Malerier av russiske kunstnere fra 20-30-tallet. Sovjetisk maleri - samtidskunstens historie

"Kortspillere"

Forfatter

Paul Cezanne

Et land Frankrike
Leveår 1839–1906
Stil postimpresjonisme

Kunstneren ble født i Sør-Frankrike i den lille byen Aix-en-Provence, men begynte å male i Paris. Virkelig suksess fikk han etter en separatutstilling arrangert av samleren Ambroise Vollard. I 1886, 20 år før han dro, flyttet han til utkanten av fødebyen. Unge artister kalte turer til ham "en pilegrimsreise til Aix".

130x97 cm
1895
pris
250 millioner dollar
solgt i 2012
på privat auksjon

Cezannes arbeid er lett å forstå. Den eneste regelen til kunstneren var direkte overføring av motivet eller plottet til lerretet, så maleriene hans forårsaker ikke forvirring av betrakteren. Cezanne kombinerte i sin kunst to franske hovedtradisjoner: klassisisme og romantikk. Ved hjelp av fargerik tekstur ga han formen til gjenstander en fantastisk plastisitet.

En serie på fem malerier "Kortspillere" ble skrevet i 1890-1895. Handlingen deres er den samme - flere mennesker spiller entusiastisk poker. Verkene skiller seg bare i antall spillere og størrelsen på lerretet.

Fire malerier er oppbevart på museer i Europa og Amerika (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation og Courtauld Institute of Art), og det femte, inntil nylig, var en utsmykning av den private samlingen til Den greske milliardærrederen George Embirikos. Kort tid før sin død, vinteren 2011, bestemte han seg for å legge den ut for salg. Potensielle kjøpere av Cezannes «gratis» verk var kunsthandler William Aquavella og den verdenskjente gallerieieren Larry Gagosian, som tilbød rundt 220 millioner dollar for det. Som et resultat gikk maleriet til kongefamilien i den arabiske delstaten Qatar for 250 millioner. Den største kunsthandelen i maleriets historie ble stengt i februar 2012. Dette ble rapportert til Vanity Fair av journalisten Alexandra Pierce. Hun fant ut prisen på maleriet og navnet på den nye eieren, og så penetrerte informasjonen media verden rundt.

I 2010 åpnet Arab Museum of Modern Art og Qatar National Museum i Qatar. Nå vokser samlingene deres. Kanskje den femte versjonen av The Card Players ble kjøpt opp av sjeiken for dette formålet.

Det mestedyrt bildei verden

Eieren
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

Al-Thani-dynastiet har styrt Qatar i over 130 år. For rundt et halvt århundre siden ble det oppdaget enorme reserver av olje og gass her, noe som umiddelbart gjorde Qatar til en av de rikeste regionene i verden. Takket være eksporten av hydrokarboner, registrerte dette lille landet det største BNP per innbygger. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani tok makten i 1995, mens faren var i Sveits, med støtte fra familiemedlemmer. Fortjenesten til den nåværende herskeren, ifølge eksperter, er i en klar strategi for utviklingen av landet, og skaper et vellykket bilde av staten. Qatar har nå en grunnlov og en statsminister, og kvinner har fått stemmerett ved parlamentsvalg. Det var forresten emiren fra Qatar som grunnla nyhetskanalen Al Jazeera. Myndighetene i den arabiske staten legger stor vekt på kultur.

2

"Nummer 5"

Forfatter

Jackson Pollock

Et land USA
Leveår 1912–1956
Stil abstrakt ekspresjonisme

Jack the Sprinkler - et slikt kallenavn ble gitt til Pollock av den amerikanske offentligheten for hans spesielle maleteknikk. Kunstneren forlot børsten og staffeliet, og helte malingen på overflaten av lerretet eller fiberplaten under kontinuerlig bevegelse rundt og inne i dem. Fra en tidlig alder var han glad i filosofien til Jiddu Krishnamurti, hvis hovedbudskap er at sannheten avsløres under en fri "utgytelse".

122x244 cm
1948
pris
140 millioner dollar
solgt i 2006
på auksjonen Sotheby's

Verdien av Pollocks arbeid ligger ikke i resultatet, men i prosessen. Forfatteren kalte ikke ved et uhell kunsten hans for "action painting". Med hans lette hånd ble det den viktigste ressursen i Amerika. Jackson Pollock blandet maling med sand, knust glass og skrev med et stykke papp, en palettkniv, en kniv, en spade. Kunstneren var så populær at på 1950-tallet var det til og med imitatorer i USSR. Maleriet "Nummer 5" er anerkjent som et av de merkeligste og dyreste i verden. En av grunnleggerne av DreamWorks, David Geffen, kjøpte den for en privat samling, og solgte den i 2006 på Sotheby`s for 140 millioner dollar til den meksikanske samleren David Martinez. Advokatfirmaet sendte imidlertid snart ut en pressemelding på vegne av sin klient om at David Martinez ikke var eieren av maleriet. Bare én ting er sikkert kjent: den meksikanske finansmannen har faktisk nylig samlet samtidskunstverk. Det er usannsynlig at han ville ha gått glipp av en så «stor fisk» som Pollocks «Number 5».

3

"Kvinne III"

Forfatter

Willem de Kooning

Et land USA
Leveår 1904–1997
Stil abstrakt ekspresjonisme

Han var hjemmehørende i Nederland og emigrerte til USA i 1926. I 1948 fant en personlig utstilling av kunstneren sted. Kunstkritikere satte pris på de komplekse, nervøse svart-hvitt-komposisjonene, og gjenkjente i forfatteren sin en stor modernistisk kunstner. I det meste av livet led han av alkoholisme, men gleden ved å skape ny kunst merkes i hvert verk. De Kooning utmerker seg ved maleriets impulsivitet, brede streker, og det er derfor noen ganger bildet ikke passer innenfor lerretets grenser.

121x171 cm
1953
pris
137 millioner dollar
solgt i 2006
på privat auksjon

På 1950-tallet dukker det opp kvinner med tomme øyne, massive bryster og stygge trekk i de Koonings malerier. "Woman III" var det siste verket fra denne serien som deltok på auksjonen.

Siden 1970-tallet har maleriet vært oppbevart i Teheran Museum of Modern Art, men etter innføringen av strenge moralske regler i landet søkte de å bli kvitt det. I 1994 ble verket hentet ut av Iran, og 12 år senere solgte eieren David Geffen (den samme produsenten som solgte Jackson Pollocks «Number 5») maleriet til millionær Stephen Cohen for 137,5 millioner dollar. Det er interessant at Geffen på ett år begynte å selge sin samling av malerier. Dette ga opphav til mange rykter: for eksempel at produsenten bestemte seg for å kjøpe Los Angeles Times.

På et av kunstforaene ble det uttrykt en mening om likheten mellom "Woman III" og maleriet av Leonardo da Vinci "Lady with an Hermeline". Bak det tannfulle smilet og den formløse figuren til heltinnen, skjønte malerkjenneren nåden til en person av kongelig blod. Dette er også bevist av den dårlig sporede kronen som kroner hodet til en kvinne.

4

"Portrett av AdeleBloch-Bauer I"

Forfatter

Gustav Klimt

Et land Østerrike
Leveår 1862–1918
Stil moderne

Gustav Klimt ble født inn i familien til en gravør og var den andre av syv barn. Tre sønner av Ernest Klimt ble kunstnere, og bare Gustav ble berømt over hele verden. Han tilbrakte mesteparten av barndommen i fattigdom. Etter farens død var han ansvarlig for hele familien. Det var på dette tidspunktet at Klimt utviklet stilen sin. Før maleriene hans fryser enhver betrakter: under de tynne gullstrøkene er ærlig erotikk tydelig synlig.

138x136 cm
1907
pris
135 millioner dollar
solgt i 2006
på auksjonen Sotheby's

Skjebnen til maleriet, som kalles «østerrikske Mona Lisa», kan lett bli grunnlaget for en bestselger. Kunstnerens arbeid ble årsaken til konflikten mellom hele staten og en eldre dame.

Så, "Portrettet av Adele Bloch-Bauer I" skildrer en aristokrat, kona til Ferdinand Bloch. Hennes siste vilje var å overføre maleriet til det østerrikske statsgalleriet. Bloch kansellerte imidlertid donasjonen i testamentet, og nazistene eksproprierte maleriet. Senere kjøpte neppe galleriet ut Golden Adele, men så dukket arvingen opp – Maria Altman, Ferdinand Blochs niese.

I 2005 begynte den høyprofilerte rettsaken "Maria Altman mot republikken Østerrike", som et resultat av at bildet "forlot" med henne til Los Angeles. Østerrike tok enestående tiltak: det ble forhandlet om lån, befolkningen donerte penger for å kjøpe portrettet. Det gode vant aldri det onde: Altman hevet prisen til 300 millioner dollar. På tidspunktet for rettssaken var hun 79 år gammel, og hun gikk over i historien som personen som endret Bloch-Bauers testamente til fordel for personlige interesser. Maleriet ble kjøpt av Ronald Lauder, eier av New Gallery i New York, hvor det står til i dag. Ikke for Østerrike, for ham reduserte Altman prisen til 135 millioner dollar.

5

"Hyle"

Forfatter

Edvard Munch

Et land Norge
Leveår 1863–1944
Stil ekspresjonisme

Munchs første maleri, som ble kjent over hele verden, «Den syke jenta» (finnes i fem eksemplarer) er dedikert til kunstnerens søster, som døde av tuberkulose i en alder av 15 år. Munch har alltid vært interessert i temaet død og ensomhet. I Tyskland provoserte hans tunge, maniske maleri til og med en skandale. Til tross for de deprimerende handlingene, har maleriene hans en spesiell magnetisme. Ta i det minste "Skrik".

73,5x91 cm
1895
pris
119,992 millioner dollar
selges inn 2012
på auksjonen Sotheby's

Det fulle navnet på maleriet er Der Schrei der Natur (oversatt fra tysk - "naturens rop"). Ansiktet til enten en person eller et romvesen uttrykker fortvilelse og panikk – betrakteren opplever de samme følelsene når han ser på bildet. Et av ekspresjonismens nøkkelverk varsler temaene som har blitt akutte i det 20. århundres kunst. I følge en versjon skapte kunstneren den under påvirkning av en psykisk lidelse, som han led hele livet.

Maleriet ble stjålet to ganger fra forskjellige museer, men det ble returnert. Litt skadet etter tyveriet ble The Scream restaurert og klart til å vises igjen på Munchmuseet i 2008. For representanter for popkultur ble arbeidet en inspirasjonskilde: Andy Warhol skapte en serie av sine utskrifter-kopier, og masken fra filmen "Skrik" ble laget i bildet og likheten til helten i bildet.

For én handling skrev Munch fire versjoner av verket: den i en privat samling er laget i pastell. Den norske milliardæren Petter Olsen la den ut på auksjon 2. mai 2012. Kjøperen var Leon Black, som ikke sparte rekordbeløp for «Skrik». Grunnlegger av Apollo Advisors, L.P. og Lion Advisors, L.P. kjent for sin kjærlighet til kunst. Black er beskytter av Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center og Metropolitan Museum of Art. Den har den største samlingen av malerier av samtidskunstnere og klassiske mestere fra tidligere århundrer.

6

"Naken mot bakgrunnen av en byste og grønne blader"

Forfatter

Pablo picasso

Et land Spania, Frankrike
Leveår 1881–1973
Stil kubisme

Av opphav er han spanjol, men i ånd og bosted er han en ekte franskmann. Picasso åpnet sitt eget kunststudio i Barcelona da han var bare 16 år gammel. Deretter dro han til Paris og tilbrakte mesteparten av livet der. Derfor er det dobbelt stress i etternavnet hans. Stilen oppfunnet av Picasso er basert på fornektelsen av den oppfatning at objektet som er avbildet på lerretet kan sees fra bare én vinkel.

130x162 cm
1932
pris
106,482 millioner dollar
solgt i 2010
på auksjonen Christie's

Under arbeidet i Roma møtte kunstneren danseren Olga Khokhlova, som snart ble hans kone. Han satte en stopper for løsrivelse, flyttet med henne til en luksuriøs leilighet. På det tidspunktet hadde anerkjennelsen funnet en helt, men ekteskapet ble ødelagt. Et av de dyreste maleriene i verden ble skapt nesten ved et uhell - av stor kjærlighet, som, som alltid med Picasso, var kortvarig. I 1927 ble han interessert i den unge Marie-Therese Walter (hun var 17 år gammel, han var 45). I hemmelighet fra sin kone dro han sammen med sin elskerinne til en by nær Paris, hvor han malte et portrett av Marie-Therese i bildet av Daphne. Maleriet ble kjøpt av New York-forhandleren Paul Rosenberg og solgt i 1951 til Sidney F. Brody. The Brodys viste maleriet til verden bare én gang, og bare fordi kunstneren var 80 år gammel. Etter ektemannens død la fru Brody verket ut på auksjon hos Christie's i mars 2010. På seks tiår har prisen steget mer enn 5000 ganger! En ukjent samler kjøpte den for 106,5 millioner dollar. I 2011 ble det holdt en "one-painting-utstilling" i Storbritannia, hvor den så lyset for andre gang, men navnet på eieren er fortsatt ukjent.

7

"Åtte elviser"

Forfatter

Andy Warhole

Et land USA
Leveår 1928-1987
Stil
pop kunst

"Sex og fester er de eneste stedene du trenger å vises personlig," sa kultpopartisten, regissøren og en av grunnleggerne av magasinet Interview, designeren Andy Warhol. Han jobbet med Vogue og Harper's Bazaar, designet platecovere og designet sko for I.Miller. På 1960-tallet dukket det opp malerier som skildret Amerikas symboler: Campbells suppe og Coca-Cola, Presley og Monroe - noe som gjorde ham til en legende.

358x208 cm
1963
pris
100 millioner dollar
solgt i 2008
på privat auksjon

Warhols 60-tallet - den såkalte epoken for popkunst i Amerika. I 1962 jobbet han på Manhattan i Factory Studio, hvor all bohemen i New York samlet seg. Dens lyseste representanter: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote og andre kjente personligheter i verden. Samtidig prøvde Warhol teknikken med silketrykk - flere repetisjoner av ett bilde. Han brukte også denne metoden når han lagde "Eight Elvises": seeren ser ut til å se rammer fra en film der stjernen kommer til liv. Alt som kunstneren elsket så mye er her: et vinn-vinn offentlig bilde, sølvfarge og en forutanelse om døden som hovedbudskapet.

Det er to kunsthandlere som promoterer Warhols arbeid på verdensmarkedet i dag: Larry Gagosian og Alberto Mugrabi. Den første i 2008 brukte 200 millioner dollar på å kjøpe mer enn 15 Warhol-verk. Den andre kjøper og selger maleriene sine som julekort, bare dyrere. Men det var ikke dem, men den ydmyke franske kunstkonsulenten Philippe Segalo som hjalp den romerske kunstkjenneren Annibale Berlinghieri med å selge de åtte elvisene til en ukjent kjøper for en Warhol-rekord på 100 millioner dollar.

8

"Oransje,Rød gul"

Forfatter

Mark Rothko

Et land USA
Leveår 1903–1970
Stil abstrakt ekspresjonisme

En av skaperne av fargefeltmaleri ble født i Dvinsk, Russland (nå Daugavpils, Latvia), i en stor familie av en jødisk farmasøyt. I 1911 emigrerte de til USA. Rothko studerte ved kunstavdelingen ved Yale University, oppnådde et stipend, men antisemittiske følelser tvang ham til å forlate studiene. Til tross for alt idoliserte kunstkritikere kunstneren, og museer forfulgte ham hele livet.

206x236 cm
1961
pris
86,882 millioner dollar
solgt i 2012
på auksjonen Christie's

Rothkos første kunstneriske eksperimenter var av en surrealistisk orientering, men over tid forenklet han plottet til å fargeflekker, og fratok dem enhver objektivitet. Til å begynne med hadde de lyse fargetoner, og på 1960-tallet ble de fylt med brunt, lilla, tykkere til svart ved tidspunktet for kunstnerens død. Mark Rothko advarte mot å lete etter noen mening i maleriene hans. Forfatteren ønsket å si nøyaktig det han sa: bare fargen som løses opp i luften, og ikke noe mer. Han anbefalte å se på verkene fra en avstand på 45 cm, slik at betrakteren «dras» inn i fargen, som inn i en trakt. Forsiktig: visning i samsvar med alle regler kan føre til effekten av meditasjon, det vil si at bevisstheten om uendelighet gradvis kommer, fullstendig nedsenking i seg selv, avslapning, rensing. Fargen i maleriene hans lever, puster og har en sterk følelsesmessig innvirkning (noen ganger sies det å være helbredende). Artisten sa: "Seeren burde gråte å se på dem" - og det var virkelig slike tilfeller. I følge Rothkos teori lever folk i dette øyeblikk den samme åndelige opplevelsen som han hadde i prosessen med å jobbe med bildet. Hvis du klarte å forstå det på et så subtilt nivå, så vær ikke overrasket over at disse abstraksjonsverkene ofte sammenlignes av kritikere med ikoner.

