"A Million of Torments": utdrag fra den kritiske prosaen til Ivan Goncharov. "A Million Torments" av Chatsky (basert på komedien A
I. A. Goncharov reflekterte over særegenhetene til komedien "Wee from Wit", at i gruppen av skuespillere "ble hele det tidligere Moskva reflektert, som en lysstråle i en vanndråpe, ... dets daværende ånd, historiske øyeblikk og skikker." Han bemerket også at komedien bare ville ha forblitt et bilde av moral, hadde det ikke vært for Chatsky, som pustet en levende sjel til handling fra det første ordet til det siste. Uten figuren til Chatsky, uten hans lidenskapelige monologer, ville ikke stykket ha fått en slik popularitet, ville ikke ha blitt en av de mest elskede
verk av ekte patrioter i Russland.
Den siste handlingen oppsummerer bare sammenstøtene på denne bakken mellom Famus-samfunnet og hovedpersonen.
Chatsky er en smart, utdannet person. Som andre karakterer beskriver ham, "han
liten med hode», «skriver herlig, oversetter». Tidligere tjenestegjorde han, hadde en høy stilling, men fant ingen fordel i dette, fordi han måtte tjene enkeltpersoner, og ikke saken. Og Chatsky ønsker ikke å "passe inn i regimentet av narrer" og lånetakerne: "Jeg vil gjerne tjene, det er kvalmende å tjene" - hans credo. For sine synspunkter, som er i strid med de allment aksepterte, ble han "erklært en wast, a toboy", fordi han forvaltet godset "ved en feiltakelse", det vil si på sin egen måte, han reiste i tre år, som i verdens øyne bidro bare til det merkelige i oppførselen hans.
Feil og vandringer har ikke forvitret kreftene hans. Han virker ikke skuffet når han dukker opp hjemme hos Famusov, og hans pratsomhet, livlighet og vittighet er ikke bare fra en date med Sophia. Tross alt er røyken fra fedrelandet søt og behagelig for ham, selv om Chatsky vet at han ikke vil se noe nytt, er det det samme overalt.
Chatsky føler uoppriktighet i Sophia, en slags usannhet, og prøver å forstå henne som en ærlig person. Hans sinn og sanser er irritert av skjulte løgner, og alt han pleide
prøvde å være nedlatende, opprørte ham. Så "kjærlighetens intriger" blir "generell
kamp" av en avansert person med obskurantistene i sin tid.
Først av alt er Chatsky motstander av det "siste århundre", så elsket av Famusov, mot servitighet, ydmykhet og frykt, treghet i tenkningen, når
Dommer henter fra glemte aviser
Ochakov-tiden og erobringen av Krim.
Han er avsky av adelens gjensidige ansvar, ekstravaganse og fester, men mest av alt harme i ham
oppfordrer til livegenskap, der hengivne tjenere byttes ut mot mynder,
selges enkeltvis «fra mødre, fedre til avviste barn». Chatsky kan ikke
å respektere slike mennesker selv i desertering, anerkjenner ikke deres rett til rettssak over en ny
århundre. Og de på sin side anser folk som Chatsky for å være røvere, farlige
drømmere som forkynner det mest forferdelige for dem - frihet.
For Chatsky er det å drive med vitenskap og kunst kreativitet, høyt og vakkert, men for
andre er det ensbetydende med brann. Tross alt er det mer praktisk "slik at ingen vet og ikke lærer å lese",
bedre rekker og drill.
Fra monolog til monolog vokser Chatskys irritasjon, og dette handler ikke bare om Sophia. "Hus er nye, men fordommer er gamle" - det er hovedsaken. Derfor blir hans bemerkninger rettet mot bærerne av disse fordommene, gamle og unge, så etsende. Han sådde fiendtlighet, og høstet «en million plager».
Ryktet om Chatskys galskap falt på fruktbar jord, ellers ville ikke Famus-samfunnet ha vært i stand til å forklare oppførselen hans, gal, kresen. Den hvite kråka har ingen plass blant de svarte, den må avvises. Å gjerde av Chatsky med baktalelse, sukker alle
friere, og helten svekkes. Hans monolog "Ja, ingen urin: en million plager" høres ut som
klage, og smerte reagerer på hjertet. Ikke bare Chatsky, men også fedrelandet blir ydmyket av den eksisterende orden, utlendingers dominans, når "tom, slavisk, blind imitasjon" erstatter nasjonal kultur, og "smarte, spreke ... mennesker" aksepterer til og med utlendinger i henhold til språket av mesterne.
Det er derfor vi i den siste scenen ser Chatsky så indignert. Skuffet i kjærlighet og etter å ikke ha funnet «verken lyden av et russisk eller et russisk ansikt», lurt og baktalt, flykter Chatsky fra Moskva «for å se seg rundt i verden der det er et hjørne for en fornærmet følelse», tar bort, som en tornekrone, «en million plager». Men hans prinsipper er ikke avkreftet. Goncharov bemerket riktig at "Chatsky er ødelagt av mengden av gammel styrke, og påfører den i sin tur
et dødelig slag av kvaliteten på frisk kraft.
Er han virkelig den evige avsløringen av løgnene, som omtales i ordtaket "En mann er ikke en kriger"? Nei, en kriger, hvis han er Chatsky, og dessuten en vinner, men en avansert kriger, trefning og alltid et offer.
(Ingen vurderinger ennå)
relaterte innlegg:
- A. Griboedovs komedie er en kilde til refleksjoner... (I. A. Goncharov - om det faktum at komedien ikke er fullstendig løst: "... komedien "Ve fra Wit" er både et bilde av moral, og et galleri av levende typer, og ... en skarp satire ... Uten Chatsky ville det ikke vært noen komedie, men det ville vært et bilde av oppførsel.») Hvem er han, Chatsky? Personligheten til A. Chatsky. Love line komedie. (Chatsky er full [...] ...
- I Griboyedovs komedie "Woe from Wit" blir mange laster av rike mennesker på den tiden latterliggjort. Heltene i verket, som Famusov, Molchalin, Tugoukhovsky, Skalozub og andre, avslører de negative egenskapene til karakteren deres for leserne. De er smålige, elendige, selvbetjente og hjelpsomme. Deres idealer er å "tjene mennesker" mennesker, "jegere for å være slemme". Disse idealene deles ikke av bare én karakter - Chatsky. Han foretrekker folk […]
- En million plager av Chatsky Han vil komme ut av ilden uskadd, Som vil ha tid til å bo hos deg for en dag, Pust den samme luften, Og hans sinn vil overleve. A. S. Griboyedov. I følge V. G. Belinsky er "Wee from Wit" den edleste skapningen til en mann av geni. Og I. A. Goncharov skrev i sin artikkel "A Million of Torments": "Wee from Wit" - det er […] ...
- Komedien «Wee from Wit» i russisk litteratur skiller seg ut. Uten figuren Chatsky ville det ikke vært noen komedie. Chatsky er smart og hjertelig, resten er ikke. Essensen av Chatskys karakter kommer til uttrykk i ordene hans: "Jeg ville være glad for å tjene, det er kvalmende å tjene." Ulykkelig kjærlighet til Sophia er årsaken og motivet til Chatskys "millioner plager". Hovedideen med denne passasjen er at for å skape [...] ...
- AS Griboyedov gikk inn i russisk litteratur som forfatter av ett verk. Komedien hans «Woe from Wit» er vanskelig å overvurdere. Griboyedovs skuespill vil forbli moderne og livsviktig inntil karriereisme, servitighet, sladder forsvinner fra våre liv, inntil samfunnet vårt er dominert av profittørsten, ønsket om å leve på bekostning av andre, og ikke av eget arbeid, inntil […]
- AS Griboyedov kom inn i russisk litteratur som forfatter av ett verk - komedien "Ve fra vidd". Dette skuespillet av Griboedov er fortsatt moderne og vil begeistre samfunnet inntil karriereisme, servitighet, sladder forsvinner fra våre liv, inntil profittørsten, ønsket om å leve på bekostning av andre, og ikke på bekostning av ens eget arbeid, råder, […]...
- Griboedovs komedie "Wee from Wit" ble skrevet i 1824. Forfatteren tegner oss levende bilder av russiske mennesker, som gjenspeiler virkeligheten slik den virkelig var i første kvartal av 1800-tallet. Fra posisjonen til desembristene latterliggjør Griboyedov stivheten, konservatismen og tilbakestående i samfunnets tradisjoner. Stykket er skrevet i klassisk stil. Forfatteren har en nyskapende tilnærming til teorien om tre enheter. Han opprettholder samhold […]
- Gjestenes avgang ser ut til å bringe oss tilbake til begynnelsen av akt III: Khryumina forakter alle; Natalya Dmitrievna trener mannen sin; Tugoukhovskyene kvitrer... Alt kommer inn i kysten, men Khryumina har litt mer sinne, Gorichs motløshet er mer åpenhjertig, Skalozubs martyrium, Tugoukhovskys fattigdom, Khlestovas dominans. Chatsky hører i deres ord om seg selv "ikke latter, men tydelig sinne." Ved første øyekast, Chatsky i [...] ...
- Chatskys rolle og fysiognomi er uendret. Chatsky er mest av alt en fordømmer av løgner og alt som har blitt foreldet. Han vet hva han kjemper for. Han er veldig positiv i sine krav. Han krever plass og frihet for sin alder. Han er rasende over de stygge manifestasjonene av livegenskap, vanvittig luksus og motbydelig moral. Hans ideal om et "fritt liv" er frihet fra alle lenker av slaveri. […]...
- Komedien «Ve fra Wit» holder seg noe fra hverandre i litteraturen og utmerker seg ved sin ungdommelighet, friskhet og sterkere vitalitet fra andre verker av ordet. "Wee from Wit" dukket opp før Onegin, Pechorin, overlevde dem, gikk uskadd gjennom Gogol-perioden, levde et halvt århundre fra dets opptreden og alt lever sitt uforgjengelige liv, vil overleve mange flere epoker og alle [... ] ...
- Om Chatsky: Chatsky er mest av alt en debunker av løgner og alt som har blitt foreldet, som overdøver et nytt liv, "fritt liv". Han er svært positiv i sine krav og erklærer dem i et ferdig program utarbeidet ved begynnelsen av århundret. Han er rasende over de stygge manifestasjonene av livegenskap, vanvittig luksus og motbydelig moral. Av frykt for seg selv baktaler Famusov Chatsky, men han lyver fordi [...] ...
- Komedien «Ve fra Wit» er både et oppførselsbilde, og et galleri av levende typer, og brennende satire, og mest av alt en komedie. Som et bilde er det enormt. Lerretet hennes fanger en lang periode av russisk liv - fra Katarina til keiser Nicholas. I en gruppe på tjue mennesker ble hele det gamle Moskva reflektert, dets design, dets daværende ånd, historiske øyeblikk og skikker. Og alt […]...
- Generelt er det vanskelig å behandle Sofya Pavlovna ikke sympatisk: hun har sterke tilbøyeligheter av en bemerkelsesverdig natur, et livlig sinn, lidenskap og feminin mildhet. I. A. Goncharov A. S. Griboedov kom inn i historien til russisk og verdenslitteratur som skaperen av den strålende komedien "Wee from Wit". Det er interessant ikke bare med tanke på problemene i det russiske samfunnet i første halvdel av 1800-tallet, [...] ...
- Ivan Goncharov bemerker friskheten og ungdommen i stykket "Ve fra Wit": Hun er som en hundre år gammel mann, rundt hvem alle, etter å ha overlevd tiden etter tur, dør og faller, og han går, munter og frisk. , mellom det gamles graver og det nyes vugger. Til tross for Pushkins geniale, "blir karakterene hans bleke og forsvinner inn i fortiden", mens Griboedovs skuespill dukket opp tidligere, men overlevde [...] ...
- A. S. Griboyedov I. A. Goncharov "A Million of Torments" (artikkelen ble skrevet i 1871) Om komedie generelt: "Det er umulig å forestille seg at en annen, mer naturlig, enkel, mer hentet fra livstale noensinne kan dukke opp . Prosa og vers smeltet her sammen til noe uatskillelig, da ser det ut til at det ville være lettere å holde dem i minnet og sette dem tilbake i sirkulasjon ... [...] ...
- Den eneste karakteren som ble unnfanget og fremført i komedien "Woe from Wit", så nær Chatsky, er Sofia Pavlovna Famusova. Griboyedov skrev om henne: "Jenta selv er ikke dum, hun foretrekker en tosk fremfor en smart person:" Denne karakteren legemliggjør en kompleks karakter, forfatteren har forlatt satire og farse her. Han presenterte den kvinnelige karakteren med stor styrke og dybde. Sophia i ganske lang tid "ikke [...] ...
- Chatskys historie: Materialet i komedien er utilstrekkelig for noen detaljer om Chatskys liv. Vi kan si at han ble oppvokst med Sophia, var venn med henne som barn, deretter studerte og tjente. Nå forlot han tjenesten og vendte tilbake til sine hjemsteder, hvor han ikke hadde vært på mange år. "En million plager" av Chatsky ligger i det faktum at han hadde tapt før [...] ...
- Hvorfor spilles dette stykket fortsatt på mange teatre i Russland og i utlandet? I Tsjekhovs komedie «Kirsebærhagen» ser vi en kombinasjon av dramatisk og komisk, som henger sammen med verkets problematikk. Stykket viser tidens gang: fortid, nåtid og fremtid. De sentrale karakterene er Ranevskaya og Gaev. De lever i fortiden, de har ingen nåtid eller fremtid. […]...
- Materialet i komedien er ikke nok for noen detaljer om Chatskys liv. Vi kan si at han ble oppvokst med Sophia, var venn med henne som barn, deretter studerte og tjente. Nå forlot han tjenesten og vendte tilbake til sine hjemsteder, hvor han ikke hadde vært på mange år. "En million plager" av Chatsky ligger i det faktum at han mistet den tidligere nøye bevoktede [...] ...
- Bildet av Chatsky basert på arbeidet til I. A. Goncharov "A Million of Torments" Hovedrollen er selvfølgelig rollen til Chatsky, uten hvilken det ikke ville være noen komedie, men det ville kanskje være et bilde av moral. Chatsky er ikke bare smartere enn alle andre mennesker, men også positivt smart. Talen hans koker av intelligens, vidd. Han har et hjerte, og samtidig er han upåklagelig ærlig. I et ord, […]...
- «Wee from Wit» er en komedie med høyt sosialt innhold. Griboyedov berører de viktigste spørsmålene: oppdragelse og utdanning, tjeneste for fedrelandet og borgerplikt, livegenskap og tilbedelse av alt fremmed. Hovedpersonen i denne komedien er Chatsky, som føler hat for livegenskap, lidenskapelig patriotisme og stolthet over alt russisk, kjærlighet til utdanning, vitenskap og kunst. Etter […]...
- I. A. Goncharov skrev i sin artikkel "A Million of Torments" om hovedpersonen i A. S. Griboyedovs udødelige komedie "Woe from Wit": "Rollen til Chatsky er hovedrollen, uten hvilken det ikke ville være noen komedie, men ville kanskje bilde av oppførsel. Jeg er helt enig i denne oppfatningen. Alexander Andreevich Chatsky er det viktigste og mest slående bildet av komedien. Han […]...
