham. Hva ligger foran ham? I utseendets barnslige umiddelbarhet og renhet - en forutanelse om fremtidig lidelse.

Den eksepsjonelle sjarmen til dette maleriet av Raphael ligger i den naturlige kombinasjonen av enkelhet og høytidelighet, øm femininitet og kongelig storhet. I den reiser mennesket seg til det guddommelige, og det guddommelige blir jordisk.

Den majestetiske slaven i arbeidet til A.G. Venetsianova

Han følte seg virkelig som en fri artist, uavhengig av kundenes krav og ønsker. Han begynte å male enkle russiske bondekvinner, opptatt med deres vanlige og vanskelige arbeid. Langt fra det støyende bylivet utviklet kunstneren sin egen idé om idealet om kvinnelig skjønnhet, på mange måter forskjellig fra allment aksepterte normer. Han malte "Reaper", "Sykepleier med et barn", "Jente med kornblomster", "Pelageya (jente med ljå og en rake)", "Jente i et hodesjal" - mange malerier der, i dekke av en majestetisk slav , la han vekt på den åndelige begynnelsen og den lyse personligheten. Valget av slike emner kunne forklares med forfatterens ønske om å understreke at det var kvinnen, til tross for alle livets vanskeligheter, som var og forble vokteren av bondelivets beste tradisjoner.

Tidlig om morgenen dro kunstneren til åkeren, hvor lukten av nypløyd jord spesielt ble kjent, hvorfra det steg en lett dis. En barbeint bondekvinne i en lang rosa solkjole og en skarlagenrød kokoshnik fører to hester spennet til en harv ved hodelaget. En lett damp stiger opp fra den fortsatt uoppvarmede jorden, og det virker som om den ikke går, men flyter i denne disen og berører så vidt den myke jorden. Og bortsett fra åkerlandet, sitter et lekende barn på gresset, som den unge moren ser på med kjærlighet og ømhet. Bak kvinnen er den enorme vidden av åkre, den høye himmelen dekket med lyse skyer, det sjeldne gjennomsiktige løvet av tynne trær - den grenseløse russiske avstanden.

Dette er virkelig en ekte vårferie, et triumferende og fornyet liv, der det lyse antrekket til en bondekvinne ikke ser unaturlig og langsøkt ut ("På dyrkbar jord. Vår." Første halvdel av 20-tallet).

Og her er et annet maleri av A.G. Venetsianov, opprettet i de samme årene, - "På innhøstingen. Sommer", der han fanget bøndene under sommerfeltarbeidet. Solen slår nådeløst, gyllen rugskiver står på rader, åsene blir grønne i horisonten. I midten av bildet er en kvinnelig høster med et barn i armene. Etter å ha slått seg til ro på en høy plattform, klemmer hun kjærlig babyen og glemmer tretthet. Du ser på dette bildet og husker linjene i det berømte diktet av N.A. Nekrasov:

Landsbylidelser er i full gang.
Del deg! - Russisk kvinnes andel!
Neppe vanskeligere å finne.
Varmen er uutholdelig: sletten er treløs,
Åker, slått og himmelvidde - Solen steker nådeløst.
Den stakkars kvinnen er utslitt,
En søyle med insekter svaier over henne,
Stikk, kiler, surrer!
Et rop høres fra nabobanen,
Baba der - tørklene var rufsete, - Det er nødvendig å svinge barnet.

Morkvinnen i det 20. århundres kunst

I det 20. århundres kunst lød det evige temaet morskap på en helt ny måte, og glorifiserte de dypeste og mest oppriktige menneskelige følelser.

Hun fant den mest slående kunstneriske legemliggjørelsen i arbeidet til kunstneren K.S. Petrov-Vodkin (1878-1939). Opprettelsen av de beste verkene om dette emnet ble innledet av bekjentskap med lerretene til de italienske mesterne fra renessansen, og spesielt med mesterverkene til gammelt russisk ikonmaleri. Virkelig russiske, nasjonale tradisjoner gjenspeiles i slike malerier som "Mother" (1913; 1915), "Our Lady Tenderness of Evil Hearts" (1914-1915).

Etter 1917 streber Petrov-Vodkin etter å realisere det nye forholdet mellom mennesket og verden, for å føle harmonien til "planetær eksistens". I livets stormende, heftige strøm lød ordene med håp for kunstneren:

Det blir et fantastisk liv.
Det blir et fantastisk liv.

Overbevist om at "en russisk person, til tross for all pine, vil arrangere et fritt, ærlig liv," prøver kunstneren å finne sin viktigste støtte. Han vil legemliggjøre sin forståelse av de pågående historiske hendelsene i den berømte "Petrograd Madonna" (1920). Hvor lik og ulik de vanlige bildene av Madonnas, heltinnen til kunstnerens maleri! Hvem er hun? En arbeider av det revolusjonære Petrograd, Guds mor fra gamle russiske ikoner, eller renessansens madonna? Sannsynligvis både det, og en annen, og den tredje. Hun absorberer virkelig tidligere, nåværende og fremtidige tider, legemliggjør mange av ansiktene til kjente madonnaer.

