dom › sprzęt elektryczny › Carla Orffa „Carmina Burana”. Na urodziny kompozytora

Carla Orffa „Carmina Burana”. Na urodziny kompozytora

Carla Orffa(Niemiec Carl Orff; Carla Heinricha Marii Orffa, Niemiecki Carl Heinrich Maria Orff; 10 lipca 1895, Monachium – 29 marca 1982, tamże) – niemiecki kompozytor i pedagog, najbardziej znany z kantaty Carmina Burana (1937). Jako czołowy kompozytor XX wieku wniósł też wielki wkład w rozwój szkolnictwa muzycznego.

Biografia

Ojciec Karla Orffa, oficer, grał na pianinie i kilku instrumenty strunowe. Rodzice mojego ojca byli Żydami, którzy przeszli na katolicyzm. Podczas rządów narodowych socjalistów Orff był w stanie ukryć swoje pochodzenie. Jego matka była również dobrą pianistką. To ona odkryła w synu talent muzyczny i podjęła jego szkolenie.

Orff nauczył się grać na pianinie w wieku 5 lat. Już w wieku dziewięciu lat pisał długie i krótkie utwory muzyczne do własnego teatru lalek.

W latach 1912-1914 Orff studiował w Akademii Muzycznej w Monachium. W 1914 kontynuował naukę u Hermana Zilchera. W 1916 pracował jako kapelmistrz w monachijskim Teatrze Kameralnym. W 1917 roku, w czasie I wojny światowej, Orff poszedł na ochotnika do wojska w 1 Bawarskim Pułku Artylerii Polowej. W 1918 został powołany na stanowisko kapelmistrza w Teatr Narodowy Mannheim pod kierunkiem Wilhelma Furtwänglera, a następnie rozpoczął pracę w Teatrze Pałacowym Wielkiego Księstwa Darmstadt.

W 1920 roku Orff ożenił się z Alice Solscher (niem. Alice Solscher), rok później urodził się Jedynak, córka Godla, w 1925 roku rozwiódł się z Alicją.

W 1923 poznał Dorotheę Günther (niem. Dorothee Gnther) i w 1924 wraz z nią stworzył w Monachium szkołę gimnastyki, muzyki i tańca Günther-Schule (niem. Gnther-Schule). Od 1925 roku do końca życia Orff był kierownikiem katedry w tej szkole, gdzie pracował z młodymi muzykami. Mając stały kontakt z dziećmi, rozwinął swoją teorię wychowania muzycznego.

Chociaż nie ustalono związku (lub jego braku) Orffa z partią nazistowską, jego „Carmina Burana” (łac. nazwał go zdegenerowanym – niem. entartet – nawiązując do związku z niesławną wystawą Sztuki zdegenerowanej, która powstała w tym samym czasie, czy też „prymitywną pochwałą pijaństwa, obżarstwa, hazard i pożądanie”. Goebbels nazwał ją jednocześnie „modelką muzyka niemiecka". Orff był jedynym z kilku niemieckich kompozytorów w okresie nazistowskim, który odpowiedział na oficjalne wezwanie do napisania nowej muzyki do Snu Szekspira w noc świętojańska”, po tym jak muzyka Feliksa Mendelssohna została zakazana - reszta odmówiła wzięcia w tym udziału. Do pisania używał partytur, które były już gotowe od dawna.

Orff był bliskim przyjacielem gauleitera wiedeńskiego i jednego z przywódców Hitlerjugend, Baldura von Schiracha.

Orff był także bliskim przyjacielem Kurta Hubera, jednego z założycieli ruchu oporu. Biała Róża„(niemiecki Die Weie Rose), skazany na śmierć przez Ludowy Trybunał Sprawiedliwości i stracony przez nazistów w 1943 r. Po drugiej wojnie światowej Orff twierdził, że był zaangażowany w ruch, a on sam w ruch oporu, ale nie ma innych dowodów poza jego własnymi słowami, więc niektóre źródła kwestionują to twierdzenie. Motyw wydaje się jasny: deklaracja Orffa została przyjęta przez amerykańskie władze denazyfikacyjne, co pozwoliło mu na dalsze komponowanie. Wiadomo, że Orff nie odważył się wykorzystać swojego autorytetu i przyjaźni z von Schirach do ochrony Hubera, powołując się na obawy o własne życie. Jednocześnie nie wygłaszał żadnych publicznych oświadczeń popierających reżim.

Orff jest pochowany w barokowym kościele opactwa Andechs, na południowy zachód od Monachium.

kreacja

Orff jest najbardziej znany jako autor kantaty scenicznej „Carmina Burana”, czyli „Pieśni Boyerna”. (1937). Jest to pierwsza część trylogii, która obejmuje również „Catulli Carmina” (niem. Catulli Carmina) i „Trionfo di Afrodite” (niem. Trionfo di Afrodite). Carmina Burana odzwierciedla jego zainteresowanie średniowieczną poezją niemiecką. Wszystkie części trylogii są wspólnie nazywane „Trionfi”. Kompozytor opisał to dzieło jako celebrację zwycięstwa ludzkiego ducha poprzez równowagę cielesności i uniwersalności. Muzyka powstała na podstawie wersetów napisanych przez goliardów z XIII-wiecznego rękopisu znalezionego w 1803 roku w bawarskim klasztorze benedyktynów w Beuern (Beuern, łac. Buranum); zbiór ten jest znany jako „Carmina Burana” (por.) i nosi imię klasztoru. Pomimo elementów nowoczesności w niektórych technikach kompozytorskich, w tej trylogii Orff wyraził ducha średniowiecza zaraźliwym rytmem i proste klucze. Średniowieczne wiersze napisane w języku niemieckim w jego wczesna forma i po łacinie, często nie do końca przyzwoite, ale nie schodzące do wulgaryzmów.

Carla Orffa(Niemiecki Carla Orffa; Carla Heinricha Marii Orffa, Niemiecki Karola Henryka Marii Orffa; 10 lipca 1895, Monachium – 29 marca 1982, Monachium) – niemiecki ekspresjonistyczny kompozytor i pedagog, najbardziej znany z kantaty Carmina Burana (1937). Jako czołowy kompozytor XX wieku wniósł też wielki wkład w rozwój szkolnictwa muzycznego.

Biografia

Ojciec Carla Orffa, oficer, grał na pianinie i kilku instrumentach strunowych. Jego matka była również dobrą pianistką. To ona odkryła w synu talent muzyczny i podjęła jego szkolenie.

