Lapin I.L., Golubovich N.V.: Utenlandsk litteratur. 1600-tallslitteratur
Utenlandsk litteratur fra 1600- og 1700-tallet1600-tallet i verdens litterære utvikling.
Den litterære prosessen i Europa på 1600-tallet er svært kompleks og selvmotsigende. 1600-tallet er epoken som markerte overgangen fra renessansen til opplysningstiden, og dette bestemte trekkene ved historisk og kulturell utvikling i europeiske land, posisjonen til den føydale katolske reaksjonen ble styrket, og dette forårsaket en krise i renessansehumanismen, mest kraftfullt uttrykt i barokkkunst.
Barokk som stil dannes ikke bare i litteratur, men også i maleri og musikk. Som litterær trend har barokken en rekke generelle filosofiske og kunstneriske prinsipper.
Barokken bygger på det polemiske menneskebegrepet i forhold til renessansetradisjonene. En svak og skjør skapning, en person, som barokkforfattere trodde, er dømt til å vandre i livets tragiske kaos. En dypt pessimistisk oppfatning av å være leder barokklitteraturen til asketiske religiøse idealer.
Barokken skaper en elitær kunstteori, hevder en spesiell metaforisk ornamental stil. Basert på ideen om verdens disharmoni, blir barokke forfattere, som prøver å uttrykke ideen om disharmoni i selve verkets figurative system, revet med av semantiske og billedlige kontraster. Barokkprinsipper ble mest levende nedfelt i arbeidet til den store spanske dramatikeren P. Calderon.
I europeisk barokk dannes to strømninger – høy og grasrot, eller demokratisk, barokk. Til de elitære ideene, høybarokkens sublime retorikk, representert ved teateret til P. Calderon, poesien til L. de Gongora, D. Donne, den pastorale og galant-heroiske romanen, motsetter grasrotbarokken tegneseriens stil. burlesk, som i mange henseender bevisst parodierer det sublime billedspråket (disse tendensene kom tydeligst til uttrykk i en pikaresk roman fra 1600-tallet).
En annen litterær trend på 1600-tallet var klassisismen, som fikk en spesiell blomstring i Frankrike. Det må huskes at klassisismens opprinnelse går tilbake til renessansens estetikk, som skapte antikkens kult som fokus for det kunstneriske idealet. Klassisismen reflekterte fremveksten av den nasjonale bevisstheten i det franske samfunnet. I den første tredjedelen av 1600-tallet ble det etablert et absolutt monarki i Frankrike, noe som førte til eliminering av føydale sivile stridigheter og dannelsen av en enkelt sentralisert stat. Denne historisk progressive prosessen skaper objektive forutsetninger for utviklingen av klassisismen. Ideene til R. Descartes, skaperen av den rasjonalistiske filosofiske skolen, hadde en dyp innvirkning på klassisismens estetikk.
I sin utvikling gikk klassisismen på 1600-tallet gjennom to hovedstadier. I første halvdel av 1600-tallet stadfestet han de høye ideene om statsborgerskap og heltemot, noe som gjenspeiles i de politiske tragediene til P. Corneille.
I andre halvdel av 1600-tallet, etter de tragiske hendelsene i Fronde, ble tragiske motiver dypere i klassisismen. Klassisismen skapte en sammenhengende estetisk teori, som ble fullført i N. Boileaus avhandling "Poetisk kunst". Klassisistene utviklet en normativ kunstteori, inkludert en klar differensiering mellom «høy» og «lav», strenge sjanger- og stilkanoner. Den rasjonalistiske holdningen bestemte begrepet menneske, trekk ved konflikten i klassiske verk. Samtidig forsvarte klassisistene prinsippet om "imitasjon av naturen", "rimelig sannsynlighet", som tillot dem å gjenskape i sine verk de typiske trekk ved det sosiale livet på 1600-tallet.
^
XVII århundre i verdens litterære utvikling
Renessansen er vanskelig å skille fra historien og kulturen på 1600-tallet. På begynnelsen av 1600-tallet fortsatte renessansens armaturer å skape. Overgangen mellom epoker er veldig myk og varer i flere generasjoner. Det samme skjer ved de øvre grensene for perioden. XVII - XVIII århundrer - en grunnleggende æra for utviklingen av moderne europeisk kultur. I denne epoken skapes stater av moderne type. I Frankrike, under påvirkning av klassisismens kultur, skapes normene for litteratur og språk, som slo rot til det 20. århundre. Opplysningsbevegelsen og rasjonalistisk litteratur hadde en lignende regulatorisk funksjon i England.
Renessansen er en epoke med sosial optimisme, oppdagelsen av universet og menneskelige evner. Det sosiale systemet blir mer dynamisk, mulighetene for den menneskelige personlighet og skjebne åpner seg. Det er en tro på å overvinne sosiale hindringer på ulike områder. Idealet om renessansemennesket er typologisk likt i ulike kulturer. Det universelle idealet legemliggjorde treenigheten av skjønnhet, godhet og sannhet. Men allerede på slutten av renessansen, på 1500-tallet, begynner dette idealet å riste. I det XVI århundre er det religiøse kriger, statens kamp for kolonier, konkurranse på den europeiske arenaen. En enkelt europeisk kultur blir rystet. Den generaliserende innflytelsen fra latinsk opprinnelse går tapt. En nasjonal kultur dukker opp, og forskjellige typer stater skapes: borgerlige (revolusjon i Holland og England), som oppsto som et resultat av prosessen med re-føydalisering, en tilbakevending til gamle sosiale relasjoner (Spania, Tyskland, Italia). I Tyskland hersket «dverg-absolutisme», staten var i en tilstand av fragmentering. Situasjonen ble forverret av trettiårskrigen som fant sted på 1500-tallet. I Frankrike skjedde det en gradvis bevegelse mot kapitalisme. Frankrike på den tiden er en av de ledende europeiske maktene. Hun regnes som en klassiker for tidens litteratur. Det manifesterer tydeligst sentraliseringstendensene: regionale forskjeller forsvinner, sentrum styrkes, et enkelt juridisk og kulturelt system skapes – og absolutisme (kongemaktens eksklusive rolle).
På 1600-tallet dukker maktbegrepet opp. Makt blir en transpersonlig kraft som ikke kan kontrolleres. Den engelske filosofen Hobbes forestilte seg staten i form av monsteret Leviathan, som kontrollerer alt, krever underkastelse og handler med harde metoder. Det er en fullstendig forening av livet, underkastelse til kongen. Kategorien håndterbarhet blir den ledende i epoken. I Europa er det ritualer som styrer det kulturelle og sosiale livet, etikette innføres. I Louis XIVs tid var etiketten overdrevet. Rigid statskontroll blir en begrensende kraft. Revolusjoner finner sted, etterfulgt av diktatur og den påfølgende gjenopprettelsen av monarkiet.
I løpet av 1600-tallet ble det dannet et nytt religiøst ideal. Det søkes etter en «personlig» Gud, hans tilnærming til hverdagen. Borgerskapet forutsetter personlig initiativ. Legemliggjøringen av dette søket er reformasjonen i dens ekstreme manifestasjoner (puritanisme, kalvinisme). Den rituelle siden forkastes og naken tro forblir. Protestantismens grunnleggende postulat er individuelle bevis på at du er verdig guddommelig frelse. Innholdet i epoken er også motreformasjonsbevegelsen, som er spesielt i utvikling i Spania og Italia. Ifølge motreformatorene er Gud henvist til det empyriske, han fungerer som en blind og irrasjonell kraft. Bæreren av denne troen er Kirken, som også er henvist til det empyriske. Denne strategien er implementert av jesuittordenen, hvis slagord er "Målet rettferdiggjør midlene".
1600-tallet er et vendepunkt, når menneskelige verdier er i katastrofal endring. Tidens symboler er endeløse søk, tillit til irrasjonelle kategorier og opprør, opprøret av ens egen vilje. Tidens mann leter etter støtte i søk. Denne støtten blir enten grunn eller følelse. Sannhet, godhet og skjønnhet begynner å eksistere adskilt fra hverandre. Som et resultat oppstår to motsatte tendenser: henholdsvis rasjonalisme og irrasjonalisme.
Det mest tydelige symptomet på rasjonalisme er vitenskapens fremvekst. I forskning på empiri oppstår metodeproblemet, og bringer vitenskapen nærmere litteraturen (Rene Descartes, Spinoza, Hobbes). Disse vitenskapelige søkene finner sin fortsettelse frem til det 20. århundre.
Baksiden av disse søkene er irrasjonalisme. Irrasjonalisme tviler på mulighetene for menneskelig kunnskap. Han søker å identifisere områder av det ukjente, for å vise fenomenenes mangfold og spill. I irrasjonalisme skiller konseptkategorien seg ut - konvergensen av forskjellige, men mystisk beslektede kategorier. Metaforen utvikler seg fra konseptet. Litteraturen fra denne epoken er metaforisk. Valget mellom bestemte sannheter avhenger av ens egen vilje.
En av tidens universaler er en følelse av krise, et vendepunkt, en revurdering av renessansens idealer. Tidens litteratur er polemisk og propagandistisk. Renessansens ideal er enten å prøve å gjenopprette eller fornekte det. Det er også en avvisning av prinsippet om harmoni. På 1600-tallet er det en installasjon om de dominerende kategoriene. Dialektikk bestemmes av motsetningers enhet og kamp: samspillet mellom fornuft og følelser, personlighet og samfunn. Barokken er interessert i personlige prosesser. Humanismen er i endring – den blir «humanisme på tross av». Verdien av en person er ikke satt i utgangspunktet, den er ervervet. Et annet trekk ved epoken er analytikk, en forskningstilnærming. Det er utviklet en metode for å dele opp virkeligheten i detaljer og dens uventede kombinasjon. Tiden streber etter brede episke panoramaer. Forfatterne legger vekt på sentraliseringen av ideen. Takket være oppdagelsen av ideen er det et samspill mellom journalistisk og kunstnerisk kreativitet. Selve ideen i en litterær tekst avsløres gjennom patos og logikk. Logikken organiserer sammensetningen, koblingen av deler. En av tidens hovedspørsmål er sannhet og troverdighet. Det søkes etter sannhetskriterier.
^
Barokklitteratur (generell beskrivelse).
Forfattere og poeter i barokktiden oppfattet den virkelige verden som en illusjon og en drøm. Realistiske beskrivelser ble ofte kombinert med deres allegoriske skildring. Symboler, metaforer, teatralske teknikker, grafiske bilder (diktlinjer danner et bilde), metning med retoriske figurer, antiteser, parallelliteter, graderinger, oksymoroner er mye brukt. Det er en burlesk-satirisk holdning til virkeligheten. Barokklitteraturen er preget av ønsket om mangfold, for oppsummering av kunnskap om verden, inkludering, leksikon, som noen ganger blir til kaos og samle nysgjerrigheter, ønsket om å studere vesen i dets kontraster (ånd og kjød, mørke og lys, tid og evigheten). Barokkets etikk er preget av et sug etter nattens symbolikk, temaet skrøpelighet og forgjengelighet, livsdrøm (F. de Quevedo, P. Calderon). Calderons skuespill «Life is a dream» er velkjent. Slike sjangre som den galant-heroiske romanen (J. de Scudery, M. de Scudery), den virkelige og satiriske romanen (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) er også i utvikling. Innenfor rammen av barokkstilen er dens varianter og retninger født: marinisme, gongorisme (kulteranisme), konseptisme (Italia, Spania), metafysisk skole og eufuisme (England) (se presis litteratur).
Handlingene til romanene overføres ofte til antikkens fiksjonsverden, til Hellas er hoffkavalerer og damer avbildet som gjeterinner og gjeterinner, som kalles pastoralen (Honoré d'Urfe, "Astrea"). Poesi blomstrer pretensiøsitet, bruk av komplekse metaforer. Vanlige former som sonett, rondo, concetti (et kort dikt som uttrykker noen vittige tanker), madrigaler.
I vest, innen romanens felt, er en fremragende representant G. Grimmelshausen (romanen "Simplicissimus"), innen drama - P. Calderon (Spania). V. Voiture (Frankrike), D. Marino (Italia), Don Luis de Gongora y Argote (Spania), D. Donne (England) ble kjent i poesi. I Russland inkluderer barokklitteratur S. Polotsky, F. Prokopovich. I Frankrike blomstret «dyrbar litteratur» i denne perioden. Den ble deretter dyrket hovedsakelig i salongen til Madame de Rambouillet, en av de aristokratiske salongene i Paris, den mest fasjonable og berømte. I Spania ble barokktrenden i litteraturen kalt "gongorisme" etter navnet på den mest fremtredende representanten (se ovenfor).
barokklitteratur (generelle kjennetegn).
tidens universaler opptrer i barokk og klassisisme. I europeisk litteratur presenteres klassisisme som en forenklet versjon av barokk; i russisk litteratur betraktes barokk og klassisisme som forskjellige kunstneriske bevegelser. Men i arbeidet til én forfatter kan begge disse trendene konvergere. I Spania inntok barokken en dominerende posisjon. Hans estetikk og poetikk ble utviklet av representanter for Lope de Vega-skolen. Klassisismen der utviklet seg bare teoretisk. I England var ingen av metodene dominerende, siden renessansens tradisjoner var sterke der. Først ved midten av århundret vokste det fram klassisistiske trekk i engelsk kunst (Ben Jonsons teori), men de slo ikke rot her i landet. Grasrotbarokken utvikler seg i Tyskland, og de foretrukne sjangrene er blodig drama og pikaresk roman. Klassisismen blir den grunnleggende metoden i Frankrike, men her dukker også barokktendenser opp. Sammen med klassikeren er det også salonglitteratur, libertinernes poesi.
Barokk realiseres ikke bare i litteraturen. Opprinnelig ble det fremhevet i arkitekturen (verkene til Bernini, fontenene i Versailles). I musikk var barokken representert av verkene til Bach og Handel, i maleri av Titian og Caravaggio, i litteratur av Jean-Baptiste Marino og Calderon. Barokk er nært knyttet til renessansen. Yu.B. Wipper snakker om mannerisme, den tragiske humanismen fra senrenessansen. Dette er en utgang til allegoriske rom med filosofiske konflikter som demonstrerer tro på mennesket og tragedien i menneskets eksistens.
Selve ordet "barokk" har ingen eksakt forklaring. Dette begrepet refererer til et bredt spekter av fenomener. Barokk har per definisjon ingen kanoner. Kanonen er individuell, her hersker mangfoldet.
Barokkens verdensbildeinnstillinger:
1. Føler verdens motstridende natur, mangelen på etablerte former, den endeløse kampen. Forfatterens oppgave er å fange virkeligheten i dens variasjon.
2. Pessimistisk emosjonell tone. Det kommer fra fragmenteringen, verdens dualitet. I litteraturen om denne trenden finnes ofte motivet til det dobbelte.
3. Ledende motiver - kampen mellom kjødet og ånden, det synlige og det virkelige. Et favoritttema er kampen på liv og død. Barokkforfattere skildrer ofte en person i hans grensetilstander (søvn, sykdom, galskap, en fest under en pest).
4. Teatralitet, lek, eksperimenter av helter med livet, ærbødig holdning til jordiske gleder, beundre livets små ting. Barokkverk viser et kaleidoskop av livet.
5. Barokkhelten er en fullstendig individualist. Dette er enten en lys, men i utgangspunktet ond skapning som trenger å sone for sine synder, eller en person som i utgangspunktet er snill, men vansiret av livsomstendigheter. Den andre typen helter søker å rømme fra verden enten til kreativitet eller ved å skape livsutopier.
Barokkens estetikk blir forklart i avhandlingene Wit or the Art of a Quick Mind (Balthasar Grassian) og Aristoteles's Spyglass (Emmanuel Tesauro). Kunst fra barokkens synspunkt er subjektiv kreativitet. Det uttrykker ikke sannheten, men skaper en illusjon, adlyder forfatterens vilje. Forfatterens oppgave er transformasjonen av virkeligheten. Tankeflukten må overdrives. Barokkforfattere er interessert i alt uvanlig. Å bli kjent med det enestående, kan leseren bli overrasket. Det viktigste kunstneriske verktøyet er metafor. Metafor krysser forsterkning – overdrivelse. Det samme objektet roteres fra forskjellige sider.
^
Funksjoner ved engelsk litteratur på 1600-tallet.
Første halvdel av 1600-tallet var preget i England av blomstringen av barokkpoesi, representert først og fremst av metafysiske poeters skole. En av de mest talentfulle dikterne i denne retningen, som åpnet nye horisonter for europeisk poesi i moderne tid, var John Donne (1572 - 1631), hvis arbeid anbefales for studenter å bli kjent med. Den engelske borgerlige revolusjonen (1640-1650) hadde en avgjørende innflytelse på utviklingen av engelsk litteratur på 1600-tallet. Det ble holdt under religiøse puritanske slagord, som bestemte spesifikasjonene til den kunstneriske tanken i tiden.
Hovedoppmerksomheten i studiet av engelsk litteratur på 1600-tallet bør gis til arbeidet til D. Milton (1608 - 1674). En fremragende revolusjonær publisist, reflekterte Milton i diktene sine de mest presserende politiske konfliktene i vår tid. Diktet hans «Paradise Lost» er et forsøk på en sosiofilosofisk forståelse av utviklingen av verden og menneskeheten som helhet. I diktets kunstneriske verden kombineres barokke og klassisistiske tendenser organisk, noe som bør legges merke til når man analyserer det.
Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor
Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.
Vert på http://www.allbest.ru/
Utenlandsk litteratur på 1600-tallet
Store litterære bevegelser
1600-tallet ble i nesten hele halvdelen av det 20. århundre tolket som "klassisismens æra". Alle kunstneriske fenomener som dukket opp fra kategorien klassisisme ble betraktet enten som kunstnerisk ufullkomne verk (i utenlandsk litteraturkritikk, par excellence), eller som realistiske kreasjoner, de viktigste i perspektivet til litterær utvikling (i sovjetisk litteraturkritikk). En særegen barokkmote som oppsto i vestlig vitenskap på 30-40-tallet av 1900-tallet og i økende grad sprer seg, inkludert vår, skapte liv til det motsatte fenomenet, da 1600-tallet ble til "barokkens tid", og klassisismen begynte å bli sett på som en variant av barokkkunsten i Frankrike, slik at studiet av klassisisme i nyere tid krever kanskje mer innsats og vitenskapelig mot enn studiet av barokken.
Spesiell oppmerksomhet bør rettes mot problemet med "realisme på 1600-tallet". Dette konseptet var veldig populært på et visst stadium i utviklingen av innenlandsk litteraturkritikk: til tross for kravet som ble proklamert på midten av 1950-tallet av store, autoritative litteraturforskere om ikke å bruke "realisme" som et komplementært og evaluerende konsept, så eksperter likevel at utvikling av litteratur som en slags «akkumulerings»-elementer av realisme, villig assosiert demokratiske litterære bevegelser, grasrota tegneserier og satirisk litteratur osv. med realistiske tendenser. Utsagn om at i den litterære prosessen på 1600-tallet deltar realismen i en eller annen form. Kunstnerisk sannhet, autentisitet og overtalelsesevne av bilder, motiver, konflikter osv. ble oppnådd og legemliggjort i henhold til andre estetiske lover enn det ville vært i realismen, et fenomen i litteraturen fra det nittende århundre.
Borokk og klassisisme
I moderne vitenskap er det nå praktisk talt universelt anerkjent at de viktigste litterære trendene på 1600-tallet var barokken og klassisismen. Deres utvikling var motstridende og ujevn, mellom poetikken til disse trendene var det likheter og forskjeller, gjensidig påvirkning og kontrovers. Barokk og klassisisme spredte seg i ulik grad i ulike regioner og på ulike stadier innenfor den historiske og litterære epoken.
Først av alt, la oss dvele ved nøkkelpunktene i studiet av barokklitteratur. Det er nødvendig å forstå den komplekse etymologien til begrepet "barokk": forskere kranglet om det fra begynnelsen av 30-tallet til midten av 50-tallet av vårt århundre. Det bør også huskes at forfatterne som dagens vitenskap refererer til barokkbevegelsen ikke kjente til dette begrepet (i det minste som litterært) og kalte seg ikke barokkforfattere. Selve ordet "barokk" som et begrep i kunsthistorien begynte å bli brukt på en viss rekke kunstneriske fenomener på 1600-tallet først i det neste, 1700-tallet, og med en negativ konnotasjon. Så, i "Encyclopedia" av de franske opplysningsmennene, brukes ordet "barokk" med betydningen "rar, bisarr, smakløs." Det er vanskelig å finne en enkelt språkkilde for dette begrepet, fordi ordet ble brukt, med nyanser av betydning, på italiensk og på portugisisk og på spansk. Det bør understrekes at selv om etymologi ikke uttømmer den moderne betydningen av dette litterære konseptet, tillater den oss å fange noen trekk ved barokkpoetikk (quirkiness, uvanlige, tvetydighet), korrelerer med det, beviser at fødselen av terminologi i historien litteratur, selv om det er tilfeldig, ikke er helt vilkårlig, har en viss logikk.