En ung kvinne med et barn i armene er avbildet på bakgrunn av det revolusjonære Petrograd, der en ny æra av menneskehetens historie begynte. Forbipasserende skynder seg et sted, noen stopper ved veggene til bygninger for å diskutere påklistrede dekreter fra den nye regjeringen. Men alt dette er bare en midlertidig bakgrunn for hovedbildet av en kvinne-mor. Det er ingen tilfeldighet at hun har ryggen vendt mot byen. Hennes viktigste bekymring er for barnet, for dets nåtid og fremtid.

Dette temaet er interessant nedfelt i maleriet "Mother" av kunstneren A.L. Deineki (1899-1969). Komposisjonen hennes er overraskende enkel: på en jevn mørk bakgrunn er et nærbilde av en kvinne med et sovende barn i armene avbildet. I skikkelse av en mor formidles den majestetiske holdningen til venetianske bondekvinner, ømme, dirrende følelser for babyen som klamrer seg til skulderen hennes. I kontrast til den skjøre kroppen til gutten, utslitt av søvnen, med morens sterke og sterke figur, søker kunstneren å understreke den uløselige åndelige forbindelsen mellom dem, morens beredskap til å beskytte barnet fra livets motgang.

Dette temaet vil høres ut på en ny måte i kunstverk skapt under den store patriotiske krigen. Det gamle ordtaket "Når våpnene rumler, er musene stille" ble tilbakevist av kunstnere og skuespillere, poeter og musikere fra krigens aller første dager. De kunne virkelig ikke være stille, de ledet inn i kamp, ble et kraftig og formidabelt våpen som knuste fiender. Helt i begynnelsen av krigen dukket det opp vers:

Ikke beseire et land der det ikke er sivile,
Der alle slår fienden - med arbeid eller med et skall,
Hvor er musikeren, kunstneren, maleren og poeten
Med et dikt og en bajonett går de med jagerflyene i nærheten.

Det er nok ingen person i vårt land som ikke ville kjent den gjennomtrengende og mobiliserende plakaten til I.M. Toidze "Fosterlandet kaller!". I de tøffe årene med militære rettssaker ble det gitt en mors oppfordring til å forsvare fedrelandet. Det er umulig å glemme det direkte og åpne blikket til en kvinne rettet mot betrakteren. "Fødselslandet er i fare, det trenger din beskyttelse" - slik ble denne plakaten oppfattet av samtidige. Gesten med den løftede hånden minnet mange om det velkjente bildet av Vår Frue Oranta, som ber om menneskehetens frelse.

lady-international.com
ifølge publikasjonen av G.I. Danilova,
"Verdenskunst".

Verket inneholder 1 fil

Introduksjon

Relevansen til dette emnet forklares av motsetningen som oppsto ved begynnelsen av det 20. og 21. århundre: på den ene siden sangen av bildet av en morkvinne i mange århundrer, og på den andre siden den demografiske krisen. Arbeidet er basert på et forsøk på å systematisere og generalisere den tilgjengelige informasjonen om dette emnet, samt forsøke å heve viktigheten av bildet av en kvinne-mor.

Hoveddel

Bildet av en kvinne-mor gjennom tidene

1) bildet av en ammende mor;

2) bildet av en kvinne-mor med et barn i armene;

3) familieportrett.

bilde av ammende mor

I den primitive tiden var en kvinne-mor omgitt av en spesiell glorie av håp og ideelle tanker. I samfunnet var det en kult av en kvinne som legemliggjorde ideen om morskap og forplantning. Ideene om fruktbarhet og beskyttelse av ildstedet ble også knyttet til kvinnen.

Under arkeologiske utgravninger i forskjellige land i verden ble det funnet mer enn 150 små kvinnelige figurer - de såkalte "Paleolithic Venuses" 1 . En av de mest kjente er bilder "Venus of Lossel" også kalt "Damen med hornet", Og "Lespugskoy Venus"(Nr. 1, 1-2). Det ble også funnet andre figurer skåret av myk stein eller elfenben (nr. 1, 3) 2 . Vi kan også referere til dem en leirestatue av en figur av en stamfar, funnet i Tyrkia og dateres tilbake til begynnelsen av det 6. årtusen f.Kr. 3 (№1, 4).

Dermed ser vi at de første kunstnerne på jorden ikke sang om den kvinnelige kroppens ynde og staslighet, men ga spesiell oppmerksomhet til å skildre alt som understreker det feminine: ublu store bryster og hofter, en enorm svulmende mage der nytt liv er i ferd med å modnes.

I det primitive samfunnets tid finnes det også skulpturer som viser en kvinne som ammer barnet sitt (nr. 2, 1). Det er bildet av en ammende mor som vil bli et av de mest brukte innen skulptur og maleri i de neste århundrene.

Heralden av bildet av Madonnaen som mater sønnen sin, vi kan med rette vurdere den gamle egyptiske statuen som skildrer gudinnen Isis(Isis) ammefjellet(№2, 2) 4 .

