Forståelse av Penderecki. Musikk med polsk aksent Hvorfor endret alt seg senere
Festivalen for 85-årsjubileet til Krzysztof Penderecki samlet dusinvis av musikere - instrumentalister, sangere og dirigenter fra hele verden ved National Philharmonic i Warszawa i åtte dager og elleve konserter. Blant dem var de som lenge hadde kjent verkene til den polske klassikeren av moderne musikk, og de som tilfeldigvis ble kjent med henne ganske nylig. Ved siden av mesterne var unge artister som nettopp begynte på veien til stor kunst - Pendereckis musikk er slik at den trenger nye utøvende ressurser, som luft. Den er fylt med en spesielt vital kraft når den faller i hendene på de unge med deres nysgjerrighet, frekkhet, grådighet etter anerkjennelse, tørst etter å se utover musikkens grenser for å se hva komponisten selv så og forsto. En andel naivitet, ikke overbelastet med livserfaring, kan gi uventede lyd og semantiske løsninger i en kollisjon med de tette lagene av atmosfæren til verkene til den viktigste polske avantgardekunstneren.
Et bevis på Pendereckis kjærlighet til unge mennesker er den nyopprettede Penderecki Piano Trio bestående av tre unge solister. Musikken til Pan Krzysztof har blitt spilt i lang tid, en viss utøvende tradisjon har utviklet seg, samtidig er denne musikken åpen selv i sin struktur, det er fortsatt lang tid før den blir til et monument. Og komponisten selv legger ikke skjul på at han bare er glad for å lytte til nye dristige tolkninger av mesterverkene hans. Med all den imponerende jubileumsfiguren, med et ærverdig professoropptreden, er Krzysztof Penderecki utrolig lett å kommunisere, aforistisk i dialog, elsker å spøke og gir inntrykk av en person som beholder en barnslig holdning til verden - han slutter aldri å vær overrasket.
I følge Pendereckis verk kan man studere Polens og verdens historie: arven hans består i de fleste tilfeller av dedikasjoner, men selv om stykket ikke har en spesifikk adressat, vil datoene for skapelsen og musikken fortelle om hva som skjedde. Festivalen viste at musikken til Pan Krzysztof - spesielt fra de tidlige og midtre periodene med kreativitet - fortsatt ikke er vant til, den har ikke fått klisjeer om oppfatning. Ja, og komposisjonene fra senere kreativitetsperioder, med en overflod av tilsynelatende kjente romantiske intonasjoner, lyder i dag med et økende antall spørsmål. Selv musikkforskere har ennå ikke skaffet seg en pålitelig ordbok, har ennå ikke funnet stabile termer for å forklare mange av lydfunnene, som komponisten var spesielt generøs for på 1960-1980-tallet. Skjebnen til Pendereckis komposisjoner viste seg så lykkelig at de aller fleste premierene deres gikk til store musikere. Den første fiolinkonserten i 1977 ble dedikert til og fremført av Isaac Stern, den andre ble skrevet for Anne-Sophie Mutter, den andre cellokonserten var for Mstislav Rostropovich, og Winter Road Concerto for horn og orkester ble skrevet for Radovan Vlatkovich.
Før Penderecki, i historien til moderne polsk musikk, var det Witold Lutoslawski, hvis stil ble preget av forvirrende høyere matematikk, fenomenal presisjon og ekstrem, pedantisk-kirurgisk beregning i valg av uttrykksmidler. Det var som om Chopin snakket i det, men under forholdene i andre halvdel av 1900-tallet. Pendereckis musikk utmerker seg ved en helt annen skala og omfang: den har ikke Chopins intimitet, men det stilles økte krav til utøvere, fordi «Pan Professor», som forfatteren av «The Seven Gates of Jerusalem» ofte kalles, er en stor kjenner av mulighetene til symfoniorkesterinstrumenter.
Kveldens programmer ble satt sammen under nøye veiledning av Krzysztofs kone, fru Elzbieta Penderecka, bak hvem komponisten er som bak en steinmur. Pani Penderecka kan svare på alle spørsmål om hvor, når og av hvem dette eller det arbeidet til mannen hennes ble utført. En av kveldene besto av verk fra den mest kjente avantgardeperioden: Den første symfonien (1973), Capriccio for fiolin og orkester (1967) og den første fiolinkonserten (1977) og Emanations (1958). De fire verkene ble gitt til henholdsvis fire forskjellige dirigenter, akkurat som Capriccio og Concerto gikk til to forskjellige solister. Forresten, dette prinsippet om fremføring av forskjellige solister, dirigenter og orkestre beriket utførelsespaletten til både festivalen og selve musikken.