Utformingen av barokk som terminologisk begrep betyr ikke at det ikke er diskutable poeng i tolkningen i dag. Ofte mottar dette begrepet motsatte tolkninger fra kulturhistorikere. Så en viss del av forskerne legger et veldig bredt innhold i konseptet "barokk", og ser i det et visst repeterende stadium i utviklingen av kunstnerisk stil - stadiet av krisen, "sykdommen", som fører til en slags smakssvikt. Den kjente vitenskapsmannen G. Wölfflin setter for eksempel renessansens «sunne» kunst i kontrast med barokkens «syke» kunst. E. Ors skiller ut den såkalte hellenistiske, middelalderske, romanistiske barokken osv. I motsetning til denne tolkningen foretrekker de fleste forskere en spesifikk historisk forståelse av begrepet "barokk". Det er denne tolkningen av barokkkunsten som har blitt mest utbredt i russisk litteraturkritikk. Men selv blant våre forskere er det forskjeller i analysen av barokkpoetikk, diskusjoner om visse aspekter av hans teori.
Du må vite at tolkningen av barokken i vårt land i lang tid var påvirket av det vulgære sosiologiske, rett frem ideologiske konseptet. Til nå kan man finne påstander i litteraturen om at barokkens kunst er motreformasjonens kunst, at den først og fremst blomstret der de adelige kretsene seiret over borgerskapet, at den uttrykker hoffadelens estetiske ambisjoner mv. . Bak dette ligger troen på barokkens "reaksjonære" stil: hvis forfatterne av denne trenden blir verdsatt for stilens formelle sofistikering, kan de ikke tilgi dem for deres "ideologiske underlegenhet". Dette er tilsynelatende meningen med den beryktede definisjonen av barokk i læreboken til S.D. Artamonova: "Barokk er et sykt barn, født av en freak av en far og en vakker mor." For en virkelig dyp og korrekt forståelse av barokklitteraturens trekk er det altså ikke utdaterte lærebøker som er spesielt nødvendige, men ny vitenskapelig forskning.
La oss prøve å kort karakterisere hovedparametrene for barokkpoetikk, slik de vises i disse studiene, før vi anbefaler den tilsvarende tilleggslitteraturen.
Betydningen som forskere, inkludert russiske, tillegger barokkens kultur og litteratur på det nåværende stadiet, fører noen ganger til påstanden om at barokken er "ikke i det hele tatt en stil, og ikke en retning." Denne typen påstander ser ut til å være en polemisk ytterpunkt. Barokk er selvfølgelig både en kunstnerisk stil og en litterær bevegelse. Men det er også en type kultur, som ikke kansellerer, men inkluderer de tidligere betydningene av dette begrepet. Det må sies at den generelle patosen til artikkelen av A.V. Mikhailov er veldig viktig, siden barokk veldig ofte oppfattes som en stil i ordets snevre betydning, dvs. som summen av formelle estetiske enheter.
Barokkmenneskets holdning til verden, barokk som kunstnerisk system studeres fortsatt, som det ser ut til, noe mindre og dårligere. Som den kjente sveitsiske barokkspesialisten J. Rousset bemerket, "ideen om barokk er en av de som unngår oss, jo mer du undersøker den, jo mindre mestrer du den." Det er veldig viktig å forstå hvordan målet og mekanismen for kunstnerisk skapelse er tenkt i barokken, hva dens poetikk er, hvordan den korrelerer med det nye verdensbildet, fanger det. Selvfølgelig har A.V. rett. Mikhailov, som understreker at barokken er kulturen til «det klare ordet», dvs. en retorisk kultur som ikke har noe direkte utløp til virkeligheten. Men selve ideen om verden og mennesket, som gikk gjennom det "ferdige ordet", gjør det mulig å føle det dype sosiohistoriske skiftet som skjedde i sinnet til en person på 1600-tallet, reflekterte krisen til renessansens verdensbilde. Det er nødvendig å spore hvordan mannerisme og barokk korrelerer på bakgrunn av denne krisen, som gjør at mannerisme fortsatt er en del av den litterære prosessen i senrenessanselitteraturen, og barokken går utover den, inkludert 1600-tallet i et nytt litterært stadium. Observasjoner som lar en føle forskjellen mellom manerisme og barokk er i den utmerkede artikkelen av L.I. Tanaeva "Noen konsepter om mannerisme og studiet av kunsten i Øst-Europa på slutten av 1500- og 1600-tallet".
Det filosofiske grunnlaget for det barokke verdensbildet er forestillingen om den antinomiske strukturen til verden og mennesket. Det er mulig å sammenligne noen konstruktive sider ved barokksynet (motsetningen til det kroppslige og åndelige, høyt og lavt, tragisk og komisk) med middelalderens dualistiske virkelighetsoppfatning. La oss imidlertid understreke at middelalderlitteraturens tradisjoner inngår i barokklitteraturen i endret form og korrelerer med en ny forståelse av værens lover.
For det første er barokke antinomier et uttrykk for ønsket om kunstnerisk å mestre virkelighetens motstridende dynamikk, å formidle i ord kaoset og disharmonien i menneskets eksistens. Selve bookiness i barokkens kunstverden kommer fra ideene som er arvet fra middelalderen om universet som en bok. Men for en barokk person er denne boken tegnet som et enormt leksikon om væren, og derfor streber også litterære verk i barokken etter å være oppslagsverk, å tegne verden i sin helhet og nedbrytbarhet i separate elementer – ord, begreper. I barokke kreasjoner kan man finne både stoisismens og epikureanismens tradisjoner, men disse motsetningene kjemper ikke bare, men går også sammen i en felles pessimistisk livsfølelse. Barokklitteratur uttrykker en følelse av livets forgjengelighet, variabilitet og illusoriske natur. Ved å aktualisere avhandlingen "livet er en drøm" som allerede var kjent i middelalderen, trekker barokken først og fremst oppmerksomheten mot skjørheten i grensene mellom søvn og "liv", til den konstante tvilen til en person om han er i søvntilstand. eller våken, til kontraster eller bisarre tilnærminger mellom ansikt og maske. , "å være" og "å virke".
Temaet illusjon, skinn, er en av de mest populære i barokklitteraturen, og gjenskaper ofte verden som et teater. Det bør presiseres at barokkens teatralitet manifesteres ikke bare i den dramatiske oppfatningen av opp- og nedturer i en persons ytre liv og hans indre konflikter, ikke bare i den antinomiske konfrontasjonen mellom kategoriene ansikt og maske, men i en forkjærlighet for en slags demonstrativ kunstnerisk stil, dekorativitet og prakt av visuelle virkemidler, deres overdrivelse. Det er derfor barokken noen ganger med rette kalles kunsten å overdrive, de snakker om dominansen i barokkpoetikk av prinsippet om sløsing med kunstneriske virkemidler. Oppmerksomhet bør rettes mot den polysemantiske naturen til verden og språket, den multivariate tolkningen av bilder, motiver, ord i barokklitteratur. På den annen side bør man ikke miste av syne det faktum at barokk kombinerer og uttrykker det emosjonelle og rasjonelle i poetikken til verkene sine, har en viss "rasjonell ekstravaganse" (S.S. Averintsev). Barokklitteratur er ikke bare fremmed, men organisk iboende i dyp didaktikk, men denne kunsten søkte fremfor alt å begeistre og overraske. Det er derfor det er mulig å finne blant barokkens litterære verk de der didaktiske funksjoner ikke er uttrykt på en enkel måte, noe som i stor grad lettes av avvisningen av linearitet i komposisjon, utviklingen av kunstnerisk konflikt (dette er hvor spesifikke romlige og psykologiske barokke labyrinter oppstår), et komplekst forgrenet system av bilder, og språkets metaforiske natur.
Når det gjelder metaforismen i barokken, finner vi viktige observasjoner i Yu.M. Lotman: «... her står vi overfor det faktum at troper (grensene som skiller en type troper fra andre får en usedvanlig vaklende karakter i barokktekster) ikke er en ytre erstatning av enkelte elementer i uttrykksplanen med andre, men en måte å danne en spesiell bevissthetsstruktur på." Metafor i barokken er altså ikke bare et middel til å pynte på fortellingen, men et spesielt kunstnerisk synspunkt.
Det er også nødvendig å lære seg egenskapene til det barokke sjangersystemet. De mest karakteristiske sjangrene som utvikler seg i tråd med denne litterære trenden er pastoral poesi, dramatiske pastoraler og pastoral romantikk, filosofiske og didaktiske tekster, satirisk, burlesk poesi, tegneserieroman, tragikomedie. Men spesiell oppmerksomhet bør rettes mot en slik sjanger som emblemet: det legemliggjorde de viktigste trekkene i barokkens poetikk, dens allegorisme og leksikon, en kombinasjon av visuell og verbal.
Man bør utvilsomt være klar over de ideologiske og kunstneriske hovedstrømningene innenfor barokkbevegelsen, men det er nødvendig å advare mot en snever sosiologisk tolkning av disse strømningene. Dermed kommer inndelingen av barokklitteratur i "høy" og "lav", selv om den korrelerer med begrepene "aristokratisk" og "demokratisk" barokk, ikke ned til dem: tross alt, oftest appellen til poetikken til den «høye» eller «grasrotfløyen» i barokken er ikke diktert av forfatterens sosiale posisjon eller hans politiske sympatier, men er et estetisk valg, ofte styrt av sjangertradisjonen, det etablerte sjangerhierarkiet, og noen ganger bevisst motarbeidet. til denne tradisjonen. Det kan lett sees ved å analysere arbeidet til mange barokkforfattere at de noen ganger skapte verk av både "høy" og "lav" nesten samtidig, villig ty til forurensning av "sekulær-aristokratiske" og "demokratiske" plott, introdusert i det sublime. Barokkversjon av den kunstneriske verden av burlesk, reduserte karakterer og omvendt. Så de forskerne som føler at i barokken «utgjør elitisten og plebeieren forskjellige sider av samme helhet» har helt rett. Innenfor barokkretningen er det, som du ser, en enda mer brøkdeling. Man må ha en ide om egenskapene til slike fenomener som kultisme og konseptisme i Spania, marinisme i Italia, libertinsk litteratur i Frankrike og poesi til engelske metafysikere. Spesiell oppmerksomhet bør rettes mot konseptet "presisjon" brukt på fenomenene fra barokken i Frankrike, som tolkes feil både i lærebøkene våre og i vitenskapelige arbeider. Tradisjonelt blir "presisjon" forstått av innenlandske eksperter som et synonym for litteraturen til den "aristokratiske" barokken. I mellomtiden avklarer moderne vestlige studier av dette fenomenet ikke bare dets sosiohistoriske røtter (presisjon oppstår ikke i det hoffaristokratiske, men først og fremst i det urbane, salongborgerlig-adle miljøet), det kronologiske rammeverket - midten av 40-tallet - 50-tallet XVII århundre (derved kan for eksempel romanen av Jurfe "Astrea" (1607-1627) ikke betraktes som presis), men avslører også dens kunstneriske spesifisitet som en spesiell klassisistisk-barokk type kreativitet, basert på kontaminering av de estetiske prinsippene av begge retninger.
Det bør også huskes om barokkens utvikling gjennom det 17. århundre, om dens relative bevegelse fra "materialiteten" i stilen arvet fra renessansen, pittoreskheten og fargerike empiriske detaljer til styrkingen av filosofisk generalisering, symbolske og allegoriske bilder. , intellektualitet og raffinert psykologisme (jf. for eksempel barokk de pikareske romanene fra begynnelsen av det syttende århundre i Spania med den filosofiske spanske romanen fra midten av århundret, eller prosaen til C. Sorel og Pascal i Frankrike, eller de poetiske skriftene til den tidlige Donne med poesien til Milton i England, etc.). Det er også viktig å føle forskjellen mellom de nasjonale variantene av barokken: dens spesielle uro, dramatiske spenninger i Spania, en betydelig grad av intellektuell analytikk som bringer barokk og klassisisme sammen i Frankrike, etc.
Det er nødvendig å vurdere ytterligere utsikter for utvikling av barokktradisjoner i litteraturen. Av spesiell interesse i dette aspektet er problemet med forholdet mellom barokk og romantikk. Artiklene som er oppført i referanselisten vil bidra til å bli kjent med det moderne nivået for å løse dette problemet. Problemet med å studere tradisjonene til barokken på 1900-tallet er også relevant: de som er interessert i moderne utenlandsk litteratur kan lett finne blant verkene de hvis poetikk tydelig gjenspeiler barokken (dette gjelder for eksempel den latinamerikanske romanen av den såkalte "magiske realismen", etc.).
Ved å begynne å studere en annen viktig litterær trend i utenlandsk litteratur på 1600-tallet - klassisisme, kan man følge samme analysesekvens, og starte med å klargjøre etymologien til begrepet "klassisk", som er klarere enn etymologien til "barokk", som hvis man fanger klassisismens tilbøyelighet til klarhet og logikk. Som i tilfellet med barokken, inneholder "klassisisme" som en definisjon av 1600-tallets kunst, fokusert på en slags konkurranse med de "gamle", eldgamle forfatterne, i sin opprinnelige betydning noen trekk ved klassisk poetikk, men gjør ikke forklare dem alle. Og akkurat som forfatterne av barokken, kalte ikke klassisistene på 1600-tallet seg slike, de begynte å bli definert av dette ordet på 1800-tallet, i romantikkens tid.
Nesten frem til midten av 1900-tallet ble 1600-tallet av litteraturhistorikere ansett for å være "klassisismens epoke". Dette skyldtes ikke bare undervurderingen av barokkens kunstneriske prestasjoner, eller tvert imot overvurderingen av klassisismen (siden for noen land klassisistene også er klassikerne i nasjonal litteratur, er denne trenden "vanskelig å overvurdere"). , men fremfor alt med denne kunstens objektive betydning på 1600-tallet, med det faktum at teoretiske refleksjoner rundt kunstnerisk kreativitet overveiende var klassiske i denne perioden. Dette kan sees ved å vise til antologien «Literary manifestos of Western European classicists» (M., 1980). Selv om det var barokkteoretikere på 1600-tallet, hadde begrepene deres ofte en tendens til å forurense barokke og klassiske prinsipper, inkludert en god del rasjonalistisk analytikk og noen ganger til og med normativitet (som teorien om romanen til den franske forfatteren M. de Scuderi), som prøvde å lage "reglene" for denne sjangeren).
Klassisisme er ikke bare en stil eller trend, men i likhet med barokken et kraftigere kunstnerisk system som begynte å ta form tilbake i renessansen. Når man studerer klassisisme, er det nødvendig å spore hvordan tradisjonene fra renessanseklassisismen brytes i den klassiske litteraturen på 1600-tallet, for å være oppmerksom på hvordan antikken blir fra et gjenstand for imitasjon og eksakt rekreasjon, "vekkelse", til et eksempel på korrekt overholdelse av kunstens evige lover og et konkurranseobjekt. Det er ekstremt viktig å huske at klassisisme og barokk ble generert av samme tid, motstridende, men et enkelt verdensbilde. Imidlertid førte de spesifikke sosiokulturelle omstendighetene til utviklingen av et bestemt land ofte til svært forskjellige grader av dets utbredelse i Frankrike, og for eksempel i Spania, England og Tyskland, etc. Noen ganger kan man i litteraturen komme over påstanden om at klassisismen er en slags «stats»-kunst, siden dens største blomstring er knyttet til land og perioder preget av en økning i stabiliseringen av sentralisert monarkisk makt. Man skal imidlertid ikke blande sammen orden, disiplin i tanke og stil, hierarki som estetiske prinsipper med hierarki, disiplin osv. som prinsipper for rigid statskap, og enda mer å se i klassisismen en slags halvoffisiell kunst. Det er veldig viktig å føle det indre dramaet til den klassisistiske visjonen om virkeligheten, som ikke elimineres, men kanskje til og med forsterkes av disiplinen til dens ytre manifestasjoner. Klassisismen prøver så å si kunstnerisk å overvinne motsetningen som barokkkunsten finurlig fanger, å overvinne den gjennom streng utvelgelse, orden, klassifisering av bilder, temaer, motiver, alt virkelighetens materiale.
Du kan også finne utsagn om at det filosofiske grunnlaget for klassisismen var Descartes filosofi. Jeg vil imidlertid advare mot å redusere klassisismen til Descartes, så vel som Descartes til klassisismen: la oss minne om at klassisistiske tendenser begynte å ta form i litteraturen før Descartes, tilbake i renessansen, og Descartes på sin side generaliserte mye av at svevde i luften, systematiserte og syntetiserte fortidens rasjonalistiske tradisjon. Samtidig fortjener de utvilsomme "kartesiske" prinsippene i klassisismens poetikk oppmerksomhet ("separasjon av vanskeligheter" i prosessen med kunstnerisk rekonstruksjon av komplekse virkelighetsfenomener, etc.). Dette er en av manifestasjonene av den generelle estetiske "intensjonaliteten" (J. Mukarzhovsky) til klassisk kunst.
Etter å ha blitt kjent med de viktigste teoriene til europeiske klassisister, kan man spore den logiske underbyggelsen av dem av prinsippene om designens forrang fremfor implementeringen, "riktig" rasjonell kreativitet fremfor finurlig inspirasjon. Det er veldig viktig å være spesielt oppmerksom på tolkningen i klassisismen av prinsippet om imitasjon av naturen: naturen fremstår som en vakker og evig skapelse, bygget "i henhold til matematikkens lover" (Galileo).
Et spesifikt prinsipp om sannsynlighet spiller en betydelig rolle i klassisismen. Merk at dette konseptet er langt fra vanlig daglig bruk av dette ordet, det er slett ikke et synonym for "sannhet" eller "virkelighet". Som en kjent moderne forsker skriver, "levde den klassiske kulturen i århundrer med ideen om at virkeligheten på ingen måte kunne blandes med plausibilitet." Plausibilitet i klassisisme innebærer, i tillegg til den etiske og psykologiske overtalelsesevnen til bilder og situasjoner, anstendighet og oppbyggelse, implementering av prinsippet om "lære, underholde."
Karakteriseringen av klassisismen kan derfor ikke reduseres til oppregning av reglene for de tre enhetene, men disse reglene kan heller ikke ignoreres. For klassisistene er de så å si et spesielt tilfelle av å anvende kunstens universelle lover, en måte å holde kreativitetens frihet innenfor fornuftens grenser. Det er nødvendig å innse viktigheten av enkelhet, klarhet, den logiske sekvensen av komposisjon som viktige estetiske kategorier. Klassisistene, i motsetning til barokkkunstnerne, nekter "overflødige" kunstneriske detaljer, bilder, ord, holder seg til "økonomien" i uttrykksmidler.
Det er nødvendig å vite hvordan det hierarkiske sjangersystemet ble bygget i klassisismen, basert på konsekvent avl av "høye" og "lave", "tragiske" og "komiske" virkelighetsfenomener i henhold til forskjellige sjangerformasjoner. Samtidig er det nødvendig å ta hensyn til det faktum at sjangerteorien om klassisisme og praksis ikke er helt sammenfallende: å gi preferanse i teoretisk resonnement til "høye" sjangere - tragedie, episk, klassisistene prøvde seg på "lav" " sjangere - satire, komedie, og til og med i sjangrene ikke-kanoniske, faller ut av det klassisistiske hierarkiet (som romanen: se nedenfor om den klassiske romanen av M. de Lafayette).