Orff nauczył się grać na pianinie w wieku 5 lat. Już w wieku dziewięciu lat pisał długie i krótkie utwory muzyczne do własnego teatru lalek.

W latach 1912-1914 Orff studiował w Akademii Muzycznej w Monachium. W 1914 kontynuował naukę u Hermana Zilchera. W 1916 pracował jako kapelmistrz w monachijskim Teatrze Kameralnym. W 1917 roku, w czasie I wojny światowej, Orff poszedł na ochotnika do wojska w 1 Bawarskim Pułku Artylerii Polowej. W 1918 roku został zaproszony na stanowisko kapelmistrza w Teatrze Narodowym w Mannheim pod dyrekcją Wilhelma Furtwänglera, a następnie rozpoczął pracę w Teatrze Pałacowym Wielkiego Księstwa Darmstadt.

W 1920 roku Orff poślubił Alice Zollscher (Niemka). Alicja Solscher), rok później urodziło się jego jedyne dziecko, córka Godla, w 1925 rozwiódł się z Alicją.

W 1923 poznał Dorotheę Günther i w 1924 wraz z nią stworzył szkołę gimnastyki, muzyki i tańca „Günterschule” (niem. Gunther Schule) w Monachium. Od 1925 roku do końca życia Orff był kierownikiem katedry w tej szkole, gdzie pracował z młodymi muzykami. Mając stały kontakt z dziećmi, rozwinął swoją teorię wychowania muzycznego.

Chociaż związek Orffa (lub jego brak) z partią nazistowską nie został ustalony, jego „Carmina Burana” (łac. Carmina Burana) cieszył się dużą popularnością w nazistowskich Niemczech po premierze we Frankfurcie w 1937 roku, był wielokrotnie wystawiany (choć nazistowscy krytycy nazywali go zdegenerowanym - to. entartet- nawiązując do powstającej w tym samym czasie niechlubnej wystawy "Sztuka zdegenerowana"). Orff jako jedyny z kilku niemieckich kompozytorów w czasach nazistowskich odpowiedział na oficjalne wezwanie do napisania nowej muzyki do Snu nocy letniej Szekspira, po tym jak muzyka Feliksa Mendelssohna została zakazana – reszta odmówiła wzięcia w niej udziału. Ale z drugiej strony Orff pracował nad muzyką do tej sztuki w 1917 i 1927 roku, na długo przed nadejściem nazistowskiego rządu.

Orff był bliskim przyjacielem Kurta Hubera, jednego z założycieli ruchu oporu Białej Róży. Die Weisse Rose), skazany na śmierć przez Ludowy Trybunał Sprawiedliwości i stracony przez nazistów w 1943 r. Po drugiej wojnie światowej Orff twierdził, że był zaangażowany w ruch i sam był zaangażowany w ruch oporu, ale nie ma dowodów poza jego własnymi słowami, niektóre źródła kwestionują to twierdzenie. Motyw wydaje się jasny: deklaracja Orffa została przyjęta przez amerykańskie władze denazyfikacyjne, co pozwoliło mu na dalsze komponowanie.

Orff jest pochowany w barokowym kościele opactwa Andechs, na południowy zachód od Monachium.

kreacja

Orff jest najbardziej znany jako autor kantaty scenicznej „Carmina Burana”, czyli „Pieśni Boyerna”. (1937). Jest to pierwsza część trylogii, która zawiera także "Catulli Carmina" i "Trionfo di Afrodite". Carmina Burana odzwierciedla jego zainteresowanie średniowieczną poezją niemiecką. Wszystkie części trylogii są wspólnie nazywane „Trionfi”. Kompozytor opisał to dzieło jako celebrację zwycięstwa ludzkiego ducha poprzez równowagę cielesności i uniwersalności. Muzyka oparta jest na wersach napisanych przez goliardów z XIII-wiecznego rękopisu znalezionego w 1803 roku w bawarskim klasztorze benedyktynów w Beuern ( Beuernłac. Buranum); zbiór ten jest znany jako „Carmina Burana” (qv), nazwany na cześć klasztoru. Pomimo elementów nowoczesności w niektórych technikach kompozytorskich, w tej trylogii Orff uchwycił ducha średniowiecza zaraźliwym rytmem i prostymi tonami. Średniowieczne wiersze pisane po niemiecku we wczesnej formie i po łacinie często nie są całkiem przyzwoite, ale nie schodzą do wulgaryzmów.

Sukces „Carmina Burana” przyćmił wszystkie poprzednie prace Orffa, z wyjątkiem „Catulli Carmina” i „Entrata”, które zostały przepisane w akceptowalnej jakości z punktu widzenia Orffa. Z historycznego punktu widzenia Carmina Burana jest chyba najbardziej słynny przykład muzyka skomponowana i wykonana po raz pierwszy w nazistowskich Niemczech. W rzeczywistości „Carmina Burana” była tak popularna, że Orff otrzymał we Frankfurcie zamówienie na skomponowanie muzyki do sztuki „Sen nocy letniej”, która miała zastąpić zakazaną w Niemczech muzykę Feliksa Mendelssohna. Po wojnie Orff stwierdził, że nie jest zadowolony z kompozycji i poprawił ją do ostatecznej wersji, która została po raz pierwszy zaprezentowana w 1964 roku.

Orff sprzeciwił się nazwaniu któregokolwiek ze swoich dzieł po prostu operą w tradycyjnym znaczeniu. Na przykład swoje dzieła „Der Mond” („Księżyc”) (1939) i „Die Kluge” („Mądra dziewczyna”) (1943) przypisał „Märchenoper” („bajkowe opery”). Osobliwością obu utworów jest to, że powtarzają te same bezrytmiczne dźwięki, nie używają żadnych techniki muzyczne okresu, w którym zostały stworzone, to znaczy, że nie można ich oceniać jako odnoszących się do określonego czasu. Melodie, rytmy, a wraz z nimi tekst tych utworów pojawiają się tylko w zespoleniu słowa i muzyki.

O swojej operze Antygona (1949) Orff powiedział, że nie była to opera, ale „Vertonung”, „ustawiony na muzykę” starożytna tragedia. Tekst opery jest znakomitym tłumaczeniem na język niemiecki przez Friedricha Hölderlina tragedii Sofoklesa pod tym samym tytułem. Orkiestracja jest mocno oparta na perkusji. Została nawet ochrzczona minimalistyczną, co najtrafniej opisuje linię melodyczną. Uważa się, że Orff uchwycił historię Antygony w swojej operze, ponieważ wykazuje ona wyraźne podobieństwo do historii życia Sophie Scholl, bohaterki Białej Róży.