Det var en fordypning i komponistens laboratorium for en intensiv jakt etter nye uttrykksmidler for den tiden. Fra fiolinen ble det hentet lyder fra alle mulige soner – fra melodisk til perkusjon, fra rasling og fløyte til et hjerteskjærende stønn. Polish Radio National Orchestra i Katowice mestret denne utfordringen på mesterlig vis. Komponisten sendte fiolinister til ekstreme prøvelser, og innså at fiolinen, som hoveduttrykket for menneskelig individualitet, er i stand til å motstå alt. Komponisten så ut til å lete etter og, som en alkymist, finne det umulige i metamorfoser med lyd, og avsløre grensetilstandene - fra fast til flytende og gassformig. Den polske fiolinisten Patricia Pekutowska viste fenomenal tilbakeholdenhet da hun fremførte den emosjonelt og teknisk overdrevne komplekse, vilt lunefulle delen i Capriccio.
Ved en messe til ære for Krzysztof Penderecki ved St. Jans katedral
Programmet med kantate-oratoriemusikk inkluderte to salmer - St. Daniel og St. Wojciech, som dukket opp i 1997 for 850-årsjubileet for Moskva og 1000-årsjubileet for Gdansk, og den storslåtte Credo, skrevet i 1998. Dirigent Maximiano Valdes, etter å ha fremført denne tunge komposisjonen, som Kristi kors, innrømmet at formelt, uten personlig tilvenning til Credo-lydenes filosofi, er det rett og slett umulig å forberede dette partituret. Han kalte denne opplevelsen "epiphania", forståelsen av Guds natur, åpenbart i all sin fylde. Tre kor – Warszawa Boys Choir, Podlasie Opera and Philharmonic Choir og K. Szymanowski Philharmonic Choir i Krakow – og Polish Radio Orchestra, sammen med fem vokalister, "skapte ikke bare en fresco på planetarisk skala", men involverte lyttere med all sin makt i denne mektige empatiske opplevelsen. Spesielt etter skalaen til dette lerretet, syntes Penderecki å bevise hvor knust en person var, hvor raskt han forlot å løse komplekse problemer i universet til fordel for komfort og hyggelige små ting som sløvet årvåkenhet og stoppet intensiteten av åndelige søk.
På denne festivalen var til og med tilfeldige møter nyttige for å forstå Penderecki-fenomenet. Og da regissøren Agnieszka Holland, etter en lang, uendelig varig "koreansk" symfoni plutselig dukket opp i garderoben, ble det umiddelbart klart at Penderecki er en veldig filmatisk komponist, som tenker på bilder i forskjellige størrelser, montasjer, "serialitet". i betydningen seriealitet. Men konserten på maestroens fødselsdag viste seg å være den mest magiske og inderlige, da ved messen viet komponistens 85-årsdag i katedralen St. Jan ble hans Missa brevis fremført av det polske kammerkoret Schola Cantorum Gedanensis dirigert av Jan Lukaszewski. Det var så mye renhet, himmelsk lys, håp, kjærlighet og utstråling i henne, og da klokken ringte, ble det klart hvor mye denne stemmen betydde og fortsetter å bety i partiturene til komponisten som møter en person i øyeblikket av sitt fødsel, gleder seg med ham på ferier og eskorterer deg på din siste reise.
Om det uforanderlige i musikken
Konseptet med god musikk betyr nå akkurat det samme som det betydde før.
(K. Penderecki, komponist)
Uansett hvor nøyaktig musikk uttrykker sin tids ånd, uansett hvor nye, originale ideer språket streber etter, er det likevel noe den ikke kan skille seg fra av sin natur. Dette "noe" er til stede både i innholdet og i komposisjonen, og i de trekkene i formen som vi definerer ved hjelp av uttrykket "musikalsk språk". Vi snakker om et kunstnerisk gjennomslag som fremkaller en genuin estetisk opplevelse hos lytteren. En slik påvirkning er forårsaket av en appell til menneskelige tanker og følelser, til bilder av verden rundt, alltid levende og attraktive.