Klassisister dømte kunstverk ut fra det de anså for å være kunstens «evige» lover, og lover ikke etter sedvane, autoritet, tradisjon, men etter rimelig skjønn. Derfor bør det bemerkes at klassisistene tenker på teorien deres som en analyse av kunstens lover generelt, og ikke opprettelsen av et eget estetisk program for en skole eller retning. Klassisistenes resonnement om smak betyr ikke individuell smak, ikke lunefullheten til estetiske preferanser, men "god smak" som en kollektiv rimelig norm for "veloppdragne mennesker." Imidlertid viste det seg i virkeligheten at klassisistenes spesifikke vurderinger om visse spørsmål om kunstnerisk kreativitet, vurderingene av spesifikke verk, divergerer ganske betydelig, noe som førte til både polemikk innen klassisismen og den virkelige forskjellen mellom de nasjonale versjonene av klassisk litteratur . Det er nødvendig å forstå de historiske, sosiale og kulturelle mønstrene for utviklingen av de litterære trendene på 1600-tallet, for å forstå hvorfor i Spania, for eksempel, barokkkunst hersket, og i Frankrike - klassisisme, hvorfor forskere snakker om "barokkklassisisme " av M. Opitz i Tyskland, om en slags harmoni eller balansen mellom barokke og klassiske prinsipper i arbeidet til Milton i England, etc. Det er viktig å føle at det virkelige livet til de litterære trendene fra den epoken ikke var skjematisk, at de ikke suksessivt erstattet hverandre, men flettet sammen, kjempet og samhandlet, og gikk inn i forskjellige forhold.
barokkklassisisme litterær poetikk
Vert på Allbest.ru
Lignende dokumenter
Litteratur fra antikkens Hellas og antikkens Roma. Klassisisme og barokk i vesteuropeisk litteratur på 1600-tallet. Opplysningstidens litteratur. Romantikk og realisme i utenlandsk litteratur på 1800-tallet. Moderne utenlandsk litteratur (fra 1945 til i dag).
opplæringsmanual, lagt til 20.06.2009
Cervantes' roman "Don Quijote" som toppen av spansk skjønnlitteratur. Milton er skaperen av de grandiose diktene «Paradise Lost» og «Paradise Regained». De viktigste kunstneriske trendene i litteraturen på 1600-tallet: renessanserealisme, klassisisme og barokk.
sammendrag, lagt til 23.07.2009
Barokklitteratur: en tendens til kompleksitet i former og et ønske om storhet og pomp. Utseende i russisk litteratur i XVII-XVIII århundrer. barokkstil, måter å danne den på og betydning. Eksterne trekk ved likheten mellom verkene til Avvakum og barokkens verk.
test, lagt til 18.05.2011
Generell analyse av utenlandsk litteratur på 1600-tallet. Kjennetegn på barokktiden fra synspunkt av tiden med intense søk innen moral. Transformasjon av legenden om Don Juan i arbeidet til Tirso de Molina. "Evig" bilde av Don Giovanni i tolkningen av Moliere.
semesteroppgave, lagt til 14.08.2011
Den tunge ruinstemningen i Tyskland på 1600-tallet etter trettiårskrigen. Poeten Martin Opitz og avhandlingen "The Book of German Poetry". Optimismen i Flemings poesi. Antikrigstema og Grimmelshausens roman Simplicissimus. Tysk barokk, dramaturgi.
sammendrag, lagt til 23.07.2009
Barokk og klassisisme i litteraturen og kunsten i Frankrike på 1600-tallet. Pierre Corneille og hans visjon om verden og mennesket. Den første perioden med kreativitet. Dannelse av klassisk drama. Tragedier av den tredje måten. Larisa Mironova og D. Oblomievsky om arbeidet til Corneille.
semesteroppgave, lagt til 25.12.2014
Russisk litteratur på 1500-tallet. Russisk litteratur på 1600-tallet (Simeon av Polotsk). Russisk litteratur på 1800-tallet. Russisk litteratur fra XX århundre. Prestasjoner av litteratur fra XX århundre. Sovjetisk litteratur.
rapport, lagt til 21.03.2007
Utenlandsk litteratur og historiske hendelser i det tjuende århundre. Retninger for utenlandsk litteratur fra første halvdel av 1900-tallet: modernisme, ekspresjonisme og eksistensialisme. Utenlandske forfattere av det tjuende århundre: Ernest Hemingway, Bertolt Brecht, Thomas Mann, Franz Kafka.
sammendrag, lagt til 30.03.2011
Generelle kjennetegn ved situasjonen på XVII århundre. Påvirkning av skismaet til den russisk-ortodokse kirken på utviklingen av gammel russisk litteratur. The Old Believer Movement og fenomenet "Anonym Fiction". Fenomenet med den russiske satiriske historien på bakgrunn av det "opprørske" XVII århundre.
kontrollarbeid, lagt til 16.10.2009
Den politiske situasjonen i Frankrike på 1600-tallet, utviklingen av litteratur og kunst. Posisjonen til bondestanden på slutten av århundret og dens beskrivelse i verkene til La Bruyère. Tradisjoner for renessanserealisme i verkene til avdøde Racine ("Atalia"). Aktiviteter til poeten Prayer.
transkripsjon
1 Annotering Publikasjonen, beregnet på studenter i filologi og skrevet i form av forelesninger, beskriver betingelsene for dannelsen av europeisk litteratur på 1600- og 1700-tallet, analyserer arbeidet til fremtredende forfattere, hvis verk reflekterte de karakteristiske trekkene til det kunstneriske. datidens systemer - renessanserealisme, barokk, klassisisme, opplysningsklassisisme, opplysningsrealisme, sentimentalisme. Etter hvert emne tilbys en referanseliste, noe som i stor grad letter orienteringen til studentene innenfor dette emnet.
2 Veraksich I.Yu. Historien om utenlandsk litteratur på 1600- og 1700-tallet Forelesningskurs
3 Forord Emnet "Historie om utenlandsk litteratur på 1600-1700-tallet" er en integrert del av universitetsfaget "Historie om utenlandsk litteratur". Håndboken, skrevet i form av forelesninger, er laget for å hjelpe studentene med å mestre vanskelig, men interessant materiale, for å forberede dem på oppfatningen av litteratur fra 1600-–1700-tallet. Alt stoffet er ordnet på en slik måte at elevene som et resultat har et helhetlig syn på særegenhetene ved den litterære prosessen på 1600-–1700-tallet. Utenlandsk litteratur fra 1600-tallet har lenge vært sett på som et fenomen før opplysningstiden. Imidlertid har studier fra de siste tiårene vist at den har sine egne særtrekk, inkludert stil. Det var 1600-tallet som i lang tid bestemte utviklingen av datidens viktigste kunstneriske systemer - klassisisme, barokk, renessanserealisme. Enlighteners stolte i stor grad på erfaringen til sine forgjengere i utviklingen av episke konsepter (ære, fornuft, forholdet mellom ære og plikt, etc.). De kunstneriske systemene på 1700-tallet (opplysningsklassisisme, opplysningsrealisme, sentimentalisme) vurderes i detalj. Kompleks teoretisk materiale er supplert med en analyse av verkene til de mest fremtredende representantene for et bestemt kunstnerisk system. Dette tar hensyn til de velkjente konseptene til litteraturkritikere, presentert i lærebøker, lærebøker om litteraturhistorie og referansepublikasjoner, noe som i stor grad letter orienteringen til studentene i dette kurset. Antall timer som er tildelt av læreplanen for å studere kurset "Historie om utenlandsk litteratur fra det 17.-18. århundre", er dessverre lite, derfor gir denne håndboken et system med grunnleggende kunnskap som er nødvendig for studenter. Etter hvert emne tilbys studentene en referanseliste, hvor studiet vil tillate dem å oppsummere kunnskapen som er oppnådd i forelesninger, så vel som under selvstendig arbeid med emnet.
4 Innhold Forelesning 1. Generelle kjennetegn ved den litterære prosessen på 1600-tallet. Verket til Lope de Vega. Forelesning 2. Spansk barokklitteratur på 1600-tallet. Forelesning 3. Tysk litteratur på 1600-tallet. Forelesning 4. Fransk klassisisme (Cornel, Racine, Molière). Forelesning 5. Opplysningstiden. Generelle kjennetegn ved den engelske opplysningstiden. Forelesning 6. English Enlightenment. D. Swift. R. Burns. Forelesning 7. Tysk opplysning. Lessings estetiske program. Forelesning 8. Goethes verk. Forelesning 9. Fransk opplysning. Voltaire. J.-J. Rousseau. Forelesning 10. Creativity of Beaumarchais.
5 Forelesning 1 Generelle kjennetegn ved den litterære prosessen på XVII århundre. Kreativitet Lope de Vega Plan 1. Funksjoner av utviklingen av den litterære prosessen av XVII århundre. 2. Ledende litterære trender på 1600-tallet: a) klassisisme; b) barokk; c) Renessanserealisme. 3. Lope de Vegas kreativitet: a) en kort oversikt over dramatikerens liv og kreative vei; b) den ideologiske og kunstneriske originaliteten til dramaet "Fuente Ovehuna"; c) den ideologiske og kunstneriske originaliteten til dramaet "Sevillastjernen". 1. Særmerker ved utviklingen av den litterære prosessen på 1600-tallet Litterære epoker er vanskelige å passe inn i kalenderens strenge rammer. Når vi snakker om litteraturen på 1700-tallet, har vi først og fremst opplysningstiden i tankene. Er det et lignende ideologisk og estetisk innhold i begrepet «fremmedlitteratur på 1600-tallet»? Det er ingen konsensus om dette spørsmålet både innen innenlandsvitenskap og i utlandet. Mange litteraturvitere svarer negativt på dette spørsmålet og fremfører mange argumenter som høres veldig overbevisende ut. Alle som henvender seg til studiet av denne epoken blir først og fremst slått av mangfoldet av økonomiske, sosiale, politiske og kulturelle prosesser som fant sted på den tiden i forskjellige land i Europa. I økonomien i England og Nederland ble borgerlige forhold på 1600-tallet dominerende; i Frankrike triumferte den kapitalistiske orden i industri, handel og bankvirksomhet, men i jordbruket var det føydale systemet fortsatt ganske sterkt; i Spania, Italia, Tyskland var borgerlige forhold knapt synlige, i form av åger. Like åpenbare er kontrastene i sammenhengen mellom sosiale krefter. På begynnelsen av 1600-tallet tok den borgerlige revolusjonen i Nederland slutt, som smeltet sammen med den nasjonale frigjøringskampen mot spansk styre og førte til fremveksten av den borgerlige staten Holland. Det var en borgerlig revolusjon i England. Men i Italia, Spania og Tyskland prøver føydale styrker å konsolidere sin makt.
6 Ikke mindre variert bilde av det politiske livet i Vest-Europa. På 1600-tallet var absolutisme den dominerende statsformen. Det er ingen tilfeldighet at århundret som vurderes kalles absolutismens århundre. Formene for det absolutistiske systemet var imidlertid forskjellige i europeiske land. 1600-tallet er epoken med kontinuerlige kriger i Europa, pågående koloniale erobringer i den nye verden, Asia og Afrika. Samtidig blir de gamle kolonilandene Spania og Portugal gradvis skjøvet i bakgrunnen av de unge statene Holland og England. Med et slikt mangfold av økonomiske, politiske og sosiale relasjoner i landene i Europa, virker det umulig å snakke om noen enhet i vesteuropeisk kultur på 1600-tallet. Og likevel vil vi referere til synspunktet til S.D. Artamonova, Z.T. Sivil, som anser denne epoken som et uavhengig stadium i historien til utenlandsk litteratur, siden gjennom variasjonen av spesifikke former for historisk og kulturell utvikling i individuelle land, er trekk ved det typologiske fellesskapet av sosiale, politiske og kulturelle prosesser i denne epoken synlige . Så 1600-tallet er en uavhengig periode i overgangstiden fra føydalisme til kapitalisme, som ligger mellom renessansen og opplysningstiden. Dette er en historie full av hendelser, preget av en ekstremt intensivert klassekamp og preget av en økende utforskning av naturen. To grupper går inn på den politiske arenaen: Den protestantiske union (Frankrike, Nederland, England, Danmark, Sverige grunnlagt i 1607) og den katolske ligaen (Østerrike, Spania, Vatikanet grunnlagt i 1609). Rivaliseringen mellom disse to politiske leirene førte til 30-årskrigen, den viktigste begivenheten på 1600-tallet. Krigen begynte i 1618 og var preget av en kamp mellom den tidlige borgerlige orden, etablert i Nederland som følge av frigjøringsbevegelsen, og en spesiell reaksjonær form for det sene føydale systemet. På den annen side oppsto det en væpnet konflikt mellom føydale land med ulikt utviklingsnivå. Krigen endte med inngåelsen av freden i Westfalen i 1648, den endelige anerkjennelsen av generalstatene (Nederland) og den engelske borgerlige revolusjonen i 1649. Slik oppsto de første borgerlige nasjonalstatene og det reaksjonære Spanias styre ble brutt. Dermed ser vi at det viktigste som kjennetegner Europas historie på 1600-tallet er overgangen, tidens krise. Eldgamle fundamenter smuldrer opp; den føydale orden beholder fortsatt sin dominans, men i dypet av føydalismen avsløres de mest akutte motsetningene, som varsler sammenbruddet av det gamle systemet.
7 Begynnelsen av denne perioden ble lagt av den forrige epoken. Renessansens verdensbilde erstattes av et nytt. Skifter innen vitenskapsfeltet bidro også til dannelsen. I Europa dukker de første vitenskapelige miljøene og akademiene opp, utgivelsen av vitenskapelige tidsskrifter begynner. Den skolastiske vitenskapen i middelalderen viker for den eksperimentelle metoden. Matematikk ble det ledende vitenskapsfeltet på 1600-tallet. Under disse historiske forholdene, samt under påvirkning av renessansetradisjonen som delvis fortsatte, ble det utviklet begreper om virkelighetsforståelse, som var basert på motstridende syn på verden og menneskets hensikt. Disse prosessene kunne ikke annet enn å reflekteres i sfæren av litterær kreativitet og i utviklingen av tidens filosofiske tanke. Mens forfatterne på den ene siden tok til orde for frigjøring av individet, observerte de på den andre siden en gradvis tilbakevending til den gamle sosiale orden, som i stedet for den tidligere personlige underkastelsen etablerte en ny form for menneskelig avhengighet av en materiell og ideologisk grunnlag. Dette nye ga opphav til tro på skjebnen. Nytt i menneskebegrepet, fremsatt av litteraturen i denne perioden, var forståelsen av ansvar for hans handlinger og gjerninger, uavhengig av de politiske og religiøse relasjonene han var lenket til. Spørsmålet om menneskets forhold til Gud inntok en avgjørende plass i det syttende århundres tenkning. Gud representerte den høyeste orden, harmoni, som ble tatt som modell for den kaotiske jordiske strukturen. Deltagelse i Gud var ment å hjelpe en person til å tåle livets prøvelser. 2. Ledende litterære trender på 1600-tallet Forverringen av den politiske og ideologiske kampen ble reflektert i dannelsen og konfrontasjonen av de to kunstneriske systemene barokk og klassisisme. Vanligvis, som karakteriserer disse systemene, fokuserer på forskjellene deres. Deres ulikhet er udiskutabel, men det er ingen tvil om at disse to systemene har typologisk fellestrekk: 1) kunstneriske systemer oppsto som en bevissthet om renessansens idealers krise; 2) representanter for barokken og klassisismen avviste ideen om harmoni som ligger til grunn for det humanistiske renessansekonseptet: i stedet for harmoni mellom menneske og samfunn, avslører kunsten fra 1600-tallet et komplekst samspill mellom individet og miljøet; i stedet for harmonien mellom fornuft og følelse, fremmes ideen om å underordne lidenskaper til fornuften.
8 A. Klassisisme Klassisismen på 1600-tallet ble en slags refleksjon av humanismen etter renessansen. Klassisistene er preget av ønsket om å utforske personligheten i dens forbindelser med verden. Klassisismen som kunstnerisk system kombinerer en orientering mot antikken med en dyp penetrasjon inn i karakterenes indre verden. Kampen mellom følelse og plikt er klassisismens hovedkonflikt. Gjennom sin prisme forsøkte forfattere å løse mange av virkelighetens motsetninger. Klassisisme fra lat. classicus førsteklasses, eksemplarisk oppsto i Italia på 1500-tallet i universitetskretser som en praksis for etterligning av antikken. Humanistiske lærde prøvde å motarbeide den føydale verden med de gamles høyoptimistiske kunst. De forsøkte å gjenopplive det eldgamle dramaet, prøvde å utlede fra verkene til eldgamle mestere de generelle reglene som de antikke greske skuespillene angivelig ble bygget på. Faktisk hadde gammel litteratur ingen regler, men humanister forsto ikke at kunst fra en epoke ikke kunne "transplanteres" til en annen. Tross alt oppstår ethvert arbeid ikke på grunnlag av visse regler, men på grunnlag av spesifikke forhold for sosial utvikling. I Frankrike på 1600-tallet utvikler klassisismen seg ikke bare raskt, finner sin metodiske begrunnelse i filosofien, men blir også, for første gang i historien, en offisiell litterær bevegelse. Dette ble tilrettelagt av den franske domstolens politikk. Fransk absolutisme (en overgangsform for staten, når det svekkede aristokratiet og borgerskapet, som ennå ikke har fått styrke, er like interessert i kongens ubegrensede makt) forsøkte å gjenopprette orden på alle områder av livet, å etablere prinsippene av sivil disiplin. Klassisismen, med sitt strenge regelsystem, var praktisk for absolutismen. Han lot kongemakten blande seg inn i det offentlige livets kunstneriske sfære, for å kontrollere den kreative prosessen. Det var for en slik kontroll at den berømte Académie de Reshelie ble opprettet på 40-tallet av 1600-tallet. Filosofien til René Descartes (), som hevdet at mennesket, og ikke Gud, er alle tings mål, motarbeidet på mange måter den katolske reaksjonen på den tiden. I stedet for å hevde askese og lydighet, forkynner Descartes "Cogito, ergo sum" "Jeg tenker, derfor er jeg." Forkynnelsen av den menneskelige fornuft hadde en objektiv anti-geistlig karakter. Det var dette som tiltrakk teoretikere av klassisismens estetikk i læren til den franske tenkeren. Rasjonalismens filosofi forutbestemte karakteren av klassisistenes ideer om det ideelle og den positive helten. Klassisistene så kunstens mål i kunnskapen om sannhet, som fungerte som skjønnhetsidealet. De la frem en metode for å oppnå det, basert på tre sentrale kategorier av deres
9 estetikk: grunn, modell, smak. Alle disse kategoriene ble ansett som objektive kriterier for kunstnerskap. Fra klassisistenes synspunkt er store verk ikke frukten av talent, ikke inspirasjon, ikke kunstnerisk fantasi, men hardnakket å følge fornuftens diktater, studere antikkens klassiske verk og kjenne til smaksreglene. Klassisistene mente at bare den personen som kan underordne sine følelser og lidenskaper fornuften er et verdig eksempel. Det er derfor en person som er i stand til å ofre følelsene sine for fornuftens skyld, alltid har blitt ansett som en positiv helt i klassisk litteratur. Så, etter deres mening, er Sid, karakteren til skuespillet med samme navn av Corneille. Rasjonalistisk filosofi forutbestemte også innholdet i klassisismens kunstneriske system, som baserer seg på den kunstneriske metoden som et prinsippsystem der den kunstneriske utviklingen av virkeligheten i all dens mangfold finner sted. Prinsippet om hierarki (dvs. underordning) av sjangere vises, og hevder deres ulikhet. Dette prinsippet stemte godt overens med absolutismens ideologi, som sammenlignet samfunnet med en pyramide, på toppen av hvilken kongen står, samt med rasjonalismens filosofi, som krevde klarhet, enkelhet og en systematisk tilnærming til ethvert fenomen. I henhold til hierarkiprinsippet er det "høy" og "lav" sjangere. De "høye" sjangrene (tragedie, ode) ble tildelt et nasjonalt tema, de kunne bare fortelle om konger, generaler og den høyeste adelen. Språket i disse verkene hadde en optimistisk, høytidelig karakter ("høy rolig"). I de "lave" sjangrene (komedie, fabel, satire) var det mulig å berøre bare spesielle problemer eller abstrakte laster (gjærlighet, hykleri, forfengelighet, etc.), og fungerte som absolutiserte private trekk ved den menneskelige karakteren. Helter i de «lave» sjangrene kan være representanter for samfunnets lavere klasser. Fjerning av adelige personer var kun tillatt i unntakstilfeller. På språket til slike verk var frekkhet, tvetydige hint, ordspill ("lav ro") tillatt. Bruken av ordene «høy ro» her var som regel av parodisk karakter. I samsvar med rasjonalismens prinsipper fremsatte klassisistene kravet om sjangres renhet. Blandede sjangre, som tragikomedie, blir skviset ut. Dette treffer en bestemt sjangers evne til å reflektere virkeligheten helhetlig. Fra nå av er det bare hele sjangersystemet som er i stand til å uttrykke livets mangfold. Med andre ord, i klassisismen avsløres virkelighetens rikdom og kompleksitet ikke gjennom sjangeren, men gjennom metoden.
10 Ved midten av 1600-tallet var oppfatningen fast etablert at den viktigste litterære sjangeren var tragedie (i arkitekturen et palass, i å male et seremonielt portrett). I denne sjangeren var lovene de strengeste. Plottet (historisk eller legendarisk, men plausibelt) skal gjengi eldgamle tider, livet til fjerne stater. Det bør gjettes allerede fra navnet, som ideen fra de første linjene. Komplottets berømmelse motarbeidet intrigekulten. Det var nødvendig for å bekrefte livets logikk, der regelmessighet seiret over tilfeldighetene. En spesiell plass i teorien om tragedie ble okkupert av prinsippet om tre enheter. Den ble formulert i verkene til de italienske og franske humanistene på 1500-tallet (J. Trissino, J. Scaliger), som stolte på Aristoteles i deres kamp med middelalderteateret. Men bare klassisistene på 1600-tallet (spesielt Boileau) opphøyde den til en udiskutabel lov. Handlingens enhet krevde reproduksjon av én integrert og fullstendig handling som ville forene alle karakterene. Tidens enhet ble redusert til kravet om å sette handlinger på en dag. Stedets enhet kom til uttrykk i at handlingen i hele stykket skulle utfolde seg på ett sted. Det teoretiske hovedverket, som skisserte prinsippene vi har vurdert, var boken av N. Boileau "Poetisk kunst" (1674). De mest kjente representantene for klassisismen: Jean Lafontaine (), Pierre Corneille (), Jean Racine (), Jean-Baptiste Moliere (). B. Barokk Det er forskjellige forklaringer på begrepet "barokk". Og hver av dem gir mye for å forstå selve stilen. Det antas at navnet på denne retningen kommer fra den portugisiske perola barrocca, som betyr en dyrebar perle med uregelmessig form, glitrende og glitrende med alle regnbuens farger. I følge den andre versjonen av barokken, en intrikat skolastisk syllogisme. Til slutt betyr den tredje versjonen av barokk løgn og bedrag. Det faktum at denne uregelmessig formede perlen umiddelbart kontrasterer barokken med renessansens harmoniske kunst, nær det klassiske idealet. I tilnærming til en dyrebar perle, noteres det barokke ønsket om luksus, raffinement og dekorativitet. Omtalen av syllogisme peker på sammenhengen mellom barokken og middelalderens skolastikk. Til slutt understreker det faktum at barokken tolkes som usannhet og bedrag det illusoriske øyeblikket, som er veldig sterkt i denne kunsten.