Premiera Ostatnia praca Orffa „De Temporum Fine Comoedia” („Komedia na koniec czasu”) odbyła się w Salzburgu Festiwal Muzyczny 20 sierpnia 1973 i został wykonany Orkiestra symfoniczna Radio Cologne i chór pod dyrekcją Herberta von Karajana. w tym w najwyższy stopień W ramach osobistej pracy Orff przedstawił mistyczną sztukę, w której podsumował swoje poglądy na temat końca czasu, śpiewaną po grecku, niemiecku i łacinie.

„Musica Poetica”, którą Orff skomponował z Gunildem Ketmanem, została wykorzystana jako piosenka przewodnia do filmu Terrence'a Malicka The Wasted Lands (1973). Hans Zimmer później przerobił tę muzykę do filmu” Prawdziwa miłość» (1993).

Praca pedagogiczna

W kręgach edukacyjnych jest prawdopodobnie najbardziej znany ze swojej pracy Schulwerk (1930-35). Jego prosta instrumentacja muzyczna pozwalała nawet niewprawnym dzieciom wykonywać części utworu ze względną łatwością.

Pomysły Orffa, wraz z Gunildem Keetmanem, zostały ucieleśnione w innowacyjnym podejściu do Edukacja muzyczna dzieci, znane jako „Orff-Schulwerk”. Termin „Schulwerk” to niemieckie słowo oznaczające „ praca szkolna". Muzyka jest podstawą i łączy w sobie ruch, śpiew, grę i improwizację.

Karl Orff (niemiecki Carl Orff, prawdziwe nazwisko Karl Heinrich Maria; 10 lipca 1895, Monachium - 29 marca 1982, tamże) - niemiecki kompozytor, najbardziej znany z kantaty „Carmina Burana” (1937). Jako czołowy kompozytor XX wieku wniósł również wielki wkład w dziedzinę edukacji muzycznej.

Orff urodził się w Monachium i pochodził z bawarskiej rodziny, bardzo zaangażowanej w sprawy armii niemieckiej. Pułkowa orkiestra jego ojca najwyraźniej często grała utwory młodego Orffa.

Orff nauczył się grać na pianinie w wieku 5 lat. Już w wieku dziewięciu lat pisał długie i krótkie utwory muzyczne do własnego teatru lalek.

W 1923 poznał Dorotheę Günther iw 1924 wraz z nią stworzył szkołę gimnastyki, muzyki i tańca (Günterschule) w Monachium. Od 1925 roku do końca życia Orff był kierownikiem katedry w tej szkole, gdzie pracował z młodymi muzykami. Mając stały kontakt z dziećmi, rozwinął swoją teorię wychowania muzycznego.

Chociaż nie ustalono związku (lub jego braku) Orffa z partią nazistowską, jego „Carmina Burana” była dość popularna w nazistowskich Niemczech po premierze we Frankfurcie w 1937 roku, wykonywana wielokrotnie (choć nazistowscy krytycy nazywali ją „zdegenerowaną” – „ entartet” – nawiązując do związku z powstającą w tym samym czasie niesławną wystawą „Sztuka zdegenerowana”). Należy zauważyć, że Orff jako jedyny z kilku kompozytorów niemieckich w czasach nazistowskich odpowiedział na oficjalne wezwanie do napisania nowej muzyki do Snu nocy letniej Szekspira, po tym jak muzyka Feliksa Mendelssohna została zakazana – reszta odmówiła udziału w tym. Ale z drugiej strony Orff pracował nad muzyką do tej sztuki w 1917 i 1927 roku, na długo przed nadejściem nazistowskiego rządu.

Orff był bliskim przyjacielem Kurta Hubera, jednego z założycieli ruchu oporu „Die Wei?e Rose” („Biała Róża”), skazanego na śmierć przez Sąd Ludowy i straconego przez nazistów w 1943 roku. Po drugiej wojnie światowej Orff stwierdził, że był zaangażowany w ruch i sam był zaangażowany w ruch oporu, ale nie ma innych dowodów poza jego własnymi słowami, a różne źródła kwestionują to twierdzenie. Motyw wydaje się jasny: deklaracja Orffa została przyjęta przez amerykańskie władze denazyfikacyjne, co pozwoliło mu na dalsze komponowanie.

Orff jest pochowany w barokowym kościele opactwa Andechs, browarniczego klasztoru benedyktynów w południowym Monachium.

Carl Orff urodził się 10 lipca 1895 roku w Monachium. niemiecki kompozytor, muzykolog, pedagog.

Jako dziecko (od piątego roku życia) uczył się gry na fortepianie, organach i wiolonczeli. Dalej edukacja muzyczna otrzymał w monachijskiej Akademii Muzycznej; uczeń A. Beer-Walbrunna, G. Zilchera (dyplom 1914). Następnie (1921-1922) studiował u słynnego polifonisty G. Kamińskiego.

Od 1915 do 1919 dyrygent w Monachium, Mannheim, Darmstadt. W 1924 założył w Monachium wraz z D. Güntherem Szkoła Muzyczna(Guntershule), na którego doświadczeniu zbudował system edukacji muzycznej dzieci za pomocą ruchu (gimnastyka, taniec) i muzyki, opracował nowy rodzaj instrumentów muzycznych („instrumenty Orffa”). Wyniki tej pracy są prezentowane w specjalnym musicalu pomoc naukowa (1930-1935).

Równolegle kierował koncertami Towarzystwa Bachowskiego.Od 1950 jest profesorem kompozycji w konserwatorium monachijskim. Członek
Bawarska Akademia Sztuki, Akademia Santa Cecilia, doktor honoris causa filozofii Uniwersytetu w Tybindze.

Orff jest wybitnym artystą humanistycznym. Głównym obszarem twórczości jest twórczość muzyczna i sceniczna różnych gatunków, w tym oryginalne formy łączenia recytacji, śpiewu, pantomimy, tańca i muzyki zarówno w obrębie akcja sceniczna oraz w planie koncertu (kantatowo-oratoryjnym). Niektóre z nich związane są z bawarską ludową sztuką muzyczną i poetycką.