Enhver ekte musikk, uansett hvor kompleks den måtte være, avviser aldri det som inspirerer den: dette er en person i all sin kompleksitet, og livet med dets prøvelser og gleder, og naturen og mye mer som var gjenstand for kunstens interesse. alle tider.
Kanskje er det derfor man i den samme komponistens verk kan finne svært forskjellig musikk - fra urovekkende og til og med tragisk til den lyseste og mest gledelige. En moderne komponist, som en komponist fra enhver tid, kan fortsatt legemliggjøre bilder av ødeleggelse i verkene sine og samtidig skape vakre, sublime melodier.
La oss derfor igjen vende oss til musikken til Boris Tchaikovsky - denne gangen til hans konsert for klarinett og orkester.
Boris Tsjaikovskij. Konsert for klarinett og kammerorkester, del I
Denne musikken legemliggjør de viktigste trekkene i komponistens kunstneriske stil, hans figurative verden, preget av melodiens skjønnhet, den russiske karakteren av temaer - uopplagte, gjennomtrengende lyriske. Slik musikk returnerer lytteren til en verden av naturlige, levende følelser og stemninger. Det er denne musikkegenskapen som uttrykker komponistens dype tro på menneskets moralske renhet, hans naturlige ønske om harmoni og skjønnhet, samt det faktum at tradisjonelle menneskelige verdier ikke mister sin betydning selv i dag.
Fra anmeldelser av verkene til B. Tsjaikovskij
"Ved å gå gjennom vår tids spennende kunstneriske problemer, menneskelige sorger og gleder, følelsesmessige opplevelser, var komponisten i stand til oppriktig og dypt å si det viktigste om verden rundt ham. Og kanskje er det nettopp denne egenskapen til hans verk som tiltrekker oss så mye, fascinerer oss, får oss til å vende tilbake til komposisjonene hans igjen og igjen» (Yu. Serov, pianist).
"Det gir deg følelsen av at du har falt inn i en slags rik verden, rik på detaljer, hvordan naturen kan være rik, hvor rik kysten kan være ... Til og med, snarere, ikke kysten, men bare bredden av havet Russisk elv, bredden av innsjøen, overgrodde siv, som svaner eller ender svømmer på og blader rasler. Det er en slags lykke i musikk» (A. Mitta, filmregissør).
Ønsket om å forstå kunstens naturlige grunnlag er karakteristisk ikke bare for musikk, men også for andre typer kunstnerisk aktivitet - poesi, prosa, maleri. I dette prøver kunstnerne å motstå slike trender i tiden, når hovedinteressene først og fremst er praktiske ting, som biler eller elektroniske enheter.
Hva er disse naturlige grunnlagene?
Et av svarene er gitt i diktet "Jeg har returnert ..." av Rasul Gamzatov.
Jeg kom tilbake etter hundre år,
Fra mørket til denne jorden.
Han blinket da han så lyset.
Jeg kjente knapt igjen planeten min...
Plutselig hører jeg: gresset rasler,
Levende vann renner i bekken.
"Jeg elsker deg! ..." - lyder ordene
Og de skinner, ikke foreldet ...
Et årtusen har gått.
Jeg kom tilbake til jorden igjen.
Alt jeg husker er dekket
En annen tids sand.
Men stjernenes lys blekner også,
Å vite at solen snart kommer frem.
Og mennesker - som i våre dager -
Bli forelsket og hat...
Jeg dro og kom tilbake igjen
Etterlater evigheten.
Verden har endret seg til kjernen.
Han er full av nyhet.
Men likevel – vinteren er hvit.
Blomster i engene glimter søvnig.
Kjærligheten forblir den samme.
Og krangelen forble den samme.
(Oversatt av Y. Kozlovsky)
Spørsmål og oppgaver:
- Hvordan forstår du ordene til den polske komponisten K. Penderecki i epigrafen til dette avsnittet?
- Hvorfor, etter din mening, i verkene til en komponist kan du finne en rekke temaer, følelser, stemninger? Forklar svaret ditt ved å bruke eksemplet på B. Tchaikovskys arbeid.