Verket "Orange, Red, Yellow" uttrykker essensen av Mark Rothkos maleri. Startkostnaden på Christie's auksjon i New York er 35-45 millioner dollar. En ukjent kjøper tilbød en pris som var to ganger anslaget. Navnet på den lykkelige eieren av maleriet, som ofte er tilfelle, ble ikke offentliggjort.

9

"Triptych"

Forfatter

Francis bacon

Et land
Storbritannia
Leveår 1909–1992
Stil ekspresjonisme

Eventyrene til Francis Bacon, en full navnebror og dessuten en fjern etterkommer av den store filosofen, begynte da faren fornektet ham, ute av stand til å akseptere sønnens homoseksuelle tilbøyeligheter. Bacon dro først til Berlin, deretter til Paris, og så er sporene hans forvirret over hele Europa. Selv i løpet av hans levetid ble verkene hans stilt ut i de ledende kulturelle sentrene i verden, inkludert Guggenheim-museet og Tretyakov-galleriet.

147,5x198 cm (hver)
1976
pris
86,2 millioner dollar
solgt i 2008
på auksjonen Sotheby's

Prestisjetunge museer forsøkte å eie malerier av Bacon, men den første engelske offentligheten hadde ikke hastverk med å skaffe seg slik kunst. Den legendariske britiske statsministeren Margaret Thatcher sa om ham: «Mannen som maler disse grufulle bildene».

Utgangsperioden i sitt arbeid betraktet kunstneren selv etterkrigstiden. Da han kom tilbake fra tjenesten, begynte han igjen å male og skapte de viktigste mesterverkene. Før «Triptych, 1976» deltok i auksjonen, var Bacons dyreste verk «Study for a Portrait of Pope Innocent X» (52,7 millioner dollar). I "Triptych, 1976" skildret kunstneren det mytiske plottet om forfølgelsen av Orestes av furies. Selvfølgelig er Orestes Bacon selv, og rasene er hans plager. I mer enn 30 år var maleriet i en privat samling og deltok ikke i utstillinger. Dette faktum gir det en spesiell verdi og øker følgelig kostnadene. Men hva er noen millioner for en kunstkjenner, og til og med sjenerøs på russisk? Roman Abramovich begynte å lage sin samling på 1990-tallet, i dette ble han betydelig påvirket av kjæresten Dasha Zhukova, som har blitt en fasjonabel gallerist i det moderne Russland. I følge uoffisielle data eier forretningsmannen verk av Alberto Giacometti og Pablo Picasso, kjøpt for beløp over 100 millioner dollar. I 2008 ble han eier av Triptych. Forresten, i 2011 ble et annet verdifullt verk av Bacon anskaffet - "Tre skisser for et portrett av Lucian Freud." Skjulte kilder sier at Roman Arkadievich igjen ble kjøperen.

10

"Dammen med vannliljer"

Forfatter

Claude Monet

Et land Frankrike
Leveår 1840–1926
Stil impresjonisme

Kunstneren er anerkjent som grunnleggeren av impresjonismen, som "patenterte" denne metoden i sine lerreter. Det første betydelige verket var maleriet "Frokost på gresset" (den originale versjonen av verket til Edouard Manet). I ungdommen tegnet han karikaturer, og tok opp ekte maleri under sine reiser langs kysten og i friluft. I Paris førte han en bohemsk livsstil og forlot den ikke selv etter å ha tjenestegjort i hæren.

210x100 cm
1919
pris
80,5 millioner dollar
solgt i 2008
på auksjonen Christie's

Foruten det faktum at Monet var en stor kunstner, var han også entusiastisk engasjert i hagearbeid, elsket dyreliv og blomster. I hans landskap er naturtilstanden momentan, objekter ser ut til å være uskarpe av luftens bevegelse. Inntrykket forsterkes av store slag, fra en viss avstand blir de usynlige og smelter sammen til et teksturert, tredimensjonalt bilde. I maleriet av avdøde Monet, er en spesiell plass okkupert av temaet vann og livet i det. I byen Giverny hadde kunstneren sin egen dam, hvor han dyrket vannliljer fra frø spesielt brakt av ham fra Japan. Da blomstene deres blomstret, begynte han å male. Vannliljeserien består av 60 verk som kunstneren malte over nesten 30 år, frem til sin død. Synet hans ble dårligere med alderen, men han stoppet ikke. Avhengig av vind, årstid og vær, var utsikten over dammen i stadig endring, og Monet ønsket å fange disse endringene. Gjennom nøye arbeid kom en forståelse av naturens vesen til ham. Noen av maleriene i serien oppbevares i de ledende galleriene i verden: National Museum of Western Art (Tokyo), Orangerie (Paris). Versjonen av neste «Dammen med vannliljer» gikk i hendene på en ukjent kjøper for et rekordstort beløp.

11

Falsk stjerne t

Forfatter

Jasper Johns

Et land USA
Fødselsår 1930
Stil pop kunst

I 1949 gikk Jones inn på designskolen i New York. Sammen med Jackson Pollock, Willem de Kooning og andre er han anerkjent som en av hovedartistene på 1900-tallet. I 2012 mottok han Presidential Medal of Freedom, den høyeste sivile prisen i USA.

137,2x170,8 cm
1959
pris
80 millioner dollar
solgt i 2006
på privat auksjon

I likhet med Marcel Duchamp jobbet Jones med ekte gjenstander, og avbildet dem på lerret og i skulptur i full overensstemmelse med originalen. Til verkene sine brukte han enkle og forståelige gjenstander for alle: en ølflaske, et flagg eller kart. Det er ingen tydelig komposisjon i False Start-bildet. Kunstneren ser ut til å leke med betrakteren, ofte "feil" signerer fargene i bildet, og snur selve konseptet med farge opp ned: "Jeg ønsket å finne en måte å skildre fargen slik at den kunne bestemmes av noen andre metode." Hans mest eksplosive og "usikre", ifølge kritikere, ble maleriet anskaffet av en ukjent kjøper.

12

"Sittendenakenpå sofaen"

Forfatter

Amedeo Modigliani

Et land Italia, Frankrike
Leveår 1884–1920
Stil ekspresjonisme

Modigliani var ofte syk fra barndommen, under et feberaktig delirium anerkjente han sin skjebne som kunstner. Han studerte tegning i Livorno, Firenze, Venezia, og i 1906 dro han til Paris, hvor kunsten hans blomstret.

65x100 cm
1917
pris
68,962 millioner dollar
solgt i 2010
på auksjonen Sotheby's

I 1917 møtte Modigliani 19 år gamle Jeanne Hebuterne, som ble hans modell og senere hans kone. I 2004 ble et av portrettene hennes solgt for 31,3 millioner dollar, den siste rekorden før salget av Seated Nude on a Sofa i 2010. Maleriet ble kjøpt av en ukjent kjøper for den høyeste prisen for Modigliani for øyeblikket. Aktivt salg av verk begynte først etter kunstnerens død. Han døde i fattigdom, led av tuberkulose, og dagen etter begikk også Jeanne Hebuterne, som var gravid i niende måned, selvmord.

13

"Eagle on a Pine"

Forfatter

Qi Baishi

Et land Kina
Leveår 1864–1957
Stil guohua

Interessen for kalligrafi førte til at Qi Baishi malte. I en alder av 28 ble han student av kunstneren Hu Qingyuan. Det kinesiske kulturdepartementet tildelte ham tittelen "Great Artist of the Chinese People", i 1956 mottok han den internasjonale fredsprisen.

10x26 cm
1946
pris
65,4 millioner dollar
solgt i 2011
på auksjonen Kina Guardian

Qi Baishi var interessert i de manifestasjonene av omverdenen, som mange ikke legger vekt på, og dette er hans storhet. En mann uten utdanning ble professor og en fremragende skaper i historien. Pablo Picasso sa om ham: "Jeg er redd for å dra til landet ditt, fordi det er Qi Baishi i Kina." Komposisjonen "Eagle on a Pine Tree" er anerkjent som kunstnerens største verk. I tillegg til lerretet inkluderer det to hieroglyfiske ruller. For Kina er beløpet som produktet ble kjøpt for rekordhøyt - 425,5 millioner yuan. Bare rullen til den eldgamle kalligrafen Huang Tingjian ble solgt for 436,8 millioner dollar.

14

"1949-A-#1"

Forfatter

Clifford Still

Et land USA
Leveår 1904–1980
Stil abstrakt ekspresjonisme

I en alder av 20 besøkte han Metropolitan Museum of Art i New York og ble skuffet. Senere meldte han seg på et student arts league-kurs, men dro 45 minutter etter starten av timen - det viste seg å være "ikke hans". Den første personlige utstillingen vakte resonans, fant kunstneren seg selv, og med den anerkjennelse

79x93 cm
1949
pris
61,7 millioner dollar
solgt i 2011
på auksjonen Sotheby's

Alle verkene hans, som er mer enn 800 lerreter og 1600 arbeider på papir, er fortsatt testamentert til den amerikanske byen, hvor et museum oppkalt etter ham vil bli åpnet. Denver ble en slik by, men bare byggingen var dyr for myndighetene, og fire verk ble lagt ut på auksjon for å fullføre den. Stills verk vil neppe bli auksjonert igjen, noe som hevet prisen på forhånd. Maleriet "1949-A-No.1" ble solgt for et rekordbeløp for kunstneren, selv om eksperter spådde salget på maksimalt 25-35 millioner dollar.

15

"Suprematistisk komposisjon"

Forfatter

Kazimir Malevich

Et land Russland
Leveår 1878–1935
Stil Suprematisme

Malevich studerte maleri ved Kyiv Art School, deretter ved Moskva kunstakademi. I 1913 begynte han å male abstrakte geometriske malerier i en stil som han kalte suprematisme (fra latin "dominans").

71x88,5 cm
1916
pris
60 millioner dollar
solgt i 2008
på auksjonen Sotheby's

Maleriet ble oppbevart i bymuseet i Amsterdam i rundt 50 år, men etter en 17 år lang strid med Malevichs slektninger ga museet det bort. Kunstneren malte dette verket samme år som The Manifesto of Suprematism, så Sotheby`s kunngjorde allerede før auksjonen at det ikke ville gå inn i en privat samling for mindre enn 60 millioner dollar. Og slik ble det. Det er bedre å se på det ovenfra: figurene på lerretet ligner en luftfoto av jorden. Forresten, noen år tidligere eksproprierte de samme slektningene en annen «Suprematist-komposisjon» fra MoMA-museet for å selge den på Phillips for 17 millioner dollar.

16

"Badende"

Forfatter

Paul Gauguin

Et land Frankrike
Leveår 1848–1903
Stil postimpresjonisme

Fram til syvårsalderen bodde kunstneren i Peru, og returnerte deretter til Frankrike med familien, men barndomsminner presset ham stadig til å reise. I Frankrike begynte han å male, var venn med Van Gogh. Han tilbrakte til og med flere måneder med ham i Arles, helt til Van Gogh kuttet av øret hans under en krangel.

93,4x60,4 cm
1902
pris
55 millioner dollar
solgt i 2005
på auksjonen Sotheby's

I 1891 arrangerte Gauguin et salg av maleriene sine for å bruke inntektene til å gå dypt inn på øya Tahiti. Der skapte han verk der man kan føle den subtile forbindelsen mellom natur og menneske. Gauguin bodde i en hytte med stråtak, og et tropisk paradis blomstret på lerretene hans. Hans kone var en 13 år gammel Tahitian Tehura, noe som ikke hindret kunstneren i å drive promiskuitet. Etter å ha fått syfilis dro han til Frankrike. Gauguin var imidlertid trang der, og han returnerte til Tahiti. Denne perioden kalles "den andre tahitianeren" - det var da maleriet "Bathers" ble malt, et av de mest luksuriøse i hans arbeid.

17

"Påskeliljer og en duk i blått og rosa"

Forfatter

Henri Matisse

Et land Frankrike
Leveår 1869–1954
Stil Fauvisme

I 1889 fikk Henri Matisse et anfall av blindtarmbetennelse. Da han ble frisk etter operasjonen, kjøpte moren ham maling. Først, av kjedsomhet, kopierte Matisse fargede postkort, deretter - verkene til store malere som han så i Louvre, og på begynnelsen av 1900-tallet kom han opp med en stil - fauvisme.

65,2x81 cm
1911
pris
46,4 millioner dollar
solgt i 2009
på auksjonen Christie's

Maleriet "Påskeliljer og en duk i blått og rosa" har lenge tilhørt Yves Saint Laurent. Etter couturierens død gikk hele kunstsamlingen hans i hendene på vennen og kjæresten Pierre Berger, som bestemte seg for å auksjonere den på Christie's. Perlen i den solgte samlingen var maleriet "Påskeliljer og en duk i blått og rosa", malt på en vanlig duk i stedet for lerret. Som et eksempel på fauvisme er den fylt med fargens energi, fargene ser ut til å eksplodere og skrike. Av den velkjente serien med dukmalerier er dette verket i dag det eneste som er i en privat samling.

18

"Sovende jente"

Forfatter

RoyLee

chtenstein

Et land USA
Leveår 1923–1997
Stil pop kunst

Kunstneren ble født i New York, og etter endt utdanning dro han til Ohio, hvor han gikk på kunstkurs. I 1949 mottok Liechtenstein sin Master of Fine Arts-grad. Interessen for tegneserier og evnen til å være ironisk gjorde ham til en kultkunstner fra forrige århundre.

91x91 cm
1964
pris
44,882 millioner dollar
solgt i 2012
på auksjonen Sotheby's

En gang falt tyggegummi i Liechtensteins hender. Han tegnet bildet på nytt fra innlegget på lerretet og ble berømt. Denne handlingen fra hans biografi inneholder hele popkunstens budskap: Konsum er den nye guden, og det er ikke mindre skjønnhet i en tyggegummi enn i Mona Lisa. Maleriene hans minner om tegneserier og tegneserier: Lichtenstein forstørret ganske enkelt det ferdige bildet, tegnet raster, brukte silketrykk og silketrykk. Maleriet "Sleeping Girl" tilhørte samlerne Beatrice og Philip Gersh i nesten 50 år, hvis arvinger solgte det på auksjon.

19

"Seier. Boogie Woogie"

Forfatter

Piet Mondrian

Et land Nederland
Leveår 1872–1944
Stil neoplastisisme

Hans virkelige navn - Cornelis - kunstneren endret til Mondrian da han flyttet til Paris i 1912. Sammen med kunstneren Theo van Doesburg grunnla han den neoplastiske bevegelsen. Programmeringsspråket Piet er oppkalt etter Mondrian.

27x127 cm
1944
pris
40 millioner dollar
solgt i 1998
på auksjonen Sotheby's

Den mest "musikalske" av kunstnerne på 1900-tallet livnærte seg med akvarellstilleben, selv om han ble kjent som neoplastisk kunstner. Han flyttet til USA på 1940-tallet og tilbrakte resten av livet der. Jazz og New York - det var det som inspirerte ham mest! Maleri "Victory. Boogie Woogie er det beste eksemplet på dette. "Merkede" pene firkanter ble oppnådd ved bruk av selvklebende tape - Mondrians favorittmateriale. I Amerika ble han kalt «den mest kjente immigranten». På sekstitallet produserte Yves Saint Laurent de verdenskjente «Mondrian»-kjolene med stort farget rutetrykk.

20

"Komposisjon nr. 5"

Forfatter

BasilikumKandinsky

Et land Russland
Leveår 1866–1944
Stil avantgarde

Kunstneren ble født i Moskva, og faren var fra Sibir. Etter revolusjonen prøvde han å samarbeide med de sovjetiske myndighetene, men innså snart at proletariatets lover ikke var skapt for ham, og emigrerte til Tyskland ikke uten vanskeligheter.

275x190 cm
1911
pris
40 millioner dollar
solgt i 2007
på auksjonen Sotheby's

Kandinsky var en av de første som helt forlot objektmaleriet, som han fikk tittelen geni for. Under nazismen i Tyskland ble maleriene hans klassifisert som "degenerert kunst" og ble ikke stilt ut noe sted. I 1939 tok Kandinsky fransk statsborgerskap, i Paris deltok han fritt i den kunstneriske prosessen. Maleriene hans "høres ut" som fuger, og det er grunnen til at mange kalles "komposisjoner" (det første ble skrevet i 1910, det siste i 1939). «Komposisjon nr. 5» er et av nøkkelverkene i denne sjangeren: «Ordet «komposisjon» hørtes ut som en bønn for meg», sa kunstneren. I motsetning til mange følgere, planla han hva han skulle skildre på et stort lerret, som om han skrev notater.