- Chatsky og Molchalin er heltene i Griboyedovs komedie "Wee from Wit. De er helt forskjellige både i karakter, og i verdensbilde, og i posisjon i samfunnet. Molchalin er en typisk representant for Famus-æraen, personifiseringen av servilitet, løgn, smiger, egoisme, selvydmykelse for egoistiske formål. Chatsky er helt motsatt av Molchalin. Mange aspekter av Griboyedovs sjel ble reflektert i bildet av Chatsky. Han er sann og lidenskapelig [...] ...
- Komedien "Woe from Wit" er det mest kjente verket til A. S. Griboyedov. Ideene som ble nedfelt i den av forfatteren, forårsaket ofte en motstridende holdning hos leserne. I «Wee from Wit» ser vi hvordan begrepene «det nåværende århundre» og «det forrige århundre» kolliderer. Chatsky forkynner synspunktene til «det nåværende århundre», så det er ganske naturlig at vi i komedien finner heltens lange monologer. Fra monologene lærer vi […]...
- Komedie Griboedov "Wee from Wit" berører de viktigste spørsmålene i livet. Dette er slike problemer som oppdragelse av en person og om beundring for alt fremmed, så vel som om livegenskap. I sitt arbeid latterliggjør og fordømmer forfatteren av komedien karakterene hans. Disse er Famusov, Molchalin og Skalozub. Alle disse heltene blir motarbeidet av hovedpersonen. Dette er Chatsky Alexander Andreevich. Han fikk en utmerket utdannelse […]
- Før jeg svarer på dette spørsmålet, vil jeg kort gå tilbake til tidligere hendelser og se hvordan handlingen til komedien utviklet seg før denne sinte og anklagende talen av Chatsky. Så Chatsky innså tydelig at hans retur til Moskva var forgjeves. Han føler at Sophias hjerte tilhører en annen, selv om han fortsatt ikke kan forstå hvem denne andre er. Og i […]
- Et sammenstøt mellom Chatsky og Famusovs Moskva er uunngåelig. Så snart Chatsky ankom Famusovs hus, oppsto det umiddelbart uenigheter. Famusov og Chatsky er helt forskjellige mennesker, så det er alltid motsetninger mellom dem. Alt som Famusov berømmer i Moskva, fordømmer Chatsky. Det er et sammenstøt mellom det "nåværende århundre", det vil si den avanserte adelen, med det "siste århundre" - massen av føydale herrer. Chatsky mener at […]
- Komparative kjennetegn ved Chatsky og Gorichs Hovedpersonen i Griboyedovs skuespill er i motsetning til samfunnet rundt ham. Og dette motivet for konfrontasjon høres ut i scenen som allerede er sitert. Chatskys råd gledet ikke Natalya Dmitrievna, siden de ifølge denne heltinnen krenket den vanlige, målte livsstilen til sekulære mennesker. Chatsky råder Gorich til å gå i gang, gå tilbake til regimentet, gå til landsbyen. Slik […]...
- "Ve fra Wit" - verkene til A. S. Griboyedov, som avslører et av de viktigste problemene i samfunnet - problemet med kollisjonen mellom to verdener: "det nåværende århundre" og "det forrige århundre". Senere vil mange klassikere av russisk litteratur ta opp dette emnet i sine verk. I Griboedovs skuespill vises sammenstøtet mellom forskjellige synspunkter i opposisjonen til Chatsky og Famus-samfunnet. Alexander Andreevich Chatsky - sjef […]...
- Chatskys sammenstøt med Famus-samfunnet var uunngåelig. Den får en stadig mer voldelig karakter og kompliseres av Chatskys personlige drama – sammenbruddet av håp om personlig lykke. Angrepene hans blir mer og mer skarpe. Han går inn i kampen, og i hans taler kommer det motsatte av hans synspunkter til synspunktene til Famusovs Moskva klart til uttrykk: Hvis Famusov er forsvareren av det gamle århundre, tid […]
- Utvikler konsekvent sosiale intriger. Hun kommer i forgrunnen i Chatskys sammenstøt med Famusov, Skalozub og Molchalin. Og motsatt side sparer ikke på vurderinger, hun finner raskt ut hva slags fiende Chatsky er for henne. Hver ny person blir fiendtlig mot Chatsky, og i tredje akt blir hele samfunnet, samlet til kvelden på Famusov, fiendtlig. […]...
- A. S. Griboyedovs komedie "Woe from Wit" ble skrevet i første halvdel av 1800-tallet. Dette er en tid med kontraster, som har absorbert alt: både triumfer og nederlag. Folk som hadde på seg tiggede filler, prøvde kongekåper. Og gjerrige gjestgivere som tidligere holdt en slakterkniv fikk en marskalkstokk. Men triumfer ga plass til en katastrofal solnedgang, jublende rop formørket bitter klage, sannhetens majestetiske utstråling [...] ...
- Figuren Chatsky bestemmer konflikten i komedien, begge historiene. I monologene og bemerkningene til Chatsky, i alle hans handlinger, ble det uttrykt som var viktigst for de fremtidige decembrists: frihetens ånd, det fritt liv, følelsen av at "han puster friere enn noen." Individets frihet er motivet til tiden og komedien til A. S. Griboyedov. Og frihet fra utdaterte forestillinger om kjærlighet, [...] ...
- I komedien "Woe from Wit" legger Alexander Sergeevich Griboyedov sine kjære tanker i munnen til hovedpersonen Alexander Andreevich Chatsky, som oftest uttrykker dem i form av monologer. De spiller en viktig rolle i å avsløre den ideologiske meningen med verket. Totalt leverer Chatsky seks monologer. Hver av dem karakteriserer et trinn i utviklingen av komediplottet. Den første av dem ("Vel […]
- Det ser ut til at forfatteren hadde forsynsgaven - så nøyaktig viste han i sin komedie alt som senere ble virkelighet. Chatsky, etter å ha gått inn i kampen med hele det gamle, konservative systemet, var dømt til å beseire. Han er en representant for den unge progressive generasjonen av Russland fra den tiden, og Famus-samfunnet er det konservative flertallet som ikke vil godta noe [...]...
- I min komedie er det 25 tullinger til en tilregnelig person. Og noen ganger er en person selvfølgelig i konflikt med samfunnet rundt seg, ingen forstår ham, ingen vil tilgi ham, hvorfor han er litt høyere enn andre. AS Griboyedov I 1824 skapte Griboedov den udødelige komedien Woe from Wit. Hovedpersonen i denne komedien er Chatsky. Chatsky er en ung […]
- Griboedov kom inn i russisk litteratur som forfatter av den velkjente komedien Ve fra vits. Den berører svært viktige spørsmål: om oppdragelse, utdanning, om beundring for alt fremmed, om livegenskap. I komedien latterliggjør og fordømmer forfatteren en rekke karakterer: Famusov, Skalozub, Molchalin, Repetilov. Men alle disse heltene er motarbeidet av hovedpersonen til komedien - Alexander Andreyevich Chatsky. Han mottok […]...
- Jeg ble kjent med AS Griboyedovs komedie «Wee from Wit» i sommerferien. I denne komedien kom forfatteren inn på et smertefullt tema fra den tiden. Sinn og ære er hoveddydene til en person. Hovedpersonen vår har akkurat slike egenskaper, men faller inn i feil samfunn, som han gjerne vil være. Så vår hovedperson, Alexander Andreevich [...] ...
- Det er mange versjoner. Jeg har bare lest om to. Den første er at opprinnelig ble etternavnet "Chatsky" skrevet "Chadsky", du vil være enig, du kan høre ekkoet av etternavnet til den berømte tenkeren P. Ya. Chaadaev. Den andre – etter utgivelsen av «Wee from Wit» i St. Petersburg (juni 1824), begynte kritikere å krangle om hvorvidt dette selvportrettet var negativt eller positivt. Pushkin var ikke tilhenger av disse versjonene. Av de to […]...
Litterær kritikk
"En million plager" (artikkel av I. A. Goncharov)
Komedien "Ve fra Wit" skiller seg ut i litteraturen og utmerker seg ved sin ungdommelighet, friskhet og sterkere vitalitet fra andre verk av ordet. Hun er som en hundre år gammel mann, rundt hvem alle, etter å ha overlevd sin tid etter tur, dør og faller, og han går, munter og frisk, mellom gamle graver og vugger til nye mennesker. Og det kommer aldri opp for noen at det en dag kommer hans tur.
Alle kjendiser av første størrelse gikk selvfølgelig ikke uten grunn inn i det såkalte "udødelighetens tempel". De har alle mye, mens andre, som Pushkin, for eksempel, har mye mer rett til lang levetid enn Griboyedov. De kan ikke være nære og sette den ene med den andre. Pushkin er enorm, fruktbar, sterk, rik. Han er for russisk kunst det Lomonosov er for den russiske opplysningstiden generelt. Pushkin okkuperte hele sin epoke, han skapte selv en annen, ga opphav til kunstnerskoler - han tok alt i sin tid, bortsett fra det Griboyedov klarte å ta og hva Pushkin ikke gikk med på.
Til tross for Pushkins genialitet, blir hans fremste helter, i likhet med heltene på hans alder, allerede bleke og forsvinner inn i fortiden. Hans strålende kreasjoner, mens de fortsetter å tjene som modeller og kilder til kunst, blir selv historie. Vi har studert Onegin, hans tid og hans miljø, veid, bestemt betydningen av denne typen, men vi finner ikke lenger levende spor av denne personligheten i det moderne århundre, selv om opprettelsen av denne typen vil forbli uutslettelig i litteraturen. Selv århundrets senere helter, for eksempel Lermontovs Pechorin, som representerer, som Onegin, deres epoke, blir imidlertid til stein i ubevegelighet, som statuer på graver. Vi snakker ikke om deres mer eller mindre strålende typer som dukket opp senere, som klarte å gå i graven i løpet av forfatternes liv, og etterlot seg noen rettigheter til litterært minne.
Fonvizins "Undergrowth" ble kalt den udødelige komedie, - og grundig - hennes livlige, varme tid varte omtrent et halvt århundre: dette er enormt for et ordverk. Men nå er det ikke et eneste snev av levende liv i The Undergrowth, og komedien har, etter å ha tjent sin tjeneste, blitt et historisk monument.
"Ve fra Wit" dukket opp før Onegin, Pechorin, overlevde dem, gikk uskadd gjennom Gogol-perioden, levde et halvt århundre fra dets opptreden og lever fortsatt sitt uforgjengelige liv, vil overleve mange flere epoker og alt vil ikke miste sitt vitalitet.
Hvorfor er dette, og hva er "Ve fra Wit" generelt?
Kritikk flyttet ikke komedien fra stedet den en gang okkuperte, som om den ikke ville plassere den. Den verbale vurderingen overgikk den trykte, akkurat som selve stykket var langt foran pressen. Men den litterære massen satte faktisk pris på det. Umiddelbart innså hun dets skjønnhet og fant ingen feil, knuste hun manuskriptet i filler, i vers, halve vers, fortynnet alt saltet og visdommen i stykket til dagligtale, som om hun gjorde en million til kroner, og så full av Griboedovs ordtak samtale at hun bokstavelig talt slitt ut komedien til metthet.
Men stykket tålte også denne prøven - og ble ikke bare vulgært, men så ut til å bli kjærere for leserne, fant i hver av dem en beskytter, kritiker og venn, som Krylovs fabler, som ikke mistet sin litterære kraft, som gikk fra en bok til levende tale.
Trykt kritikk har alltid behandlet med mer eller mindre alvorlighet bare den scenemessige fremføringen av stykket, berører lite selve komedien eller uttrykker seg i fragmentariske, ufullstendige og motstridende anmeldelser. Det ble bestemt en gang for alle at komedie er et forbilledlig verk - og på det ble alle forsonet.
Hva skal en skuespiller gjøre når han tenker på rollen sin i dette stykket? Å stole på sin egen domstol - det vil ikke være noen selvfølelse, og å lytte i førti år til opinionens stemme - det er ingen vei uten å gå seg vill i smålige analyser. Det gjenstår, fra det utallige koret av meninger som er uttrykt og uttrykt, å dvele ved noen generelle konklusjoner, som oftest gjentas - og på dem allerede bygge din egen evalueringsplan.
Noen setter pris på i komedie et bilde av Moskva-manerene fra en viss tid, opprettelsen av levende typer og deres dyktige gruppering. Hele stykket presenteres som en slags ansiktskrets som leseren kjenner, og dessuten like bestemt og lukket som en kortstokk. Ansiktene til Famusov, Molchalin, Skalozub og andre var gravert inn i mitt minne like fast som konger, knekt og dronninger i kortene, og alle hadde et mer eller mindre behagelig konsept av alle ansikter, bortsett fra ett - Chatsky. Så de er alle skrevet riktig og strengt, og blir derfor kjent for alle. Bare om Chatsky er mange forvirrede: hva er han? Det er som den femtitredjedelen av et mystisk kort i kortstokken. Hvis det var liten uenighet i forståelsen av andre personer, så om Chatsky, tvert imot, har motsetningene ikke endt så langt, og vil kanskje ikke ende på lenge.
Andre, som yter rettferdighet til bildet av moral, troskap av typene, verdsetter det mer epigrammatiske saltet av språket, livlig satire - moral, som stykket fortsatt, som en uuttømmelig brønn, forsyner alle med for hvert daglige trinn i livet.
Men både de og andre kjennere passerer nærmest i stillhet selve «komedien», handlingen, og mange nekter til og med at det er en betinget scenebevegelse.
Til tross for det faktum, men hver gang personellet i rollene endres, går begge dommerne på teatret og livlig snakk stiger igjen om utførelsen av denne eller den rollen og om rollene i seg selv, som i et nytt stykke.
Alle disse mangfoldige inntrykkene og deres egne synspunkt basert på dem fungerer som den beste definisjonen av stykket for hver og en, det vil si at komedien Ve fra Wit er både et bilde på moral, og et galleri av levende typer, og en evig skarp, brennende satire, og samtidig en komedie og – la oss si for oss selv – mest av alt komedie, som knapt finnes i annen litteratur, hvis vi aksepterer helheten av alle andre forhold som kommer til uttrykk. Som et bilde er det uten tvil enormt. Lerretet hennes fanger en lang periode av russisk liv - fra Katarina til keiser Nicholas. I en gruppe på tjue ansikter reflekterte, som en lysstråle i en vanndråpe, hele det tidligere Moskva, dets tegning, dets daværende ånd, historiske øyeblikk og skikker. Og dette med en slik kunstnerisk, objektiv fullstendighet og sikkerhet, som bare ble gitt oss av Pushkin og Gogol.
I bildet, der det ikke er en eneste blek flekk, ikke en eneste fremmed, overflødig strek og lyd, føler betrakteren og leseren seg selv nå, i vår tid, blant levende mennesker. Både det generelle og detaljene - alt dette er ikke komponert, men er fullstendig hentet fra Moskvas stuer og overført til boken og til scenen, med all varmen og med alle Moskvas "spesielle avtrykk" - fra Famusov til små strøk, til prins Tugoukhovsky og til fotmannen Persille, uten hvilke bildet ikke ville vært komplett.