"W tle życie muzyczne XX wiek sztuka K. Orffa uderza swoją oryginalnością. Każda nowa kompozycja kompozytora stawała się przedmiotem kontrowersji i dyskusji. Krytycy z reguły zarzucali mu szczere zerwanie z tradycją muzyki niemieckiej, która wywodzi się od R. Wagnera do szkoły A. Schönberga. Szczere i powszechne uznanie muzyki Orffa okazało się jednak najlepszym argumentem w dialogu między kompozytorem a krytykiem.

... Orff wniósł nieoceniony wkład w dziedzinę edukacji muzycznej dzieci. Już w młodości, w okresie zakładania w Monachium szkoły gimnastyki, muzyki i tańca, Orff miał obsesję na punkcie idei stworzenia system pedagogiczny. W samym sercu tego metoda kreatywna- improwizacja, swobodne muzykowanie dzieci w połączeniu z elementami plastyki, choreografii, teatru.

* „Kimkolwiek stanie się dziecko w przyszłości” - powiedział Orff - „zadaniem nauczycieli jest kształcenie go w kreatywności, kreatywnym myśleniu ...

Zaszczepiona chęć i umiejętność tworzenia wpłynie na każdy obszar przyszłej aktywności dziecka. Założony przez Orffa w 1962 roku Instytut Wychowania Muzycznego w Salzburgu stał się największym międzynarodowym ośrodkiem szkoleniowym pedagodzy muzyczni dla placówek przedszkolnych i szkoły ogólnokształcące". (http://belcanto.ru/orff.html)

„W przeciwieństwie do Strawińskiego, Hindemitha, Bartoka, których twórczość jest zmienna i nieprzewidywalna, jak pejzaż miasta, Orff jest gładki i czysty, jak niezamieszkany płaskowyż. W porównaniu z jego wielkimi współczesnymi, przegrywa z każdym z nich. Jednak na pewno wygrywa jeden - jest najprostszy.
... W twórczości Orffa słowo brzmi w starożytnych i nowych językach, ożywają włoska komedia masek, ludowa farsa, tajemnica i farsa, włóczęgów i minnesingerów, Sofoklesa i Ajschylosa.
... Orff jako pierwszy doprowadził język muzyki do zdecydowanego i świadomego uproszczenia - a jego prostocie nie można odmówić prawdziwego wyrafinowania.
Homofonia fundamentalna, formuły ostinatowe – z całkowitą obojętnością na polifonię i rozwój tematyczny, zamiłowanie do antycznych form śpiewu, gregoriańskiego czy bizantyjskiego, ludowo-taneczna energia rytmiczna, połączenie barwności i ascezy w orkiestrze, z której stopniowo usuwano melodyjne smyczki, ale zwiększała się liczba fortepianów i perkusji o wielonarodowościowym pochodzeniu.
Orff ucieleśniał świat legend i mitów, wielobarwny, wielojęzyczny, czasem straszny. Nowoczesność w sztuce napełniała go odrazą.
... (w latach 60.) ... okazało się, że modele znalezione przez Orffa są odpowiednie dla prawie każdego Kultura narodowa która postanowiła poszukać inspiracji w pobliżu swojego pochodzenia. „Pieśni Kurska” Georgy'ego Sviridova, ... * czy „Msza kreolska” Ariela Ramireza to tylko przypadkowe przykłady tego…”)

Orff urodził się w Monachium i pochodził z bawarskiej rodziny oficerskiej, która brała duży udział w sprawach armii niemieckiej iw której muzyka stale towarzyszyła życiu w domu.

Orff nauczył się grać na pianinie w wieku 5 lat. Już w wieku dziewięciu lat pisał długie i krótkie utwory muzyczne do własnego teatru lalek.

W latach 1912-1914 Orff studiował w monachijskiej Akademii Muzycznej. W 1914 kontynuował naukę u Hermana Zilchera. W 1916 pracował jako kapelmistrz w monachijskim Teatrze Kameralnym. W 1917 roku, w czasie I wojny światowej, zgłosił się jako ochotnik do wojska w Pierwszym Bawarskim Pułku Artylerii Polowej. W 1918 został zaproszony na stanowisko kapelmistrza w Teatrze Narodowym w Mannheim pod dyrekcją Wilhelma Furtwänglera, a następnie rozpoczął pracę w Teatrze Pałacowym Wielkiego Księstwa Darmstadt. W tym okresie tam wczesne prace kompozytora, ale są już przesiąknięci duchem twórczego eksperymentowania, chęcią połączenia kilku różne sztuki pod patronatem muzyki. Orff nie nabywa od razu swojego pisma. Jak wielu młodych kompozytorów przechodzi przez lata poszukiwań i hobby: modny wówczas symbolizm literacki, twórczość C. Monteverdiego, G. Schutza, J.S. Bacha, niesamowity świat muzyki lutniowej XVI wieku.

Kompozytor wykazuje niewyczerpane zainteresowanie dosłownie wszystkimi aspektami współczesności życie artystyczne. Interesuje się teatrami dramatycznymi, różnorodnym życiem muzycznym, folklorem dawnej Bawarii oraz instrumentami narodowymi ludów Azji i Afryki.

W 1920 roku Orff ożenił się z Alice Zollscher, rok później urodziło się jego jedyne dziecko, córka Godla, aw 1925 roku rozwiódł się z Alice.

Prawdziwy sukces i uznanie przyniosła Orffowi premiera scenicznej kantaty Carmina Burana (1937), która później stała się pierwszą częścią tryptyku Triumfów. Utwór na chór, solistów, tancerzy i orkiestrę powstał na podstawie wersów do pieśni ze zbioru niemieckich liryk potocznych z XIII wieku. Wychodząc od tej kantaty, Orff wytrwale rozwija nowy syntetyczny typ muzycznej akcji scenicznej, łącząc elementy oratorium, opery i baletu, teatru dramatycznego i średniowiecznego misterium, ulicznych przedstawień karnawałowych i włoskiej komedii masek. W ten sposób rozwiązane są kolejne części tryptyku „Catulli Carmine” (1942) i „Triumf Afrodyty” (1950-51).