11 Barokk er basert på disharmoni og kontrast. Dette er kontrasten mellom urimelig menneskelig natur og et nøkternt sinn. Barokken er også preget av kontrasten mellom det prosaiske og det poetiske, det stygge og det vakre, karikaturen og det høye idealet. Barokkforfattere la vekt på menneskets avhengighet av objektive forhold, av natur og samfunn, det materielle miljøet og miljøet. Synet deres på en person er nøkternt og nådeløst hardt. Barokkkunstnere avviser idealiseringen av mennesket, som var grunnlaget for renessanselitteraturen, og skildrer mennesker som onde og egoistiske eller prosaiske og vanlige. Mennesket selv er i deres øyne bæreren av disharmonien. I hans psykologi ser de etter motsetninger og rariteter. Dermed skygger de kompleksiteten til den indre verdenen til en person og understreker i den, som det var, gjensidig utelukkende trekk. Men ikke bare mennesket er disharmonisk. Et av prinsippene i barokklitteraturen er også prinsippet om dynamikk, bevegelse. Bevegelsen blir sett på som basert på indre motsetninger og antagonisme. I denne interne disharmonien, reflektert i barokkens litteratur, manifesterte det seg at disharmonien hersker i selve samfunnet, som oppstår fra kampen for egoistiske interesser. Et viktig trekk ved skjønnhetsforståelsen, ideen om skjønnhet i barokkkunst, er forbundet med dette. Livet er prosaisk, mennesket er av natur svakt og ondskapsfullt. Derfor er alt vakkert utenfor det materielle naturlige prinsippet. Bare en åndelig impuls kan være vakker. Det vakre er flyktig, ideelt og tilhører ikke den virkelige, men den andre verden, fantasiens verden. For renessansens forfattere var skjønnhet inneholdt i naturen selv, for eksempel i folkets naturlige poesi. For barokkforfattere er skjønnhet et resultat av bevisst dyktighet, bevisst mental aktivitet. Det er bisarrt, særegent, pretensiøst. På 1500- og 1600-tallet kranglet forfattere fra forskjellige land om hva som var høyere: denne umiddelbarheten til selve naturen eller kunsten, håndverket. Barokkforfatternes sympati var på håndverkets side. Dette gjelder også den litterære stilen, som de søkte å gjøre utilgjengelig, intrikat, fylt med komplekse metaforer og sammenligninger, hyperboler og retoriske figurer. Til tross for at barokken er en komplett stil, var den fra et ideologisk synspunkt ikke integrert. Det er nok å påpeke den voldsomme politikken som ble ført av Gongora og Quevedo. Gongora representerte barokken i sin aristokratiske form. Han kontrasterte virkeligheten med en illusorisk verden, lik en betinget natur. Skapelsen av denne verden ble også tjent med stilen til Gongora, fylt med intrikate hyperboler og bisarre bilder og
12 gjør livet til en fantasi. Denne stilen ble kalt "kulteranisme" (fra ordet culto bearbeidet, kledd). I motsetning til Gongora, så hans motstander Quevedo etter kontraster og motsetninger i den spanske virkeligheten selv, og brakte livets laster til et punkt av karikatur og grotesk. Hans stil med "konseptisme" (fra ordet concepto thought) er i motsetning til det Gongora representerte. For å fullføre karakteriseringen av barokken må følgende legges til. De største forfatterne i denne epoken, Quevedo, Tirso de Molina, Calderon, var religiøse mennesker. Mange av verkene deres er gjennomsyret av en religiøs idé og tilhører religiøs kunst. Ut fra dette er det veldig enkelt å erklære dem for reaksjonære. Imidlertid kom de største av dem (Calderon, Quevedo, Gracian, Tirso de Molina) i kontakt i sitt arbeid med folkeideer og folkesynspunktet. De ga en nøktern og skarp kritikk av den fremvoksende monetære verden, malte en vanlig person og bidro derved til demokratisering av kunsten. B. Renessanserealisme Renessanserealismen, som utviklet seg parallelt med klassisismen og barokken, kastet nytt lys over tidens motsetninger, særlig i synet på moralske verdier, hvorav menneskets høyeste var mennesket. Representanter for renessansens realisme var på mange måter motstandere av klassisismen med dens system av regler og normer og barokk, og aspirerte til en verden av eksotisk og fantasi. De godtok ikke manerer, overdreven sofistikering av barokkverk. Tilhengerne av humanismen forble tilhengere av klarhet, sannhet i kunsten, men hadde ikke lenger hastverk med å hevde kraften i det menneskelige sinnet og individets ubegrensede muligheter. Forfatterne av renessansens realisme opplevde den samme skuffelsen i humanistiske idealer som samtidige, og var ikke redde for å reise brennende spørsmål. En spesiell plass blant dem er okkupert av begrepet dyd, inkludert menneskelig verdighet, stolthet, ære, som er i konflikt med føydalismens klassefordommer. I tillegg henvendte representanter for renessansens realisme seg til beskrivelsen av menneskers daglige liv. De fortsatte å utvikle tradisjonen med urban litteratur. For første gang reiste representanter for renessanserealismen spørsmålet om forholdet mellom den moralske karakteren til en person og hans eiendom, med miljøet han ble utdannet i. Samtidig viste representanter for folket seg å være høyere og moralsk oftere i sine arbeider, og Lope de Vega viste for eksempel for første gang bøndene som et fellesskap av lyse individer, mennesker som var i stand til å diskutere høye saker og, om nødvendig, opprettholde deres menneskeverd til slutten.
13 Bebreidelsen fra kritikere mot humanistiske forfattere er fraværet av skarp samfunnskritikk i deres forfatterskap. Men vi skal ikke glemme at både i dramaturgien og i prosaen er etiske spørsmål nært knyttet til politiske spørsmål. Bare nå er de ikke satt i forgrunnen. Det jordiske hverdagslivet til en person krever ikke høy patos og raffinement i uttrykket av tanker. Samtidig, bak all den tilsynelatende enkelheten ved å beskrive virkeligheten, skjuler forfattere seriøse refleksjoner over skjebnen til deres land og folk. Det er derfor dramaturgien til Lope de Vega eller den tidlige dramaturgien til Tirso de Molina ennå ikke har mistet sin sivile lyd. Og det er ingen tilfeldighet at forfatterne av renessanserealismen fra første halvdel av 1600-tallet i ulike litterære kilder ofte er rangert blant forfatterne av senrenessansen, og deres arbeid er vurdert i delen av renessanselitteraturens historie. Vi finner en slik tilnærming i verkene til A.L. Stein, V.S. Uzina, N.I. Balashova. 3. Lope de Vegas kreativitet A. Oversikt over dramatikerens liv og kreative vei Ved overgangen til 1500- og 1600-tallet, Lope de Vega (), basert på tradisjonene til det spanske folketeateret og den mektige realistiske tradisjonen med renessansen, skapte spansk dramaturgi. Blant galaksen av fremragende dramatikere har han førsteplassen. Spanjolene forgudet sitt nasjonale geni. Navnet hans har blitt et symbol på alt som er vakkert. Lope Felix de Vega Carpio ble født 25. november 1562 i Madrid. Faren hans, innfødt av en asturisk bondefamilie, var en velstående mann som hadde sin egen gullbroderi-etablissement i Madrid. Han ga sønnen sin en god utdannelse og til og med adelen, etter å ha kjøpt, i henhold til datidens skikk, patent på en adelig tittel. Etter å ha mottatt sin første utdannelse ved en jesuitthøyskole, ble den unge mannen uteksaminert fra universitetet. Allerede fra ung alder var han i tjeneste for adelige personer, opptrådte tidlig med skuespillertroppene som han skrev skuespill for, var en gang soldat, var gift flere ganger, hadde et uendelig antall kjærlighetsforhold, i en alder av femti ble en ansatt i inkvisisjonen, deretter en munk og en prest, noe som ikke hindret ham i å føre en sekulær livsstil, uten å stoppe kjærlighetsforholdet før hans avanserte år. Bare veldig kort tid før hans død, under påvirkning av vanskelige personlige opplevelser (sønnens død, bortføringen av datteren), begynte Lope de Vega å hengi seg til asketisk tro og vise en forkjærlighet for mystikk. Han døde omgitt av universell ære. Mer enn hundre diktere komponerte dikt for hans død. Det allsidige livet til Lope de Vega gjenspeiles i hans litterære verk. Den letthet han skrev med, rikdom og glans
14 av verkene hans ble beundret av hans samtidige, som kalte ham "et mirakel av naturen", "føniks", "et hav av poesi". I en alder av fem skrev Lope de Vega allerede poesi, og som tolv år komponerte han en komedie som ble satt opp. Deretter skrev han, som han forsikret, stykket mer enn én gang på en dag. Han prøvde alle poetiske og prosasjangere. Ifølge Lope de Vega selv skrev han 1800 komedier, hvortil 400 religiøse skuespill og et meget stort antall mellomspill må legges til. Imidlertid brydde Lope de Vega seg lite om sikkerheten til hans dramatiske verk, som ble ansett som den laveste typen litteratur, som et resultat av at de fleste av dem ikke ble publisert i løpet av hans levetid. Teksten på bare 400 skuespill av Lope de Vega (nesten helt poetisk) har kommet ned til oss, og ytterligere 250 er bare kjent med tittel. Dramatikeren la tidlig merke til at skuespill skrevet etter klassisismens strenge regler ikke finner en skikkelig respons blant folket. De praktfulle frasene til heltene oppfattes kaldt, lidenskapene virker overdrevne. Lope de Vega ville glede publikum, skrev han for allmuen. Grunnleggerne av det klassiske teateret krevde enhet av inntrykk, tragisk for tragedie, morsomt for komedie. Lope de Vega nektet dette, og uttalte at alt i livet ikke er tragisk eller alt er morsomt, og av hensyn til livets sannhet etablerte han for sitt teater "en blanding av det tragiske med det morsomme", "en blanding av det sublime". og det morsomme." Lope de Vega mente at det er absurd å begrense dramatikeren til en tjuefire timers tidsbegrensning, å kreve fra ham stedsenhet, men handlingens enhet er nødvendig, handlingens enhet er obligatorisk. Dramatikeren utvikler en teori om sceneintriger. Intriger er stykkets nerve. Det binder stykket sammen og holder betrakteren mektig fanget av scenen. Helt fra begynnelsen skal intrigen allerede binde knuten av hendelser og lede betrakteren gjennom en labyrint av scenehindringer. Lope de Vega prøvde seg på ulike sjangere. Han skrev sonetter, episke dikt, noveller, åndelige dikt. Imidlertid var Lope de Vega par excellence en dramatiker. Utvalget av handlinger av verkene er bredt: menneskelig historie, Spanias nasjonale historie, spesielt heroiske tider, hendelser fra livet til samtidige fra ulike sosiale lag i landet, levende episoder fra livet til alle folkeslag. Det er 3 perioder i dramatikerens arbeid: I perioden () på dette tidspunktet oppsummerer han aktivt prestasjonene til nasjonalteateret, hevder forfatterens rett til fri kreativitet. De beste skuespillene i denne perioden er Danselæreren (1594), Den valencianske enken (1599), Den nye verden oppdaget av Christopher Columbus (1609).
15 I den andre perioden () skaper forfatteren sine egne nasjonalhistoriske dramaer, ved å bruke handlingene til folkeromaner Fuente Ovehuna (1613), Illegitimate Son of Mudarra (1612). I løpet av denne perioden dukket de mest kjente komediene opp: "The Dog in the Manger" (1613), "The Fool" (1613). III periode () skriver dramaene "The Best Alcalde King" (), "The Star of Sevilla" (1623), komedien "Girl with a Jug" (1623), "To Love Without Knowing Whom" (1622). Til tross for kompleksiteten i å klassifisere forfatterens arv etter sjanger, skilles vanligvis tre grupper verk ut: folkeheroiske, nasjonalhistoriske og sosiale dramaer; husholdningskomedier, kalt "kappe- og sverdkomedier"; bil åndelige aktiviteter. B. Den ideologiske og kunstneriske originaliteten til dramaet "Fuente Ovejuna" Dramaet "Fuente Ovejuna" er et av høydepunktene i Lope de Vegas verk. Det kan også tilskrives antallet historiske skuespill, siden handlingen finner sted på slutten av 1400-tallet, under Ferdinands og Isabellas regjeringstid. Det mest bemerkelsesverdige med dette stykket, gjennomsyret av virkelig revolusjonær patos, er at helten ikke er noen individuell karakter, men massene av folket. Byen Fuente Ovehuna, oversatt betyr "Sauekilden", ligger i Spania nær byen Cordoba. Her brøt det ut et opprør i 1476 mot vilkårligheten til sjefen for Calatrava-ordenen, Fernand Gomez de Guzman. Kommandanten ble drept av opprørerne. Dette historiske faktum ble gjengitt i hans skuespill av dramatikeren. Begrepet "åndelig orden" fører oss til Spanias dype antikke. Allerede på 1100-tallet ble det opprettet åndelige og ridderlige ordener, militære og klosterorganisasjoner i landet for å bekjempe maurerne. I spissen for ordenen sto stormesteren, som var underlagt ordenens og pavens råd. Stormesterens makt ble utført av sjefene for de regionale militærguvernørene. Disse ordenene erobret snart enorme territorier, ble økonomisk sterkere, og siden de var direkte underlagt paven, og ikke kongen, ble de en slags høyborg for føydalt anarki i landet. Kommandanten for Calatrava-ordenen, Fernand Gomez, som er stasjonert med sin avdeling i landsbyen Fuente Ovehuna, begår vold mot innbyggerne, fornærmer den lokale alcalden og prøver å vanære datteren Laurencia. Bonden Frondoso, som elsker henne, klarer å beskytte jenta. Men under bryllupet til Frondoso og Laurencia dukker kommandanten opp med sine håndlangere, sprer de forsamlede, slår alcalden, vil henge Frondoso og kidnapper Laurencia for deretter å ta henne i besittelse med makt. Bøndene kan ikke tåle slik vanære: de er alle mennesker,
16 kvinner, barn uten unntak bevæpner seg og banker voldtektsmennene. Under rettsetterforskningen oppnevnt av kongen i denne saken, når bøndene blir torturert, som nøyaktig drepte Fernand Gomez, alle som ett svar: "Fuente Ovejuna!" Kongen blir tvunget til å stoppe retten: han "tilgir" bøndene og tar Fuente Ovejuna under sin direkte myndighet. Slik er kraften til folkelig solidaritet. Kommandør Fernand Gomez tok, som den historiske kronikken sier, besittelse av byen Fuente Ovehuna vilkårlig, mot viljen til kongen og myndighetene i byen Cordoba. Bøndene som gjorde opprør mot ham personifiserte ikke bare krigere mot folkets undertrykkere, men også kjemper for den politiske enheten i landet, noe Lope de Vega la vekt på i skuespillet sitt. Dette falt sammen med det politiske programmet til spanske myndigheter. Derfor var det mulig å glorifisere de opprørske bøndene så dristig. Stykkets politiske problemer tolkes av Lope de Vega i et historisk perspektiv. Ekteskapet til den aragonske Infante Ferdinand med Isabella av Castilla betydde annekteringen av kongeriket Aragon av Castilla, det vil si foreningen av hele Spania. Ved Lope de Vega er bøndene i Fuente Ovehuna hengivne til Ferdinand og Isabella, mens sjefen, sammen med hele sin orden, opptrer som en forræder, og støtter kravene til den kastilianske tronen til en annen søker, noe som ville føre til fragmentering av Spania. I stykket av Lope de Vega henger altså nasjonal enhet, nasjonalitet og ekte adel sammen internt. Den sentrale karakteren i stykket Laurencia. Dette er en enkel bondepike. Sjarmerende, stolt, skarptunget, smart. Hun har en høyt utviklet selvfølelse, og hun vil ikke la seg støte. Lawrencia blir kurtisert av landsbygutter, men foreløpig har hun og vennen Pascuala bestemt seg for at alle mennene er useriøse. Soldater prøver å forføre Laurencia med gaver, og henger henne til kommandantens gunst, men jenta svarer dem med forakt: Høna er ikke så dum, Ja, og hard mot ham. (Oversatt av K. Balmont) Jenta vet imidlertid allerede at kjærlighet finnes i verden; Hun har allerede en viss filosofi i denne forbindelse. I en av scenene i stykket begynner en tvist om kjærlighet mellom unge bondegutter og jenter. Hva er kjærlighet? Finnes det i det hele tatt? Bonden Mengo, en av de mest interessante karakterene i stykket, nekter kjærligheten. Barrildo er ikke enig med ham: Hvis kjærlighet ikke fantes, så kunne heller ikke verden eksistere. (Oversatt av K. Balmont)
17 Denne dommen blir tatt opp av andre. Kjærlighet, ifølge Laurencia, er "ønsket om skjønnhet" og dens endelige mål er "å smake nytelse." Foran oss er renessansens livsbekreftende filosofi. Karakteren til Laurencia blir ikke umiddelbart avslørt for seeren. Vi vet fortsatt ikke hvilke sjelekrefter denne bondepiken skjuler i seg selv. Her er scenen ved elven: Laurencia skyller klær, bondegutten Frondoso, som vanser av kjærlighet til henne, forteller henne om følelsene sine. Den bekymringsløse Laurencia ler av ham. Det gir henne glede å håne kjæresten, men hun liker ham, denne ærlige, sannferdige unge mannen. Kommandanten dukker opp. Når han ser ham, gjemmer Frondoso seg, og sjefen, som tror at jenta er alene, holder seg frekt til henne. Laurencia er i stor fare, og hun har ikke noe annet valg enn å ringe etter hjelp. Hun nevner ikke navnet på Frondoso, som gjemte seg bak en busk, roper hun til himmelen. Her er en test av Frondosos mot: er kjærligheten hans sterk, er han uselvisk nok? Og den unge mannen skynder seg til unnsetning. Han blir truet på livet, men han redder jenta. Frondoso blir tvunget til å gjemme seg. Kommandantens soldater jakter ham for å fange og henrette ham. Men han er uforsiktig. Han søker å møte Laurencia, han elsker henne og forteller henne nok en gang om kjærligheten sin. Nå kan jenta ikke annet enn å elske ham, hun er klar til å gifte seg med ham. Så den uforsiktige Laurencia, som anså alle mennesker for å være bedragere og useriøse, ble forelsket. Alt lover henne lykke. Bryllupet skal snart finne sted. Foreldrene til de unge er enige om å forene dem. I mellomtiden er sjefen og soldatene hans opprørende, og overfylte folkets tålmodighetsbeger. Forferdelige ting skjer i Fuente Ovehuna. Men poeten kan ikke være dyster og snakke selv om dette. Stemninger av motløshet og pessimisme er fremmede for ham, så vel som for bondeheltene hans. Ånden av munterhet og tro på sannheten er usynlig tilstede på scenen. Frondoso og Laurencia er gift. Bønder synger velgjørende sanger. Bryllupsprosesjonen innhentes av sjefen med soldatene sine. Kommandøren beordrer å beslaglegge begge. Og den festlige mengden er spredt, unge ektefeller blir tatt til fange, uheldige foreldre sørger over barna sine. Frondoso er truet på livet. Etter lange torturer, skitten trakassering, løper Laurencia fra sjefen. Og hvordan hun har forandret seg! Hun dukket opp på nasjonalforsamlingen, hvor kvinner ikke fikk lov: Jeg trenger ikke stemmerett, En kvinne har rett til å stønne (Oversatt av K. Balmont) Men hun kom ikke hit for å stønne, men for å uttrykke sin forakt. for elendige menn som ikke er i stand til å forsvare seg. Hun nekter faren. Hun fordømmer feige bønder:
