Amerikanska landskapsmålare från 2000-talet. Moderna ryska konstnärer värda en närmare titt

Den majestätiska och mångsidiga ryska målningen gläder alltid publiken med dess inkonstans och perfektion av konstformer. Detta är det speciella med verken av kända konstmästare. De överraskade alltid med sin ovanliga inställning till arbetet, vördnadsfull inställning till varje persons känslor och förnimmelser. Kanske var det därför som ryska konstnärer så ofta skildrade porträttkompositioner som på ett levande sätt kombinerade känslomässiga bilder och episkt lugna motiv. Inte konstigt att Maxim Gorky en gång sa att en konstnär är hjärtat i sitt land, hela erans röst. De majestätiska och eleganta målningarna av ryska konstnärer förmedlar verkligen inspirationen från sin tid. Liksom den berömda författaren Anton Tjechovs strävanden, försökte många ta in den unika smaken av sitt folk i ryska målningar, såväl som den outsläckliga drömmen om skönhet. Det är svårt att underskatta de extraordinära dukarna hos dessa mästare av majestätisk konst, eftersom verkligt extraordinära verk av olika genrer föddes under deras pensel. Akademiskt måleri, porträtt, historiskt måleri, landskap, romantik, modernism eller symbolism - allt detta ger fortfarande glädje och inspiration till sina åskådare. Alla hittar i dem något mer än färgglada färger, graciösa linjer och oefterhärmliga genrer av världskonst. Kanske är ett sådant överflöd av former och bilder som det ryska måleriet överraskar med den enorma potentialen hos konstnärernas omgivande värld. Levitan sa också att i varje ton av frodig natur finns en majestätisk och ovanlig palett av färger. Med en sådan början framträder en magnifik vidd för konstnärens pensel. Därför kännetecknas alla ryska målningar av sin utsökta svårighetsgrad och attraktiva skönhet, från vilken det är så svårt att bryta sig loss.

Rysk målning särskiljs med rätta från världskonst. Faktum är att fram till 1600-talet förknippades inhemsk målning uteslutande med ett religiöst tema. Situationen förändrades när tsarreformatorn - Peter den store kom till makten. Tack vare hans reformer började ryska mästare engagera sig i sekulär målning, och ikonmålning separerade som en separat riktning. Det sjuttonde århundradet är tiden för sådana konstnärer som Simon Ushakov och Iosif Vladimirov. Sedan, i den ryska konstvärlden, föddes porträttet och blev snabbt populärt. På 1700-talet dök de första konstnärerna upp som bytte från porträtt till landskapsmåleri. Mästarnas uttalade sympati för vinterpanorama är märkbar. 1700-talet kom också ihåg för födelsen av vardagsmåleriet. Under artonhundratalet blev tre trender populära i Ryssland: romantik, realism och klassicism. Som tidigare fortsatte ryska konstnärer att vända sig till porträttgenren. Det var då som världsberömda porträtt och självporträtt av O. Kiprensky och V. Tropinin dök upp. Under andra hälften av artonhundratalet skildrar konstnärer allt oftare det enkla ryska folket i deras förtryckta tillstånd. Realism blir den centrala trenden i måleriet under denna period. Det var då som Vandrarna dök upp, som endast föreställde det verkliga, verkliga livet. Jo, nittonhundratalet är förstås avantgardet. Den tidens konstnärer påverkade avsevärt både sina anhängare i Ryssland och runt om i världen. Deras målningar blev föregångare till abstraktionismen. Rysk målning är en enorm underbar värld av begåvade konstnärer som förhärligade Ryssland med sina skapelser

Betyget av de dyraste verken av levande konstnärer är en konstruktion som talar om konstnärens roll och plats i konsthistorien mycket mindre än om ålder och hälsa

Reglerna för att sammanställa vårt betyg är enkla: för det första tas endast transaktioner med verk av levande författare i beaktande; för det andra beaktas endast offentlig auktionsförsäljning; och för det tredje, regeln "en konstnär - ett verk" observeras (om två skivor tillhör Jones i betyget av verk, återstår bara den dyraste, och resten tas inte med i beräkningen). Rangordning utförs i termer av dollar (till växelkursen på försäljningsdatumet).

1. JEFF KOONS Kanin. 1986. 91,075 miljoner dollar

Ju längre du tittar på auktionskarriären för Jeff Koons (1955), desto mer blir du övertygad om att ingenting är omöjligt för popkonsten. Du kan beundra Koons skulpturer i form av ballongleksaker, eller så kan du betrakta dem som kitsch och dålig smak - din rätt. En sak kan inte förnekas: Jeff Koons installationer kostar galna pengar.

Jeff Koons började sin resa till berömmelse som världens mest framgångsrika levande konstnär redan 2007, när hans gigantiska metallinstallation Hanging Heart köptes för 23,6 miljoner dollar på Sotheby's. Verket köptes av Larry Gagosian Gallery som representerar Koons (i skrev de till pressen att det låg i den ukrainske miljardären Viktor Pinchuks intresse.) Galleriet förvärvade inte bara en installation, utan faktiskt ett smyckekonstverk. 2,7 m väger 1 600 kg), men det har ett liknande syfte. Över sex och ett halvt tusen timmar spenderades på produktionen av en komposition med ett hjärta täckt med tio lager färg. Som ett resultat betalades gigantiska pengar för den spektakulära "dekorationen".

Nästa var försäljningen av Purple Balloon Flower för 12,92 miljoner pund (25,8 miljoner dollar) på Christie's London den 30 juni 2008. Intressant nog, sju år tidigare, köpte de tidigare ägarna av "Flower" verket för 1,1 miljoner dollar. Det är lätt att räkna ut att under denna tid har marknadspriset ökat med nästan 25 gånger.

Nedgången på konstmarknaden 2008-2009 gav skeptiker anledning att förtala att modet för Koons gått över. Men de hade fel: tillsammans med konstmarknaden återupplivades intresset för Koons verk. Andy Warhols efterträdare till kungen av popkonstens tron ​​uppdaterade sitt personbästa i november 2012 med försäljningen på Christie's av en flerfärgad skulptur "Tulpaner" från "Triumph"-serien för 33,7 miljoner dollar, inklusive provision.

Men "Tulpaner" var "blommor" i bokstavlig och bildlig mening. Bara ett år senare, i november 2013, följde försäljningen av den rostfria ballonghundsskulpturen (orange): priset på hammaren var så mycket som 58,4 miljoner dollar! En fantastisk summa för en levande konstnär. Verket av en samtida författare såldes för priset av en Van Gogh- eller Picasso-målning. Det var bären...

Med detta resultat regerade Koons i toppen av rankingen av levande konstnärer i flera år. I november 2018 överträffades han kort av David Hockney (se andra plats i vår ranking). Men bara sex månader senare återgick allt till det normala: den 15 maj 2019, i New York, på auktionen över efterkrigstidens och samtida konst, lade Christie's ut till försäljning en läroboksskulptur för Koons 1986 - en silver "Kanin" tillverkad av rostfritt stål, som imiterar en ballong av liknande form.

Totalt skapade Koons 3 sådana skulpturer plus en författares kopia. Auktionen innehöll ett exemplar av "Rabbit" nummer 2 - från samlingen av kultförlaget Cy Newhouse, delägare i förlaget Conde Nast (tidningarna Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). Silver "Rabbit" köptes av "glamourens fader" Cy Newhouse 1992 för ett imponerande belopp enligt de årens mått - 1 miljon dollar. Efter 27 år i kampen mellan 10 budgivare var priset på skulpturens hammare 80 gånger högre än det tidigare försäljningspriset. Och med Buyer's Premium-provision blev det slutliga resultatet rekordhöga 91,075 miljoner dollar för alla levande artister.

2. DAVID HOKNEY Porträtt av konstnären. Pool med två figurer. 1972. $90,312,500

David Hockney (1937) är en av 1900-talets viktigaste brittiska konstnärer. 2011 röstades David Hockney fram som den mest inflytelserika brittiska konstnären genom tiderna i en undersökning av tusentals professionella brittiska målare och skulptörer. Samtidigt gick Hockney förbi sådana mästare som William Turner och Francis Bacon. Hans verk hänförs som regel till popkonst, även om han i sina tidiga verk dragit mer åt expressionism i Francis Bacons anda.

Född och uppvuxen David Hockney i England, Yorkshire. Den framtida konstnärens mor höll familjen i puritansk stränghet, och hans far, en enkel revisor som ritade lite på amatörnivå, uppmuntrade sin son att måla. I början av tjugoårsåldern flyttade David till Kalifornien, där han bodde i totalt cirka tre decennier. Han har fortfarande två verkstäder där. Hockney gjorde hjältarna i sina verk till lokala rika, deras villor, pooler, gräsmattor badade i Kaliforniens sol. Ett av hans mest kända verk från den amerikanska perioden - målningen "Splash" - är en bild av en bunt av spray som stiger upp ur poolen efter att en person hoppat i vattnet. För att skildra denna kärve, "levande" inte mer än två sekunder, arbetade Hockney i två veckor. Förresten såldes denna målning på Sotheby's för 5,4 miljoner dollar 2006 och ansågs under en tid vara hans dyraste verk.

Hockney (1937) är redan i åttioårsåldern, men han arbetar fortfarande och uppfinner till och med nya konstnärliga tekniker med hjälp av tekniska innovationer. En gång kom han på idén att göra enorma collage från polaroidbilder, tryckte sina verk på faxmaskiner och idag behärskar konstnären entusiastiskt att rita på iPad. Målningarna som ritas på tabletten tar sin rättmätiga plats på hans utställningar.

2005 återvände Hockney äntligen från USA till England. Nu målar han i det fria och i ateljén enorma (ofta bestående av flera delar) landskap av lokala skogar och ödemarker. Enligt Hockney har han under sina 30 år i Kalifornien blivit så ovana vid det enkla årstidsbytet att det verkligen fascinerar och fascinerar honom. Hela cykler av hans senaste verk ägnas till exempel åt samma landskap vid olika tider på året.

Under 2018 bröt Hockneys målningar gränsen på 10 miljoner dollar flera gånger. Och den 15 november 2018 registrerades ett nytt absolut rekord för en levande konstnärs arbete hos Christie's - $ 90 312 500 för målningen "Portrait of the Artist (Pool with Two Figures)".

3. GERHARD RICHTER Abstrakt målning. 1986. 46,3 miljoner dollar

Levande klassiker Gerhard Richter (1932) rankas tvåa i vår ranking. Den tyska artisten var ledaren bland levande kollegor tills det 58-miljonte rekordet för Jeff Koons slog till. Men det är osannolikt att denna omständighet kan skaka Richters redan järnauktoritet på konstmarknaden. Enligt resultaten från 2012 är den tyska konstnärens årliga auktionsomsättning näst efter Andy Warhols och Pablo Picassos.

Under många år förebådade ingenting den framgång som fallit på Richter nu. I decennier intog konstnären en blygsam plats på den samtida konstmarknaden och strävade inte alls efter berömmelse. Vi kan säga att berömmelse gick över honom av sig själv. Utgångspunkten anses av många vara New Yorks MoMA Museums köp 1995 av Richters serie 18 oktober 1977. American Museum betalade 3 miljoner dollar för 15 målningar i gråskala och började snart fundera på att hålla en fullfjädrad retrospektiv av den tyska konstnären. Den storslagna utställningen öppnade sex år senare, 2001, och sedan dess har intresset för Richters verk vuxit med stormsteg. Från 2004 till 2008 tredubblades priset på hans målningar. 2010 har Richters verk redan inbringat 76,9 miljoner dollar, 2011 tjänade Richters verk på auktion, enligt Artnet-webbplatsen, totalt 200 miljoner dollar, och 2012 (enligt Artprice) - 262,7 miljoner dollar - mer än någons verk. annan levande konstnär.

Medan till exempel Jasper Johns överväldigande framgångar på auktioner huvudsakligen endast åtföljer tidiga verk, är en så skarp uppdelning inte typisk för Richters verk: efterfrågan är lika stabil på saker från olika kreativa perioder, som det fanns väldigt många av i Richters verk. karriär. Under de senaste sextio åren har denna konstnär prövat sig i nästan alla traditionella målargenrer - porträtt, landskap, marina, naken, stilleben och, naturligtvis, abstraktion.

Historien om Richters auktionsrekord började med en serie stilleben "Candles". 27 fotorealistiska bilder av ljus i början av 1980-talet, när de skrevs, kostade endast 15 000 tyska mark (5 800 USD) per verk. Men fortfarande var det ingen som köpte ljus på sin första utställning på Max Hetzler Gallery i Stuttgart. Då kallades tavlornas tema gammaldags; Idag betraktas "Ljus" som verk för alla tider. Och de kostar miljontals dollar.

I februari 2008 "Candle", skriven 1983, köptes oväntat för £ 7,97 miljoner ($16 miljoner). Detta personliga rekord stod sig i tre och ett halvt år. Sedan i oktober 2011 en till "Candle" (1982) gick under klubban på Christie's redan för £ 10,46 miljoner ($16,48 miljoner). Med denna skiva kom Gerhard Richter för första gången in i de tre mest framgångsrika levande artisterna och tog plats bakom Jasper Johns och Jeff Koons.

Sedan började den segerrika processionen av Richters "Abstrakta målningar". Konstnären målar sådana verk i en unik författares teknik: han applicerar en blandning av enkla färger på en ljus bakgrund och smetar sedan ut dem på duken med en lång skrapa storleken på en bilstötfångare. Detta resulterar i komplicerade färgövergångar, fläckar och ränder. Att undersöka ytan på hans "Abstrakta målningar" är som utgrävningar: på dem ser spår av olika "figurer" ut genom luckorna i många färgglada lager.

9 november 2011 på auktion av modern och efterkrigskonst Sothebys storskaliga "Abstrakt målning (849-3)" 1997 gick under klubban för 20,8 miljoner USD (13,2 miljoner GBP). Och sex månader senare, 8 maj 2012 på auktionen av efterkrigs- och samtidskonst Christie's i New York "Abstrakt målning (798-3)" 1993 gick för rekord 21,8 miljoner dollar(inklusive provision). Fem månader senare - återigen rekord: "Abstrakt målning (809-4)" från rockmusikern Eric Claptons samling den 12 oktober 2012 på Sotheby's i London gick under klubban för £ 21,3 miljoner ($34,2 miljoner). Barriären på 30 miljoner tog Richter med sådan lätthet, som om det inte handlade om modern måleri, utan om mästerverk som redan är hundra år gamla - inte mindre. Även om det i fallet med Richter verkar som att inkluderingen i pantheonet av det "stora" ägde rum redan under konstnärens liv. De tyska priserna fortsätter att stiga.

Richters nästa skiva tillhörde ett fotorealistiskt verk – ett landskap "Katedraltorget, Milano (Domplatz, Mailand)" 1968. Verket såldes för 37,1 miljoner på Sothebys auktion 14 maj 2013. Utsikten över det vackraste torget målades av en tysk konstnär 1968 på order av Siemens Electro, speciellt för företagets kontor i Milano. När det skrevs var det Richters största figurativa verk (nästan tre gånger tre meter stort).