Triptyken tilhører begynnelsen av renessansen, til proto-renessansen "Madonna del Latte" italienske artister Lorenzetti brødre(nr. 2, 3). Noen tiår senere av en nederlandsk maler Rogier Van der Weyden et bilde ble malt Evangelisten Luke maler Madonnaen(nr. 2, 4). Begge mødrene ser på babyene sine med ømhet. Disse verkene inneholder ideen om morskap, altoppslukende kjærlighet.

Høyrenessansens kunst, som ble definert i sine hovedtrekk ved begynnelsen av 1500-tallet, ga en annen forståelse av kvinnelig skjønnhet enn tidligere kunstnere. Titaner fra høy renessanse: Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael og Titian- søkte å skape et generalisert bilde av en perfekt person, vakker både fysisk og åndelig. Legemliggjøringen av et slikt ideal var Madonnaen, Jomfru Maria, med babyen Jesus Kristus - et opphøyet symbol på morskap og oppofrende kjærlighet til mennesker.

En av de beste verkene om dette emnet var «Madonna Litta» av Leonardo da Vinci(nr. 2, 5) - perlen i Hermitage-samlingen. Maleriet viser en ung Mary som forsiktig holder en baby i armene. Den bøyde profilen hennes er full av eksepsjonell skjønnhet og adel. Senkede øyne og et knapt merkbart smil gir Madonna en uvanlig uttrykksevne og varme, lyser opp henne med en lys morsfølelse. Øynene hennes er halvt senket og ser på babyen hun mater. Lille Jesus vendte blikket mot betrakteren og holder en liten fugl i hånden, som symboliserer hans fremtidige lidelse. 1

På begynnelsen av 1800-tallet, en portrettmaler, akademiker av maleri A. G. Venetsianov introduserte bildet av en majestetisk slavisk kvinne i russisk kunst. Han begynte å male enkle russiske bondekvinner, opptatt med deres vanlige og vanskelige arbeid. Langt fra det støyende bylivet utviklet kunstneren sin egen idé om idealet om kvinnelig skjønnhet, på mange måter forskjellig fra allment aksepterte normer. Han malte bilder der han i dekke av en majestetisk slav la vekt på den åndelige begynnelsen og den lyse individualiteten. Valget av et slikt emne kan forklares med forfatterens ønske om å understreke at det var kvinnen, til tross for livets alvorlighet, som var og forblir vokteren av bondelivets beste tradisjoner, moren ( «I innhøstingen. Sommer" (№2, 6)).

Fransk skulptør på slutten av 1800-tallet Dalu Aimé Jules laget en skulptur "Breton" 2 (Nr. 2, 7). Den er basert på det allerede kjente bildet av en ammende mor, men i

I motsetning til renessansens titaner, er hans Madonna en enkel arbeidskvinne. Med et klart og energisk språk av plastisitet, formidlet billedhuggeren sin idé om idealene om kvinnelig skjønnhet og morskap.

I maleriet fra 1900-tallet møter vi også bildet av en ammende mor.

Dette bildet fant den lyseste kunstneriske legemliggjørelsen i malerens arbeid K. S. Petrov-Vodkina. Mesteren, som ikke imiterte tradisjonene fra renessansen, gammelt russisk maleri og europeisk kunst fra århundreskiftet, brukte dem som en fremragende tolk, og uttrykte evige konsepter - skjønnhet, harmoni, renhet. Kunstneren reflekterte idealet om morskap i maleriene: "Mor», "1918 i Petrograd" ("Petrograd Madonna", 1920)(№2, 8-9).

Bildet av den ammende Madonna forsvant ikke i maleriene fra krigen og etterkrigstiden. I disse årene var det ingen større prestasjon enn oppnåelsen av morskap. Å pleie og bevare en generasjon som knapt kom inn i livet, til tross for de mest utrolige vanskeligheter og vanskeligheter, betydde da å beseire fascismen, som prøvde å utslette hele folk fra jordens overflate. Storheten til den altovervinnende morskjærligheten, som trosset døden og vant, rikdommen til sjelen til en sovjetisk kvinne, hennes urokkelige moralske styrke, dedikerte han bildet sitt "Partisan Madonna"(№2, 10) M.A. Savitsky.

Våpnene skjøt, krigen tok slutt. Militærlivet ble erstattet av et fredelig liv, lykke ... Enkel morslykke. Som fortryllet ser kollektivbøndene på vennen sin - en ung mor som mater et barn. Maleriets heltinne V. Erofeeva "Lykke"(nr. 2, 11) er virkelig glad og dette får alle rundt henne til å føle seg bra. 1

Fra det foregående kan vi konkludere med at bildet av en ammende mor har sin opprinnelse i det primitive samfunnet og går gjennom alle påfølgende epoker.

Bildet av en morkvinne med et barn i armene

Et annet vanlig bilde av en kvinne-mor er bildet av en kvinne med et barn i armene.

Middelalderkunst fra europeiske land i dag kan ikke forestilles uten det mye avbildede bildet av Guds mor assosiert med Madonna-kulten.

I Rus' i middelalderen ble bildet av jomfruen, som ble oppfattet som beskytteren og beskytteren av hennes hjemland, menneskers forbeder for Gud, utbredt.