Men for oss er det ennå ikke et helt fullført historisk bilde: vi har ikke beveget oss langt nok bort fra epoken at det ligger en ufremkommelig avgrunn mellom den og vår tid. Fargingen har ikke jevnet seg ut i det hele tatt; århundret skilte seg ikke fra vårt, som et avskåret stykke: vi arvet noe derfra, selv om Famusovs, Molchalins, Zagoretskys og andre har endret seg slik at de ikke lenger passer inn i huden til Griboedovs typer. Skarpe trekk har blitt foreldet, selvfølgelig: ingen Famusov vil nå invitere til narrer og sette som et eksempel Maxim Petrovich, i det minste så positivt og tydelig Molchalin, selv foran hushjelpen, tilstår nå stille de budene som faren testamenterte til ham ; en slik Skalozub, en slik Zagoretsky er umulig selv i en fjern utmark. Men så lenge det er et ønske om utmerkelser bortsett fra fortjeneste, så lenge det er håndverkere og jegere som kan glede og "ta belønning og leve lykkelig", så lenge sladder, lediggang, tomhet vil dominere ikke som laster, men som elementer i det sosiale livet - inntil da, selvfølgelig. , funksjonene til Famusovs, Molchalins og andre vil flimre i det moderne samfunn, det er ikke nødvendig at det "spesielle avtrykket" som Famusov var stolt av har blitt slettet fra Moskva selv.
Universelle modeller forblir selvfølgelig alltid, selv om selv de blir til typer ugjenkjennelige fra midlertidige endringer, slik at i stedet for de gamle, må kunstnere noen ganger oppdatere, etter lange perioder, hovedtrekkene ved moral og menneskelig natur generelt som var allerede en gang i bildene, kle dem i nytt kjøtt og blod i deres tids ånd. Tartuffe, selvfølgelig, er en evig type, Falstaff er en evig karakter, men begge to, og mange fortsatt kjente prototyper av lidenskaper, laster, etc., som dem, som forsvant selv i antikkens tåke, mistet nesten sitt levende bilde og omgjort til en idé, til et betinget konsept, det vanlige navnet på last, og for oss tjener de ikke lenger som en levende leksjon, men som et portrett av et historisk galleri.
Dette kan spesielt tilskrives Griboedovs komedie. I den er den lokale fargen for lys, og betegnelsen på selve karakterene er så strengt skissert og innredet med en slik virkelighet av detaljer at universelle menneskelige trekk knapt skiller seg ut fra sosiale posisjoner, rekker, kostymer, etc.
Som et bilde på moderne moral var komedien «Wee from Wit» delvis en anakronisme selv da den dukket opp på Moskva-scenen på 1930-tallet. Allerede Shchepkin, Mochalov, Lvova-Sinetskaya, Lensky, Orlov og Saburov spilte ikke fra naturen, men i henhold til fersk tradisjon. Og så begynte de skarpe strøkene å forsvinne. Chatsky selv tordner mot «det siste århundre» da komedien ble skrevet, og den ble skrevet mellom 1815 og 1820.
Hvordan sammenligne og se (sier han),
Det nåværende århundre og forrige århundre,
Fersk legende, men vanskelig å tro -
og om sin tid uttrykker han det slik:
Nå puster alle friere -
Jeg skjelte ut alderen din
Nådeløst -
sier han til Famusov.
Følgelig gjenstår nå bare litt av den lokale fargen: en lidenskap for rekker, krypning, tomhet. Men med noen reformer, kan rekkene bevege seg bort, kryper til graden av servilitet av Molalinsky er allerede gjemt og nå i mørket, og poesien av frukten har viket for en streng og rasjonell retning i militære anliggender.
Men likevel er det fortsatt noen levende spor, og de hindrer fortsatt at bildet blir til et ferdig historisk basrelieff. Denne fremtiden ligger fortsatt langt foran henne.
Salt, epigram, satire, dette dagligdagse verset, ser det ut til, aldri vil dø, akkurat som det skarpe og etsende, levende russiske sinnet spredt i dem, som Griboyedov har fengslet, som en magiker av en ånd, i slottet sitt, og det smuldrer opp der ondsinnet med pels. Det er umulig å forestille seg at en annen, mer naturlig, enklere, mer hentet fra livets tale noen gang kan dukke opp. Prosa og vers smeltet her sammen til noe uatskillelig, da ser det ut til, slik at det ville være lettere å holde dem i minnet og sette tilbake i sirkulasjon alt sinnet, humoren, vitsen og sinnet til det russiske sinnet og språket samlet av forfatteren. Dette språket ble gitt til forfatteren på samme måte som gruppen av disse personene ble gitt, hvordan hovedbetydningen av komedien ble gitt, hvordan alt ble gitt sammen, som om det ble strømmet ut på en gang, og alt dannet en ekstraordinær komedie - både i snever forstand, som et scenespill, og i vid forstand, som en komedie. Ingenting annet enn en komedie, kunne det ikke ha vært.
Ved å forlate stykkets to hovedaspekter, som så tydelig taler for seg selv og derfor har flertallet av beundrere - det vil si tidsbildet, med en gruppe levende portretter, og saltet av språket - vender vi oss først til komedie som et scenespill, så som komedie generelt, til dens generelle betydning, dens viktigste årsak i dens sosiale og litterære betydning, og til slutt, la oss snakke om fremføringen på scenen.
Man har lenge vært vant til å si at det ikke er noen bevegelse, det vil si at det ikke er noen handling i stykket. Hvordan er det ingen bevegelse? Det er - levende, kontinuerlig, fra Chatskys første opptreden på scenen til hans siste ord: "Vogne for meg, vogn!"
Dette er en subtil, intelligent, elegant og lidenskapelig komedie, i en snever, teknisk forstand, sant i små psykologiske detaljer, men unnvikende for betrakteren, fordi den er maskert av karakterenes typiske ansikter, genial tegning, fargen på sted, epoke, skjønnheten i språket, alle de poetiske kreftene, så rikelig sølt i stykket. Handlingen, det vil si selve intrigen i den, foran disse kapitalaspektene virker blek, overflødig, nesten unødvendig.
Først når man kjører rundt i passasjen ser det ut til at betrakteren våkner ved en uventet katastrofe som har brøt ut mellom hovedpersonene, og husker plutselig en komedie-intrige. Men ikke lenge heller. Den enorme, virkelige betydningen av komedie vokser allerede foran ham.
Hovedrollen er selvfølgelig rollen til Chatsky, uten hvilken det ikke ville være noen komedie, men kanskje det ville være et bilde av moral.
Griboyedov selv tilskrev Chatskys sorg til sinnet hans, mens Pushkin nektet ham noe sinn i det hele tatt.
Man kan tro at Griboyedov, av faderlig kjærlighet til helten sin, smigret ham i tittelen, som om han advarte leseren om at helten hans er smart, og alle andre rundt ham ikke er smarte.
Både Onegin og Pechorin viste seg å være arbeidsufør, til en aktiv rolle, selv om begge vagt forsto at alt rundt dem hadde forfalt. De var til og med «bittre», bar «misnøye» i seg selv og vandret rundt som skygger «med lengtende latskap». Men de foraktet livets tomhet, den ledige adelen, bukket under for den og tenkte ikke på verken å bekjempe den eller stikke av helt. Misnøye og sinne hindret ikke Onegin i å være smart, "skinne" både i teateret, og på et ball, og på en fasjonabel restaurant, flørte med jenter og seriøst fri til dem i ekteskapet, og Pechorin fra å skinne med interessant kjedsomhet og rope hans latskap og sinne mellom prinsesse Mary og Bela, og deretter late som om de er likegyldige overfor dem foran den dumme Maxim Maksimovich: denne likegyldigheten ble ansett som kvintessensen av Don Juanism. Begge sytnet bort, ble kvalt i deres midte og visste ikke hva de ville. Onegin prøvde å lese, men gjespet og sluttet, fordi han og Pechorin var kjent med en vitenskap om "øm lidenskap", og de lærte alt annet "noe og på en eller annen måte" - og de hadde ingenting å gjøre.
Chatsky, tilsynelatende, tvert imot, forberedte seg seriøst på aktivitet. "Han skriver og oversetter godt," sier Famusov om ham, og alle snakker om hans høye sinn. Han reiste selvfølgelig ikke forgjeves, studerte, leste, tok tilsynelatende arbeid, var i forhold til ministre og spredte seg - det er ikke vanskelig å gjette hvorfor:
Jeg serverer gjerne - det er kvalmende å servere! -
hinter han. Det er ingen omtale av "lengsende latskap, ledig kjedsomhet", og enda mindre om "mild lidenskap", som en vitenskap og et yrke. Han elsker seriøst å se Sophia som en fremtidig kone.
I mellomtiden fikk Chatsky drikke en bitter kopp til bunnen, og fant ikke «levende sympati» hos noen, og dro, og tok med seg bare «en million plager».
Verken Onegin eller Pechorin ville ha opptrådt så dumt generelt, spesielt når det gjelder kjærlighet og matchmaking. Men på den annen side har de allerede blitt bleke og blitt til steinstatuer for oss, og Chatsky forblir og vil alltid forbli i live for denne "dumheten" hans.
Leseren husker selvfølgelig alt Chatsky gjorde. La oss spore stykkets gang litt og prøve å skille ut den dramatiske interessen til komedien, den bevegelsen som går gjennom hele stykket, som en usynlig, men levende tråd som forbinder alle delene og ansiktene i komedien med hverandre. Chatsky løper inn til Sofya, rett fra veivognen, uten å stoppe ved rommet hans, kysser lidenskapelig hånden hennes, ser henne inn i øynene, gleder seg over daten, i håp om å finne et svar på hans tidligere følelse, men finner den ikke. Han ble truffet av to forandringer: hun ble uvanlig penere og kjøligere mot ham - også uvanlig.
Dette forvirret ham, og gjorde ham opprørt, og litt irritert ham. Forgjeves prøver han å strø salt av humor på samtalen sin, dels leker han med denne styrken hans, som Sofya selvfølgelig likte før da hun elsket ham, dels under påvirkning av irritasjon og skuffelse. Alle får det, han gikk over alle – fra Sophias far til Molchalin – og med hvilke treffende trekk han tegner Moskva, og hvor mange av disse diktene som gikk i levende tale! Men alt forgjeves: ømme minner, vitser - ingenting hjelper. Han lider bare av kulde fra henne, helt til han, etter å ha berørt Molchalin, ikke rørte henne for raskt. Hun spør ham allerede med skjult sinne om han tilfeldigvis i det minste utilsiktet "sa gode ting om noen", og forsvinner ved inngangen til faren hennes, og forråder sistnevnte nesten med hodet til Chatsky, det vil si erklære ham som helten til drøm fortalt til faren før.
Fra det øyeblikket fulgte en opphetet duell mellom henne og Chatsky, den mest livlige handlingen, en komedie i streng forstand, der to personer tar en nær del - Molchalin og Liza.
Hvert skritt, nesten hvert ord i stykket er nært forbundet med spillet av følelsene hans for Sofya, irritert over en slags løgn i hennes handlinger, som han sliter med å nøste opp til siste slutt. Alt hans sinn og all hans styrke går inn i denne kampen: den tjente som et motiv, et påskudd for irritasjon, for den "million av plager", under påvirkning av hvilken han bare kunne spille rollen som Griboyedov indikerte ham, en rolle av mye større, høyere betydning enn mislykket kjærlighet, med et ord, rollen som hele komedien ble født for.
Chatsky legger nesten ikke merke til Famusov, svarer kaldt og fraværende på spørsmålet sitt: hvor har du vært? - "Er det opp til meg nå?" - sier han, og lover å komme igjen, går han og sier fra det som absorberer ham:
Så vakker Sofya Pavlovna har blitt!
Ved det andre besøket begynner han igjen å snakke om Sofya Pavlovna: «Er hun ikke syk? Har det skjedd med tristheten hennes? - og blir i en slik grad grepet av følelsen som varmes opp av hennes blomstrende skjønnhet, og hennes kulde mot ham, at når han blir spurt av faren om han vil gifte seg med henne, spør han fraværende: "Hva trenger du!" Og så likegyldig, bare av anstendighet, legger han til:
La meg gifte meg, hva vil du fortelle meg?
Og nesten uten å høre på svaret, kommenterer han sløvt på rådet om å "tjene":
Jeg serverer gjerne - det er kvalmende å servere!
Han kom til Moskva og til Famusov, åpenbart for Sophia og for Sophia alene. Han bryr seg ikke om andre: selv nå er han irritert over at han bare fant Famusov i stedet for henne. "Hvordan kunne hun ikke være her?" - han stiller et spørsmål, og minner om sin tidligere ungdomskjærlighet, som i ham "verken avstand har avkjølt, heller ikke underholdning eller et stedskifte," og plages av hennes kulde.
Han kjeder seg og snakker med Famusov, og bare en positiv utfordring til Famusov til en krangel får Chatsky ut av konsentrasjonen:
Det er det, dere er alle stolte;
Se hva fedre gjorde
sier Famusov og tegner så et så grovt og stygt bilde av servilitet at Chatsky ikke tålte det, og på sin side trakk han en parallell fra det «forrige» århundret med det «nåværende» århundre.
Men irritasjonen er fortsatt behersket: han ser ut til å skamme seg over at han tok det inn i hodet for å kutte Famusov fra sine konsepter; han skynder seg å sette inn at «han snakker ikke om onkelen sin», som Famusov nevnte som et eksempel, og inviterer til og med sistnevnte til å skjelle ut sin egen alder, og til slutt prøver han sitt beste for å stille samtalen, og ser hvordan Famusov plugget ørene hans, beroliger ham, nesten unnskylder seg.
Å forlenge tvister er ikke mitt ønske, -
han sier. Han er klar til å gå tilbake til seg selv. Men han blir vekket av Famusovs uventede hentydning til ryktet om Skalozubs matchmaking:
Det er som om han gifter seg med Sofyushka ... osv.
Chatsky spisser ørene.
Så masete, for et travelt!
"Og Sophia? Er det virkelig ingen brudgom her? -
sier han, og selv om han legger til:
Ah - det forteller kjærligheten slutten,
Hvem vil gå bort i tre år! -
men han selv tror ennå ikke dette, etter alle elskeres eksempel, før dette kjærlighetsaksiomet har spilt ut over ham til enden.
Famusov bekrefter sitt hint om Skalozubs ekteskap, og påtvinger sistnevnte tanken på "en generals kone", og krever nesten tydelig en matchmaking.
Disse hentydningene til ekteskap vakte Chatskys mistanke om årsakene til Sophias endring for ham. Han gikk til og med med på Famusovs forespørsel om å gi opp "falske ideer" og tie foran gjesten. Men irritasjonen var allerede på crescendo, og han grep inn i samtalen, tilfeldig så langt, og deretter, irritert over Famusovs keitete ros av sinnet, etc., hever tonen og løser med en skarp monolog: «Hvem er dommerne? ” osv. Her starter allerede en annen kamp, en viktig og alvorlig en, en hel kamp. Her høres med noen få ord hovedmotivet, som i en operaouverture, som antyder komediens sanne mening og hensikt. Både Famusov og Chatsky kastet en hanske på hverandre:
Se hva fedre gjorde
Ville lære ved å se på de eldste! -
Famusovs militære oppfordring ble hørt. Og hvem er disse eldste og "dommere"?
For forfall av år
Deres fiendskap er uforenlig med et fritt liv, -
Chatsky svarer og utfører -
De slemmeste egenskapene fra tidligere liv.