18 Dere er sauer, og Sauenøkkelen er akkurat den rette for dere å bo i! .. Dere er villmenn, ikke spanjoler, feige, hareavkom. Ulykkelig! Du gir konene dine til fremmede menn! Hvorfor bærer du sverd? Heng fra siden av spindelen! Jeg sverger deg, jeg skal ordne slik at kvinnene selv skal vaske sin flekkete ære I blodet til forræderske tyranner, Og de vil etterlate deg i kulden (Oversatt av K. Balmont) Laurencias tale tente bøndene, de gjorde opprør. Opprørernes raseri er nådeløst. Kommandøren blir drept. Blid og sjenert, en ganske vanlig bondekvinne i begynnelsen av stykket, blir Laurencia i løpet av handlingen den anerkjente lederen for opprørerne. Og ikke bare personlig harme og kjærlighet til Frondoso styrer hennes handlinger, men også landsbyens felles interesser. Stykket avsluttes med en lykkelig slutt. Bøndene vant. Og det kunne ikke vært annerledes, for livet vinner alltid. Dette er hovedforskjellen mellom Lope de Vega og barokke poeter og dramatikere. Essensen av spørsmålet ligger ikke i temaene og plottene, ikke i hendelsene som er avbildet, men i forfatterens holdning til disse emnene, plottene og hendelsene. B. Ideologisk og kunstnerisk originalitet ved dramaet "Sevillas stjerne" (1623) Stykket finner sted i Sevilla, sentrum av Andalusia, i antikken, da landet ble styrt av bondekongen Sancho IV den dristige. Konflikten utvikler seg mellom kongen, som ikke tar hensyn til andres menneskeverd, og det gamle Spania, som tar vare på tradisjoner og lever etter lovene om høy ære. To æresbegreper bestemmer utviklingen av konflikten. Begge er legemliggjort i den sentrale karakteren Sancho Ortiz. Kongen likte Estrella, kalt av folket for sin skjønnhet "Star of Sevilla". Han vil ta skjønnheten i besittelse, men jentas bror Busto Tabera kommer i veien for ham. Da han finner kongen i huset hans, skynder han seg mot ham med et sverd. Monarken bestemmer seg for å drepe fienden, men til dette bruker den edle Sancho Ortiz, Estrellas forlovede. Kongen spiller på Sanchos ærlighet. Før han beordrer attentatet på Busto Tabera, tar han med Sancho ut for en ærlig prat om
19 hengivenhet og lojalitet til kongen og tar hans ord for å oppfylle alle ordrene til mesteren uten tvil. Han kjenner godt til Sanchos stolte natur, og gir den unge mannen et papir som rettferdiggjør alle påfølgende handlinger, men Sancho river det opp. Og først etter at kongen endelig ble overbevist om Sanchos vilje til å hevne fornærmelsen mot monarken, gir han en skriftlig ordre med navnet på offeret og drar umiddelbart raskt med en bemerkning som indikerer fullstendig likegyldighet til skjebnen til hans underordnede: Les etter og finne ut hvem du må drepe. Selv om navnet kan forvirre deg, men ikke trekk deg tilbake (Oversatt av T. Shchepkina-Kupernik) Etter å ha lært at han må drepe Busto Taber, hans beste venn og bror til Estrella, står Sancho overfor et valg: å oppfylle kongens bestille eller nekte. I begge tilfeller er han et æresgissel. For første gang snakket dramatikeren om mangelen på frihet til en person i et umenneskelig samfunn og livets meningsløshet. Sancho dreper Busto Tabera og mister Estrella for alltid. Høydepunktet i debatten om ære vil være rettsscenen, der Sancho nekter å navngi personen som beordret drapet. Med fokus på æresspørsmål og tradisjonene i det gamle Spania, understreket Lope de Vega samtidig at Sancho Ortiz, oppdratt i ånden til disse tradisjonene, blir deres gissel, og blir et instrument i hendene på kongemakten. Et karakteristisk trekk ved stykket er at forfatteren introduserer i scenefortellingen den historiske smaken som ligger i Sancho IV den dristiges tid, noe som gir handlingen en spennende poesi. Som mange andre verk er også «Sevillas stjerne» preget av humor, en lur spøk. Umiddelbart etter den patetiske forklaringen til de unge elskerne, får han tjenerne, som viste seg å være tilfeldige vitner til denne hendelsen, til å parodiere sine herrer. Her følger Lope de Vega sin tradisjon, og bringer "sublimt og morsomt" til scenefortellingen. Liste over anbefalt og brukt litteratur 1. Artamonov, S.D. Historie om utenlandsk litteratur fra XVII-XVIII århundrer / S.D. Artamonov. Moskva: Enlightenment, S. Artamonov, S.D. Utenlandsk litteratur fra 1600- og 1700-tallet: en antologi. Proc. stønad til studenter. ped. in-tov / S.D. Artamonov. M.: Opplysning, S
20 3. Vipper, Yu.B., Samarin, R.M. Et kurs med forelesninger om historien til utenlandsk litteratur på 1600-tallet / Yu.B. Vipper, R.M. Samarin; utg. S.S. Ignatov. M.: Universitetskoe, S Erofeeva, N.E. Utenlandsk litteratur. XVII århundre: en lærebok for ped-studenter. universiteter / N.E. Erofeev. Moskva: Bustard, S Plavskin, Z.I. Lope de Vega / Z.I. Plavskin. M.; L., s. 6. Stein, A.L. Spansk litteraturhistorie / A.L. Matte. 2. utg. Moskva: Redaksjonell URSS, S
21 Forelesning 2 Spansk barokklitteratur på 1600-tallet Plan 1. Trekk ved utviklingen av spansk barokklitteratur. 2. Litterære skoler i den spanske barokken. 3. Luis de Gongora som en ledende representant for de spanske barokktekstene. 4. Spansk barokkdramaturgi (Calderon). 5. Francisco de Quevedo og spansk barokkprosa. 1. Funksjoner av utviklingen av spansk barokklitteratur XVII århundre i Spania, epoken med den dypeste økonomiske nedgangen, politisk krise og ideologisk reaksjon. Da en enhetlig spansk stat oppsto på slutten av 1400-tallet og Reconquista ble fullført, så ingenting ut til å varsle en rask katastrofe. Kolonisering fungerte først som en drivkraft for utviklingen av økonomien, fremveksten av tidlige borgerlige relasjoner innen industri og handel. Svært snart ble imidlertid den spanske statens dype tilbakegang, dens økonomi og politikk avslørt. Amerikas gull tillot de herskende klassene og kongemakten i Spania å neglisjere utviklingen av innenlandsk industri og handel. Som et resultat, mot slutten av 1500-tallet, visnet industrien bort. Hele produksjonsgrener forsvant, handel var i hendene på utlendinger. Landbruket har kollapset. Folket tigget, og adelen og de høyere presteskapene druknet i luksus. Sosiale og nasjonale motsetninger i landet eskalerte kraftig. I 1640 begynte et utbredt separatistopprør i Catalonia (den mest industrialiserte regionen i det daværende Spania), ledsaget av tallrike bondeopprør og opptøyer. Gradvis begynte Spania å miste sine kolonier. Alt dette kunne ikke annet enn å sette et avtrykk på den spanske litteraturen på 1600-tallet. Særtrekk ved spansk litteratur på 1600-tallet: 1) i løpet av de første tiårene av 1600-tallet opprettholdt renessansekunsten en sterk posisjon i Spania, selv om den allerede viste krisetrekk. Ledende forfattere blir mer og klarere klar over den indre inkonsekvensen i renessansens idealer, deres inkonsistens med den dystre virkeligheten;
22 2) det dominerende kunstsystemet i Spania gjennom århundret var barokken. Dens tendenser er iboende i arbeidet til 1600-tallets kunstnere Velazquez ("Venus foran et speil"), Murillo ("Jesus deler ut brød til vandrere") og andre. Samspillet mellom barokken og renessansen i Spania var mer intens enn i andre land i Vest-Europa. Det er ingen tilfeldighet at i arbeidet til store skikkelser i litteraturen til den spanske barokken Quevedo, Calderon og andre, spores ekkoer av renessansens idealer og problemer tydelig; 3) Spansk barokkkunst var orientert mot den intellektuelle eliten. Generelt er kunsten til den spanske barokken preget av: alvorlighetsgrad og tragedie; fremheve det åndelige prinsippet; ønsket om å rømme fra klørne til livets prosa. I andre halvdel av 1600-tallet var den preget av en økning i mystiske tendenser. 2. Spansk barokks litterære skoler I den spanske barokkens litteratur (spesielt i første halvdel av århundret) var det en kamp mellom dens to hovedskoler for kultisme (kultarianisme) og konseptisme. Kultisme (fra spansk cultos processed, cultivated) ble designet for å bli oppfattet av utvalgte, fint utdannede mennesker. Da de ikke aksepterte virkeligheten, i motsetning til den perfekte og vakre kunstverdenen, brukte kultistene språket først og fremst som et middel til å avvise den stygge virkeligheten. De skapte en spesiell "mørk stil", og overbelastet verkene med uvanlige og komplekse metaforer, neologismer (for det meste av latinsk opprinnelse) og komplekse syntaktiske konstruksjoner. Den største og mest talentfulle poet-kultist var Gongora (det er derfor kultisme også kalles gongorisme). Konseptisme (fra spansk konsepttanke), i motsetning til kultisme, hevdet å uttrykke kompleksiteten til menneskelig tanke. Konseptistenes hovedoppgave er å avsløre dype og uventede sammenhenger mellom konsepter og objekter som er langt fra hverandre. Konseptister krevde utsagnets maksimale semantiske rikdom. Favoritt-triksene til konseptister er bruken av polysemi av et ord, et ordspill, ødeleggelsen av stabile og kjente fraser. Språket deres er mer demokratisk enn kultistenes språk, men det er ikke mindre vanskelig å forstå. Det er ingen tilfeldighet at den fremtredende spanske filologen R. Menendez Pidal kalte konseptistenes væremåte for «vanskelig stil». De mest fremtredende konseptistiske forfatterne var Quevedo, Guevara og Gracian (sistnevnte er også en konseptistisk teoretiker).
23 Begge skolene har imidlertid mer til felles enn forskjeller. Begge retninger setter fremfor alt en metafor der "quick mind" matchet uventede og fjerne konsepter, kombinerte det inkongruente. Med ekstrem tilslutning til sine dogmer beriket skolene litteraturen med nye uttrykksmidler og påvirket dens videre utvikling. Kultisme var mest levende nedfelt i poesi, konseptisme i prosa. Og dette er ingen tilfeldighet. Kultistene uttrykte de mest subtile følelsene: poesien deres er følelsesmessig overmettet. Konseptister formidlet all rikdommen og fleksibiliteten til skarp tanke: deres prosa er tørr, rasjonalistisk, vittig. 3. Luis de Gongora som en ledende representant for de spanske barokktekstene Luis de Gongora y Argote () en av verdenslitteraturens mest komplekse og talentfulle poeter, har lenge vært ansett som "abstrus", "mørk", utilgjengelig for den vanlige leser . Interessen for hans arbeid ble gjenopplivet i det tjuende århundre gjennom innsatsen til slike poeter som R. Dario og F. Garcia Lorca. Gongoras verk ble ikke publisert i løpet av hans levetid. De ble publisert posthumt i samlingen Works in the Verses of the Spanish Homer (1627) og i samlingen av verkene hans, utgitt i 1629. Romantikk, letrilla (populære former for folkepoesi), sonett, lyrisk dikt - sjangere der dikteren udødeliggjorde navnet sitt. Gongora skapte en spesiell "mørk stil" i poesi, som utelukket tankeløs lesing av poesi og var for ham et slags middel til å avvise den stygge virkeligheten. Av stor betydning for dannelsen av dikterens stil var de middelalderske arabisk-andalusiske tekstene (Gongora ble født i Cordoba, den tidligere hovedstaden i det arabiske kalifatet, som holdt tradisjonene til en tusenårig kultur). Hun reproduserte virkeligheten i to plan, ekte og betinget. Den stadige utskiftingen av en reell plan med en metaforisk er den vanligste innretningen i Gongoras poesi. Temaene i diktene hans er nesten alltid enkle, men implementeringen er ekstremt vanskelig. Linjene hans må nøstes opp, og dette er hans bevisste kreative setting. Forfatteren mente at uklarhetene i uttrykk, den "mørke stilen" induserer en person til aktivitet og samskaping, mens de vanlige, utslettede ordene og uttrykkene demper hans bevissthet. Derfor mettet han sin poetiske tale med eksotiske neologismer og arkaismer, ved å bruke kjente ord i en uvanlig sammenheng, og forlot den tradisjonelle syntaksen. Gongoras poesi demonstrerer mangfoldet av synspunkter på emnet (pluralisme) og ordets tvetydighet, typisk for det barokke kunstsystemet. I hans poetiske vokabular er det særegne
24 stikkord som et helt system av metaforer er bygget på: krystall, rubin, perler, gull, snø, nellik. Hver av dem, avhengig av konteksten, får en eller annen tilleggsbetydning. Så ordet "krystall" kan bety ikke bare vann, en kilde, men også kroppen til en kvinne eller hennes tårer. "Gull" er hårgull, olivenolje gull, honeycomb gull; "flyvende snø" en hvit fugl, "spunnet snø" en hvit duk, "flyktende snø" det snøhvite ansiktet til en elsket. I årene fortsatt ganske ung, Gongora skaper rundt 30 sonetter, som han skriver basert på Ariosto, Tasso og andre italienske poeter. Allerede disse, ofte fortsatt studentdikt, er preget av intensjons originalitet og forsiktig polering av formen. De fleste av dem er viet til temaet livets skrøpelighet, skjønnhetens skjørhet. Motivet til den berømte sonetten «Mens hårets fleece renner» går tilbake til Horace. Den ble utviklet av mange poeter, inkludert Tasso. Men selv i den tragiske Tasso høres det ikke like håpløst ut som i Gongora: skjønnhet vil ikke bare blekne eller falme, men vil bli til et allmektig Ingenting ... Skynd deg å smake på nytelsen i kraften Gjemt i huden, i krøllen, i munnen. Inntil buketten av dine nelliker og liljer Ikke bare på vanærende vis ikke visnet, Men årene gjorde deg ikke til aske og jord, til aske, røyk og støv. (Oversatt av S. Goncharenko) Verdens disharmoni, der lykken er flyktig i møte med det allmektige Ingenting, understrekes av diktets harmonisk harmoniske komposisjon, gjennomtenkt til minste detalj. Gongoras poetiske stil kom mest til uttrykk i diktene hans The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) og Solitude (1614). Handlingen til Polyphemus og Galatea er lånt fra Ovids Metamorphoses. Gongora ble tiltrukket av handlingen med sin fantastiske karakter og lunefulle bilder. Med utgangspunkt i det klassiske bildet skapte Gongora et komplett og perfekt barokkdikt, og mer lyrisk enn narrativt. Hun er internt musikalsk. Forskeren av arbeidet til Gongora Belmas sammenlignet det med en symfoni. Diktet, skrevet i oktaver, er bygget på antitesene til den vakre, lyse verdenen til Galatea og hennes elskede Asis og den mørke verdenen til Polyphemus, samt det stygge utseendet til kyklopen og den milde, kraftige følelsen som fylte ham fullstendig. . I sentrum av diktet er møtet mellom Asis og Galatea. Vi hører ikke deres tale, det er stille pantomime eller ballett. Datoen ser ut som en idyll, gjennomsyret av en ånd av harmoni og ro. Han blir avbrutt av utseendet til et monster rasende av sjalusi. Elskere løper, men katastrofer
25 passerer dem. Polyphemus er sint og kaster en stein på Asis og begraver ham under den. Asis blir til en bekk. Gongora leder leseren til tanken: verden er disharmonisk, lykken er uoppnåelig i den, skjønnheten dør i den, akkurat som den vakre Asis dør over fragmentene av en stein. Men livets disharmoni balanseres av kunstens strenge harmoni. Diktet er fullført. Og med all den indre disharmonien, har den en balanse mellom de bestanddelene. Den sanne toppen av Gongoras arbeid er diktet "Ensomhet" (bare "Første Ensomhet" og en del av "Andre" av de planlagte 4 delene ble skrevet). Selve navnet er tvetydig og symbolsk: ensomheten til åkre, skoger, ørkener, menneskelig skjebne. Vandringene til den ensomme vandreren, diktets helt, oppfattes som et symbol på menneskelig eksistens. Det er praktisk talt ingen handling i diktet: en navnløs ung mann, skuffet over alt, lider av ulykkelig kjærlighet, som et resultat av et forlis havner på en ubebodd kysten. Handlingen tjener bare som et påskudd for å avsløre de mest subtile assosiasjonene til bevisstheten til helten som vurderer naturen. Diktet er overmettet med bilder, metaforer, som oftest basert på sammensmelting i ett bilde av begreper som ligger langt bak hverandre (den såkalte «concetto»). Den figurative komprimeringen av verset brakt til grensen skaper effekten av stilens "mørke". Dermed ser vi at Gongoras arbeid krevde en gjennomtenkt leser, utdannet, kjent med mytologi, historie, kjennskap til historisisme og aforismer. For en perfekt leser er poesien hans selvfølgelig mer forståelig, men for Gongoras samtidige virket den mystisk og ujordisk. 4. Spansk barokkdramaturgi (Calderón) Barokkdrama ble dannet i sammenheng med teatrets intensiverte ideologiske kamp. De mest fanatiske tilhengerne av motreformasjonen fremmer gjentatte ganger krav om forbud mot sekulære teaterforestillinger. Imidlertid motsatte ikke bare de humanistisk tilbøyelige skikkelsene i det spanske teatret, men også moderate representanter for den herskende eliten i samfunnet disse forsøkene, og så i teatret et kraftig middel til å hevde sine idealer. Likevel, helt fra begynnelsen av 1600-tallet, angrep de herskende klassene stadig mer resolutt de demokratiske kreftene som hadde etablert seg i det spanske teateret. Dette målet ble oppfylt med en reduksjon i antall teatertroppene, etablering av streng sekulær og kirkelig sensur over repertoaret og spesielt gradvis innskrenking av virksomheten til offentlige byteatre (de såkalte "innhegningene") og styrkingen av hoffteatrenes rolle. Lovgiveren av teatralsk mote er selvfølgelig ikke en voldelig og opprørsk masse byfolk, som i "innhegninger",
Den historiske og litterære prosessen til ILP er et sett av generelt betydningsfulle fenomener i litteraturen over tid og under påvirkning av historiske hendelser. Utviklingen av den litterære prosessen bestemmes av følgende kunstneriske
En allegori er en allegori, når et annet konsept er skjult under et spesifikt bilde av et objekt, en person, et fenomen. Allitterasjon er repetisjonen av homogene konsonanter, som forråder den litterære teksten en spesiell
Annotering av den akademiske disiplinen Navn på disiplinen Hovedutdanningsprogrammer, som inkluderer disiplinen Litteratur i landene i hovedspråket (spansk) Lingvistikk 035700 Volum av disiplinen Volum
Sjangere for kunstnerisk talestil Kunstnerisk stil brukes i skjønnlitteratur. Det påvirker fantasien og følelsene til leseren, formidler tankene og følelsene til forfatteren, bruker all rikdommen
Komposisjon om temaet kampen om en person i Fausts tragedie Tragedien om Faust av Johann Wolfgang Goethe: en oppsummering Det skal bringe glede og moro til en person, og det er best å gjøre det, bror Valentine.
Russisk litteratur fra 1800-tallet i sammenheng med verdenslitteratur (forelesning) Svyatova E.N., lærer i russisk språk og litteratur, Gymnasium 343, St. Petersburg
Komponere temaet for hovedtemaene for poesien fra sølvalderen. Temaer for poesien fra sølvalderen. Bildet av en moderne by i poesien til V. Bryusov. By i Bloks verk. Urbant tema i arbeidet til V.V. Kontekstuell
Et geni for alle tider På 450-årsdagen for hans fødsel I Shakespeare Hele verden er et teater I den, kvinner, menn, alle skuespillere De har sine egne utganger, utganger, og hver spiller mer enn én rolle I Shakespeare til En kort biografi av William
Merknad til arbeidsprogrammet om litteratur i klasse 6-9 MBOU SOSH 56 for studieåret 2014-2015
Statlig budsjettutdanningsinstitusjon ungdomsskole 392 med fordypning i det franske språket i Kirovsky-distriktet i St. Petersburg Vedtatt av Pedagogical
Litteraturfag Trinn (karakterer) grunnskole (5-9 klassetrinn) Reguleringsdokumenter Implementert undervisningsmateriell Mål og mål for å studere faget Forbundsstatlig utdanningsstandard for hovedgeneralen
Et særtrekk ved renessansen er kulturens sekulære natur og dens. Begrepet renessanse finnes allerede blant italienske humanister, for eksempel Giorgio ... Teater og drama ble mye brukt.
Mannerisme fra det italienske "maniera" "maner", "stil", er oversatt som pretensiøsitet. Stil er et sett med funksjoner som karakteriserer kunsten til en bestemt tid, retning eller individuell stil til kunstneren.
Et essay om temaet de kunstneriske trekkene i Pushkins roman Evgeny Onegin Pushkins lyriske digresjoner i romanen Eugene Onegin om kreativitet, om kjærlighet i dikterens liv. Kjærlighet til realisme og troskap
Arbeidsprogram om musikk for klasse 2. Planlagte resultater av å studere emnet "Musikk" Ved slutten av opplæringen i klasse 2 er studentene i stand til å: - vise en jevn interesse for musikk; - vise vilje
Planlagte resultater (innenfor rammen av Federal State Education Standard of General Education - personlig, fag og meta-emne) av utviklingen av faget kunst i 7. klasse. Personlige resultater av å mestre kunst
Kovaleva T. V. LITERÆR OVERSETTELSE OG OVERSETTERENS PERSONLIGHET Litterær oversettelse er en type litterær kreativitet, der et verk som eksisterer på ett språk gjenskapes på et annet.