21

"Studie av en kvinne i blått"

Forfatter

Fernand Léger

Et land Frankrike
Leveår 1881–1955
Stil kubisme-postimpresjonisme

Leger fikk en arkitektutdanning, og var deretter student ved School of Fine Arts i Paris. Kunstneren betraktet seg som en tilhenger av Cezanne, var en apologet for kubismen, og på 1900-tallet hadde han også suksess som billedhugger.

96,5x129,5 cm
1912–1913
pris
39,2 millioner dollar
solgt i 2008
på auksjonen Sotheby's

David Normann, president for Sotheby's International Impressionism and Modernism Department, mener det enorme beløpet som er betalt for The Lady in Blue er ganske berettiget. Maleriet tilhører den berømte Leger-samlingen (kunstneren malte tre malerier på en tomt, det siste av dem er i private hender i dag. - Red.), og overflaten på lerretet er bevart i sin opprinnelige form. Forfatteren ga selv dette verket til Der Sturm-galleriet, så havnet det i samlingen til Hermann Lang, en tysk samler av modernismen, og tilhører nå en ukjent kjøper.

22

"Gatescene. Berlin"

Forfatter

Ernst LudwigKirchner

Et land Tyskland
Leveår 1880–1938
Stil ekspresjonisme

For tysk ekspresjonisme ble Kirchner en landemerkeperson. Imidlertid anklaget lokale myndigheter ham for å følge "degenerert kunst", som på tragisk vis påvirket skjebnen til maleriene hans og livet til kunstneren, som begikk selvmord i 1938.

95x121 cm
1913
pris
38,096 millioner dollar
solgt i 2006
på auksjonen Christie's

Etter å ha flyttet til Berlin, laget Kirchner 11 skisser av gatescener. Han ble inspirert av storbyens mas og nervøsitet. I maleriet, solgt i 2006 i New York, er kunstnerens angst spesielt akutt: mennesker i en Berlin-gate ligner fugler - grasiøse og farlige. Hun var det siste verket fra den berømte serien, solgt på auksjon, resten oppbevares på museer. I 1937 behandlet nazistene Kirchner brutalt: 639 av verkene hans ble beslaglagt fra tyske gallerier, ødelagt eller solgt til utlandet. Kunstneren kunne ikke overleve dette.

23

"Hvilerdanser"

Forfatter

Edgar Degas

Et land Frankrike
Leveår 1834–1917
Stil impresjonisme

Historien om Degas som kunstner begynte med det faktum at han jobbet som kopist i Louvre. Han drømte om å bli «kjent og ukjent», og til slutt lyktes han. På slutten av livet, døv og blind, fortsatte 80 år gamle Degas å delta på utstillinger og auksjoner.

64x59 cm
1879
pris
37,043 millioner dollar
solgt i 2008
på auksjonen Sotheby's

"Ballerinaer har alltid vært for meg bare en unnskyldning for å skildre stoffer og fange bevegelser," sa Degas. Scenene fra livet til danserne ser ut til å bli kikket: Jentene poserer ikke for artisten, men blir rett og slett en del av atmosfæren som fanges av Degas blikk. Resting Dancer solgte for 28 millioner dollar i 1999, og mindre enn 10 år senere ble det kjøpt for 37 millioner dollar – i dag er det kunstnerens dyreste verk som noen gang er lagt ut på auksjon. Degas la mye oppmerksomhet til rammer, han designet dem selv og forbød å endre dem. Jeg lurer på hvilken ramme som er montert på det solgte maleriet?

24

"Maleri"

Forfatter

Juan Miro

Et land Spania
Leveår 1893–1983
Stil abstrakt kunst

Under den spanske borgerkrigen var artisten på republikanernes side. I 1937 flyktet han fra fascistisk makt til Paris, hvor han levde i fattigdom med familien. I løpet av denne perioden maler Miro maleriet "Hjelp Spania!", og trekker oppmerksomheten til hele verden mot fascismens dominans.

89x115 cm
1927
pris
36,824 millioner dollar
solgt i 2012
på auksjonen Sotheby's

Det andre navnet på maleriet er "Blå stjerne". Kunstneren skrev det samme år da han kunngjorde: "Jeg vil drepe maleriet" og hånet nådeløst lerretene, skrapet malingen med spiker, limte fjær til lerretet, dekket verket med søppel. Målet hans var å avlive mytene om maleriets mysterium, men etter å ha taklet dette, skapte Miro sin egen myte - en surrealistisk abstraksjon. Hans "Maleri" refererer til syklusen av "bilder-drømmer". Fire kjøpere kjempet for det på auksjonen, men én inkognitotelefon avgjorde tvisten, og «Painting» ble kunstnerens dyreste maleri.

25

"Blå rose"

Forfatter

Yves Klein

Et land Frankrike
Leveår 1928–1962
Stil monokrom maleri

Kunstneren ble født inn i en familie av malere, men studerte orientalske språk, navigasjon, håndverket til en forgyller av rammer, zenbuddhisme og mye mer. Hans personlighet og frekke krumspring var mange ganger mer interessant enn monokrome malerier.

153x199x16 cm
1960
pris
36,779 millioner dollar
solgt i 2012
på Christie's auksjon

Den første utstillingen med solide gule, oransje, rosa verker vekket ikke offentlig interesse. Klein ble fornærmet og neste gang presenterte han 11 identiske lerreter, malt med ultramarin blandet med en spesiell syntetisk harpiks. Han patenterte til og med denne metoden. Fargen gikk over i historien som "International Klein Blue". Kunstneren solgte også tomhet, skapte malerier ved å utsette papir for regn, sette fyr på papp, lage trykk av en menneskekropp på lerret. Kort sagt, jeg eksperimenterte så godt jeg kunne. For å lage "Blue Rose" brukte jeg tørre pigmenter, harpiks, småstein og en naturlig svamp.

26

"Ser etter Moses"

Forfatter

Sir Lawrence Alma-Tadema

Et land Storbritannia
Leveår 1836–1912
Stil nyklassisisme

Sir Lawrence la selv prefikset "alma" til etternavnet for å vises først i kunstkataloger. I det viktorianske England var maleriene hans så etterspurt at kunstneren ble tildelt en ridder.

213,4x136,7 cm
1902
pris
35,922 millioner dollar
solgt i 2011
på auksjonen Sotheby's

Hovedtemaet for Alma-Tademas verk var antikken. I maleriene prøvde han å skildre Romerrikets epoke i minste detalj, for dette engasjerte han seg til og med i arkeologiske utgravninger på Apennin-halvøya, og i hans London-hus gjenga han det historiske interiøret fra disse årene. Mytologiske historier ble en annen inspirasjonskilde for ham. Kunstneren var etterspurt i løpet av hans levetid, men etter hans død ble han raskt glemt. Nå gjenopplives interessen, noe kostnadene for maleriet «In Search of Moses» viser, syv ganger høyere enn anslaget før salg.

27

"Portrett av en sovende naken tjenestemann"

Forfatter

Lucian Freud

Et land Tyskland,
Storbritannia
Leveår 1922–2011
Stil figurativt maleri

Kunstneren er barnebarnet til Sigmund Freud, psykoanalysens far. Etter etableringen av fascismen i Tyskland emigrerte familien hans til Storbritannia. Freuds verk er i Wallace Collection i London, hvor ingen samtidskunstner tidligere har stilt ut.

219,1x151,4 cm
1995
pris
33,6 millioner dollar
solgt i 2008
på auksjonen Christie's

Mens de fasjonable kunstnerne på 1900-tallet skapte positive «fargeflekker på veggen» og solgte dem for millioner, malte Freud ekstremt naturalistiske malerier og solgte dem for enda mer. "Jeg fanger sjelens rop og lidelsen til visnende kjøtt," sa han. Kritikere mener at alt dette er «arven» etter Sigmund Freud. Maleriene ble så aktivt utstilt og vellykket solgt at ekspertene var i tvil: har de hypnotiske egenskaper? Solgt på auksjon, "Portrett av en sovende naken tjenestemann", ifølge Sun, ble kjøpt opp av skjønnhetskjenneren og milliardæren Roman Abramovich.

28

"Fiolin og gitar"

Forfatter

Xen gris

Et land Spania
Leveår 1887–1927
Stil kubisme

Født i Madrid, hvor han ble uteksaminert fra School of Arts and Crafts. I 1906 flyttet han til Paris og gikk inn i kretsen av tidens mest innflytelsesrike kunstnere: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, og jobbet også med Sergei Diaghilev og troppen hans.

5x100 cm
1913
pris
28,642 millioner dollar
solgt i 2010
på auksjonen Christie's

Gris, med hans egne ord, var engasjert i "plan, farget arkitektur." Maleriene hans er nøyaktig gjennomtenkt: han etterlot ikke et eneste tilfeldig slag, noe som gjør kreativitet relatert til geometri. Kunstneren skapte sin egen versjon av kubismen, selv om han hadde stor respekt for Pablo Picasso, grunnleggeren av bevegelsen. Etterfølgeren dedikerte til og med sitt første kubistiske verk, Tribute to Picasso, til ham. Maleriet "Fiolin og gitar" er anerkjent som fremragende i kunstnerens arbeid. I løpet av hans levetid var Gris kjent, foretrukket av kritikere og kunsthistorikere. Arbeidene hans er utstilt i verdens største museer og oppbevares i private samlinger.

29

"PortrettFields of Eluard»

Forfatter

Salvador Dali

Et land Spania
Leveår 1904–1989
Stil surrealisme

"Surrealisme er meg," sa Dali da han ble utvist fra surrealistgruppen. Over tid ble han den mest kjente surrealistiske artisten. Dalis arbeid er overalt, ikke bare i gallerier. Det var for eksempel han som kom med emballasjen til Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
pris
20,6 millioner dollar
solgt i 2011
på auksjonen Sotheby's

I 1929 kom poeten Paul Eluard og hans russiske kone Gala for å besøke den store provokatøren og slagsmålsmannen Dali. Møtet var begynnelsen på en kjærlighetshistorie som varte i mer enn et halvt århundre. Maleriet "Portrett av Paul Eluard" ble malt nettopp under dette historiske besøket. "Jeg følte at jeg ble betrodd plikten til å fange ansiktet til dikteren, fra hvis Olympus jeg stjal en av musene," sa kunstneren. Før han møtte Gala, var han jomfru og ble avsky ved tanken på å ha sex med en kvinne. Kjærlighetstriangelet eksisterte til Eluards død, hvoretter det ble Dali-Gala-duetten.

30

"jubileum"

Forfatter

Marc Chagall

Et land Russland, Frankrike
Leveår 1887–1985
Stil avantgarde

Moishe Segal ble født i Vitebsk, men i 1910 emigrerte han til Paris, skiftet navn og kom nær tidens ledende avantgarde-artister. På 1930-tallet, da nazistene tok makten, dro han til USA ved hjelp av en amerikansk konsul. Han kom tilbake til Frankrike først i 1948.

80x103 cm
1923
pris
14,85 millioner dollar
solgt i 1990
på Sotheby's-auksjonen

Maleriet "Jubilee" er anerkjent som et av kunstnerens beste verk. Den har alle trekk ved hans arbeid: verdens fysiske lover viskes ut, følelsen av et eventyr er bevart i landskapet til det småborgerlige livet, og kjærligheten er i sentrum av handlingen. Chagall trakk ikke mennesker fra naturen, men bare fra hukommelsen eller fantasering. Maleriet "Jubilee" skildrer kunstneren selv med kona Bela. Maleriet ble solgt i 1990 og har ikke blitt budt siden. Interessant nok holder New York Museum of Modern Art MoMA nøyaktig det samme, bare under navnet "Birthday". Forresten, det ble skrevet tidligere - i 1915.

utkast utarbeidet
Tatyana Palasova
vurdering kompilert
i henhold til listen www.art-spb.ru
tmn magasin №13 (mai-juni 2013)

Detaljer Kategori: Kunst og arkitektur fra den sovjetiske perioden Skrevet 14.09.2018 13:37 Visninger: 1845

Siden 1930-tallet av XX-tallet. offisiell kunst i Russland utviklet seg i tråd med sosialistisk realisme. Mangfoldet av kunstneriske stiler ble satt til slutt.

Den nye æraen for sovjetisk kunst var preget av streng ideologisk kontroll og elementer av propaganda.
I 1934, på den første allunionskongressen for sovjetiske forfattere, formulerte Maxim Gorky de grunnleggende prinsippene for sosialistisk realisme som en metode for sovjetisk litteratur og kunst:

Nasjonalitet.
Ideologi.
Konkrethet.

Prinsippene for sosialistisk realisme ble ikke bare erklært, men også støttet av staten: regjeringsordrer, kreative forretningsreiser for kunstnere, tematiske og jubileumsutstillinger, gjenopplivingen av monumental kunst som en uavhengig, fordi. den reflekterte «store utsikter for utviklingen av det sosialistiske samfunnet».
De viktigste representantene for staffelimaleri i denne perioden var Boris Ioganson, Sergei Gerasimov, Arkady Plastov, Alexander Deineka, Yuri Pimenov, Nikolai Krymov, Arkady Rylov, Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov, Pavel Korin og andre. Vi vil vie separate artikler til noen artister.

Boris Vladimirovich Ioganson (1893-1973)

B. Ioganson. selvportrett

En av de ledende representantene for sosialistisk realisme i maleriet. Han arbeidet i tradisjonene for russisk maleri på 1800-tallet, men introduserte i verkene sine "et nytt revolusjonært innhold, i samsvar med epoken."
Han var også lærer i maleri, direktør for Statens Tretyakov-galleri i 1951-1954, førstesekretær for Union of Artists of the USSR, sjefredaktør for leksikonet "Art of the Countries and Peoples of the World", hadde mange statlige priser og titler.
To av maleriene hans er spesielt kjente: «Forhør av kommunistene» og «På den gamle Uralfabrikken» (1937).

B. Ioganson "Forhør av kommunister" (1933). Lerret, olje. 211 x 279 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
Historien om opprettelsen av bildet i dette tilfellet er nødvendig for å forstå ideen. "Jeg ble personlig forfulgt av ideen om å sette klasser sammen, av ønsket om å uttrykke uforsonlige klassemotsetninger i maleriet.
Den hvite garde er en spesiell utvekst i historien, det er en rabbling der restene av de gamle offiserene, profitører i militæruniformer, og direkte banditter og krigsplyndre blandet seg sammen. For en slående kontrast til denne gjengen var våre militærkommissærer, kommunistene, som var ideologiske ledere og forsvarere av sitt sosialistiske fedreland og det arbeidende folk. Det var min kreative oppgave å uttrykke denne kontrasten, å sammenligne den» (B. Ioganson).
En White Guard-offiser sitter i en forgylt stol med ryggen mot betrakteren. Resten av de hvite offiserene står overfor. For å forsterke den dramatiske effekten gir kunstneren kunstig nattbelysning. Figuren til eskorten er plassert i den øvre mørke kanten av venstre hjørne og er en knapt merkbar silhuett. I høyre hjørne er det et vindu med en gardin, ekstra nattlys strømmer gjennom det.
Kommunistene ser ut til å være i høyden sammenlignet med de hvite.
Kommunister er en jente og en arbeider. De står i nærheten og ser rolig inn i ansiktet til sine fiender, deres indre spenning er skjult. Unge kommunister symboliserer en ny type sovjetfolk.

Sergei Vasilyevich Gerasimov (1885-1964)

S. Gerasimov. Selvportrett (1923). Lerret, olje. 88 x 66 cm. Kharkov kunstmuseum (Kharkov, Ukraina)
Russisk kunstner, en representant for russisk impresjonisme, spesielt manifestert i landskapene hans. Han skapte også en rekke standard sosialistiske realistiske malerier.

S. Gerasimov «Vår. Mars". Lerret, olje
I den historiske sjangeren er hans mest kjente verk The Oath of the Siberian Partisans.

S. Gerasimov "De sibirske partisaners ed" (1933). Lerret, olje. 173 x 257 cm Statens russiske museum (Petersburg)
Bildet er strengt i innholdet, men uttrykksfullt og uttrykksfullt. Den har en klar sammensetning og ideologisk orientering.
Sjangermaleriet av S. Gerasimov "Kollektiv gårdsferie" (1937) regnes som et av de viktigste verkene innen sovjetisk kunst på 30-tallet av XX-tallet.

S. Gerasimov "Kollektiv gårdsferie" (1937). Lerret, olje. 234 x 372 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
Et av de mest kjente maleriene om krigen var maleriet av S. Gerasimov "Mother of a Partisan".