To leire ble dannet, eller på den ene siden en hel leir av Famusovs og alle brødrene til "fedrene og eldste", på den andre, en ivrig og modig jager, "ransakelsens fiende." Dette er en kamp på liv og død, en kamp for tilværelsen, slik de siste naturforskerne definerer den naturlige rekkefølgen av generasjoner i dyreverdenen. Famusov ønsker å være et "ess": "å spise på sølv og gull, ri i et tog, alt i orden, være rik og se barn rike, i rekker, i bestillinger og med en nøkkel" - og så videre uten ende, og alt dette er bare for at han signerer papirer uten å lese og være redd for en ting - "slik at mange av dem ikke samler seg."
Chatsky skynder seg til "et fritt liv", "for å studere vitenskap og kunst" og krever "tjeneste til saken, ikke til personer", osv. Hvem sin side er seieren på? Komedie gir Chatsky bare «en million plager» og etterlater tilsynelatende Famusov og hans brødre i samme posisjon som de var, uten å si noe om konsekvensene av kampen.
Nå kjenner vi disse konsekvensene. De dukket opp med komediens fremkomst, fortsatt i manuskript, i lyset - og, som en epidemi, feide de over hele Russland!
I mellomtiden fortsetter kjærlighetens intriger som vanlig, korrekt, med en subtil psykologisk troskap, som i ethvert annet skuespill, blottet for andre kolossale Griboedovs skjønnheter, kunne skape navn for forfatteren.
Sophia besvimte da hun falt fra Molchalins hest, hennes deltagelse i ham, så uforsiktig uttrykt, Chatskys nye sarkasmer på Molchalin - alt dette kompliserte handlingen og dannet det hovedpoenget, som i piitiks ble kalt uavgjort. Det er her den dramatiske interessen kommer inn. Chatsky gjettet nesten sannheten:
Forvirring, besvimelse, hastverk, sinne! frykt!
(i anledning fallet fra Molchalins hest)
Alt dette kan merkes
Når du mister din eneste venn,
sier han og drar av gårde i stor agitasjon, i mistankens vold mot to rivaler.
I tredje akt kommer han til ballen før noen andre for å "tvinge en tilståelse" fra Sophia - og med et gys av utålmodighet går han direkte i gang med spørsmålet: "Hvem elsker hun?"
Etter et unnvikende svar innrømmer hun at hun foretrekker hans «andre». Det virker klart. Han ser dette selv og sier til og med:
Og hva vil jeg når alt er bestemt?
Jeg klatrer inn i løkka, men det er morsomt for henne!
Imidlertid klatrer hun, som alle elskere, til tross for "sinnet", og er allerede i ferd med å svekkes før hennes likegyldighet. Han kaster et våpen som er ubrukelig mot en glad motstander - et direkte angrep på ham, og nedlater seg til å late som:
En gang i livet skal jeg late som
han bestemmer seg - for å "løse gåten", men faktisk for å beholde Sofya da hun skyndte seg avgårde med en ny pil avfyrt mot Molchalin. Dette er ikke et påskudd, men en innrømmelse, som han ønsker å tigge med om noe som ikke kan tigges - kjærlighet når det ikke er der. I talen hans kan man allerede høre en bedende tone, milde bebreidelser, klager:
Men har han den lidenskapen, den følelsen, den iveren...
Slik at han, foruten deg, har hele verden
Var det støv og forfengelighet?
Slik at hvert hjerteslag
Kjærligheten akselererte til deg ... -
sier han, og til slutt:
Å være mer likegyldig til meg for å lede tapet,
Som person - du, som vokste opp med deg -
Som din venn, som din bror,
La meg sørge for...
Dette er allerede tårer. Han berører de alvorlige følelsesstrengene:
Fra galskap kan jeg passe meg,
Jeg skal gå lenger for å bli forkjølet, bli kald ... -
avslutter han. Da gjensto det bare å falle på kne og hulke. Restene av sinnet redder ham fra ubrukelig ydmykelse.
En slik mesterlig scene, uttrykt i slike vers, er knapt representert av noe annet dramatisk verk. Det er umulig å uttrykke en følelse mer edelt og mer nøkternt, slik Chatsky uttrykte det, det er umulig å komme seg ut av fellen mer subtilt og grasiøst, når Sofya Pavlovna kommer seg ut. Bare Pushkins scener av Onegin med Tatyana ligner disse subtile egenskapene til intelligent natur.
Sofya klarte fullstendig å kvitte seg med Chatskys nye mistenksomhet, men hun ble selv revet med av kjærligheten til Molchalin og ødela nesten det hele ved å snakke nesten åpent forelsket. Til Chatskys spørsmål:
Hvorfor gjenkjente du ham (Molchalin) så kort? -
hun svarer:
Jeg prøvde ikke! Gud førte oss sammen.
Dette er nok til å åpne øynene til en blind mann. Men Molchalin reddet henne selv, det vil si ubetydeligheten hans. I sin entusiasme skyndte hun seg å tegne hans portrett i full lengde, kanskje i håp om å forsone seg med denne kjærligheten, ikke bare seg selv, men også andre, til og med Chatsky, uten å merke hvordan portrettet kom ut gikk:
Se, han har fått vennskapet til alle i huset.
Han har tjenestegjort hos presten i tre år;
Han blir ofte sint uten grunn,
Og han vil avvæpne ham med stillhet,
Fra sjelens godhet, tilgi.
Og forresten
Jeg kunne se etter moro -
Ingenting, fra de gamle vil ikke gå over terskelen!
Vi boltrer oss, vi ler;
Han vil sitte med dem hele dagen lang, glad ikke fornøyd.
Spiller...
Den største eiendommen...
Han er endelig medgjørlig, beskjeden, stille,
Og det er ingen ugjerninger i sjelen;
Fremmede og tilfeldig kutter ikke ...
Det er derfor jeg elsker ham!
Chatsky fjernet all tvil:
Hun respekterer ham ikke!
Shalit, hun elsker ham ikke,
Hun bryr seg ikke om ham! -
han trøster seg med hennes all ros av Molchalin og griper deretter Skalozub. Men svaret hennes – at han «ikke var helten i romanen hennes» – ødela denne tvilen. Han forlater henne uten sjalusi, men også i tanker og sier:
Hvem vil gjette deg!
Selv trodde han ikke på muligheten for slike rivaler, men nå var han overbevist om dette. Men håpet om gjensidighet, som så langt hadde begeistret ham, ble fullstendig rystet, spesielt da hun ikke gikk med på å bo hos ham under påskudd av at «tangen ville bli kald», og så etter hans anmodning om å få lov til å gå. inn på rommet sitt, med ny kaustisitet på Molchalin, unngikk hun ham og låste seg.
Han følte at hovedmålet med å returnere til Moskva hadde forrådt ham, og han flyttet fra Sophia med tristhet. Han, som han senere tilstår i inngangspartiet, mistenker fra det øyeblikket i sin eneste kulde mot alt, og etter denne scenen ble selve besvimelsen ikke tilskrevet "tegn på levende lidenskaper", som før, men til "et innfall av bortskjemt nerver." Hans neste scene med Molchalin, som fullt ut beskriver sistnevntes natur, bekrefter Chatsky definitivt at Sophia ikke elsker denne rivalen.
Løgneren lo av meg! -
han legger merke til og går for å møte nye fjes.
Komedien mellom ham og Sophia brøt av; den brennende irritasjonen av sjalusien avtok, og håpløshetens kulde smeltet inn i sjelen hans.
Han måtte gå; men en annen, livlig, livlig komedie invaderer scenen, flere nye perspektiver av Moskva-livet åpner seg på en gang, som ikke bare fjerner Chatskys intriger fra seerens minne, men Chatsky selv ser ut til å glemme det og forstyrre mengden. Rundt ham grupperer og leker nye ansikter, hver med sin egen rolle. Dette er et ball med all Moskva-atmosfære, med en rekke livlige sceneskisser der hver gruppe danner sin egen separate komedie, med en fullstendig omriss av karakterene som klarte å spille seg ut med få ord til en ferdig handling.
Spiller ikke Gorichevs en komplett komedie? Denne ektemannen, nylig fortsatt en sprek og livlig mann, nå senket, kledd, som i en morgenkåpe, i livet i Moskva, herre; «gutt-ektemann, tjener-ektemann, idealet om Moskva-ektemenn», ifølge Chatskys treffende definisjon, under skoen til en tøff, søt sekulær kone, en Moskva-dame?
Og disse seks prinsessene og barnebarnsgrevinnen - hele denne kontingenten av bruder, "som ifølge Famusov vet hvordan de skal kle seg opp med taft, ringblomst og dis", "synge høye toner og klamre seg til militærfolk"?
Denne Khlestova, en rest av Katarinas alder, med en mops, med en liten svarthåret jente - denne prinsessen og prinsen Pjotr Iljitsj - uten et ord, men en slik talende ruin av fortiden - Zagoretsky, en åpenbar svindler, rømmer fra fengsel i de beste stuer og lønner seg med obsequiousness som hundebleier, og disse N. N. og alle ryktene deres, og alt innholdet som opptar dem!
Tilstrømningen av disse ansiktene er så rikelig, portrettene deres er så pregede at betrakteren blir kald til intrigene, og har ikke tid til å fange disse raske skissene av nye ansikter og lytte til deres originale dialekt.
Chatsky er ikke lenger på scenen. Men før han dro, ga han rikelig mat til den hovedkomedien som han begynte med Famusov, i første akt, deretter med Molchalin, - den kampen med hele Moskva, hvor han, ifølge forfatterens mål, så ankom.
Kort sagt, til og med øyeblikkelige møter med gamle kjente, klarte han å bevæpne alle mot seg selv med etsende bemerkninger og sarkasme. Han er allerede levende preget av alle slags bagateller – og han gir fritt spillerom til språket. Han gjorde den gamle kvinnen Khlestova sint, ga noen råd til Gorich upassende, kuttet brått av grevinnen-barnebarnet og rørte igjen ved Molchalin.
Men begeret rant over. Han forlater bakrommene allerede fullstendig opprørt, og av gammelt vennskap i mengden drar han igjen til Sofya, i håp om i det minste enkel sympati. Han betro sin sinnstilstand til henne:
En million plager! -
han sier,
Bryster fra en vennlig last,
Føtter fra stokking, ører fra utrop,
Og mer enn et hode fra alle slags bagateller!
Her er sjelen min på en eller annen måte komprimert av sorg! -
han klager til henne, uten mistanke om hva slags konspirasjon som har utviklet seg mot ham i fiendens leir.
"En million plager" og "ve"! - det var det han høstet for alt han klarte å så. Til nå var han uovervinnelig: sinnet hans traff nådeløst fiendenes såre steder. Famusov finner ikke annet enn å lukke ørene for logikken sin, og skyter tilbake med vanlig moral fra den gamle moralen. Molchalin blir stille, prinsessene trekker seg tilbake fra ham, brent av latterens nesler, og hans tidligere venn, Sophia, som han skåner alene, sluker, og slår ham hovedstøtet på lur, og erklærer ham for hånden. , tilfeldig, gal. Han kjente styrken hans og snakket selvsikkert. Men kampen slitte ham ned. Han ble åpenbart svekket av denne "millionpine", og uorden viste seg i ham så merkbart at alle gjestene grupperte seg rundt ham, akkurat som en folkemengde samles rundt ethvert fenomen som går utenom det vanlige.
Han er ikke bare trist, men også gal, kresen. Han, som en såret mann, samler alle sine krefter, gjør en utfordring til folkemengden – og slår mot alle – men han hadde ikke nok makt mot den forente fienden.
Han faller i overdrivelse, nesten i full tale, og bekrefter etter gjestenes mening ryktet som Sophia har spredt om hans galskap. Det som høres er ikke lenger skarp, giftig sarkasme - hvor en sann, bestemt idé imidlertid er satt inn - men en slags bitter klage, som for en personlig fornærmelse, for en tom, eller, med hans egne ord, "en ubetydelig møte med en franskmann fra Bordeaux ”, som han i vanlig sinnstilstand neppe ville ha lagt merke til.
Han har sluttet å kontrollere seg selv og merker ikke en gang at han selv setter sammen en forestilling på ballen. Han slår også mot patriotisk patos, godtar det faktum at han finner frakken i strid med "fornuften og elementene", er sint over at madame og mademoiselle ikke er oversatt til russisk - med et ord, "il divague" konkluderte sannsynligvis om ham alle seks prinsesser og grevinnen -barnebarn. Han føler dette selv, og sa at "i mengden er han forvirret, han er ikke seg selv!"
Han er definitivt "ikke seg selv", og starter med monologen "om franskmannen fra Bordeaux", og forblir det til slutten av stykket. Bare «en million plager» blir fylt opp fremover.
Pushkin, som nektet Chatsky sinnet, hadde sannsynligvis mest av alt i tankene den siste scenen i fjerde akt, i gangen, ved avgangen. Selvfølgelig ville verken Onegin eller Pechorin, disse dandiene, ha gjort det Chatsky gjorde i gangen. De var for trent "i vitenskapen om øm lidenskap", og Chatsky er annerledes og, forresten, oppriktighet og enkelhet, og vet ikke hvordan og ønsker ikke å vise seg frem. Han er ikke en dandy, ikke en løve. Her forråder ikke bare sinnet ham, men også sunn fornuft, til og med enkel anstendighet. Han gjorde så tull!
Etter å ha blitt kvitt Repetilovs skravling og gjemt seg i sveitserne mens han ventet på vognen, spionerte han på Sophias møte med Molchalin og spilte rollen som Othello, uten rett til å gjøre det. Han bebreider henne for hvorfor hun "lokket ham med håp", hvorfor hun ikke direkte sa at fortiden var glemt. Ikke et ord her er sant. Det var ikke noe håp for henne. Hun gjorde bare at hun forlot ham, snakket knapt med ham, bekjente sin likegyldighet, kalte en gammel barneromantikk og gjemt seg i krokene "barndom" og antydet til og med at "Gud førte henne sammen med Molchalin." Og han bare fordi
Så lidenskapelig og så lavt
Det var sløsing med ømme ord,
i raseri, for sin egen ubrukelige ydmykelse, for sviket frivillig pålagt ham selv, henretter han alle, og han kaster et grusomt og urettferdig ord mot henne:
Med deg er jeg stolt av pausen min, -
når det ikke var noe å bryte! Til slutt kommer han rett og slett til å banne og helle ut galle:
For datter og far
Og for en tåpelig elsker, -
og syder av raseri mot alle: «på folkemengdens plageånder, forrædere, klønete vise menn, utspekulerte enfoldige, skumle gamle kvinner» osv. Og han forlater Moskva for å lete etter «et hjørne for fornærmede følelser», og avsier en nådeløs dom og setning på alt!
Hvis han hadde ett sunt minutt, hvis "en million plager" ikke hadde brent ham, ville han selvfølgelig stille seg spørsmålet: hvorfor og for hva gjorde jeg alt dette rotet? Og det ville selvfølgelig ikke være noe svar.
Griboedov er ansvarlig for det, og det var ikke uten grunn at stykket endte med denne katastrofen. I den, ikke bare for Sophia, men også for Famusov og alle hans gjester, brøt Chatskys "sinn", glitrende som en lysstråle i et helt skuespill, ut på slutten i den tordenen som, ifølge ordtaket, menn er døpt.