SE Lyubimov, TI Mitsuk PROBLEMET MED MENNESKER OG VILJEFRIHET I TOLSTOYS ETIKK Dannelsen av Tolstojs synspunkter ble sterkt påvirket av den kristne religion. Først delte Tolstoy det fullstendig,
Fabulistene Aesop (440-430 f.Kr.) Ifølge legendene var han en gammel mann, en deltaker i fester, en klok samtalepartner. Han var en slave, men smartere enn frie borgere, stygg, men med en vakker sjel. Aesop. Diego Velazquez
Klassisk musikks rolle i et barns liv Elskere og kjennere blir ikke født, men blir... For å bli forelsket i musikk, må du først og fremst lytte til den... Elske og studere musikkens store kunst. Den vil åpne seg
Administrasjon av byen Magnitogorsk Kommunal utdanningsinstitusjon "Spesiell (kriminalomsorg) internatskole 4" i byen Magnitogorsk 455026, Chelyabinsk-regionen, Magnitogorsk,
Utdannings- og vitenskapsdepartementet i Den russiske føderasjonen
Et essay om temaet den kunstneriske originaliteten til romanen Quiet Don Romanen Quiet Don, som fikk verdensomspennende anerkjennelse, er et epos, og det (mer enn 700) bestemmes av sjangeroriginaliteten til Sholokhovs roman. Ser ikke ennå
1 Estetisk opplæring av barn i musikkklasser i en førskolepedagogisk organisasjon Den viktigste oppgaven til musikalsk og estetisk utdanning er å danne evnen til å oppfatte og
KOMMUNAL BUDSJETT GENERELT UTDANNINGSINSTITUTION I BYDELEN TOLYATTI "SKOLE 11" Bestilling 130 datert 14.06.2016
Plan for analyse av et lyrisk verk (5.-7. klasse). 1. Tema for diktet: landskap, kjærlighetstekster, filosofiske tekster, sosiale tekster (Hva handler teksten om?) 2. Handling: hovedbilder, hendelser, følelser, stemninger
67 KUNSTENS ROLLE I DANNING OG UTVIKLING AV SKOLEBARNAS PERSONLIGHET Tale ved Loginova SA, lærer i billedkunst Dannelsen og utviklingen av et barns personlighet er kompleks. I det
OG OM. Shaitanov History of Foreign Literature Renaissance WORKSHOP MOSCOW Dpofa 2009 Content Workshop: forklarende notater 3 Moderne syn på renessansen: teoretisk bakgrunn
Drama som en slags litteratur Litteraturteori. Litterær analyse av et kunstverk Drama (gresk: drama, lit. handling)
Kommunal budsjettutdanningsinstitusjon Vasilchinovskaya ungdomsskole Godkjent av direktør I.A. Korneeva Order of 2017 ARBEIDSPROGRAM om verdens kunstneriske kultur
Litteraturarbeidsprogram Grad 5-9 ABSTRAKT Arbeidsprogrammet er basert på Federal State Standard of General Education, Model Program of Secondary Complete General Education
Mikhail Bulgakov er en forfatter med en uvanlig skjebne: hoveddelen av hans litterære arv ble kjent for leseverdenen bare et kvart århundre etter hans død. Samtidig kom hans siste roman «Mester
VEDLEGG 1.22 Kommunal budsjettutdanningsinstitusjon i byen Mtsensk "Secondary school 7" ARBEIDSPROGRAM om emnet "Kunst (MHK)" Karakter: 10-11 Utdanningsnivå:
Fullført av: Golubeva K. Lærer: Nemesh N.A. ER. Turgenev (1818 1883) Biografi om I.S. Turgenev ble født 28. oktober (9. november 1818 i Orel). Barndomsårene hans ble tilbrakt i familiens "edle rede" - godset
STUDIE AV KONSEPTET "KJÆRLIGHET" PÅ EN LITTERATURLEKSE PÅ VIDEREGÅENDE SKOLE (På EKSEMPEL PÅ M.I. TsVETAEVAS LYRIKK) Izmailova E.A. Postgraduate Student, Institutt for pedagogisk teknologi i filologi, russiske stat
Utdannings- og vitenskapsdepartementet i den russiske føderasjonen Federal State Budgetary Education Institution of Higher Professional Education "Moscow Architectural Institute (State Academy)" (MARCHI) Avdeling "Tegning"
ANMELDELSE TIL ARBEIDSPROGRAMMERNE FOR GRUNNLEGGENDE ALLMENUDANNELSE I LITTERATUR. Status for dokumentet Forklarende notat Arbeidsprogrammer om litteratur er basert på den føderale delen av staten
Ny historie 1500-1800. (Klasse 7) Læreplanen bruker følgende pedagogiske og metodiske sett: Lærebøker: "New History 1500-1800" Yudovskaya A.Ya., Baranov P.A., Vanyushkina L.M., - M .: "Enlightenment",
Kommunal selvstyrende allmenn utdanningsinstitusjon "Secondary School 3" Jeg godkjenner: direktør for MAOU videregående skole 3 ordre 196 av 30. august 2017. "P
Et essay om temaet skjebnen til generasjonen av 1830 i tekstene til Lermontov Fra en tidlig alder reflekterer Lermontov over skjebnen, på en høy skjebne, tilbrakte to år på en adelig internatskole i Moskva, og i 1830 gikk han inn på
Merknad til arbeidsprogrammet i litteratur i klasse 5 Arbeidsprogrammet i litteratur for klasse 5 ble utviklet på grunnlag av følgende dokumenter: 1. Federal State Educational Standard
Musikalsk og estetisk utvikling av førskolebarn. Musikkens innflytelse på den omfattende utviklingen av barnets personlighet Utarbeidet av musikksjefen Churakova N.L. Historien lærer oss at kunst er det
KALENDER OG TEMATISK PLANLEGGING For studieåret 2013-2014 Karakter: 7. Fag: historie Antall timer i henhold til pensum: historie - 68, 2 timer per uke. 1. Satt sammen med utgangspunkt i programmet for allmennutdanning
Del 4. NYTIDENS HISTORIE Emne 4.2 Land i Europa og Nord-Amerika på 1500-1700-tallet. Forelesning 4.2.2. Fremveksten av absolutisme i europeiske land. Opplysningstiden. Plan 1. Begrepet absolutisme. 2.
FORKLARENDE MERK Formålet med programmet er å hjelpe studenten, kreativt mestre morsmålet sitt, mestre menneskehetens åndelige opplevelse. Dette målet bestemmer følgende oppgaver:. Eleven skal lære brukslovene
Pavel Andreevich Fedotov er en ensom og tragisk skikkelse i russisk kunst på midten av 1800-tallet. Som mange talentfulle mennesker på den tiden, levde og døde han utilstrekkelig forstått og verdsatt av sine samtidige. Skjebne
Merknad til arbeidsprogrammet i litteratur Karakter: 5 Studietrinn av pedagogisk materiale: grunnleggende læremateriell, lærebok: Arbeidsprogrammet er satt sammen i samsvar med det obligatoriske minimumsinnholdet i litterært
I. Planlagte resultater av å mestre morsmålet (russisk) og morsmålslitteraturen i 8. klasse Studentene bør vite: betydningen av visuelle virkemidler for fonetikk, ordforråd, syntaks; bruk av ulike
AFSLUTTENDE ESSAY 2017/2018. TEMATISK RETNING "LOIY AND FORREAD". Innenfor retningens rammer kan man snakke om troskap og forræderi som motsatte manifestasjoner av den menneskelige personlighet, tatt i betraktning
(195-årsjubileum for N.A. Nekrasov) (10.12.1821-08.01.1878) 6+ «Jeg dedikerte lyren til mitt folk Kanskje jeg dør, ukjent for dem. Men jeg tjente ham og hjertet mitt er rolig "I russisk litteraturs historie, Nikolai Alekseevich
Grad 7 "Russlands historie fra slutten av 1500-tallet til slutten av 1700-tallet", "Nytidens historie". Arbeidsprogrammet ble utviklet på grunnlag av den føderale komponenten av State Standard for Basic General Education
Merknad til arbeidsprogram i litteratur (FSES). Arbeidsprogrammet i litteratur for klasse 5-9 ble utviklet på grunnlag av et eksemplarisk program for grunnleggende generell utdanning i litteratur, med hensyn til anbefalingene
Sølvalderlitteratur fra århundreskiftet og begynnelsen av det 20. århundre. refleksjon av epokens motsetninger og søken. Aktivt litterært liv: bøker og blader, diktkvelder og konkurranser, litterære salonger og kafeer,
Solodchik Olga 7-Zh russisk litteratur fra 1700-tallet har kommet langt i utviklingen: fra klassisisme til sentimentalisme, fra idealet om en opplyst monark til en persons intime opplevelser. Russisk klassisisme
Etter å ha studert dette kapittelet vil studenten:
vet
- om eksistensen av ulike prinsipper for periodisering av den kulturhistoriske prosessen;
- årsaker til krisen i renessansehumanismen;
- innholdet i det nye menneskebegrepet, dannet på 1600-tallet;
- de grunnleggende prinsippene for estetikk og poetikk i klassisisme og barokk;
være i stand til
- fremheve det ledende trekk i innholdet på 1600-tallet, som bestemmer dets spesifisitet som en spesiell kulturell og historisk epoke;
- å karakterisere endringene i holdningen og synet til en person på 1600-tallet;
- identifisere elementer av barokk og klassisk poetikk i et kunstverk;
egen
- en idé om hovedtrendene i den historiske og kulturelle prosessen på 1600-tallet;
- ideen om relativiteten til konfrontasjonen mellom barokk og klassisisme;
- hovedbestemmelsene i klassisismens poetikk og estetikk.
Blant moderne historikere og kulturforskere er det de som er mistroende til de eksisterende prinsippene for periodisering av det menneskelige samfunnets historie. Noen av dem mener at «den menneskelige naturen til enhver tid streber etter bestandighet» og derfor er søken etter forskjeller mellom påfølgende generasjoner grunnleggende meningsløs. Andre er sikre på at endringer ikke skjer i samsvar med noen historisk logikk, men under påvirkning av individuelle lyse personligheter, derfor ville det være mer rimelig å kalle historiske perioder med navnene til slike figurer ("The Age of Beethoven", " The Age of Napoleon”, etc.) . Imidlertid har disse ideene ennå ikke hatt en merkbar innvirkning på historievitenskapen, og det meste av humaniora er basert på tradisjonell periodisering.
Samtidig skaper 1600-tallet noen vanskeligheter med å bestemme dets spesifisitet som en uavhengig kulturell og historisk epoke. Kompleksiteten er allerede indikert av selve den terminologiske betegnelsen - "Syttende århundre". Tilstøtende epoker kalles "renessanse" og "opplysningstid", og allerede i selve navnene er det en indikasjon på innholdet i disse epokene og de grunnleggende ideologiske føringene. Begrepet "syttende århundre" markerer bare posisjonen på den kronologiske aksen. Gjentatte forsøk ble gjort for å finne andre betegnelser for denne perioden (motreformasjonens æra, absolutismens æra, barokktiden, etc.), men ingen av dem slo rot, siden de ikke fullt ut reflekterte naturen til æra. Og likevel, til tross for inkonsekvensen og heterogeniteten i denne historiske perioden, peker mange forskere på transitivitet som hovedtrekk ved 1600-tallet som kulturell og historisk epoke.
I et bredt historisk perspektiv er enhver epoke overgang fra et historisk stadium til et annet, men 1600-tallet inntar en særstilling i denne serien: det fungerer som et bindeledd mellom renessansen og opplysningstiden. Mange trender i ulike sfærer av livet til det europeiske samfunnet, som oppsto i dypet av renessansen, fikk sin logiske konklusjon og formalisering først på 1700-tallet, så det "mellomliggende" århundre ble en tid med radikal endring. Disse endringene påvirket først og fremst økonomien: føydale forhold ble aktivt erstattet av kapitalistiske, noe som førte til styrkingen av borgerskapets posisjon, som begynte å kreve en mer innflytelsesrik rolle i det vesteuropeiske samfunnet. I stor grad forårsaket den nye klassens kamp for en plass i solen sosiale katastrofer i forskjellige land - den borgerlige revolusjonen i England, som endte med henrettelsen av kong Charles I, forsøket på statskupp i Frankrike i midten av århundret, kalt Fronde, bondeopprørene som feide gjennom Italia og Spania.
Siden styrkingen av nye økonomiske relasjoner i landene i Vest-Europa skjedde i ulik hastighet, gjennomgikk også maktbalansen på den internasjonale arenaendringer på 1600-tallet. Spania og Portugal mistet sin tidligere økonomiske makt og politiske innflytelse, England, Holland og Frankrike, der kapitalismen utviklet seg mer dynamisk, gikk inn i forkant av europeisk historie. Denne nye omfordelingen av Vest-Europa ble påskuddet for trettiårskrigen (1618-1648), en av de lengste og blodigste krigene i moderne tid. I denne militære konflikten, der Habsburgforbundet, som forente hovedsakelig katolske land (Spania, Østerrike, de katolske fyrstedømmene i Tyskland), ble motarbeidet av de protestantiske fyrstene i Tyskland, Frankrike, Sverige, Danmark, støttet av England og Holland. Ifølge historikere døde mer enn 7 millioner mennesker av en befolkning på 20 millioner fra Habsburg League alene. Det er ikke overraskende at samtidige sammenlignet denne begivenheten med den siste dommen. Beskrivelse av grusomhetene under trettiårskrigen finnes ofte i verkene til tysk litteratur fra denne perioden. Et utvidet og svært dystert bilde av katastrofene som rammet Tyskland i krigsårene ble presentert av Hans Jakob Christoffel Grimmelshausen i sin roman Simplicius Simplicissimus (1669).
Grunnlaget for konflikten mellom europeiske stater var ikke bare økonomiske og politiske motsetninger, men også religiøse. På 1600-tallet den katolske kirke, for å korrigere sine knuste posisjoner og gjenvinne sin tidligere innflytelse, starter en ny runde med kamp mot reformasjonen. Denne bevegelsen kalles Motreformasjoner. Kirken, som er godt klar over kunstens propagandistiske muligheter, oppmuntrer til å trenge inn i religiøse temaer og motiver. Barokkkulturen viste seg å være mer åpen for en slik introduksjon, den vendte seg oftere og mer villig til religiøse handlinger og bilder. Det er naturlig at et av landene der barokken opplevde sin storhetstid var Spania, Coitreformasjonens viktigste høyborg i Europa.
1600-tallslitteratur
Siden 1600-tallet har det vært vanlig å regne den nye tiden i den menneskelige sivilisasjonens historie. Med en grenseposisjon mellom renessansen (XIV-XVI århundrer) og opplysningstiden (XVIII århundre), tok XVII århundre mye fra renessansen og la mye bak seg.
De viktigste litterære trendene på 1600-tallet var barokken og klassisismen.
Barokk spiller en betydelig rolle i litteraturen på 1600-tallet. Tegn på en ny stil begynte å dukke opp på slutten av 1500-tallet, men det var 1600-tallet som ble dens storhetstid. Barokk er et svar på sosial, politisk, økonomisk ustabilitet, en ideologisk krise, den psykologiske spenningen i grensetiden, dette er ønsket om å kreativt revurdere det tragiske resultatet av det humanistiske programmet fra renessansen, dette er søket etter en vei ut av en tilstand av åndelig krise.
Det tragisk sublime innholdet avgjorde også hovedtrekkene i barokken som kunstnerisk metode. Barokkverk er preget av teatralitet, illusorisk natur (det er ingen tilfeldighet at P. Calderons drama heter "Livet er en drøm"), antinomi (sammenstøtet mellom personlige prinsipper og sosial plikt), kontrasten mellom den sensuelle og åndelige naturen til mennesket, motsetningen til det fantastiske og det virkelige, det eksotiske og det vanlige, det tragiske og det komiske . Barokken er full av komplekse metaforer, allegorier, symbolikk, den utmerker seg ved ordets uttrykksevne, opphøyelse av følelser, semantisk tvetydighet, blanding av motiver fra gammel mytologi med kristne symboler. Barokkpoeter ga stor oppmerksomhet til den grafiske formen til verset, skapte "krøllete" dikt, hvis linjer dannet et mønster av et hjerte, en stjerne, etc.
Et slikt verk kunne ikke bare leses, men også betraktes som et kunstverk. Forfatterne proklamerte originaliteten til verket som dets viktigste fordel, og de nødvendige funksjonene - vanskeligheten for persepsjon og muligheten for ulike tolkninger. Den spanske filosofen Gracian skrev: «Jo vanskeligere sannheten er å vite, jo mer behagelig er det å forstå den». Kunstnere av ordet verdsatte vidd, paradoksale dommer: "I livets navn, ikke skynd deg å bli født. / Skynd deg å bli født - skynd deg å dø ”(Gongora).
De mest kjente barokkforfatterne var: i Spania Luis de Gongora (1561-1627), Pedro Calderon (1600-1681), i Italia Torquato Tasso (1544-1595), Giambattista Marino (1569-1625), i Tyskland Hans Jacob von Grimmelshausen ( ca. 1621-1676), i Hviterussland og Russland Simeon av Polotsk (1629-1680). Forskere merker seg innflytelsen fra barokkstilen på arbeidet til de engelske forfatterne W. Shakespeare og J. Milton.
Den andre litterære trenden, som ble utbredt på 1600-tallet, er klassisismen. Hans hjemland var Italia (XVI århundre). Her oppsto klassisismen sammen med det gjenopplivede antikke teateret og ble opprinnelig tenkt som en direkte opposisjon til middelalderdrama. Renessansens humanister bestemte seg spekulativt, uten å ta hensyn til det unike ved spesifikke historiske epoker og folkeslag, for å gjenopplive tragedien til Euripides og Seneca, komedien til Plautus og Terentius. De var klassisismens første teoretikere. Dermed fungerte klassisismen i utgangspunktet som en teori og praksis for etterligning av gammel kunst: rasjonalistisk strenghet og logikk for scenehandling, abstrakthet av det kunstneriske bildet, talepatos, majestetiske stillinger og gester, elleve-stavelser urimede vers. Dette er trekkene i Trissinos (1478-1550) tragedie Sofonisba, skrevet etter modell av tragediene til Sofokles og Euripides og åpnet æraen for europeisk klassisisme.
Prøver av klassisk kunst ble laget på 1600-tallet i Frankrike. Det var her teorien hans utkrystalliserte seg.
Den rasjonalistiske doktrinen til Descartes ble det filosofiske grunnlaget for den klassiske metoden. Filosofen mente at den eneste kilden til sannhet er fornuften. Med utgangspunkt i dette utsagnet skapte klassisistene et strengt regelverk som ville harmonisere kunsten med kravene til rimelig nødvendighet i navnet til å overholde antikkens kunstneriske lover. Rasjonalisme ble den dominerende egenskapen til klassisk kunst.
Orienteringen av den klassiske teorien til antikken var først og fremst assosiert med ideen om evighet og absoluttheten til skjønnhetsidealet. Denne doktrinen bekreftet behovet for imitasjon: hvis det på en gang skapes ideelle eksempler på skjønnhet, er oppgaven til forfattere fra påfølgende epoker å komme så nært som mulig til dem. Derav det strenge systemet med regler, hvis obligatoriske overholdelse ble ansett som en garanti for perfeksjonen til et kunstverk og en indikator på forfatterens dyktighet.
Klassisistene etablerte også et klart regulert hierarki av litterære sjangere: de nøyaktige grensene for sjangeren og dens trekk ble bestemt. Tragedie, episk, ode var høy. De skildret det offentlige livets sfære, skjebnesvangre hendelser, opptrådte helter som passer en høy sjanger - monarker, militære ledere, edle personer. Et særtrekk var en høy stil, høye følelser, i tragedie - dramatiske konflikter, katastrofale lidenskaper, umenneskelig lidelse. Oppgaven til høye sjangere er å sjokkere seeren.
De lave sjangrene (komedie, satire, epigram, fabel) reflekterte privatlivets sfære, dets livsstil og skikker. Heltene var vanlige mennesker. Slike verk ble skrevet i et enkelt omgangsspråk.
Klassisistiske dramatikere måtte følge reglene for de "tre enhetene": tid (ikke mer enn én dag), sted (ett landskap), handling (ingen sidehistorier). Regler ble satt for å skape en illusjon av sikkerhet.
En viktig komponent i den klassiske teorien er konseptet om generelle typer menneskelig karakter. Derav den velkjente abstraktheten til kunstneriske bilder. De la vekt på universelle, "evige" trekk (Misanthrope, Miser). Helter ble delt inn i positive og negative.
Klassisistenes scenekarakter er overveiende ensidig, statisk, uten motsetninger og utvikling. Dette er en karakter-ide: den er så åpen som ideen innebygd i den krever. Forfatterens tendensiøsitet viser seg derfor ganske enkelt. Uten skildringen av det individuelle, personlig-individet i den menneskelige karakter, var det vanskelig for klassisistene å unngå de skjematiske, konvensjonelle bildene. Deres modige helt er modig i alt og til slutten; en kjærlig kvinne elsker til graven; en hykler er hyklersk mot graven, men en gjerrig er gjerrig. En særegen egenskap ved klassisismen var læren om kunstens oppdragende rolle. Klassisistiske forfattere, som straffer laster og belønner dyd, forsøkte å forbedre menneskets moralske natur. Klassisismens beste verk er fylt med høy samfunnspatos.