S. Gerasimov "Mor til en partisan" (1943-1950). Lerret, olje. State Tretyakov Gallery (Moskva)
Kunstneren selv snakket om ideen til maleriet som følger: "Jeg ønsket å vise i hennes bilde alle mødrene som sendte sønnene sine til krig."
Kvinnen er fast i sin rettferdighet, hun personifiserer den store kraften i folkets sinne. Hun lider, men dette er lidelsen til en stolt, sterk person, så ansiktet hennes virker rolig i dette tragiske øyeblikket.

Arkady Alexandrovich Plastov (1893-1972)

P. Bendel. Portrett av kunstneren Plastov

Kunstneren A. Plastov kalles "sangeren til den sovjetiske bondestanden." Alle sjangermaleriene hans er skapt på bakgrunn av et landskap. Kunstnerens russiske natur er alltid lyrisk og animert. Maleriene hans utmerker seg ved poetisk uttrykksevne og nesten konfliktfrie.

A. Plastov "First Snow" (1946)
Kunstneren avbildet et lite fragment fra landsbylivet. På terskelen til et trehus står to bondebarn, mest sannsynlig en søster og en bror. Da de våknet om morgenen, så de snøfall og løp ut på verandaen. Jenta hadde ikke engang tid til å knytte et varmt gult sjal, hun bare kastet det på en lett huskjole og satte føttene i filtstøvler. Barn ser på den første snøen med overraskelse og glede. Og denne gleden, denne barnlige gleden over naturens skjønnhet overføres til publikum.
Plastov er en trofast realist. Jakten på noe helt nytt og enestående var fremmed for ham. Han levde i verden og beundret dens skjønnhet. Plastov mente: det viktigste for en kunstner er å se denne skjønnheten og formidle den på lerretet. Du trenger ikke å skrive vakkert, du trenger å skrive sannheten, og det vil være vakrere enn noen fantasi.

A. Plastov "Golden Edge" (1952). Lerret, olje. 57 x 76 cm Rostov Kreml State Museum-Reserve

A. Plastov "Haymaking" (1945). Lerret, olje. 193 x 232 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
Kunstneren laget en serie malerier om den store patriotiske krigen. Lerretet "Fascist fløy forbi" er fylt med tragedie, det regnes som et mesterverk av sovjetisk kunst fra militær- og etterkrigstiden.

A. Plastov "Fascist fløy forbi" (1942). Lerret, olje. 138 x 185 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
Kunstneren A. Deineka fortsetter å jobbe med sine favoritttemaer.

Yuri Ivanovich Pimenov (1903-1977)

Kjent som maler, teaterkunstner, scenedesigner og grafiker, plakatkunstner, lærer.
Hans mest kjente maleri er New Moscow.

Y. Pimenov "New Moscow" (1937). Lerret, olje. 140 × 170 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
Skrevet midt i gjenoppbyggingen av hovedstaden. En kvinne bak rattet er en ganske sjelden forekomst i disse årene. Det er et symbol på nytt liv. Den kompositoriske løsningen er også uvanlig: bildet ser ut som en kameraramme. Kvinnen vises bakfra, og denne vinkelen inviterer så å si betrakteren til å se på morgenbyen gjennom øynene hennes. Det skaper en følelse av glede, friskhet og vårstemning. Dette tilrettelegges av kunstnerens impresjonistiske skrivestil og den milde fargeleggingen av maleriet. Bildet er gjennomsyret av en optimistisk holdning, karakteristisk for den tiden.
Kunstneren brukte også denne teknikken når han malte maleriet "Front Road". Det emosjonelle innholdet i bildet er bygget på kontrasten mellom bildet av et fredelig, skiftende Moskva og byen plyndret og ødelagt som et resultat av den fascistiske invasjonen, avbildet i maleriet "Front Road".

Y. Pimenov "Front Road" (1944)
I den tidlige perioden av arbeidet hans ble Pimenov påvirket av tysk ekspresjonisme, som i stor grad forklarer den dramatiske skarpheten til hans beste malerier fra disse årene: "Invalids of War", "Give Heavy Industry!" (1927), "Soldater går over til revolusjonens side" (1932). Gradvis gikk han over til impresjonisme, og fulgte det kreative prinsippet om "vakkert øyeblikk".

Yu. Pimenov "Invalids of War" (1926). Statens russiske museum (Petersburg)

Georgy Grigorievich Nissky (1903-1987)

Georgy Nissky var i denne perioden aktivt engasjert i landskapskunst. Maleriene hans er kjent for deres pittoreske lakonisme, dynamikk, lyse komposisjonelle og rytmiske løsninger. Kunstnerens natur forvandles alltid av menneskehender.

G. Nissky «Høst. Semaforer" (1932)

G. Nissky "Moskva-regionen. februar" (1957). Lerret, olje. State Tretyakov Gallery (Moskva)
Landskapsmalerne til den eldre generasjonen inkluderer Nikolai Krymov.

Nikolai Petrovich Krymov (1884-1958)

Nikolai Krymov (1921)
N.P. Krymov ble født inn i familien til en omreisende kunstner, så den opprinnelige retningen for arbeidet hans var den samme. I studieårene (1905-1910) var han tilbøyelig til et impresjonistisk naturbilde, delikate pastellfarger og lette strøk ga lerretene hans et åndelig og vektløst utseende. På 1920-tallet ble han en tilhenger av russisk realistisk maleri.

N.P. Krymov "Morgen i Central Park of Culture and Leisure oppkalt etter I. M. Gorky i Moskva» (1937). Lerret, olje. 81 x 135 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
Den siste perioden av malerens arbeid er knyttet til Oka-elven og den lille byen Tarusa, hvor Krymov kom på besøk. Han ble fascinert av det lokale landskapet og Oka-elven, som «pustet frihet».

N. Krymov "Street in Tarusa" (1952)
Maleriene "Before Twilight", "Polenovo. River Oka "og en rekke andre. Kunstneren har mange vinterlandskap.

N. Krymov «Vinter. Tak" (1934)

Arkady Alexandrovich Rylov (1870-1939)

A. Rylov. Selvportrett med et ekorn (1931). Papir, blekk, italiensk blyant. State Tretyakov Gallery (Moskva)

Russisk og sovjetisk landskapsmaler, grafiker og lærer.
Hans mest kjente maleri er "Lenin i Razliv".

A. Rylov “V.I. Lenin i Razliv i 1917 (1934). Lerret, olje. 126,5 × 212 cm. Statens russiske museum (Petersburg)
Dette er et av de beste verkene til kunstneren i hans sene kreativitetsperiode. I dette maleriet kombinerer kunstneren landskapet med den historiske sjangeren. Lenins opphold i Razliv sommeren 1917 er et av hovedtemaene for det leninistiske temaet i sovjetisk kunst. I landskapet og i lederens dynamiske skikkelse kan man føle øyeblikkets spenning og spenning. Skyer suser over himmelen, vinden bøyer mektige trær, i kampen mot disse naturkreftene suser Lenins skikkelse mot vinden med en fast besluttsomhet om å vinne i fremtidens navn.
Den stormfulle innsjøen og den urovekkende himmelen symboliserer stormen. Skumring senker seg på jorden. Lenin, som ikke merker noe av dette, stirrer intenst i det fjerne. Denne tolkningen av bildet av lederen er den ideologiske ordenen i sovjettiden.
Den sovjetiske portrettsjangeren utvikler seg aktivt på dette tidspunktet, der Pyotr Konchalovsky, Igor Grabar, Mikhail Nesterov manifesterer seg tydeligst.

P. Konchalovsky. Portrett av komponisten Sergei Sergeevich Prokofiev (1934). Lerret, olje. 181 x 140,5 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)

P. Konchalovsky. Portrett av V.E. Meyerhold (1938). Lerret, olje. 211 x 233 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)
I løpet av perioden med masseundertrykkelse, kort før arrestasjonen og døden av Meyerhold, skapte P. Konchalovsky et portrett av denne enestående teaterfiguren. Den 7. januar 1938 vedtok komiteen for kunst en resolusjon om å avvikle Meyerhold statsteater.
Kunstneren formidlet personlighetskonflikten med den omgivende virkeligheten gjennom en kompleks komposisjonsløsning. Lerretet skildrer ikke en drømmer, men en mann hvis skjebne henger i en balanse, og han vet det. Gjennom en sammenstilling av et lyst teppe, tett dekket med ornamenter, og regissørens monokrome skikkelse, avslører Konchalovsky det tragiske bildet av regissøren-reformatoren.

I. Grabar. Portrett av akademiker N.D. Zelinsky (1935). Lerret, olje. 95 x 87 cm State Tretyakov Gallery (Moskva)

I. Grabar. Portrett av Vladimir Ivanovich Vernadsky (1935)

Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967)

Pavel Korin (1933)
Russisk og sovjetisk maler, veggmaler, portrettmester, restauratør og lærer, professor.
Han ble oppvokst i Palekh og begynte med å male ikoner. Han studerte ved Moscow School of Sculpture and Architecture, ble til slutt en av de viktigste mesterne i det tidlige sovjetiske portrett, skapte et helt galleri med portretter av intellektuelle i sin tid.
Verkene til denne kunstneren er preget av monumentalitet, et tøft utvalg og tydelig skulpturerte former.
De mest kjente verkene til P. Korin: triptyken "Alexander Nevsky", portretter av Georgy Zhukov og Maxim Gorky.

P. Korin. Triptyk "Alexander Nevsky"
Triptyken ble bestilt til kunstneren i året for den store patriotiske krigen, da temaet for å konfrontere inntrengeren var sentralt i kunsten.
På venstre og høyre side av triptyken skal soldatene til krig. De blir eskortert av kvinner: en gammel mor, en kone som holder et lite barn i armene. De, så vel som deres hjemland, trenger beskyttelse.

I midten er bildet av en kriger. Alexander Nevsky i antikken stoppet de tyske ridderne, slik at han kan inspirere forsvarerne til å kjempe mot de fascistiske inntrengerne. Figuren hans er monumental - det er minnet om russiske helter. Banneret med Kristi ansikt minner om helligheten til det russiske landet. Han står lent på sverdet – fiendene må dø av sverdet som de kom med.
Bak ham er hans hjemland, som må beskyttes.
Tematiske malerier og portretter utført av mesteren er preget av åndelighet og stillhet av bilder, strenghet i komposisjon og tegning.
Interesse for kreative personligheter er karakteristisk for atmosfæren i denne perioden.

S. Gerasimov "Kollektiv gårdsferie"

Når du blir kjent med verkene til sovjetisk kunst, merker du umiddelbart at det er veldig forskjellig fra forrige periode i kunsthistorien. Denne forskjellen ligger i det faktum at all sovjetisk kunst er gjennomsyret av sovjetisk ideologi og ble bedt om å være leder for alle ideer og beslutninger fra sovjetstaten og kommunistpartiet, som den ledende kraften i det sovjetiske samfunnet. Hvis kunstnere i kunsten fra 1800- og begynnelsen av 1900-tallet utsatte den eksisterende virkeligheten for alvorlig kritikk, så var slike verk uakseptable i sovjetperioden. Patosen ved å bygge en sosialistisk stat ble festet som en rød tråd gjennom all sovjetisk kunst. Nå, 25 år etter sammenbruddet av Sovjetunionen, er det en økt interesse for sovjetisk kunst fra publikums side, spesielt er det i ferd med å bli interessant for unge mennesker. Ja, og den eldre generasjonen tenker mye om i landets tidligere historie og er også interessert i tilsynelatende veldig kjente verk av sovjetisk maleri, skulptur og arkitektur.

Kunst fra perioden med oktoberrevolusjonen, borgerkrigen og 20-30-tallet.

I de første årene etter revolusjonen og under borgerkrigsårene spilte en enorm rolle kamppolitisk plakat. D.S. Moor og V.N. Denis regnes med rette som klassikere innen plakatkunst. Moors plakat "Har du meldt deg på som frivillig?" og fengsler nå med bildets uttrykksfullhet.

I tillegg til den trykte plakaten oppsto det under borgerkrigsårene håndtegnede og sjablongerte plakater. Dette er «ROSTA Windows», der dikteren V. Mayakovsky deltok aktivt.

Under borgerkrigen ble det utarbeidet en monumental propagandaplan av V.I. Lenin, hvis betydning var å bygge monumenter over hele landet til kjente personer som på en eller annen måte bidro til forberedelsen og gjennomføringen av den sosialistiske revolusjonen. Utøverne av dette programmet inkluderer først og fremst skulptørene N.A. Andreev I.D. Shadr.

På 1920-tallet ble det dannet en forening som spilte en betydelig rolle i å bygge et nytt sovjetisk samfunn - Russland "(AHRR)" Association of Artists of Revolutionary Russia (AHRR).

På 1930-tallet ble en enkelt Union of Artists of the USSR opprettet, som forente alle kunstnere som i sitt arbeid måtte følge metoden for sosialistisk realisme. Kunstnere av den eldre generasjonen (B. Kustodiev, K. Yuon og andre) og yngre prøvde å reflektere det nye i den sovjetiske virkeligheten.

I arbeidet til I.I. Brodsky reflekterte det historiske og revolusjonære temaet. Det samme temaet i verkene til M. Grekov og K. Petrov-Vodkin er sublimt romantisk.

I de samme årene ble eposet "Leniniana" lagt, som skapte et utallig antall verk dedikert til V.I. Lenin under sovjetperioden.

M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deineka, Y. Pimenov, G. Ryazhsky og andre kunstnere bør kalles sjangermalere (mestere i hverdagssjangeren) og portrettmalere fra 20-30-tallet.

Innenfor landskapet arbeidet kunstnere som K. Yuon, A. Rylov, V. Baksheev og andre.

Etter revolusjonen og borgerkrigen skjedde det en rask bygging av byer, der det ble opprettet mange monumenter til fremtredende skikkelser fra revolusjonen, partiet og staten. Kjente skulptører var A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva og andre.

Sovjetisk kunst 1941 -1945 og de første etterkrigsårene

Under den store patriotiske krigen tilbakeviste sovjetisk kunst resolutt ordtaket om at "når våpnene rumler, er musene stille." Nei, i perioden med de mest grusomme og forferdelige krigene i menneskehetens historie, var ikke musene stille. Umiddelbart etter de tyske fascistenes perfide angrep på Sovjetunionen, ble penselen, blyanten og meiselen til kunstnere et formidabelt våpen i kampen mot fienden.

Folkets heroiske oppsving, deres moralske enhet ble grunnlaget for den sovjetiske kunsten fra den patriotiske krigen. Han var gjennomsyret av ideene om patriotisme. Disse ideene inspirerte plakatkunstnere, inspirerte malere til å lage malerier som fortalte om det sovjetiske folks bedrifter, og bestemte innholdet i verk i alle typer kunst.

En stor rolle på dette tidspunktet, som i årene med borgerkrigen, ble spilt av en politisk plakat, der artister som V.S. Ivanov, V.B. Koretsky og andre jobbet. En sint patos er iboende i deres verk, i bildene de skapte, avsløres den ubøyelige viljen til menneskene som sto opp for å forsvare fedrelandet.

En ekte renessanse oppleves under krigen av en håndtegnet plakat. Etter eksemplet med "Windows ROSTA" i 1941 - 1945, ble det laget en rekke ark med "Windows TASS". De latterliggjorde inntrengerne, avslørte fascismens sanne essens, oppfordret folket til å forsvare moderlandet. Blant artistene som jobber i "Windows TASS", bør i første omgang kalles Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).

Den grafiske serien fra denne tiden forteller på en overbevisende måte om sovjetfolks erfaringer under krigsårene. En storslått serie med tegninger av D.A. Shmarinov "Vi vil ikke glemme, vi vil ikke tilgi!" Alvorlighetsgraden av livet til det beleirede Leningrad er fanget i syklusen med tegninger av A.F. Pakhomov "Leningrad i blokkadens dager".

Det var vanskelig for malere å jobbe i krigsårene: det tar tross alt tid og hensiktsmessige forhold, materialer for å lage et ferdig bilde. Likevel var det mange lerreter som ble inkludert i det gyldne fondet til sovjetisk kunst. Malerne av studioet til militære kunstnere oppkalt etter A.B. Grekov forteller oss om krigens vanskelige hverdag, om krigerhelter. De reiste til frontene, deltok i fiendtligheter.

Militære kunstnere fanget på sine lerreter alt de selv så og opplevde. Blant dem er P.A. Krivonogov, forfatteren av maleriet "Victory", B.M. Nemensky og hans maleri "Mother", en bondekvinne som skjermet soldater i hytta hennes, som overlevde mye i en vanskelig tid for moderlandet.