Fra tordenen var Sophia den første som krysset seg, og ble igjen helt til Chatsky dukket opp, da Molchalin allerede krøp for føttene hennes, fortsatt den samme bevisstløse Sophia Pavlovna, med den samme løgnen som faren hennes oppdro henne i, der han bodde selv, hele huset og hele kretsen. Fortsatt ikke kommet seg etter skam og redsel, da masken falt fra Molchalin, gleder hun seg først og fremst over at "om natten fant hun ut alt at det ikke er noen bebreidende vitner i øynene hennes!"
Men det er ingen vitner - derfor er alt skjult og dekket, du kan glemme, gifte deg, kanskje, Skalozub, og se på fortiden ...
Ja, ikke se i det hele tatt. Han tåler sin moralske sans, Liza vil ikke la det glippe, Molchalin tør ikke si et ord. Og ektemann? Men hva slags Moskva-mann, "fra hans kones sider", vil se tilbake på fortiden!
Dette er hennes moral, og moralen til hennes far, og hele kretsen. I mellomtiden er Sofya Pavlovna ikke individuelt umoralsk: hun synder med uvitenhetens synd, blindheten som alle levde i:
Lys straffer ikke vrangforestillinger,
Men hemmeligheter kreves for dem!
Denne kupletten av Pushkin uttrykker den generelle betydningen av konvensjonell moral. Sophia så aldri lyset fra henne og ville ikke ha sett lyset uten Chatsky - aldri, i mangel av en sjanse. Etter katastrofen, fra det øyeblikket Chatsky dukket opp, var det ikke lenger mulig å forbli blind. Det er umulig å omgå domstolene med glemsel, eller bestikke den med løgner, eller roe den ned. Hun kan ikke annet enn å respektere ham, og han vil for alltid være hennes "bebreidende vitne", dommeren over hennes fortid. Han åpnet øynene hennes.
Før ham var hun ikke klar over blindheten i følelsene hennes for Molchalin, og selv etter å ha analysert sistnevnte i scenen med Chatsky etter tråd, så hun ikke lyset på ham. Hun la ikke merke til at hun selv kalte ham til denne kjærligheten, som han, skjelvende av frykt, ikke turte å tenke på. Hun var ikke flau av dates alene om natten, og hun utbrøt til og med i takknemlighet til ham i den siste scenen for at han i "nattens stillhet holdt mer sjenert i temperamentet!" Følgelig, det faktum at hun ikke blir revet bort fullstendig og ugjenkallelig, skylder hun ikke til seg selv, men til ham!
Til slutt, helt i begynnelsen, slår hun enda mer naivt ut til hushjelpen:
Tenk hvor lunefull lykke er, -
hun sier da faren fant Molchalin tidlig om morgenen på rommet hennes, -
Det skjer verre - kom deg unna!
Og Molchalin satt på rommet hennes hele natten. Hva mente hun med dette "verre"? Du tror kanskje Gud vet hva: men honny soit gui mal y pense! Sofya Pavlovna er slett ikke så skyldig som det ser ut til.
Dette er en blanding av gode instinkter med løgner, et livlig sinn med fravær av noen snev av ideer og overbevisninger - begrepsforvirring, mental og moralsk blindhet - alt dette har ikke karakter av personlige laster i henne, men fremstår som vanlig. trekk ved kretsen hennes. I hennes egen, personlige fysiognomi gjemmer det seg noe eget i skyggene, varmt, ømt, til og med drømmende. Resten tilhører utdanning.
Franske bøker, som Famusov klager over, piano (fortsatt med fløyteakkompagnement), poesi, fransk og danser - det var det som ble ansett som den unge damens klassiske utdannelse. Og så "Kuznetsky Most and Eternal Updates", baller, som denne ballen med faren, og dette samfunnet - dette er sirkelen der livet til "den unge damen" ble avsluttet. Kvinner lærte bare å forestille seg og føle og lærte ikke å tenke og vite. Tanken var stille, bare instinktene talte. De hentet verdslig visdom fra romaner, historier – og derfra utviklet instinktene seg til stygge, ynkelige eller dumme egenskaper: drømmende, sentimentalitet, søken etter et ideal i kjærlighet, og noen ganger verre.
I den bedøvende stagnasjonen, i det håpløse havet av løgner, dominerte konvensjonell moral flertallet av kvinner utenfor, og i hemmelighet svermet livet, i fravær av sunne og seriøse interesser, generelt, av noe innhold, de romanene som " vitenskap om øm lidenskap" ble opprettet. Onegins og Pechorins er representanter for en hel klasse, nesten en rase av flinke herrer, jeunes premiers. Disse avanserte personlighetene i det høye liv var slike i litteraturverkene, hvor de okkuperte en æresplass fra ridderlighetens tid til vår tid, til Gogol. Pushkin selv, for ikke å nevne Lermontov, verdsatte denne ytre glansen, denne representativiteten du bon ton, det høye samfunnets oppførsel, som lå under både "forbitrelse" og "lengsende latskap", og "interessant kjedsomhet". Pushkin skånet Onegin, selv om han berører hans lediggang og tomhet med en lett ironi, men beskriver til minste detalj og med glede en moteriktig dress, toalettsnakk, smarthet - og at uaktsomhet og uoppmerksomhet påført ham selv, denne fatuiten, poserer , som dandyen stolte med. Ånden fra en senere tid fjernet det fristende draperiet fra helten hans og alle "kavaljerene" som ham og bestemte den sanne betydningen av slike herrer, og drev dem fra forkant.
De var heltene og lederne for disse romanene, og begge sider ble opplært til ekteskap, som absorberte alle romanene nesten sporløst, med mindre en slags nervøs, sentimental - med et ord en tosk - kom over og annonserte, eller helten viste seg å være en så oppriktig "gal" som Chatsky.
Men i Sofya Pavlovna skynder vi oss å reservere, det vil si at hennes følelse for Molchalin er mye oppriktighet, som minner sterkt om Tatyana Pushkin. Forskjellen mellom dem er laget av "Moskva-avtrykket", deretter glibness, evnen til å kontrollere seg selv, som dukket opp i Tatyana da hun møtte Onegin etter ekteskapet, og til da hadde hun ikke vært i stand til å lyve om kjærlighet selv til barnepiken . Men Tatyana er en landsbyjente, og Sofya Pavlovna er en Moskva-jente, utviklet på den måten.
I mellomtiden, i sin kjærlighet, er hun like klar til å forråde seg selv som Tatyana: begge, som i søvngjengeri, vandrer i entusiasme, med barnlig enkelhet. Og Sophia, som Tatyana, innleder en affære selv, og finner ikke noe kritikkverdig i dette, og innser ikke engang at Sophia blir overrasket over latteren til hushjelpen når hun forteller hvordan hun tilbringer hele natten med Molchalin: "Ikke et fritt ord! - og slik går hele natten!», Uforskammets fiende, alltid sjenert, blyg! Det er det hun beundrer i ham! Det er morsomt, men det er en slags nesten nåde – og langt fra umoral; det er ikke nødvendig at hun lar det slippe et ord: verre - dette er også naivitet. Den enorme forskjellen er ikke mellom henne og Tatyana, men mellom Onegin og Molchalin. Sophias valg anbefaler henne selvfølgelig ikke, men Tatyanas valg var også tilfeldig, selv om hun knapt hadde noen å velge mellom.
Ser du dypere inn i Sophias karakter og miljø, ser du at det ikke var umoral (men ikke "Gud", selvfølgelig) som "brakte henne" til Molchalin. Først av alt - ønsket om å nedlatende en kjær, en fattig, beskjeden som ikke tør å løfte øynene til henne, å heve ham til seg selv, til sin krets, for å gi ham familierettigheter. Uten tvil smilte hun i denne rollen for å herske over en underdanig skapning, gjøre ham lykkelig og ha en evig slave i seg. Det er ikke å klandre at den fremtidige "mann-gutt, ektemann-tjener - idealet om Moskva-ektemenn" kom ut av dette. Det var ingen steder å snuble over andre idealer i Famusovs hus.
Generelt er det vanskelig å behandle Sofya Pavlovna ikke sympatisk: hun har sterke tilbøyeligheter av en bemerkelsesverdig natur, et livlig sinn, lidenskap og feminin mildhet. Det er ødelagt i tetthet, hvor ikke en eneste lysstråle, ikke en eneste strøm av frisk luft trengte inn. Ikke rart Chatsky også elsket henne. Etter ham antyder hun alene av hele denne mengden en slags trist følelse, og i sjelen til leseren mot henne er det ikke den likegyldige latteren som han skilte seg med andre ansikter med.
Hun er selvfølgelig vanskeligere enn alle andre, enda vanskeligere enn Chatsky, og hun får sine "millioner plager".
Chatskys rolle er en passiv rolle: den kan ikke være annerledes. Slik er rollen til alle Chatskyene, selv om den samtidig alltid er seirende. Men de vet ikke om seieren deres, de sår bare, og andre høster - og dette er deres viktigste lidelse, det vil si håpløsheten til suksess.
Selvfølgelig brakte han ikke Pavel Afanasyevich Famusov til grunn, ble ikke edru og korrigerte ham ikke. Hvis Famusov ikke hadde hatt «bebreidende vitner» ved avgangen, det vil si en mengde lakeier og en portør, ville han lett ha taklet sorgen: han ville gitt datteren en hodevasker, ville ha revet Liza av øret og skyndte seg opp Sophias bryllup med Skalozub. Men nå er det umulig: om morgenen, takket være scenen med Chatsky, vil hele Moskva vite - og mer enn noen annen, "Prinsesse Marya Aleksevna". Freden hans vil bli forstyrret fra alle kanter - og med vilje få ham til å tenke på noe som ikke falt ham inn. Han vil neppe engang avslutte livet med et slikt "ess" som de forrige. Ryktene generert av Chatsky kunne ikke annet enn å hisse opp hele kretsen av hans slektninger og venner. Selv fant han ikke et våpen mot Chatskys opphetede monologer. Alle Chatskys ord vil spre seg, gjentas overalt og produsere sin egen storm.
Molchalin etter scenen i gangen kan ikke forbli den samme Molchalin. Masken er trukket av, de kjente ham igjen, og han, som en tatt tyv, må gjemme seg i et hjørne. Gorichi, Zagoretsky, prinsesser - alle falt under haglet av skuddene hans, og disse skuddene vil ikke forbli uten spor. I dette refrenget, fortsatt i harmoni, vil andre stemmer, fortsatt dristige i går, tie, eller andre vil bli hørt både "for" og "mot". Kampen har nettopp blusset opp. Chatskys autoritet var tidligere kjent som sinnets autoritet, vidd, selvfølgelig, kunnskap og så videre. Han har allerede likesinnede. Skalozub klager over at broren hans forlot tjenesten uten å vente på rangen, og begynte å lese bøker. En av de gamle kvinnene beklager at nevøen hennes, prins Fyodor, er engasjert i kjemi og botanikk. Alt som trengtes var en eksplosjon, en kamp, og den begynte, sta og varm - på en dag i ett hus, men konsekvensene, som vi sa ovenfor, gjenspeiles i hele Moskva og Russland. Chatsky ga opphav til en splittelse, og hvis han ble lurt for sine egne personlige formål, ikke fant "sjarmen med møter, live deltakelse", så strødde han selv levende vann på den døde jorden og tok med seg "en million plager" , denne tornekronen til Chatsky, - plager fra alt: fra "sinnet", og enda mer fra "fornærmede følelser".
Verken Onegin, Pechorin eller andre dandies var egnet for denne rollen. De visste hvordan de skulle skinne med nyheten av ideer som med nyheten til et kostyme, nye parfymer og så videre. Etter å ha kjørt inn i villmarken, overrasket Onegin alle over det faktum at han "ikke passet i damenes hånd, han drakk rødvin med glass, ikke glass," han sa ganske enkelt: "ja og nei" i stedet for "ja og Nei herre." Han rynker pannen på «tyttebærvannet», skuffet skjeller ut månen «dum» – og himmelen også. Han tok med en ny for en krone, og mens han blandet seg "klokt", og ikke som Chatsky "dumt", i kjærligheten til Lensky og Olga og drepte Lensky, tok han med seg ikke en "million", men for en "kroning". ” og pine!
Nå, i vår tid, ville de selvfølgelig bebreide Chatsky for hvorfor han satte sin "fornærmede følelse" over offentlige saker, det felles beste osv. og ikke ble i Moskva for å fortsette sin rolle som en fighter med løgner og fordommer, en rolle høyere og viktigere rollen til den avviste brudgommen?
Ja nå! Og på den tiden, for flertallet, ville konseptet med offentlige spørsmål vært det samme som for Repetilov, snakket «om kameraet og juryen». Kritikken har syndet mye ved at den i sin rettssak mot de berømte døde forlot det historiske punktet, løp foran og slo dem med moderne våpen. Vi vil ikke gjenta feilene hennes, og vi vil ikke klandre Chatsky for det faktum at det i hans opphetede taler adressert til Famusov-gjestene ikke nevnes det felles beste, når det allerede er en slik splittelse fra "søk etter steder, fra rekker" som "engasjement i vitenskap og kunst", ble ansett som "ran og brann."
Vitaliteten til Chatskys rolle ligger ikke i nyheten til ukjente ideer, strålende hypoteser, hete og dristige utopier, eller til og med sannheter en herbe: han har ingen abstraksjoner. Heralder av en ny daggry, eller fanatikere, eller rett og slett budbringere - alle disse avanserte kurerne av en ukjent fremtid er og - i det naturlige forløpet av sosial utvikling - bør være, men deres roller og fysiognomi er uendelig mangfoldige.
Chatskys rolle og fysiognomi er uendret. Chatsky er mest av alt en debunker av løgner og alt som har blitt foreldet, som overdøver et nytt liv, "fritt liv". Han vet hva han kjemper for og hva dette livet skal bringe ham. Han mister ikke jorden under føttene og tror ikke på et spøkelse før han har tatt på seg kjøtt og blod, ikke er blitt fattet av fornuften, sannheten, med et ord, ikke er blitt menneske.
Før han blir revet med av et ukjent ideal, før forførelsen av en drøm, står han nøkternt, mens han stoppet opp foran den meningsløse fornektelsen av "lover, samvittighet og tro" i Repetilovs skravling, og vil si sin egen:
Hør, lyv, men kjenn målet!
Han er veldig positiv i sine krav og erklærer dem i et ferdig program, utarbeidet ikke av ham, men av århundret som allerede startet. Med ungdommelig heftighet driver han ikke fra scenen alt som har overlevd, som etter fornuftens og rettferdighetens lover, som etter naturlovene i den fysiske naturen, er overlatt til å leve ut sin sikt, som kan og bør tolereres . Han krever plass og frihet for sin alder: han ber om forretninger, men ønsker ikke å bli servert og stigmatiserer servitighet og tull. Han krever "tjeneste til saken, ikke til personer", blander ikke "moro eller tull med forretninger", som Molchalin, er han sliten blant den tomme, ledige mengden av "pinere, skumle gamle kvinner, absurde gamle menn", og nekter å bøye seg for deres autoritet av avfeldighet, ridderlighet og annet Han er rasende over livegenskapets stygge manifestasjoner, den vanvittige luksusen og motbydelige skikkene med å «øse inn fester og ekstravaganse» – fenomener med mental og moralsk blindhet og korrupsjon.