Spanias litteratur
På begynnelsen av 1600-tallet var Spania i en tilstand av dyp økonomisk krise. Nederlaget til «Den uovervinnelige armadaen» (1588) utenfor Englands kyst, den urimelige kolonipolitikken, den spanske absolutismens svakhet, dens politiske kortsynthet gjorde Spania til et mindre europeisk land. I spansk kultur, tvert imot, ble nye trender tydelig identifisert, som ikke bare hadde nasjonal, men også pan-europeisk betydning.
Et kraftig ekko av renessansekulturen er arbeidet til en talentfull spansk dramatiker Lope de Vega (1562-1635). En representant for renessansens realisme, kontrasterte han tragedien i barokken med optimistisk energi, et lyst syn, tillit til vitalitetens utømmelighet. Dramatikeren avviste også den "vitenskapelige" normativiteten til den klassiske teorien. Forfatteren stadfestet livsglade idealer, strebet etter tilnærming til folkets publikum og sto opp for kunstnerens frie inspirasjon.
Lope de Vegas omfattende og varierte dramaturgiske arv – ifølge samtidige skrev han mer enn 2000 skuespill, hvorav rundt 500 ble publisert – er vanligvis delt inn i tre grupper. Det første av disse er sosiopolitiske dramaer, oftest bygget på historisk materiale (Fuente Ovejuna, Storhertugen av Moskva).
Den andre gruppen inkluderer hverdagskomedier av kjærlighetskarakter ("Dance Teacher", "Dog in the Manger", "Girl with a Jug", "Peasant Woman from Getafe", "Star of Seville"); noen ganger kalles de "kappe og sverd" komedier, siden hovedrollen i dem tilhører den edle ungdommen, som opptrer i dette antrekket som er karakteristisk for dem (i en regnfrakk og med et sverd).
Den tredje gruppen inkluderer skuespill av religiøs karakter.
For å forstå særegenhetene ved de dramatiske verkene til Lope de Vega er avhandlingen «Den nye kunsten å komponere komedier i vår tid» (1609) av stor betydning. I hovedsak formulerte den hovedbestemmelsene i den spanske nasjonale dramaturgien med fokus på tradisjonene til folketeateret, med ønsket om å tilfredsstille publikums behov, med plausibiliteten vist på scenen og den dyktige konstruksjonen av intriger, tett knyttet knute som ikke ville tillate stykket å falle fra hverandre i separate episoder.
Kunstverkene som fulgte etter avhandlingen ble realiseringen av forfatterens estetiske prinsipper. Det beste av disse skuespillene er dramaet "Fuente Ovejuna" ("Sauekilden", 1614). Dramaet har et historisk grunnlag. I 1476, i byen Fuente Ovejuna, brøt det ut et bondeopprør mot grusomhetene til ridderordenen Calatavra og dens sjef, Fernand Gomez de Guzman, som begikk grusomheter og all slags vold. Opprøret endte med attentatet på kommandanten. I Lope de Vegas drama er Kommandøren en tyrann og voldtektsmann som griper inn i bondepikenes ære, en av dem, den stolte Laurencia, oppfordrer landsbyboere til rettferdig hevn. Det er mange levende bilder i stykket, og likevel er hovedpersonen her menneskene forent i deres ønske om å gjenopprette rettferdighet.
Lope de Vegas skuespill utmerker seg ved livsbekreftende patos, sympatisk holdning til vanlige mennesker, tro på deres moralske utholdenhet.
Etter den raske oppgangen Spania opplevde under renessansen, fra slutten av 30-tallet av 1600-tallet, blir tegn på tilbakegang mer og mer tydelige, hovedsakelig på grunn av sosiopolitiske årsaker. Opphør av tilstrømningen av gull fra Amerika, fullstendig sammenbrudd av det interne økonomiske livet i landet, en rekke utenrikspolitiske feil - alt dette undergravde til slutt Spanias økonomiske og politiske makt.
Sosiopolitiske problemer, krisen med humanistisk bevissthet, den mest alvorlige føydal-katolske reaksjonen, ødeleggelsen av det føydale systemet som helhet forårsaket dekadente stemninger i samfunnet. Et forsøk på å forstå hva som skjer, å komme ut av en tilstand av åndelig krise, finne moralske grunnlag i de nye historiske forholdene var barokken, tydeligst representert i arbeidet med Luis de Gongora (1561–1627) Og Pedro Calderon (1600-1681).
Gongora var den største dikteren i den spanske barokken. Gongoras stil er preget av metaforisk rikdom, bruk av neologismer, arkaismer. Poeten forlater den tradisjonelle syntaksen. Ordforrådet er fullt av tvetydige ord: "Leppernes rubiner i rammens snø" - om ansiktets hvithet, "flyvende snø" - om en hvit fugl, "flyktende snø" - om Galatea som løper fra Polyfemos. Til tross for den figurative rikdommen, skaper Gongora "poesi for sinnet", som krever aktivt intellektuelt arbeid fra leseren. Gongoras poetiske dyktighet ble mest fullstendig manifestert i diktene The Tale of Polyphemus and Galatea (1612) og Loneliness (1614). Diktet "Solitude" fletter tett sammen renessanseideen om den harmoniske sameksistensen mellom menneske og natur med det barokke konseptet om menneskets evige ensomhet i verden.
Kunsten til Calderon absorberte de beste tradisjonene fra renessansen, men ettersom den er generert av en annen epoke, gir den en helt annen visjon av verden. Calderon skrev 120 skuespill med forskjellig innhold, 80 "autos sacramentales" (eller "hellige handlinger") og 20 mellomspill. Med sin kunstneriske bevissthet er Calderon knyttet både til den spanske renessansen og med sin tids krisefenomener.
For å fortsette tradisjonen til Lope de Vegas store forgjenger, skrev Calderon "kappe og sverd"-komedier. Den mest kjente av dem er den vittige og muntre komedien Den usynlige dame (1629), skrevet i et lett og elegant språk. Det uttrykker ideen om at sjansespillet dominerer livet. Tilfeldighet spiller her, som i andre komedier, en handlingsdannende rolle.
Det var imidlertid ikke renessansekomediene og folkerealistiske dramaene som brakte Calderon verdensomspennende berømmelse. Vitalitet og optimisme ble ikke tonen i arbeidet hans. Den sanne Calderon er å finne i hans «autos sacramentales» og filosofiske og symbolske skuespill, fulle av eskatologiske stemninger, eksistensielle problemer som overvelder med deres uløselighet, motsetninger som tapper bevisstheten. Allerede i ungdomsdramaet til Calderons «Tilbedelse av korset» (1620) er den skeptiske stemningen til religionen, karakteristisk for humanistene, erstattet av et dystert religiøst vanvidd. Gud Calderon er en formidabel, nådeløs kraft, i møte med hvilken en person føler seg ubetydelig og tapt.
I det filosofiske og allegoriske dramaet Life is a Dream (1634) kombineres forherligelsen av den harde katolske læren med forkynnelsen av behovet for ydmykhet og underkastelse under guddommelig forsyn. Det viktigste dramatiske konseptet til Calderon er ideen om at menneskets skjebne er forhåndsbestemt av skjebnen, at midlertidig jordisk liv er illusorisk, det er bare en forberedelse for det evige etterlivet.
Tid og miljø bestemte ikke bare arten av verdensbildet, den generelle retningen for Calderons verk, men også hans originalitet som kunstner. Calderons dramaturgi er kjent for sin filosofiske dybde, foredlingen av psykologiske konflikter og den agiterte lyrikken til monologer. Handlingen i Calderons skuespill spiller en sekundær rolle, all oppmerksomhet rettes mot å avsløre karakterenes indre verden. Handlingsutviklingen erstattes av et idéspill. Stilen til Calderon er preget av retorisk patos, høye metaforiske bilder, noe som gjør ham relatert til gongorismen, en av strømningene i den spanske litterære barokken.
Den poetiske frekkheten til Calderon ble høyt verdsatt av A. S. Pushkin.
Italias litteratur
I det XVII århundre opplever Italia en krise med humanistiske idealer.
I denne situasjonen kommer barokken i forgrunnen, tydeligst uttrykt i marinismen – en trend som har fått navnet sitt fra den italienske poeten Giambattista Marino (1569-1625). I verkene til marine malere, tilhengere av Marino, tilslørte formen innholdet med sin verbale sofistikering og narsissisme. Det er ingen samfunnsviktige temaer her, ingen aktuelle problemer i vår tid. Det særegne ved brevet er komplekse metaforer, bisarre bilder, uventede sammenligninger. Marino var oppfinneren av de såkalte "concetti" - virtuose fraser, verbalt paradoks, uvanlig brukte epitet, uvanlige talevendinger ("lært ignoramus", "gledelig smerte").
Herligheten til Marino i Italia var allestedsnærværende. Ikke desto mindre så dikterens samtidige faren ved marinismen og motarbeidet den med politisk aktuell poesi som uttrykte det italienske folks behov og ambisjoner, og fortalte om dets lidelse (Fulvio Testi, Vincenzo Filicaia, Alessandro Tassoni).
Alessandro Tassoni (1565–1635) Han avviste både barokkdikterne (marinistene) og forsvarerne av imitasjon og autoritarisme i italiensk poesi (klassisistene). Som en patriotisk poet blandet han seg aktivt inn i det politiske livet i landet, motarbeidet den regionale fragmenteringen av Italia, ba om kampen for dets uavhengighet (diktet "Den stjålne bøtta").
Italiensk prosa fra 1600-tallet er representert med navn Galileo Galilei (1564–1642), som brukte journalistikkens polemiske kunst for å spre sine vitenskapelige ideer ("Dialog om de to hovedsystemene i verden"), Traiano Boccalini (1556-1613), protesterer mot spanjolenes dominans i Italia, mot aristokratisk snobberi, mot klassisismens apologeter, som bare anerkjenner Aristoteles' estetiske kanoner (satiren "Nyheter fra Parnassus").
Frankrikes litteratur
Politikken til den absolutistiske staten, rettet mot eliminering av føydal regionalisme og transformasjon av Frankrike til en mektig makt i Vest-Europa, samsvarte med tidens historisk progressive trend, som bestemte karakteren til klassisismen som et litterært fenomen som ble avansert. for sin tid. Den ledende kunstneriske metoden, offisielt anerkjent av regjeringen i det absolutistiske Frankrike, var klassisisme. Den klassiske litteraturen reflekterte fremveksten av den nasjonale selvbevisstheten til de progressive lagene i det franske samfunnet i overgangsperioden fra føydal fragmentering til nasjonal enhet.
Under kardinal Richelieu (1624-1642) ble opprettelsen av en mektig monarkisk stat, startet av forgjengeren til Ludvig XIII, Henrik IV, i hovedsak fullført. Richelieu regulerte og underordnet tronen alle aspekter av det statlige, sosiale, kulturelle livet. I 1634 opprettet han det franske akademiet. Richelieu beskyttet den periodiske pressen som dukket opp i Frankrike.
Under hans regjeringstid grunnla Theophrastus Renaudeau den første franske avisen, Gazett de France (1631). (Théophrastus Renaudeau-prisen er en av de høyeste litterære prisene i dagens Frankrike.)
Klassisismens historiske progressivitet manifesteres i dens nære forbindelse med tidens avanserte trender, spesielt med rasjonalistisk filosofi. René Descartes (1596–1650), den såkalte kartesianismen. Descartes kjempet frimodig mot middelalderens føydale ideologi, hans filosofi var basert på data fra de eksakte vitenskapene. Sannhetskriteriet for Descartes var fornuft. "Jeg tenker, derfor eksisterer jeg," sa han.
Rasjonalisme ble det filosofiske grunnlaget for klassisismen. Samtidige til Descartes, klassisismens teoretikere François Malherbe (1555-1628) Og Nicolas Boileau (1636-1711) trodde på fornuftens makt. De mente at fornuftens elementære krav - det høyeste kriteriet for den objektive verdien av et kunstverk - forplikter kunsten til sannhet, klarhet, konsistens, klarhet og komposisjonell harmoni av deler og helhet. De krevde også dette i navnet til å observere lovene i gammel kunst, som de veiledet i opprettelsen av det klassiske programmet.
Fornuftens beundring fra forfatterne på 1600-tallet gjenspeiles også i de beryktede reglene om de «tre enhetene» (tid, sted og handling) – et av kjerneprinsippene i klassisk dramaturgi.
Det didaktiske diktet av N. Boileau "Poetisk kunst" (1674) ble koden for fransk klassisisme.
Det ble bemerket ovenfor at klassisistene, i likhet med kunstnerne fra renessansen, stolte på gammel kunst i sin estetikk og kunstneriske kreativitet. Men i motsetning til forfatterne av renessansen, vendte klassisismens teoretikere seg hovedsakelig ikke til antikkens gresk, men til romersk litteratur fra imperiets periode. Monarkiet til Ludvig XIV, "Solkongen", som han kalte seg selv, ble sammenlignet med Romerriket, heltene fra klassiske tragedier ble utstyrt med romersk tapperhet og storhet. Derav den velkjente konvensjonaliteten til klassisismens litteratur, dens pompøse og dekorative karakter.
Og likevel var ikke de franske klassisistene vanvittige imitatorer av gamle forfattere. Arbeidet deres hadde et dypt nasjonalt preg, det var nært knyttet til de sosiale forholdene i Frankrike under absolutismens storhetstid. Klassisistene, etter å ha klart å kombinere opplevelsen av gammel litteratur med tradisjonene til folket deres, skapte sin egen originale kunstneriske stil. Corneille, Racine og Molière skapte eksempler på klassisk kunst på en dramatisk måte.
Den klassiske kunstoppfatningen, på tross av all sin monumentalitet, kan ikke forestilles som noe frosset og uforanderlig. Innenfor den klassisistiske leiren var det ingen fullstendig enhet av sosiopolitiske, filosofiske og etiske synspunkter. Til og med Corneille og Racine - skaperne av høyklassisk tragedie - var forskjellige på mange måter.
I motsetning til de ortodokse karteuserne Boileau og Racine, var Molière og La Fontaine studenter av materialisten Gassendi (1592–1655), en fremragende fransk vitenskapsmann som anså sensorisk erfaring som hovedkilden til all kunnskap. Hans undervisning ble reflektert både i estetikken til disse forfatterne og i demokratismen, optimismen og den humanistiske orienteringen til arbeidet deres.
Klassisismens hovedsjanger var tragedie, som skildrer høye helter og idealiserte lidenskaper. Skaperen av det franske tragedieteateret var Pierre Corneille (1608-1684). Corneille begynte sin litterære virksomhet med poesi og komedier, som ikke hadde stor suksess.
Glory kommer til Corneille med opptreden på scenen til tragedien "Sid" (1636). Stykket er basert på den tragiske konflikten mellom lidenskap og plikt, som tragedien er bygget på.
Den unge og tapre ridderen Rodrigo, som hevner fornærmelsen som ble påført faren hans, dreper faren til sin elskede Jimena i en duell. Jimena rettferdiggjør handlingen til Rodrigo, som oppfylte familiens æresplikt, og oppfyller sin egen - han krever døden til sin elskede fra kongen. Rodrigo og Jimena oppfyller familieplikten sin og blir dypt ulykkelige. Etter maurernes angrep på Castilla, en strålende seier over dem, blir Rodrigo en nasjonal helt. Corneille kontrasterer familieplikt med plikt til moderlandet. Føydal ære må vike for borgerlig ære. De prøver å overbevise Jimena om inkonsekvensen i kravene hennes: familiens interesser må ofres i den sosiale nødvendighetens navn. Jimena aksepterer den nye moralen, spesielt ettersom den reagerer på hennes personlige følelser. Corneille beviste overbevisende at den nye statsmoralen er mer menneskelig enn føydalmoralen. Han viste fremveksten av et nytt statsideal i absolutismens tidsalder. Kongen av Castilla, Don Fernando, er avbildet i stykket som en ideell autokrat, en garantist for undersåttenes generelle velvære og personlige lykke, hvis de tilpasser handlingene sine til statens interesser.
I "Sid" bekreftes således ideen om progressivitet til det absolutistiske monarkiet, som under spesifikke historiske forhold oppfylte datidens krav.
Til tross for publikumssuksessen, forårsaket "Sid" alvorlig kontrovers i litterære kretser. I "Opinion of the French Academy on the Side" (1638) ble Corneilles skuespill fordømt for inkonsistens med klassisismens kanoner. I en deprimert tilstand drar Corneille til hjemlandet. Imidlertid, fire år senere, brakte Corneille to nye tragedier fra Rouen, som allerede er ganske konsistente med de klassiske kanonene (Horace, Cinna). Som tragedier foretrakk Corneille historisk og politisk tragedie. De politiske problemene med tragedier bestemte også atferdsnormen som Corneille ønsket å lære seeren: dette er ideen om heroisk bevissthet, patriotisme.
I tragedien «Horace» (1640) brukte dramatikeren handlingen fra historien om Titus Livius. I kjernen av den dramatiske konflikten er enkeltkampen mellom to byer - Roma og Alba Longa, som bør løses av duellen mellom brødrene Horatii og Curians, bundet av vennskaps- og slektskapsbånd. I stykket forstås plikt utvetydig – det er en patriotisk plikt.
Ute av stand til å tilgi broren Horace for forlovedens død, forbanner Camilla Roma, noe som ødela hennes lykke. Horace, som anser søsteren sin som en forræder, dreper henne. Camillas død forårsaker en ny konflikt: i henhold til romersk lov må morderen henrettes. Horaces far beviser at rettferdig sinne, borgerplikt og patriotisk følelse presset ham til å drepe sønnen. Horace, som reddet Roma, er nødvendig for sitt hjemland: han vil oppnå mange flere bragder. Kong Tull gir liv til Horace. Sivil tapperhet sonet for forbrytelsen. Tragedien til "Horace" ble apoteosen til borgerlig heltemot.
Tragedien "Cinna, eller Augustus' nåde" (1642) skildrer de første dagene av keiser Octavian-Augustus regjeringstid, som får vite at en konspirasjon forberedes mot ham. Hensikten med tragedien er å vise hvilken taktikk suverenen vil velge i forhold til konspiratørene. Corneille overbeviser om at statens interesser kan falle sammen med folks private ambisjoner hvis en intelligent og rettferdig monark sitter ved makten.
Konspiratørene i tragedien - Cinna, Maxim, Emilia - handler ut fra to motiver. Den første grunnen er politisk: de ønsker å gi Roma tilbake til en republikansk styreform, uten å innse deres politiske nærsynthet. Tilhengere av politiske friheter, de forstår ikke at republikken har blitt foreldet og Roma trenger en fast regjering. Det andre motivet er personlig: Emilia ønsker å hevne sin far, som ble drept av Augustus; Cinna og Maxim, forelsket i Emilia, ønsker å oppnå en gjensidig følelse.
Keiseren, etter å ha undertrykt sin ambisjon, hevn, grusomhet, bestemmer seg for å tilgi konspiratørene. De går gjennom en prosess med gjenfødelse. Barmhjertighet har seiret over deres egoistiske lidenskaper. De så i Augustus en klok monark og ble hans støttespillere.
Den høyeste statsvisdom, ifølge Corneille, manifesteres i barmhjertighet. En klok offentlig politikk må kombinere det fornuftige med det humane. En barmhjertighetshandling er derfor en politisk handling, utført ikke av den gode mannen Octavian, men av den vise keiser Augustus.
I perioden med den "første måten" (inntil omtrent 1645) ba Corneille om dyrkelsen av rimelig statsskap, og trodde på rettferdigheten til fransk absolutisme ("Martyr Polyeuct", 1643; "Death of Pompey", 1643; "Theodora - jomfru og martyr", 1645; komedie "Liar", 1645).
Corneille av "den andre måten" overvurderer mange av de politiske prinsippene i det franske monarkiet som virket så sterke ("Rodogunda - den parthiske prinsessen", 1644; "Heraclius - keiser av øst", 1646; "Nycomedes", 1651, etc. .). Corneille fortsetter å skrive historiske og politiske tragedier, men vekten skifter. Dette skyldes endringer i det politiske livet i det franske samfunnet etter tiltredelsen til tronen til Ludvig XIV, noe som innebar etableringen av et ubegrenset herredømme over det absolutistiske regimet. Nå ble Corneille, sangeren av rimelig statsskap, kvalt i atmosfæren av seirende absolutisme. Ideen om oppofrende offentlig tjeneste, tolket som den høyeste plikten, var ikke lenger en stimulans for oppførselen til heltene i Corneilles skuespill. Våren til dramatisk handling er de snevre personlige interessene, de ambisiøse ambisjonene til karakterene. Kjærlighet fra en moralsk høy følelse blir til et spill med uhemmede lidenskaper. Kongetronen mister moralsk og politisk stabilitet. Ikke grunn, men tilfeldigheter avgjør skjebnen til helter og staten. Verden blir irrasjonell og skjelven.