- Kan du si deg enig i at musikken til konserten for klarinett og kammerorkester av B. Tsjaikovskij arver de beste tradisjonene fra russisk musikk? Hva kommer det til uttrykk i? Hva er det nye med denne musikken?
- Hva ville skje med kunsten hvis den nektet å legemliggjøre den menneskelige verden og bare reflekterte tegn fra tiden, teknologiske fremskritt osv.?
- Hva er hovedideen uttrykt i R. Gamzatovs dikt? Hvilke ting anser dikteren som forbigående og hvilke ting er uforanderlige?
Tilleggsmateriell for en musikktime om emnet - Om det uforanderlige i musikk Materiale for å gjennomføre en musikktime i henhold til programmet til T. Naumenko og V. Aleeva, klasse 9. Konseptet med god musikk betyr nå akkurat det samme som det betydde før. (K. Penderetsky, komponist) Uansett hvor nøyaktig musikk uttrykker sin tids ånd, uansett hvor nye, originale ideer språket streber etter, er det likevel noe den ikke kan skille seg fra av sin natur. Dette "noe" er til stede både i innholdet og i komposisjonen, og i de trekkene i formen som vi definerer ved hjelp av uttrykket "musikalsk språk". Vi snakker om et kunstnerisk gjennomslag som fremkaller en genuin estetisk opplevelse hos lytteren. En slik påvirkning er forårsaket av en appell til menneskelige tanker og følelser, til bilder av verden rundt, alltid levende og attraktive. Konstantin Bogaevsky. Rainbow Enhver ekte musikk, uansett hvor kompleks den måtte være, nekter aldri det som inspirerer den: dette er en person i all sin kompleksitet, og livet med dets prøvelser og gleder, og naturen, og mye mer som var gjenstand for kunstens interesse. til alle tider. Kanskje er det derfor man i samme komponists verk kan finne svært forskjellig musikk fra urovekkende og til og med tragisk til den lyseste og mest gledelige. En moderne komponist, som en komponist fra enhver tid, kan fortsatt legemliggjøre bilder av ødeleggelse i verkene sine og samtidig skape vakre, sublime melodier. La oss derfor igjen vende oss til musikken til Boris Tsjaikovskij, denne gangen til hans konsert for klarinett og orkester. B. Tsjaikovskij. Konsert for klarinett og kammerorkester, del I. Denne musikken legemliggjør de viktigste trekkene i komponistens kunstneriske stil, hans figurative verden, preget av melodiismens skjønnhet, den russiske karakteren av uopplagte, sjelfulle lyriske temaer. Slik musikk returnerer lytteren til en verden av naturlige, levende følelser og stemninger. Det er denne musikkegenskapen som uttrykker komponistens dype tro på menneskets moralske renhet, hans naturlige ønske om harmoni og skjønnhet, samt det faktum at tradisjonelle menneskelige verdier ikke mister sin betydning selv i dag. Ivan Shishkin. Novgorod. Pechersky-klosteret Fra anmeldelser av verkene til B. Tsjaikovskij “Da komponisten gikk gjennom hans store hjerte de spennende kunstneriske problemene i vår tid, menneskelige sorger og gleder, følelsesmessige opplevelser, var komponisten i stand til å oppriktig og dypt si det viktigste om verden rundt ham. Og kanskje er det nettopp denne egenskapen til hans verk som tiltrekker oss så mye, fascinerer oss, får oss til å vende tilbake til komposisjonene hans igjen og igjen» (Yu. Serov, pianist). "Det gir deg følelsen av at du er i en slags rik verden, rik på detaljer, hvordan naturen kan være rik, hvor rik kysten kan være ... Til og med, snarere, ikke kysten, men bare bredden av den russiske elv, bredden av innsjøen overgrodd med siv, som svaner eller ender svømmer på og løv rasler. Det er en slags lykke i musikk» (A. Mitta, filmregissør). Ønsket om å forstå kunstens naturlige grunnlag er karakteristisk ikke bare for musikk, men også for andre typer kunstnerisk aktivitet - poesi, prosa, maleri. I dette prøver kunstnerne å motstå slike trender i tiden, når hovedinteressene først og fremst er praktiske ting, som biler eller elektroniske enheter. Vladimir Makovsky. Koke syltetøy Hva er disse naturlige basene? Et av svarene er gitt i diktet "Jeg har returnert ..." av Rasul Gamzatov. Jeg vendte tilbake, etter hundre år, fra mørket til dette landet. Han blinket da han så lyset. Jeg kjente knapt igjen planeten min... Plutselig hører jeg: gresset rasler, det renner levende vann i bekken. "Jeg elsker deg!.." ord lyder og skinner, blir ikke foreldet... Et årtusen har gått. Jeg kom tilbake til jorden igjen. Alt jeg husket var dekket av en annen tids sand. Men stjernenes lys blekner også, vel vitende om at solen snart kommer frem. Og folk, som i våre dager, blir forelsket og hater ... Jeg dro og kom tilbake igjen, og la evigheten bak meg. Verden har endret seg til kjernen. Han er full av nyhet. Men fortsatt er vinteren hvit. Blomster i engene glimter søvnig. Kjærligheten forblir den samme. Og krangelen forble den samme. (Oversatt av Y. Kozlovsky) Spørsmål og oppgaver: Hvordan forstår du ordene til den polske komponisten K. Penderecki, som ble satt i epigrafen til dette avsnittet? Hvorfor, etter din mening, i verkene til en komponist kan du finne en rekke temaer, følelser, stemninger? Forklar svaret ditt ved å bruke eksemplet på B. Tchaikovskys arbeid. Kan du si deg enig i at musikken til konserten for klarinett og kammerorkester av B. Tsjaikovskij arver de beste tradisjonene fra russisk musikk? Hva kommer det til uttrykk i? Hva er det nye med denne musikken? Hva ville skje med kunsten hvis den nektet å legemliggjøre den menneskelige verden og bare reflekterte tegn fra tiden, teknologiske fremskritt osv.? Hva er hovedideen uttrykt i R. Gamzatovs dikt? Hvilke ting anser dikteren for å være forbigående og hvilke ting er permanente? Kilde http://www.musicfantasy.ru/materials/oneizmennomvmuzyke
Krzysztof Penderecki ble født 23. november 1933 i den lille polske byen Debice. Guttens musikalske evner manifesterte seg tidlig, og den berømte polske komponisten Arthur Malyavsky begynte å studere med ham på skolen. Etter at han ble uteksaminert fra skolen, gikk Krzysztof inn på Jagiellonian University i Krakow, men forlot det snart og begynte å studere ved Krakow Academy of Music i klassen til komponisten Stanislav Verkhovych. Der begynte han å komponere musikk.
Ved slutten av studiene klarte den unge komponisten å lage flere interessante verk, hvorav tre - "Strophes", "Emanations" og "Psalms of David" - han presenterte som sitt avgangsverk. Disse komposisjonene hans fikk ikke bare høye karakterer fra kommisjonen, men i 1959 vant de de tre første prisene i en konkurranse utlyst av Union of Polish Composers.
Allerede i sine første verk viste Penderecki at han ikke var fornøyd med tradisjonelle musikalske sjangere, og han begynte ikke bare å bryte grensene deres, men også å bruke utradisjonelle kombinasjoner av musikkinstrumenter. Så han skrev kantaten "Trenos", dedikert til minnet om ofrene for bombingen av Hiroshima, for et ensemble på femti-tre strengeinstrumenter. Blant dem var fioliner, bratsj, celloer og kontrabasser.
I 1962 mottok Penderecki Grand Prix ved en musikkkonkurranse i Vest-Tyskland og rett til en fireårig praksisplass ved Berlins musikkhøgskole. På dette tidspunktet hadde komponisten skrevet en rekke komposisjoner for strykeinstrumenter, noe som gjorde navnet hans enda mer kjent. Disse er spesielt: "Polymorphia" for førtiåtte fioliner, "Canon" for femtito fioliner og pauker, samt store verk om bibelske tekster - "Passion for Luke" og "Dies Ira" (dommedag) - oratorier til minne om ofrene i Auschwitz.
I motsetning til avantgarde-artister som bruker ukonvensjonelle rytmer, kombinerer Penderecki fritt et bredt utvalg av lyder, både musikalske og ikke-musikalske. Først og fremst dreier det seg om bruk av slaginstrumenter. De hjelper komponisten å utvide grensene og lyden til tradisjonelle musikalske sjangere. Dermed ble hans Matins et eksempel på en ukonvensjonell lesning av den kanoniske teksten. Ikke mindre betydningsfull er komposisjonen "De nattira sonoris" (Sounds of Nature), der komponisten prøver å formidle sjarmen til nattskogen ved hjelp av musikk.