Hans ideal om "fritt liv" er definitivt: det er frihet fra alle disse talte slaveriene som binder samfunnet, og deretter frihet - "å stirre inn i vitenskapen sinnet som hungrer etter kunnskap" eller fritt hengi seg til "kunst kreativ, høy og vakkert», frihet «å tjene eller ikke tjene», «å bo på landsbygda eller reise», ikke å være kjent som verken en røver eller en brannstifter - og en rekke ytterligere lignende skritt mot frihet fra mangel på frihet.
Både Famusov og andre vet dette, og selvfølgelig er alle enige med ham innerst inne, men kampen for tilværelsen hindrer dem i å gi etter.
Av frykt for seg selv, for sin rolige ledige tilværelse, tetter Famusov ørene og baktaler Chatsky når han kunngjør for ham sitt beskjedne program om "fritt liv". Forresten -
Hvem reiser, hvem bor i landsbyen -
sier han, og han svarer med gru:
Ja, han anerkjenner ikke myndighetene!
Så han lyver også, for han har ingenting å si, og lyver alt som levde i løgner i fortiden. Den gamle sannheten vil aldri bli flau før den nye – den vil ta denne nye, sannferdige og rimelige byrden på sine skuldre. Bare de syke, de unødvendige er redde for å ta enda et skritt fremover.
Chatsky er ødelagt av mengden av gammel styrke, og påfører den et dødelig slag med kvaliteten på frisk styrke.
Han er løgnens evige debunker, skjult i ordtaket: «én mann i marken er ikke en kriger». Nei, en kriger, hvis han er Chatsky, og dessuten en vinner, men en avansert kriger, en trefning og alltid et offer.
Chatsky er uunngåelig med hver endring fra ett århundre til et annet. Chatskys posisjon på den sosiale rangstigen er variert, men rollen og skjebnen er den samme, fra store statlige og politiske personligheter som kontrollerer massenes skjebne, til en beskjeden andel i en nær krets.
Alle styres av én ting: irritasjon med ulike motiver. Som, som Griboyedovs Chatsky, har kjærlighet, andre har selvtillit eller ære, men de får alle sine egne "millioner av plager", og ingen høy posisjon vil redde dem fra det. Svært få opplyste Chatskyer får en trøstende bevissthet om at de ikke kjempet forgjeves - selv om de var uinteressert, ikke for seg selv og ikke for seg selv, men for fremtiden, og for alle gjorde de det.
I tillegg til store og fremtredende personligheter, under brå overganger fra ett århundre til et annet, lever Chatskys og blir ikke overført i samfunnet, og gjentar seg selv ved hver sving, i hvert hus, der de gamle og de unge sameksisterer under samme tak, der to århundrer kommer ansikt til ansikt i overfylte familier - kampen mellom de friske og de foreldede, de syke med de friske fortsetter, og alle kjemper i dueller, som Horaces og Curiats - miniatyr Famusovs og Chatskys.
Hver virksomhet som må oppdateres forårsaker skyggen av Chatsky, og uansett hvem figurene er, uansett hva menneskelig virksomhet er rundt - enten det er en ny idé, et skritt i vitenskapen, i politikken, i krig - folk gruppert, de kan ikke komme vekk fra to hovedmotiver for kampen: fra rådet "å studere, se på de eldste", på den ene siden, og fra tørsten etter å streve fra rutine til "fritt liv", fremover og fremover - på den andre.
Det er derfor Griboedovs Chatsky ennå ikke har blitt gammel, og neppe noen gang vil bli gammel, og med ham hele komedien. Og litteraturen kommer ikke ut av den magiske sirkelen som er skissert av Griboedov så snart kunstneren berører begrepskampen, generasjonsskiftet. Han vil enten gi en type ekstreme, umodne avanserte personligheter, som knapt antyder fremtiden og derfor kortvarig, slik vi allerede har opplevd mye i livet og kunsten, - eller han vil skape et modifisert bilde av Chatsky, som etter Cervantes' Don Quixote og Shakespeares Hamlet, deres endeløse likheter har vært og er .
I de ærlige, opphetede talene til disse senere Chatskyene vil Griboyedovs motiver og ord for alltid bli hørt – og om ikke ord, så meningen og tonen i Chatskys irritable monologer. Friske helter i kampen mot de gamle vil aldri forlate denne musikken.
Og dette er udødeligheten til Griboedovs dikt! Man kan sitere mange Chatskys, som dukket opp ved neste epoke- og generasjonsskifte i kampen for en idé, for en sak, for sannhet, for suksess, for en ny orden, på alle nivåer, i alle lag av russisk liv og arbeid - høyprofilerte stordåder og beskjedne lenestolbragder. En fersk legende holdes om mange av dem, vi har sett og kjent andre, og andre fortsetter kampen. La oss vende oss til litteraturen. La oss ikke huske en historie, ikke en komedie, ikke et kunstnerisk fenomen, men la oss ta en av de senere kjemperne mot alderdommen, for eksempel Belinsky. Mange av oss kjente ham personlig, og nå kjenner alle ham. Lytt til hans hete improvisasjoner: de lyder de samme motivene og den samme tonen som Griboedovs Chatsky. Og han døde på samme måte, ødelagt av "en million plager", drept av forventningsfeber og ikke ventet på oppfyllelsen av drømmene hans, som ikke lenger er drømmer.
Etterlater de politiske vrangforestillingene til Herzen, der han forlot rollen som en normal helt, fra rollen som Chatsky, denne russiske mannen fra topp til tå, la oss huske pilene hans, kastet inn i forskjellige mørke, avsidesliggende hjørner av Russland, hvor de fant den skyldige. I hans sarkasme kan man høre ekkoet av Griboyedovs latter og den endeløse utviklingen av Chatskys vitser.
Og Herzen led av «en million plager», kanskje mest av alt av plagene til Repetilovene i sin egen leir, som han ikke hadde mot til å si til i løpet av livet: «Lyv, men kjenn mål!»
Men han tok ikke ordet til graven, og bekjente etter døden «falsk skam» som hindret ham i å si det.
Til slutt en siste merknad om Chatsky. Griboyedov blir bebreidet for ikke å være like kunstnerisk kledd som de andre ansiktene i komedien, i kjøtt og blod, at det er lite vitalitet i ham. Andre sier til og med at dette ikke er en levende person, en abstrakt, en idé, en vandremoral av komedie, og ikke en så fullstendig og komplett skapelse som for eksempel Onegin-figuren og andre typer som er tatt fra livet.
Det er ikke rettferdig. Det er umulig å sette Chatsky ved siden av Onegin: den strenge objektiviteten til den dramatiske formen tillater ikke den bredden og fylden til børsten, som den episke. Hvis komediens andre ansikter er strengere og skarpere definert, så skylder de dette til deres naturs vulgaritet og bagateller, som kunstneren lett uttømmer i lette skisser. Mens i personligheten til Chatsky, rik og allsidig, kunne en dominerende side dristig tas i komedien, mens Griboyedov klarte å hinte til mange andre.
Så, hvis du ser nærmere på mennesketypene i mengden, så er det nesten oftere enn andre disse ærlige, hete, noen ganger gale personlighetene som ikke lydig gjemmer seg unna den kommende styggeligheten, men dristig går mot den og går inn inn i en kamp, ofte ulik, alltid til egen skade og uten tilsynelatende fordel for saken. Hvem kjente ikke eller kjenner ikke, hver i sin krets, slike smarte, ivrige, edle galninger som lager et slags rot i de kretsene hvor skjebnen tar dem, for sannheten, for ærlig overbevisning!
Nei. Chatsky, etter vår mening, er den mest livlige personligheten av alle, både som person og som utøver av rollen som Griboyedov indikerte ham. Men, vi gjentar, hans natur er sterkere og dypere enn andre personer, og kunne derfor ikke utmattes i komedie.
La oss til slutt komme med noen bemerkninger om fremføringen av komedie på scenen i nyere tid, nemlig ved Monakhovs fordelsforestilling, og om hva publikum kunne ønske av utøverne.
Hvis leseren er enig i at i komedien, som vi har sagt, bevegelsen iherdig og uavbrutt opprettholdes fra begynnelse til slutt, så bør det følge av seg selv at stykket er eminent teatralsk. Hun er det hun er. To komedier ser ut til å være nestet inn i hverandre: en, så å si, privat, smålig, hjemlig mellom Chatsky, Sophia, Molchalin og Lisa; det er kjærlighetens intriger, hverdagsmotivet i alle komedier. Når den første blir avbrutt, plutselig en annen i mellom, og handlingen er bundet opp igjen, spilles den private komedien ut i en generell kamp og knyttes til én knute.
Kunstnere som grubler over stykkets generelle betydning og forløp, og hver i sin rolle, vil finne et bredt handlingsfelt. Det er mye arbeid for å overvinne enhver, selv en ubetydelig rolle, - desto mer, jo mer pliktoppfyllende og subtil vil kunstneren være til kunst.
Noen kritikere legger på kunstnernes plikt til å oppfylle den historiske troskapen til ansikter, med tidens farge i alle detaljer, selv til kostymene, det vil si stilen til kjoler, frisyrer, inkludert.
Dette er vanskelig, om ikke helt umulig. Som historiske typer er disse ansiktene, som nevnt ovenfor, fortsatt bleke, og nå vil du ikke finne levende originaler: det er ingenting å studere fra. Det er det samme med kostymer. Gammeldagse frakker, med veldig høy eller veldig lav midje, damekjoler med høy bodice, høye frisyrer, gamle panser - i alt dette vil karakterene virke som rømlinger fra loppemarkedet. En annen ting er kostymene fra forrige århundre, helt foreldet: camisoles, robrons, front severdigheter, pulver, og så videre.
Men under fremføringen av «Wee from Wit» handler det ikke om kostymene.
Vi gjentar at i spillet er det generelt umulig å kreve historisk troskap, siden det levende sporet nesten er forsvunnet, og den historiske avstanden fortsatt er nær. Derfor er det nødvendig for kunstneren å ty til kreativitet, til å skape idealer i henhold til graden av hans forståelse av epoken og arbeidet til Griboyedov.
Dette er den første, det vil si hovedscenebetingelsen.
Det andre er språket, det vil si den samme kunstneriske fremføringen av språket som handlingens fremføring; uten denne andre er selvfølgelig den første også umulig.
I så høye litterære verk som Woe from Wit, som Pushkins Boris Godunov og noen andre, bør forestillingen ikke bare være scene, men den mest litterære, som en forestilling av et utmerket orkester med eksemplarisk musikk, hvor hver musikalsk frase må spilles umiskjennelig. og hver note i den. Skuespilleren, som musiker, er forpliktet til å fullføre skuespillet sitt, det vil si å tenke på lyden av stemmen og intonasjonen som hvert vers skal uttales: dette betyr å tenke på en subtil kritisk forståelse av all poesien til Pushkins og Griboedovs språk. Hos Pushkin, for eksempel i Boris Godunov, hvor det nesten ikke er handling, eller i det minste ingen enhet, hvor handlingen brytes opp i separate, frakoblede scener, er en annen forestilling enn streng og kunstnerisk og litterær umulig. I den, enhver annen handling, enhver sceneforestilling, skal mimikk bare tjene som en lett krydder for litterær forestilling, handling i ordet.
Med unntak av noen roller kan i stor grad det samme sies om Ve fra Wit. Og det er det meste av spillet i språket: du kan tåle det vanskelige med ansiktsuttrykk, men hvert ord med feil intonasjon vil kutte øret ditt som en falsk tone
Vi må ikke glemme at publikum kan slike skuespill som Ve fra Wit og Boris Godunov utenat og ikke bare følger tanken, hvert ord, men føler så å si med nervene hver feil i uttalen. De kan nytes uten å se, men bare høre dem. Disse stykkene ble og blir ofte fremført i privatlivet, rett og slett ved å lese mellom litteraturelskere, når det er en god leser i kretsen som subtilt kan formidle denne typen litterær musikk.
For flere år siden, sier de, ble dette stykket presentert i den beste Petersburg-kretsen med eksemplarisk kunst, som selvfølgelig, i tillegg til en subtil kritisk forståelse av stykket, ble sterkt hjulpet av ensemblet i tone, væremåte og spesielt evne til å lese perfekt.
Den ble fremført i Moskva på 1930-tallet med full suksess. Til nå har vi beholdt inntrykket av det spillet: Shchepkin (Famusov), Mochalov (Chatsky), Lensky (Molchalin), Orlov (Skalozub), Saburov (Repetilov).
Selvfølgelig ble denne suksessen i stor grad lettet av det åpne angrepet fra scenen, som på den tiden rammet med nyhet og mot, på mange ting som ennå ikke hadde hatt tid til å gå, som de var redde for å røre selv i pressen. Så uttrykte Shchepkin, Orlov, Saburov typisk fortsatt levende likheter med de forsinkede Famusovene, noen steder molchalinene som overlevde, eller Zagoretskys som gjemte seg i bodene bak ryggen på naboen.
Alt dette ga uten tvil stor interesse for stykket, men foruten dette, i tillegg til selv de høye talentene til disse artistene og den typiske opptredenen til hver av dem i sin rolle, i spillet, som i et utmerket kor av sangere, det ekstraordinære ensemblet av hele staben av personer som ble slått , til de minste rollene, og viktigst av alt - de forsto og leste disse ekstraordinære versene på en subtil måte, nettopp med den "sansen, følelsen og arrangementet" som er nødvendig for dem. Mochalov, Shchepkin! Sistnevnte er selvfølgelig kjent allerede nå av nesten hele parterren og husker hvordan han allerede i sine gamle dager leste rollene sine på scener og i salonger.
Iscenesettelsen var også eksemplarisk – og bør nå og alltid være mer forsiktig enn iscenesettelsen av en hvilken som helst ballett, for komediene fra dette århundret vil ikke forlate scenen, selv når senere eksemplariske stykker kommer ned.
Hver av rollene, selv sekundære til den, spilt subtilt og samvittighetsfullt, vil tjene som et diplom for en omfattende rolle for kunstneren.
Dessverre har fremføringen av et stykke på scenen lenge vært langt fra å tilsvare dets høye fortjenester, det skinner ikke spesielt med verken harmoni i fremføring eller grundighet i oppsetning, selv om det hver for seg, i fremføringen til noen artister, er glade hint eller løfter om muligheten for en mer subtil og grundig ytelse. . Men det generelle inntrykket er at tilskueren, sammen med litt godt, tar ut sine "millioner plager" fra teatret.
I produksjonen er det umulig å ikke legge merke til uaktsomhet og fattigdom, som ser ut til å advare betrakteren om at de vil spille svakt og uforsiktig, derfor er det ikke verdt å bry seg om tilbehørets friskhet og troskap. For eksempel er belysningen på ballen så svak at du knapt kan se ansiktene og kostymene, publikumsmengden er så flytende at Zagoretsky, i stedet for å "forsvinne", ifølge komediens tekst, det vil si unnvike et sted i mengden fra Khlestovas skjenn, må løpe over hele en tom sal, fra hvis hjørner, som av nysgjerrighet, noen to eller tre ansikter titter frem. Generelt ser alt på en eller annen måte kjedelig, foreldet, fargeløst ut.
I spillet, i stedet for et ensemble, råder uenighet, som i et kor som ikke hadde tid til å synge. I det nye stykket kunne denne grunnen vært foreslått, men man kan ikke la denne komedien være ny for noen i troppen.