Lerreter av stor kunstnerisk verdi ble skapt i løpet av disse årene av A.A. Deineka, A.A. Plastov, Kukryniksy. Maleriene deres, dedikert til de heroiske gjerningene til det sovjetiske folket til det sovjetiske folket foran og bak, er gjennomsyret av oppriktig spenning. Kunstnerne bekrefter det sovjetiske folkets moralske overlegenhet over fascismens brutale kraft. Dette manifesterer menneskenes humanisme, deres tro på idealene om rettferdighet og godhet. Motet til det russiske folket er bevist av historiske lerreter laget under krigen, inkludert som syklusen av malerier av E.E. Lansere "Trophies of Russian weapons" (1942), triptyken av P.D. Korin "Alexander Nevsky", lerretet av A.P. .Bubnova "Morgen på Kulikovo-feltet".

Portrettert fortalte oss også mye om menneskene i krigstiden. Mange verk av enestående kunstnerisk fortjeneste er blitt skapt i denne sjangeren.

Portrettgalleriet fra perioden med den patriotiske krigen ble fylt opp med mange skulpturelle verk. Mennesker med ubøyelig vilje, modige karakterer, preget av klare individuelle forskjeller, er representert i de skulpturelle portrettene av S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E. Vuchetich.

Under den patriotiske krigen oppfylte sovjetisk kunst sin patriotiske plikt ærefullt. Kunstnerne gikk til seier etter å ha gått gjennom dype opplevelser, som gjorde det mulig i de første etterkrigsårene å lage verk med et komplekst og mangefasettert innhold.

I andre halvdel av 1940- og 1950-årene ble kunsten beriket med nye temaer og bilder. Dens hovedoppgaver i denne perioden var å gjenspeile suksessene til etterkrigstidens konstruksjon, oppdragelse av moral og kommunistiske idealer.

Oppblomstringen av kunst i etterkrigsårene ble i stor grad tilrettelagt av aktivitetene til Academy of Arts of the USSR, som inkluderer de viktigste mesterne.

Etterkrigsårenes kunst er også preget av andre trekk som først og fremst knytter seg til dens innhold. I løpet av disse årene økte kunstnernes interesse for menneskets indre verden. Derav oppmerksomheten som malere, skulptører og grafikere gir portretter og sjangerkomposisjoner, som gjør det mulig å forestille seg mennesker i en rekke livssituasjoner og vise originaliteten til deres karakterer og opplevelser. Derav den spesielle menneskeheten og varmen til mange verk dedikert til livet og livet til sovjetiske mennesker.

Naturligvis, på dette tidspunktet, fortsetter artister å bekymre seg for hendelsene i den nylige krigen. Igjen og igjen vender de seg til folkets bedrifter, til sovjetfolkets smertefulle opplevelser i en tøff tid. Slike lerreter fra disse årene som "Mashenka" av B. Nemensky, "Letter from the front" av A. Laktionov, "Rest after the battle" av Y. Nemensky er kjent , "Return" av V. Kostecki og mange andre.

Lerretene til disse kunstnerne er interessante fordi krigens tema er løst i dem i en hverdagslig sjanger: de tegner scener fra livet til sovjetiske mennesker i krigen og bak, snakker om deres lidelse, mot, heltemot.

Det er bemerkelsesverdig at maleriene med historisk innhold også ofte løses i denne perioden i hverdagssjangeren. Gradvis finner det fredelige livet til det sovjetiske folket, som erstattet vanskelighetene i krigsårene, en stadig mer komplett og moden legemliggjøring i arbeidet til mange kunstnere. Et stort antall sjangermalerier (dvs. malerier av den dagligdagse sjangeren) dukker opp, slående med en rekke temaer og plott. Dette er livet til den sovjetiske familien, med dens enkle gleder og sorger ("Igjen en toer!" F. Reshetnikova), dette er varmt arbeid i fabrikker og fabrikker, på kollektive gårder og statlige gårder ("Brød" av T. Yablonskaya , "On Peaceful Fields" av A. Mylnikov ). Dette er livet til sovjetisk ungdom, utviklingen av jomfruelige land, etc. Et spesielt viktig bidrag til sjangermaleriet ble gitt i denne perioden av kunstnerne A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov og andre.

Vellykket fortsatte å utvikle seg i disse årene, portretter - dette er P. Korin, V. Efanov og andre kunstnere. Innenfor landskapsmaleriet i denne perioden arbeidet i tillegg til de eldste kunstnerne, inkludert M. Saryan, R. Nissky, N. Romadin og andre.

I de påfølgende årene fortsatte den fine kunsten i den sovjetiske perioden å utvikle seg i samme retning.

D.S. Moore

D.S. Moore

K. Petrov-Vodkin "1918 i Petrograd" (1920)

I. D. Shadr "Proletariatets brosteinsvåpen"

Gerasimov - kollektiv gårdsferie 1937

S. Gerasimov "Mor til en partisan"

D.S. Moore

P. Konchalovsky "Lilla i en kurv" (1933)

N. A. Andreev "V. I. Lenin"

M. Grekov "Banner og trompetist" (1934)

I 1934, på den første allunionskongressen for sovjetiske forfattere, formulerte Maxim Gorky de grunnleggende prinsippene for sosialrealisme som en metode for sovjetisk litteratur og kunst. Dette øyeblikket markerer begynnelsen på en ny æra av sovjetisk kunst, med strammere ideologisk kontroll og propagandaplaner.

Grunnleggende prinsipper:

• - Nasjonalitet. Som regel var heltene i sosialistiske realistiske verk by- og landsarbeidere, arbeidere og bønder, representanter for teknisk intelligentsia og militært personell, bolsjeviker og ikke-partifolk.
• – Ideologi. Vis folkets fredelige liv, søken etter veier til et nytt, bedre liv, heroiske gjerninger for å oppnå et lykkelig liv for alle mennesker.
• - Spesifisitet. I bildet av virkeligheten, vis prosessen med historisk utvikling, som igjen må samsvare med den materialistiske forståelsen av historien (i prosessen med å endre betingelsene for deres eksistens, endrer folk sin bevissthet og holdning til den omkringliggende virkeligheten).

I årene etter denne resolusjonen fra sentralkomiteen til Bolsjevikenes kommunistiske parti om restrukturering av litterære og kunstneriske organisasjoner, ble det holdt en rekke store begivenheter med sikte på å utvikle kunst i den retningen staten krever. Praksisen med statlige ordrer, kreative forretningsreiser, store tematiske og jubileumsutstillinger utvides. Sovjetiske kunstnere lager mange verk (paneler, monumentale, dekorative) for fremtiden til VDNKh. Dette betydde et viktig stadium i gjenopplivingen av monumental kunst som en uavhengig kunst. I disse verkene ble det åpenbart at den sovjetiske kunstens tiltrekning til monumentalitet ikke er tilfeldig, men reflekterer «de storslåtte utsiktene for utviklingen av et sosialistisk samfunn».

I 1918 definerte Lenin, i en samtale med K. Zetkin, kunstens oppgaver i det sovjetiske samfunnet: «Kunsten tilhører folket. Den må ha sine dypeste røtter i dypet av de brede arbeidende massene. Det må forstås av disse massene og elskes av dem. Den må forene følelsen, tanken og viljen til disse massene, heve dem. Det burde vekke artistene i dem og utvikle dem.»

Sammen med de allerede eksisterende kunstområdene dukket det i perioden opp flere grunnleggende nye, for eksempel avantgarde.

Innenfor rammene av monumentalismens stil er skulptur av størst interesse. Som alle andre trender innen sovjetisk kunst, hadde periodens skulptur et agitasjonsfokus og et patriotisk innhold i handlingene. Lenins plan for monumental propaganda, vedtatt i 1918, var av stor betydning for utviklingen av skulptur. I samsvar med denne planen skulle monumenter som fremmet nye revolusjonære verdier installeres over hele landet. Fremtredende billedhuggere var involvert i arbeidet: N.A. Andreev (som senere ble skaperen av den skulpturelle Leniniana). En annen fremtredende billedhugger fra denne perioden er Ivan Shadr. I 1922 skapte han statuene "Worker", "Sower", "Peasant", "Red Army". Originaliteten til metoden hans er generaliseringen av bildet på grunnlag av et spesifikt sjangerplott, kraftig modellering av volumer, uttrykksfullhet i bevegelse, romantisk patos. Hans mest slående verk er «Brostein er et verktøy for proletariatet. 1905" (1927). Samme år, på territoriet til et vannkraftverk i Kaukasus, reiste ZAGES et monument over Lenin av sitt eget arbeid - "en av de beste." Vera Mukhina er også dannet som en mester på 20-tallet. I løpet av denne perioden lager hun et prosjekt for monumentet "Emancipated Labour" (1920, ikke bevart), "Peasant Woman" (1927). Av de mer modne mestrene er arbeidet til Sarah Lebedeva, som skapte portretter, kjent. I formforståelsen tar hun hensyn til impresjonismens tradisjoner og erfaring. Alexander Matveev er preget av klassisk klarhet i å forstå det konstruktive grunnlaget for plastisitet, harmonien mellom skulpturelle masser og forholdet mellom volumer i rommet ("Undressing Woman", "Woman Putting on a Shoe"), samt den berømte "oktober" (1927), hvor 3 nakne menn er inkludert i komposisjonen figurer - en kombinasjon av klassiske tradisjoner og idealet om "mannen fra revolusjonens æra" (attributter - sigd, hammer, budenovka).

Kunstformer som var i stand til å «leve» på gata de første årene etter revolusjonen, spilte en avgjørende rolle i «utformingen av det revolusjonære folks sosiale og estetiske bevissthet». Derfor, sammen med monumental skulptur, fikk den politiske plakaten den mest aktive utviklingen. Det viste seg å være den mest mobile og operative kunstformen. Under borgerkrigen ble denne sjangeren preget av følgende egenskaper: "skarpheten i presentasjonen av materialet, den øyeblikkelige reaksjonen på raskt skiftende hendelser, propagandaorienteringen, takket være at hovedtrekkene i plakatens plastiske språk var dannet. De viste seg å være lakonisme, konvensjonaliteten til bildet, klarheten i silhuetten og gesten. Plakater var ekstremt vanlige, trykket i store mengder og hengt opp overalt. En spesiell plass i utviklingen av plakaten er okkupert av ROSTA Windows of Satire, der Cheremnykh, Mikhail Mikhailovich og Vladimir Mayakovsky spilte en enestående rolle. Dette er sjablongerte plakater, håndkolorerte og med poetiske inskripsjoner om dagens tema. De spilte en enorm rolle i politisk propaganda og ble en ny figurativ form. Den kunstneriske utformingen av festlighetene er et annet nytt fenomen innen sovjetisk kunst som ikke hadde en tradisjon. Høytidene inkluderte merkedagene for oktoberrevolusjonen, 1. mai, 8. mars og andre sovjetiske høytider. Dette skapte en ny utradisjonell kunstform som ga maleriet et nytt rom og funksjon. For høytidene ble det laget monumentale paneler, som var preget av en enorm monumental propagandapatos. Kunstnere laget skisser for utforming av torg og gater.

Følgende personer deltok i utformingen av disse høytidene: Petrov-Vodkin, Kustodiev, E. Lansere, S. V. Gerasimov.

Sovjetisk kunsthistorie delte mesterne av sovjetisk maleri fra denne perioden i to grupper:

• - kunstnere som søkte å fange handlingene i det vanlige billedspråket med faktavisning;
• - kunstnere som brukte en mer kompleks, figurativ oppfatning av modernitet.

De skapte symbolske bilder der de prøvde å uttrykke sin "poetiske, inspirerte" oppfatning av epoken i sin nye tilstand. Konstantin Yuon skapte et av de første verkene dedikert til bildet av revolusjonen (New Planet, 1920, State Tretyakov Gallery), hvor begivenheten tolkes på en universell, kosmisk skala. Petrov-Vodkin i 1920 skapte maleriet "1918 i Petrograd (Petrograd Madonna)", og løste i det datidens etiske og filosofiske problemer. Arkady Rylov, som det ble antatt, i sitt landskap "In the Blue Space" (1918) tenker også symbolsk, og uttrykker "menneskehetens frie pust, som rømmer inn i verdens vidder, til romantiske oppdagelser, til frie og sterke opplevelser ."

Grafikken viser også nye bilder. Nikolai Kupreyanov "søker i den komplekse teknikken med tregravering å uttrykke sine inntrykk av revolusjonen" ("pansrede biler", 1918; "Volley of Aurora", 1920). På 1930-tallet ble monumentalmaleriet en uunnværlig del av hele den kunstneriske kulturen. Det var avhengig av arkitekturens utvikling og var fast forbundet med det. Førrevolusjonære tradisjoner ble videreført på den tiden av den tidligere World of Art-kunstneren Evgeny Lansere - maleriet av restauranthallen på Kazan Station (1933) demonstrerer hans trang til en mobil barokkform. Den bryter gjennom takets plan og utvider plassen utover. Deineka, som også på denne tiden gir et stort bidrag til monumentalmaleriet, jobber på en annen måte. Mosaikkene hans fra Mayakovskaya-stasjonen (1938) ble laget med en moderne stil: skarpheten i rytmen, dynamikken til lokale fargerike flekker, energien til vinkler, konvensjonene for å skildre figurer og objekter. Temaer er for det meste sport. Favorsky, en kjent grafiker, ga også et bidrag til monumentalt maleri: han brukte sitt system for formkonstruksjon, utviklet i bokillustrasjon, til nye oppgaver. Veggmaleriene hans på Museum of Maternity and Infancy (1933, sammen med Lev Bruni) og House of Models (1935) viser hans forståelse av flyets rolle, kombinasjonen av freskomaleri og arkitektur basert på erfaringen fra gammelt russisk maleri. (Begge verkene har ikke overlevd).

Konstruktivisme ble den dominerende stilen i arkitekturen på 1920-tallet.

Konstruktivister prøvde å bruke nye tekniske muligheter for å lage enkle, logiske, funksjonelt begrunnede former, hensiktsmessige design. Et eksempel på arkitekturen til sovjetisk konstruktivisme er prosjektene til Vesnin-brødrene. Den mest grandiose av dem - Arbeidspalasset ble aldri satt ut i livet, men hadde en betydelig innvirkning på utviklingen av innenlandsk arkitektur. Dessverre ble også arkitektoniske monumenter ødelagt: bare på 30-tallet. i Moskva ble Sukharev-tårnet, Kristi Frelsers katedral, mirakelklosteret i Kreml, Den røde port og hundrevis av obskure by- og landkirker, hvorav mange var av historisk og kunstnerisk verdi, ødelagt.

I forbindelse med sovjetisk kunsts politiske natur, skapes mange kunstneriske foreninger og grupperinger med egne plattformer og manifester. Kunst var på leting og var mangfoldig. Hovedgrupperingene var AHRR, OST, og også "4 kunster". Association of Artists of Revolutionary Russia ble grunnlagt i 1922. Dens kjerne var sammensatt av tidligere Wanderers, hvis væremåte hadde stor innflytelse på tilnærmingen til gruppen - det realistiske daglige skrivespråket til de avdøde Wanderers, "å gå til folket" og tematiske utstillinger. I tillegg til temaene til maleriene (diktert av revolusjonen), var AHRR preget av organiseringen av tematiske utstillinger som "Life and Life of Workers", "Life and Life of the Red Army".

De viktigste mesterne og verkene til gruppen: Isaac Brodsky ("Lenins tale på Putilov-fabrikken", "Lenin i Smolny"), Georgy Ryazhsky ("Delegat", 1927; "Formann", 1928), portrettmaler Sergei Malyutin (" Portrait of Furmanov", 1922), Abram Arkhipov, Efim Cheptsov ("Meeting of the Village", 1924), Vasily Yakovlev ("Transporten blir bedre", 1923), Mitrofan Grekov ("Tachanka", 1925, senere "To the Kuban" og "Trumpeters of the First Cavalry", 1934). Society of Easel Artists, grunnlagt i 1925, inkluderte kunstnere med mindre konservative synspunkter når det gjelder maleri, hovedsakelig studenter ved VKHUTEMAS. Disse var: Williams "Hamburg-opprøret"), Deineka ("Ved byggingen av nye verksteder", 1925; "Før ned i gruven", 1924; "Defense of Petrograd", 1928), Labas Luchishkin ("Bullen fløy bort" ", "Jeg elsker livet "), Pimenov ("Tungindustri"), Tyshler, Shterenberg og andre. De støttet slagordet om gjenopplivingen og utviklingen av staffelimaleriet, men de ble ikke styrt av realisme, men av erfaringene til samtidens ekspresjonister. Av tema lå de nært til industrialisering, byliv og idrett. Four Arts Society ble grunnlagt av kunstnere tidligere en del av World of Art and the Blue Rose, som brydde seg om malerkulturen og språket. De mest fremtredende medlemmene av foreningen: Pavel Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Saryan, Favorsky og mange andre fremragende mestere. Samfunnet var preget av en filosofisk bakgrunn med et adekvat plastisk uttrykk. Society of Moscow Artists inkluderte tidligere medlemmer av foreningene "Moscow Painters", "Makovets" og "Genesis", samt medlemmer av "Jack of Diamonds". De mest aktive artistene: Pyotr Konchalovsky, Ilya Mashkov, Lentulov, Alexander Kuprin, Robert Falk, Vasily Rozhdestvensky, Osmerkin, Sergei Gerasimov, Nikolai Chernyshev, Igor Grabar. Kunstnere skapte "tematiske" malerier ved å bruke den akkumulerte "diamanten" og så videre. trender i avantgardeskolen. Kreativiteten til disse gruppene var et symptom på det faktum at bevisstheten til mesterne i den eldre generasjonen prøvde å tilpasse seg nye realiteter. På 1920-tallet ble det holdt to store utstillinger som konsoliderte trendene - til 10-årsjubileet for oktober og Den røde hær, samt "Utstillingen for kunst fra USSRs folk" (1927).