Gammel russisk ikonografi inkluderer mange bilder av Guds mor, som betinget kan deles inn i fire typer: 1) Omen(som betyr Frelserens fødsel, legemliggjørelsen av nytt liv); 2) Vår Frue av Oranta("be" med hendene hevet mot himmelen) (nr. 3, 1); 3) Hodegetria("guidebok", peker på Jesusbarnet, sittende i armene hennes); 4) Yelesua("ømhet", å kjærtegne og klemme sønnen hennes) 1

La oss vurdere mer detaljert den tredje og fjerde typen av bildet av Guds mor med sønnen i armene.

Den mest populære blant folket var "Hodegetria". Guds mor er avbildet frontalt, i en høytidelig positur. Jomfru Marias høyre hånd løftes lavt i en bønnbevegelse rettet til sønnen hennes. Noen ganger heter «Vår Frue Hodegetria». "Vår Frue av Smolensk", siden ifølge krønikelegenden var den eldste av Hodegetria-listene som ble brakt til Rus i Smolensk.

Den fjerde typen inkluderer følgende ikoner: "Vladimir Guds mor" (№3, 2), "Vår Frue av Don", "Tolgskaya Guds mor"(nr. 3, 3) og "Vår Frue av Eleus-Kykkskaya" Simon Ushakov(Nr. 3, 4). "Vladimir Mother of God" er et av de beste verkene innen middelalderkunst, som kunstneren I.E. Grabar kalte med rette «den uforlignelige, fantastiske, evige sangen om morsrollen». 2

Guds mors øyne er fulle av en følelse som i middelalderen ble definert som «gleden ved hellig sorg». Disse ordene formidler veldig nøyaktig hovedbetydningen. Hva vil skje

ordinert ovenfra. Fremtiden er uunngåelig. Babyen presser ansiktet forsiktig mot morens kinn og legger armen rundt halsen hennes. Barnas øyne er festet på Mary, som om de leter etter beskyttelse fra henne. Med venstre hånd holder Maria barnet og prøver forsiktig å beskytte ham mot skjebnen som er forberedt for henne. På hennes strenge ansikt, fullt av åndelig adel og stum bebreidelse, lå angst og tristhet på lur. Med all den moderlige ømheten i utseendet hennes, føler man bevisstheten om uunngåelige offer.

Madonnaen med barnet i armene er et integrert bilde i renessansens maleri og skulptur. nederlandsk maler Robert en av de første som legemliggjorde i sine lerreter de kunstneriske prinsippene fra den tidlige renessansen. Hans "Madonna og barn" (№3, 5) skiller seg ut for bilders demokratiske enkelhet, en forkjærlighet for dagligdags tolkning av plott. En ung mor med et barn er plassert i et koselig urbant interiør med gjengitte detaljer om situasjonen.

Nederlandske kunstnere påvirket arbeidet til den italienske kunstneren fra den tidlige renessansen, mester for den umbriske skolen Perugino Pietro. Hans maleri "Madonna og barn"(nr. 3, 6) utmerker seg ved jevne kompositoriske rytmer og lyrikk. En klar balanse mellom romlige konstruksjoner, harmoni, myk ynde, poetisk-kontemplativ tone er karakteristisk for dette lerretet. Den lyrisk gjennomtrengende særegne typen Madonna han skapte hadde en betydelig innvirkning på eleven hans Raphael.

De florentinske madonnaene av Raphael er vakre, pene, rørende og sørgende unge mødre. 1 .

Madonnaer, skapt i Roma, er ikke lenger bare mødre, men elskerinner, gudinner for godhet og skjønnhet, mektige i sin femininitet, foredler verden, mykgjør menneskehjerter. "Madonna i stolen" (№3, 7), "Madonna dell'Impannata", "Madonna of Divine Love", "Madonna del Foligno" og andre verdensberømte madonnaer markerer Raphaels nye søk, hans vei til perfeksjon i legemliggjørelsen av idealbildet av Guds mor.

En viktig plass i kunsten til denne store kunstneren er "Sixtinske Madonna"(nr. 3, 8). Mary går på skyene og bærer barnet sitt. Hennes herlighet er ikke understreket av noe. Bare føtter. Men som suveren blir hun møtt av helgener og engler.

Hun går til mennesker, unge og majestetiske, med noe engstelig i sjelen; vinden blåser barnets hår, og øynene hans ser på oss, på verden med så stor kraft og med en slik belysning, som om han ser sin egen skjebne og skjebnen til hele menneskeslekten 2 .

Kunstnere som skildrer Madonna og barnet, nektet seg sjelden gleden av å legge til en fugl, eller en vase med blomster, eller en glitrende glasskule på stolarmen. For eksempel, "Madonna og barn" Memling Hans, «Madonna med

baby "G. Bellini (№3, 9), "Madonna og barn under et epletre" av Cranach Lucas (№3, 10), "Madonna med katten" av Giulio Romano, "Madonna med den hvite kaninen" av Titian, "Madonna Conestabile" Og "Madonna med en gullfink" Rafael Santi.