Halvparten av stykket går stille forbi. To eller tre vers vil bryte tydelig frem, de to andre uttales av skuespilleren som bare for seg selv – vekk fra betrakteren. Skuespillerne ønsker å spille Griboyedovs dikt som en vaudevilletekst. I ansiktsuttrykk har noen mye unødvendig oppstyr, dette imaginære, falske spillet. Selv de som må si to eller tre ord, følger dem enten med forsterket, unødvendig vekt på dem, eller med ekstra gester, eller en slags gangspill, for å gjøre seg bemerket på scenen, selv om disse to eller tre ordene , sagt smart, med takt, ville bli lagt merke til mye mer enn alle kroppsøvelser.
Noen av skuespillerne ser ut til å glemme at handlingen foregår i et stort hus i Moskva. For eksempel, Molchalin, selv om en fattig liten tjenestemann, bor i det beste samfunnet, blir akseptert i de første husene, spiller kort med edle gamle kvinner, derfor er han ikke fratatt en viss anstendighet i oppførsel og tone. Han er «indyllende, stille», sier stykket om ham. Dette er en huskatt, myk, kjærlig, som streifer overalt i huset, og hvis han horer, så hemmelig og anstendig. Han kan ikke ha så ville måter, selv når han skynder seg til Liza, alene med henne, at skuespilleren som spiller hans rolle har lært ham.
Flertallet av kunstnere kan heller ikke skryte av å oppfylle den viktige betingelsen nevnt ovenfor: nemlig korrekt, kunstnerisk lesning. I lang tid har folk klaget over at denne grunnleggende tilstanden blir fjernet mer og mer fra den russiske scenen. Er evnen til å lese, å uttale kunstnerisk tale, som om denne evnen var blitt overflødig eller unødvendig, sammen med resitasjonen av den gamle skolen, ble den virkelig utstøtt? Det er til og med hyppige klager på noen av dramatikkens og komedienes lyskastere om at de ikke tar seg bryet med å lære roller!
Hva gjenstår da for artistene? Hva mener de med rollespill? Sminke? Ansiktsuttrykk?
Siden når dukket denne forsømmelsen av kunst opp? Vi husker både St. Petersburg- og Moskva-scenene i den strålende perioden av deres aktivitet, fra Shchepkin, Karatygins til Samoilov, Sadovsky. Noen få veteraner fra den gamle St. Petersburg-scenen er fortsatt her, og blant dem er navnene på Samoilov, Karatygin minner om den gylne tid da Shakespeare, Molière, Schiller og den samme Griboyedov, som vi tar med nå, dukket opp på scenen, og alt dette ble gitt sammen med en sverm av forskjellige vaudeviller, nyinnspillinger fra fransk osv. Men verken disse endringene eller vaudevillene forstyrret den utmerkede fremføringen til verken Hamlet, eller Lear, eller The Miser.
Som svar på dette hører du på den ene siden at publikumssmaken har blitt dårligere (hva slags offentlighet?), gått over til farse, og at konsekvensen av dette var og er avvenning av artister fra den seriøse scenen. og seriøse, kunstneriske roller; og på den annen side at selve kunstens vilkår har endret seg: fra det historiske slaget, fra tragedie, høykomedie, samfunnet venstre, som fra under en tung sky, og vendt seg til det borgerlige, såkalte drama og komedie, og til slutt til sjangeren.
En analyse av denne «smakens korrupsjon» eller modifiseringen av kunstens gamle betingelser til nye ville distrahere oss fra Ve fra vittighet og kanskje føre til en annen, mer håpløs sorg. La oss heller akseptere den andre innvendingen (det er ikke verdt å snakke om den første, siden den taler for seg selv) som et fait accompli og tillate disse modifikasjonene, selv om vi i forbifarten konstaterer at Shakespeare og nye historiske dramaer dukker opp på scenen, som f.eks. "The Death of Ivan the Terrible", "Vasilisa Melentyeva", "Shuisky" og andre, som krever selve evnen til å lese det vi snakker om. Men når alt kommer til alt, foruten disse dramaene, er det andre verk fra den nye tiden skrevet i prosa på scenen, og denne prosaen, nesten som Pushkins og Griboedovs dikt, har sin egen typiske verdighet og krever samme klare og tydelige fremføring som lesningen av poesi. Hver setning av Gogol er like typisk og inneholder sin egen spesielle komedie, uavhengig av det generelle plottet, som hver Griboedovs vers. Og bare en dypt trofast, hørbar, distinkt forestilling, det vil si en sceneuttale av disse frasene, kan uttrykke betydningen forfatteren ga dem. Mange av Ostrovskys skuespill har også i stor grad denne typiske siden av språket, og ofte høres fraser fra komediene hans i dagligtale, i ulike anvendelser til livet.
Publikum husker at Sosnitsky, Shchepkin, Martynov, Maksimov, Samoilov, i rollene som disse forfatterne, ikke bare skapte typer på scenen - som selvfølgelig avhenger av graden av talent - men også beholdt all styrke og eksemplarisk språk. med intelligent og ekte uttale, som gir vekt til hver setning, hvert ord. Hvor, om ikke fra scenen, kan man ønske å høre eksemplariske opplesninger av eksemplariske verk?
Det ser ut til at publikum med rette har klaget over tapet av denne litterære så å si fremføringen av kunstverk i det siste.
I tillegg til forestillingens svakhet i det generelle kurset, angående riktig forståelse av stykket, mangel på lesekunst osv., kunne man også dvele ved noen unøyaktigheter i detalj, men vi ønsker ikke å virke kresne. , spesielt siden små eller hyppige unøyaktigheter som stammer fra uaktsomhet , vil forsvinne hvis kunstnerne behandler stykket med en grundigere kritisk analyse.
La oss ønske at våre kunstnere fra hele massen av skuespill som de er oversvømmet med sine plikter, med kjærlighet til kunst, skiller ut kunstverk - og det er så få av dem hos oss, og forresten spesielt " Woe from Wit» - og ved å komponere dem selv for deres utvalgte repertoar, ville de fremføre dem annerledes enn hvordan de fremførte alt annet som de må spille daglig - og de vil garantert opptre skikkelig.
Notater
Oppvekst (italiensk).
Han snakker tull (fransk).
Skam den som tenker ondt om dette (fransk).
Første elsker (teater, termin) (fransk).
High Society (engelsk).
God tone (fransk).
Dårskap (fransk).
I knoppen (fransk).
Komposisjon
Hovedrollen er selvfølgelig rollen til Chatsky, uten hvilken det ikke ville være noen komedie, men kanskje det ville være et bilde av moral. Chatsky er ikke bare smartere enn alle andre mennesker, men også positivt smart. Talen hans koker av intelligens, vidd. Han har et hjerte, og samtidig er han upåklagelig ærlig. I et ord, denne personen er ikke bare intelligent, men også utviklet, med følelse, eller, som hushjelpen Lisa anbefaler, han er "følsom, og munter og skarp." Han er en oppriktig og ivrig skikkelse. Chatsky lengter etter et "fritt liv" og krever "tjeneste til saken, ikke til enkeltpersoner."
Hvert skritt, nesten hvert ord i stykket er nært forbundet med spillet av følelsene hans for Sofya, irritert over en slags løgn i hennes handlinger, som han sliter med å nøste opp til siste slutt. Han kom til Moskva og til Famusov, åpenbart for Sophia og for Sophia alene. Han bryr seg ikke om andre.
I mellomtiden fikk Chatsky drikke en bitter kopp til bunnen, og fant ikke «levende sympati» hos noen, og dro, og tok med seg bare «en million plager».
"En million plager" og "ve"! - det var det han høstet for alt han klarte å så. Til nå var han uovervinnelig: sinnet hans traff nådeløst fiendenes såre steder. Han kjente styrken hans og snakket selvsikkert. Men kampen slitte ham ned. Chatsky, som en såret mann, samler all sin styrke, gjør en utfordring til mengden og slår mot alle, men han hadde ikke nok makt mot den forente fienden. Han faller i overdrivelse, nesten i full tale, og bekrefter etter gjestenes mening ryktet som Sophia har spredt om hans galskap.
Han har sluttet å kontrollere seg selv og merker ikke en gang at han selv setter sammen en forestilling på ballen. Alexander Andreevich er definitivt "ikke seg selv", og starter med monologen "om franskmannen fra Bordeaux", og forblir det til slutten av stykket. Bare «en million plager» blir fylt opp fremover.
Hvis han hadde et sunt minutt, hvis «en million plager» ikke hadde brent ham, ville han selvfølgelig ha stilt seg selv spørsmålet: «Hvorfor og for hva har jeg gjort alt dette rotet?» Og det ville selvfølgelig ikke være noe svar.
Chatsky er mest av alt en fordømmer av løgner og alt som har blitt foreldet, som overdøver et nytt liv, «et fritt liv. Han er veldig positiv i sine krav og erklærer dem i et ferdig program, utarbeidet ikke av ham, men av århundret som allerede startet. Chatsky krever plass og frihet for sin alder: han ber om forretninger, men ønsker ikke å bli servert og stigmatiserer servitighet og tull. Hans ideal om "fritt liv" er avgjørende: det er frihet fra alle slaveriets lenker som binder samfunnet, og deretter frihet - "å stirre inn i vitenskapen sinnet som hungrer etter kunnskap" ...
Hver sak som trenger oppdatering forårsaker skyggen av Chatsky. Og uansett hvem figurene er, uansett hva slags menneskelig virksomhet er rundt - enten det er en ny idé, et skritt i vitenskapen, i politikken - folk er gruppert, de kan ikke komme vekk fra de to hovedmotivene til kamp: fra rådet "å lære ved å se på de eldste", på den ene siden, og fra tørst til å streve fra rutinen til det "frie livet" fremover og fremover, på den andre.
Det er derfor Griboedovs Chatsky ennå ikke har blitt gammel, og neppe noen gang vil bli gammel, og med ham hele komedien.
"Undervisning i skriving-resonnering" - "Eugene Onegin" A. Pushkin. Liste over problemer. Forfatter. Problemet med medfølelse og barmhjertighet. Problemet med åndelig fattigdom. Vanlige resonnementfeil. Problemtyper. Kommentar til den formulerte problemstillingen. Komposisjon basert på teksten til S. Mikhalkov "Bøker". Problemer med forholdet mellom menneske og natur. Eksempler på formuleringen av forfatterens stilling.
"Plan for å skrive et essay-resonnement" - Shefner); "Lettegyldighet er lammelse av sjelen, for tidlig død" (A. Chekhov). 5. Konklusjon. "Tenk på sjelen din!" - Denne lidenskapelige appellen fra forfatteren til ethvert menneskes samvittighet kan tydelig høres når du leser avsnittet. Rekkefølgen av arbeidet med essay-resonnementet. Tre spørsmål. Argumenter. Finn og korriger talefeilen.
"GIAs arbeid-begrunnelser" - V. A. Oseev - Khmelev (1902 - 1969). Hvordan føler Lenya om vennens følelser? Leksjon-forberedelse for skriving-resonnering på en gitt tekst (С2.2). Hvilket utsagn uttrykker hovedideen i teksten? GIA 9. klasse. AVHANDLING (grunnposisjon som skal bevises) ARGUMENTER (bevis) KONKLUSJON.
«Komposisjonsbegrunnelse» - I teksten etableres logiske (semantiske) og grammatiske sammenhenger mellom oppgaven og argumenter. Hovedideen til essayet. Tale svinger. 1. Introduksjon (begynnelse). Modul. M. Zoshchenko mottok "2" for sin eksamensoppgave. Klarere skjønn og mer udiskutabel konklusjon. Fagforeninger. Midlet for å uttrykke artikulasjon er et avsnitt.
"Å skrive et essay-resonnement" - Zhenechka. Sammensatt verbpredikat. La oss se på teksten. Gutt. Fenomen. Noen tynne stenger. Folk er mistroende til lyddempere. Evgenia Ivanovna. Kosten har blomstret. Hvordan ord samhandler. Verbet vil ha. Forberede studentene til essayskriving. La oss gå, Lapot. Evgenia Ivanovna fulgte gutten.
"Komposisjonsbegrunnelse "pronomen" - Skriv en essaybegrunnelse, og avslør betydningen av utsagnet. I setning 11 i teksten navngir forfatteren personen som skal diskuteres. Glebov oppfordret iherdig til å håndtere Shulepa. Konklusjon (konklusjon). Komposisjon. Taleklisjeer. Teoretisk resonnement. Overgang til diskusjon. Eksempler. Introduksjon. Vi skriver et essay om et pronomen.
Det er totalt 11 presentasjoner i emnet
Artikkelmeny:
Personligheten til Ivan Goncharov kom inn i litteraturhistorien. Forfatteren, litteraturkritikeren, korresponderende medlem av Vitenskapsakademiet i St. Petersburg og en ekte statsråd er kjent for mange verk. Av de viktigste - "Oblomov", publisert i "Notes of the Fatherland", "Cliff" - en tekst som dukket opp i "Bulletin of Europe", samt "Ordinary History" fra "Contemporary".
I 1872 så teksten «A Million Torments» dagens lys. Dette er tittelen på en artikkel av litteraturkritisk karakter utgitt av Goncharov. Forfatteren vender seg til analysen av et annet mesterverk av russisk litteratur, som allerede har blitt en klassiker - "Wee from Wit". Den russiske kritikeren skriver at «Ve fra vidd» har tatt sin rettmessige plass i russisk litteratur, fordi teksten er relevant og frisk. La oss gå til en kort oppsummering av Goncharovs kritiske prosa.
Merknad om Griboyedovs tekst "Wee from Wit"
Siden Goncharov refererer til Griboyedovs skuespill, anser vi det som nyttig å kort huske hva slags verk det er. «Wee from Wit» regnes for å være en komedie skrevet på vers av den russiske forfatteren, diplomaten og statsråd Alexander Griboyedov. Verket ble skrevet i stil med klassisisme, men det er tydelig at forfatteren også var inspirert av romantikk og realisme, som nettopp hadde begynt å komme på moten i denne perioden. Stykket er dypt aforistisk - denne funksjonen førte til at Griboedovs arbeid ble trukket inn i sitater, hvorav mange ble til fangstfraser (for eksempel setningene "Hvem er dommerne?", "Helten er ikke fra romanen min", " Med følelse, med sans, med arrangement", "Legenden er fersk, men det er vanskelig å tro" og andre uttrykk).
Ilya Ilyich Oblomov i arbeidet til Ivan Goncharov "Oblomov" er en lat, apatisk, altfor drømmende person og fullstendig utilpasset til det virkelige liv. Vi inviterer leserne til å sette seg inn i hva som er det sentrale og mest slående i romanen.
Om "Ve fra Wit", i tillegg til Goncharovs tekst, som denne artikkelen er dedikert til, er det andre anmeldelser. For eksempel skrev Pushkin også om stykket, som nesten var den første som fremhevet stykkets betydning for kulturen:
Hvem er den smarte karakteren i komedien «Wee from Wit»? Svar: Griboedov. Vet du hva Chatsky er? En ivrig, edel og snill kar, som tilbrakte litt tid med en veldig smart person (nemlig med Griboyedov) og ble matet av hans tanker, vittigheter og satiriske kommentarer<…>Det første tegnet på en intelligent person er å vite på et øyeblikk hvem du har å gjøre med og ikke kaste perler foran Repetilovs og lignende ...