Gatunek kantat scenicznych stał się etapem na drodze kompozytora do tworzenia nowatorskich form teatralnych i język muzyczny opery Luna (na podstawie baśni braci Grimm, 1937–38) i Sprytna dziewczyna (1941–42, satyra na dyktatorski reżim III Rzeszy). W czasie II wojny światowej Orff, podobnie jak większość artystów niemieckich, wycofał się z udziału w życiu publicznym i artystycznym życie kulturalne Państwa. Rodzaj reakcji na tragiczne wydarzenia wojną była opera Bernauerin (1943–45). Do szczytów twórczości muzyczno-dramatycznej kompozytora należą także: Antygona (1947–49), Król Edyp (1957–59), Prometeusz (1963–65), które tworzą rodzaj antycznej trylogii oraz Tajemnica końca czasu (1972). Ostatni esej Orff wydał „Sztuki” na lektora, chór mówiący i perkusję do wierszy B. Brechta (1975).

Szczególny figuratywny świat muzyki Orffa, odwoływanie się do antycznych, baśniowych wątków, archaiczności - wszystko to było nie tylko manifestacją ówczesnych trendów artystycznych i estetycznych. Część „powrót do przodków” świadczy przede wszystkim o wysoce humanistycznych ideałach kompozytora. Orff za swój cel uważał stworzenie teatru uniwersalnego, zrozumiałego dla wszystkich we wszystkich krajach. „Dlatego – podkreślał kompozytor – wybrałem tematy odwieczne, zrozumiałe we wszystkich zakątkach świata… Chcę wniknąć głębiej, odkryć na nowo te odwieczne prawdy sztuki, o których dziś zapomniano”.

Kompozycje muzyczne i sceniczne kompozytora tworzą w całości „Teatr Orffa” – najbardziej oryginalne zjawisko w kulturze muzycznej XX wieku. „To teatr totalny” — pisał E. Doflein. „Wyraża w szczególny sposób jedność historii teatr europejski- od Greków, od Terencjusza, od dramatu baroku po operę współczesną. Orff do rozwiązania każdego dzieła podszedł w sposób całkowicie oryginalny, nie zawstydzając się ani gatunkiem, ani tradycjami stylistycznymi. Niesamowita swoboda twórcza Orffa wynika przede wszystkim ze skali jego talentu i najwyższy poziom technika kompozytorska. W muzyce swoich kompozycji kompozytor osiąga najwyższą wyrazistość, wydawałoby się, najbardziej proste środki. I dopiero uważne przestudiowanie jego partytur ujawnia, jak niezwykła, złożona, wyrafinowana i zarazem doskonała jest technika tej prostoty.

Wybitne osiągnięcia Orffa w dziedzinie sztuki muzycznej zyskały światowe uznanie. Został wybrany członkiem Bawarskiej Akademii Sztuk (1950), Akademii Santa Cecilia w Rzymie (1957) i innych autorytatywnych organizacji muzycznych na świecie. W ostatnie latażycia (1975-81), kompozytor był zajęty przygotowywaniem ośmiotomowego wydania materiałów z własnego archiwum.

Orff jest pochowany w barokowym kościele opactwa Andechs, browarniczego klasztoru benedyktynów w południowym Monachium.

Aspekt pedagogiczny

„Nawozy wzbogacają ziemię i pozwalają kiełkować ziarnom, w ten sam sposób muzyka budzi w dziecku siły i zdolności, które inaczej nigdy by nie zakwitły” - Carl Orff

Orff wniósł nieoceniony wkład w dziedzinie edukacji muzycznej dzieci. Już w młodości, kiedy założył w Monachium szkołę gimnastyki, muzyki i tańca, Orff miał obsesję na punkcie idei stworzenia systemu pedagogicznego. Jej metoda twórcza opiera się na improwizacji, swobodnym muzykowaniu dzieci połączonym z elementami plastyki, choreografii i teatru. „Kimkolwiek stanie się dziecko w przyszłości”, powiedział Orff, „zadaniem nauczycieli jest kształcenie go w kreatywności, kreatywnym myśleniu… Zaszczepione pragnienie i umiejętność tworzenia wpłynie na każdy obszar przyszłych działań dziecka”. Utworzony przez Orffa w 1962 roku Instytut Wychowania Muzycznego w Salzburgu stał się największym międzynarodowym ośrodkiem kształcenia pedagogów muzycznych dla przedszkoli i szkół średnich.

Carl Orff stworzył własny system edukacji muzycznej, uwzględniając doświadczenia swoich poprzedników nauczycieli: jest nim N. Pestolozzi - Hans Negel, szwajcarski nauczyciel praktykujący, który udowodnił, że podstawą rozwój muzyczny należy ustanowić edukację zasady rytmicznej; Johann Gottfried Herder, który przekonywał, że muzyka, słowo i gest w ich relacji otwierają nowy sposób Dla kreatywność artystyczna; Emile Jean Dalkoz, który stworzył system edukacji muzycznej i rytmicznej; Bela Bartok, który na nowo spojrzał na folklor, na ludowe tryby i rytmy tego wszystkiego w dziecięcym edukacja muzyczna.

Ideą K. Orffa jest to, że podstawą uczenia się jest „zasada aktywnego muzykowania” i „uczenia się w działaniu”, według nauczyciela-muzyka dzieci potrzebują własnej muzyki, specjalnie przeznaczonej do odtwarzania muzyki w początkowej fazie, początkowa edukacja muzyczna powinna być kompletna pozytywne emocje i radosne uczucie gry. Kompleksowe szkolenie Muzyka w klasie zapewnia dzieciom szerokie możliwości twórczego rozwoju zdolności. K. Orff uważa, że najważniejsza jest atmosfera lekcji: entuzjazm dzieci, ich wewnętrzny komfort, co pozwala mówić o chęci dzieci do wykazania się na lekcji muzyki jako aktywny uczestnik.

Postępowe idee K.Orffa:

ogólny rozwój muzyczny i twórczy;

· dziecięce twórczość muzyczna jako metoda aktywnego rozwoju i formacji muzycznej twórcza osobowość;

połączenie twórczości muzycznej dzieci z improwizacyjnymi tradycjami tworzenia muzyki ludowej

Główne zasady metodologii:

1. Samodzielne komponowanie przez dzieci muzyki i akompaniamentu do ruchu, przynajmniej w najskromniejszej formie.

2. Nauczanie dzieci gry na prostych instrumentach muzycznych, która nie wymaga wiele pracy, a daje poczucie radości i sukcesu. W tym celu Orff wymyślił kilka proste narzędzia i wykorzystał istniejące. Głównym narzędziem dziecka jest on sam: ręce i stopy. Dziecko swobodnie próbuje klaskać, tupać, klikać, dawać klapsy itp.