Domkyrkotorgets rekord stod i nästan två år, tills 10 februari 2015 avbröt honom inte "Abstrakt målning" ( 1986): Hammarpriset nådde £ 30,389 miljoner ($46,3 miljoner). Den abstrakta målningen på 300,5 × 250,5 cm, som bjuds ut på auktion hos Sotheby's, är ett av Richters första storskaliga verk i hans speciella författares teknik att skrapa bort lager av färg. Förra gången 1999 köptes denna "abstrakta målning" på auktion för 607 tusen dollar (från i år fram till den aktuella försäljningen ställdes verket ut på Ludwig-museet i Köln). På auktionen den 10 februari 2015 nådde en viss amerikansk kund i auktionssteg på 2 miljoner pund klubbslaget 46,3 miljoner dollar, det vill säga sedan 1999 har arbetet ökat i pris med mer än 76 gånger!

4. Tsui Zhuzhuo "Stora snötäckta berg." 2013. 39,577 miljoner dollar

Under lång tid följde vi inte noga utvecklingen av situationen på den kinesiska konstmarknaden, och ville inte överbelasta våra läsare med en överdriven mängd information om "inte vår" konst. Med undantag för dissidenten Ai Weiwei, som inte ens är lika dyr som en resonanskonstnär, verkade kinesiska författare för oss för många och långt ifrån oss för att fördjupa oss i vad som pågick på deras marknad där. Men statistiken, som de säger, är en seriös dam, och om vi pratar om de mest framgångsrika levande författarna i världen, kan vi inte klara oss utan en berättelse om de enastående representanterna för det himmelska imperiets samtida konst.

Låt oss börja med en kinesisk konstnär Cui Ruzhuo. Konstnären föddes 1944 i Peking och bodde i USA från 1981 till 1996. Efter att ha återvänt till Kina började han undervisa vid National Academy of Arts. Cui Ruzhuo omtolkar den traditionella kinesiska bläckmålningsstilen och skapar de enorma rulldukar som kinesiska affärsmän och tjänstemän älskar att presentera som gåvor till varandra. I väst är mycket lite känt om honom, även om många måste komma ihåg historien om den 3,7 miljoner dollar rullen som av misstag slängdes bort, och antog den för skräp, av städarna på ett hotell i Hongkong. Så det var Cui Ruzhuos rulla.

Cui Ruzhuo är i 70-årsåldern och marknaden för hans arbete blomstrar. Över 60 verk av denna konstnär har passerat gränsen på 1 miljon dollar, men hans verk har hittills bara varit framgångsrika på kinesiska auktioner. Cui Ruzhuos skivor är verkligen imponerande. Först det "Landskap i snön" på Poly Auction i Hong Kong 7 april 2014 nådde ett klubbslag på HK$184 miljoner ( 23,7 miljoner USD).

Exakt ett år senare 6 april 2015 på en speciell polyauktion i Hong Kong exklusivt tillägnad Cui Ruzhuos arbete, en serie "Det stora snöiga landskapet i bergiga Jiangnan"(Jiangnan är en historisk region i Kina, som upptar den högra stranden av Yangtzes nedre del.) av åtta bläck-på-papper-landskap nådde ett klubbslag på HK$236 miljoner ( 30,444 miljoner USD).

Ett år senare upprepade historien sig igen: på solouktionen av Cui Ruzhuo, som hölls av Poly Auctions i Hong Kong 4 april 2016 polyptyk i sex delar "Stora snötäckta berg" 2013 klubbslag (inklusive auktionshusprovision) nådde HK$306 miljoner (39,577 miljoner USD). Än så länge är detta ett absolut rekord bland asiatiska levande artister.

Enligt konsthandlaren Johnson Chan, som har arbetat med kinesisk samtidskonst i 30 år, finns det en ovillkorlig önskan att höja priserna för den här författarens verk, men allt detta sker på en prisnivå där erfarna samlare sannolikt inte vill att köpa något. "Kineserna vill höja betygen för sina artister genom att höja priserna för deras verk på stora internationella auktioner som den som anordnas av Poly i Hong Kong, men det råder ingen tvekan om att dessa betyg är helt påhittade", kommenterar Johnson Chang på Cui Ruzhuos senaste rekordet.

Detta är naturligtvis bara en enda återförsäljares åsikt, och vi har ett riktigt rekord registrerat i alla databaser. Så låt oss ta hänsyn till honom. Cui Ruzhuo själv, att döma av hans uttalanden, är långt ifrån Gerhard Richters blygsamhet när det kommer till hans auktionsframgång. Det verkar som att det här rekordloppet på allvar fängslar honom. "Jag hoppas att priserna för mina verk under de kommande 5-10 åren kommer att överträffa priserna för verk av västerländska mästare som Picasso och Van Gogh. Det här är den kinesiska drömmen”, säger Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Flagga. 1983. 36 miljoner dollar

Den tredje platsen i rankningen av levande konstnärer tillhör en amerikan Till Jasper Johns (1930). Det aktuella rekordpriset för Jones arbete är $ 36 miljoner. Så mycket betalt för hans berömda "Flagga" på Christies auktion 12 november 2014.

En serie "flagga" målningar, påbörjade av Jones i mitten av 1950-talet, omedelbart efter konstnärens återkomst från armén, blev en av de centrala i hans verk. Redan i sin ungdom var konstnären intresserad av idén om en readymade, förvandlingen av ett vardagligt föremål till ett konstverk. Jones flaggor var dock inte riktiga, de var målade i olja på duk. Alltså fick ett konstverk egenskaperna hos en sak från det vanliga livet, det var på samma gång bilden av flaggan och själva flaggan. En serie verk med flaggor gav Jasper Johns världsberömdhet. Men inte mindre populära är hans abstrakta verk. Under många år leddes listan över de dyraste verken, sammanställd enligt ovanstående regler, av ett abstrakt "Falsk start". Fram till 2007 ansågs denna mycket ljusa och dekorativa duk, målad av Jones 1959, vara ägaren av ett praktiskt taget otillgängligt pris för en levande konstnär (om än en klassiker för livet) - $ 17 miljoner. Så mycket betalade de för den i guld för konstmarknaden 1988.

Intressant nog var erfarenheten av Jasper Johns som rekordhållare inte kontinuerlig. 1989 avbröts han av sin kollega Willem de Koonings arbete: tvåmetersabstraktionen "Mixing" såldes på Sotheby's för 20,7 miljoner dollar. Jasper Johns var tvungen att flytta. Men efter 8 år, 1997, dog de Kooning , och " Falsk start "Jones tog återigen första raden av auktionen betyg av levande konstnärer i nästan 10 år.

Men 2007 förändrades allt. False Start-rekordet förmörkades först av de unga och ambitiösa Damien Hirsts och Jeff Koons arbete. Sedan var det en rekordförsäljning för 33,6 miljoner dollar av målningen "The Sleeping Benefit Inspector" av Lusien Freud (nu avliden, och deltar därför inte i detta betyg). Sedan började uppteckningarna av Gerhard Richter. Generellt sett, hittills med ett aktuellt rekord på 36 miljoner, ligger Jasper Johns, en av mästarna inom amerikansk efterkrigskonst, som arbetar i skärningspunkten mellan neo-dadaism, abstrakt expressionism och popkonst, på en hedervärd tredje plats.

6. ED RUSHAY Smash. 1963. 30,4 miljoner dollar

Den plötsliga framgången med målningen "Smash" av en amerikansk konstnär Edward Ruscha (f. 1937) på auktion Christie's 12 november 2014 förde denna författare till antalet av de dyraste levande konstnärerna. Det tidigare rekordpriset för Ed Ruschas verk (ofta uttalas namnet Ruscha på ryska som "Rusha", men det korrekta uttalet är Ruscha) var "bara" 6,98 miljoner dollar: det var så mycket de betalade för hans duk "Burning gas station" 2007. Sju år senare hans Smash med en uppskattning på 15–20 miljoner dollar nådde den priset av en hammare 30,4 miljoner dollar. Det är uppenbart att marknaden för denna författares verk har nått en ny nivå - det är inte för inte som Barack Obama pryder Vita huset med sina verk, och Larry Gagosian själv ställer ut honom i sina gallerier.

Ed Ruscha strävade aldrig efter efterkrigstidens New York med dess vurm för abstrakt expressionism. Istället sökte han i över 40 år inspiration i Kalifornien, dit han flyttade från Nebraska vid 18 års ålder. Konstnären stod vid ursprunget till en ny trend inom konsten, kallad popkonst. Tillsammans med Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud och andra populärkultursångare deltog Edward Ruscha i Pasadenamuseets utställning New Image of Ordinary Things 1962, som blev den första museiutställningen av amerikansk popkonst. Ed Ruscha själv gillar dock inte när hans verk tillskrivs popkonst, konceptualism eller någon annan trend inom konsten.

Hans unika stil kallas "textmålning". Från slutet av 1950-talet började Ed Ruscha måla ord. Precis som för Warhol blev en burk soppa ett konstverk, för Ed Ruscha, vanliga ord och fraser, tagna antingen från en skylt eller förpackning i en stormarknad, eller från en film (Hollywood var alltid vid Ruschas sida, och till skillnad från många av hans medkonstnärer, respekterade Rushey "drömfabriken"). Orden på hans dukar får egenskaperna hos tredimensionella föremål, det är riktiga stilleben gjorda av ord. När man tittar på hans dukar är det första som kommer att tänka på den visuella och ljuduppfattningen av det ritade ordet, och först efter det - den semantiska betydelsen. Det senare kan i regel inte entydigt tydas; de ord och fraser som Ruscha valt kan tolkas på olika sätt. Samma knallgula ord "Smash" på en djupblå bakgrund kan uppfattas som en aggressiv uppmaning att slå sönder något eller någon i sönder; som ett ensamt adjektiv som tagits ur sitt sammanhang (till exempel en del av någon tidningsrubrik), eller helt enkelt som ett enda ord fångat i en urban ström av visuella bilder. Ed Ruscha njuter av denna osäkerhet. "Jag har alltid haft en djup respekt för konstiga, oförklarliga saker... Förklaringar dödar på sätt och vis en sak", sa han i en intervju.

7. CHRISTOPHER ULL Namnlös (RIOT). 1990. 29,93 miljoner dollar

Amerikansk konstnär Christopher Wool(1955) bröt sig först in i rankningen av levande artister 2013 - efter försäljningen av Apocalypse Now för 26,5 miljoner dollar. Denna skiva satte honom omedelbart i nivå med Jasper Johns och Gerhard Richter. Beloppet för denna historiska transaktion - mer än 20 miljoner dollar - överraskade många, eftersom priserna för konstnärens verk inte översteg 8 miljoner dollar innan dess. Den snabba tillväxten av marknaden för Christopher Wools verk var dock redan uppenbar vid den tiden : artistens meritlista inkluderade 48 auktionstransaktioner värda mer än 1 miljon dollar, och 22 av dem (nästan hälften) ägde rum 2013. Två år senare nådde antalet verk av Chris Wool, som såldes mer än 1 miljon dollar, 70, och ett nytt personligt rekord lät inte vänta på sig. På auktion Sotheby's verk "Untitled (RIOT)" den 12 maj 2015 såldes för $ 29,93 miljoner inklusive köparens premium.

Christopher Wool är mest känd för sina storskaliga svarta bokstäver på vita aluminiumplåtar. Det är de som i regel sätter rekord på auktioner. Allt detta är saker från slutet av 1980-talet och början av 1990-talet. Som legenden säger gick Wool en kväll runt i New York på kvällen och såg plötsligt graffiti med svarta bokstäver på en ny vit lastbil - orden sex och luv. Denna syn imponerade så mycket på honom att han omedelbart återvände till studion och skrev sin egen version med samma ord. Året var 1987, och konstnärens fortsatta sökande efter ord och fraser för sina "bokstavliga" verk speglar den här tidens motsägelsefulla anda. Detta är uppmaningen "sälj huset, sälj bilen, sälj barnen", taget av Wool från filmen "Apocalypse Now", och ordet "FOOL" ("fool") med versaler, och ordet "RIOT" ("uppror"), som ofta återfinns i den tidens tidningsrubriker.

Ord och fraser Ull appliceras på aluminiumplåtar med schabloner med alkyd- eller emaljfärg, som medvetet lämnar ränder, schablonmärken och andra bevis på den kreativa processen. Konstnären delade upp orden så att betraktaren inte direkt förstod innebörden. Först ser du bara ett kluster av bokstäver, det vill säga du uppfattar ordet som ett visuellt objekt, och först då läser och dechiffrerar du meningen med frasen eller ordet. Ull använde ett typsnitt som användes av den amerikanska militären efter andra världskriget, vilket förstärker intrycket av en order, ett direktiv, en slogan. Dessa "bokstavs"-verk uppfattas som en del av stadslandskapet, som illegal graffiti som har kränkt renheten på ytan på något gatuobjekt. Denna serie verk av Christopher Wool är erkänd som en av topparna inom språklig abstraktion, och är därför högt värderad av älskare av samtidskonst.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 miljoner dollar

brittisk Peter Doig(1959), även om han tillhör generationen av postmodernisterna Koons och Hirst, valde för sig en helt traditionell landskapsgenre, som länge inte var i fördel med avancerade konstnärer. Med sitt arbete återupplivar Peter Doig allmänhetens tynande intresse för figurativt måleri. Hans arbete är mycket uppskattat av både kritiker och icke-specialister, och bevis på detta är den snabba prishöjningen för hans verk. Om hans landskap i början av 1990-talet kostade flera tusen dollar, går räkningen nu på miljonbelopp.

Doigs verk kallas ofta för magisk realism. Utifrån verkliga landskap skapar han fantasifulla, mystiska och ofta dystra bilder. Konstnären gillar att avbilda föremål som övergivits av människor: en fallfärdig byggnad byggd av Le Corbusier mitt i en skog eller en tom vit kanot på ytan av en skogssjö. Förutom naturen och fantasin är Doig inspirerad av skräckfilmer, gamla vykort, fotografier, amatörvideor och så vidare. Doigs målningar är färgglada, intrikata, dekorativa och inte provocerande. Det är trevligt att äga en sådan tavla. Författarens låga produktivitet väcker också samlarnas intresse: konstnären som bor i Trinidad skapar inte mer än ett dussin målningar om året.

I början av 2000-talet såldes enskilda landskap av konstnären för flera hundra tusen dollar. Samtidigt ingick Doigs verk i Saatchi Gallery, på Biennalen på Whitney Museum och i MoMA-samlingen. 2006 övervanns auktionsgränsen på 1 miljon dollar. Och följande år inträffade ett oväntat genombrott: verket "White Canoe", som erbjöds på Sotheby's den 7 februari 2007 med en uppskattning på 0,8–1,2 miljoner dollar, översteg den preliminära uppskattningen fem gånger och såldes för 5,7 miljoner pund (11,3 miljoner dollar). På den tiden var det ett rekordpris för en levande europeisk konstnärs verk.

2008 höll Doig separatutställningar på Tate Gallery och Museum of Modern Art i Paris. Prislappar på flera miljoner dollar för Doigs arbete har blivit normen. Peter Doigs personliga rekord har nyligen uppdaterats flera gånger om året - vi har bara tid att ändra bilden och platsen för denna artist i vår ranking av levande författare.

