O teatro como forma de arte e sua diferença fundamental em relação a outras formas de arte. A história do teatro: o surgimento e desenvolvimento da arte teatral, fatos divertidos Lista de fontes utilizadas

CLASSIFICAÇÃO DAS ARTES

A arte (reflexão criativa, reprodução da realidade em imagens artísticas.) existe e se desenvolve como um sistema de tipos inter-relacionados, cuja diversidade se deve à versatilidade de si mesmo (o mundo real, exibido no processo de criação artística.

Os tipos de arte são formas de atividade criativa historicamente estabelecidas que têm a capacidade de realizar artisticamente o conteúdo da vida e diferem nas formas de sua incorporação material (palavra na literatura, som na música, materiais plásticos e coloridos nas artes plásticas, etc.) .

Na literatura da história da arte moderna, desenvolveu-se um certo esquema e sistema de classificação das artes, embora ainda não exista um único e todos sejam relativos. O esquema mais comum é a sua divisão em três grupos.

A primeira inclui as artes espaciais ou plásticas. Para este grupo de artes, a construção espacial na divulgação da imagem artística é essencial - Artes Plásticas, Artes Decorativas e Aplicadas, Arquitectura, Fotografia.

O segundo grupo inclui artes temporárias ou dinâmicas. Nelas, assume uma importância fundamental a composição que se desenvolve no tempo - Música, Literatura.O terceiro grupo é representado por tipos espaço-temporais, também chamados de artes sintéticas ou espetaculares - Coreografia, Literatura, Arte Teatral, Cinematografia.

A existência de vários tipos de artes se deve ao fato de que nenhuma delas, por si só, pode dar uma visão artística abrangente do mundo. Tal imagem só pode ser criada por toda a cultura artística da humanidade como um todo, consistindo em tipos individuais de arte.

TEATRO

O teatro é uma forma de arte que domina artisticamente o mundo por meio de uma ação dramática realizada por uma equipe criativa.

A base do teatro é a dramaturgia. A natureza sintética da arte teatral determina sua natureza coletiva: a performance combina os esforços criativos de um dramaturgo, diretor, artista, compositor, coreógrafo, ator.

As apresentações teatrais são divididas em gêneros:

Tragédia;

Comédia;

Musical, etc

A arte teatral tem suas raízes nos tempos antigos. Seus elementos mais importantes já existiam nos ritos primitivos, nas danças totêmicas, na cópia dos hábitos dos animais, etc.

O teatro é uma arte coletiva (Zahava)

A primeira coisa que nos chama a atenção quando pensamos nas especificidades do teatro é o fato essencial de que uma obra de arte teatral - uma performance - é criada não por um artista, como na maioria das outras artes, mas por muitos participantes do processo criativo. processo. Dramaturgo, atores, diretor, maquiador, decorador, músico, iluminador, figurinista, etc. Todos contribuem com sua parcela de trabalho criativo para a causa comum. Portanto, o verdadeiro criador na arte teatral não é um indivíduo, mas uma equipe - um conjunto criativo. A equipe como um todo é autora de uma obra de arte teatral acabada - uma performance. A natureza do teatro exige que toda a representação seja imbuída de pensamento criativo e sentimento vivo. Eles devem estar saturados com cada palavra da peça, cada movimento do ator, cada mise-en-scène criada pelo diretor. Todas essas são manifestações da vida daquele organismo único, integral e vivo, que, tendo nascido do esforço criativo de toda a equipe teatral, ganha o direito de ser chamado de verdadeira obra de arte teatral - uma performance. A criatividade de cada artista envolvido na criação da performance nada mais é do que uma expressão das aspirações ideológicas e criativas de toda a equipe como um todo. Sem uma equipe unida e ideologicamente unida, apaixonada por tarefas criativas comuns, não pode haver desempenho completo. A plena criatividade teatral pressupõe a presença de uma equipe que possui uma visão de mundo comum, aspirações ideológicas e artísticas comuns, um método criativo comum a todos os seus membros e sujeito à mais rígida disciplina. “A criatividade coletiva”, escreveu K. S. Stanislavsky, “na qual nossa arte se baseia, requer necessariamente um conjunto, e aqueles que a violam cometem um crime não apenas contra seus camaradas, mas também contra a própria arte a que servem”. A tarefa de educar um ator no espírito do coletivismo, decorrente da própria natureza da arte teatral, funde-se com a tarefa da educação comunista, que pressupõe o desenvolvimento de um sentimento de devoção aos interesses do coletivo de todas as formas possíveis, e a mais amarga luta contra todas as manifestações do individualismo burguês.