3. Zbiorowy charakter zajęć dzieci młodszy wiek. Minimalna grupa składa się z dwóch uczestników, z których każdy ma zapewniony równy udział w reprodukcji lub improwizacji projektu spektaklu. Maksymalna liczba członków grupy jest praktycznie nieograniczona, tj. dla takiego muzykowania przepełnione klasy szkolne nie są przeszkodą.

4. Zapewnienie dzieciom pewnej swobody w klasie: możliwość klaskania, tupania, poruszania się.

5. Przywiązywanie uwagi od pierwszych dni do dyrygowania, tak aby każdy uczeń mógł sobie poradzić z wykonaniem.

6. Praca ze słowem, rytmizacja tekstów, których podstawą mowy są imiona, liczenie rymowanek, proste piosenki dziecięce. Oprócz celów muzycznych wychowuje się podświadome poczucie harmonii i harmonii rodzimej mowy i języka. Na tym opiera się odbiór poezji i szerzej literatury w ogóle.

7. Zrozumienie przez studenta poprzez improwizację znaczenia intonacji przy wyborze najtrafniejszej dla danego kontekstu. Z intonacji, a następnie przejścia do pięciostopniowej skali wyłania się konstrukcja modalna.

8. Odtwarzanie muzyki w pięciostopniowej skali przez co najmniej jeden rok szkolny, a być może dłużej. Organiczna egzystencja ucznia w pięciostopniowej skali zapewnia miękkie wejście w siedmiostopniową skalę

Istota systemu Orffa:

Rozwój swobodnej, nieskrępowanej percepcji i postawy wobec sztuka muzyczna. Przechodząc przez własną twórczość, poznając prawa muzyki elementarnej, możemy założyć, że słuchacz będzie przygotowany do komunikowania się z kultura muzyczna ogólnie, gdzie wejdzie jako jego integralna część.

W pewnym stopniu jest to gra, ale jest też pracą, więc zaszczepiona chęć do pracy, pielęgnowana potrzeba własna twórczość zostaną następnie przeniesione na szersze obszary działalności. Dlatego „Schulwerk” to system holistycznej edukacji muzycznej i estetycznej.

Próby pedagogiczne K. Orffa doprowadziły do powstania „Schulwerk” – podręcznika edukacji muzycznej dzieci. "Schulwerk" to modelowe dzieła stworzone przez talent wielkiego mistrza na podstawie materiał ludowy i mający na celu stymulowanie twórczości muzycznej dzieci, uzdolnionych i mniej zdolnych, w celu ożywienia twórczości muzycznej dzieci, przede wszystkim zbiorowej.

W w pewnym sensie sprawia to, że „Schulwerk” jest związany z muzykowaniem ludowym, którego uczestnicy często kontynuują kolektywną twórczość na bazie tego, co już zostało stworzone i wnoszą coś własnego do istniejącego. Głównym celem Schulwerk jest przede wszystkim zapoznanie z muzyką wszystkich dzieci, niezależnie od ich uzdolnień.

Próby stworzenia „Schulwerku” rozpoczęły się w połowie lat 20. XX wieku, w okresie rozkwitu niemieckiej myśli muzycznej i pedagogicznej. W atmosferze reform i postulatów w 1931 roku powstała pierwsza wersja Schulwerk, ale wkrótce, jak powiedział K. Orff, „fala polityczna zmyła idee wypracowane w Schulwerk jako niepożądane. Prawie dwie dekady później pojawiła się druga wersja „Schulwerku”. A jeśli znaczenie pierwszego pojęcia można scharakteryzować słowami: „Z ruchu – muzyka, z muzyki – taniec”, to w „Schulwerku” z lat 50. Karl Orff, również oparty na rytmie, opiera się nie tylko na ruchu i gry na instrumentach muzycznych, ale przede wszystkim mowy, recytacji muzycznej i śpiewu. Słowo - element mowy i poezji, słowo, z którego rodzi się śpiew; jego struktura metryczna i teraz zwraca szczególną uwagę na jego brzmienie. I oczywiście nie tylko pojedyncze słowo, ale rymowanki, powiedzenia, przysłowia, zwiastuny dla dzieci, rymowanki itp.

Nagrane utwory "Schulwerk" nie mogą być traktowane jako dzieła sztuki przeznaczone do wykonania koncertowego. Są to modele do muzykowania i nauki stylu elementarnej improwizacji. Zostały one nagrane przez Orffa, aby pobudzić wyobraźnię nauczyciela do „przebierania się w dźwięki” i ubierania nagranych utworów w nowe stroje, do twórczej, improwizacyjnej pracy z modelem. Nuty do partytur w Schulwerk służą jako przewodnik dla nauczyciela, a nie jako nuty do zabawy dla dzieci. Nagranie modeli Schulwerk pokazuje tylko „sposób działania”, który nauczyciel jest proszony o zapoznanie się z nagraniem, a następnie zinterpretowanie go wspólnie z dziećmi. Muzyka elementarna nie jest przeznaczona do reprodukcji, ale do tego twórcza ekspresja dzieci.

Orff był przeciwny wczesnemu ograniczaniu muzycznego ucha dziecka do muzyki klasycznej i harmonii dur-moll. Uznał to za nieuzasadnione i starał się w „Schulwerku” stworzyć warunki do postrzegania dzieci w przyszłości muzyki wielonarodowej, zarówno dawnej, jak i teraźniejszej. To była główna troska Orffa: wychować słuch i smak „otwarty na świat”, nie zamykać dziecka w kręgu europejskich klasyki muzyczne XVIII – XIX wiek.

Carl Orff był przekonany, że dzieci potrzebują swoich specjalna muzyka, specjalnie zaprojektowany do tworzenia muzyki na początkowym etapie. Musi być dostępny dla doświadczenia dzieciństwo i dopasować do umysłu dziecka. To nie jest czysta muzyka, ale muzyka. nierozerwalnie związane z mową i ruchem: śpiewem i tańcem jednocześnie, wykrzykiwaniem zwiastuna i dzwonieniem.

Naprzemienne mówienie i śpiewanie jest dla dzieci tak naturalne, jak sama zabawa. Wszystkie narody świata mają taką muzykę. Podstawowa muzyka dziecięca każdego narodu jest genetycznie nierozerwalnie związana z mową i ruchem. Orff nazwał to muzyką elementarną i uczynił z niej podstawę swojego Schulwerku.