Peter Doigs hittills dyraste verk är Rosedales snölandskap från 1991. Intressant nog sattes rekordet inte på Sotheby's eller Christie's, utan på Phillips samtida konstauktion. Detta hände den 18 maj 2017. En utsikt över snötäckta Rosedale, ett av Torontos stadsdelar, såldes till en telefonköpare för 28,81 miljoner dollar, en ökning med cirka 3 miljoner dollar från det tidigare rekordet (25,9 miljoner dollar för "Swallowed in the Mire"). Målningen "Rosedale" deltog i Doigs nyckelutställning på Whitechapel Gallery i London 1998, och i allmänhet var detta verk färskt för marknaden, och därför är rekordpriset välförtjänt.

9. FRANK STELLA Cape tallar. 1959. 28 miljoner dollar

Frank Stella är en ljus representant för post-painting abstraktion och minimalism i konsten. I ett visst skede kallas det för en hård kantmålningsstil. Till en början kontrasterade Stella sin målningars strikta geometriska, asketiska monokroma och strukturerade karaktär med spontaniteten och slumpmässigheten hos abstrakta expressionister som Jackson Pollocks dukar.

I slutet av 1950-talet sågs konstnären av den berömde galleristen Leo Castelli och belönades med en utställning för första gången. På den presenterade han de så kallade "Svarta målningarna" - dukar målade över med parallella svarta linjer med tunna mellanrum av omålad duk mellan dem. Linjer formas till geometriska former, som lite påminner om optiska illusioner, själva bilderna som flimrar, rör sig, vrider sig, skapar en känsla av djup rymd om man tittar på dem länge. Stella fortsatte temat parallella linjer med tunna skiljeremsor i sina verk om aluminium och koppar. Färgerna, den bildmässiga grunden och till och med formen på målningarna förändrades (bland annat sticker ut verk i form av bokstäverna U, T, L). Men huvudprincipen i hans målning bestod fortfarande i konturens klarhet, monumentalitet, enkel form, monokrom. Under de följande decennierna gick Stella bort från ett sådant geometriskt måleri mot släta, naturliga former och linjer, och från monokromatiska målningar till ljusa och varierande färgövergångar. På 1970-talet hänfördes Stella av de enorma mönster som användes för att måla fartyg. Konstnären använde dem för enorma målningar med assemblageelement - han inkluderade bitar av stålrör eller trådnät i sina verk.

I sina tidiga intervjuer talar Frank Stella uppriktigt om de betydelser som lagts ner i hans arbete, eller snarare, om deras frånvaro: "Vad du ser är vad du ser." Målningen är ett objekt i sig, inte en reproduktion av någonting. "Det är en plan yta med färg på och inget annat", sa Stella.

Tja, signerad av Frank Stella, den här "ytan med färg på" kan vara värd miljontals dollar idag. För första gången i rankningen av levande konstnärer fick Frank Stella 2015 med försäljningen av Delaware Crossing (1961) för 13,69 miljoner dollar, inklusive provision.

Fyra år senare, den 15 maj 2019, sattes ett nytt rekord av det tidiga (1959) verket "Cape of Pines": priset på hammaren var över 28 miljoner dollar, inklusive provision. Det här är en av 29 "svarta målningar" - just de som Stella debuterade med på sin första utställning i New York. Princeton University-utexaminerade Frank Stella var då 23 år gammal. Han hade ofta inte tillräckligt med pengar till oljefärg för konstnärer. Den unge konstnären var månsken som ett reparationsarbete, han gillade verkligen färgens rena färger, och då uppstod idén att arbeta med denna färg på duk. Med svart emaljfärg målar Stella parallella ränder och lämnar tunna linjer av ogrundad duk mellan dem. Dessutom skriver han utan linjaler, med ögat, utan en preliminär skiss. Stella visste aldrig exakt hur många svarta streck som skulle förekomma i en viss målning. Till exempel, i målningen "Cape of Pines", finns det 35 av dem. Titeln på verket hänvisar till namnet på udden i Massachusetts Bay - Point of Pines. I början av 1900-talet hade den en stor nöjespark, och idag är det ett av stadsdelarna i staden Revere.

10. YOSHITOMO NARA Kniv bakom ryggen. 2000. 24,95 miljoner dollar

Yoshitomo Nara (1959) är en av nyckelfigurerna inom japansk neo-popkonst. Japanska - för, trots global berömmelse och många års arbete utomlands, kännetecknas hans verk fortfarande av en uttalad nationell identitet. Naras favoritkaraktärer är flickor och hundar i stil med japansk manga och anime-serier. Bilderna han uppfann i många år har "gått till folket": de är tryckta på T-shirts, souvenirer och olika "varor" görs med dem. Född i en fattig familj, långt från huvudstaden, är han inte bara älskad för sin talang, utan också uppskattad som en person som har skapat sig själv. Konstnären arbetar snabbt och uttrycksfullt. Det är känt att några av hans mästerverk fullbordades bokstavligen över en natt. Målningar och skulpturer av Yoshitomo Nara är som regel mycket koncisa och till och med sparsamma i uttrycksfulla medel, men bär alltid en stark känslomässig laddning. Tonårsflickor på Nara tittar ofta på betraktaren med en ovänlig kisning. I deras ögon - fräckhet, utmaning och aggression. I händerna - sedan en kniv, sedan en cigarett. Det finns en åsikt att de avbildade perversionerna av beteende är en reaktion på den förtryckande offentliga moralen, olika tabun och de utbildningsprinciper som japanerna antog. Nästan medeltida svårighetsgrad och skam driver problem inombords, skapar grunden för en fördröjd känslomässig explosion. "Kniv bakom ryggen" återspeglar bara rymligt en av konstnärens huvudidéer. I det här verket finns en hatande blick av en flicka, och en hand hotfullt lindad bakom hennes rygg. Fram till 2019 har Yoshitomo Naras målningar och skulpturer redan passerat miljonen, eller till och med flera miljoner, mer än en gång. Men tjugo miljoner – för första gången. Nara är en av världens mest kända japanskfödda artister. Och nu den dyraste av de levande. Den 6 oktober 2109, på Sotheby's i Hong Kong, tog han denna titel från Takashi Murakami och överträffade märkbart den 90-åriga avantgardekonstnären Yayoi Kusama (de maximala auktionspriserna för hennes målningar närmar sig redan 9 miljoner dollar).

11. ZENG FANZHI Sista måltiden. 2001. 23,3 miljoner dollar

På Sotheby's Hong Kong 5 oktober 2013årsskala duk "Sista måltiden" Peking konstnär Zeng Fanzhi (1964) såldes för ett rekordbelopp på 160 miljoner Hongkong-dollar - 23,3 miljoner dollar USA. Den slutliga kostnaden för Fanzhis arbete, givetvis skrivet under Leonardo da Vincis inflytande, visade sig vara dubbelt så högt som den preliminära uppskattningen på cirka 10 miljoner dollar. Zeng Fanzhis tidigare prisrekord var $ 9,6 miljoner betalades på Christie's Hong Kong-auktionen i maj 2008 för arbetet Maskserie. 1996 nr. 6".

"The Last Supper" är den största (2,2 × 4 meter) målningen av Fanzhi i serien "Masks", som täcker perioden från 1994 till 2001. Cykeln är tillägnad utvecklingen av det kinesiska samhället under inflytande av ekonomiska reformer. Införandet av delar av en marknadsekonomi av Kinas regering ledde till urbanisering och splittring av kineserna. Fanzhi skildrar invånarna i moderna kinesiska städer, som måste kämpa för en plats i solen. Den välkända kompositionen av fresken av Leonardo i läsningen av Fanzhi får en helt annan innebörd: scenen överförs från Jerusalem till klassrummet i en kinesisk skola med typiska hieroglyfstavlor på väggarna. "Kristus" och "apostlar" har förvandlats till pionjärer med scharlakansröda slipsar, och bara "Judas" bär en guldslips - detta är en metafor för västerländsk kapitalism, som penetrerar och förstör det vanliga sättet att leva i ett socialistiskt land.

Zeng Fanzhis verk ligger stilmässigt nära den europeiska expressionismen och är lika dramatiska. Men samtidigt är de fulla av kinesiska symboler och detaljer. Denna mångsidighet lockar både kinesiska och västerländska samlare till konstnärens verk. En direkt bekräftelse på detta är härkomsten av Nattvarden: verket lades ut på auktion av den berömde samlaren av det kinesiska avantgardet på 1980- och början av 1990-talet, den belgiske baronen Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Bro. 1980. 20,6 miljoner dollar

På auktion Christie's 13 maj 2015 abstrakt arbete "Bro" 85-årig amerikansk artist Robert Ryman(Robert Ryman) såldes för 20,6 miljoner dollar med hänsyn till provisionen - dubbelt så dyrt som den lägre uppskattningen.

Robert Ryman(1930) insåg inte direkt att han ville bli konstnär. Vid 23 års ålder flyttade han till New York från Nashville, Tennessee, för att bli jazzsaxofonist. Under tiden blev han ingen känd musiker, han var tvungen att tjäna extra pengar som säkerhetsvakt på MoMA, där han träffade Saul LeWitt och Dan Flavin. Den första arbetade i museet som nattsekreterare och den andra som väktare och hissoperatör. Inspirerad av verk av abstrakta expressionister som han såg på MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock och Newman - började Robert Ryman måla 1955.

Ryman omtalas ofta som en minimalist, men han föredrar att bli kallad "realist" eftersom han inte är intresserad av att skapa illusioner, han visar bara på egenskaperna hos de material han använder. De flesta av hans verk är målade med färger i alla möjliga nyanser av vitt (från gråaktigt eller gulaktigt till bländande vitt) baserat på en lakonisk kvadratisk form. Under sin karriär prövade Robert Ryman många material och tekniker: han målade i olja, akryl, kasein, emalj, pasteller, gouache etc. på duk, stål, plexiglas, aluminium, papper, wellpapp, vinyl, tapeter etc. Hans vän, en professionell återställare, Orrin Riley, gav honom råd om frätande egenskaper hos de material han tänkte använda. Som en konstnär en gång sa: "Jag har aldrig en fråga Vad skriv, huvudsaken - Hur skriva". Allt handlar om strukturen, slagens karaktär, gränsen mellan den färgglada ytan och basens kanter, samt förhållandet mellan verket och väggen. Sedan 1975 har ett speciellt inslag i hans arbete varit armaturerna, som Ryman designar själv och medvetet lämnar dem synliga, och framhäver hans verk "lika verkliga som väggarna som de hänger på är verkliga." Ryman föredrar att ge verk "namn" snarare än "titlar". "Namnet" är det som hjälper till att skilja ett verk från ett annat, och Ryman benämner ofta sina verk efter färgmärken, företag etc. och "titeln" gör anspråk på någon sorts anspelningar och djupt dolda betydelser, vars närvaro i hans verk som konstnären regelbundet förnekar. Inget annat än material och teknik spelar roll.

13. Damien Hirst Sömnig vår. 2002. 19,2 miljoner dollar

engelsk konstnär Till Damien Hirst (1965) var avsedd att bli den första att ta förstaplatsen i detta betyg i en dispyt med den levande klassikern Jasper Johns. Det redan nämnda verket "Falskstart" skulle kunna förbli en osänkbar ledare under lång tid om 21 juni 2007 installation på den tiden 42-åriga Hirst "Sömnig vår"(2002) såldes inte på Sotheby's för £ 9,76 miljoner, det vill säga för 19,2 miljoner dollar. Verket har för övrigt ett ganska ovanligt format. Å ena sidan är detta ett vitrinskåp med dummies av piller (6 136 piller), faktiskt en klassisk installation. Och å andra sidan är den här montern platt (10 cm djup), intagen i en ram och hängd på väggen som en plasmapanel, vilket till fullo ger den komfort som är inneboende i målningar. 2002 sålde installationens syster, Sleepy Winter, för 7,4 miljoner dollar, mer än halva priset. Någon "förklarade" skillnaden i pris med att tabletterna är mer bleka på vintern. Men det är tydligt att denna förklaring är helt grundlös, eftersom prismekanismen för sådana saker inte längre är förknippad med deras dekorativa effekt.

År 2007 erkände många Hirst som författaren till det dyraste verket bland levande konstnärer. Frågan är dock från kategorin "beroende på hur man räknar". Faktum är att Hurst såldes för dyra pund, och Jones för dollar som nu har fallit i pris, och till och med för tjugo år sedan. Men även om vi räknar till nominellt värde, utan att ta hänsyn till 20-årig inflation, så var Hirsts arbete dyrare i dollar och Jones i pund. Situationen var på gränsen och var och en fick bestämma vem som skulle anses vara dyrast. Men Hurst höll ut på första plats inte så länge. Samma 2007 fördrevs han från första plats av Koons med sitt "Hängande hjärta".

Precis på tröskeln till den globala prisnedgången för samtidskonst, gjorde Hirst ett aldrig tidigare skådat åtagande för en ung konstnär - en solotuktion över hans verk, som ägde rum den 15 september 2008 i London. Nyheten om Lehman Brothers konkurs som tillkännagavs dagen innan förstörde inte aptiten hos samtida konstälskare: av de 223 verk som erbjöds av Sotheby's var det bara fem som inte hittade nya ägare (en av köparna var förresten Viktor Pinchuk ). Arbete "Gyllene Oxen"- en enorm bild av en tjur i formaldehyd, krönt med en gyllene skiva, - förs £10,3 miljoner ($18,6 miljoner). Detta är Hursts bästa resultat om det mäts i pund (i den valuta som affären gjordes i). Vi rankar dock i dollar, så (må Guldkalven förlåta oss) kommer vi att betrakta Hirsts bästa rea ​​som Sleepy Spring.

Sedan 2008 har Hirst inte haft försäljning av Sleepy Spring och Golden Calf. Färska rekord från 2010-talet - för Richter, Jones, Fanzhi, Wool och Koons arbete - flyttade Damien till den sjätte raden i vårt betyg. Men låt oss inte göra en kategorisk bedömning om nedgången av Hirst-eran. Enligt analytiker har Hurst som en "superstar" redan gått till historien, vilket betyder att de kommer att köpa den under väldigt lång tid; men det största värdet i framtiden förutspås för verk skapade under den mest innovativa perioden av hans karriär, det vill säga på 1990-talet.

14. Maurizio Cattelan Honom. 2001. 17,19 miljoner dollar

Italienaren Maurizio Cattelan (1960) kom till konsten efter att ha arbetat som säkerhetsvakt, kock, trädgårdsmästare och möbeldesigner. Den självlärde författaren har blivit världskänd för sina ironiska skulpturer och installationer. Han har tappat en meteorit på påven, förvandlat en kunds fru till en jakttrofé, slitit hål i golvet på ett museum för gamla mästare, hållit upp ett gigantiskt långfinger till börsen i Milano, tagit med en levande åsna till Frismässan . Inom en snar framtid lovar Cattelan att installera en gyllene toalett på Guggenheimmuseet. Till slut blev Maurizio Cattelans upptåg allmänt erkända i konstvärlden: han är inbjuden till Venedigbiennalen (installationen "Andra" 2011 - en flock på två tusen duvor som hotfullt tittar från alla rör och strålar på mängden besökare passerar nedan), arrangerar han en retrospektiv på New York Guggenheim Museum (november 2011) och slutligen betalas stora pengar för hans skulpturer.

Sedan 2010 har Maurizio Cattelans dyraste verk varit en vaxskulptur av en man som tittar ut ur ett hål i golvet, utåt lik konstnären själv ("Untitled", 2001). Denna skulpturinstallation, som finns i tre exemplar plus författarens kopia, visades först på Boijmans van Beuningen-museet i Rotterdam. Sedan tittade denna busiga karaktär ut ur ett hål i golvet i hallen med målningar av holländska målare från 1700- och 1800-talen. Maurizio Cattellan associerar sig i detta verk med en vågad brottsling som invaderar museihallens heliga utrymme med målningar av stora mästare. Därmed vill han beröva konsten den gloria av helighet som museiväggar ger den. Verket, för att ställa ut som varje gång man ska göra hål i golvet, såldes för 7,922 miljoner dollar på Sotheby's.

Rekordet stod sig till den 8 maj 2016, då Cattelans ännu mer provocerande verk Him, föreställande en knästående Hitler, gick under klubban för 17 189 miljoner dollar.. Saken är märklig. Namnet är konstigt. Karaktärsval är riskabelt. Som allt annat med Cattelan. Vad betyder Honom? "Hans" eller "Hans infernaliska majestät"? Det är tydligt att vi definitivt inte pratar om att skandera bilden av Führern. I detta verk framstår Hitler snarare i en hjälplös, ynklig form. Och absurt – Satans inkarnation görs till storleken av ett barn, klädd i skolpojksdräkt och knäböjer med ett ödmjukt ansiktsuttryck. För Cattelan är den här bilden en inbjudan att reflektera över den absoluta ondskans natur och ett sätt att bli av med rädslor. Förresten, "Han"-skulpturen är välkänd för den västerländska publiken. Hennes bröder i serien har ställts ut mer än 10 gånger på ledande museer runt om i världen, inklusive Pompidou-centret och Solomon Guggenheim-museet.

15. MARC GROTJAN Namnlös (S III släppt till Frankrike Face 43.14). 2011. 16,8 miljoner dollar

Den 17 maj 2017 dök en av de mäktigaste målningarna av Marc Grotjan som någonsin lagts ut på auktion på Christie's kvällsauktion i New York. Målningen "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" ställdes ut av den parisiske samlaren Patrick Seguin med en uppskattning på 13-16 miljoner dollar, och eftersom försäljningen av tomten garanterades av en tredje part var ingen särskilt förvånad genom upprättandet av ett nytt personligt auktionsrekord av den 49-årige artisten. Hammarens pris på 14,75 miljoner dollar (16,8 miljoner dollar med Buyer's Premium) överträffade Grotjans tidigare auktionsrekord med mer än 10 miljoner dollar, vilket placerade honom i klubben av levande konstnärer vars verk säljs för åtta siffror. Sjusiffrigt samma resultat (försäljning över 1 miljon dollar, men inte mer än 10 miljoner dollar) i auktionsspargris Mark Grotyan för cirka trettio.

Mark Grotjan (1968), i vars verk experter ser inflytandet från modernism, abstrakt minimalism, pop och opkonst, kom till sin företagsidentitet i mitten av 1990-talet, efter att ha flyttat med sin vän Brent Peterson till Los Angeles och öppnat ett galleri där "Rum 702". Som konstnären själv minns, började han på den tiden fundera på vad som kom först för honom i konsten. Han letade efter motivet som han kunde experimentera med. Och jag insåg att han alltid var intresserad av linje och färg. Experiment i rayonismens och minimalismens anda med linjärt perspektiv, många flyktpunkter och mångfärgade abstrakta triangulära former gav så småningom Grotjan världsberömdhet.

Från abstrakta, färgstarka landskap med flera horisonter och flyktpunkter, hamnade han i triangulära former som påminde om fjärilsvingar. Målningar av Grotjan 2001–2007 De kallar det "fjärilar". Idag anses att flytta flyktpunkten eller använda flera flyktpunkter på en gång, åtskilda i rymden, en av konstnärens mest kraftfulla tekniker.

Nästa stora serie verk kallades "Ansikten"; i de abstrakta linjerna i denna serie kan man gissa egenskaperna hos ett mänskligt ansikte, förenklat till tillståndet av en mask i Matisses, Jawlenskys eller Brancusis anda. På tal om den ultimata förenklingen och stiliseringen av former, om målningarnas kompositionslösning, när ögonens och munnens utspridda konturer tycks titta på oss från snåret, noterar forskarna kopplingen mellan Grotjans ansikten och det primitiva konsten. stammar i Afrika och Oceanien, medan konstnären själv helt enkelt "gillar bildens ögon som tittar ut från djungeln. Jag föreställde mig ibland babianers eller apors ansikten. Jag kan inte säga att jag var medvetet eller omedvetet påverkad av primitiv afrikansk konst, snarare var jag influerad av konstnärer som påverkades av den. Picasso är det mest uppenbara exemplet."

Verken i "Faces"-serien kallas brutala och eleganta, tilltalande för ögat och tilltalande för sinnet. Med tiden förändras också texturen på dessa verk: för att skapa effekten av ett inre utrymme använder konstnären breda drag av tjock färg, till och med stänk i Pollock-stil, men målningens yta jämnas så att, vid närmare granskning, det verkar helt platt. Auktionsrekordmålningen Untitled (S III Released to France Face 43.14) tillhör denna hyllade serie av Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Min ensamma cowboy. 15,16 miljoner dollar

japanska Takashi Murakami (1962) angett vårt betyg med skulptur "Min ensamma cowboy", såldes på Sotheby's i maj 2008 för $ 15,16 miljoner. Med denna försäljning ansågs Takashi Murakami länge vara den mest framgångsrika nu levande asiatiska konstnären - tills han översköljdes av försäljningen av The Last Supper av Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami arbetar som konstnär, skulptör, modedesigner och animatör. Murakami ville ta något riktigt japanskt som grund för sitt arbete, utan västerländska eller andra lån. Under sina studentår fascinerades han av den traditionella japanska konsten nihonga, senare ersattes den av den populära konsten anime och manga. Så föddes den psykedeliska Mr DOB, mönster av leende blommor och ljusa, glänsande glasfiberskulpturer, som om de precis hade tagit sig ut från sidorna i japanska serier. Vissa anser att Murakamis konst är snabbmat och förkroppsligandet av vulgaritet, andra kallar konstnären för japanen Andy Warhol – och i den senares led finns, som vi ser, många mycket rika människor.

Murakami lånade namnet för sin skulptur från Andy Warhols The Lonely Cowboys (1968), som japanen, som han själv medgav, aldrig hade sett, men han gillade verkligen kombinationen av ord. Murakami med en skulptur gladde fans av erotiska japanska serier och skrattade åt dem. Ökad i storlek, och dessutom tredimensionell, förvandlas animehjälten till en fetisch av masskultur. Detta konstnärliga uttalande är helt i andan av klassisk västerländsk popkonst (kom ihåg Allen Jones möbelset eller Koons Pink Panther), men med en nationell twist.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS är pseudonymen för den amerikanske konstnären Brian Donelly från New Jersey. Han är den yngsta deltagaren i vårt betyg, född 1974. Donelly började som animatör på Disney (ritade bakgrunder till den tecknade filmen "101 Dalmatiner" och andra). Jag har varit intresserad av graffiti sedan jag var ung. Till en början var hans signaturdesign en dödskalle med "X" i stället för ögonhålorna. Den unge författarens arbete har älskats av showbusiness och folk från modebranschen: han gjorde omslaget till Kanye West-albumet, släppte samarbeten för Nike, Comme des Garçons och Uniqlo. Med tiden har KAWS blivit en välkänd figur i den samtida konstvärlden. Hans signatur Musse Pigg-figur har hittat sin väg till museer, offentliga utrymmen och privata samlingar. En gång släppte KAWS en vinylleksak i begränsad upplaga med varumärket My Plastic Heart, och de blev plötsligt föremål för stort samlarintresse. En av de passionerade samlarna av dessa "leksaker" är grundaren av Black Star, rapparen Timati: han samlade nästan fullständigt hela serien av "Cavs Companions".

KAWS verk satte rekord för en artists oeuvre - 14,7 miljoner dollar - på Sotheby's Hong Kong-auktion den 1 april 2019. Det brukade finnas i den japanska modedesignern Nigos samling. Meter canvas The KAWS Album är en hyllning till omslaget till det berömda The Beatles-albumet "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" 1967. Bara istället för människor har den Kimpsons – stiliserade karaktärer från Simpsons serie med "X" istället för ögon.

18. JIN SHAN Tadzjikisk brud. 1983. 13,89 miljoner dollar

Bland de relativt unga och samtida kinesiska konstnärerna, som alla tillhör den så kallade "nya vågen" från det sena 1980-talet inom kinesisk konst, inkluderade vårt betyg helt oväntat en representant för en helt annan generation och en annan skola. Jin Shan (Jin Shangyi), som nu är över 80, tillhör de lysande representanterna för den första generationen konstnärer i det kommunistiska Kina. Åsikterna från denna grupp av konstnärer bildades i stor utsträckning under inflytande av den närmaste kommunistiska allierade - Sovjetunionen.

Officiell sovjetisk konst, socialistisk realism, oljemålning, som fortfarande var ovanlig för Kina (till skillnad från traditionell kinesisk bläckmålning) på 1950-talet, var på toppen av populariteten, och den sovjetiske konstnären Konstantin kom till Beijings konstuniversitet i tre år ( från 1954 till 1957) för att undervisa Methodievich Maksimov. Jin Shani, som vid den tiden var yngst i gruppen, kom in i sin klass. Konstnären kom alltid ihåg sin lärare med stor värme och sa att det var Maksimov som lärde honom att korrekt förstå och avbilda modellen. K. M. Maksimov tog upp en hel galax av kinesiska realister, nu klassiker.

I Jin Shans verk kan man känna inflytandet från både den sovjetiska "svåra stilen" och den europeiska målarskolan. Konstnären ägnade mycket tid åt att studera renässansens och klassicismens arv, samtidigt som han ansåg det nödvändigt att bevara den kinesiska andan i sina verk. Målningen "Tajik Bride", målad 1983, anses vara ett universellt erkänt mästerverk, en ny milstolpe i Jin Shans arbete. Det var hon som ställdes upp på China Guardian-auktionen i november 2013 och såldes flera gånger dyrare än uppskattningen - för 13,89 miljoner dollar, inklusive provision.

19. BANKSY Det förfallna parlamentet. 2008. 12,14 miljoner dollar

Väggmålningar med Banksy-taggen började dyka upp på väggarna i städer (först i Storbritannien och sedan runt om i världen) i slutet av 1990-talet. Hans filosofiska och samtidigt skarpa graffiti ägnades åt problemen med statens attack mot medborgarnas friheter, brott mot miljön, oansvarig konsumtion och omänskligheten i det illegala migrationssystemet. Med tiden fick Banksys vägg-"förbråelser" en aldrig tidigare skådad mediapopularitet. I själva verket blev han en av de främsta talesmännen för den allmänna opinionen som fördömde staters och företags hyckleri, vilket skapade växande orättvisa i det kapitalistiska systemet.

Betydelsen av Banksy, känslan av "tidens nerv" och noggrannheten i hans metaforer uppskattades inte bara av publiken utan också av samlare. På 2010-talet gavs hundratusentals eller till och med mer än en miljon dollar för hans verk. Det kom till den grad att Banksy graffiti bröts ner och stals tillsammans med bitar av väggar.

I en tid av avancerad digital övervakning lyckas Banksy fortfarande vara anonym. Det finns en version att detta inte längre är en person, utan en grupp av flera artister, ledda av en begåvad kvinna. Det skulle förklara mycket. Och den yttre olikheten hos författarna som fångas i linserna på vittneskamerorna och den opersonliga stencilmetoden för applicering (ger hög hastighet och kräver inte direkt medverkan av författaren), och den rörande romantiken hos målningarnas ämnen (bollar, snöflingor etc.). Hur som helst, folket från Banksy-projektet, inklusive hans assistenter, vet hur de ska hålla käften.

2019 blev Banksys dyraste verk oväntat ett fyra meter långt devolved parlament ("degraderat", "förfallit" eller "delegerat" parlament). Schimpanser som bråkar i underhuset verkar håna publiken under året för den skandalösa Brexit. Det är förvånande att målningen målades 10 år före denna historiska vändpunkt, och därför anser någon att den är profetisk. På en Sotheby's-auktion den 3 oktober 2019 köpte en okänd köpare oljan för 12 143 000 dollar i en hård budgivning - sex gånger priset på den preliminära uppskattningen.

20. JOHN CURREN "Söt och enkel." 1999. 12,007 miljoner dollar

Amerikansk konstnär John Curran (1962) känd för sina satiriska figurativa målningar på provocerande sexuella och sociala teman. Currens verk lyckas kombinera de gamla mästarnas målningstekniker (särskilt Lucas Cranach den äldre och manéristerna) och modefotografi från glansiga tidningar. För att uppnå mer grotesk, förvränger Karren ofta människokroppens proportioner, förstorar eller förminskar dess individuella delar, skildrar hjältar i trasiga, upplevda poser.

Curren började 1989 med porträtt av flickor som ritades om från ett skolalbum; fortsatte i början av 1990-talet med bilder på busty skönheter inspirerade av foton från Cosmopolitan och Playboy; 1992 dök porträtt av rika äldre damer upp; och 1994 gifte Curren sig med skulptören Rachel Feinstein, som blev hans främsta musa och modell under många år. I slutet av 1990-talet gav Currins tekniska skicklighet, i kombination med kitsch och groteskhet i hans målningar, honom popularitet. 2003 tog Larry Gagosian över marknadsföringen av artisten, och om en sådan återförsäljare som Gagosian tar sig an författaren, är framgång garanterad. 2004 hölls en retrospektiv av John Curran på Whitney Museum.

Ungefär vid denna tid började hans verk säljas för sexsiffriga. Det aktuella rekordet för en målning av John Curran tillhör Sweet and Simple, som såldes den 15 november 2016 på Christie's för 12 miljoner dollar. nu över 50, är ​​detta definitivt ett karriärgenombrott. Hans tidigare rekord 2008 var 5,5 miljoner dollar (betalt förresten för samma verk "Cute and Simple").

21. BRICE MARDEN Den deltog. 1996–1999 10,917 miljoner dollar

En annan levande amerikansk abstrakt konstnär i vår ranking är Bryce Marden (1938). Mardens verk i stil med minimalism, och sedan slutet av 1980-talet - gestalmåleri, utmärks av en unik författares, något dämpade palett. Färgkombinationer i Mardens verk är inspirerade av hans resor runt om i världen - Grekland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Bland de författare som påverkade bildandet av Marden finns Jackson Pollock (i början av 1960-talet arbetade Marden som säkerhetsvakt på det judiska museet, där han personligen observerade Pollocks "dropp"), Alberto Giacometti (bekantade sig med hans arbete i Paris) och Robert Rauschenberg (någon stund Marden arbetade som hans assistent). Den första etappen av Mardens arbete ägnas åt klassiska minimalistiska dukar, bestående av färgade rektangulära block (horisontella eller vertikala). Till skillnad från många andra minimalister, som sökte den idealiska kvaliteten på verk, som om de skulle tryckas av en maskin, och inte ritade av en person, behöll Marden spår av konstnärens arbete och kombinerade olika material (vax och oljefärger). Sedan mitten av 1980-talet, under inflytande av orientalisk kalligrafi, har geometrisk abstraktion ersatts av meanderliknande linjer, vars bakgrund var samma monokroma färgfält. Ett av dessa "slingrande" verk - "The Attended" - såldes på Sotheby's i november 2013 för 10,917 miljoner dollar, inklusive provision.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 december 1959. 10,6 miljoner dollar

23. ZHANG XIAOGANG Evig kärlek. 10,2 miljoner dollar

En annan representant för kinesisk samtidskonst är en symbolist och surrealist Zhang Xiaogang (1958). På Sotheby's Hong Kong 3 april 2011, där det kinesiska avantgardet från samlingen av den belgiske baronen Guy Ullens såldes, en triptyk av Zhang Xiaogang "Evig kärlek" såldes för $ 10,2 miljoner. På den tiden var det ett rekord inte bara för konstnären, utan för hela den kinesiska samtidskonsten. Det sägs att Xiaogangs verk köptes av miljardärens fru Wang Wei, som är på väg att öppna ett eget museum.

Zhang Xiaogang, som är förtjust i mystik och österländsk filosofi, skrev berättelsen om "Evig kärlek" i tre delar - liv, död och återfödelse. Denna triptyk fanns med i den ikoniska Kina/Avant-garde-utställningen 1989 på National Museum of Art. Även 1989 undertrycktes studentdemonstrationer brutalt på Himmelska fridens torg av militären. Efter denna tragiska händelse började skruvarna dra åt - utställningen på Nationalmuseum skingrades, många konstnärer emigrerade. Som svar på den socialistiska realismen som påtvingats uppifrån, uppstod en riktning av cynisk realism, en av de främsta företrädarna för vars Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Hjälplös Henry Moore. 1967. 9,9 miljoner dollar

amerikansk Bruce Nauman (1941), vinnaren av huvudpriset på den 48:e Venedigbiennalen (1999), har länge gått till sitt rekord. Nauman började sin karriär på sextiotalet. Konnässörer kallar honom, tillsammans med Andy Warhol och Joseph Beuys, en av de mest inflytelserika gestalterna inom konsten under andra hälften av 1900-talet. Men den rika intellektualiteten och den absoluta icke-dekorativiteten hos några av hans verk hindrade uppenbarligen hans snabba erkännande och framgång hos allmänheten. Nauman experimenterar ofta med språk och upptäcker oväntade betydelser av bekanta fraser. Ord blir de centrala karaktärerna i många av hans verk, inklusive neon pseudo-skyltar och paneler. Nauman själv kallar sig skulptör, även om han under de senaste fyrtio åren har provat sig inom helt andra genrer – skulptur, fotografi, videokonst, performance, grafik. I början av 1990-talet yttrade Larry Gagosian de profetiska orden: "Det verkliga värdet av Naumanns verk har ännu inte insetts." Och så blev det: 17 maj 2001 på Christie's av Naumann 1967 "Hjälplös Henry Moore (bakifrån)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) satte ett nytt rekord i efterkrigskonstsegmentet. En avgjutning av Naumanns händer bundna bakom ryggen, gjorda av gips och vax, gick under hammaren för $ 9,9 miljoner i den franske magnaten Francois Pinaults samling (enligt andra källor amerikanen Phyllis Wattis). Uppskattningen av arbetet var bara $2-3 miljoner, så resultatet blev en riktig överraskning för alla.

Före denna legendariska försäljning hade bara två av Naumanns verk passerat miljongränsen. Och under hela hans auktionskarriär hittills har bara sex verk, förutom "Henry Moore ...", gått för sju siffror, men deras resultat kan fortfarande inte jämföras med nio miljoner.

"Hjälplösa Henry Moore" är ett av Naumanns serier av polemiska verk om Henry Moores gestalt (1898–1986), en brittisk konstnär som ansågs vara bland de största skulptörerna på 1900-talet på sextiotalet. Unga författare, som befann sig i skuggan av en erkänd mästare, attackerade honom sedan med hård kritik. Naumanns verk är ett svar på denna kritik och samtidigt en reflektion kring ämnet kreativitet. Verkets titel blir en ordlek, eftersom den förbinder två betydelser av det engelska ordet bound – bunden (i bokstavlig mening) och dömd till ett visst öde.

Uppmärksamhet! Allt material på sajten och databasen med auktionsresultat från sajten, inklusive illustrerad referensinformation om verk som säljs på auktioner, är endast avsett att användas i enlighet med Art. 1274 i den ryska federationens civillag. Användning för kommersiella ändamål eller i strid med reglerna som fastställts i den ryska federationens civillag är inte tillåten. webbplatsen ansvarar inte för innehållet i material som skickats in av tredje part. I händelse av kränkning av tredje parts rättigheter förbehåller sig webbplatsadministrationen rätten att ta bort dem från webbplatsen och från databasen baserat på begäran från det auktoriserade organet.

Konsttidningen Ryssland presenterar ett betyg: de dyraste levande konstnärerna i Ryssland. Om du fortfarande är säker på att det inte fanns några ryska artister i den västra buren och det inte är det, är vi redo att argumentera med det. Siffrornas språk.

Förutsättningarna var enkla: var och en av de levande konstnärerna kunde representeras av endast ett, deras dyraste verk. Vid sammanställningen av betyget togs inte bara hänsyn till resultaten från offentliga auktioner, utan även den mest uppmärksammade privata försäljningen. Författarna till betyget vägleddes av principen "om något säljer högt, då behöver någon det", och uppskattade därför arbetet från marknadsförare och presschefer för artister som gav rekord privat försäljning till allmänheten. Viktig anmärkning: betyget baseras enbart på finansiella indikatorer; om det var baserat på konstnärers utställningsverksamhet skulle det se lite annorlunda ut. Resurser fungerade som externa källor för analys Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.com Och Artinvestment.ru.

Den amerikanska dollarn valdes som valuta för världsbetyget, och det brittiska pundet togs som motsvarighet till försäljningen av ryska artister (eftersom 90% av den inhemska försäljningen ägde rum i London i denna valuta). De återstående 10 % av verk som såldes i US-dollar och euro omräknades till växelkursen vid tidpunkten för transaktionen, vilket resulterade i att vissa positioner bytte plats. Utöver den faktiska kostnaden för verket samlades uppgifter in om den totala kapitaliseringen av konstnärer (antalet toppverk som sålts på auktion för alla år), om en samtida konstnärs plats i rankingen av konstnärer genom tiderna, på platsen för en deltagares dyraste verk bland alla sålda verk av andra författare, och även om nationalitet och bosättningsland. Viktig information finns också i statistiken över upprepad försäljning av varje artist som en objektiv indikator på investeringar
attraktivitet.

Förra året, 2013, förändrade positionerna för samtida konstnärer avsevärt i den internationella försäljningsrankningen. Av de 50 mest dyraste konstverken såldes 16 moderna förra säsongen - ett rekordantal (som jämförelse såldes 17 verk från 2010 till 2012, bara en försäljning faller på nittonhundratalet). Efterfrågan på levande konstnärer är dels identisk med efterfrågan på all samtidskonst, dels med den cyniska förståelsen att kapitaliseringen av tillgångar efter deras död ständigt kommer att öka.

Bland de ryska deltagarna var bröderna mest respekterade Sergey Och Alexey Tkachevy(f. 1922 och 1925), den yngsta - Anatolij Osmolovskij(f. 1969). Frågan är vem som blir den nya Jean-Michel Basquiat medan den är öppen. Tydliga klasser av köpare är synliga i försäljningen av våra artister: ledare köps av utländska samlare och ryska oligarker, platser från 10:e till 30:e tillhandahålls av emigrantsamlare, och den villkorliga botten av topp 50 är vår framtid, unga samlare med " nya » pengar.

1. Ilja Kabakov
Det verkar som om den huvudsakliga ryska konstnären (vilket inte hindrar Kabakov, som föddes i Dnepropetrovsk, från att måla sig själv ukrainsk), grundaren av Moskvakonceptualismen (en av dem), författaren till termen och praktiken av "totalt installation". Sedan 1988 har han bott och arbetat i New York. Han jobbar i samarbete med sin fru, Emilia Kabakov, varför titeln ska se ut som "Ilya och Emilia Kabakov", men eftersom Ilja Iosifovich blev känd tidigare än Ilja och Emilia, låt det förbli så. Verk finns i Tretjakovgalleriet, Ryska museet, Eremitaget, MoMA, Kolodzei Art Foundation(USA), etc.
Födelseår: 1933
Produkt: "Beetle". 1982
Försäljningsdatum: 2008-02-28
Pris (GBP)1: 2 932 500
Total kapitalisering (GBP): 10 686 000
Sittplats: 1
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 117 429
Antal återförsäljningar: 12

2. Eric Bulatov
Med hjälp av tekniker som senare skulle kallas Sots Art kombinerade han figurativt måleri med text i sina verk. Under sovjettiden, en framgångsrik illustratör av barnböcker. Sedan 1989 har han bott och arbetat i New York, sedan 1992 i Paris. Den första ryska konstnären med en separatutställning på Pompidou Center. Verken förvaras i Tretjakovgalleriets samlingar, Ryska museet, Pompidoucentret, Ludwigmuseet i Köln, etc., ingår i stiftelsens samlingar Dina Verny, Victor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Ekaterina och Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
Födelseår: 1933
Konstverk: "Ära till SUKP". 1975
Försäljningsdatum: 2008-02-28
Pris (GBP)1: 1 084 500
Total kapitalisering (GBP): 8 802 000
Sittplats: 2
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 163 000
Antal återförsäljningar: 11

3. Vitaly Komar och Alexander Melamid
Skaparna av Sots Art - en snurrig trend inom inofficiell konst, som parodierar symbolerna och teknikerna för tjänstemannaskapet. De har bott i New York sedan 1978. Fram till mitten av 2000-talet arbetade de i par. Som ett konstprojekt organiserade de "försäljningen av själar" av kända konstnärer genom en auktion (själ Andy Warhol sedan dess ägt av Moskvakonstnären Alena Kirtsova). Verk finns i samlingarna av MoMA, Guggenheim-museet, Metropolitan Museum of Art, Louvren, i samlingarna Shalva Breus, Daria Zhukova Och Roman Abramovich och så vidare.
Födelseår: 1943, 1945
Arbete: "Möte Solsjenitsyn och Böll vid Rostropovichs dacha". 1972
Försäljningsdatum: 23.04.2010
Pris (GBP)1: 657 250
Total kapitalisering (GBP): 3 014 000
Sittplats: 7
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 75 350
Antal återförsäljningar: 3

tidigare comar&melamid artstudio arkiv

4. Semyon Faibisovich
En fotorealistisk konstnär som förblir den mest exakta realisten även nu, när målning fascinerar Semyon Natanovich mindre än journalistik. Utställd på Malaya Gruzinskaya, där han 1985 uppmärksammades av New York-handlare och samlare. Sedan 1987 har han regelbundet ställt ut i USA och Västeuropa. En aktiv anhängare av avskaffandet av lagen om propaganda för homosexualitet i Ryssland. Bor och arbetar i Moskva. Verk finns i Tretjakovgalleriets samlingar, Moscow House of Photography, museer i Tyskland, Polen, USA, ingår i samlingarna Daria Zhukova Och Roman Abramovich, Igor Markin, Igor
Tsukanova.
Födelseår: 1949
Komposition: "Soldiers" (från serien "Stations"). 1989
Försäljningsdatum: 2007-10-13
Pris (GBP)1: 311 200
Total kapitalisering (GBP): 3 093 000
Sittplats: 6
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 106 655
Antal återförsäljningar: 7

5. Grigory (Grisha) Bruskin
Huvudpersonen i den första och sista sovjetiska auktionen Sotheby's 1988, där hans verk The Fundamental Lexicon blev topplotten (220 000 £). På inbjudan av den tyska regeringen skapade han en monumental triptyk för den rekonstruerade riksdagen i Berlin. Vinnare av Kandinsky-priset i utnämningen "Årets projekt" för utställningen Tid H på Multimediakonstmuseet. Bor och arbetar i New York och Moskva. Verk finns i Tretjakovgalleriets samlingar, Ryska museet, Pushkinmuseet im. A. S. Pushkin, Ludwig-museet i Köln, MoMA, Museum of Jewish Culture (New York), etc., ingår i drottningen av Spaniens samlingar Sofia, Petr Aven, Shalva Breus, Vladimir och Ekaterina Semenikhin, Milos Forman.
Födelseår: 1945
Konstverk: "Logii. Del 1". 1987
Försäljningsdatum: 07.11.2000
Pris (GBP)1: 424 000
Total kapitalisering (GBP): 720 000
Sittplats: 15
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 24 828
Antal återförsäljningar: 5

6. Oleg Tselkov
En av sextiotalets mest kända konstnärer, som på 1960-talet började och fortfarande fortsätter en cykel av målningar som skildrar grova, som gjutna av lera, mänskliga ansikten (eller figurer), målade med ljusa anilinfärger. Sedan 1977 bor i Paris. Verken finns i Tretjakovgalleriets samlingar, Ryska museet, Eremitaget, Zimmerli-museet vid Rutgers University, etc., ingår i samlingarna Mikhail Baryshnikov, Arthur Miller, Igor Tsukanov. Den största privata samlingen av Tselkovs verk i Ryssland tillhör Evgeny Evtushenko.
Födelseår: 1934
Konstverk: "Pojke med ballonger" 1957
Försäljningsdatum: 26.11.2008
Pris (GBP)1: 238 406
Total kapitalisering (GBP): 4 232 000
Sittplats: 5
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 53 570
Antal återförsäljningar: 14

7. Oscar Rabin
Ledare för "Lianozovo-gruppen" (Moskva nonconformist artister på 1950-1960-talet), arrangör av det skandalösa bulldozerutställning 1974. Han var den förste i Sovjetunionen som sålde verk privat. 1978 fråntogs han sovjetiskt medborgarskap. Bor och arbetar i Paris. 2006 vann han Innovationspriset för sitt bidrag till konsten. Verken finns i samlingarna av Tretjakovgalleriet, Ryska museet, Moskvas moderna konstmuseum, Zimmerli-museet vid Rutgers universitet, ingår i samlingarna av Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Kronik, Iveta och Tamaz Manasherov, Evgeny Nutovich, Aslan Chekhoev.
Födelseår: 1928
Konstverk: "Staden och månen (Socialist
stad)". 1959
Försäljningsdatum: 2008-04-15
Pris (GBP)1: 171 939
Total kapitalisering (GBP): 5 397 000
Sittplats: 3
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 27 964
Antal återförsäljningar: 45

8. Zurab Tsereteli
Den största representanten för den redan monumentala konsten. Författaren till monumentet till Peter I i Moskva och monumentet Det goda övervinner det onda framför FN-byggnaden i New York. Grundare av Moscow Museum of Modern Art, president för den ryska konstakademin, skapare av Zurab Tsereteli Art Gallery, som arbetar vid den tidigare nämnda akademin. Skulpturer av Zurab Tsereteli, förutom Ryssland, pryder Brasilien, Storbritannien, Georgien, Spanien, Litauen, USA, Frankrike och Japan.
Födelseår: 1934
Komposition: "The Dream of Athos"
Försäljningsdatum: 01.12.2009
Pris (GBP)1: 151 250
Total kapitalisering (GBP): 498 000
Sittplats: 19
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 27 667
Antal återförsäljningar: 4

9. Viktor Pivovarov
En av grundarna av Moskvakonceptualismen. Liksom Kabakov, uppfinnaren av den konceptuella albumgenren; liksom Kabakov, Bulatov och Oleg Vasilyev är han en framgångsrik illustratör av barnböcker som samarbetat med tidningarna Murzilka och Funny Pictures. Sedan 1982 har han bott och arbetat i Prag. Verken finns i Tretjakovgalleriets samlingar, Ryska museet, Pushkinmuseet im. A.S. Pushkin, Kolodzei Art Foundation(USA), i samlingarna av Vladimir och Ekaterina Semenikhin, Igor Tsukanov.
Födelseår: 1937
Konstverk: "Triptyk med en orm." 2000
Försäljningsdatum: 2008-10-18
Pris (GBP)1: 145 250
Total kapitalisering (GBP): 482 000
Sittplats: 20
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 17 852
Antal återförsäljningar: 6

10. Alexander Melamid
Hälften av den kreativa tandem Komar — Melamid, upplöstes 2003. Tillsammans med Vitaly Komar, en deltagare bulldozerutställning(där de dog Dubbelt självporträtt, Sots Arts grundande arbete). Sedan 1978 har han bott och arbetat i New York. Det finns ingen information om i vilka välkända samlingar Melamids verk, skapade av honom självständigt, finns.
Födelseår: 1945
Komposition: Kardinal José Saraiva Martins. 2007
Försäljningsdatum: 2008-10-18
Pris (GBP)1: 145 250
Total kapitalisering (GBP): 145 000
Sittplats: 36
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 145 000
Antal återförsäljningar: —

11. Francisco Infante Arana
Ägaren kanske till den tyngsta listan över utställningar bland ryska konstnärer. Medlem av gruppen av kinetister "Rörelse", på 1970-talet hittade han sin egen version av fotoprestanda, eller "artefakt" - geometriska former integrerade i det naturliga landskapet.
Födelseår: 1943
Konstverk: "Att bygga en skylt." 1984
Försäljningsdatum: 31.05.2006
Pris (GBP)1: 142 400
Total kapitalisering (GBP): 572 000
Sittplats: 17
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 22 000
Antal återförsäljningar: —

12. Vladimir Nemukhin
Metafysiker. En klassiker från den andra vågen av det ryska avantgardet, en medlem av "Lianozovo-gruppen", en av deltagarna i Bulldozer-utställningen, curator (eller initiativtagare) till viktiga utställningar på 1980-talet, när inofficiell sovjet
konsten blev bara medveten om sig själv.
Födelseår: 1925
Konstverk: "Unfinished Solitaire". 1966
Försäljningsdatum: 2006-04-26
Pris (GBP)1: 240 000
Total kapitalisering (GBP): 4 338 000
Sittplats: 4
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 36 454
Antal återförsäljningar: 26

13. Vladimir Yankilevsky
Surrealist, ett av huvudnamnen på efterkrigstidens Moskvas inofficiella konst, skaparen av monumentala filosofiska polyptyker.
Födelseår: 1938
Konstverk: ”Triptyk nr 10. Själens anatomi. II." 1970
Försäljningsdatum: 23.04.2010
Pris (GBP)1: 133 250
Total kapitalisering (GBP): 754 000
Sittplats: 14
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 12 780
Antal återförsäljningar: 7

14. Alexander Vinogradov och Vladimir Dubossarsky
pittoreska projekt Tavlor på beställning, som de började på det hopplösa 1990-talet för att måla, fick vad det förtjänade på 2000-talet. Duetten blev populär bland samlare och en målning hamnade i Pompidoucentrets samling.
Födelseår: 1963, 1964
Konstverk: "Nattfitness". 2004
Försäljningsdatum: 2007-06-22
Pris (GBP)1: 132 000
Total kapitalisering (GBP): 1 378 000
Sittplats: 11
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 26 500
Antal återförsäljningar: 4

15. Sergey Volkov
En av perestroikakonstens hjältar, känd för uttrycksfulla målningar med tankeväckande uttalanden. Deltagare i den sovjetiska auktionen Sotheby'sår 1988.
Födelseår: 1956
Konstverk: "Dubbelseende.
Triptyk"
Försäljningsdatum: 31.05.2007
Pris (GBP)1: 132 000
Total kapitalisering (GBP): 777 000
Plats: 12
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 38 850
Antal återförsäljningar: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridkes)
AES-projekt kännetecknades av en bra presentation på det slarviga 1990-talet, vilket är vad de minns. Nu gör de stora animerade fresker som sänds på dussintals skärmar.
Födelseår: 1955, 1958, 1957, 1956
Komposition: "Warrior No. 4"
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 120 500
Total kapitalisering (GBP): 305 000
Sittplats: 27
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 30 500
Antal återförsäljningar: —

17. Lev Tabenkin
Skulptör och målare med en skulptural vision, som om han skulpterar sina karaktärer från lera.
Födelseår: 1952
Komposition: Jazz Orchestra. 2004
Försäljningsdatum: 30.06.2008
Pris (GBP)1: 117 650
Total kapitalisering (GBP): 263 000
Sittplats: 28
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 26 300
Antal återförsäljningar: 7

18. Mikhail (Misha Shayevich) Brusilovsky
Sverdlovsk surrealist, författare till tvetydiga allegorier.
Födelseår: 1931
Konstverk: Fotboll. 1965
Försäljningsdatum: 28.11.2006
Pris (GBP)1: 108 000
Total kapitalisering (GBP): 133 000
Sittplats: 38
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 22 167
Antal återförsäljningar: —

19. Olga Bulgakova
En av huvudfigurerna i intelligentsia "karneval" målning av Brezhnev eran. Motsvarande medlem
Ryska konstakademin.
Födelseår: 1951
Komposition: "Drömmen om det röda
fågel." 1988
Försäljningsdatum: 22.11.2010
Pris (GBP)1: 100 876
Total kapitalisering (GBP): 219 000
Sittplats: 31
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 36 500
Antal återförsäljningar: —

20. Alexander Ivanov
En abstrakt konstnär som främst är känd som affärsman, samlare och skapare av Faberge-museet i Baden-Baden (Tyskland).
Födelseår: 1962
Komposition: Kärlek. 1996
Försäljningsdatum: 2013-05-06
Pris (GBP)1: 97 250
Total kapitalisering (GBP): 201 000
Sittplats: 33
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 50 250
Antal återförsäljningar: —

21. Ivan Chuikov
En oberoende flygel av Moskvas bildkonceptualism. Författare till en serie målningar-objekt Windows. På något sätt på 1960-talet brände han alla målningar, varför gallerister fortfarande är ledsna.
Födelseår: 1935
Konstverk: "Utan titel" 1986
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 96 500
Total kapitalisering (GBP): 1 545 000
Sittplats: 10
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 36 786
Antal återförsäljningar: 8

22. Konstantin Zvezdochetov
I sin ungdom var en medlem av Mukhomor-gruppen, som kallade sig "fäderna till" den nya vågen "i Sovjetunionen" -
med fog; med början av kreativ mognad, deltagaren i Venedigbiennalen och Kassel
documenta. Forskare och kännare av det visuella i den sovjetiska gräsrotskulturen.
Födelseår: 1958
Komposition: "Perdo-K-62M"
Försäljningsdatum: 13.06.2008
Pris (GBP)1: 92 446
Total kapitalisering (GBP): 430 000
Sittplats: 22
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 22 632
Antal återförsäljningar: 2

23. Natalia Nesterova
En av de viktigaste konststjärnorna i Brezhnevs stagnation. Gillas av samlare för sin strukturerade målarstil.
Födelseår: 1944
Konstverk: "Melnik och hans
son". 1969
Försäljningsdatum: 15.06.2007
Pris (GBP)1: 92 388
Total kapitalisering (GBP): 1 950 000
Sittplats: 9
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 20 526
Antal återförsäljningar: 15

24. Maxim Kantor
En expressionistisk målare som uppträdde i den ryska paviljongen på Venedigbiennalen 1997, samt en publicist och författare, författare till en filosofisk och satirisk roman rithandledning om den ryska konstvärldens ins och outs.
Födelseår: 1957
Konstverk: "Demokratins struktur". 2003
Försäljningsdatum: 2008-10-18
Pris (GBP)1: 87 650
Total kapitalisering (GBP): 441 000
Sittplats: 21
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 44 100
Antal återförsäljningar: 2

25. Andrey Sidersky
Skapar målningar i stil med psi-konst som uppfunnits av honom. Han översatte verk av Carlos Castaneda och Richard Bach till ryska.
Födelseår: 1960
Komposition: "Triptyk"
Försäljningsdatum: 04.12.2009
Pris (GBP)1: 90 000
Total kapitalisering (GBP): 102 000
Sittplats: 42
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 51 000
Antal återförsäljningar: —

26. Valery Koshlyakov
Känd för målningar med arkitektoniska motiv. Den största representanten för den "sydryska vågen". Använder ofta kartonger, påsar, tejp. Den första utställningen med hans deltagande hölls på en offentlig toalett i Rostov-on-Don 1988.
Födelseår: 1962
Konstverk: Versailles. 1993
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 72 500
Total kapitalisering (GBP): 346 000
Sittplats: 26
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 21 625
Antal återförsäljningar: 8

27. Alexey Sundukov
Lakoniska, blyfärgade målningar om "blyavskyvärdigheterna" i det ryska vardagslivet.
Födelseår: 1952
Konstverk: "The Essence of Being". 1988
Försäljningsdatum: 23.04.2010
Pris (GBP)1: 67 250
Total kapitalisering (GBP): 255 000
Sittplats: 29
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 25 500
Antal återförsäljningar: 1

28. Igor Novikov
Tillhör generationen av icke-konformistiska konstnärer från Moskva i slutet av 1980-talet.
Födelseår: 1961
Konstverk: "Kremlin frukost, eller Moskva till salu". 2009
Försäljningsdatum: 2010-12-03
Pris (GBP)1: 62 092
Total kapitalisering (GBP): 397 000
Sittplats: 24
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 15 880
Antal återförsäljningar: 3

29. Vadim Zakharov
Arkivarie av Moskva konceptualism. Författaren till spektakulära installationer om tankeväckande ämnen, representerade Ryssland i Venedig
biennalen.
Födelseår: 1959
Konstverk: Barock. 1986-1994
Försäljningsdatum: 2008-10-18
Pris (GBP)1: 61 250
Total kapitalisering (GBP): 243 000
Sittplats: 30
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 20 250
Antal återförsäljningar: —

30. Yuri Krasny
Författare till konstprogram för barn med särskilda behov.
Födelseår: 1925
Komposition: "Smoker"
Försäljningsdatum: 04.04.2008Pris (GBP)1: 59 055
Total kapitalisering (GBP): 89 000
Sittplats: 44
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 11 125
Antal återförsäljningar: 8

31. Sergey och Alexey Tkachev
Klassiker av sen sovjetisk impressionism, studenter av Arkady Plastov, kända för sina målningar från livet i den ryska byn.
Födelseår: 1922, 1925
Konstverk: "I fältet". 1954
Försäljningsdatum: 2010-12-01
Pris (GBP)1: 58 813
Total kapitalisering (GBP): 428 000
Sittplats: 23
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 22 526
Antal återförsäljningar: 4

32. Svetlana Kopystyanskaya
Känd för installationer av målningar. Efter Moskva-auktionen Sotheby's 1988 arbetar utomlands.
Födelseår: 1950
Komposition: "Seascape"
Försäljningsdatum: 2007-10-13
Pris (GBP)1: 57 600
Total kapitalisering (GBP): 202 000
Sittplats: 32
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 22 444
Antal återförsäljningar: 2

33. Boris Orlov
Skulptör nära Sots Art. Berömd för sitt arbete i den ironiska "imperialistiska" stilen och den mästerliga klädseln av bronsbyster och buketter.
Födelseår: 1941
Konstverk: Sjöman. 1976
Försäljningsdatum: 2013-10-17
Pris (GBP)1: 55 085
Total kapitalisering (GBP): 174 000
Sittplats: 34
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 17 400
Antal återförsäljningar: 1

34. Vjatsjeslav Kalinin
Författaren till uttrycksfulla målningar från livet i de urbana lägre klasserna och drickande bohemen.
Födelseår: 1939
Konstverk: "Självporträtt med hängglidare"
Försäljningsdatum: 25.11.2012
Pris (GBP)1: 54 500
Total kapitalisering (GBP): 766 000
Sittplats: 13
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 12 767
Antal återförsäljningar: 24

35. Evgeny Semenov
Känd för en fotoserie med patienter med Downs sjukdom, som spelar rollen som gospelkaraktärer.
Födelseår: 1960
Komposition: Hjärta. 2009
Försäljningsdatum: 2009-06-29
Pris (GBP)1: 49 250
Total kapitalisering (GBP): 49 000
Sittplats: 48
Genomsnittlig kostnad för arbete (GBP): 49 000
Antal återförsäljningar: —

36. Yuri Cooper
Han blev känd för sina nostalgiska målningar med gamla husgeråd. Dramatiker Tolv målningar från konstnärens liv, iscensatt på Moskvas konstteater. A.P. Tjechov.
Födelseår: 1940
Konstverk: Fönster. Dass Street, 56. 1978
Försäljningsdatum: 09.06.2010
Pris (GBP)1: 49 250
Total kapitalisering (GBP): 157 000
Sittplats: 35
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 2 754
Antal återförsäljningar: 14

37. Alexander Kosolapov
En social konstnär vars verk har varit måltavla för alla möjliga attacker. Under mässan Art Moscow 2005 förstördes ett av hans verk av en religiös fanatiker med en hammare.
Födelseår: 1943
Konstverk: "Marlboro Malevich". 1987
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 48 500
Total kapitalisering (GBP): 510 000
Sittplats: 18
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 15 938
Antal återförsäljningar: 1

38. Leonid Sokov
Ledande Sots Art skulptör som kombinerade folklore med politik. Bland de berömda verken Enhet för att bestämma nationalitet genom formen på näsan.
Födelseår: 1941
Konstverk: "Björn slår en skära med en hammare." 1996
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 48 500
Total kapitalisering (GBP): 352 000
Sittplats: 25
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 13 538
Antal återförsäljningar: 7

39. Vladimir Ovchinnikov
En av patriarkerna för inofficiell konst i Leningrad. Ortodox version av Fernando Botero.
Födelseår: 1941
Konstverk: "Änglar och järnvägsspår" 1977
Försäljningsdatum: 2007-04-17
Pris (GBP)1: 47 846
Total kapitalisering (GBP): 675 000
Sittplats: 16
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 15 341
Antal återförsäljningar: —

40. Konstantin Khudyakov
Författaren till målningar om religiösa ämnen. Nu arbetar han med digital konstteknik.
Födelseår: 1945
Konstverk: Nattvarden. 2007
Försäljningsdatum: 18.02.2011
Pris (GBP)1: 46 850
Total kapitalisering (GBP): 97 000
Sittplats: 43
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 32 333
Antal återförsäljningar: —

41. Ernst Okänd
En ikon för sovjetisk icke-konformism - sedan han öppet protesterade mot generalsekreterare Nikita Chrusjtjov vid vernissagen av den legendariska utställningen tillägnad 30-årsdagen av Moskvas konstnärsförbund. Efter det gjorde han ett monument på Chrusjtjovs grav och ett monument framför FN:s europeiska högkvarter.
Födelseår: 1925
Komposition: "Utan titel"
Försäljningsdatum: 2010-06-08
Pris (GBP)1: 46 850
Total kapitalisering (GBP): 2 931 000
Sittplats: 8
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 24 839
Antal återförsäljningar: 13

42. Anatolij Osmolovskij
En av Moskva-aktionismens huvudfigurer på 1990-talet, konstteoretiker, curator, förläggare och chef för Baza-institutets forsknings- och utbildningsprogram, vinnare av det första Kandinsky-priset.
Födelseår: 1969
Komposition: "Bröd" (från serien "Pagans"). 2009
Försäljningsdatum: 23.04.2010
Pris (GBP)1: 46 850
Total kapitalisering (GBP): 83 000
Sittplats: 46
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 11 857
Antal återförsäljningar: —

43. Dmitry Vrubel
Fotorealistisk målare, känd främst för målningen som föreställer Brezhnev och Honecker kyssande (eller snarare tack vare författarens reproduktion på Berlinmuren).
Födelseår: 1960
Komposition: "Bröderkyss (triptyk)". 1990
Försäljningsdatum: 25.11.2013
Pris (GBP)1: 45 000

Sittplats: 40
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 16 429
Antal återförsäljningar: 2

44. Leonid Lamm
Författaren till installationer som kombinerade motiven från det ryska avantgardet och scenerna i det sovjetiska fängelselivet. Bor i Amerika. På 1970-talet, på falska anklagelser, tillbringade han tre år i fängelser och arbetsläger.
Födelseår: 1928
Konstverk: "Apple II" (från serien "The Seventh Heaven"). 1974-1986
Försäljningsdatum: 2009-12-16
Pris (GBP)1: 43 910
Total kapitalisering (GBP): 115 000
Sittplats: 41
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 14 375
Antal återförsäljningar: —

Pittoreska installationer av Irina Nakhova från 1980-talet i hennes lägenhet kan göra anspråk på författarskap i "totalt.

45. Irina Nakhova
Muse of Moscow Conceptualism. Vinnare av Kandinsky-priset 2013 för "Årets projekt". 2015 på den 56:e Venedigbiennalen
kommer att representera Ryssland.
Födelseår: 1955
Konstverk: Triptyk. 1983
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 38 900
Total kapitalisering (GBP): 85 000
Sittplats: 45
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 17 000
Antal återförsäljningar: 1

46. ​​Katya Filippova
En avantgardistisk modedesigner som blev känd under perestrojkan. Dekorerade fönstren i det parisiska varuhuset Galeries Lafayette, var vän med Pierre Cardin.
Födelseår: 1958
"Artwork: Marina Ladynina" (från serien "Russian Hollywood")
Försäljningsdatum: 2008-03-12
Pris (GBP)1: 38 900
Total kapitalisering (GBP): 39 000
Sittplats: 49
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 39 000
Antal återförsäljningar: —

47. Boris Zaborov
Teaterkonstnär, bokillustratör. 1980 emigrerade han till Paris, arbetade med kostymer för Comedie Francaise.
Födelseår: 1935
Konstverk: "Communicator".1981
Försäljningsdatum: 30.10.2006
Pris (GBP)1: 36 356
Total kapitalisering (GBP): 67 000
Sittplats: 47
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 13 400
Antal återförsäljningar: 2

48. Rostislav Lebedev
Klassisk social konstnär, kollega (och verkstadsgranne) till Boris Orlov och Dmitry Prigov. Han förvandlade kreativt den visuella propagandan från sovjettiden.
Födelseår: 1946
Konstverk: "Rysk saga". 1949
Försäljningsdatum: 03.06.2008
Pris (GBP)1: 34 000
Total kapitalisering (GBP): 122 000
Sittplats: 39
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 24 400
Antal återförsäljningar: 2

49. Andrey Filippov
Tillhör Moskvas konceptuella skola. Författaren till målningar och installationer, förenad av temat "Moskva - det tredje Rom". Sedan 2009 har han, tillsammans med Yuri Albert och Victor Skersis, varit medlem i Cupid-gruppen.
Födelseår: 1959
Konstverk: "Sju fot under kölen". 1988
Försäljningsdatum: 31.05.2006
Pris (GBP)1: 33 600
Total kapitalisering (GBP): 137 000
Sittplats: 37
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 12 455
Antal återförsäljningar: 3

50. Vladimir Shinkarev
Grundaren och ideologen av Leningradkonstgruppen Mitki, i vars roman Mitki denna term först användes. Romanen skrevs av tristess när man arbetade i pannrummet.
Födelseår: 1954
Konstverk: Lenin Square I. 1999
Försäljningsdatum: 30.06.2008
Pris (GBP)1: 32 450
Total kapitalisering (GBP): 33 000
Sittplats: 50
Genomsnittlig kostnad per jobb (GBP): 16 500
Antal återförsäljningar: —

Försäljning vs utställningar

Erkännande av marknaden och erkännande av den professionella gemenskapen verkar för många olika saker, men uppdelningen i "kommersiella" och "icke-kommersiella" artister är mycket villkorad. Så av de ryska konstnärerna som ställts ut under de senaste tio åren på Venedigbiennalen för samtida konst (och detta är höjdpunkten av deras professionella karriär), kom sju enheter (om du räknar per person, då 11 personer) in i vårt betyg. Och de 10 bästa konstnärerna från rankingen ställde antingen ut på Venedigbiennalen tidigare eller hade separatutställningar på stora museer. När det gäller de underbara mästare som inte ingick i betyget, förklaras deras frånvaro eller inte särskilt enastående försäljning enkelt och banalt. Samlare är konservativa och även från de mest avantgardistiska konstnärerna föredrar att köpa målningar (målningar, föremål eller fotografier som ser ut som målningar) eller skulpturer (eller föremål som ser ut som skulpturer). Det finns inga rekordstora föreställningar eller jätteinstallationer i vårt betyg (installationer köps vanligtvis av museer, men priset där är museum, med rabatt). Det är därför sådana stjärnor som Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, Pavel Pepperstein(tills nyligen sysslade han främst med grafik, och grafik är a priori billigare än att måla) eller t.ex. Nikolay Polissky, vars storslagna design ännu inte har hittat förstående samlare.

Dessutom är marknaden konservativ också för att erkännandet här kommer långsamt – notera att i topp 10, alla artister födda 1950 eller äldre. Det vill säga, de lovande deltagarna på Biennalen har fortfarande allt framför sig.

Stora internationella auktioner inkluderar alltmer samtida ryska konstnärer i sina auktioner av efterkrigs- och samtidskonst. I februari 2007 höll Sotheby's den första och nästan sensationella specialiserade auktionen över rysk samtidskonst, som gav 22 auktionsrekord. Artguide bestämde sig för att ta reda på vilka av våra samtida konstnärer som samlade in de största summorna på internationella auktioner och, efter att ha sammanställt de 10 dyraste nu levande ryska konstnärerna baserat på resultatet av auktionsförsäljningen, upptäckte han några märkliga mönster. Alla försäljningspriser anges enligt auktionshusen med hänsyn till köparens premie.

Alexander Vinogradov och Vladimir Dubossarsky. Nattkondition. Fragment. Med tillstånd från författare (www.dubossarskyvinogradov.com)

Naturligtvis kunde det inte råda några tvivel om vem som exakt blev ledare för auktionsloppet: den storslagna "Beetle" av Ilya Kabakov, som såldes i februari 2008 på Phillips de Pury för nästan 3 miljoner pund, är förmodligen ihågkommen av alla som är intresserade inom samtidskonsten. En rolig barnrim, vars text är skriven på en träpanel med en skalbagge, fick till och med en eftertänksam intonation i konsthistorien och marknadstolkningen: ”Min skalbagge bryter ut, hoppar, kvittrar, den vill inte in i min samling” - detta betyder metaforiskt passionen hos en samlare av samtidskonst, för samma skalbaggehandel. (Versen citerad av Kabakov, komponerad av arkitekten A. Maslennikova, en amatörpoet från Voronezh, publicerades i barnens diktsamling, räknande rim och gåtor Between Summer and Winter, utgiven 1976 av förlaget för barnlitteratur, och Kabakov illustrerade den här boken Det är sant att skalbaggen inte fanns i hans svartvita illustrationer).

Det bör tilläggas att om vi inte gjorde topp 10 dyraste levande konstnärer, utan topp 10 av deras dyraste verk, så skulle Kabakovs målningar ta de tre första platserna på denna lista. Det vill säga, de tre dyraste verken av den nu levande ryska konstnären tillhör honom - förutom "Beetle" är dessa "Luxury Room" 1981 (Phillips de Pury, London, 21 juni 2007, 2,036 miljoner pund) och "Vacation No. 10" 1987 (Phillips de Pury London, 14 april 2011, £1 497 miljoner). Ovanpå det "gav" den generöse Kabakov ytterligare en skiva till Wien Dorotheum-auktionen - för ett år sedan, den 24 november 2011, gick målningen "At the University" dit för 754,8 tusen euro, och blev det dyraste verket i samtida konst som någonsin sålts på denna auktion.

Silvermedaljören, förmodligen, kommer många också lätt att nämna - det här är Eric Bulatov, vars duk "Ära till CPSU" såldes för ett rekordbelopp för artisten på samma Phillips de Pury-auktion som Kabakovs "Beetle".

Men tredjeplatsen för den icke-konformist Yevgeny Chubarov, vars sena verk "Untitled" gick i juni 2007 till Phillips de Pury för 720 tusen pund, kan kallas en överraskning, om inte för det faktum att några månader tidigare, i februari av det samma år hade Chubarov redan slagit in på Sotheby's i London, på en specialiserad auktion över rysk samtidskonst, där hans verk med samma namn (eller snarare utan det) såldes för £288 000 (med en övre gräns). av uppskattningen på £60 000), som inte bara slog den påstådda översta delen av den auktionen, Bulatovs målning "Revolution - Perestroika" (försäljningspris £ 198 tusen), utan blev också det dyraste verket av den levande ryske konstnären vid den tiden. Förresten, här är det, ironin med valutafluktuationer: i november 2000 såldes Grisha Bruskins polyptyk i New York för 424 tusen dollar, och sedan i pund sterling var den 296,7 tusen pund, och i februari 2007, när den installerades Chubarovs första rekord är redan bara £216,6 tusen.

Verken av fjärdeplatsvinnarna Vitaly Komar och Alexander Melamid är frekventa och ganska framgångsrika lotter i västerländska auktioner, även om deras uppskattningar sällan överstiger £100 000. Duons näst dyraste verk är Yalta Conference. The Judgment of Paris "- såldes på Macdougall's 2007 för 184,4 tusen pund. Men det bör naturligtvis noteras att målningen som gav dem fjärde plats tillhör ganska tidiga och sällan förekommande verk på auktioner och att den ställdes ut i 1976 på den första (och mycket högljudda) utländska utställningen av Komar och Melamid på Ronald Feldman Gallery i New York.

Efter Komar och Melamid håller Oleg Vasiliev och Semyon Faibisovich konsekvent en hög ribba på auktioner. Vasilyev var trea i den utomordentligt framgångsrika Phillips de Pury-auktionen 2008, som gav rekord till Ilya Kabakov och Erik Bulatov, medan Faibisovich var fyra. Sedan såldes Vasilievs målning "Variation på temat omslaget till Ogonyok magazine" 1980 för 356 000 ₤ med en uppskattning på 120 tusen ₤, och Faibisovichs "Another look at the Black Sea" 1986 - för 300,5 tusen pund med Uppskattning £60 000-80 000. Verk av båda konstnärerna får ofta sexsiffriga summor på auktion.

Det var visserligen inte den rekordstora "Soldiers" som gjorde Faibisovich berömmelse på auktionen, utan målningen "Beauty", såld på Sotheby's den 12 mars 2008 - detta var auktionshusets andra auktion av rysk samtida konst, med undantag för Moskva-auktionen 1988. Målningen (dess andra namn är "The First of May") gick sedan för £264 tusen med en uppskattning på £60-80 tusen, en verklig kamp utspelade sig mellan köpare om den. En annan målning av Faibisovich "På en gata i Moskva" på den auktionen översteg uppskattningen två gånger och såldes för £126 000 2011-2012.

Ungefär detsamma kan sägas om Oleg Tselkov, som ligger åtta i topp 10. Efter att ha hittat sin stil och tema för ett halvt sekel sedan, en igenkännlig och auktoritativ konstnär, levererar han regelbundet auktioner med sina fluorescerande runda ansikten, som har fortsatt framgång. Den näst dyraste målningen av Tselkov "Fem ansikten" såldes i juni 2007 på MacDougall's för 223,1 tusen pund, den tredje, "Två med skalbaggar", - i november samma år på samma auktion (MacDougall's bjuds alltid ut på auktion flera Tselkov olika prisklasser) för £202,4 tusen.

Grisha Bruskin har haft en speciell roll i auktionshistorien för rysk samtidskonst sedan 1988, från Moskva-auktionen av Sotheby's under namnet Russian Avant-Garde and Soviet Contemporary Art, där hans "Fundamental Lexicon" såldes för sensationella 220 tusen pund. , 12 gånger högre uppskattning. Ungefär samma, och kanske ännu mer sensationella, hände med polyptiken ”Logii. Del I" år 2000 på Christie's i New York: polyptiken såldes för 424 000 dollar och översteg den övre gränsen för uppskattningen med 21 (!) gånger - bara detta kan betraktas som ett slags rekord. Troligtvis beror detta extraordinära köp inte minst på betydelsen av Bruskins namn som hjälten i den legendariska Sotheby's Moskva-auktionen, eftersom ingen annan auktionsförsäljning av Bruskin ens kommer i närheten av dessa belopp.

Priset på Oscar Rabin fluktuerar inte, men växer stadigt och mycket märkbart, särskilt för verk från sovjetperioden - alla de dyraste verken av denna mästare som såldes på auktion målades i slutet av 1950-talet och början av 1970-talet. Dessa är (förutom hans skiva "Socialist City") "Baths (Smell the cologne "Moscow", 1966, Sotheby's, New York, 17 april 2007, 336 tusen dollar) och "Violin in the cemetery" (1969, Macdougall's, London) 27 november 2006, £168,46).

De tio bästa stängs av representanter för den yngre generationen - Alexander Vinogradov och Vladimir Dubossarsky, vars dyraste målningar såldes på Phillips de Pury (den näst dyraste är The Last Butterfly, 1997, Phillips de Pury, New York, 181 000 dollar). Dessa konstnärer fortsätter i allmänhet en trend som är ganska tydligt synlig i rankningen av de dyraste målningarna av levande konstnärer. Vi kommer att prata om det lite lägre, men för nu, äntligen, här är en lista över de dyraste verken av levande ryska konstnärer.

Topp 10 verk av levande ryska konstnärer

1. Ilja Kabakov (f. 1933). Insekt. 1982. Trä, emalj. 226,5 x 148,5. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 28 februari 2008. Uppskattning 1,2-1,8 miljoner pund, försäljningspris 2,93 miljoner pund.

2. Erik Bulatov (f. 1933). Ära till SUKP. 1975. Olja på duk. 229,5 x 229. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 28 februari 2008. Uppskattning £500-700 tusen Försäljningspris £1,084 miljoner.

3. Evgeny Chubarov (f. 1934). Ofrälse. 1994. Olja på duk. 300 x 200. Phillips de Pury & Company auktion, London, 22 juni 2007. Uppskattning £100-150 tusen Försäljningspris £720 tusen.

4. Vitaly Komar (f. 1943) och Alexander Melamid (f. 1945). Solsjenitsyn och Bell träffas på Rostropovitjs dacha. 1972. Duk, olja, collage, guldfolie. 175 x 120. Phillips de Pury & Company auktion, London, 23 april 2010. Uppskattning £100-150 tusen Försäljningspris £657,25 tusen.

5. Oleg Vasilyev (f. 1931). Före solnedgången. 1990. Olja på duk. 210 x 165. Sotheby's auktion, London, 12 mars 2008. Uppskattning £200-300 tusen Försäljningspris £468,5 tusen.

6. Semyon Faibisovich (f. 1949). Soldater. Från serien "Stations". 1989. Olja på duk. 285,4 x 190,5. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 13 oktober 2007. Uppskattning £40-60 tusen Försäljningspris £311,2 tusen.

8. Oleg Tselkov (f. 1934) Pojke med ballonger. Canvas, olja. 103,5 x 68,5. Auktion MacDougall's, London, 28 november 2008. Uppskattning £200-300 tusen Försäljningspris £238,4 tusen.

9. Oscar Rabin (f. 1928) Stad och måne (socialistisk stad). 1959. Olja på duk. 90 x 109. Sotheby's-auktion, New York, 15 april 2008. Uppskattning 120-160 000 USD. Försäljningspris 337 000 USD (171,4 pund vid kursen dollar till pund i april 2008).

10. Alexander Vinogradov (f. 1963) och Vladimir Dubossarsky (f. 1964). Natt träning. 2004. Olja på duk. 194,9 x 294,3. Auktion Phillips de Pury & Company, London, 22 juni 2007. Uppskattning £15-20 tusen Försäljningspris £132 tusen.

Det är känt att auktionspriser är en irrationell sak och man kan inte bedöma konstnärens verkliga roll och betydelse i den konstnärliga processen av dem. Men utifrån dem och topplotterna kan man grovt bedöma samlarens preferenser. Vad är dem? Du behöver inte vara expert för att svara på den här frågan. De är uppenbara. För det första är alla artister (förutom kanske Alexander Vinogradov och Vladimir Dubossarsky) "levande klassiker" i år, och mycket solida sådana. För det andra satte nästan alla rekord inte av de senaste årens verk, utan av mycket tidigare, det vill säga mönstret "ju äldre, desto bättre" är också relevant här. För det tredje, utan undantag, är alla verk från topp 10 stafflimålningar. För det fjärde är det alla stora och mycket stora målningar. Mer eller mindre "standard" i detta avseende kan bara betraktas som "Staden och månen" av Oscar Rabin och "Pojke med ballonger" av Oleg Tselkov, alla andra är stora i höjd (inte ens i bredd) människohöjd. Slutligen, för alla dessa konstnärer, är temat för det sovjetiska (särskilt icke-konformistiska) förflutna relevant på ett eller annat sätt, vilket i många fall accentueras i deras verk. Det verkar som om våra samlare upplever akut nostalgi efter just detta sovjetiska förflutna (det är allmänt känt att det är ryska samlare som köper rysk konst i väst).

Yngre än resten av auktionsförsäljningsledarna försöker Alexander Vinogradov och Vladimir Dubossarsky något envist att bryta sig ur de dussintals hårda nonkonformisterna, men detta är bara vid första anblicken. Faktum är att om du föreställer dig vilken av nästa generation efter Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkovy som bäst kan uppfylla ovanstående köpkriterier (stora stafflimålningar, rehashingar av sovjetiska genrer, motiv och stilistik), så kommer det förmodligen att visa sig vara Vinogradov och Dubossarsky, värdiga arvingar till mästarna under tidigare decennier. Åtminstone att döma av auktionsförsäljningen.

Om du tror att alla stora artister är i det förflutna, då har du ingen aning om hur fel du har. I den här artikeln kommer du att lära dig om vår tids mest kända och begåvade artister. Och tro mig, deras verk kommer att sitta i ditt minne inte mindre djupt än maestroens verk från tidigare epoker.

Wojciech Babski

Wojciech Babski är en samtida polsk konstnär. Han tog examen från Silesian Polytechnic Institute, men kopplade sig till. Den senaste tiden har han målat mest kvinnor. Fokuserar på manifestationen av känslor, strävar efter att få största möjliga effekt med enkla medel.

Älskar färg, men använder ofta nyanser av svart och grått för att få det bästa intrycket. Inte rädd för att experimentera med nya tekniker. På senare tid har han blivit mer och mer populär utomlands, främst i Storbritannien, där han framgångsrikt säljer sina verk, som redan finns i många privata samlingar. Förutom konst är han intresserad av kosmologi och filosofi. Lyssnar på jazz. Bor och arbetar för närvarande i Katowice.

Warren Chang

Warren Chang är en samtida amerikansk konstnär. Född 1957 och uppvuxen i Monterey, Kalifornien, tog han examen magna cum laude från Art Center College of Design i Pasadena 1981 med en Bachelor of Fine Arts-examen i Fine Arts. Under de kommande två decennierna arbetade han som illustratör för olika företag i Kalifornien och New York innan han började sin karriär som professionell konstnär 2009.

Hans realistiska målningar kan delas in i två huvudkategorier: biografiska interiörmålningar och målningar som föreställer arbetande människor. Hans intresse för denna målarstil har sina rötter i 1500-talsmålaren Jan Vermeers verk och sträcker sig till föremål, självporträtt, porträtt av familjemedlemmar, vänner, studenter, studio, klassrum och heminredning. Hans mål är att skapa stämning och känslor i sina realistiska målningar genom att manipulera ljus och använda dämpade färger.

Chang blev känd efter övergången till traditionell bildkonst. Under de senaste 12 åren har han vunnit åtskilliga utmärkelser och utmärkelser, den mest prestigefyllda är Master Signature från Oil Painters Association of America, den största oljemålargemenskapen i USA. Endast en person av 50 är hedrad med möjligheten att ta emot detta pris. För närvarande bor Warren i Monterey och arbetar i sin studio, han undervisar också (känd som en begåvad lärare) vid San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni är en italiensk konstnär. Född i Blair den 15 oktober 1955. Utexaminerad med en examen i scenografi från Konstinstitutet i Spoleto. Som konstnär är han självlärd, eftersom han självständigt "byggde kunskapens hus" på den grund som lades tillbaka i skolan. Han började måla i olja vid 19 års ålder. Bor och arbetar för närvarande i Umbrien.

Brunis tidiga målning har sina rötter i surrealismen, men med tiden börjar han fokusera på närheten av lyrisk romantik och symbolik, vilket förstärker denna kombination med den utsökta sofistikeringen och renheten hos hans karaktärer. Animerade och livlösa föremål får samma värdighet och ser nästan hyperrealistiska ut, men samtidigt gömmer de sig inte bakom en gardin, utan låter dig se essensen av din själ. Mångsidighet och sofistikering, sensualitet och ensamhet, omtänksamhet och fruktsamhet är Aurelio Brunis anda, närd av konstens prakt och musikens harmoni.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos är en samtida polsk konstnär som specialiserat sig på oljemålning. Född 1970 i Gliwice, Polen, men sedan 1989 har han bott och arbetat i USA, i staden Shasta, Kalifornien.

Som barn studerade han konst under ledning av sin far Jan, en självlärd konstnär och skulptör, så från tidig ålder fick konstnärlig verksamhet fullt stöd från båda föräldrarna. 1989, vid arton års ålder, lämnade Balos Polen till USA, där hans lärare och deltidskonstnär Cathy Gaggliardi uppmuntrade Alcasander att skriva in sig på konstskola. Balos fick sedan ett fullt stipendium till University of Milwaukee Wisconsin, där han studerade måleri med filosofiprofessor Harry Rosin.

Efter att ha avslutat sina studier 1995 med en kandidatexamen, flyttade Balos till Chicago för att studera vid School of Fine Arts, vars metoder är baserade på Jacques-Louis Davids arbete. Figurativ realism och porträtt utgjorde huvuddelen av Balos verk på 90-talet och början av 2000-talet. Idag använder Balos människofiguren för att lyfta fram drag och brister i den mänskliga existensen, utan att erbjuda några lösningar.

Tomtkompositionerna av hans målningar är avsedda att tolkas oberoende av betraktaren, först då kommer dukarna att få sin sanna tidsmässiga och subjektiva betydelse. 2005 flyttade konstnären till norra Kalifornien, sedan dess har omfattningen av hans arbete utökats avsevärt och inkluderar nu friare metoder för målning, inklusive abstraktion och olika multimediastilar som hjälper till att uttrycka idéerna och idealen för att vara genom målning.

Alyssa Monks

Alyssa Monks är en samtida amerikansk konstnär. Hon föddes 1977 i Ridgewood, New Jersey. Hon blev intresserad av att måla när hon fortfarande var barn. Hon gick på The New School i New York och Montclair State University och tog examen från Boston College 1999 med en kandidatexamen. Samtidigt studerade hon måleri vid Lorenzo Medici Academy i Florens.

Sedan fortsatte hon sina studier under programmet för en magisterexamen vid New York Academy of Art, vid Institutionen för figurativ konst, och tog examen 2001. Hon tog examen från Fullerton College 2006. Hon föreläste kort vid universitet och utbildningsinstitutioner runt om i landet, och undervisade i målning vid New York Academy of Art, samt Montclair State University och Lyme Academy College of Art.

”Med hjälp av filter som glas, vinyl, vatten och ånga förvränger jag människokroppen. Dessa filter låter dig skapa stora områden med abstrakt design, med färgöar som tittar igenom dem - delar av människokroppen.

Mina målningar förändrar det moderna utseendet på badande kvinnors redan etablerade, traditionella poser och gester. De kunde berätta mycket för en uppmärksam tittare om sådana till synes självklara saker som fördelarna med simning, dans och så vidare. Mina karaktärer pressas mot glaset i duschkabinens fönster, förvränger sin egen kropp och inser att de därigenom påverkar den ökända manliga blicken på en naken kvinna. Tjocka lager av färg blandas ihop för att efterlikna glas, ånga, vatten och kött på avstånd. På nära håll blir dock oljefärgens fantastiska fysiska egenskaper uppenbara. Genom att experimentera med lager av färg och färg hittar jag ögonblicket då abstrakta streck blir något annat.

När jag först började måla människokroppen blev jag genast fascinerad och till och med besatt av den och kände att jag var tvungen att göra mina målningar så realistiska som möjligt. Jag "bekände" mig till realism tills den började nysta upp och dekonstruera sig själv. Nu undersöker jag möjligheterna och potentialen för en målarstil där representativt måleri och abstraktion möts – om båda stilarna kan samexistera samtidigt kommer jag att göra det.”

Antonio Finelli

Italiensk konstnär - tidsbevakare” – Antonio Finelli föddes den 23 februari 1985. Bor och arbetar för närvarande i Italien mellan Rom och Campobasso. Hans verk har visats i flera gallerier i Italien och utomlands: Rom, Florens, Novara, Genua, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, och de finns även i privata och offentliga samlingar.

Blyertsteckningar" Tidsbevakare” Antonio Finelli skickar oss på en evig resa genom den mänskliga temporalitetens inre värld och den rigorösa analysen av denna värld som är förknippad med den, vars huvudelement är tidens gång och de spår den tillfogar huden.

Finelli målar porträtt av människor i alla åldrar, kön och nationaliteter, vars ansiktsuttryck indikerar tidens gång, och konstnären hoppas också hitta bevis för tidens hänsynslöshet på hans karaktärers kroppar. Antonio definierar sina verk med en allmän titel: "Självporträtt", eftersom han i sina blyertsteckningar inte bara skildrar en person, utan låter betraktaren begrunda de verkliga resultaten av tidens gång inuti en person.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni är en 37-årig italiensk konstnär, dotter till en diplomat. Hon har tre barn. Tolv år bodde hon i Rom, tre år i England och Frankrike. Tog en examen i konsthistoria från BD School of Art. Sedan fick hon ett diplom i specialitetsrestauratören av konstverk. Innan hon fann sitt kall och ägnade sig helt åt att måla, arbetade hon som journalist, kolorist, designer och skådespelerska.

Flaminias passion för att måla uppstod som barn. Hennes huvudsakliga medium är olja eftersom hon älskar "coiffer la pate" och även leker med materialet. Hon lärde sig en liknande teknik i verk av konstnären Pascal Torua. Flaminia är inspirerad av måleriets stora mästare som Balthus, Hopper och François Legrand, samt olika konströrelser: gatukonst, kinesisk realism, surrealism och renässansrealism. Hennes favoritartist är Caravaggio. Hennes dröm är att upptäcka konstens terapeutiska kraft.

Denis Chernov

Denis Chernov är en begåvad ukrainsk konstnär, född 1978 i Sambir, Lviv-regionen, Ukraina. Efter examen från Kharkov Art College 1998 stannade han i Kharkov, där han för närvarande bor och arbetar. Han studerade också vid Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphics, tog examen 2004.

Han deltar regelbundet i konstutställningar, för närvarande har det varit mer än sextio av dem, både i Ukraina och utomlands. De flesta av Denis Chernovs verk förvaras i privata samlingar i Ukraina, Ryssland, Italien, England, Spanien, Grekland, Frankrike, USA, Kanada och Japan. En del av verken såldes på Christie's.

Denis arbetar inom ett brett spektrum av grafik- och måleritekniker. Blyertsteckningar är en av hans favoritmålningsmetoder, listan över ämnen i hans blyertsteckningar är också mycket varierande, han målar landskap, porträtt, nakenbilder, genrekompositioner, bokillustrationer, litterära och historiska rekonstruktioner och fantasier.