O teatro é uma arte sintética. Ator - portador das especificidades do teatro

Na conexão mais estreita com o princípio coletivo na arte teatral está outra característica específica do teatro: sua natureza sintética. O teatro é uma síntese de muitas artes interagindo umas com as outras. Estes incluem literatura, pintura, arquitetura, música, arte vocal, arte da dança, etc. Entre essas artes há uma que pertence apenas ao teatro. Esta é a arte do ator. O ator é inseparável do teatro, e o teatro é inseparável do ator. Por isso podemos dizer que o ator é o portador das especificidades do teatro. A síntese das artes no teatro - sua combinação orgânica na performance - só é possível se cada uma dessas artes desempenhar uma determinada função teatral. Ao desempenhar esta função teatral, a obra de qualquer uma das artes adquire para ela uma nova qualidade teatral. Pois a pintura teatral não é o mesmo que a mera pintura, a música teatral não é o mesmo que a mera música, e assim por diante. Apenas a atuação é de natureza teatral. Claro, o valor da peça para a performance é incomensurável com o valor do cenário. O cenário é chamado a desempenhar um papel auxiliar, enquanto a peça é o fundamento ideológico e artístico da futura representação. E, no entanto, uma peça não é o mesmo que um poema ou uma história, mesmo que escrita na forma de um diálogo. Qual é a diferença mais significativa (no sentido que nos interessa) entre uma peça e um poema, cenário de uma pintura, construção de palco de uma estrutura arquitetônica? Um poema, uma imagem tem um significado independente. O poeta, o pintor dirige-se diretamente ao leitor ou espectador. O autor de uma peça como obra literária também pode dirigir-se diretamente ao seu leitor, mas apenas fora do teatro. No teatro, entretanto, o dramaturgo, o diretor, o decorador e o músico falam ao público por meio do ator ou em conexão com o ator. Com efeito, soa no palco a palavra do dramaturgo, que o autor não encheu de vida, não fez dela a sua própria palavra, é percebida como viva? As instruções do diretor executadas formalmente ou a mise-en-scène proposta pelo diretor, mas não vivida pelo ator, podem ser convincentes para o espectador? Claro que não! Pode parecer que a situação é diferente com decoração e música. Imagine que a apresentação começa, a cortina se abre e, embora não haja um único ator no palco, o auditório aplaude o magnífico cenário criado pelo artista. Acontece que o artista se dirige diretamente ao espectador, e não por meio do ator. Mas aqui saem os atores, surge um diálogo. E você começa a sentir que, à medida que a ação se desenrola, uma irritação surda gradualmente se forma dentro de você contra o cenário que acabou de admirar. Você sente que isso o distrai da ação do palco, o impede de perceber a atuação. Você começa a entender que existe algum tipo de conflito interno entre o cenário e a atuação: ou os atores não se comportam da maneira que deveriam se comportar nas condições associadas a este cenário, ou o cenário caracteriza incorretamente a cena. Um não concorda com o outro, não há síntese das artes, sem a qual não há teatro. Muitas vezes acontece que o público, encontrando com entusiasmo este ou aquele cenário no início do ato, o repreende quando a ação termina. Isso significa que o público avaliou positivamente a obra do artista, independentemente dessa performance, como obra de arte da pintura, mas não a aceitou como cenário teatral, como elemento da performance. Isso significa que o cenário não cumpriu sua função teatral. Para cumprir sua finalidade teatral, ela deve se refletir na atuação, no comportamento dos personagens no palco. Se o artista colocar no fundo do palco um cenário magnífico que represente perfeitamente o mar, e os atores se comportarem no palco da maneira que as pessoas na sala, e não à beira-mar, se comportam, o cenário permanecerá morto. Qualquer parte do cenário, qualquer objeto colocado no palco, mas não animado pela atitude do apagador expressa através da ação, permanece morto e deve ser retirado do palco. Qualquer som que soe por vontade do diretor ou músico, mas não seja percebido pelo ator de forma alguma e não se reflita em seu comportamento no palco, deve ser silenciado, pois não adquiriu qualidade teatral. Ser teatral a tudo que está no palco, informa o ator. Tudo o que é criado no teatro para receber a plenitude da vida por meio do ator é teatral. Tudo o que reivindica um significado independente, um ser autossuficiente, é anti-teatral. Este é o sinal pelo qual distinguimos uma peça de um poema ou uma história, um cenário de uma pintura, uma construção cênica de uma estrutura arquitetônica.

O teatro é uma arte coletiva

O teatro é uma arte sintética. Ator-portador das especificidades do teatro

A ação é o principal material da arte teatral

A dramaturgia é o componente principal do teatro

A criatividade do ator é o principal material da direção de arte

O espectador é o componente criativo do teatro ZAKHAVA!!!

TEATRO(do grego theatron - lugares para um espetáculo, espetáculo), o principal tipo de arte espetacular. O conceito genérico de teatro é dividido em tipos de arte teatral: teatro dramático, ópera, balé, teatro de pantomima, etc. A origem do termo está ligada ao antigo teatro grego antigo, onde os lugares do auditório eram chamados assim (do verbo grego "teaomai" - eu olho). No entanto, hoje o significado desse termo é extremamente diversificado. Além disso, é usado nos seguintes casos:

1. Um teatro é um edifício especialmente construído ou adaptado para apresentações (“O teatro já está cheio, os camarotes estão brilhando” A.S. Pushkin).

2. Uma instituição, uma empresa dedicada à exibição de espetáculos, bem como toda a equipe de seus funcionários que fornecem aluguel de espetáculos teatrais (Teatro Mossovet; passeios ao Teatro Taganka, etc.).

3. Um conjunto de obras dramáticas ou cênicas estruturadas de acordo com um ou outro princípio (teatro de Chekhov, teatro renascentista, teatro japonês, teatro de Mark Zakharov, etc.).

4. Em um sentido obsoleto (preservado apenas na gíria teatral profissional) - palco, palco ("a pobreza nobre só é boa no teatro" A.N. Ostrovsky).

5. Em sentido figurado - o local de quaisquer eventos em andamento (teatro de operações militares, teatro anatômico).

A arte teatral possui características específicas que tornam suas obras únicas, sem paralelo em outros gêneros e tipos de arte.

Em primeiro lugar, é a natureza sintética do teatro. Suas obras incluem facilmente quase todas as outras artes: literatura, música, artes plásticas (pintura, escultura, gráficos, etc.), canto, coreografia, etc.; e também usar as inúmeras realizações de uma ampla variedade de ciências e campos de tecnologia. Assim, por exemplo, os desenvolvimentos científicos da psicologia formaram a base da atuação e direção da criatividade, bem como pesquisas no campo da semiótica, história, sociologia, fisiologia e medicina (em particular, no ensino de fala e movimento no palco). O desenvolvimento de vários ramos da tecnologia permite melhorar e passar para um novo nível de maquinário de palco; economia sonora e sonora do teatro; equipamento de iluminação; o surgimento de novos efeitos de palco (por exemplo, fumaça no palco, etc.). Parafraseando o famoso ditado de Moliere, podemos dizer que o teatro "pega o bem onde o encontra".

Daí - a seguinte característica específica da arte teatral: a coletividade do processo criativo. No entanto, as coisas não são tão simples aqui. Não se trata apenas do trabalho conjunto dos numerosos quadros do teatro (desde o elenco do espectáculo aos representantes das oficinas técnicas, cujo trabalho bem coordenado determina em grande parte a "pureza" do espectáculo). Em qualquer obra de arte teatral, existe outro co-autor de pleno direito e mais importante - o espectador, cuja percepção corrige e transforma a performance, colocando acentos de maneiras diferentes e às vezes mudando radicalmente o significado geral e a ideia da performance . Uma apresentação teatral sem espectador é impossível - o próprio nome do teatro está associado aos assentos do espectador. A percepção do público sobre uma performance é um trabalho criativo sério, independentemente de o público estar ciente disso ou não.

Portanto, a próxima característica da arte teatral é sua natureza momentânea: cada performance existe apenas no momento de sua reprodução. Esse recurso é inerente a todos os tipos de artes cênicas. No entanto, existem algumas peculiaridades aqui.

Assim, em um circo, quando se exige a arte dos participantes da performance, a pureza técnica do truque ainda se torna fator fundamental: sua violação acarreta perigo à vida do artista circense, independentemente da presença ou ausência de espectadores. Em princípio, a coautoria ativa com o público é, talvez, apenas um artista de circo - um palhaço. Daí surgiu o desenvolvimento de um dos tipos de teatro, a palhaçaria teatral, que se desenvolve segundo leis próximas às do circo, mas ainda diferentes: o teatral geral.

A execução da arte musical e vocal, com o desenvolvimento da tecnologia de gravação de áudio, ganhou a possibilidade de fixação e posterior reprodução múltipla, idêntica ao original. Mas uma gravação de vídeo adequada de uma performance teatral é impossível em princípio: a ação muitas vezes se desenvolve simultaneamente em diferentes partes do palco, o que dá volume ao que está acontecendo e forma uma gama de tons e semitons da atmosfera do palco. Com closes de filmagem, as nuances da vida geral do palco permanecem nos bastidores; os planos gerais são muito pequenos e não podem transmitir todos os detalhes. Não é por acaso que apenas a direção, a televisão do autor ou as versões cinematográficas de apresentações teatrais feitas de acordo com as leis transculturais se tornam sucessos criativos. É como na tradução literária: a fixação seca de uma performance teatral no filme é semelhante à interlinear: tudo parece certo, mas a magia da arte desaparece.

Qualquer espaço vazio pode ser chamado de palco vazio. homem está se movendo

no espaço, alguém olha para ele, e isso já é suficiente para uma representação teatral

Ação. No entanto, quando falamos de teatro, geralmente queremos dizer outra coisa. Vermelho

cortinas, holofotes, versos em branco, risos, escuridão - tudo isso é misturado aleatoriamente

nossa mente e cria uma imagem borrada, que designamos em todos os casos

Em um mundo. Dizemos que o cinema matou o teatro, ou seja, o teatro que

existia na época do advento do cinema, ou seja, um teatro com bilheteria, foyer,

poltronas, ribaltas, mudanças de cena, intervalos e música, como se a própria palavra

"teatro" por definição significa apenas isso e quase nada mais.

Vou tentar dividir esta palavra em quatro maneiras e destacar quatro diferentes.

significados, então falarei do Teatro Morto, do Teatro Sagrado, do Teatro Bruto.

e sobre o teatro como tal. Às vezes, esses quatro teatros existem na vizinhança em algum lugar do

West End em Londres ou perto da Times Square em Nova York. Às vezes eles são separados por centenas

milhas, e às vezes essa divisão é condicional, pois duas delas são combinadas em

uma noite ou um ato. Às vezes, por um único momento, todos os quatro teatros -

Sagrado, Bruto, Inanimado e o teatro como tal se fundem em um. P.Ribeiro"Espaço vazio"

1. TEATRO E VERDADE Oscar Remez "A Maestria do Diretor"

Se é verdade que "teatralidade" e "verdade" sãoprincipalcomponentes de uma performance dramática, tão verdadeiroEo fato de que a luta desses dois princípios é a fonte do desenvolvimentoexpressivosignifica na arte teatral. Essa luta é fáciladivinhouquando examinamos o passado do teatro, e muitomais difícilé revelado ao considerar o criativo vivoprocessodesenvolvendo-se diante de nossos olhos.

3. CICLO DA HISTÓRIA DO TEATRO

Comparando o passado conhecido e o presente emergente, pode-se chegar à conclusão sobre um padrão especial de mudanças nas tendências teatrais, uma ciclicidade especial, estritamente medida, das eras teatrais.

A princesa Turandot foi substituída por um novo critério de verdade de palco - o método de ações físicas. A nova tradição teatral continuou nas obras de M. Kedrov. Ao mesmo tempo e na mesma linha, os teatros de A. Popov e A. Lobanov funcionaram. Além disso, a "vitalidade" de palco cada vez mais estrita e consistente é substituída pela teatralidade romântica de N. Okhlopkov. A síntese de dois princípios, o auge do teatro do final dos anos 40 - "A Jovem Guarda", peça de N. Okhlopkov, que mais plenamente expressou a realidade por meio da linguagem artística moderna. Em meados dos anos 50 - uma nova onda - o triunfo do método de análise eficaz: as obras de M. Knebel, o nascimento de Sovremennik, as atuações de G. A. Tovstonogov.

Como você pode ver, cada direção teatral se desenvolve a princípio, por assim dizer, latente, muitas vezes amadurece nas entranhas da direção anterior (e, como se vê mais tarde, polar), surge inesperadamente, se desenvolve em conflito com a tradição e passa o percurso condicionado pela dialética - ascensão, expressões de plenitude, crise criativa. Cada período da história teatral tem seu próprio líder. Eles o seguem, o imitam, discutem ferozmente com ele, via de regra, de dois lados - os que ficam para trás e os que estão na frente.

Claro, o caminho da ascensão à síntese teatral é muito complexo. Os momentos decisivos da arte teatral não estão necessariamente associados aos nomes dos diretores aqui citados. A divisão pedante dos trabalhadores do teatro em “grupos”, “correntes”, “acampamentos” dificilmente se justifica. Não vamos esquecer - durante o período de síntese teatral dos anos 20, ninguém menos que K. S. Stanislavsky criou performances nas quais a tendência vencedora se expressou de forma mais completa e vívida - "Hot Heart" (1926) e "The Marriage of Figaro" ( 1927) . Foi nessas obras que a teatralidade brilhante foi combinada com um profundo desenvolvimento psicológico.

Uma continuação desse tipo de tradição no Art Theatre foi uma performance como The Pickwick Club (1934), encenada pelo diretor V. Ya. Stanitsyn.

Pode-se ter a impressão de que o teatro está se repetindo, seguindo um círculo predeterminado. Um conceito muito próximo desse tipo de entendimento (com alguma mudança e ambigüidade de terminologia) já foi proposto por J. Gassner em seu livro “Form and Idea in Modern Theatre”.

No entanto, o conceito de um desenvolvimento cíclico fechado do teatroerrôneo. Uma imagem objetiva do desenvolvimento da história teatral -movimento, realizado em espiralessencial, O que está passandocada casaem sua nova virada, o teatro apresenta elementos fundamentalmente novoscritério verdade e teatralidade que coroam cada uma, a partir dos ciclos de desenvolvimento, a síntese surge cada vez em uma base diferente. Ao mesmo tempo, a nova teatralidade não pode deixar de dominar (mesmo apesar da polêmica) a experiência anterior, e este é o pré-requisito inevitável no futuro de equilíbrio dinâmico. Assim, a luta entre a teatralidade e a verdade torna-se o conteúdo da história da direção de meios expressivos, uma fonte de desenvolvimento de novas formas teatrais modernas.

1. O teatro como forma de arte tem uma natureza sintética. As representações teatrais incluem possibilidades expressivas, meios de quase todos os tipos de arte (literária, música, artes plásticas, coreografia, etc.). Ao mesmo tempo, nenhuma das formas de arte desempenhará um papel de liderança. Atualmente, a síntese do teatro é alcançada através do uso dos desenvolvimentos da ciência e tecnologia modernas (psicologia, semiótica, tecnologia).

2. O teatro é um processo criativo coletivo. Não se trata apenas da criatividade conjunta dos membros da trupe, mas da interação, da coautoria do espectador. A percepção do público pode corrigir e modificar a performance. O desempenho não é possível sem uma audiência. A percepção do público é um trabalho sério, criativo e intelectual, mesmo que o próprio espectador não perceba.

3. O teatro existe como uma performance momentânea. Cada performance existe apenas no momento de sua reprodução. Isso proporciona uma compreensão da ideia de historicidade na percepção do teatro. É no teatro que o espectador tem acesso direto, envolvimento na obra. Independentemente da época em que os atores estão interpretando.

4. Uma obra teatral não é preservada por causa do momento, ela existe apenas no momento atual. Qualquer transferência para filme permite apenas fixar a ação. Nesse caso, a magia da arte desaparece.

5. O teatro, como qualquer tipo de arte, está sujeito a um determinado tempo artístico, os eventos no palco (o nascimento de uma obra) ocorrem simultaneamente ao ato de percepção do espectador. No teatro, o chamado. tempo de palco - durante o qual a performance ocorre. Atualmente, a performance é de 2,5 a 3 horas, mas algumas produções sugerem uma duração de 5 a 10 horas. Às vezes leva vários dias.

6. O principal portador da ideia teatral, a ação é o ator. A imagem do ator é criada no âmbito da ideia traçada pela peça, sua interpretação pelo diretor, mas, apesar disso, o ator continua sendo um artista que encarna de forma independente imagens vivas no palco.

7. O teatro como forma de arte está sujeito à interpretação. O problema da interpretação surge não tanto em relação aos textos da dramaturgia moderna quanto aos textos dos clássicos. A interpretação no teatro é uma variante de uma nova leitura de uma obra conhecida, na qual se pode traçar a posição filosófica, política e moral do autor.

No teatro, a interpretação permite relacionar os problemas do presente com os fatos históricos do passado.

Na análise da interpretação teatral, um papel importante é desempenhado pela compreensão das atitudes do diretor, sua visão de mundo, bem como pelo esclarecimento de alguns problemas eternos relacionados à essência do homem. O espectador, percebendo uma obra clássica no teatro, entra em diálogo não tanto com o autor, mas com o diretor, o que permite revelar a essência dos conflitos da sociedade moderna. Mas, ao mesmo tempo, o espectador dialoga com a época em que a obra foi criada. Os diretores recorrem a obras clássicas, interpretam-nas, porque. neles o conflito não é resolvido, é eterno. O realizador encontra-se em estado de “apelo interpretativo” (W. Eco). A interpretação no teatro é possível, é possível no nível do dramaturgo, no nível do diretor, ator, espectador, crítico de teatro (Anatoly Smenlyansky, A.V. Protashevich).

Escreva um ensaio sobre o tema: Quais são as semelhanças entre teatro e escultura? 1 página

TEATRO (theatron grego - um lugar para espetáculos) - uma forma de arte baseada na reflexão artística da vida, realizada por meio de uma ação dramática realizada por atores diante do público. A arte do teatro é secundária. A base da arte do palco é o drama, que adquire uma nova qualidade na forma de realização teatral - a teatralidade, a imagem teatral. O desenvolvimento do teatro está intimamente ligado ao desenvolvimento do drama e dos meios dramáticos e expressivos do drama do monólogo e do diálogo. A principal obra da arte teatral é uma ação performática, artisticamente organizada, espetacular e lúdica. A performance é resultado do esforço da equipe criativa. Ao mesmo tempo, a performance se distingue pela unidade figurativa. A estrutura figurativa da performance é criada pela unidade de todos os elementos da ação da peça, subordinados a uma única tarefa artística - a “super tarefa”, e um único objetivo de palco que organiza a ação do palco no tempo e no espaço, “através da ação ”.

A essência lúdica do teatro está mudando historicamente. Tendo surgido do ritual, o sistema de influência espetacular como um todo é preservado em todas as etapas do desenvolvimento do teatro - a transformação do ator, que usa seus dados psicofísicos para criar a imagem de outra pessoa - o personagem da palavra e plasticidade são as principais condições para envolver o espectador na ação. O teatro moderno conhece várias formas de organização da ação lúdica. Em um teatro realista e psicológico da experiência, o princípio de refletir a vida nas formas da própria vida implica o princípio de uma "quarta parede", como se separasse o espectador do palco e criasse a ilusão de realidade. No teatro da performance - o "teatro épico" o princípio do jogo pode não coincidir com a verdade das circunstâncias da vida e sugere uma solução poética-generalizada, metafórica e figurativa.

O teatro é uma arte coletiva (ver). No processo de evolução histórica, o princípio do conjunto foi estabelecido. No teatro moderno, o papel de organizador da ação cênica e dos esforços criativos da equipe cabe ao diretor, responsável pela interpretação cênica da base dramática. Com a ajuda de meios figurativos e expressivos como mise-en-scène, tempo-ritmo, composição, o diretor cria uma imagem artística da performance.

Por sua natureza, a arte do teatro é sintética (ver). A natureza da síntese na história da arte teatral mudou, o balé se destacou, o teatro musical tornou-se independente. O teatro contemporâneo tende a combinar as mais diversas formas de arte. A organização da síntese espetacular depende em grande parte da participação do compositor, figurinista, iluminador e, sobretudo, do cenógrafo. O ambiente material criado pelos meios do cenógrafo pode ter diferentes funções, mas sempre, correspondendo ao contexto do todo, o performer, portador da verdade psicológica, organiza a atenção do espectador.

A arte do teatro é projetada para a percepção coletiva. O espectador, sua reação é um componente da ação. O teatro não existe sem a reação imediata do público. Uma performance ensaiada, mas não apresentada ao público, não é uma obra de arte. É ao espectador que é dado o direito de distinguir entre o significado do dispositivo expressivo escolhido pelo performer e seu uso. O espectador do teatro moderno é influenciado por muitas formas espetaculares que expandem suas associações e mudam suas preferências. O teatro não pode deixar de levar em conta essas mudanças em seu desenvolvimento, aumentando o papel e o significado das formas teatrais, fortalecendo a conexão entre a ação cênica e o público.

A arte do teatro é uma forma de consciência social, um meio de conhecimento e educação artística. A especificidade do teatro está na reflexão de conflitos e personagens significativos que afetam os interesses e necessidades do público moderno. A originalidade do teatro como forma de arte está nessa modernidade, que o torna um fator importante na educação.

2. Arte teatral

A arte teatral é uma das artes mais complexas, eficazes e antigas. Além disso, é heterogêneo, sintético. Como componentes, a arte teatral inclui arquitetura, pintura e escultura (cenário), música (soa não apenas no musical, mas frequentemente em uma performance dramática) e coreografia (novamente, não apenas no balé, mas também no drama). ) , e literatura (o texto sobre o qual se constrói uma performance dramática), e a arte de representar, etc. Entre todas as anteriores, a arte de representar é a principal, determinante para o teatro. O famoso diretor soviético A. Tairov escreveu: "... na história do teatro houve longos períodos em que existiu sem peças, em que existiu sem cenário, mas não houve um único momento em que o teatro ficou sem ator " Tairov A. Ya , Notas do Diretor. Artigos. Conversas. Discursos. Cartas. M., 1970, p. 79. .

O ator no teatro é o principal artista que cria o que se chama de imagem cênica. Mais precisamente, um ator no teatro é ao mesmo tempo um artista-criador e o material da criatividade, e seu resultado é uma imagem. A arte do ator nos permite ver com nossos próprios olhos não apenas a imagem em sua expressão final, mas também o próprio processo de sua criação, formação. O ator cria uma imagem de si mesmo e ao mesmo tempo a cria na presença do espectador, diante de seus olhos. Esta é talvez a principal especificidade do palco, imagem teatral - e aqui está a fonte do prazer artístico especial e único que proporciona ao espectador. O espectador no teatro, mais do que em qualquer outro lugar na arte, está diretamente envolvido no milagre da criação.

A arte do teatro, ao contrário de outras artes, é uma arte viva. Ocorre apenas na hora do encontro com o telespectador. Baseia-se no indispensável contato emocional e espiritual entre o palco e o público. Não existe tal contato, o que significa que não existe espetáculo que viva de acordo com suas próprias leis estéticas.

É um grande tormento para um ator atuar diante de um salão vazio, sem um único espectador. Tal estado equivale a estar em um espaço fechado para o mundo inteiro. Na hora da representação, a alma do ator dirige-se ao espectador, assim como a alma do espectador dirige-se ao ator. A arte do teatro vive, respira, emociona e captura o espectador naqueles momentos felizes em que, através dos fios invisíveis das transmissões de alta voltagem, há uma troca ativa de duas energias espirituais, aspirando-se mutuamente - do ator ao espectador , de espectador a ator.

Lendo um livro, diante de um quadro, o leitor, o espectador não vê o escritor, o pintor. E só no teatro uma pessoa se encontra cara a cara com um artista criativo, o encontra no momento da criação. Ele adivinha o surgimento e o movimento de seu coração, vive com ele todas as vicissitudes dos acontecimentos que aconteceram no palco.

O leitor sozinho, sozinho com o livro precioso, pode experimentar momentos emocionantes e felizes. E o teatro não deixa seu público sozinho. Tudo no teatro é baseado na interação emocional ativa entre aqueles que criam uma obra de arte no palco naquela noite e aqueles para quem ela é criada.

O espectador chega a uma performance teatral não como um observador externo. Ele não pode deixar de expressar sua atitude em relação ao que está acontecendo no palco. Uma explosão de aplausos aprovadores, risos alegres, silêncio tenso e imperturbável, um suspiro de alívio, indignação silenciosa - a cumplicidade do espectador no processo de ação do palco se manifesta na mais rica variedade. Uma atmosfera festiva surge no teatro quando tamanha cumplicidade, tamanha empatia atinge sua maior intensidade...

Isso é o que significa arte viva. A arte, na qual se ouvem as batidas do coração humano, capta com sensibilidade os movimentos mais sutis da alma e da mente, na qual se encerra todo o mundo dos sentimentos e pensamentos humanos, esperanças, sonhos, desejos.

Claro, quando pensamos e falamos sobre um ator, entendemos o quão importante para o teatro não é apenas um ator, mas um conjunto de atores, unidade, interação criativa de atores. “Um verdadeiro teatro”, escreveu Chaliapin, “não é apenas criatividade individual, mas também uma ação coletiva que requer total harmonia de todas as partes”.

O teatro é, por assim dizer, uma arte duplamente coletiva. O espectador percebe uma produção teatral, uma ação cênica não sozinha, mas coletivamente, “sentindo o cotovelo de um vizinho”, o que em grande medida potencializa a impressão, o contágio artístico do que está acontecendo no palco. Ao mesmo tempo, a impressão em si não vem de uma pessoa-ator, mas de um grupo de atores. Tanto no palco quanto no auditório, em ambos os lados da rampa, eles vivem, sentem e agem - não indivíduos separados, mas pessoas, uma sociedade de pessoas, conectadas umas às outras por um tempo por atenção comum, propósito, ação comum .

Em grande medida, é precisamente isso que determina o enorme papel social e educativo do teatro. A arte, que se cria e se percebe em conjunto, torna-se uma escola no verdadeiro sentido da palavra. “O teatro”, escreveu o famoso poeta espanhol Garcia Lorca, “é uma escola de lágrimas e risos, uma plataforma livre a partir da qual as pessoas podem denunciar moralidades antiquadas ou falsas e explicar, usando exemplos vivos, as leis eternas do coração humano e da humanidade. sentimento."

A pessoa recorre ao teatro como reflexo da sua consciência, da sua alma - reconhece-se no teatro, no seu tempo e na sua vida. O teatro abre diante dele oportunidades incríveis de autoconhecimento espiritual e moral.

E que o teatro, por sua natureza estética, uma arte condicional, como outras artes, no palco apareça diante do espectador não a própria realidade, mas apenas seu reflexo artístico. Mas há tanta verdade nessa reflexão que ela é percebida em todo o seu absoluto, como a vida mais genuína e verdadeira. O espectador reconhece a realidade superior da existência de personagens de palco. O grande Goethe escreveu: “O que pode ser mais natureza do que o povo de Shakespeare!”

No teatro, numa animada comunidade de pessoas reunidas para uma representação cénica, tudo é possível: o riso e as lágrimas, a dor e a alegria, a indisfarçável indignação e o violento deleite, a tristeza e a alegria, a ironia e a desconfiança, o desprezo e a simpatia, o silêncio vigilante e alta aprovação - em uma palavra, todas as riquezas das manifestações emocionais e convulsões da alma humana.

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Quando uma linha é ditada por um sentimento - Manda um escravo para o palco E aqui a arte acaba E o solo e o destino respiram. B. Pasternak A ideia de diálogo, conversa está conectada em nossas mentes com a esfera da linguagem, com a fala oral, com a comunicação ...

Teatro como forma de arte. A especificidade da criatividade teatral.

Teatro como forma de arte.

A arte teatral é uma das artes mais complexas, eficazes e antigas. Além disso, é heterogêneo, sintético. Como componentes, a arte teatral inclui arquitetura, pintura e escultura (cenário), música (soa não apenas no musical, mas frequentemente em uma performance dramática) e coreografia (novamente, não apenas no balé, mas também no drama). ) , e literatura (o texto sobre o qual se constrói uma performance dramática), e a arte de representar, etc. Entre todas as anteriores, a arte de representar é a principal, determinante para o teatro.

A arte do teatro, ao contrário de outras artes, é uma arte viva. Ocorre apenas na hora do encontro com o telespectador. Baseia-se no indispensável contato emocional e espiritual entre o palco e o público. Não existe tal contato, o que significa que não existe espetáculo que viva de acordo com suas próprias leis estéticas.

O teatro é uma arte duplamente coletiva. O espectador percebe uma produção teatral, uma ação cênica não sozinha, mas coletivamente, “sentindo o cotovelo de um vizinho”, o que em grande medida potencializa a impressão, o contágio artístico do que está acontecendo no palco. Ao mesmo tempo, a impressão em si não vem de uma pessoa-ator, mas de uma equipe de atores. Tanto no palco quanto no auditório, em ambos os lados da rampa, eles vivem, sentem e agem - não indivíduos separados, mas pessoas, uma sociedade de pessoas, conectadas umas às outras por um tempo por atenção comum, propósito, ação comum .

Em grande medida, é precisamente isso que determina o enorme papel social e educativo do teatro. A arte, que se cria e se percebe em conjunto, torna-se uma escola no verdadeiro sentido da palavra. “O teatro”, escreveu o famoso poeta espanhol Garcia Lorca, “é uma escola de lágrimas e risos, uma plataforma livre a partir da qual as pessoas podem denunciar moralidades antiquadas ou falsas e explicar, usando exemplos vivos, as leis eternas do coração humano e da humanidade. sentimento."

A pessoa recorre ao teatro como reflexo da sua consciência, da sua alma - reconhece-se no teatro, no seu tempo e na sua vida. O teatro abre diante dele oportunidades incríveis de autoconhecimento espiritual e moral.

^ A especificidade da criatividade teatral.

Cada arte, tendo meios especiais de influência, pode e deve dar sua contribuição ao sistema geral de educação estética.

O teatro, como nenhuma outra forma de arte, tem a maior “capacidade”. Ele absorve a capacidade da literatura de recriar a vida em uma palavra em suas manifestações externas e internas, mas essa palavra não é narrativa, mas soa viva, diretamente eficaz. Ao mesmo tempo, ao contrário da literatura, o teatro recria a realidade não na mente do leitor, mas como imagens objetivamente existentes da vida (performance) localizadas no espaço. E nesse aspecto o teatro se aproxima da pintura. Mas a ação teatral está em constante movimento, se desenvolve no tempo - e isso está próximo da música. A imersão no mundo das experiências do espectador é semelhante ao estado que um ouvinte de música experimenta, imerso em seu próprio mundo de percepção subjetiva dos sons.

Claro, o teatro não é de forma alguma um substituto para outras formas de arte. A especificidade do teatro é que ele carrega as “propriedades” da literatura, pintura e música através da imagem de um ator vivo. Esse material humano direto para outras formas de arte é apenas o ponto de partida da criatividade. Para o teatro, a "natureza" não serve apenas como material, mas também é preservada em sua vivacidade imediata. Como observou o filósofo G. G. Shpet: “O ator cria a partir de si mesmo em um duplo sentido: 1) como qualquer artista, a partir de sua imaginação criativa; e 2) ter especificamente em sua própria pessoa o material a partir do qual a imagem artística é criada.

A arte do teatro tem uma incrível capacidade de se fundir com a vida. A performance de palco, embora ocorra do outro lado da rampa, em momentos de alta tensão confunde a linha entre arte e vida e é percebida pelo público como a própria realidade. O poder de atração do teatro reside no fato de que a "vida no palco" se afirma livremente na imaginação do espectador.

Essa virada psicológica ocorre porque o teatro não é apenas dotado das características da realidade, mas em si é uma realidade artisticamente criada. A realidade teatral, criando a impressão de realidade, tem suas próprias leis especiais. A verdade do teatro não pode ser medida pelos critérios de verossimilhança da vida. A carga psicológica que o herói do drama assume não pode ser suportada por uma pessoa na vida, porque no teatro há uma compactação extrema de ciclos inteiros de eventos. O herói da peça muitas vezes experimenta sua vida interior como um amontoado de paixões e uma alta concentração de pensamentos. E tudo isso é dado pelo público como certo. “Incrível” de acordo com as normas da realidade objetiva não é de forma alguma um sinal de arte não confiável. No teatro, “verdade” e “inverdade” têm critérios diferentes e são determinados pela lei do pensamento figurativo. “A arte é experimentada como realidade pela plenitude de nossos “mecanismos” mentais, mas ao mesmo tempo é avaliada em sua qualidade específica como um jogo feito pelo homem “não real”, como dizem as crianças, duplicação ilusória da realidade. ”

O visitante do teatro torna-se um espectador teatral quando percebe esse duplo aspecto da ação cênica, não apenas vendo um ato vital concreto à sua frente, mas também compreendendo o significado interno desse ato. O que está acontecendo no palco é sentido tanto como a verdade da vida quanto como sua recriação figurativa. Ao mesmo tempo, é importante notar que o espectador, sem perder o sentido do real, passa a viver no mundo do teatro. A relação entre a realidade real e a teatral é bastante complicada. Existem três fases neste processo:

1. A realidade da realidade mostrada objetivamente, transformada pela imaginação do dramaturgo em obra dramática.

2. Uma obra dramática incorporada pelo teatro (diretor, atores) na vida do palco - uma performance.

3. A vida cénica, percebida pelo público e tornada parte das suas experiências, fundiu-se com a vida do público e, assim, voltou novamente à realidade.

Mas o "retorno" não é análogo à fonte original, agora é enriquecido espiritual e esteticamente. “Uma obra de arte é feita para viver - para viver quase literalmente

Esta palavra, ou seja, entrou, como eventos experimentados da vida real,

Na experiência espiritual de cada pessoa e de toda a humanidade.

O cruzamento de dois tipos de imaginação ativa - a do ator e a do público - dá origem ao que se chama "a magia do teatro". A vantagem da arte teatral reside no fato de que ela incorpora o imaginário em uma ação ao vivo que se desenrola no palco com clareza e concretude. Em outras artes, o mundo imaginário aparece na imaginação humana, como na literatura e na música, ou é retratado em pedra ou tela, como na escultura ou na pintura. No teatro, o espectador vê o imaginário. "Toda performance contém alguns elementos físicos e objetivos disponíveis para qualquer espectador" .

A arte cênica, por sua própria natureza, não pressupõe entusiasmo passivo, mas ativo para o público, pois em nenhuma outra arte existe tanta dependência do processo criativo de sua percepção quanto no teatro. Em G.D. Gachev, o público é “como celestiais, como um Argus de mil olhos<...>inflamar a ação no palco<...>pois o próprio mundo do palco surge, aparece, mas na mesma medida é obra do espectador.

A lei básica do teatro - a cumplicidade interna do público nos eventos que acontecem no palco - envolve a excitação da imaginação, a criatividade interna independente de cada um dos espectadores. Esse fascínio pela ação distingue o espectador do observador indiferente, que também se encontra nas salas de teatro. O espectador, ao contrário do ator, o artista ativo, é um artista contemplativo.

A imaginação ativa do público não é de forma alguma uma propriedade espiritual especial dos amantes da arte escolhidos. Claro, o gosto artístico desenvolvido é de grande importância, mas trata-se do desenvolvimento daqueles princípios emocionais inerentes a cada pessoa. “O gosto artístico abre caminho para o leitor, ouvinte, espectador da forma externa para a interna e desta para o conteúdo da obra. Para que esse caminho seja percorrido com sucesso, é necessária a participação da imaginação e da memória, das forças emocionais e intelectuais da psique, da vontade e da atenção e, finalmente, da fé e do amor, ou seja, do mesmo complexo mental integral de forças espirituais que realizam o ato criativo, é necessário.

A consciência da realidade artística no processo de percepção é mais profunda, quanto mais o espectador está imerso na esfera da experiência, mais a arte multifacetada entra na alma humana. É nessa junção de duas esferas - experiência inconsciente e percepção consciente da arte que a imaginação existe. É inerente à psique humana inicialmente, organicamente, acessível a todas as pessoas e pode ser significativamente desenvolvido no decorrer do acúmulo da experiência estética.

A percepção estética é a criatividade do espectador, podendo atingir grande intensidade. Quanto mais rica a natureza do próprio espectador, mais desenvolvido seu senso estético, mais completa sua experiência artística, mais ativa sua imaginação e mais ricas suas impressões teatrais.

A estética da percepção é amplamente voltada para o espectador ideal. Na realidade, o processo consciente de educar a cultura teatral provavelmente levará o espectador a adquirir conhecimento sobre arte e dominar certas habilidades de percepção. Um espectador educado pode muito bem:

Conheça o teatro em suas próprias leis;

Conhecer o teatro nos seus processos modernos;

Conheça o teatro no seu desenvolvimento histórico.

Ao mesmo tempo, deve-se estar ciente de que o conhecimento dobrado mecanicamente na cabeça do espectador não é garantia de uma percepção completa. O processo de formação da cultura do espectador, em certa medida, tem as propriedades de uma “caixa preta”, na qual os momentos quantitativos nem sempre se somam em linha reta em certos fenômenos qualitativos.

O teatro é uma arte incrível. Até porque, ao longo do século passado, ele previu várias vezes a morte iminente. Ele foi ameaçado pelo Grande Silencioso, que havia encontrado a fala - parecia que o cinema sonoro tiraria todo o público do teatro. Depois veio a ameaça da televisão, quando o espectáculo chegou directamente a casa, depois começou-se a temer a poderosa propagação do vídeo e da Internet.

No entanto, se nos concentrarmos nas tendências gerais da existência da arte teatral no mundo, não há nada de surpreendente no fato de que no início do século XXI o teatro não apenas se manteve, mas começou a enfatizar claramente o não- caráter de massa e, em certo sentido, o “elitismo” de sua arte. Mas, no mesmo sentido, pode-se falar do elitismo das artes plásticas ou da música clássica, se compararmos o público de muitos milhões que os artistas populares reúnem com um número limitado de pessoas no conservatório.

No teatro sintético dos tempos modernos, a tradicional correlação dos princípios dominantes - verdade e ficção - aparece numa espécie de unidade indissolúvel. Essa síntese se dá tanto como ato de experiência (percepção da verdade da vida) quanto como ato de prazer estético (percepção da poesia teatral). Então o espectador se torna não apenas um participante psicológico da ação, ou seja, uma pessoa que "absorve" o destino do herói e se enriquece espiritualmente, mas também um criador que realiza uma ação criativa em sua imaginação, simultaneamente com o que está acontecendo no palco. Este último momento é extremamente importante e ocupa um lugar central na educação estética do público.

Claro, cada espectador pode ter sua própria ideia do desempenho ideal. Mas em todos os casos é baseado em um certo "programa" de requisitos do art. Este tipo de “conhecimento” pressupõe uma certa maturidade da cultura do público.

A cultura do espectador depende em grande parte da natureza da arte que é oferecida ao espectador. Quanto mais difícil a tarefa colocada diante dele - estética, ética, filosófica, quanto mais tenso o pensamento, mais nítida a experiência, mais sutil a manifestação do gosto do espectador. Pois o que chamamos de cultura do leitor, ouvinte, espectador está diretamente relacionado ao desenvolvimento da própria personalidade de uma pessoa, depende de seu crescimento espiritual e afeta seu crescimento espiritual posterior.

O significado da tarefa que o teatro representa para o espectador em termos psicológicos reside no fato de que a imagem artística, dada em toda a sua complexidade e inconsistência, é percebida pelo espectador primeiro como um personagem real, objetivamente existente, e então, à medida que se acostumam com a imagem e refletem sobre ela, as ações revelam (como se fossem independentes) sua essência interior, seu significado generalizante.

Em termos estéticos, a complexidade da tarefa reside no facto de o espectador perceber o imaginário cénico não só segundo critérios de verdade, mas também saber (aprender) a decifrar o seu significado poético metafórico.

Assim, a especificidade da arte teatral é uma pessoa viva, como um herói que experimenta diretamente e como um artista-artista que cria diretamente, e a lei mais importante do teatro é um impacto direto no espectador.

O "efeito teatral", sua clareza é determinada não só pela dignidade da própria arte, mas também pela dignidade, pela cultura estética do auditório. O espectador como co-criador obrigatório do espetáculo é, na maioria das vezes, escrito e falado pelos próprios praticantes de teatro (diretores e atores): “Não há espetáculo teatral sem a participação do público, e a peça só tem chance de sucesso se o próprio espectador “perde” o jogo, ou seja, ... aceita suas regras e faz o papel de pessoa que simpatiza ou se retrai.

No entanto, o despertar do artista no espectador ocorre apenas se o espectador for capaz de perceber plenamente o conteúdo inerente à performance, se for capaz de expandir seu alcance estético e aprender a ver o novo na arte, se, mantendo-se fiel ao seu estilo artístico favorito, ele não se torna surdo e para outras direções criativas, se ele é capaz de ver uma nova leitura de uma obra clássica e é capaz de separar a ideia do diretor de sua implementação pelos atores ... Há existem muitos mais "se". Consequentemente, para que o espectador se envolva na criatividade, para que o artista desperte nele, no atual estágio de desenvolvimento de nosso teatro, é necessário um aumento geral da cultura artística do espectador.