På slutten av 1960-tallet vendte Penderecki seg til operasjangeren. Hans første opera - Djevelen fra Loudun - ble skrevet i 1968 på en virkelig historisk handling - historien om rettssaken mot presten Urbain Grandier, som munkene anklaget for å være besatt av djevelen, hvoretter den uheldige mannen ble stilt for retten. og henrettet. Denne operaen har gått gjennom scenene til alle de største teatrene i verden. Det begynte å bli oppfattet som et slags rekviem til minne om alle de som døde for sin tro.
Deretter fulgte operaene Black Mask og King Hugo. I dem kombinerer Penderecki også fritt musikk, vokal og dramatisk handling, inkludert skuespillernes monologer i verkenes musikalske stoff.
Stillingen til komponisten selv er nysgjerrig, som ikke anser seg selv for å være blant avantgarde-artistene og sier at han aldri brøt med den musikalske tradisjonen. Han fremfører ofte verkene sine som dirigent, og tror at dette er en nødvendig komponent i komposisjonen. «Mens jeg dirigerer, prøver jeg å gjøre musikken min mer forståelig for dirigenten og musikerne. Derfor, under prøver, vil jeg ofte legge til noe nytt til partituret, "sa han i ett intervju.
I sine komposisjoner bruker Penderecki utstrakt melodier fra europeisk musikk. Så, på grunnlag av tradisjonelle melodier, ble operaen "Paradise Lost" skrevet (basert på diktet med samme navn av J. Milton). Men han siterer dem aldri direkte, men formidler dem alltid med egne midler, og tror at musikkens muligheter i vår tid er mye bredere og mer mangfoldig enn tidligere.
I tillegg til musikk er Krzysztof Penderecki glad i botanikk. Han tilbringer all sin fritid i hagen sin, stelle trær og dyrke blomster. Men musikken etterlater ham heller ikke her. Han komponerer det overalt: på kreative møter, under klasser med studenter, på mange turer. Så, for eksempel, melodien til "Canon" - en korsuite dedikert til trehundreårsdagen for byggingen av katedralen i Mainz - skrev han i Krakow i kafeen "Yana Michalikova". Selv sier komponisten at han mest av alt liker å jobbe ikke i stillheten på kontoret, men blant mennesker.
Komponistens suksess skyldes i stor grad den utrettelige omsorgen for ham og hjelpen fra hans kone Elzbieta, som avlaster ham fra alle hjemlige problemer og samtidig utfører pliktene til en impresario, og organiserer konsertene og forestillingene hans.
Filmet til ære for komponistens 80-årsdag i 2013.
I premieredokumentaren forteller en av vår tids største komponister og dirigent Krzysztof Penderecki i detalj historien om sitt liv og verk, avslører noen hemmeligheter om mestring, deler sine innerste tanker og planer for fremtiden. Filmen inkluderer sjeldne arkivopptak og dokumenter, fragmenter av konserter og øvelser, samt intervjuer med Andrzej Wajda, Jonny Greenwood, Janine Jansen, Julian Rachlin, Anne-Sophie Mutter og Elzbieta Penderecka.
Arbeidet med filmen ble utført over lang tid, og dekket et helt år av komponistens liv, som seerne vil "leve" sammen med ham. Det meste av filmingen fant sted i komponistens landsted og den unike parken i Lusławice, som han skapte i 40 år. De fleste plantene ble brakt av ham fra hele verden, mange av dem ble smuglet. "Jeg elsker trær veldig mye siden min tidlige barndom, og jeg har alltid drømt om at jeg en dag skulle ha en stor park. Det første året plantet jeg 30 eller 40 trær, og så gikk regningen i hundrevis. Nå har parken vokst til 30 hektar, og samlingen av planter er veldig stor – ca 1700 arter av trær og busker», sier komponisten. Penderecki er ikke bare en samler, han er en dendrolog, og han fungerer også som designer. Til syvende og sist avhenger det bare av ham hvordan parken vil se ut om 20 eller 50 år.
Parken er blant annet dekorert med en stor labyrint beplantet med busker. Og navnet på filmen - "Krzysztof Penderecki. Veien gjennom labyrinten" - ble ikke valgt ved en tilfeldighet. Det koder for en dyp mening for komponisten. Labyrinten er for ham et symbol på kreativt søk: når du ikke kan bevege deg rett til målet, men fra et stort antall alternativer må du velge den eneste riktige og gå til den ved ringveien. Uansett hva Penderecki gjorde (talentet hans strekker seg til mange kunstneriske felt, han er eieren av en samling av kunst og brukskunst, eieren av et verdifullt bibliotek), handlet han alltid på sin egen måte: han fulgte aldri moten, ble ikke ledet av andres mening, men forble tro mot seg selv, deres smak og tro.
Musikk for ham er hovedmuligheten til å si sitt ord om verden, dens kompleksitet, for å finne forbindelser med fortiden. Han komponerte alltid det han likte, og ikke det som ble akseptert. På 60-tallet skapte han for eksempel veldig avantgardemusikk. Som komponisten selv sier, var det et ønske om å erobre seg selv, å erobre det han hadde lært og å søke etter noe nytt. Og i 1966, da religiøs musikk ble forbudt, skrev han The Luke Passion. "Dette verket," minnes Penderecki, "brøt den polske regjeringens forestilling om at det ikke fantes noen Gud og ingen hellig musikk i en sosialistisk stat." Til dags dato ble hans siste hjernebarn - en konsertsal bygget i ordets bokstavelige betydning i et åpent felt - av mange kalt et vanvittig prosjekt. Men komponisten snakker om ham med spesiell frykt, fordi for ham ble han legemliggjørelsen av mange år med drømmer og drømmer.
Penderecki går dypt inn i alt som skjer i livet hans. Han overlater ikke komposisjonene sine på utøvernes nåde, men han tar aktivt del i øving: «Jeg overlater ingen frihet til utøveren i mine verk, derfor er øving veldig viktig for meg.» Utøvere har noen ganger det vanskelig, men det er et pluss ved et så nært samarbeid: de får en unik mulighet til å kommunisere personlig med komponisten. "Han vet tydelig hva han vil. Dette er komponisten som du kan stille et spørsmål til og få et helt nøyaktig svar," deler fiolinist Janine Jansen sine inntrykk av felles øvinger med Penderecki. Samarbeidet Penderecki med Jonny Greenwood, gitarist i Radiohead, var enda nærmere. Greenwood var så inspirert av Pendereckis musikk at han «i fotsporene» til to av komposisjonene hans – «Lament for the Victims of Hiroshima» og «Polymorphia» – ønsket å skrive musikk selv. Mens han jobbet med arbeidet sitt, tenkte han på hvordan han kunne bringe sammen Pendereckis to lidenskaper – kjærlighet til trær og musikk. Og han lyktes - på et papirark tegnet Greenwood et blad av et tre i et horisontalt plan og la et orkesterpartitur over forgreningen av bladårene - slik ble hans "48 svar på Pendereckis polymorfi" født.
Komponistens felles arbeid med Andrzej Wajda på filmen "Katyn" viste seg å være ekstremt dyptgripende. Det var personlige grunner til dette: Pendereckis onkel og Vaidas far ble drept i Katyn. Penderecki husker hvor lenge han næret denne planen, som til slutt gikk i oppfyllelse: "Det var prosjektet mitt. Jeg tvang Vaida til å ta musikken min. Og i min praksis er dette et unikt tilfelle: som om musikk dukket opp fra ingensteds, som akkurat falt på filmen."
Det kreative livet til Penderecki er i full gang: prøver, premierer, festivaler; bare for å skrive, målte han seg selv 50 år gammel ... Alt dette ville vært umulig uten hans enorme interne disiplin: "Enhver person må leve og jobbe etter noen bestemte regler. For eksempel tvinger jeg meg selv til å stå opp veldig tidlig hver dag, selv om jeg noen ganger ikke føler at jeg har en arbeidsplan for i morgen, i overmorgen, på en måned; jeg stopper ikke - i min alder er det ikke lenger mulig å gjøre dem, og jeg har alltid hatt og fortsatt har flere ideer enn muligheter til å implementere dem. Jeg skriver musikk rettet til mennesker, ærlig og moderne, som kunne fremføres i dag, og ikke bare etter min død."
Pressetjeneste til TV-kanalen "Russia K"