Orff w "Schulwerku" nawiązuje niejako do tamtych czasów, kiedy muzyka istniała w jedności ze słowem i ruchem. Jest to próba powrotu do harmonicznej syntezy mowy i ruchu jako najważniejszych fundamentów muzyki, do jej fundamentalnych źródeł. Ale Orff był oczywiście zainteresowany nie historyczną restauracją dawno zapomnianej przeszłości, ale nowym podejściem do edukacji muzycznej, które uwzględniałoby zainteresowania, możliwości i potrzeby dzieci. Proponuje spojrzeć na edukację muzyczną nie tylko na tradycyjne wprowadzanie dzieci w występy i słuchanie muzyki z tradycji zawodowej. Dzieci powinny nie tylko słuchać i grać muzykę skomponowaną przez innych, ale przede wszystkim tworzyć i wykonywać własną, dziecięcą muzykę elementarną. Dlatego antologia Orffa nazywa się Schulwerk. Muzyka dla dzieci

Carl Orff tworzy specjalny zestaw instrumentów do edukacji muzycznej dzieci, tzw. „zestaw Orffa”. W „Schelwerku” od razu rzuca się w oczy duża liczba ćwiczeń rytmiczno-recytacyjnych na nowe instrumenty, niespotykane w praktyce w latach 20. XX wieku. Są to znane nam już ksylofony, dzwonki i metalofony, tworzące główny instrument melodyczny, flety proste, kotły i inne instrumenty. Wszystkie te instrumenty nazywane są instrumentami perkusyjnymi (w zależności od sposobu gry). Dzielą się one na melodyczne (wysokie): ksylofony, metalofony i różnego rodzaju szumy.

Różnorodność instrumentów typu noise color używanych na lekcjach Orffa jest trudna do wyliczenia: trójkąty, dzwonki i dzwonki, bransoletki z dzwoneczkami, talerze palcowe, tamburyny i tamburyny, drewniane skrzynie, bębny ręczne i bongosy, kotły, talerze ręczne i wiele innych odmian, dostępne w obfitości w każdym kraju.

Urzekające, urzekające piękno brzmienia orfriańskich instrumentów jest atrakcyjne dla dzieci, co pozwala nauczycielowi już od pierwszej lekcji zwrócić ich uwagę na różnorodność świata dźwięków: jasnych i matowych, przezroczystych i aksamitnych, chrupiących. W końcu zapoznanie się z różnymi dźwiękami powinno być pierwszym krokiem dziecka w świat muzyki.

Zainteresowanie dzieci instrumentami Orffa jest niewyczerpane. Chcą się nimi bawić cały czas. Odhamowująca i pobudzająca orkiestra tych instrumentów w pedagogice muzycznej jest niezrównana. Techniczna łatwość gry, zdolność instrumentów do natychmiastowego reagowania na dotyk wspaniałymi dźwiękami usposabiają i zachęcają dzieci do zabawy nimi, a dalej - praktyczne improwizacje. Dzieci przyciąga nie tylko dźwięk i wygląd instrumentów, ale także fakt, że same potrafią wydobyć z nich tak piękne dźwięki. Za pomocą tych instrumentów można realizować kreatywne muzykowanie z grupami o różnym poziomie uzdolnień, a związek między muzyką elementarną a ruchem został osiągnięty. Zestaw instrumentów Orffa pozwala na grę w zespole o dowolnym składzie dzieci, niezależnie od ich talentów, bo. każdy w nim może dostać zadanie według swoich możliwości. Instrumentacja Orffa pozwala każdemu grać muzykę. To jego główne osiągnięcie pedagogiczne.

Szczególną, bardzo ważną uwagę w koncepcji Orffa poświęca się graniu muzyki przy akompaniamencie „brzmiących gestów”. Gesty dźwiękowe to zabawy z odgłosami Twojego ciała: klaskanie, uderzanie biodrami, piersiami, tupanie nogami, pstrykanie palcami. Pomysł wykorzystania w elementarnym muzykowaniu instrumentów, które są człowiekowi dane przez samą naturę, Orff zapożyczył od ludów pozaeuropejskich i wyróżnia się swoją uniwersalnością, ważną dla pedagogiki masowej. Śpiew i taniec przy akompaniamencie dźwięcznych gestów pozwala na zorganizowanie elementarnego muzykowania w każdych warunkach, przy braku innych instrumentów. Cztery główne barwy to cztery naturalne instrumenty: tupanie, klepnięcie, klaskanie, klikanie.

Niezwykle rozwinięty i pomysłowo wykorzystany przez Orffa system percepcji barwowo-rytmicznej oparty na gestach brzmieniowych pozwala tworzyć nie tylko akompaniament, ale i całe kompozycje według wszystkich surowych praw muzyki. Gesty dźwiękowe są nie tylko nośnikami określonych barw – ich użycie wprowadza ruch w rozwój rytmiki u dzieci. Jest to ważny punkt metodologiczny, ponieważ. rytm realizuje się i opanowuje tylko w ruchu. Bardzo efektywny jest rozwój poczucia rytmu i słyszenia barwy dźwięku, rozwój koordynacji, reakcji za pomocą gestów dźwiękowych.

Część praktyczna

Na lekcjach wykorzystują techniki i metody pracy z dziećmi zaproponowane przez K. Orffa i jego naśladowców. Oczywiście ten kierunek pomaga w praktycznej realizacji ogólnej koncepcji edukacji muzycznej D.B. Kabalewskiego, a ponieważ głównym kierunkiem w technologii K. Orffa są modele gier klas, są one najbardziej Szkoła Podstawowa. Opanowując język muzyki, ucząc się z lekcji na lekcję środków jej wyrażania i stosując je w praktyce wykonawczej, dzieci angażują się w tworzenie muzyki umysłem i uczuciami. Umiejętności, wiedza i zdolności nabywane są w procesie wszechstronnych działań, których rodzaje obejmują:

Śpiewanie i poruszanie się do muzyki

Recytacja mowy i ćwiczenia rytmiczne

opanowanie teorii muzyki w praktyce wykonawczej i modelowaniu środki wyrazu

teatralizacja jako połączenie intonacji, rytmiki, motoryki

edukacja muzyczna

Słuchanie muzyki ze stopniowym rozwojem postawy wartości

Gra na instrumentach muzycznych dla dzieci w wieku przedszkolnym

Dzieci jeszcze w grupie przedszkolnej dosłownie od pierwszego dnia zajęć opanowują grę na instrumentach Carla Orffa. Mają takie same nazwy jak zwykłe: ksylofony, metalofony itp., Ale różnią się od nich zauważalnie. Carl Orff przystosował swoje instrumenty specjalnie dla dzieci. Na przykład w jego ksylofonie pudełko, na którym znajdują się klawisze, jest bardziej obszerne, pełni funkcję rezonatora, dzięki czemu instrument brzmi głębiej i dłużej. Daje to niesamowitą cechę: dźwięk ksylofonu nie zagłusza głosu wykonawcy. Podczas zabawy dziecko słyszy siebie. Kolejną atrakcją ksylofonów Orffa są odłączane klawisze. Możesz zostawić tylko te, które są w środku ten moment dziecko musi się uczyć. Na instrumentach Orffa można też grać z dwuletnim dzieckiem - specjalnie dla tego wieku są małe ksylofony i metalofony.

Dzieci stopniowo się uczą teoria muzyki, od pierwszego dnia gry w czymś w rodzaju orkiestry. Wykorzystywane są nie tylko instrumenty Orffa, ale także całe rozproszenie instrumenty szumowe- grzechotki, marakasy, dzwonki, dzwoneczki, grzechotki domowej roboty. Dzięki temu każde dziecko, niezależnie od poziomu swoich możliwości, odnajdzie się w zespole. Jeśli nie radzi sobie z melodią, którą ma zagrać, proponuje mu się inny instrument. Po chwili wszystkie dzieci, niezależnie od umiejętności, grają na fletach prostych lub ksylofonach. I dalej lekcje indywidualne wybierz naukę gry na pianinie, gitarze lub flecie.

Rozwijać się w każdym dziecku ucho do muzyki i zdolności, które absolutnie każdy ma w takim czy innym stopniu, konieczne jest danie dziecku możliwości bycia wykonawcą. Klasyczne metody nauczania muzyki w przedszkolach są często nudne. Nauczyciel gra na pianinie, a dzieci siedzą i słuchają bez ruchu. Jeśli już na pierwszej lekcji dasz dzieciom instrumenty do rąk i poprosisz o uderzenie w rytm, efekt będzie znacznie większy. Tak właśnie robią nauczyciele pracujący według metody Orffa. Są pewni, że tym bardziej różne instrumenty, nawet jeśli domowej roboty, zaprosić dzieci, tym lepiej. Poproś na przykład dwuletnie dziecko, aby podniosło plastikową butelkę wypełnioną płatkami zbożowymi i pokazało, jak biega mysz. Lub za pomocą dwóch drewnianych patyczków przedstaw, jak skacze koza. Nawet potrząsanie marakasami w rytm muzyki, złapanie rytmu – nie będzie granic zachwytu! Wydawałoby się, że dzieciak się bawi: szeleści, puka i nic więcej. Ale tak naprawdę rozwija poczucie rytmu, poczucie metrum, poczucie dynamiki, jednym słowem swoją naturalną muzykalność.

Dźwiękowa opowieść

Jak wiadomo, każdy ma słuch. Ale jeśli nie jest rozwinięta, ta zdolność zanika z biegiem lat. Każda mama może pracować w domu z dzieckiem. Zapewne zauważyłeś, jak roczne dzieci uwielbiają uderzać łyżką w talerz lub stół. Zamień tę miłość w ekscytującą grę. Aby to zrobić, wystarczy wyjaśnić dziecku, że za każdym dźwiękiem coś się kryje. Gra na instrumencie to język warunkowy, w którym trzeba nauczyć się rozumieć. Wymyśl bajkę dźwiękową z tłumaczeniem. Najpierw wydaj dźwięk, a następnie wyjaśnij, co to znaczy. A potem uderzenie w klawisz ksylofonu zamieni się w spadającą gwiazdę, a dźwięk pałek w bęben zmieni się w stukot kopyt małych dzieci, które biegną do mamy. Spróbuj mówić do dziecka językiem instrumentów. Nie musisz mówić ani słowa, wystarczy „powiedzieć” coś dziecku za pomocą tamburynu lub ksylofonu i pozwolić mu „odpowiedzieć” przy pomocy swojego instrumentu. A następnie poproś ich, aby powiedzieli ci, o czym była „rozmowa”. Zaakceptuj dowolną wersję - dziecko nauczy się słuchać. Niech to będzie tylko wstępne wyobrażenie o możliwościach muzyki. Później fantazja podpowie mu, co wielcy kompozytorzy chcieli nam przekazać swoją muzyką.

Opis prace twórcze

Na fortepianie lub innym tonie instrument muzyczny odtwarzać wysokie, niskie i średnie dźwięki. Postawiliśmy zadanie dla dzieci: poprawnie umieścić kropki na pustej kartce papieru. Jeśli dźwięk jest wysoki, to na górze, a jeśli niski, to na dole arkusza itp. Następnie zapraszamy dzieci do zakreślenia wyznaczonych punktów kolorową linią. Wszystkim się to udaje inny wzór. Otrzymujemy punkty styku muzyki i malarstwa.

Gdzie się potoczyła bułka

ptasi chór

Gra podobna do poprzedniej.

Nauka słuchania klasyków

Każdy wie czego słuchać muzyka klasyczna musi być w absolutnej ciszy. Na początek wybrany utwór trzeba dać dziecku do „przegrania”. Pozwól mu grać w rytm melodii na dowolnym instrumencie. Zapytaj go, jak się czuje, gdy jej słucha. Poproś go, aby zatańczył swoją fantazję do tej sztuki. Teraz, gdy dziecko „poczuło” to swoim ciałem, odnalazło to w sobie za pomocą fantazji i emocji, możemy mówić o tym, jak ludzie słuchają muzyki w salach koncertowych. Dzieciak, na twoją prośbę, usiądzie cicho, a ty zaproponujesz mu grę w zgadywanie. Poproś go o nazwanie słynna melodia wśród nieznanych fragmentów. Zobaczcie, jak bardzo się ucieszy, gdy usłyszy „swój”. Teraz jest gotowy do słuchania muzyki. To będzie dla niego prawdziwa przyjemność, bo wiąże się z tą zabawą wiele pozytywnych emocji.

Ćwiczenia do pracy w klasie (klasy 1-3)

Podobne informacje.

Popularne w kategorii: