najlepsze dzieła Debussy'ego. Claude Debussy: krótka biografia kompozytora, historia życia, twórczość i najlepsze dzieła
Istnieje opinia, że francuski kompozytor Claude Debussy zdeterminował przyszły rozwój muzyki w XX wieku. W jego utworach każdy akord nabiera szczególnego blasku, dźwięki stopniowo rozpływają się w ciszy. Jeśli można mówić o impresjonizmie w muzyce, to Debussy - główny przedstawiciel ten ruch.
Claude Achille Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku w Saint-Germain pod Paryżem. Jego rodzice cenili muzykę na poziomie filisterskim. Od czasu do czasu chodzili do opery i, oddając hołd modzie, zidentyfikowali dziewięcioletniego Claude'a Szkoła Muzyczna w klasie fortepianu Konserwatorium Paryskiego. Zdolność chłopca objawiła się natychmiast: otrzymywał nagrody w solfeżu, interesował się nowymi harmoniami i złożonymi rytmami. Jednak jego gra nie była wirtuozowska i ani nauczyciele, ani rówieśnicy nie rozpoznali jego talentu. Studiując harmonię w klasie Ernesta Giro, młody człowiek tworzy pierwsze utwory wokalne „Cudowny wieczór” i „Mandolina”, w których przejawia się jego oryginalność.
W 1881 roku Debussy został zaproszony na stanowisko pianisty domowego, aby towarzyszył rosyjskiej filantropce Nadieżdzie von Meck w podróży do Europy. Zaprzyjaźniwszy się z nią, wielokrotnie odwiedzał Rosję, gdzie zapoznał się z twórczością.
W 1884 roku Debussy ukończył konserwatorium i zdobył Nagrodę Rzymską, która zapewniła mu czteroletni pobyt w stolicy Włoch, w Villa Medici. Tam zapoznał się z włoską muzyką renesansu, która wniosła nowość i różnorodność do jego własnego stylu.
Debussy wrócił do Paryża przed terminem. Tam zaprzyjaźnił się z poetami-symbolistami, w szczególności ze Stéphane Mallarmé. Były więc romanse oparte na wierszach Pierre'a Wernera, Paula Bourgeta, Pierre'a Louisa i Charlesa Baudelaire'a oraz pierwszy utwór na orkiestrę "" (1894). Jego jedyna opera, Pelléas et Mélisanda (1892–1902), również pokazuje wpływ symbolizmu. Opera oparta jest na dramacie Maurice'a Maeterlincka - tragiczna historia Miłość.
Debussy pisał muzykę prawie wyłącznie na fortepian, gdyż sam był utalentowanym pianistą i dyrygentem. Jego muzyka jest przesiąknięta lekkością, jak np. Ale nie on był jedynym źródłem inspiracji: kompozytor zainteresował się francuską muzyką epoki rokoka, a mianowicie twórczością Jeana Philippe'a Rameau. Ich wpływ można prześledzić w „” Debussy'm. Stworzył własny obraz ówczesnej muzyki, nie kopiując jej.
Najczęściej Debussy pracował w gatunku zestawu programów na orkiestrę i fortepian. Przykładami takich dzieł orkiestrowych są „” (1899), „” (1905), „” (1912) oraz utwory fortepianowe – „” (1903), „” (1906-1908), druga seria sztuk „Obrazy” (1907).
Debussy napisał także dwa zeszyty preludiów (1910, 1913). Najjaśniejsze z nich to „Dziewczyna o płowych włosach”, „Wrzos”, „Taras odwiedzany przez światło księżyca"," Zapachy i dźwięki unoszą się w wieczornym powietrzu. Ich nazwiska mówią same za siebie – muzyka jest przesiąknięta światłem, dźwięki są gdzieś wyraźne i nasycone, a gdzieś brzmienie można porównać z akwarela rysunek. Preludium „Zatopionej katedry” brzmi epicko, a „Delphian Dancers” to prawdziwy antyk.
Z biegiem lat muzyka Debussy'ego stawała się coraz bardziej złożona i wieloaspektowa, przejawiało się zainteresowanie kompozytora muzyką sceniczną: baletami Kamma (1910-1912), Games (1912-1913), Toy Box (1913). Pracował także z utworami Chopina, redagując je, co zainspirowało go do stworzenia ku pamięci mistrza Dwunastu etiud (1915).
W 1915 roku kompozytor ciężko zachorował i przeszedł operację, ale nie przerwał poszukiwań twórczych. W ostatnie lata głód muzyka dramatycznych obrazów był silny. Tak narodziły się prace „Bohaterska kołysanka”, „Boże Narodzenie bezdomnych dzieci”, „Jedna z Francji”.
Debussy zginął podczas bombardowania Paryża przez Niemców w marcu 1918 roku. Swoją innowacyjnością i zamiłowaniem do eksperymentów wniósł nieoceniony wkład w sztukę muzyczną Francji i całego świata.
Wszelkie prawa zastrzeżone. Kopiowanie zabronione
(1862-1918) francuski kompozytor
Claude Achille Debussy urodził się 22 sierpnia 1862 roku w Saint-Germainan-Laye pod Paryżem. Od 9 roku życia uczy się grać na pianinie. W 1872 wstąpił do Konserwatorium Paryskiego.
Na początku 1880 roku, będąc jeszcze studentem konserwatorium, Debussy przyjął propozycję zostania nauczycielem muzyki w domu rosyjskiego filantropa N.F. von Mecka. Podróżował z rodziną von Meck po Europie i dwukrotnie odwiedził Rosję (1881.1882), gdzie po raz pierwszy zetknął się z muzyką rosyjskich kompozytorów Piotra Iljicza Czajkowskiego, Modesta Pietrowicza Musorgskiego, Mikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa, która miała znaczący wpływ na formację jego własny styl.
Wśród dzieł Claude'a Debussy'ego z lat 80. opera liryczna „ Syn marnotrawny”, który przedstawił na egzaminie końcowym w konserwatorium. W 1884 roku praca ta została nagrodzona Prix de Rome. Wielką sławę zyskały także dwie kolekcje fortepianowe „Suite Bergamos” i „Mała suita”.
Na początku lat 90. Claude Debussy zbliżył się do poetów-symbolistów i malarzy impresjonistów. Następna dekada, od 1892 do 1902 roku, uważana jest za okres rozkwitu aktywność twórcza Debussy'ego. W tym czasie tworzy utwory wokalne, najlepsze z nich to cykle „Proza liryczna” na podstawie własnych tekstów, „Pieśni Bilitis” na temat wierszy P. Louisa. Pisze utwory orkiestrowe, które w spuściźnie kompozytora zajęły niemalże główne miejsce, w szczególności symfonię preludium” popołudniowy odpoczynek faun”, trzy orkiestrowe nokturny – „Chmury”, „Uroczystości”, „Syreny”. Opera Pelléas et Melisande (1902) wieńczy tę listę.
W tym samym czasie jego muzyka zaczęła być nie tylko szeroko wykonywana, ale także przetwarzana. Do muzyki Claude'a Debussy'ego wystawiono jednoaktowy balet Popołudnie Fauna, w którym znakomicie tańczyli rosyjscy tancerze M. Fokin i W. Niżyński. Balet ten był wystawiany podczas słynnych „Sezonów Rosyjskich” organizowanych w Paryżu przez Siergieja Diagilewa.
Kolejny okres twórczości kompozytora rozpoczyna się w 1903 roku i zostaje przerwany dopiero przez jego śmierć. Nadal intensywnie i ciekawie pracuje: tworzy trzy suity kameralne i balet „Gry”, cykl chóralny „Trzy pieśni orleańskie”, suitę na 2 fortepiany („Biały i czarny”). Debussy nie odchodzi też od cykli wokalnych. Do tego czasu należą jego „Trzy pieśni Francji”, „Trzy ballady F. Villona”, „Trzy pieśni Mallarmé”, a także programy orkiestrowe - szkice symfoniczne „Morze” i „Obrazy”.
Od 1910 roku Claude Debussy nieprzerwanie występuje jako dyrygent i pianista własne kompozycje. O wszechstronności i skuteczności kompozytora mówią także jego publikacje pośmiertne. Po jego śmierci ukazały się jego zbiory fortepianowe, takie jak „Grafika”, „Kącik dziecięcy”, 24 preludia i 12 etiud, w klawesynie pozostał balet dziecięcy „Toy Box”, następnie zaaranżowany przez A. Kaple (1919).
Claude Debussy był również znany jako krytyk muzyczny, opowiadając artykułami o wydarzeniach z życia muzycznego.
Osobliwością jego jako pisarza było to, że zamiast tradycyjnej harmonii zbudowanej na spółgłoskowej kombinacji dźwięków, Debussy stosował dowolne kombinacje dźwięków, tak jak artysta wybiera kolory z palety. Starał się przede wszystkim uczynić muzykę wolną od wszelkich praw. Claude Debussy uważał, że dźwięki mogą malować obrazy. Dlatego jego kompozycje nazywane są tak - obrazami symfonicznymi.
I rzeczywiście, przed słuchaczami pojawiają się albo obrazy wzburzonego morza, albo bezkresnej przestrzeni podwiewanej lekkim wiatrem, albo chmury pędzące pod podmuchami wiatru. Był to eksperyment muzyczny jakiego jeszcze nie było, podobne zadania postawił przed sobą – także w XX wieku – rosyjski kompozytor Aleksander Nikołajewicz Skriabin, który próbował połączyć muzykę, dźwięk i kolor.
Nie mniej interesujące są cykle wokalne Claude'a Debussy'ego, w których zastosował melodię elastyczną i naturalną, bliską poezji i mowa potoczna; Swoją pracą Debussy położył podwaliny pod nowy kierunek w sztuce muzycznej, zwany impresjonizmem.
Claude'a Debussy'ego
Francuski kompozytor, pianista, dyrygent i krytyk muzyczny Claude Debussy urodził się w 1862 roku na przedmieściach Paryża. Jego talent muzyczny ujawnił się bardzo wcześnie i już w wieku jedenastu lat został uczniem Konserwatorium Paryskiego, gdzie uczył się gry na fortepianie u A. Marmontela i kompozycji u E. Guirauda. W 1881 roku Debussy odwiedził Rosję jako pianista w rodzinie N. F. von Mecka. Tu zapoznał się z nieznaną wcześniej muzyką kompozytorów rosyjskich.
W 1884 roku Debussy, absolwent Konserwatorium, otrzymał Prix de Rome za kantatę Syn marnotrawny, dzięki czemu mógł kontynuować studia we Włoszech. W Rzymie kompozytor, porwany nowymi trendami, stworzył dzieła, które wywołały negatywną reakcję profesorów akademickich w jego ojczyźnie, gdzie Debussy przesyłał swoje utwory w formie raportów.
Chłodne przyjęcie, jakie przygotowano muzykowi po powrocie do Paryża, zmusiło go do zerwania z oficjalnymi kręgami. sztuka muzyczna Francja.
Jasny talent kompozytora, jego niepowtarzalny styl pojawił się już na początku prace wokalne. Jednym z pierwszych jest romans „Mandolina” (ok. 1880), napisany do wiersza francuskiego poety symbolisty P. Verlaine'a. Choć schemat melodyczny romansu jest lakoniczny i prosty, to każdy jego dźwięk jest niezwykle wyrazisty.
Na początku lat 90. XIX wieku Debussy był już ich autorem piękne prace, jak „Zapomniane pieśni” do wierszy P. Verlaine'a, „Pięć wierszy” do słów C. Baudelaire'a, „Suite Bergamas” na fortepian i szereg innych kompozycji. W tym okresie nastąpiło zbliżenie między kompozytorem a poetą-symbolistą S. Mallarmem i jego świtą. Wiersz Mallarmego „Popołudnie fauna” zainspirował kompozytora do stworzenia w 1894 roku baletu o tej samej nazwie. Wystawiony w Paryżu przyniósł Debussy'emu wielki sukces.
Najlepsze dzieła muzyka powstały w latach 1892-1902. Wśród nich są opera Pelléas et Mélisanda, Nokturn na orkiestrę i utwory na fortepian. Dzieła te stały się wzorem do naśladowania dla młodych kompozytorów francuskich. Chwała Debussy'ego przekroczyła granice jego ojczyzny. Był witany z wielkim entuzjazmem przez publiczność w Petersburgu iw Moskwie, dokąd przyjeżdżał z koncertami w 1913 roku.
L. Bakst. Faun. Projekt kostiumów do baletu „Popołudnie fauna” C. Debussy'ego
Podobnie jak sztukę Rameau i Couperina, których Debussy wysoko cenił, jego twórczość charakteryzuje się takimi cechami, jak malarstwo rodzajowe, wyrazistość brzmienia i klasyczna klarowność form. Wszystko to jest nawet w tych jego utworach, które są pisane w duchu impresjonizmu z jego pragnieniem przekazania krótkotrwałych, zmiennych wrażeń. Debussy, który miał wysoko rozwinięty talent muzyczny i wyrafinowany gust artystyczny, mimo poszukiwań twórczych bezlitośnie odciął wszystko, co zbędne, co uniemożliwiało stworzenie naprawdę jasnej i wyrazistej muzyki. Jego prace zachwycają integralnością, kompletnością, pieczołowicie wykonanymi detalami. Kompozytor umiejętnie posługuje się nie tylko środkami impresjonistycznymi, ale także elementami gatunkowymi, a także intonacją i rytmiką dawnych tańców ludowych.
Wielki wpływ na Debussy'ego wywarli wielcy rosyjscy kompozytorzy Rimski-Korsakow, Bałakiriew, Musorgski. Ich twórczość stała się dla niego przykładem nowatorskiego wykorzystania narodowych tradycji muzycznych.
Sztuka Debussy'ego jest niezwykle wieloaspektowa. Tworzył poetyckie i żywe szkice krajobrazowe (sztuki „Wiatr na równinie”, „Ogrody w deszczu” itp.), Kompozycje rodzajowe ( suita orkiestrowa„Iberia”), miniatury liryczne (pieśni, romanse), poematy dytyrambiczne („Wyspa radości”), dramaty symboliczne („Pelleas i Melizanda”).
Do najlepszych dzieł Debussy'ego należy „Popołudnie fauna”, w którym w pełni ujawnił się kunszt kolorystyczny autora. Praca jest pełna niezwykle subtelnych odcieni barwy, przy tworzeniu których jest drewno instrumenty dęte. Słuchacz wydaje się być zanurzony w cudownej atmosferze letni dzień. Popołudnie Fauna przedstawia wariant symfonii charakterystyczny dla większości dzieł Debussy'ego. Muzykę kompozytora charakteryzuje elegancja kolorystyczna, najdoskonalsze dźwiękowe malowanie scen rodzajowych i obrazów natury.
Dużym zainteresowaniem cieszą się także "Nokturny" (1897 - 1899), składające się z trzech części ("Chmury", "Uroczystości", "Syreny"). Impresjonistyczne „Chmury” odzwierciedlały wyobrażenie muzyka o niebie zasnutym burzowymi chmurami nad Sekwaną, z kolei „Celebrations” inspirowane było wspomnieniami z ludowych festiwali w Lasku Bulońskim. Partytura pierwszej części "Nokturnów" pełna jest zestawień kolorystycznych, stwarzających wrażenie migotliwych refleksów światła, torujących sobie drogę przez chmury. W przeciwieństwie do tej przepojonej kontemplacją obrazy „Uroczystości” rysują słuchacza radosną sceną, wypełnioną rozbrzmiewającymi w oddali melodiami pieśni i tańców, których kulminacją są odgłosy zbliżającego się świątecznego korowodu.
Ale najpełniejsze impresjonistyczne zasady zostały wyrażone w trzecim nokturnu - Syreny. Obraz przedstawia morze w srebrze światło księżyca, delikatne głosy syren, słyszane gdzieś z daleka. Partytura tego utworu jest bardziej kolorowa niż dwóch poprzednich, ale jest też najbardziej statyczna z nich.
W 1902 roku Debussy zakończył pracę nad operą Pelléas et Mélisanda, opartą na sztuce belgijskiego dramatopisarza i poety-symbolisty M. Maeterlincka. Chcąc oddać najsubtelniejsze odcienie ludzkich przeżyć, kompozytor budował swoje utwory na subtelnych niuansach i niezwykle lekkich akcentach. Wykorzystał melodię ariozowo-recytatywną, pozbawioną kontrastów nawet w najbardziej dramatycznych momentach, nie wychodzącą poza spokojną narrację. Muzyka charakteryzuje się płynnymi rytmami, płynnymi ruchami melodii, co nadaje partii wokalnej nutę intymności.
Orkiestrowe epizody w operze są niewielkie, ale mimo to odgrywają znaczącą rolę w przebiegu akcji, niejako potwierdzając treść poprzedniego obrazu i przygotowując słuchacza do następnego. Orkiestracja uderza bogactwem barwnych przelewów, pomaga stworzyć odpowiedni nastrój, oddać najsubtelniejsze poruszenia uczuć.
Symbolistyczny dramat Maeterlincka ma poczucie pesymizmu i zagłady. Sztuka, podobnie jak opera Debussy'ego, oddaje sposób myślenia niektórych współczesnych kompozytorowi i poecie. R. Rolland tak opisał to zjawisko w 1907 roku: „Atmosfera, w której rozwija się dramat Maeterlincka, to znużona pokora, dająca wolę życia pod władzę losu. Nic nie może zmienić kolejności wydarzeń. Wbrew złudzeniom ludzkiej pychy, która wyobraża sobie, że jest panem, nieznane i nieodparte siły determinują tragiczną komedię życia od początku do końca. Nikt nie jest odpowiedzialny za to, czego chce, za to, co kocha… Żyją i umierają, nie wiedząc dlaczego. Ten fatalizm, odzwierciedlający zmęczenie duchowej arystokracji Europy, wspaniale oddała muzyka Debussy'ego, która dodała jej własnej poezji i zmysłowego uroku, czyniąc ją jeszcze bardziej zaraźliwą i nieodpartą.
Najlepszym dziełem orkiestrowym Debussy'ego jest Morze, napisane w latach 1903-1905 nad morzem, gdzie kompozytor spędzał letnie miesiące. Utwór składa się z trzech szkiców symfonicznych. Odrzucając emocjonalne romantyczne szkice, Debussy stworzył prawdziwy „naturalny” obraz oparty na dźwiękowych nagraniach żywiołów morza. „The Sea” zachwyca barwnym bogactwem i wyrazistością. Tutaj kompozytor ponownie sięgnął po impresjonistyczne metody przekazywania bezpośrednich wrażeń i udało mu się pokazać zmienność żywiołu morza, spokojnego i cichego lub gniewnego i burzliwego.
W 1908 roku Debussy napisał partyturę „Iberii”, która została włączona do trzyczęściowego cyklu symfonicznego „Obrazy” (1906-1912). Pozostałe dwie części to „Sad Gigs” i „Spring Round Dances”. Iberia odzwierciedlała zainteresowanie muzyka tematyką hiszpańską, która pobudzała wyobraźnię także innych kompozytorów francuskich.
Partytura utworu składa się z trzech części – „Na ulicach i drogach”, „Zapachy nocy”, „Poranek wakacje". Tworząc je, Debussy wykorzystał rytmy i intonacje ludowej sztuki muzycznej. „Iberia” to jedno z najbardziej radosnych i afirmujących życie dzieł francuskiego muzyka.
W tym okresie kompozytor napisał także szereg znakomitych dzieł wokalnych, m.in. Trzy ballady François Villona (1910), misterium Męczeństwo św. Sebastiana (1911).
Znaczące miejsce w twórczości Debussy'ego zajmuje muzyka fortepianowa. Zasadniczo są to małe sztuki, wyróżniające się gatunkiem, malowniczością, a czasem programowością. Już we wczesnej twórczości fortepianowej tego muzyka, Suite Bergamascus (1890), w której wciąż czuć związek z tradycjami akademickimi, czuć niezwykłą błyskotliwość – cechę, która wyróżnia Debussy'ego spośród innych kompozytorów.
Szczególnie dobra jest Wyspa radości (1904), największe dzieło fortepianowe Debussy'ego. Jej żywiołowa, energetyczna muzyka sprawia, że słuchacz czuje powiew morskiej fali, widzi wesołe tańce i odświętne korowody.
W 1908 roku kompozytor napisał album „Kącik dziecięcy”, który zawiera szereg łatwych utworów, które są interesujące nie tylko dla dzieci, ale także dla dorosłych.
Ale dwadzieścia cztery preludia (pierwszy zeszyt ukazał się w 1910 r., drugi w 1913 r.) stały się prawdziwym arcydziełem pianistycznej twórczości muzyka. Autor łączył w nich pejzaże, obrazy nastrojowe, sceny rodzajowe. Na treść preludiów wskazują już ich tytuły: „Wiatr na równinie”, „Wzgórza Anacapri”, „Zapachy i dźwięki unoszą się w wieczornym powietrzu”, „Przerwana serenada”, „Fajerwerki”, „Dziewczyna o lnianych włosach” ”. Debussy po mistrzowsku oddaje nie tylko obrazy natury czy konkretne sceny, jak na przykład fajerwerki, ale także kreśli prawdziwe portrety psychologiczne. Preludia, które szybko weszły do repertuaru najsłynniejszych pejzażystów, są interesujące także dlatego, że zawierają wątki i fragmenty z innych dzieł kompozytora.
W 1915 roku ukazało się Dwanaście etiud na fortepian Debussy'ego, w których autor stawia wykonawcom nowe zadania. Każde indywidualne badanie ujawnia konkretny problem techniczny.
W dorobku twórczym kompozytora znajduje się także kilka utworów na zespół kameralny.
Zanim ostatnie dni Sława nigdy nie opuściła życia Debussy'ego. Muzyk, uważany przez współczesnych za najważniejszego kompozytora Francji, zmarł w Paryżu w 1918 roku.
Z książki Duży Encyklopedia radziecka(BE) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (BU) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (DE) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (KL) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (CE) autora TSBClaude Albert Claude (Claude) Albert (ur. 23.8.1899, Longlieu), belgijski biolog, cytolog. Absolwent Uniwersytetu w Liège. Pracował w Rockefeller Institute for Medical Research (od 1929). W latach 1949-71 dyrektor Instytutu J. Bordeta w Brukseli, od 1970 kierownik laboratorium biologii komórki i
Z książki Wielka radziecka encyklopedia (TI) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (FA) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (FO) autora TSB Z książki Wielka radziecka encyklopedia (ShA) autora TSB Z księgi 100 wielkich kompozytorów autor Samin Dmitrij Z książki Encyklopedia reżyserska. Kino Europy autor Doroszewicz Aleksander NikołajewiczChappe Claude Chappe Claude (25 grudnia 1763, Brulon, departament Sarthe, - 23 stycznia 1805, Paryż), francuski mechanik, wynalazca telegrafu optycznego. W 1793 otrzymał tytuł inżyniera telegrafu. W 1794 wraz z braćmi zbudował pierwszą linię telegrafu optycznego między Paryżem a Paryżem
Wagner i Debussy Dlatego symboliści z tak wielkim entuzjazmem witali „boskiego Ryszarda Wagnera w aureoli wykonawcy sakramentu”. Jego władcza i niepodzielna dominacja podsycała zazdrosne marzenia mistrzów sztuk słownych i plastycznych.
Z książki autoraJean-Claude Killy (ur. 1943) francuski narciarz alpejski. Xzimowy mistrz Igrzyska Olimpijskie w Grenoble (Francja), 1968 Kiedy Jean-Claude Killy został zapytany, jak zostać świetnym narciarzem, odpowiedział:
Z książki autoraClaude Debussy (Debussy, Claude) Pewnego razu nauczyciel w konserwatorium zapytał młodego Debussy'ego: „Co ty, młody człowieku, skomponowałeś? To wbrew wszelkim zasadom”. Debussy odpowiedział bez mrugnięcia okiem: „Dla mnie, jako kompozytora, nie ma żadnych zasad; to, czego chcę, to reguła”. I później
Próbuję znaleźć nowe realia... głupcy nazywają to impresjonizmem.
C. Debussy'ego
Francuski kompozytor C. Debussy jest często nazywany ojcem muzyki XX wieku. Pokazał, że każdy dźwięk, akord, tonację można usłyszeć w nowy sposób, żyć swobodniej, wielobarwnie, jakby cieszyć się samym brzmieniem, jego stopniowym, tajemniczym rozchodzeniem się w ciszy. Wiele naprawdę łączy Debussy'ego z malarskim impresjonizmem: samowystarczalny blask ulotnych, płynnych chwil, miłość do krajobrazu, powietrzne drżenie przestrzeni. To nie przypadek, że Debussy jest uważany za głównego przedstawiciela impresjonizmu w muzyce. Jest jednak dalej niż artyści impresjoniści, odszedł od tradycyjnych form, jego muzyka skierowana jest do naszego stulecia znacznie głębiej niż malarstwo C. Moneta, O. Renoira czy C. Pissarro.
Debussy uważał, że muzyka jest jak natura w swojej naturalności, nieskończonej zmienności i różnorodności form: „Muzyka jest właśnie sztuką najbliższą naturze… Tylko muzycy mają tę przewagę, że potrafią uchwycić całą poezję nocy i dnia, ziemi i nieba , odtwarzając ich atmosferę i rytmicznie przekazując ich ogromną pulsację. Zarówno natura, jak i muzyka są odczuwane przez Debussy'ego jako tajemnica, a przede wszystkim tajemnica narodzin, nieoczekiwany, niepowtarzalny projekt kapryśnej gry losowej. Stąd sceptyczny i ironiczny stosunek kompozytora do wszelkiego rodzaju teoretycznych klisz i etykietek w stosunku do kreatywność artystyczna mimowolnie schematyzując żywą rzeczywistość sztuki.
Debussy rozpoczął naukę muzyki w wieku 9 lat i już w 1872 roku wstąpił do młodszego wydziału Konserwatorium Paryskiego. Już w latach konserwatorskich ujawniła się niekonwencjonalność jego myślenia, co powodowało starcia z nauczycielami harmonii. Z drugiej strony początkujący muzyk czerpał prawdziwą satysfakcję w klasach E. Guirauda (kompozycja) i A. Mapmontela (fortepian).
W 1881 roku Debussy jako pianista house towarzyszył rosyjskiemu filantropowi N. von Meck (wielkiemu przyjacielowi P. Czajkowskiego) w podróży do Europy, a następnie na jej zaproszenie dwukrotnie odwiedził Rosję (1881, 1882). Tak zaczęła się znajomość Debussy'ego z muzyką rosyjską, co w dużym stopniu wpłynęło na ukształtowanie się jego własnego stylu. „Rosjanie dadzą nam nowe impulsy do wyzwolenia się z absurdalnego przymusu. Oni… otworzyli okno z widokiem na bezkres pól. Debussy'ego urzekła błyskotliwość barw i subtelność odwzorowania, malowniczość muzyki N. Rimskiego-Korsakowa, świeżość harmonii A. Borodina. M. Musorgskiego nazwał swoim ulubionym kompozytorem: „Nikt nie zwracał się do tego, co najlepsze, z większą czułością i głębią. Jest wyjątkowy i pozostanie wyjątkowy dzięki swojej sztuce bez naciąganych technik, bez miażdżących reguł. Elastyczność intonacji wokalno-mównej rosyjskiego innowatora, wolność od z góry ustalonych, „administracyjnych”, jak ujął to Debussy, form, realizowała się po swojemu francuski kompozytor stały się integralną częścią jego muzyki. „Idź, posłuchaj Borysa. Zawiera całego Pelléasa” – powiedział kiedyś Debussy o początkach języka muzycznego swojej opery.
Po ukończeniu konserwatorium w 1884 roku Debussy bierze udział w konkursach o Wielką Nagrodę Rzymu, która daje prawo do czteroletniej poprawy w Rzymie, w Villa Medici. W latach spędzonych we Włoszech (1885-87) Debussy studiował muzyka chóralna Renesans (J. Palestrina, O. Lasso) i odległa przeszłość (a także oryginalność muzyki rosyjskiej) przyniosły świeży nurt, zaktualizowały jego myślenie harmoniczne. Utwory symfoniczne wysłane do Paryża na reportaż („Zuleima”, „Wiosna”) nie podobały się konserwatywnym „panom muzycznych losów”.
Wracając przedwcześnie do Paryża, Debussy zbliża się do kręgu poetów symbolistów, na czele z S. Mallarmem. Muzykalność poezji symbolistycznej, poszukiwanie tajemniczych związków między życiem duszy a światem przyrody, ich wzajemne rozpływanie się - wszystko to bardzo pociągało Debussy'ego iw dużej mierze ukształtowało jego estetykę. Nieprzypadkowo najoryginalniejszymi i najdoskonalszymi z wczesnych utworów kompozytora były romanse do słów P. Verduna, P. Bourgeta, P. Louisa, a także C. Baudelaire'a. Niektóre z nich („Cudowny wieczór”, „Mandolina”) powstały w latach studiów w konserwatorium. Pierwsze dojrzałe dzieło orkiestrowe, preludium „Popołudnie fauna” (1894), inspirowane było obrazami poezji symbolistycznej. W tej muzycznej ilustracji eklogu Mallarmégo rozwinął się szczególny, subtelnie dopracowany styl orkiestrowy Debussy'ego.
Oddziaływanie symbolizmu było najpełniej odczuwalne w jedynej operze Debussy'ego Pelléas et Mélisanda (1892-1902), napisanej w tekst prozy dramaty M. Maeterlincka. To historia miłosna, w której według kompozytora postacie„Nie kłócą się, ale znoszą własne życie i przeznaczenie”. Debussy niejako twórczo polemizuje tu z R. Wagnerem – autorem Tristana i Izoldy, chciał nawet napisać własnego Tristana – mimo że w młodości niezwykle lubił operę Wagnera i znał ją na pamięć. Zamiast otwartej pasji muzyki wagnerowskiej mamy tu do czynienia z wyrazem wyrafinowanej gry dźwiękowej, pełnej aluzji i symboli. „Muzyka istnieje dla niewyrażalnego; Chciałbym, żeby wyszła niejako z półmroku i za chwilę wróciła do mroku; aby zawsze była skromna ”- napisał Debussy.
Nie sposób sobie wyobrazić Debussy'ego bez muzyki fortepianowej. Sam kompozytor był utalentowanym pianistą (a także dyrygentem); „Grał prawie zawsze w półtonach, bez żadnej ostrości, ale z taką pełnią i gęstością dźwięku, jak grał Chopin” – wspominał francuski pianista M. Long. To właśnie zwiewność Chopina, przestrzenność brzmienia tkaniny fortepianu odpychała Debussy'ego w jego kolorystycznych poszukiwaniach. Ale było inne źródło. Wstrzemięźliwość, wyrównanie emocjonalnego tonu muzyki Debussy'ego nieoczekiwanie zbliżyło ją do antycznej muzyki przedromantycznej - zwłaszcza francuskich klawesynistów epoki rokoka (F. Couperin, J. F. Rameau). Starożytne gatunki z „Suite Bergamasco” i Suity na fortepian (Preludium, Menuet, Passpier, Sarabanda, Toccata) reprezentują swoistą, „impresjonistyczną” wersję neoklasycyzmu. Debussy w ogóle nie ucieka się do stylizacji, ale kreuje własny wizerunek muzyka dawna, raczej jej wrażenie niż jej „portret”.
Ulubionym gatunkiem kompozytora jest suita programowa (orkiestrowa i fortepianowa), przypominająca cykl różnorodnych obrazów, w których statyczne pejzaże przełamywane są szybko poruszającymi się, często tanecznymi rytmami. Takie są suity na orkiestrę Nokturny (1899), Morze (1905) i Obrazy (1912). Na fortepian powstają „Druki”, 2 zeszyty „Obrazy”, „Kącik dziecięcy”, które Debussy poświęcił swojej córce. W Grafikach kompozytor po raz pierwszy próbuje oswoić się z muzycznymi światami większości różne kultury i ludów: dźwiękowy obraz Wschodu („Pagody”), Hiszpanii („Wieczór w Grenadzie”) oraz pejzaż pełen ruchu, gry światła i cienia z francuską pieśnią ludową („Gardens in the Rain”) barwnie osadzonymi od siebie.
Suita „Morze” składa się z trzech części: „Na morzu od świtu do południa”, „Gra fal” oraz „Rozmowa wiatru z morzem”. Obrazy morza zawsze przyciągały uwagę kompozytorów. różne kierunki I szkoły narodowe. Można przytoczyć liczne przykłady programowych utworów symfonicznych na tematy „marynistyczne” kompozytorów zachodnioeuropejskich (uwertura „Jaskinia Fingala” Mendelssohna, epizody symfoniczne z „Latającego Holendra” Wagnera itp.). Ale obrazy morza zostały najbardziej wyraziście i w pełni zrealizowane w muzyce rosyjskiej, zwłaszcza w Rimskim-Korsakowie (obraz symfoniczny Sadko, opera o tym samym tytule, suita Szeherezada, przerwa w drugim akcie opery Opowieść o car Saltan),
W przeciwieństwie do dzieł orkiestrowych Rimskiego-Korsakowa, Debussy stawia w swoim dziele nie fabułę, a jedynie zadania obrazowe i kolorystyczne. Za pomocą muzyki stara się przekazać zmianę efektów świetlnych i kolorów na morzu inny czas dzień, różne stany morza - spokojne, wzburzone i burzliwe. W odbiorze obrazów morskich przez kompozytora absolutnie nie ma takich motywów, które mogłyby nadać ich kolorystyce mroczną tajemniczość. U Debussy'ego dominuje jasne światło słoneczne, pełnokrwiste kolory. Kompozytor odważnie przyciąga i rytmy taneczne i szeroki epicki obraz, aby przekazać reliefowe obrazy muzyczne.
W pierwszej części rozwija się obraz powoli budzącego się morza o świcie, leniwie toczących się fal, blasku pierwszych promieni słońca na nich. Szczególnie barwny jest orkiestrowy początek tej części, gdzie na tle „szumu” kotłów, „kapania” oktaw dwóch harf i „zamrożonych” skrzypiec tremolo w wysokim rejestrze, krótkie frazy melodyczne z oboju pojawiają się jak blask słońca na falach. Pojawienie się tanecznego rytmu nie łamie uroku pełnego spokoju i sennej kontemplacji.
Najbardziej dynamiczną częścią pracy jest trzecia – „Rozmowa wiatru z morzem”. Z nieruchomego, zamrożonego obrazu spokojnego morza na początku części, przypominającego pierwszą część, rozwija się obraz burzy. Debussy wykorzystuje wszystkie środki muzyczne do dynamicznego i intensywnego rozwoju - melodyczno-rytmiczne, dynamiczne, a zwłaszcza orkiestrowe.
Na początku części rozbrzmiewają krótkie motywy, które mają formę dialogu między wiolonczelami z kontrabasami i dwoma obojami na tle stłumionego brzmienia. Bęben basowy, kotły i tom-tamy. Oprócz stopniowego łączenia nowych grup orkiestry i równomiernego wzrostu dźwięczności, Debussy stosuje tu zasadę rozwoju rytmicznego: wprowadzając coraz to nowe rytmy taneczne, nasyca tkankę utworu elastyczną kombinacją kilku rytmicznych wzory.
Zakończenie całej kompozycji postrzegane jest nie tylko jako hulanka żywiołu morza, ale jako entuzjastyczny hymn do morza, słońca.
dużo w system figuratywny„Morze”, zasady orkiestracji przygotowały pojawienie się utworu symfonicznego „Iberia” – jednego z najbardziej znaczących i oryginalnych dzieł Debussy'ego. Uderza swoim najbliższym związkiem z życiem Hiszpanów, ich kulturą śpiewu i tańca. W latach 900. Debussy kilkakrotnie poruszał tematy związane z Hiszpanią: „Wieczór w Grenadzie”, preludia „Brama Alhambry” i „Przerwana Serenada”. Ale „Iberia” należy do najlepszych dzieł kompozytorów czerpiących z niewyczerpanego źródła hiszpańskiej muzyki ludowej (Glinka w „Jocie Aragońskiej” i „Nocach w Madrycie”, Rimski-Korsakow w „Kaprysie hiszpańskim”, Bizet w „Carmen”, Ravel w „Bolerze” i trio, nie mówiąc już o kompozytorach hiszpańskich de Falli i Albenizie).
„Iberia” składa się z trzech części: „Na ulicach i drogach Hiszpanii”, „Zapachy nocy” oraz „Święty poranek”. Druga część ujawnia ulubione przez Debussy'ego malarskie obrazy natury, nasycone szczególnym, korzennym aromatem hiszpańskiej nocy, „pisane” subtelnym piktorializmem kompozytora, szybką zmianą migoczących i znikających obrazów. Pierwsza i trzecia część malują obrazy życie ludowe Hiszpania. Szczególnie barwna jest trzecia część, która zawiera dużą liczbę różnych hiszpańskich melodii pieśni i tańca, które poprzez szybką zmianę siebie tworzą żywy obraz barwnej muzyki. święto narodowe. Największy hiszpański kompozytor de Falla tak mówił o Iberii: „Echo wsi w postaci głównego motywu całego dzieła („Sevillana”) zdaje się trzepotać w czystym powietrzu lub w drżącym świetle. Odurzająca magia andaluzyjskich nocy, żywiołowość odświętnego tłumu, który tańczy przy dźwiękach akordów „bandy” gitarzystów i bandurystów… następnie oddala się, a nasza nieustannie rozbudzona wyobraźnia zostaje zaślepiona potężnymi zaletami intensywnie ekspresyjnej muzyki z jej bogatymi niuansami.
Ostatnia dekada życia Debussy'ego wyróżnia się nieustanną działalnością twórczą i performatywną aż do wybuchu I wojny światowej. Wyjazdy koncertowe w charakterze dyrygenta do Austro-Węgier przyniosły kompozytorowi sławę za granicą. Szczególnie ciepło został przyjęty w Rosji w 1913 roku. Wielkim sukcesem okazały się koncerty w Petersburgu iw Moskwie. Osobiste kontakty Debussy'ego z wieloma rosyjskimi muzykami dodatkowo wzmocniły jego przywiązanie do rosyjskiej kultury muzycznej.
Początek wojny spowodował, że Debussy obudził się w uczuciach patriotycznych. W drukowanych wypowiedziach dobitnie nazywa siebie: „Claude Debussy – francuski muzyk». Cała linia twórczość tych lat inspirowana jest motywem patriotycznym: „Bohaterska kołysanka”, piosenka „Boże Narodzenie dzieci bezdomnych”; w suitach na dwa fortepiany
Debussy jest często nazywany ojcem muzyki XX wieku ze względu na jego umiejętność przekazywania brzmienia każdego akordu i tonacji w nowy sposób. talent muzyczny Debussy był tak szeroki, że dał się wykazać jako znakomity wykonawca, dyrygent i krytyk muzyczny.
Claude Debussy urodził się w małym miasteczku Saint-Germain-en-Laye. Claude od dzieciństwa zaczął wykazywać duże zdolność muzyczna. Jego pierwszą nauczycielką była teściowa słynny poeta P. Verlaine Antoinette-Flora Mote, która nazywała się uczennicą Chopina.
Pod jej kierunkiem chłopiec odniósł niesamowity sukces iw wieku 11 lat został zapisany do Konserwatorium Paryskiego. Student Debussy przez kilka lat pracował w niepełnym wymiarze godzin sezon letni u pianistki N. Von Meck, a także uczyła muzyki swoje dzieci. Dzięki temu odwiedził Rosję i został nasycony aranżacją dzieł kompozytorów Potężnej Garstki.
Pod koniec 11 lat studiów Claude przedstawił swoją pracę dyplomową - kantatę „Syn marnotrawny”, napisaną na podstawie historii biblijnej. Później otrzymał za nią Wielką Nagrodę Rzymską. Debussy spędził kilka następnych lat jako zdobywca nagrody we Włoszech w Villa Medici. Zgodnie z warunkami umowy miał to zrobić twórczość muzyczna, ale kompozytora nieustannie dręczyły głębokie wewnętrzne sprzeczności. Będąc pod maską tradycji akademickich, Claude starał się znaleźć swoją język muzyczny i styl. Wywoływało to liczne konflikty, a nawet spory z nauczycielami.
W 1894 roku Claude napisał Popołudnie Fauna. To preludium do duża orkiestra stworzony na podstawie wiersza S. Malarmego, napisanego w oparciu o fabułę mitologiczną. Ta muzyka zainspirowała S. Diagilewa do wystawienia baletu w choreografii Nieżyńskiego. Nie kończąc poprzedniej pracy, Debussy zabrał się do napisania trzech „Nokturnów”. Orkiestra symfoniczna. Wykonano je po raz pierwszy w grudniu 1900 roku w Paryżu, wykonano dwie części „Chmury” i „Uroczystości”, a rok później zaprezentowano trzeci „Nokturn” zatytułowany „Syreny”.