De sene tragediene til Corneille, nær barokkens tragikomediesjanger, er bevis på en avvik fra strenge klassisistiske normer.
Fransk klassisisme fikk sitt mest komplette og komplette uttrykk i verkene til en annen stor nasjonalpoet i Frankrike. Jean Racine (1639–1690). Et nytt stadium i utviklingen av klassisk tragedie er knyttet til navnet hans. Hvis Corneille hovedsakelig utviklet sjangeren heroisk historisk og politisk tragedie, så fungerte Racine som skaperen av en kjærlighetspsykologisk tragedie, mettet på samme tid med stort politisk innhold.
Et av de viktigste kreative prinsippene til Racine var ønsket om enkelhet og plausibilitet, i motsetning til Corneilles tiltrekning til det ekstraordinære og eksepsjonelle. Dessuten ble dette ønsket utvidet av Racine ikke bare til konstruksjonen av tragediens plot og karakterene til dens karakterer, men også til språket og stilen til scenearbeidet.
Racine stolte på Aristoteles autoritet, og nektet hovedelementet i Corneilles teater - den "perfekte helten". "Aristoteles er ikke bare veldig langt unna å kreve perfekte helter fra oss, men vil tvert imot at tragiske karakterer, det vil si de hvis ulykker skaper en katastrofe i tragedie, skal være verken helt gode eller helt onde."
Det var viktig for Racine å hevde kunstnerens rett til å skildre den "gjennomsnittlige personen" (ikke i sosial, men i psykologisk forstand), til å skildre svakhetene til en person. Helter, ifølge Racine, skal ha gjennomsnittlige dyder, det vil si en dyd som er i stand til svakhet.
Racines første store tragedie var Andromache (1667). Ved å vende seg til det greske mytologiske temaet, allerede utviklet i antikken av Homer, Virgil og Euripides, tolket Racine imidlertid det klassiske plottet på en ny måte. Tragediens helter - Pyrrhus, Hermione, Orestes - ga etter for påvirkningen av lidenskaper, viste seg i sin egoisme å være grusomme mennesker i stand til kriminalitet.
Ved å skape bildet av Pyrrhus løser Racine et politisk problem. Pyrrhus (monark) burde være ansvarlig for statens velferd, men ved å gi etter for lidenskap ofrer han statens interesser til henne.
Hermine blir også et offer for lidenskap, et av de mest overbevisende bildene av tragedien, hvis indre tilstand er utmerket psykologisk motivert. Avvist av Pyrrhus, blir den stolte og opprørske Hermine egoistisk og despotisk i sine ambisjoner og handlinger.
Andromache ble fulgt av Britannicus (1669) - Racines første tragedie dedikert til historien til det gamle Roma. Som i Andromache, fremstilles monarken her som en hensynsløs tyrann. Unge Nero ødelegger forrædersk halvbroren Britannicus, hvis trone han ulovlig okkuperte og som Junia, som likte ham, elsker. Men Racine begrenset seg ikke til å fordømme Neros despotisme. Han viste styrken til det romerske folket som historiens øverste dommer.
"Sangeren til kvinner og konger i kjærlighet" (Pushkin), Racine skapte et helt galleri med bilder av positive heltinner, som kombinerte en følelse av menneskeverd, moralsk utholdenhet, evnen til selvoppofrelse, evnen til heroisk å motstå enhver vold og vilkårlighet. Slike er Andromache, Junia, Berenice ("Berenice", 1670), Monima ("Mithridates", 1673), Iphigenia ("Iphigenia in Aulis", 1674).
Høydepunktet i Racines poetiske verk når det gjelder den kunstneriske kraften i å skildre menneskelige lidenskaper, når det gjelder versets perfeksjon, er Phaedra skrevet i 1677, som Racine selv anså som hans beste skapelse.
Dronning Phaedra elsker stesønnen Hippolytus lidenskapelig, som er forelsket i den athenske prinsessen Arikia. Etter å ha mottatt falske nyheter om ektemannen Theseus' død, innrømmer Phaedra følelsene sine for Hippolytus, men han avviser henne. Da Theseus kommer tilbake, bestemmer Phaedra seg i et anfall av fortvilelse, frykt og sjalusi for å baktale Hippolytus. Så, plaget av omvendelse og kjærlighet, tar han gift; når hun tilstår alt for mannen sin, dør hun.
Den viktigste nyvinningen til Racine er knyttet til karakteren til Phaedra. I Racine er Phaedra en lidende kvinne. Hennes tragiske skyld er manglende evne til å takle følelsen, som Phaedra selv kaller kriminell. Racine forstår og legemliggjør i sin tragedie ikke bare de moralske og psykologiske konfliktene i sin tid, men oppdager også de generelle mønstrene i menneskelig psykologi.
Den første russiske oversetteren av Racine var Sumarokov, som fikk kallenavnet "Russian Racine". På 1800-tallet viste A. S. Pushkin en gjennomtenkt holdning til Racine. Han trakk frem det faktum at den franske dramatikeren klarte å sette dypt innhold i den galant raffinerte formen til tragediene sine, og dette gjorde at han kunne plassere Racine ved siden av Shakespeare. I en uferdig artikkel fra 1830 om utviklingen av dramatisk kunst, som fungerte som en introduksjon til analysen av M. P. Pogodins drama «Martha Posadnitsa», skrev Pushkin: «Hva utvikler seg i tragedien, hva er hensikten? Mennesker og mennesker. Menneskets skjebne, folkets skjebne. Derfor er Racine stor, til tross for den smale formen på tragedien hans. Det er derfor Shakespeare er stor, til tross for ulikhet, uaktsomhet, stygghet i finishen "(Pushkin - kritiker. - M., 1950, s. 279).
Hvis de beste eksemplene på klassisk tragedie ble skapt av Corneille og Racine, så var klassisk komedie helt og holdent skapelsen av Molière (1622–1673).
Forfatterens biografi om Molière (Jean Baptiste Poquelin) begynner med den femakters poetiske komedien «Slemme, eller alt på plass» (1655) – en typisk intrigekomedie. I 1658 vil berømmelse komme til Molière. Hans forestillinger vil ha stor suksess, han vil bli beskyttet av kongen selv, men misunnelige mennesker, farlige motstandere, blant dem som Moliere latterliggjorde i komediene hans, forfulgte ham til slutten av livet.
Molière lo, avslørte, anklaget. Pilene til satiren hans sparte verken vanlige samfunnsmedlemmer eller høytstående adelsmenn.
I forordet til komedien "Tartuffe" skrev Moliere: "Teatret har en stor korrigerende kraft." "Vi gir laster et tungt slag ved å utsette dem for offentlig latterliggjøring." "Komediens plikt er å korrigere folk ved å underholde dem." Dramatikeren var godt klar over den sosiale betydningen av satire: "Det beste jeg kan gjøre er å avsløre min alders laster i morsomme bilder."
I komediene "Tartuffe", "The Miser", "The Misanthrope", "Don Juan", "The Philistine in the Nobility" reiser Moliere dype sosiale og moralske problemer, tilbyr latter som den mest effektive medisinen.
Moliere var skaperen av "karakterens komedie", der en viktig rolle ikke ble spilt av ytre handling (selv om dramatikeren dyktig bygde en komisk intrige), men av den moralske og psykologiske tilstanden til helten. Karakteren i Moliere er i samsvar med klassisismens lov utstyrt med ett dominerende karaktertrekk. Dette lar forfatteren gi et generalisert bilde av menneskelige laster - grådighet, forfengelighet, hykleri. Ikke rart at noen av navnene på Molieres karakterer, for eksempel Tartuffe, Harpagon, har blitt vanlige substantiv; en hykler og en hykler kalles tartuffe, en gnier kalles en harpagon. Molière fulgte klassisismens regler i skuespillene sine, men han vek ikke unna folketradisjonen til det farseaktige teateret, han skrev ikke bare "høykomedier", der han reiste alvorlige sosiale problemer, men også muntre "komedie-balletter" . En av Molieres berømte komedier, "Filisteren i adelen", kombinerer på en vellykket måte alvoret og relevansen til problemet med munterheten og ynden til "komedie-ballett". Moliere tegner i den et levende satirisk bilde av den velstående borgerlige Jourdain, som bøyer seg for adelen og drømmer om å slutte seg til det aristokratiske miljøet.
Seeren ler av de ubegrunnede påstandene til en uvitende og frekk person. Selv om Molière ler av helten sin, forakter han ham ikke. Den godtroende og trangsynte Jourdain er mer attraktiv enn aristokratene som lever på pengene hans, men forakter Jourdain.
Et eksempel på en «seriøs» klassisk komedie var komedien «The Misanthrope», der humanismeproblemet løses i tvistene mellom Alceste og Philint. Med Alcestes ord, full av fortvilelse, om lastene og urettferdigheten som hersker i menneskeverdenen, er det en skarp kritikk av sosiale relasjoner. Avsløringene til Alceste avslører det sosiale innholdet i komedien.
Moliere gjorde en oppdagelse innen komedie. Ved å bruke generaliseringsmetoden uttrykte dramatikeren gjennom et individuelt bilde essensen av sosiale laster, skildret de typiske sosiale trekkene i sin tid, nivået og kvaliteten på hans moralske relasjoner.
Fransk klassisisme kom tydeligst til uttrykk i dramaturgien, men den kom også ganske tydelig til uttrykk i prosa.
Klassiske eksempler på sjangeren aforisme ble skapt i Frankrike av La Rochefoucauld, La Bruyère, Vauvenart, Chamfort. En strålende mester i aforisme var François de La Rochefoucauld (1613-1689). I boken "Reflections, or Moral Sayings and Maxims" (1665) skapte forfatteren en særegen modell av "mennesket generelt", skisserte en universell psykologi, et moralsk portrett av menneskeheten. Det malte bildet var et dystert syn. Forfatteren tror ikke på sannhet eller godhet. Selv menneskeheten og adelen er ifølge forfatteren bare en spektakulær positur, en maske som dekker egeninteresse og forfengelighet. Ved å generalisere sine observasjoner, se en universell lov i det historiske fenomenet, kommer La Rochefoucauld til ideen om den egoistiske essensen av menneskets natur. Egoisme som et naturlig instinkt, som en kraftig mekanisme som en persons handlinger avhenger av, ligger til grunn for hans moralske motiver. For en person er hat mot lidelse og ønsket om nytelse naturlig, derfor er moral en raffinert egoisme, en rimelig forstått "interesse" til en person. For å dempe naturlig selvkjærlighet, tyr en person til hjelp fra fornuften. Etter Descartes krever La Rochefoucauld rimelig kontroll over lidenskaper. Dette er den ideelle organiseringen av menneskelig atferd.
Jean La Bruyère (1645–1696) kjent som forfatteren av den eneste boken, Characters, or Morals of this Age (1688). I den siste niende utgaven av boken beskrev La Bruyère 1120 tegn. Ved å vende seg til Theophrastus arbeid som modell, kompliserte La Bruyère måten den gamle grekeren hadde: han oppdager ikke bare årsakene til folks laster og svakheter. Forfatteren fastslår den menneskelige karakterens avhengighet av det sosiale miljøet. La Bruyère henter typiske, mest generelle regelmessigheter fra konkret og individuelt mangfold. "Karakterene" skildrer de forskjellige lagene i det parisiske og provinsielle samfunnet på Louis XIVs tid. Ved å dele boken inn i kapitlene "Hoffet", "Byen", "Sovereign", "Adelsmenn", etc., bygger forfatteren sin komposisjon i samsvar med den interne klassifiseringen av portretter (prinser, snåle, sladdere, snakkende, smigrer, hoffmenn, bankfolk, munker, borgerlige, etc.). La Bruyère, den siste store klassisisten på 1600-tallet, som kombinerer ulike sjangre i sin bok (maksimer, dialog, portrett, novelle, satire, moralsk moral), følger streng logikk, underordner sine observasjoner til en generell idé, skaper typiske karakterer.
I 1678 dukket romanen Prinsessen av Cleves ut, skrevet av Marie de Lafayette (1634–1693). Romanen ble preget av en dyptgående tolkning av bilder og en nøyaktig visning av virkelige omstendigheter. Lafayette forteller historien om kjærligheten til kona til prinsen av Cleves for hertugen av Nemours, og understreker kampen mellom lidenskap og plikt. Prinsessen av Cleves opplever en kjærlighetslidenskap, og overvinner den med en innsats av vilje. Etter å ha trukket seg tilbake til et fredelig opphold, klarte hun ved hjelp av sinnet å opprettholde fred og åndelig renhet.
Tysklands litteratur
På 1600-tallet bærer Tyskland det tragiske preg av trettiårskrigen (1618-1648). Freden i Westfalen formaliserte sin inndeling i mange små fyrstedømmer. Fragmentering, handelens tilbakegang, håndverksproduksjon førte til kulturens tilbakegang.
Poeten spilte en stor rolle i gjenopplivingen av den tyske kulturen i moderne tid. Martin Opitz (1597–1639) og hans teoretiske avhandling The Book of German Poetry.
Ved å innføre den klassisistiske kanonen i tysk litteratur, oppfordrer Opitz til å studere antikkens poetiske opplevelse, formulerer litteraturens hovedoppgaver og legger vekt på oppgaven med moralsk oppdragelse. Opitz introduserte det syllabisk-toniske systemet for versifisering, prøvde å regulere litteraturen og etablerte et hierarki av sjangere. Før Opitz skrev tyske diktere først og fremst på latin. Opitz forsøkte å bevise at poetiske mesterverk også kunne lages på tysk.
Opitz ble en av de første kronikerne av trettiårskrigen. Et av de beste verkene er diktet "A Word of Consolation Midt the Disasters of War" (1633). Poeten oppfordrer sine landsmenn til å heve seg over livets kaos, for å finne støtte i sin egen sjel. Temaet for fordømmelse av krig høres i diktene "Zlatna" (1623) og "Pris til krigsguden" (1628). Opitzs «lærde klassisisme» fikk ikke bred utvikling, og allerede i arbeidet til hans studenter Fleming og Logau er innflytelsen fra barokkpoetikken tydelig merkbar.
En fremragende poet av den tyske barokken var Andreas Gryphius (1616-1664), fanger i gjennomtrengende sørgmodige toner verdensbildet fra epoken med trettiårskrigen.
Poesien til Gryphius er overmettet med emosjonelle, visuelle bilder, symboler, emblemer. Favoritt-triksene til Gryphius er opptelling, bevisst haug av bilder, kontrasterende sammenligning. "En kald mørk skog, en hule, en hodeskalle, et bein - // Alt sier at jeg er en gjest i verden, // at jeg ikke vil unnslippe verken svakhet eller forfall."
Gryphius er også grunnleggeren av det tyske dramaet, skaperen av den tyske barokktragedien ("The Lion of the Armenian, or the Regicide" (1646), "The Murdered Majesty, or Charles Stewart, King of Great Britain" (1649) , etc.).
En slående skikkelse av den tyske barokken var en original poet Johann Günther (1695-1723). Gunther utvikler ideen til Gryphius om de beste følelsene som ble plyndret av krigen, om hjemlandet som har glemt sine sønner ("Til fedrelandet"). Poeten motsetter seg livets sløvhet, elendighet, den tyske virkeligheten, dens tilbakestående og treghet. Mange av motivene i poesien hans skulle senere bli tatt opp og utviklet av representanter for Sturm und Drang-bevegelsen.
Den største representanten innen barokkprosa er Hans Jacob Christoffel Grimmelshausen (1622-1676). Hans beste verk er romanen Simplicissimus (1669). Forfatteren beskriver den uvanlige reisen til helten, hvis navn - Simplicius Simplicissimus - oversettes som "den enkleste av de enkleste." En naiv, uinteressert ung bonde som går langs livets vei, møter representanter for ulike sosiale lag i det tyske samfunnet. Helten blir møtt med vilkårlighet, grusomhet som hersker i verden, mangel på ærlighet, rettferdighet, vennlighet.
I palasset til herskeren av Hanau ønsker de å lage en narr av Simplicius: de tar på seg et kalveskinn, leder ham på et tau, grimaserer, håner ham. Heltens naivitet og oppriktighet oppfattes av alle som galskap. Gjennom allegori ønsker Grimmelshausen å fortelle leseren om det viktigste: en forferdelig verden der ulykken til en person tjener som moro. Krigen herdet folket. Simplicissimus søker godhet i menneskehjerter, kaller alle til fred. Helten finner imidlertid sjelefred på en øde øy, langt fra en ond sivilisasjon.
Grimmelshausen var den første i tysk litteratur som viste hvilken destruktiv effekt krig har på menneskesjeler. I sin helt legemliggjorde forfatteren drømmen om en hel, naturlig person som lever i henhold til folkemoralens lover. Derfor oppfattes romanen også i dag som et levende antikrigsverk.
Englands litteratur
I utviklingen av engelsk litteratur på 1600-tallet, uløselig knyttet til politiske hendelser, er tre perioder tradisjonelt skilt:
1. Førrevolusjonær periode (1620-1630).
2. Periode med revolusjon, borgerkrig og republikk (1640-1650).
3. Restaureringsperiode (1660-1680).
I den første perioden (20-30-tallet av 1600-tallet) i engelsk litteratur var det en nedgang innen dramaturgi og teater. Ideologien til den triumferende absolutistiske reaksjonen kommer til uttrykk i aktivitetene til den såkalte "metafysiske skolen", som skaper spekulativ litteratur abstrahert fra virkelighetens problemer, så vel som "Caroline-skolen", som inkluderte royalistiske poeter. I arbeidet til D. Donn, D. Webster,
T. Dekkers motiver om ensomhet, fatal predestinasjon, fortvilelse blir hørt.
Dette var Shakespeares yngre samtidige Ben Jonson (1573-1637), forfatter av de livsbekreftende og realistiske komediene Volpone (1607), Episin, or the Silent Woman (1609), The Alchemist (1610), Bartholomew's Fair (1610).
I 1640- og 1650-årene var journalistikk (traktater, brosjyrer, prekener) av stor betydning. Publicistiske og kunstneriske verk av puritanske forfattere hadde ofte en religiøs farge og var samtidig mettet med protest, en ånd av hard klassekamp. De reflekterte ikke bare ambisjonene til det Cromwell-ledede borgerskapet, men stemningene og forventningene til de brede massene av folket, uttrykt i ideologien til Levellers («utjevnerne»), og spesielt de «sanne Levellers» eller «graverne» ("gravere"), som stolte på de fattige på landsbygda.
Den demokratiske opposisjonen på 1640- og 1650-tallet brakte frem den talentfulle Leveler-publisisten John Lilburn (1618-1657). Lilburnes berømte brosjyre "The New Chains of England" var rettet mot ordren til Cromwell, som forvandlet seg fra en revolusjonær sjef til en herrebeskytter med despotiske manerer. Demokratiske tendenser er tydelige i arbeidet til Gerald Winstanley (1609 - ca. 1652). Hans anklagende avhandlinger og pamfletter (The Banner Raised by the True Levellers, 1649; Declaration of the Poor, Oppressed People of England, 1649) er rettet mot borgerskapet og den nye adelen.
Den mest fremtredende representanten for den revolusjonære leiren i engelsk litteratur på 40-50-tallet av 1600-tallet var John Milton (1608-1674).
I den første perioden av sitt arbeid (1630-årene) skrev Milton en rekke lyriske dikt og to dikt "Legerlig" og "Tenksom", som skisserer hovedmotsetningene i etterfølgende verk: sameksistensen av puritanisme og renessansehumanisme. På 1640- og 1650-tallet var Milton aktivt involvert i den politiske kampen. Han henvender seg nesten ikke til poesi (skriver bare 20 sonetter) og vier seg helt til journalistikk, og skaper til slutt fremragende eksempler på journalistisk prosa fra 1600-tallet. Den tredje perioden av Miltons arbeid (1660-1674) faller sammen med epoken for restaureringen (1660-1680). Milton beveger seg bort fra politikken. Poeten tyr til kunstnerisk kreativitet og skriver storstilte episke dikt Paradise Lost (1667), Paradise Regained (1671) og tragedien Samson the Wrestler (1671).
Disse verkene er skrevet om bibelske emner, og er gjennomsyret av en brennende revolusjonær ånd. I Paradise Lost forteller Milton historien om Satans opprør mot Gud. Verket har mange trekk fra den moderne Milton-tiden. Selv i perioden med de mest alvorlige reaksjonene, forblir Milton trofast mot sine tyranniske, republikanske prinsipper. Den andre historien er knyttet til historien om Adam og Evas fall - dette er en forståelse av menneskehetens vanskelige vei til moralsk gjenfødelse.
I Paradise Regained fortsetter Milton sin refleksjon over revolusjonen. Glorifiseringen av Kristi åndelige styrke, som avviser alle Satans fristelser, tjente som en oppbyggelse for de nylige revolusjonære, som var redde for reaksjonen og raskt gikk over til royalistenes side.
Det siste verket til Milton - tragedien "Samson the Wrestler" - er også allegorisk forbundet med hendelsene under den engelske revolusjonen. I den, trakassert av politiske fiender, ber Milton om hevn og fortsettelse av folks kamp for en verdig tilværelse.