Kort beskrivelse av innholdet i "A Million of Torments"
Den russiske kritikeren sier helt fra begynnelsen at Griboyedovs skuespill er vanskelig å klassifisere fordi denne teksten skiller seg fra andre betydelige verk i russisk litteratur. Verket kalles Goncharov sterk, ungdommelig og frisk, og også seig, fordi relevansen til "Woe from Wit" ikke forsvinner. Forfatteren er original når det kommer til sammenligninger og analogier. Dermed trekker Ivan Goncharov paralleller mellom Griboyedovs tekst og en hundreårs gammel mann: Det ser ut til at den gamle mannen må dø, men alle rundt ham dør, men ikke han selv.
På den annen side er Goncharova overrasket over at Griboyedovs verk rammet skjebnen til en hundreårs gammel mann i litteraturen. Ifølge kritikeren har Pushkin «flere rettigheter til lang levetid». Men karakterene i verkene til Alexander Sergeevich ser ikke ut til å tåle tidens tann. Pushkins karakterer er bleke, tiden til heltene til det russiske geniet har gått, og Pushkin selv har allerede blitt historie. I mellomtiden er Griboyedov ikke historie, men modernitet.
Goncharov understreker at «Ve fra Wit» er en komedie som inneholder en annen komedie i seg selv, som fred i verden. Dermed kommer flere tomter til overflaten. Den første handlingen er viet til et kjærlighetsforhold i par Chatsky - Sofia, samt Liza - Molchalin. Goncharov kommenterer dette fenomenet som følger:
... Når den første bryter igjennom, dukker det plutselig opp en annen i mellom, og handlingen bindes opp igjen, en privat komedie spilles ut i en generell kamp og knyttes til én knute ...
Pushkin, Lermontov og Griboedov: Vitality of "Wee from Wit"
Til tross for at "best før-datoen" av Pushkins tekster gikk tidligere, ble Griboyedovs verk skapt tidligere enn Pushkins. Så, "Ve fra Wit" kom ut under forfatterens penn før "Eugene Onegin" og "Hero of Our Time", men klarte å overleve begge tekstene. "Ve fra Wit" var i stand til å overleve selv den fortryllende Gogol. Den russiske kritikeren er sikker på at dette stykket "vil overleve mange flere epoker og ikke miste vitaliteten."
Griboyedovs skuespill umiddelbart, så snart teksten ble publisert, ble snappet opp for sitater. Dette førte imidlertid ikke til vulgarisering av teksten, slik det vanligvis er når teksten vinner popularitet. Goncharov bemerket at tvert imot, "Ve fra Wit" fra en slik popularisering "så ut til å bli dyrere for leserne."
En egen situasjon observeres når man prøver å iscenesette «Ve fra Wit» på scenen. Samtidig, ifølge Goncharov, bør skuespillere bruke en kreativ tilnærming, skape idealer. I tillegg skal skuespillerne kunstnerisk fremføre stykkets språk. Griboyedovs skuespill er selvsagt basert på virkelige historiske motiver, men den russiske kritikeren understreker at Ve fra Wit ikke kan spilles på scenen under dekke av et verk som viser til historisk troskap. Nei, Ve fra Wit har ganske sterk kunstnerisk troverdighet:
… den levende stien har nesten forsvunnet, og den historiske avstanden er fortsatt nær. Kunstneren må ty til kreativitet og skape idealer, i henhold til graden av hans forståelse av epoken og arbeidet til Griboyedov<…>Skuespilleren, som musiker, er forpliktet ... til å tenke på lyden av stemmen og den intonasjonen som hvert vers skal uttales med: dette betyr - å tenke på en subtil kritisk forståelse av all poesi ...
"Ve fra Wit" som et bilde på oppførsel
Så i russisk litteratur har Griboyedovs skuespill en spesiell rolle. Forfatteren av «A Million of Torments» anser verket som et spesifikt bilde av moral. Forfatteren tegner for leseren et galleri av levende typer, ekte mennesker. Men hva er "Wee from Wit"? I følge Goncharov er disse:
... evig skarp, brennende satire, og samtidig en komedie<…>Lerretet hennes fanger en lang periode av russisk liv - fra Katarina til keiser Nicholas ...
For det meste fremstår selvfølgelig «Ve fra Wit» som et komisk verk. Men dette er en enorm verden som viser leseren realitetene i livet til russisk kultur. Spesiell oppmerksomhet bør også rettes mot heltene til "Woe from Wit".
Om heltene i "Wee from Wit"
Det er ikke mer enn tjue nøkkelpersoner i Griboedovs skuespill, men i disse karakterene klarte forfatteren å reflektere hele det gamle Moskva, byens ånd, den historiske situasjonen, samt moralske prinsipper og skikker.
Opposisjonelle grupper av karakterer i "Ve fra Wit"
Hver av karaktergruppene er assosiert med et visst sett med kvaliteter. For eksempel spiller Chatsky en passiv rolle, fordømmer løgner, fungerer som en markør for foreldede ting og ordrer. Bildet av Chatsky avslører hva som hindrer et nytt, fritt liv. Heltens ideal er derfor frihet fra «alle slaveriets lenker som samfunnet er bundet av». Famus-gruppen, på den ene siden, forstår dypt at Chatsky har rett, men ønsket om å overleve og fortsette å eksistere hindrer "brødrene" fra åpent å ta heltens parti.
Ivan Alexandrovich Goncharov er en av de ledende prosaforfatterne på 1800-tallet. Anbefales for elskere av klassikerne
Goncharov konkluderer med at Chatsky er klippen til enhver tid, så Woe from Wit mister ikke sin relevans. Chatskys stjerne blir spesielt lys under endringen av epoker.
Famus-gruppen kjennetegnes av en tørst etter heder og ære, ønsket om å behage og samtykke for personlig vinnings skyld. Goncharov kaller slike helter mestere og jegere for å behage, motta priser, for fremfor alt å leve muntert og bekymringsløst. En slik livsstil er ledsaget av forskjellige laster: løgn, sladder, lediggang og til slutt tomhet.
Figuren til Chatsky i detalj
Når det gjelder kartet over helter, det vil si den generelle utformingen av karakterene i Ve fra Wit, er kritikeren av den oppfatning at i Griboedovs tekst er alle karakterene delt inn i to grupper. I den første symbolske leiren tok "Famusovs og alle brødrene" plass, og Chatsky var i den andre gruppen. Goncharov kaller Chatsky en ivrig og modig fighter som deltar i kampen «på liv og død», i kampen om muligheten til å eksistere. Imidlertid fører denne livsstilen logisk til tretthet, fordi helten, etter å ha overlevd ballen, absolutt ønsker å finne fred. I hvert fall for en stund. Goncharov skriver:
... Han, som en såret mann, samler alle sine krefter, gjør en utfordring til folkemengden – og slår mot alle – men han hadde ikke nok makt mot den forente fienden ...
Chatsky blir gradvis forvekslet med en galning: helten tyr ofte til overdrivelser, talen til Griboedovs karakter gir bort drukkenskap. Det kommer et øyeblikk da Chatsky ikke lenger er i stand til å legge merke til at han selv har blitt til en ball, til en forestilling han flyktet fra.
Chatsky har en skatt som mange ser ut til å ha mistet i vår tid. Helten har et hjerte. Lisa, en tjener, snakker positivt om Chatsky, og kaller helten sensitiv, munter og smart til poenget.
I mellomtiden blir bildet av Chatsky overskygget av personlig sorg. Stykket heter «Wee from Wit», men Goncharov skriver at årsaken til Chatskys personlige ulykker ikke ligger i tankene. Problemet ligger i den medfølende rollen til helten Griboyedov.
Bitterheten i Chatskys skjebne
Goncharov legger merke til at Chatskys skjebne bare består i såing. Fruktene av denne såingen er bestemt til å høste for andre mennesker. Chatskyene - vi snakker i flertall, fordi dette er en type, og ikke bare ett bilde - bærer en slags tornekrone på hodet: slike mennesker plages av hver minste ting, men mest av alt - fra et sammenstøt av sinn og medfølelse, en ubesvart kjærlighetsfølelse, smerten ved en krenket verdighet. Goncharov snakker om Chatskys personlighet på følgende måte:
... Han krever et sted og frihet for sin alder: han ber om forretninger, men vil ikke bli servert, og stigmatiserer servilitet og tøys ...
Dermed nærmer vi oss sakte ideen om et fritt liv, som er legemliggjort av personligheten til Chatsky. Hva er et fritt liv i tolkningen av Goncharov? For det første er det en mulighet å ikke være avhengig av slavelenker, ikke å gruble foran overordnede. Dessverre har kjedene av avhengigheter omsluttet samfunnet så mye at Famusov-leiren, selv om den forstår sannheten om tingenes tilstand, fortsatt er redd for å bryte systemene eller gå mot den etablerte orden. Hva er rollen til Chatsky? Goncharov svarer på dette spørsmålet på følgende linjer:
... Han er løgnens evige debunker, skjult i ordtaket: «En i marken er ikke en kriger». Nei, en kriger, hvis han er Chatsky, og dessuten en vinner, men en avansert kriger, en trefning - og alltid et offer<…>Chatskyene lever og blir ikke oversatt i samfunnet, og gjentar seg selv ved hver sving, i hvert hus, der de gamle og de unge sameksisterer under samme tak.<…>Hver sak som trenger oppdatering forårsaker skyggen av Chatsky ...
Hvem er Sofia?
Selvfølgelig kunne Goncharov ikke glemme figuren til Sofia. Heltinnen tilhører kategorien kvinner som henter «verdslig visdom fra romaner og historier». Slike kvinner er preget av en levende fantasi, evnen til å føle. Men Sophia er svak på de områdene som relaterer seg til tanker og kunnskap. Imidlertid streber heltinnen etter kunnskap og tanker, som unge damer på den tiden vanligvis ikke ble lært.
Etter vår mening ligner Sofia typen til de såkalte Turgenev-unge damene, men Goncharov ser i bildet av Griboedovs Sofia en likhet med figuren til Tatyana fra Pushkins "Eugene Onegin":
... både, som i søvngjengeri, vandrer i entusiasme med barnlig enkelhet ...
Sophia ønsker å føle seg som en beskytter. Så det er i dette bildet at heltinnen vises i romanen med Molchalin. Chatskys følelser for Sophia spiller også en viktig rolle i arbeidet. Chatsky er irritert over løgnene som er synlige i jentas handlinger. På den ene siden blir Chatsky tiltrukket av Sophia, men på den annen side tjener heltinnen som et motiv for Chatsky og en grunn til lidelse, som til slutt formørket sjelen til helten. Chatsky, selv om han lider, vinner fortsatt som et resultat. Helten prøver å tigge om noe som ikke kan mottas med forespørsler, nemlig: kjærlighet:
Men har han den lidenskapen?
Den følelsen? Er det iver?
Slik at han, foruten deg, har hele verden
Var det støv og forfengelighet?
Motsetning av følelser og sinn
Hoveddramaet i stykket ligger i motstanden og uforenligheten mellom sinn og følelser. Goncharov mener at Chatsky opprinnelig ble reddet av sinnet og tankens skarphet, men lidenskapens flamme konsumerte heltens verdighet og personlighet. Alt som redder Chatsky fra den endelige "unyttige ydmykelsen" er "restene av sinnet".
Sophia trenger ikke så mye Molchalin, men den ubetydelige karakteren til denne helten. Imidlertid innrømmer jenta samtidig at møtet med Chatsky er betydelig og ikke tilfeldig for henne:
Se, han har fått vennskapet til alle i huset;
Han tjenestegjorde hos faren i tre år,
Han blir ofte sint uten grunn,
Og han vil avvæpne ham med stillhet<…>
<…>fra de gamle vil ikke tråkke over terskelen<…>
<…>Fremmede og tilfeldig kutter ikke, -
Det er derfor jeg elsker ham...
"En million plager" som Chatskys sorg
Chatsky blir faktisk gal, fordi han prøver å finne i Sophias ord noe som egentlig ikke er i disse ordene. For helten ser denne metoden ut til å være et forsøk på å roe ned og rettferdiggjøre seg selv.
Etter fiaskoen med Sophia, kaster Chatsky seg inn i andre sykluser av livet i Moskva. For eksempel er Gorichev-gruppen - eieren, som sank fullstendig, den imøtekommende mannen, som er under hælene til en streng kone, og kona selv - fru Goricheva - en søt og sukkersøt person. Chatsky møter også Khlestova, en heltinne som ser ut til å ha forblitt fra Catherines alder, med Pyotr Ilyich, en annen ruin fra fortiden, med Zagoretsky, en åpenbar svindler, og andre helter fra Famusov-kategorien.
Personlighetstransformasjoner av Chatsky
Chatskys sinn gjennomgår transformasjoner. Nå kjennetegnes Chatskys tale av etsende bemerkninger, kynisme og sarkasme. Med denne kommunikasjons- og oppførselsstilen forårsaker helten antipati fra menneskene rundt ham. Chatsky har fortsatt håp - å finne medfølelse og sympati i Sophias sjel. Helten vet imidlertid ikke at det forberedes en konspirasjon mot ham i Famusov-leiren:
«En million plager» og «ve» – det var det han høstet for alt han klarte å så. Inntil nå var han uovervinnelig: sinnet hans traff nådeløst fiendenes såre steder ...
Chatskys sinn svekkes i det øyeblikket helten blir lei av den endeløse kampen. Den tidligere munterheten, skarpheten, søtheten og følsomheten erstattes av galle, kresen og tristhet. Selv på slutten oppfører Chatsky seg ikke, som Onegin eller Lermontovs helt, som en dandy. Griboyedovs helt fortsetter å beholde sin oppriktighet, men tillater seg selv en dødelig svakhet: sjalusien overvelder Chatsky når helten ser jentas date med Molchalin. Mannen bebreider heltinnen fordi hun ga ham håp. Goncharov understreker imidlertid at Sophia tvert imot hele tiden frastøt Chatsky:
I mellomtiden er Sofya Pavlovna ikke individuelt umoralsk: hun synder med uvitenhetens synd, blindheten som alle levde i ...
Goncharovs konklusjoner
For å formidle den viktigste moralske og ideologiske orienteringen til Ve fra Wit, vender den russiske kritikeren seg til Pushkins poesi:
Lys straffer ikke vrangforestillinger,
Men hemmeligheter kreves for dem!
På den ene siden hjelper Chatsky Sophia til å miste den urimelige naiviteten og blindheten, som i utgangspunktet er karakteristisk for heltinnens personlighet. Sophia er imidlertid fortsatt ikke i stand til å vise respekt for Chatsky: helten er bevis på Sophias feil og laster, et "bebreidende vitne" som åpner jentas øyne for det sanne utseendet til Molchalin. Sophia, ifølge Goncharovs tolkning, fremstår som en slags blanding av "gode instinkter" og løgner, "et livlig sinn" og fraværet av til og med et snev av tilstedeværelsen av ideer, egne meninger og tro. Sophia er syk av mental og moralsk blindhet, som ligger en uoverkommelig kløft mellom jenta og Chatsky. Dette er imidlertid ikke en mangel ved Sophia selv, dette er egenskaper som er innpodet i oppveksten hennes. Heltinnen selv er varm, øm og drømmende. La oss huske hva vi snakket om i begynnelsen av artikkelen vår:
... Kvinner lærte bare å forestille seg og føle og lærte ikke å tenke og vite ...