Debussy wyjaśnił, że „Chmury” uosabiały obraz nieruchomego nieba z wolno płynącymi chmurami. „Uroczystości” ukazywały taneczny rytm atmosfery, któremu towarzyszyły błyski jasnego światła, a w „Syrenach” obraz morza, gdzie pośród księżycowych fal tajemniczy śpiew syren wypełnia się śmiechem i znika . W tej pracy wyraźnie zamanifestowało się pragnienie autora ucieleśnienia w muzyce realistycznych obrazów. „Muzyka to po prostu sztuka najbliższa naturze” argumentował Debussy.
W latach 90. XIX wieku kompozytor stworzył jedyną ukończoną operę Pellas et Mélisanda. Został pokazany w Paryżu w 1902 roku i odniósł duży sukces wśród publiczności, choć krytycy wyrażali raczej negatywne oceny. Autorowi udało się osiągnąć udane połączenie psychologicznego wyrafinowania muzyki z natchnioną poezją, co pozwoliło nadać muzyczną ekspresję nowy nastrój. W 1903 roku ukazał się cykl muzyczny „Druki”, w którym autor próbował dokonać syntezy style muzyczne różne kultury świata.
Początek XX wieku był najbardziej owocnym okresem w twórczości Debussy'ego. Stopniowo wychodzi z niewoli symboliki i przechodzi do gatunku scen codziennych i muzyczne portrety. W latach 1903-1905 Claude napisał największe ze swoich dzieł symfonicznych, Morze. Zdecydował się napisać tę pracę w oparciu o głębokie osobiste wrażenia otrzymane z obserwacji ogromnego żywiołu wody. Ponadto ponownie uległ wpływom malarzy impresjonistów i japońskiego mistrza drzeworytniczych pejzaży Hokusai. " Morze dobrze mnie potraktowało».
Obszerny esej składa się z trzech części. Pierwsze „From Dawn Till Noon at Sea” zaczyna się powoli, potem zaczynają nawoływać się drewniane instrumenty i pojawia się ruch morskich fal. Ponadto w „Play of the Waves” zachowany jest opalizujący nastrój, podkreślony efektami orkiestry i biciem dzwonów. W trzeciej części „Dialogu wiatru z morzem” morze ukazane jest w zupełnie inny sposób – burzliwe i groźne, jego wygląd uzupełniają dramatyczne obrazy, które wskazują na ponury i niepokojący nastrój.
Nazwisko Debussy jest nierozerwalnie związane z muzyką fortepianową. Nie tylko pięknie komponował, ale był też genialnym pianistą, a nawet występował jako dyrygent. Pianista M. Long porównywał grę Debussy'ego ze stylem Chopina, w którym odgadywano płynność wykonania, pełnię i gęstość brzmienia.
próbował znaleźć silny związek z narodowym muzyczne korzenie. Potwierdziły to serie utworów fortepianowych „Ogrody w deszczu”, „Wieczór w Granadzie”, „Wyspa radości”.
Początek XX wieku upłynął pod znakiem poszukiwania nowych, nietradycyjnych środków muzyczna ekspresja. Wielu autorów było przekonanych, że formy klasyczne i romantyczne wyczerpały się. W poszukiwaniu nowych środków kompozytorzy zaczęli coraz częściej sięgać do źródeł muzyki pozaeuropejskiej. Wśród gatunków, które przyciągały bliska Uwaga Debussy okazał się jazzem. To dzięki jego uległości ten kierunek muzyczny stał się bardzo popularny w Starym Świecie.
Pomimo początku poważna choroba, tym razem zapisał się w pamięci najbardziej aktywną działalnością kompozytorską i wykonawczą Debussy'ego. Brał udział w trasach koncertowych po Europie i Rosji.
W 1908 roku Claude Debussig zadedykował apartament swojej córce
„Kącik dla dzieci”. W tej pracy próbował przedstawić świat za pomocą muzyki oczami dziecka, używając rozpoznawalnych obrazów - zabawkowego słonia, lalki, małego pasterza. W 1910 i 1913 roku powstały zeszyty preludiów, w których figuratywny świat Debussy'ego w pełni objawia się słuchaczowi. W „Tancerzach delfickich” udało mu się odnaleźć niepowtarzalne połączenie surowości antycznej świątyni i rytualnej pogańskiej zmysłowości, aw „Zatopionej katedrze” wyraźnie pobrzmiewają motywy starej legendy.
W preludiach Debussy prezentuje całość świat muzyki w zwięzłej, skoncentrowanej formie uogólnia ją i żegna pod wieloma względami - z jej dawnym systemem wizualno-muzycznych odpowiedników. A potem, w ostatnich 5 latach jego życia, jego muzyka, coraz bardziej skomplikowana, poszerza horyzonty gatunkowe, zaczyna się w niej wyczuwać jakaś nerwowa, kapryśna ironia. Rosnące zainteresowanie gatunkami scenicznymi. Są to balety („Kamma”, „Zabawy”, inscenizacja W. Niżyńskiego i trupa S. Diagilewa w 1912 r. oraz balet lalkowy dla dzieci „Skrzynia z zabawkami”, 1913 r.), muzyka do tajemnicy włoskiej futurysta G. d'Annunzio „Męczeństwo św. Sebastiana” (1911). W produkcji misterium wzięli udział baletnica Ida Rubinshtein, choreograf M. Fokin, artysta L. Bakst.
W okresie I wojny światowej twórczość autora zaczęła podupadać, ogarnęły go głębokie uczucia patriotyczne. Postawił sobie za zadanie gloryfikację piękna wbrew masowym zniszczeniom wojennym. Temat ten można prześledzić w wielu utworach - „Oda do Francji”, „Bohaterska kołysanka”, „Boże Narodzenie bezdomnych dzieci”.
Claude był bardzo przygnębiony wszystkim, co działo się w kraju. Groza wojny, krwi i zniszczenia wywołała głęboki duchowy niepokój. Trudne postrzeganie rzeczywistości pogłębiła ciężka choroba, która dotknęła kompozytora w 1915 r. Do ostatnich dni Debussy był wierny muzyce i nie ustawał w poszukiwaniach twórczych. Kompozytor zmarł w Paryżu 26 marca 1918 roku podczas bombardowania miasta przez wojska niemieckie.