Den ledende sfæren for utvikling av litteratur på 20-tallet. er utvilsomt poesi. Formmessig har det litterære livet stort sett forblitt det samme. Som på begynnelsen av århundret var det litterære kretser som var toneangivende, mange av dem overlevde de blodig harde tidene og fortsatte å operere på 20-tallet: symbolister, fremtidsforskere, akmeister osv. Nye kretser og assosiasjoner oppstår, men rivaliseringen mellom de går nå utover de kunstneriske sfærene og får ofte politiske overtoner. Foreningene RAPP, Pereval, Serapionov Brothers og LEF var av størst betydning for litteraturens utvikling.

RAPP (Russian Association of Proletarian Writers) tok form på I All-Union Conference of Proletarian Writers i 1925. Den inkluderte forfattere (blant de mest kjente A. Fadeev og D. Furmanov) og litteraturkritikere. Forgjengeren til RAPP var Proletkult, en av de mest massive organisasjonene som ble grunnlagt i 1917. De behandlet som "klassefiender" nesten alle forfattere som ikke var medlemmer av deres organisasjon. Blant forfatterne som ble angrepet av RAPP-medlemmene var ikke bare A. Akhmatova, Z. Gippius, I. Bunin, men til og med slike anerkjente «revolusjonens sangere» som M. Gorky og V. Mayakovsky. Den ideologiske motstanden mot RAPP var sammensatt av den litterære gruppen "Pass".

Serapion Brothers-gruppen ble opprettet i 1921 i Petrograd House of Arts. Gruppen inkluderte så kjente forfattere som V. Ivanov, M. Zoshchenko, K. Fedin og andre.

LEF - kunstens venstre front. Stillingene til medlemmene av denne organisasjonen (V. Mayakovsky, N. Aseev, S. Eisenstein og andre) er svært motstridende. Ved å kombinere futurisme med innovasjon i proletarens ånd, kom de opp med en veldig fantastisk idé om å skape en slags "produktiv" kunst, som skulle utføre i samfunnet den utilitaristiske funksjonen å gi en gunstig atmosfære for materiell produksjon. Kunst ble betraktet som et element i teknisk konstruksjon, uten noen undertekst, fiksjon om psykologisme, etc.

Av stor betydning for utviklingen av russisk litteratur i det tjuende århundre. spilte det poetiske verket til V. Ya. Bryusov, E. G. Bagritsky, O. E. Mandelstam, B. L. Pasternak, D. Poor, "bonde" poeter, hvis klareste representant var Yesenins venn N. A. Klyuev. En spesiell side i russisk litteraturhistorie er arbeidet til diktere og forfattere som ikke aksepterte revolusjonen og ble tvunget til å forlate landet. Blant dem er slike navn som M. I. Tsvetaeva, Z. N. Gippius, I. A. Bunin, A. N. Tolstoy, V. V. Nabokov. Noen av dem, som innså umuligheten for seg selv å bo borte fra hjemlandet, kom deretter tilbake (Tsvetaeva, Tolstoy). Modernistiske tendenser i litteraturen manifesterte seg i arbeidet til E. I. Zamyatin, forfatteren av den fantastiske dystopiske romanen "Vi" (1924). Satirisk litteratur fra 20-tallet. representert ved historier av M. Zosjtsjenko; romaner av medforfatterne I. Ilf (I.A. Fainzilberg) og E. Petrov (E.P. Kataev) "De tolv stolene" (1928), "Gullkalven" (1931), etc.

På 30-tallet. flere store verk dukket opp som kom inn i russisk kulturs historie. Sholokhov skaper romanene "Quiet Flows the Don", "Virgin Soil Upturned". Sholokhovs arbeid fikk verdensomspennende anerkjennelse: for sine litterære fortjenester ble han tildelt Nobelprisen. På trettitallet fullførte M. Gorky sin siste episke roman, The Life of Klim Samgin. Arbeidet til N. A. Ostrovsky, forfatteren av romanen "How the Steel Was Tempered" (1934), var veldig populært. A. N. Tolstoy ("Peter I" 1929-1945) ble en klassiker av den sovjetiske historiske romanen. Tjue- og trettitallet var barnelitteraturens storhetstid. Flere generasjoner av sovjetiske mennesker vokste opp på bøkene til K. I. Chukovsky, S. Ya. Marshak, A. P. Gaidar, S. V. Mikhalkov, A. L. Barto, V. A. Kaverin, L. A. Kassil, V P. Kataeva.

I 1928, trakassert av sovjetisk kritikk, begynte M. A. Bulgakov, uten noe håp om publisering, å skrive sin beste roman, Mesteren og Margarita. Arbeidet med romanen fortsatte til forfatterens død i 1940. Dette arbeidet ble utgitt først i 1966. På slutten av 80-tallet ble verkene til A.P. Platonov (Klimentov) "Chevengur", "Grop", "Juvenile Sea" publisert . Poetene A. A. Akhmatova, B. L. Pasternak jobbet "på bordet". Skjebnen til Mandelstam (1891-1938) er tragisk. Poeten med ekstraordinær styrke og stor figurativ nøyaktighet var blant forfatterne som, etter å ha akseptert oktoberrevolusjonen i sin tid, ikke kunne komme overens i Stalins samfunn. I 1938 ble han undertrykt.

På 30-tallet. Sovjetunionen begynner gradvis å skjerme seg fra resten av verden. Bak «Jernteppet» sto mange russiske forfattere som til tross for alt fortsetter å jobbe. Forfatteren av første størrelse var poeten og prosaforfatteren Ivan Alekseevich Bunin (1870-1953). Bunin godtok ikke revolusjonen helt fra begynnelsen og emigrerte til Frankrike (historien "Mityas kjærlighet", romanen "The Life of Arsenyev", novellesamlingen "Dark Alleys"). I 1933 ble han tildelt Nobelprisen.

Tidlig på 30-tallet. eksistensen av frie kreative sirkler og grupper tok slutt. I 1934, på den første allunionskongressen for sovjetiske forfattere, ble "Union of Writers" organisert, der alle mennesker engasjert i litterært arbeid ble tvunget til å bli med. Forfatterforbundet er blitt et instrument for total maktkontroll over den kreative prosessen. Det var umulig å ikke være medlem av Unionen, for i dette tilfellet ble forfatteren fratatt muligheten til å publisere verkene sine og kunne dessuten bli tiltalt for «snyltere». M. Gorky sto ved opprinnelsen til denne organisasjonen, men hans formannskap i den varte ikke lenge. Etter hans død i 1936 ble A. A. Fadeev styreleder. I tillegg til Forfatterforeningen ble det organisert andre "kreative" fagforeninger: Kunstnerforbundet, Arkitektforbundet, Komponistforbundet. En periode med enhetlighet begynte i sovjetisk kunst.

Revolusjonen utløste mektige kreative krefter. Dette påvirket også utviklingen av innenlandsk teaterkunst. Tallrike teatergrupper vokste opp. Bolshoi Drama Theatre i Leningrad, hvor den første kunstneriske lederen var A. Blok, spilte en viktig rolle i utviklingen av teaterkunst. V. Meyerhold, teatret. E. Vakhtangov, Moskva teater. Moskva bystyre.

På midten av 20-tallet dateres fremveksten av sovjetisk dramaturgi, som hadde en stor innvirkning på utviklingen av teaterkunst, tilbake. De viktigste begivenhetene i teatersesongene 1925-1927. stål "Storm" V. Bill-Belotserkovsky i teatret. MGSPS, «Love Yarovaya» av K. Trenev ved Maly Theatre, «The Rupture» av B. Lavrenev på Theatre. E. Vakhtangov og ved Bolshoi Drama Theatre, “Pansertog 14-69” av V. Ivanov ved Moskva kunstteater. Klassikerne inntok en sterk plass på teaterrepertoaret. Forsøk på å lese den på nytt ble gjort både av akademiske teatre (A. Ostrovsky's Hot Heart ved Moscow Art Theatre) og av "venstreorienterte" ("The Forest" av A. Ostrovsky og N. Gogols "Inspector General" ved V. Meyerhold teater).

Hvis dramateatrene gjenoppbygde repertoaret sitt innen slutten av det første sovjetiske tiåret, var hovedplassen i aktivitetene til opera- og ballettgrupper fortsatt okkupert av klassikerne. Den eneste store suksessen med å reflektere det moderne temaet var iscenesettelsen av R. Glières ballett Den røde valmue (Den røde blomst). I landene i Vest-Europa og Amerika har L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanova, N.S. Golovanov, troppen til Moskva kunstteater, kammerteateret, studioet. E. Vakhtangov, Kvartett av gamle russiske instrumenter

Det musikalske livet i landet i disse årene er assosiert med navnene til S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, I. Dunaevsky og andre. Unge dirigenter E. Mravinsky, B. Khaikin kom i forgrunnen. Det ble opprettet musikalske ensembler, som senere glorifiserte den hjemlige musikalske kulturen: Kvartetten. Beethoven, Grand State Symphony Orchestra, State Philharmonic Orchestra, etc. I 1932 ble Union of Composers of the USSR dannet.

Sammen med skuespillerne fra den eldre generasjonen (M. N. Ermolova, A. M. Yuzhin, A. A. Ostuzhev, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova), dukket det opp et nytt revolusjonært teater. Jakten på nye sceneuttrykk er karakteristisk for teatret som arbeidet under ledelse av V. E. Meyerhold (nå Meyerhold Teater). V. Mayakovskys skuespill Mystery Buff (1921), Veggelusen (1929) og andre ble satt opp på scenen til dette teatret. Et stort bidrag til utviklingen av teatret ble gitt av direktøren for det tredje studioet til Moskva kunstteater; arrangøren og lederen av Kammerteateret, scenekunstreformatoren A. Ya. Tairov.

Et av de viktigste og mest interessante fenomenene i kulturhistorien på 20-tallet. var begynnelsen på utviklingen av sovjetisk kino. Dokumentarfilmskaping utvikler seg, som har blitt et av de mest effektive verktøyene for ideologisk kamp og agitasjon sammen med plakaten. En viktig milepæl i utviklingen av fiksjonskino var filmen av Sergei Mikhailovich Eisenstein (1898 - 1948) "Slagskipet Potemkin" (1925), som ble et av verdens mesterverk. Symbolistene, futuristene, impresjonistene, imagistene osv. ble anklaget for «formalistiske særheter», at kunsten deres ikke var nødvendig av det sovjetiske folket, at den var fiendtlig mot sosialismen. Komponist D. Shostakovich, regissør S. Eisenstein, forfattere B. Pasternak, Yu. Olesha og andre var blant de "fremmede" Mange kunstnere ble undertrykt.

politisk kultur totalitarisme ideologi

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.

postet på http://www.allbest.ru/

Utdanningsdepartementet i den russiske føderasjonen

Magnitogorsk State University

Test

Kunstnere fra 20- og 30-tallet

Fullført av: Timeeva Alena

Magnitogorsk 2001

Introduksjon

Oktober 1917 åpnet en ny æra, ikke bare i det sosiale livet, men også i kunstens liv. Enhver revolusjon ødelegger noe, og så begynner skapelsen av en ny. Det som finner sted er ikke en enkel utvikling, men en avgjørende gjenopprustning av grunnlaget for de tidligere sosiale, politiske, ideologiske og andre typer strukturer, inkludert kunst.

Revolusjonen reiste minst to problemer. Det første problemet er kunstens klassenatur. Et forsøk på å knytte den tett sammen med klassekampen førte til en forvrengning av dens multifunksjonelle natur. En spesielt skarpt forenklet forståelse av kunstens klassenatur manifesterte seg i aktivitetene til den beryktede proletkulten. Kampelementet førte til ødeleggelse av kulturminner, forårsaket ikke bare av militære operasjoner under borgerkrigen og utenlandsk intervensjon, men også av en politikk rettet mot å knuse den borgerlige kulturen. Dermed ble mange skulpturelle monumenter, verk av gammel arkitektur knyttet til religiøs tilbedelse revet eller ødelagt.

Det andre problemet er problemet med klassepolitikk i kunsten. Alle krefter var involvert i løsningen: «borgerlige» og «proletariske», destruktive og konstruktive, sovjetiske og ikke-sovjetiske, «venstre» og «høyre», kulturelle og uvitende, profesjonelle og amatører.

Prinsippene for sosial utvikling som ble forkynt av staten, bestemte i stor grad kunstens gradvise bevegelse. En slags lagdeling av krefter fant sted, fra tillegget ble det dannet en vektor av den virkelige tilstanden. På den ene siden er dette kraften til selvutvikling av kunst, som påvirket bevegelsesmønstrene til former inneholdt i den kunstneriske kreativitetens natur; på den annen side innflytelsen fra sosiale krefter, offentlige institusjoner, interessert i denne og ikke en annen kunstbevegelse, i dens bestemte former. På den tredje - diktatene til statspolitikken, som, ved å stole på sosiale krefter eller ikke stole på dem, hadde en ubetinget innvirkning på kunstens struktur, på dens essens, på dens evolusjonære og revolusjonære potensial. Fra slutten av 1920-tallet begynte politikken tydeligvis å forvrenge den normale prosessen med kunstens utvikling, å utøve et visst press på den ved å forby eller fordømme visse «ikke-proletariske» manifestasjoner.

Kunstnere og kunstforeninger på 20-tallet.

1920-tallet var en turbulent tid for kunsten. Det var mange forskjellige fraksjoner. Hver av dem la frem en plattform, hver snakket med sitt eget manifest. Kunst, besatt av ideen om å søke, var mangfoldig; det sydet og sydet, og prøvde å holde tritt med tiden og se inn i fremtiden.

De mest betydningsfulle grupperingene hvis erklæringer og kreative praksis reflekterte de viktigste kreative prosessene på den tiden var AHRR, OST og de "4 kunstene" (8, s. 87).

AHRR-gruppen (Association of Artists of Revolutionary Russia) oppsto i 1922 (i 1928 ble den omdøpt til AHRR - Association of Artists of the Revolution). Kjernen i AHRR ble hovedsakelig dannet fra tidligere medlemmer av Association of Travelling Exhibitions. Erklæringen fra AHRR ble nedfelt i utstillingskatalogen fra 1922: "Vår borgerplikt overfor menneskeheten er den kunstneriske og dokumentariske fangsten av det største øyeblikket i historien i dets revolusjonære utbrudd. Vi vil skildre i dag: livet til Den røde hær, livet til arbeidere, bønder, revolusjonære og arbeidshelter".

AHRR-kunstnere forsøkte å gjøre maleriet sitt tilgjengelig for datidens massepublikum. I sitt arbeid brukte de ofte mekanisk det daglige skrivespråket til avdøde Wanderers. AHRR organiserte en rekke tematiske kunstutstillinger, selve navnene på disse er: "Life and Life of Workers" (1922), "Life and Life of the Red Army" (1923), "Revolution, Life and Labor" (1924 - 1925), "Life and Life of Peoples USSR" (1926) - de snakker om oppgavene med direkte refleksjon av moderne virkelighet.

Det særegne ved praksisen til "Akhrovitene" var at de dro til fabrikker og anlegg, til den røde hærens brakker for å observere livet og livet til heltene deres der. Under forberedelsen av utstillingen "Life and Life of the Peoples of the USSR", besøkte deltakerne de mest avsidesliggende hjørnene av det sovjetiske landet og brakte tilbake et betydelig antall skisser som dannet grunnlaget for deres verk. AHRR-kunstnerne spilte en viktig rolle i å mestre nye temaer, og påvirket representanter for ulike kunstneriske grupper på den tiden.

Kreativitet skiller seg ut blant AHRR-artister I.I.Brodsky(1883 - 1939), som satte som sin oppgave en nøyaktig, dokumentarisk gjengivelse av revolusjonens hendelser og helter. Hans lerreter dedikert til aktivitetene til V.I. Lenin. Fødselen til den pittoreske Leniniana var basert på Brodskys maleri fra 1929 "Lenins tale på Putilovfabrikken", og et av hans mest kjente verk "Lenin i Smolnyj" (1930), som skildrer Lenin på kontoret hans på jobb. Brodsky så Lenin mange ganger og laget skisser av ham (12, s. 92).

Brodskys verk har en viktig kvalitet – autentisitet, som er av stor historisk og kognitiv betydning. Ønsket om dokumentar førte imidlertid noen ganger til en empirisk, naturalistisk tolkning av hendelsen. Den kunstneriske betydningen av Brodskys malerier ble også redusert av den tørre naturalismen og kostholdsfargene som var karakteristiske for en betydelig del av verkene hans.

Mester av portrett-maleriet G.G.Ryazhsky(1895 - 1952) sluttet seg til AHRR i 1923. Hans mest kjente verk er "Delegate" (1927) og "Chairwoman" (1928), der kunstneren avslører de typiske sosiopsykologiske trekkene til en kvinne i et nytt samfunn, en aktiv deltaker i det industrielle og sosiale livet i landet. Hans "Chairwoman" er en aktivistarbeider. I hennes holdning avsløres gester, selvfølelse, løshet som bevis på kvinnens posisjon i et nytt arbeidssamfunn.

Blant portrettmalerne til AHRR ble en fremtredende rolle spilt av S.V.Malyutin(1859 - 1937). Portrettgalleriet han startet før revolusjonen ble i sovjettiden supplert med portretter av V.K. Byalynitsky-Biruli, A.V. Lunacharsky og mange andre. Blant dem avslører det mest interessante portrettet av Dmitry Furmanov, malt i 1922, overbevisende bildet av en krigerskribent, en representant for den nye, sovjetiske intelligentsiaen.

En aktiv deltaker i AHRR-utstillingene var en stor russisk maler fra begynnelsen av 1800- og 1900-tallet. A.E. Arkhipov. På 1920-tallet skapte Arkhipov bilder av bondekvinner - "Kvinne med en kanne", "Bondekvinne i et grønt forkle", "Bondekvinne med et rosa skjerf i hånden", etc. Disse maleriene ble malt med en bred pensel, temperamentsfullt og fargerikt.

Nær observasjon og oppmerksomhet på nye livsfenomener preget arbeidet til E.M. Cheptsov (1874 - 1943), som videreførte de vandrende tradisjonene innen dagligdags sjanger. Allment kjent er maleriet hans «Møte i landsbycellen» (1924), som skildrer landsbyaktivister i revolusjonens første år. Forfatterens observasjon og oppriktighet, enkelheten i karakterenes utseende, kunstløsheten til tilbehøret rundt gjorde Cheptsovs lille, beskjedne maleri til et av de mest interessante eksemplene på AHRR-kunst.

Det samme kan sies om et av verkene til landskapsmaleren B.N. Yakovlev (1880 - 1972). Hans «Transporten blir bedre» (1923) er en beskjeden og samtidig en dyp fortelling om den vanskelige epoken i revolusjonens første år, om menneskers daglige arbeid. Rolig og enkelt malt er dette maleriet et av de første eksemplene på et industrilandskap i sovjetisk maleri.

En spesiell plass i maleriet av AHRR er okkupert av arbeidet til M.B. Grekov (1882-1934) - grunnleggeren av kampsjangeren i sovjetisk kunst. I halvannet tiår – til slutten av livet – var han opptatt med å lage en serie malerier dedikert til First Cavalry Army, hvis kampanjer og kamper kunstneren deltok. I hans arbeid, spesielt i den tidlige perioden, gjør tradisjonene til Vereshchagin tydelig seg gjeldende. Grekovs hovedperson er menneskene som tok på seg alle krigens vanskeligheter. Grekovs verk er livsbekreftende. I slike malerier fra midten av 1920-tallet som "Tachanka" (1925), er den omreisende nøyaktigheten til bildet kombinert med romantisk oppstemthet. Senere, i fortsettelsen av den originale billedkrønikken til First Cavalry Army, lager Grekov episke lerreter, blant hvilke maleriene "To the Kuban" og "Trumpeters of the First Cavalry Army" skiller seg ut (begge - 1934).

Sammen med AHRR, som inkluderte kunstnere fra eldre og mellomgenerasjoner, som allerede på tidspunktet for revolusjonen hadde omfattende kreativ erfaring, ble en aktiv rolle i det kunstneriske livet i disse årene spilt av OST-gruppen (Society of Easel Painters) , organisert i 1925. Det forente den kunstneriske ungdommen ved det første sovjetiske kunstuniversitetet - VHU-TEMAS. (3)

Foreningens hovedoppgave var kampen for gjenoppliving og videreutvikling av staffelimalerier over et moderne tema eller med moderne innhold. Imidlertid hadde de kreative ambisjonene og metodene til OST-kunstnerne karakteristiske forskjeller. De strebet etter å reflektere i individuelle fakta de nye kvalitetene til deres samtidsepoke i forhold til den forrige epoken. Hovedtemaet deres var industrialiseringen av Russland, nylig fortsatt agrarisk og tilbakestående, ønsket om å vise dynamikken i forholdet mellom moderne produksjon og mennesket.

En av de mest talentfulle representantene for OST-gruppen var A.A.Deineka. De nærmeste OST-erklæringene er maleriene hans: "Ved byggingen av nye verksteder" (1925), "Før du går ned i gruven" (1924), "Fotballspillere" (1924), "Tekstilarbeidere" (1926). Den figurative patosen til Deineka, Ostovets, fant en vei ut i journalistisk grafikk, der kunstneren fungerte som illustratør i magasiner for generell lesning - som "Ved maskinen", "De gudløse ved maskinen", "Spotlight" , "Ungdom", etc. Det sentrale verket Deineka fra Ostovo-perioden ble maleriet "Defense of Petrograd", skrevet i 1928 for den tematiske utstillingen "10 Years of the Red Army". Dette verket avslører hovedpatosen og meningen med de innovative tradisjonene til OST, de mest livgivende og utviklet i den sovjetiske kunsten i påfølgende perioder. Deineka legemliggjorde i dette bildet all originaliteten i stilen hans, reduserte uttrykksmidlene til et minimum, men gjorde dem svært aktive og effektive (8, s. 94).

Av de andre medlemmene av OST, Yu.I. Pimenov, P.V. Williams, S.A. Luchishkin. Verkene "Heavy Industry" av Pimenov, "Hamburg Uprising" av Williams, "The Ball Has Flew" og "I Love Life" av Luchishkin, skapt i samme periode, avslørte og reflekterte innovativt de viktige egenskapene til moderne virkelighet,

I motsetning til Ostovo-gruppen, som var ungdommelig i sin sammensetning, var det to andre kreative grupper som inntok en viktig plass i det kunstneriske livet i disse årene - "4 Arts" og OMX. (Society of Moscow Artists), - forente mestrene fra den eldre generasjonen, som ble kreativt dannet tilbake i førrevolusjonær tid, som behandlet problemene med å bevare billedkulturen med spesiell ærbødighet og anså dens språk og plastiske form for å være en svært viktig del av arbeidet. The 4 Arts Society oppsto i 1925. De mest fremtredende medlemmene av denne gruppen var P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin, M.S. Saryan, N.P. Ulyanov, K.N. Istomin, V.A. Favorsky.

Verkene til Petrov-Vodkin - som "Etter slaget" (1923), "Piken ved vinduet" (1928), "Angst" (1934), uttrykker best den etiske betydningen av forskjellige perioder - milepæler i utviklingen av det sovjetiske samfunnet. Hans maleri "The Death of a Commissar" (1928), som Deinekas "Defense of Petrograd", malt i forbindelse med utstillingen "10 Years of the Red Army", i motsetning til den spesifikke publisismen - grunnlaget for Deinekas figurative beslutninger - gir sin egen filosofiske løsning på oppgaven: gjennom fakta som generaliserer ideer om hendelser som finner sted på hele planeten Jorden, gjennom å avsløre den etiske essensen av disse hendelsene. En kommissær er en person som både i livet og i sin død utfører en bragd i menneskehetens navn. Bildet hans er et uttrykk for uovervinneligheten til lyse ideer som vil vinne i fremtiden, uansett og til tross for døden til de mest aktive bærerne av disse ideene. Avskjedsblikket til den døende kommissæren er som et avskjedsord til en avdeling av krigere før et angrep - han er full av tro på seier.

Filosofiske ideer til Petrov-Vodkin finner tilstrekkelig plastisk uttrykk. Det avbildede rommet strekker seg som det var over planetens sfæriske overflate. Kombinasjonen av direkte og omvendt perspektiv formidler overbevisende og skarpt det "planetariske" panoramaet av det som skjer. Figurative problemer er tydelig løst i det koloristiske systemet. I sitt maleri følger kunstneren prinsippet om tricolor, som om han legemliggjorde jordens hovedfarger: kald blå luft, blått vann; brun-rød jord; grøntområder i planteverdenen.

Et betydelig merke i historien til sovjetisk maleri ble etterlatt av kunstnerne i OMX-gruppen, organisert i 1927. Mange av dem ble nær hverandre i de førrevolusjonære årene i foreningen "Jack of Diamonds". De mest aktive i OMChe var P.P. Konchalovsky, I.I. Mashkov, A.V. Lentulov, A.V. Kuprin, R.R. Falk, V.V. Rozhdestvensky, A.A. Osmerkin. kunst portrett kunstnerisk

I sin erklæring sa OMHa-kunstnerne: "Vi krever av kunstneren den største effektiviteten og uttrykksevnen til de formelle aspektene ved hans arbeid, som er uatskillelige fra den ideologiske siden av sistnevnte." I dette programmet er det en tilhørighet til "4 Arts"-gruppen.

En av de mest fremtredende eksponentene for dette programmet i den sovjetiske kunsten i de første årene var P.P. Konchalovsky. Han forsøkte å kombinere "diamanter"-tendenser med arven fra russiske realistiske kunstnere, noe som i stor grad utvidet hans kreative utvalg og hjalp ham mer organisk å gå inn i sovjetisk kunst på 1920-tallet. Mesterens verk som "Selvportrett med sin kone" (1922), "Portrett av O.V. Konchalovskaya" (1925), "Portrett av Natasjas datter" (1925) er preget av koloristisk integritet med intensiteten til individuelle farger. I de samme årene ble P.P. Konchalovsky gjør et forsøk på å lage tematiske malerier, blant dem de beste er Novgorodians (1921) og From the Fair (1926). Kunstneren er interessert i de tradisjonelle bildene av "russiske bønder" - kraftige, tykke, levende omgitt av kjente gjenstander, i henhold til lovene til gamle skikker, og sammen med deres miljø utgjør noe typisk nasjonalt.

Kunstnere og kunstforeninger på 30-tallet.

1930-tallet i den sovjetiske kunsthistorien er en vanskelig periode, som gjenspeiler selve motsetningene i virkeligheten. Etter å ha oppfattet de betydelige endringene som fant sted i samfunnet, industrialiseringens patos, la kunstens mestere samtidig knapt merke til store sosiale motsetninger, ga ikke uttrykk for sosiale konflikter knyttet til styrkingen av Stalins personkult (1).

Den 23. april 1932 vedtok sentralkomiteen i partiet en resolusjon "Om restrukturering av litterære og kunstneriske organisasjoner." Dette dekretet eliminerte alle tidligere eksisterende kunstneriske grupperinger og indikerte de generelle måtene og formene for stabilisering og utvikling av alle de kreative kreftene til sovjetisk kunst. Resolusjonen svekket konfrontasjonen mellom enkeltforeninger, som ble så forverret på begynnelsen av 1920- og 1930-tallet. Men på den annen side forsterket ensrettingstendensene i kunstnerlivet. Avantgarde-eksperimenter som gjorde seg gjeldende på 1920-tallet ble avbrutt. Det utspant seg en kamp mot den såkalte formalismen, som et resultat av at mange kunstnere ble tvunget til å forlate sine tidligere erobringer.

Opprettelsen av en enkelt union falt sammen med etableringen av prinsippet om sosialistisk realisme, formulert av A.M. Gorky på den første allunionskongressen for sovjetiske forfattere. Sosialistisk realisme antok arven til tradisjonene for realistisk kunst på 1800-tallet. og siktet kunstnere til å skildre virkeligheten i dens revolusjonerende utvikling. Imidlertid, som den videre utøvelse av sovjetisk kunst viste, viste begrepet "sosialistisk realisme" seg å være utilstrekkelig kapasitet og tilstrekkelig til de komplekse og flerlagede tendensene til den nye kulturen. Dens formelle anvendelse på kunstnerisk praksis ga den ofte rollen som en dogmatisk bremse på utviklingen av kunst. Under vilkårene for sosial omstilling på 1980-tallet var begrepet «sosialistisk realisme» gjenstand for diskusjon i fagmiljøer på ulike nivåer.

Mange progressive trender som dukket opp på 20-tallet fortsetter å utvikle seg på 30-tallet. Dette gjelder for eksempel det fruktbare samspillet mellom ulike nasjonale skoler.

Kunstnere fra alle republikkene i Sovjetunionen deltar i de store kunstutstillingene som ble arrangert på 1930-tallet. Samtidig arrangeres republikanske utstillinger i Moskva i forbindelse med tiårene med nasjonal kunst. Spørsmål om nasjonal kunst er spesielt opptatt av kunstnerne i broderrepublikkene.

På 1930-tallet utvidet praksisen med statlige ordrer og kreative forretningsreiser for kunstnere. Store utstillinger blir organisert: "15 år med den røde hæren", "20 år med den røde hæren", "20 år med Komsomol", "sosialismens industri", "Utstilling av de beste verkene av sovjetisk maleri", etc. Sovjetiske kunstnere deltar i internasjonale utstillinger i Paris og New York, utfører verk for All-Union Agricultural Exhibition i Moskva, i forbindelse med utarbeidelsen av hvilken et betydelig antall monumentale og dekorative verk ble skapt, som i hovedsak betydde en viktig stadium i gjenopplivingen av monumentalmaleriet som en selvstendig kunstform som hadde sine egne mål og mønstre. I disse verkene kom den sovjetiske kunstens tiltrekning til monumentalisme til uttrykk.

En av de viktigste representantene for staffelimaleri i denne perioden er kunstneren Boris Vladimirovich Ioganson(1893 - 1973), som i sitt arbeid henvendte seg til de høyeste tradisjonene for russisk maleri på XIX århundre. Han tolker arven til Surikov og Repin, og introduserer nytt revolusjonerende innhold i verkene sine, i samsvar med epoken. Fra dette synspunktet er Iogansons malerier «Interrogation of the Communists» (1933) og «At the Old Ural Plant» (1937) spesielt viktige.

Maleriet «Forhør av kommunister» ble stilt ut for første gang på utstillingen «15 år med den røde hær». I den viste kunstneren kommunistene som sto opp for å forsvare det revolusjonære fedrelandet, og deres motstandere - de hvite garde, som prøvde å kvele den sovjetiske staten under borgerkrigen. Kunstneren utfører sin historiske generalisering i tradisjonen til Repin, gjennom demonstrasjon av en spesifikk handling i en spesifikk setting. Vi kjenner ikke navnene på personene som er avbildet her, jo mer historisk blir bildet som helhet oppfattet av oss som universelt. Kommunistene i Iogansons maleri er dømt til døden. Men kunstneren viser sin ro, mot, styrke og utholdenhet, som står i kontrast til angsten, nervøsiteten, psykologiske splittelsen som hersker i gruppen av hvite garder, maktesløse ikke bare i denne situasjonen, men som det var i møte med historien .

I maleriet "At the Old Ural Factory", malt for utstillingen "Industry of Socialism", kontrasterer Ioganson bildene av en oppdretter og en arbeider, der han avslører en følelse av begynnende klassebevissthet og indre overlegenhet over utbytteren. Med dette maleriet viste kunstneren den historiske konflikten mellom det gamle og det nye, det reaksjonære og det progressive, og bekreftet de revolusjonæres og de progressives seirende makt. Dette er de nye karakteristiske trekkene ved den sovjetiske historisk-revolusjonære sjangeren på eksemplet med Iogansons maleri.

Et spesielt sted i denne perioden er mangefasettert i bilder, temaer og kreativitetssjangre Sergei Vasilyevich Gerasimov. Det mest slående verket av den historiske sjangeren i hans arbeid er maleriet "De sibirske partisaners ed" (1933), slående i sin åpne uttrykksevne, avslørte koloristiske uttrykksfullhet, skarpe tegninger og dynamiske komposisjoner. S.V. jobber i den innenlandske sjangeren. Gerasimov ga hovedoppmerksomheten til bondetemaet. For å løse det gikk kunstneren gjennom portrettet og skapte en rekke overbevisende bondebilder. Under byggingen av den kollektive gårdslandsbyen malte han et av de mest slående portrettene, «Kollektivgårdsvakten» (1933). Blant de mest betydningsfulle verkene innen sjangermaleri på 1930-tallet var maleriet Collective Farm Holiday (1937), som ble stilt ut på utstillingen Industry of Socialism. Nøyaktig og konsist karakteriserer dette bildet av den største sovjetiske kunstkritikeren I.E. Grabar: "Da det fantastiske lerretet "Collective Farm Holiday" dukket opp, et av de beste maleriene fra "Industry of Socialism"-utstillingen, ble en ny, ekstraordinær vekst av mesteren åpenbar. Knapt noen av de sovjetiske kunstnerne, bortsett fra Sergei Gerasimov , kunne takle en slik komposisjons-, lys- og fargeoppgave, og til og med ved hjelp av slike enkle midler og teknikker. Det var det mest solrike bildet i russisk maleri under revolusjonen, til tross for at det ble utført i en tilbakeholden plan " (1, s. 189).

"Sangeren" til den sovjetiske bondestanden var Arkady Alexandrovich Plastov(1893 - 1983), assosiert med den russiske landsbyen etter sin opprinnelse. Han ble sterkt påvirket gjennom hele livet av barndommens inntrykk tilbrakt i nær kontakt med naturen, med jorden, med bøndene som bodde på dette landet.

Etter den store sosialistiske oktoberrevolusjonen, akkumulerte Plastov, revet med av arbeid i hjembyen Prislonikhe, og viet fritiden sin til maleri, skisser og inntrykk for sine fremtidige arbeider dedikert til bondelivet. Et av de første betydningsfulle verkene til Plastov - fullt av luft og lys, maleriet "Bathing the Horses" - ble laget av ham for utstillingen "20 Years of the Red Army". For utstillingen "Industry of Socialism" malte Plastov et stort lerret "Collective Farm Holiday". Et annet lysende verk av Plastov på den tiden er "Collective Farm Herd" (1938). Alle disse maleriene viser noen fellestrekk. Plastov tenker ikke på sjangerscenen utenfor landskapet, utenfor russisk natur, alltid tolket på en lyrisk måte, og avslører sin skjønnhet i de enkleste manifestasjoner. Et annet trekk ved Plastovs sjangerverk er fraværet av noen konflikt eller spesielt øyeblikk i plottet valgt av kunstneren. Noen ganger i maleriene hans, som for eksempel i "Kollegårdsbesetningen", er det ingen hendelser i det hele tatt, ingenting skjer. Men samtidig oppnår kunstneren alltid bildets poetiske uttrykksevne.

Talent utviklet seg på sin egen måte på 30-tallet A.A.Deineka. Han fortsatte å holde seg til sine tidligere temaer, plott, favorittbilder, farge og komposisjonssystem. Riktignok mykner malestilen hans noe, eksempler på dette er de beste verkene på 30-tallet - "Mother" (1932), "Lunch Break in the Donbass" (1935), "Future Pilots" (1938). Sport, luftfart, en naken trent kropp, lakonisme og enkelhet i billedspråket, klangfulle kombinasjoner av brun-oransje og blått myknes i noen tilfeller av lyrikk, et øyeblikk av kontemplasjon. Deineka utvidet også den tematiske rammen for arbeidet sitt, inkludert scener fra livet til fremmede land, som dukket opp som et resultat av reiser til USA, Frankrike, Tyskland og Italia.

Et annet tidligere medlem av OST - Yu.I.Pimenov(1903--1977) skapte et av de beste maleriene på 30-tallet "New Moscow" (1937). Landskapet i sentrum av Moskva (Sverdlov-plassen) ser ut til å bli sett fra en bil som kjører fort av en ung kvinne med ryggen mot betrakteren. Nyoppførte bygninger, rask kjøring av en bil, lyse farger, overflod av luft, bredden i rommet og komposisjonens ramme - alt er gjennomsyret av et optimistisk verdensbilde.

På 1930-tallet ble landskapskunsten til G.G. Nissky (1903 - 1987), en tilhenger av Ostovtsy, som adopterte fra dem lakonisme, skarphet i komposisjonelle og rytmiske løsninger. Dette er maleriene hans "Høst" (1932) og "På vei" (1933). I landskapene i Nyssa er menneskets transformative aktivitet alltid synlig.

Av den eldre generasjonens landskapsmalere er arbeidet til N.P. Krymov (1884 - 1958), som i 1937 skapte det berømte maleriet "Morning in the Gorky Central Park of Culture and Leisure in Moscow". En vid panoramautsikt over parken, avstandene som åpner seg bak den, en flat horisontlinje som leder betrakterens øye utover lerretet – alt puster friskhet og romslighet.

A. Rylov, hvis verk ble dannet på begynnelsen av det 20. århundre, i maleriet "Lenin in Razliv" (1934) kombinerer landskapet med den historiske sjangeren, og oppnår en følelse av naturens vidde, tanke, følelse, bekrefter historisk optimisme.

Tiltrekningen til det panoramiske landskapet manifesterte seg i verkene til mange malere fra forskjellige republikker. Denne gravitasjonen var assosiert med den sterke følelsen av moderlandet, hjemlandet, som på 1930-tallet styrket seg og vokste. D.N. Kakabadze (1889 - 1952) i sitt "Imeretian landscape" (1934) gir en bred spredning av de kaukasiske fjellene, som strekker seg i det fjerne - rygg etter rygg, skråning etter skråning. I arbeidet til M.S. Saryan 1930-tallet var også preget av en interesse for det nasjonale landskapet, for panoramautsikt over Armenia.

I denne perioden fikk også portrettsjangeren en fruktbar utvikling, der kunstnerne fra den eldre generasjonen P.P. Konchalovsky, I.E. Grabar, M.V. Nesterov og noen andre.

P.P. Konchalovsky, kjent for sine arbeider i de mest forskjellige sjangre av maleri, skapte en hel serie portretter av figurer fra sovjetisk vitenskap og kunst på 30- og 40-tallet. Blant de beste portrettene av V.V. Sofronitsky ved pianoet (1932), S.S. Prokofiev (1934), V.E. Meyerhold (1937). I disse verkene bringer Konchalovsky sin utmerkede evne til å uttrykke liv gjennom plastfargesystemet. Han kombinerer de beste tradisjonene fra den gamle kunsten med den innovative skarpheten til fargesyn, livsbekreftende, stor følelsesmessig kraftig lyd av bildet.

Det sanne høydepunktet for utviklingen av portretter fra den perioden var verkene til M.V. Nesterov. Gjennom hele sitt arbeid, som forente det 19. og 20. århundre, beholdt Nesterov en levende forbindelse med livet. På 1930-tallet opplevde han en strålende fremgang, og gjenoppdaget talentet sitt som portrettmaler. Den figurative betydningen i Nesterovs portretter er bekreftelsen av den kreative tidsånden gjennom identifiseringen av den kreative patosen til de mest forskjellige menneskene som representerer denne tiden. Kretsen av Nesterovs helter er representanter for den sovjetiske intelligentsiaen til den eldre generasjonen, folk med kreative yrker. Så blant de viktigste verkene til Nesterov er portretter av kunstnere - Korin-brødrene (1930), skulptør I.D. Shadra (1934), akademiker I.P. Pavlov (1935), kirurg S.S. Yudin (1935), billedhugger V.I. Mukhina (1940). Nesterov fungerer som en etterfølger til portretttradisjonene til V.A. Serov. Han legger vekt på egenskaper, legger vekt på gester, karakteristiske stillinger til karakterene hans. Akademiker Pavlov knyttet nevene fast på bordet, og denne posituren avslører sinnsstyrke, som står i kontrast til åpenbar alderdom. Kirurgen Yudin er også avbildet i profil, sittende ved bordet. Men uttrykksevnen til dette bildet er basert på den karakteristiske, "flygende" gesten til hånden som løftes opp. Yudins utstrakte fingre er typiske kirurgfingre, fingernem og sterke, klare til å oppfylle hans vilje. Mukhina er avbildet i skapelsesøyeblikket. Hun skulpturerer en skulptur - med konsentrasjon, uten å ta hensyn til kunstneren, helt adlyde hennes impuls.

Tilbehør er kortfattet gitt i disse portrettene. De er rettmessig og aktivt inkludert i egenskapene til de avbildede menneskene med deres farge, belysning, silhuett. Fargingen av portrettene er dramatisk aktiv, mettet med klangfulle, subtilt harmoniserte tilleggstoner. Dermed kjennetegner den komplekse fargen i Pavlovs portrett, bygget på en kombinasjon av de fineste nyanser av kalde og varme toner, den åndelige klarheten og integriteten til vitenskapsmannens indre verden. Og i portrettet av Korin-brødrene tykner den til dyp blå, svart, rik brun, og uttrykker den dramatiske naturen til deres kreative tilstand. Nesterovs portretter introduserte en fundamentalt ny, livsbekreftende begynnelse i kunsten, kreativ brenning som de mest typiske og levende manifestasjonene av menneskers tilstand i en tid med høy arbeidsentusiasme.

Kunstneren nærmest Nesterov Pavel Dmitrievich Korin(1892 - 1967). Han ble oppdratt blant Palekh-malere, han begynte sin karriere med å male ikoner, og i 1911, etter råd fra Nesterov, gikk han inn på Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur. Korin krevde sterkt av seg selv og folk, og bar denne egenskapen gjennom hele arbeidet sitt. A.M. spilte en betydelig rolle i den kreative utviklingen, og faktisk i kunstnerens liv. Gorkij, som han møtte i 1931. Gorkij hjalp Korin med en utenlandsreise for å studere verdens beste monumenter.

Kanskje det er derfor portrettgalleriet av forskere, kunstnere, forfattere i vår tid, som Korin har laget i mange år, begynte med bildet av A.M. Gorkij (1932). I hovedsak, allerede i dette verket, avsløres hovedtrekkene til portrettmaleren Korin. Portrettet av Gorky er et virkelig monumentalt verk, der en klart definert silhuett, en kontrasterende bakgrunn, en bred fargefylling av store områder av lerretet, en skarp uttrykksfull tegning uttrykker den historiske generaliseringen av forfatterens personlighet. For dette, som for andre portretter av Korin, er et alvorlig utvalg karakteristisk med en overflod av mørkegrå, mørkeblå, noen ganger når svarte toner. Denne skalaen, så vel som den tydelig skulpturerte formen på hodet og figuren til personen som portretteres, uttrykker de emosjonelle egenskapene til kunstnerens natur (6).

På 30-tallet laget Korin portretter av skuespillerne L.M. Leonidov og V.I. Kachalov, kunstner M.V. Nesterov, forfatter A.N. Tolstoy, vitenskapsmann N.F. Gamaleya. Det er åpenbart at for ham, så vel som for hans åndelige lærer M.V. Nesterov, interesse for en kreativ personlighet er langt fra tilfeldig.

Maleriets suksess på 1930-tallet betyr ikke at veien for dets utvikling var enkel og fri for motsetninger. I mange verk fra disse årene ble funksjonene generert av kulten til I.V. Stalin. Dette er en falsk patos av en pseudo-heroisk, pseudo-romantisk, pseudo-optimistisk holdning til livet, som bestemmer essensen og betydningen av "seremoniell" kunst. Det oppsto en konkurranse mellom kunstnere i kampen om umiskjennelige «superplott» knyttet til bildet av I.V. Stalin, industrialiseringens suksesser, bondestandens og kollektiviseringens suksesser. Det har dukket opp en rekke kunstnere som «spesialiserer seg» i faget. Den mest tendensiøse i denne forbindelse var Alexander Gerasimov ("Stalin og KE Voroshilov i Kreml" og hans andre arbeider).

Bibliografi

1. Vereshchagin A. Kunstner. Tid. Historie. Essays om historien til russisk historisk maleri XVIII - tidlig. XX århundrer - L .: Kunst, 1973.

2. Maleri 20 - 30-tallet / Utg. V.S.manin. - St. Petersburg: Kunstner av RSFSR, 1991.

3. Zezina M.R., Koshman L.V., Shulgin V.S. Historien om russisk kultur. - M.: Høyere. skole, 1990.

4. Lebedev P.I. Sovjetisk kunst i perioden med utenlandsk intervensjon og borgerkrig. - M., 1987.

5. Likhachev D.S. Russisk kunst fra antikken til avantgarde. - M.: Kunst, 1992.

6. Ilyina T.V. Kunst historie. Innenlandsk kunst. - M.: Høyere. skole, 1994.

7. Kunsthistorie til folkene i USSR. I 9 bind - M., 1971 - 1984.

8. Historien om russisk og sovjetisk kunst / Ed. MM. Allenova. - M.: Videregående skole, 1987.

9. Polikarpov V.M. Kulturologi. - M.: Gardarika, 1997.

10. Rozin V.M. Introduksjon til kulturvitenskap. - M.: Forum, 1997.

11. Stepanyan N. Kunst av Russland av XX århundre. Et blikk fra 90-tallet. - Moskva: EKSMO-PRESS, 1999.

12. Suzdalev P.K. Historien om sovjetisk maleri. - M., 1973.

Vert på Allbest.ru

...

Lignende dokumenter

Liv og virke til K.S. Petrov-Vodkin. Forstå revolusjonen gjennom ulike arbeider. Krysser plott av ikoner med moderne plott. Tradisjoner for klassisk streng tegning og kunstnere fra den tidlige renessansen. Tradisjoner i kunstnerens arbeid.

praktisk arbeid, lagt til 23.01.2014


Russlands kunstneriske liv på begynnelsen av XX århundre. Opprinnelsen til kreativitet og nøkkelkjernen i kunsten til K. Petrov-Vodkin, hans arbeid før revolusjonen i 1917 og under dens periode. Uatskilleligheten i forbindelsen mellom teoretiske synspunkter og egen kunstnerisk praksis.

test, lagt til 28.11.2010


Utviklingen av visuelle midler på slutten av XIX - begynnelsen av XX århundre, den billedlige måten til representanter for russisk realistisk maleri. Historiske lerreter, landskap av omreisende kunstnere, avantgardekunstnere, portrettmestere; "Suprematisme", symbolistiske kunstnere.

presentasjon, lagt til 02.10.2013


Biografi av Petrov-Vodkin, dannelsen av et nytt kunstnerisk system av mesteren. Ulike måter å koloristiske kvaliteter av lerretene hans. Rom-tidskontinuum i verkene til Petrov-Vodkin: i portretter, landskap, stilleben, historiemalerier.

avhandling, lagt til 24.03.2011


Ungdomsutstillinger som et av hovedøyeblikkene for å tiltrekke seernes interesse for kunstnerlivet på 60-80-tallet. Bekjentskap med verkene til G. Korzhev, T. Salakhov, Tkachev-brødrene, G. Iokubonis, I. Golitsyn. Fremveksten av nye kunstmagasiner.

presentasjon, lagt til 30.10.2013


Begynnelsen på den teoretiske underbyggelsen av tegnepraksisen. Lære å tegne i det gamle Egypt. Renessansekunstnere. Kunstbevegelser åpent og konsekvent fiendtlig mot realisme. Teoretikere for estetisk utdanning i det revolusjonære Russland.

sammendrag, lagt til 01.10.2013


Skulptur "Worker and Collective Farm Girl" og andre skulpturelle verk av Vera Mukhina. Verk av billedhuggeren Ivan Shadrin. Malerier av sovjetiske kunstnere Mitrofan Grekov, Arkady Plastov. Konstruktivistiske arkitekter Viktor og Leonid Vesnin.

presentasjon, lagt til 01.06.2013


Malere, grafikere og billedhuggere som arbeidet i 1900-1930 i Russland og inkludert i ulike kunstgrupper og foreninger. Foreningen av Vandrende Kunstutstillinger. Fremveksten av utstillingsforeningen "Union of Russian Artists".

presentasjon, lagt til 25.10.2015


Beskrivelse av hovedmetodene for analyse av et kunstverk. Analyse av symbolikkens og modernitetens plass i russisk kunst på begynnelsen av 1900-tallet. på eksemplet med verkene til K.S. Petrov-Vodkin. Funksjoner ved dannelsen av realisme i russisk musikk i verkene til M.I. Glinka.

manual, lagt til 11.11.2010


Utforske biografien, livet og den kreative veien til arkitektene fra XIX århundre: Beketova O.M., Bernardazzi O.Y., Gorodetsky V.V. det i. Kjente gravører og kunstnere fra den perioden: Zhemchuzhnikov L.M., Shevchenko T.G., Bashkirtseva M.K., Bogomazov O.K.