Malerier kan også tilskrives slike lerreter. Leonardo da Vinci "Madonna med en blomst", eller "Madonna Benois"(Nr. 3, 11). Dette er kronologisk den første Madonnaen hvis bilde er internt blottet for noen form for hellighet. Foran oss er en ung mor som leker med barnet sitt. Ung leken mor, nesten et barn,

Bilde kvinner - mødre gjennom tidene

(integrert leksjon MHK + kunst + musikk)

Jeg tror at en kvinne er et mirakel,

Det som ikke finnes i Melkeveien,

Og hvis "elskede" er et hellig ord,

Det er tre ganger hellig - en kvinne-mor!

L. Rogozhnikov

Mål og målsettinger : gi en idé om et enkelt bilde av moren i kunsten til forskjellige folk; forskjellige epoker av menneskets historie; å dyrke respekt for en kvinne, for en mor; styrke tverrfaglige forbindelser (MHK, kunst, musikk, litteratur).

Visuell rekkevidde: reproduksjoner av malerier: Raphael "Sistinske Madonna", Leonardo da Vinci "Madonna Litta", K.S. Perov-Vodkin "Petrograd Madonna", A.G. Venetsianov "I innhøstingen. Sommer", ikonet "Vår Frue av Vladimir", V. Vasnetsov "Jomfru og barn", K.L. Khetagurov "Highlander går for vann".

Tilleggsmateriale: reproduksjoner av malerier, presentasjon om temaet), dikt, video med sangen «Sweet Mom», sangen «Sweet Mom», «Ave Maria» av F. Schubert fremført av Robertino Loretti (innspilling)

Utstyr: datamaskin, multimediaprojektor, interaktiv tavle.

UNDER KLASSENE

Organisering av tid.

Hilsener

Sjekke elevenes beredskap for timen.

Leksjonsemnemelding .

Arbeid med emnet for leksjonen.

Mysteriet om kvinnelig skjønnhet har forstyrret menneskeheten gjennom historien om dens eksistens.

Det er knapt en kunstner som ikke ville prøve å forstå denne hemmeligheten, men hver og en oppdaget den på sin egen måte.

Det viktigste og uforandrede i denne forståelsen forble idealet om morskap, de hellige kjærlighetsbåndene mellom mor og barn.

Fra skulpturene til de første kunstnerne på jorden, madonnaene til renessansens titaner, de ikonmalende ansiktene til Jomfruen, inspirerte musikalske salmer til morkvinnen til verkene til samtidskunstnere - dette er måten å forstå ideal for kvinnelig skjønnhet og sjarm.

De første verkene av primitiv kunst tilhører den Aurignacian-kulturen (sen paleolittisk), oppkalt etter Aurignac-hulen (Frankrike). Siden den gang har kvinnelige figurer laget av stein og bein blitt utbredt. Hvis hulemaleriets storhetstid kom for rundt 10-15 tusen år siden, nådde kunsten med miniatyrskulptur et høyt nivå mye tidligere - for rundt 25 tusen år siden. Denne epoken inkluderer de såkalte "Venuses" - figurer av kvinner 10-15 cm høye, vanligvis understreket massive former. Lignende "venuser" finnes i Frankrike, Italia, Østerrike, Tsjekkia, Russland og mange andre. annen verden. Kanskje symboliserte de fruktbarhet, eller var assosiert med kulten av en kvinne-mor: Cro-Magnonene levde i henhold til matriarkiets lover, og det var den kvinnelige linjen som bestemte tilhørigheten til en klan som æret dens stamfader.

Utstilling av kvinnelige statuetter.

Forskere anser kvinnelige skulpturer som de første antropomorfe, dvs. humanoide bilder

"Paleolithic Venuses" - et bilde som understreker det feminine, modningen av et nytt liv. Legemliggjøringen av ideen om morskap og forplantning.

De ser ekstremt primitive ut. Ansiktene deres ble erstattet av en jevn bule uten å tegne individuelle trekk, hendene og føttene var knapt skissert, torsoene deres var unødvendig langstrakte. Spesiell oppmerksomhet ble gitt til alt som understreker det feminine prinsippet: store bryster og hofter, en enorm svulmende mage, der livet modnes ...

Den neste kulturelle og historiske epoken, som vi skal snakke om i leksjonen, er middelalderen.

Middelalderkunst i europeiske land i dag kan ikke forestilles uten det mye avbildede bildet av Guds mor.
I Vest-Europa ble han assosiert med Madonna-kulten, og i Russland - med Jomfruen, ( ikonvisning) som ble oppfattet som skytshelgen og beskytteren av hennes hjemland, menneskers forbeder overfor Gud.

Sønnen strekker seg mot moren, klemmer henne, stiller spørsmål på en voksen måte med et meningsfylt blikk. Moren svarer med en rolig vipping av hodet, hun lener seg mot kinnet hans, men ser ikke på sønnen. Hun ser på betrakteren, som om hun trekker oppmerksomheten hans mot den hun forguder med sin kjærlighet, men som ikke klarer å redde.

Guds mors øyne er fulle av en følelse som i middelalderen ble definert som «gleden ved hellig sorg». På hennes strenge, fulle av åndelig adel og stum bebreidelse, lå angst og tristhet på lur. Med all den moderlige ømheten i utseendet hennes, føler man bevisstheten om uunngåelige offer.

Se hvordan mor og barn er slått sammen til en uatskillelig helhet ved omrisset av silhuetten. Rolige, myke linjer og en varm, gylden tone på ikonet gir lyden av fred og evighet.

Å bøye seg for den unge Kristus,

Mary gikk opp for ham

Himmelsk kjærlighet formørket

Hennes jordiske skjønnhet.

Og han er i dyp innsikt,

Går allerede i kamp med verden,

Ser fremover – og med klare øyne

Han ser Golgata foran seg.

Dette ikonet er den største helligdommen til Rus. Ikke rart Russland kalles hjemmet til Guds mor.

Mange legender er knyttet til dette ikonet. Etter gammel skikk ble hun båret på slede om sommeren. Noen få verst fra Vladimir reiste hester seg plutselig, og ingen kraft kunne flytte dem. Byttet ut hestene - og de sto rotfestet til stedet. Siden den gang har de bestemt seg: ikonet vil forbli på denne jorden. En enorm Assumption Cathedral ble bygget i Vladimir og dette fantastiske ikonet ble plassert i den. Mange ganger reddet og beskyttet hun det russiske folket på slagmarkene og i arbeidsgjerninger.

Høyrenessansens kunst, som ble definert i sine hovedtrekk ved begynnelsen av 1500-tallet, ga en annen forståelse av kvinnelig skjønnhet enn tidligere kunstnere.

Titanene fra høyrenessansen Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael og Titian forsøkte å skape et generalisert bilde av en perfekt person, vakker både fysisk og åndelig. Legemliggjøringen av et slikt ideal er Madonnaen, Jomfru Maria med barnet - et opphøyet symbol på morskap og oppofrende kjærlighet til mennesker.

Et av de beste verkene om dette emnet vil være «Madonna Lita» av Leonardo da Vinci.

(vis bilde) perle fra Hermitage-samlingen.

Maleriet viser en ung Mary som holder en baby i armene. Den bøyde profilen hennes er full av eksepsjonell skjønnhet og adel. Senkede øyne og et knapt merkbart smil gir Madonna en uvanlig uttrykksevne og varme, lyser opp henne med en lys morsfølelse.

I de kjølige hallene i Eremitasjen,
Blant helter og dryader,
På bakgrunn av et fredelig landskap

Hun ser på barnet.

Var den jordiske kvinnen
En enkel modell for ham
Eller, gni lett maling,
Han så en gud i dødelige.

Er ikke alt det samme?

Og nå, ikke kjent
En vever eller en kone til en mek,
Bor nå Madonna Lita

I lerretets glassdis.

Med henne gikk så mange sjeler inn i enhet,
Hun fanget så mange øyne
Og moderskapets evige fakkel,
Tent av den døde den ikke ut.

En av de største kreasjonene av verdenskunst var Raphaels maleri "Den sixtinske madonna", som genialt legemliggjorde ideen om morskap, et jordisk, realistisk bilde av en kvinnelig mor.

Ja, dette er et av de vakreste maleriene på jorden.

I midten svever liksom, og berører så vidt skyene med føttene, en vakker kvinne med en baby i armene. Hun er fylt med kjærlighet, en følelse av mors stolthet, saktmodighet og angst. Navnet på babyen er Kristus, navnet på moren hans er Maria. Den hellige Barbara og den hellige Sixtus bøyde seg for dem (derav navnet på maleriet "Den sixtinske madonna").

Alle latinske bønner rettet til Kristi mor begynner med ordene "Ave Maria", som betyr "Ære Maria." Det er en uforanderlig latinsk tekst til bønnen, som har inspirert og fortsetter å inspirere komponister i mange århundrer.

La oss lytte til «Ave Maria» av den østerrikske komponisten Franz Schubert fremført av den italienske gutten Robertino Loretti.

Gutter, liker dere musikken? Hvilke følelser oppsto i deg, trengte inn i sjelen din når du hørte på denne musikken? Og nå, se på skjermen og velg ordene som formidler følelsene dine når du lytter til musikk, ser på bilder, les dikt dedikert til Guds mor.

VERDIGHET
	ENKELHET
ADEL		ROLIG

Og i den russisk-ortodokse kirken er det lignende bønner rettet til moren. I to tusen år har bildet av Guds mor blitt sunget. Russiske kunstnere og skulptører, poeter og komponister dedikerer også sine kreasjoner til Guds mor. Ikke uten grunn, blant de mange appeller til Guds mor - jomfru Maria, Himmelens dronning, Madonna- det er en anke: All-sunget.

Et bilde jeg ønsket å være en evig tilskuer,
En, slik at på meg fra lerretet, som fra skyene,
Mest rene og vår guddommelige frelser

Hun er med storhet, Han er med fornuft i øynene -

Så, saktmodig, i herlighet og stråler ...(A. Pushkin)

V. Vasnetsov "Jomfruen og barnet".

Kunstneren avbildet Guds mor gående på en sky. Ansiktet hennes er gjennomtenkt og alvorlig, og puster ut all sjarmen til ungdom. Babyen, som ligner moren i ansiktet, bøyde seg lett fremover, med en hemmende bevegelse, som om han ønsker å omfavne universet. Ilden av overjordisk inspirasjon brenner i øynene hans.

Dette verket kan sidestilles med "den sixtinske madonna" av Raphael, som det ligner i konstruksjon.

La oss lytte til troparion - en salme dedikert til Theotokos.

Ave, Maria - lampen er stille,

Fire vers er klare i hjertet:

Ren jomfru, sørgende mor,

Din nåde har trengt inn i min sjel.

Himmelens dronning, ikke i strålenes glans -

Kom til henne i en stille drøm!

Ave, Maria - lampen er stille,

Jeg hvisket alle fire versene.

A. Fet

The Pure One er standarden for femininitet, konsentrasjonen av velgjørere, et forbilde ... Hennes sjarmerende utseende er toppen av perfeksjon og harmoni

Ikke bare renessansekunstnere, men også russiske kunstnere i sitt arbeid omgikk ikke bildet av en kvinne - en mor. Anerkjent portrettmaler, akademiker for maleri Alexei Venetsianov, han skaper helt andre bilder, på mange måter forskjellig fra de aksepterte normene. Han malte vanlige russiske kvinner - bondekvinner, opptatt med hardt arbeid, og understreket derved at det var bondekvinnen, til tross for alle livets vanskeligheter, som var og forble den beste vokteren av morskapstradisjonene.

«I innhøstingen. Sommer"

Solen slår nådeløst, kjevene står i rekker, åsene blir grønne. I midten av bildet av en kvinne er en reaper med et barn i armene, hun klemmer ham forsiktig og glemmer trettheten hennes. Når jeg ser på bildet, husker jeg linjene i diktet av N.A. Nekrasov:

…Landsbyens lidelser er i full gang,

Del deg! - Russisk kvinneandel!

Neppe vanskeligere å finne...

Kjenn intolerant: treløs slette,

Åker, slått og himmelvidde.

Solen slår nådeløst ned...

I det 20. århundres kunst lød det evige temaet morskap på en helt ny måte, og glorifiserte de dypeste og mest oppriktige menneskelige følelser.

Hun fant den mest slående kunstneriske legemliggjørelsen i arbeidet til kunstneren K.S. Petrov-Vodkin.

Han legemliggjorde sin forståelse av de pågående historiske hendelsene i den berømte "Petrograd Madonna"

På bildet er en ung kvinne med et barn avbildet på bakgrunn av det revolusjonære Petrograd, der en ny æra av menneskets historie begynte.

Forbipasserende skynder seg et sted, noen stopper ved veggene til bygninger. Men alt dette er bare en midlertidig bakgrunn for hovedbildet av en kvinne-mor. Det er ingen tilfeldighet at hun vendte byen ryggen. Hennes hovedanliggende er omsorgen for barnet, dets nåtid og fremtid.

Det mest kjære, kjære, hellige er forbundet med mor. Jord, moderland, natur, Skjønnhet, kjærlighet- hvert av disse ordene kan kombineres med ordene: Mor, mor, mor. Fra århundre til århundre er enheten mellom mor og barn evig. Dette er bevist av maleriene til forskjellige kunstnere.

Her er for eksempel et maleri av den russiske kunstneren Alexander Deineka. Den ble skrevet for over sytti år siden. Men det er fortsatt umulig å se på det enkle, og samtidig veldig ømme bildet av en mor med et barn i armene uten begeistring.

Storhet og kyskhet, verdighet og kvinnelig stolthet føles i form av en mor fra et maleri av A. A. Daineka. Dette bildet er laget i rolige pastellfarger.

Ossetiske kunstnere tok også opp temaet morskap i arbeidet sitt. La oss ta arbeidet til Kosta Khetagurov «Highlander går for vann.

På bildet skildrer kunstneren det harde arbeidet til en fjellkvinne.

Hun må gå ned til vannet mange ganger om dagen og klatre opp de farlige fjellstiene med en enorm byrde og samtidig passe på den løpende gutte-sønnen, som bare se, vil falle i avgrunnen.

LEGENDE OM MØDRE. (på bakgrunn av Glucks musikk "Melody", forteller læreren legenden)

Kjære gutten min! Du har sikkert allerede lært mange fantastiske ting om livet vårt. Men vet du hvor sjømennene fikk kreftene fra? Vet du ikke det? Så hør.

En gang i tiden bodde det folk på Svartehavskysten. Hva de het husker jeg ikke nå. De pløyde landet, gjetet storfe og jaktet på ville dyr. Om høsten, da feltarbeidet ble avsluttet, dro folk til kysten og hadde morsomme ferier: de sang, danset rundt store bål, spilte spill som endte med å kaste piler - lykkepiler. Hvis en ung mann ønsket å bli jeger, skjøt han en pil i retning skogen, hvis en gjeter, skjøt han i retning av flokken, og hvis en plogmann, i retning av åkeren.

For å se på disse spillene kom kongen av hav og hav, Neptun, ut av dyphavet. Dette er en veldig forferdelig konge, øynene hans er store, hvite som bobler, skjegget er grønt - fra alger, og kroppen hans er blågrønn, fargen på havet. Hver gang han så på spillene, lo han og sa:

- Hvordan folk ikke skryter av sin styrke, men de er redde for meg: ingen av dem har ennå bestemt seg for å skyte en pil i retning av eiendelene mine.

Han sa dette fordi han var sikker på at ingen ville våge å prøve lykken på havet.

En gang gikk de unge mennene til bålet. De snudde plutselig mot havet og alle skjøt som en piler der. For et raseri Neptun kom til!

– Jeg skal begrave dere alle i havets dyp! brølte han.

Kvinner som så på sønnene sine, tenkte: havets konge kan virkelig begrave barna sine i havet. Stoltheten til menneskene jeg snakker om har alltid vært kvinner - sterke, vakre, aldri aldrende. Kvinnene tenkte og tenkte og bestemte seg for å gi all sin styrke til sønnene sine.

De unge mennene tok sin mors krefter og nærmet seg selve kysten av havet. For å holde dem ute av vannet, kastet Neptun en enorm skaft, men de unge mennene gjorde motstand, bøyde seg ikke og løp ikke tilbake. Men mødre etter det ble svake.

Har du sett, gutten min, svake kvinner? Hvis du noen gang møter dem igjen, ikke le av dem; disse kvinnene ga all sin styrke til barn som deg. Og hør nå videre.

Da Neptun så at de unge mennene motsto angrepet fra et tungt skaft, lo han vilt og ropte sint til kvinnene:

– La dine sønner stå i mot min styrke her på stranden, men i havet vil jeg rive hendene deres!

Kvinnene tenkte igjen: ja, kongen av havet kan gjøre dette, han har sterke årer av manila-urter. Mens de tenkte, kom sjøkongens døtre opp til vannoverflaten.

De, som faren deres, var stygge. Neptuns døtre kom ut og sa:

«Kvinner, gi oss deres skjønnhet; for dette skal vi få sterkt manilagress fra havets bunn, vi vil lage årer av det for dine sønner, og deres hender skal være like sterke som vår fars. Kvinnene ble umiddelbart enige og ga sin skjønnhet til døtrene til sjøkongen.

Hvis, kjære gutt, du ser en stygg kvinne et sted, ikke vend deg bort fra henne, vet at hun ofret skjønnheten sin for barnas skyld.

Da kong Neptun fant ut om trikset til døtrene hans, ble han veldig sint, kastet dem ut av havet og gjorde dem om til måker.

Har du hørt, gutt, hvordan måkene gråter over havet? Det er de som ber om å få reise hjem, men den grusomme faren lar dem ikke gå tilbake og ser ikke engang på dem.

Men sjømenn ser alltid på måker og kan ikke se nok, fordi måker bærer skjønnheten til sine mødre.

De unge mennene, som kjente styrken i hendene og styrken i skuldrene, dro til slutt til sjøs. De kom seg ut og forsvant. Mødre venter - vent - sønner kommer ikke tilbake. Neptun dukket opp igjen foran kvinnene og lo høyt. Fra latteren hans kom til og med bølgene over havet.

– Ikke vent på sønnene dine nå! Neptun lo. - De vandrer. Du har glemt at det ikke er veier og stier på sjøen.

Og igjen rullet han inn i en forferdelig latter. Så utbrøt kvinnene:

«La det bli mindre lys i øynene våre, og la stjernene skinne enda klarere over landet vårt, slik at sønnene finner veien til sine hjemlige kyster langs dem.

Så snart kvinnene sa det, skinte stjernene umiddelbart sterkt på himmelen. De unge mennene så dem og kom trygt hjem.

Det er derfor, min venn, sjømenn er sterke og uovervinnelige: mødre ga dem alt det beste de hadde.

Lærer: Likte du arbeidet?

Hva følte du da du hørte på den? (glede over at den forferdelige og sterke kong Neptun ikke beseiret sjømennene, tristhet, fordi mødre ga alt det beste til sine sønner)

Hvorfor er sjømenn sterke og uovervinnelige? (fordi mødre ga dem alt det beste)

Kan mødres handling kalles heroisk? Ja!

Gutter, i dag snakket vi om morsbildet i musikk, litteratur, maleri. Og hvorfor er dette temaet så nært i fortiden, i nåtiden og i fremtiden for alle mennesker og for oss? Vi har alle en mor - den nærmeste, kjæreste og mest elskede personen på jorden.

Gutter, se for deg ansiktet til moren din. Se inn i øynene hennes akkurat nå, i fantasien din. Hvor godt husker du dem?

Ta vare på, respekter, elsk moren din høyt, ikke sår henne med dine ord og gjerninger.

Den praktiske delen av timen.

Leksjonssammendrag:

Til alle tider sang artister skjønnheten til en kvinne. Men det var bildet av en kvinne – en mor som var idealet om kvinnelig skjønnhet.

Idealet, det viktigste og ufravikelige, er idealet om morskap.

Skjønnheten til en kvinne er skjønnheten i morskapet.

Musikk og billedkunst skaper bildet av en mor ved ulike uttrykksmåter, og hjelper samtidig villig hverandre slik at vi, seere og lyttere, forstår og føler dybden i kunstverk.

Populær i kategorien: