"Förbannade" bilder. De mest mystiska målningarna i historien
Bildkonst har alltid ansetts vara nära besläktad med det mystiska riket. När allt kommer omkring är vilken bild som helst ett energiavtryck av originalet, särskilt när det kommer till porträtt. Man tror att de kan påverka inte bara de från vilka de är skrivna, utan också andra människor. Det finns ingen anledning att leta långt efter exempel: låt oss vända oss till rysk målning från 1800- och början av 1900-talet.
Mystiken i porträttet av Maria Lopukhina
Förtjusande skönheter, som stirrar på oss från stora målares dukar, kommer alltid att förbli precis så: unga, charmiga och fulla av vitalitet. Det sanna ödet för vackra modeller är dock inte alltid så avundsvärt som det kan verka vid första anblicken. Det är mycket lätt att se detta i exemplet med det berömda porträttet av Maria Lopukhina, som kom ut från Vladimir Borovikovskys borste.
Maria Lopukhina, härstammande från grevefamiljen Tolstoj, poserade omedelbart efter sitt eget bröllop (hon var 18 år gammal) för Vladimir Borovikovsky. Porträttet beställdes av hennes man. I skrivande stund såg Maria bara bra ut. Hennes ansikte utstrålade så mycket charm, andlighet och drömmande ... Det kunde inte råda några tvivel om att ett långt och lyckligt liv väntade den charmiga modellen. Ett obegripligt faktum, men Mary dog av konsumtion när hon bara var 23 år gammal.
Långt senare skrev poeten Polonsky "Borovikovsky räddade hennes skönhet ...". Men omedelbart efter den unga skönhetens död skulle inte alla dela denna åsikt. När allt kommer omkring talades det vid den tiden i Moskva om att det var det olyckliga porträttet som var skyldig till Maria Lopukhinas död.
Från denna bild började skygga, som från ett spöke. Man trodde att om en ung dam tittade på henne, skulle hon snart dö. Enligt vissa rapporter dödade ett mystiskt porträtt ett tiotal flickor i giftbar ålder. Det sades att Marias far, en berömd mystiker, efter att hans dotter dog, lockade in hennes ande i denna duk.
Men efter nästan hundra år var Pavel Tretyakov inte rädd och skaffade denna visuella bild för sitt eget galleri. Efter det "pacificerade" bilden. Men vad var det - tomt skvaller, en märklig slump, eller ligger det något mer bakom det mystiska fenomenet? Tyvärr kommer vi sannolikt aldrig att få svaret på denna fråga.
Ilya Repin - en storm av sitters?
Det är osannolikt att någon kommer att hävda att Ilya Efimovich Repin är en av de största ryska målarna. Men det finns en märklig och tragisk omständighet: många som hade äran att vara hans sittande dog kort därefter. Bland dem finns Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, den italienska skådespelaren Mercy d'Argento. Så snart konstnären tog upp porträttet av Fyodor Tyutchev dog han också. Naturligtvis fanns det i alla fall objektiva orsaker till döden, men här är tillfälligheterna ... Till och med de rejäla män som poserade för Repin för målningen "Barge haulers on the Volga" sägs ha gett sina själar till Gud i förtid.
"Pråmdragare på Volga", 1870-1873 Den mest fruktansvärda historien hände dock med målningen "Ivan den förskräcklige och hans son Ivan den 16 november 1581", som i vår tid är mer känd som "Ivan den förskräcklige dödar sin son". Även balanserade människor, när de tittade på duken, kände sig illa till mods: mordplatsen var skriven för realistiskt, det var för mycket blod på duken, vilket verkar verkligt.
Duken som ställdes ut i Tretjakovgalleriet gjorde ett märkligt intryck på besökarna. En del snyftade framför bilden, andra föll i dvala, den tredje fick hysteriska anfall. Och den 16 januari 1913 skar den unge ikonmålaren Abram Balashov duken med en kniv. Han skickades till ett mentalsjukhus där han dog. Duken har restaurerats.
"Ivan den förskräcklige dödar sin son", 1883-1885 Det är känt att Repin tänkte länge innan han tog en bild av Ivan the Terrible. Och inte förgäves. Konstnären Myasoedov, från vilken bilden av tsaren målades, dödade snart, i ilska, nästan sin unge son, som också kallades Ivan, som den mördade prinsen. Bilden av den senare skrevs från författaren Vsevolod Garshin, som senare blev galen och begick självmord genom att kasta sig i en trappa ...
Mordet som inte var
Historien om att Ivan den förskräcklige är en sonmördare är bara en myt.
Man tror att Ivan den förskräcklige dödade sin son i ett anfall av vrede med ett slag av en stav mot templet. Orsakerna till olika forskare kallas olika: från inhemska gräl till politisk friktion. Under tiden anger ingen av källorna direkt att prinsen och tronföljaren dödades av sin egen far!
Piskarevsky Chronicler säger: "Vid 12 midnatt sommaren november 7090, den 17:e dagen ... vilan av Tsarevich John Ioannovich." Novgorod Fourth Chronicle rapporterar: "Samma (7090) år vilade tsarevitj John Ioannovich vid Matins i Sloboda." Dödsorsaken anges inte.
På 60-talet av förra seklet öppnades gravarna för Ivan den förskräcklige och hans son. På prinsens skalle fanns inga skador karakteristiska för en hjärnskada. Därför fanns det inget sonmord? Men var kom legenden om honom ifrån?
Antonio Possevino - representant för Vatikanen i Ryssland under Ivan den förskräckliges tid och de stora problemen Dess författare är jesuitmunken Anthony Possevin (Antonio Possevino), som skickades till Moskva som en ambassadör från påven med ett förslag om att den ortodoxa kyrkan skulle hamna under Vatikanen. Idén fick inte stöd av den ryska tsaren. Possevin ska under tiden ha blivit ögonvittne till en familjeskandal. Suveränen var arg på sin gravida svärdotter, hustrun till hans son Ivan, för "obscent utseende" - antingen glömde hon att ta på sig ett bälte eller så tog hon bara på sig en skjorta, medan den var tänkt att bära fyra . I ett humör började svärfadern slå den olyckliga personalen. Prinsen stod upp för sin hustru: innan dess hade fadern redan skickat sina två första fruar till klostret, som inte kunde bli gravida av honom. John Jr var inte orimligt rädd att han skulle förlora den tredje – hans pappa skulle helt enkelt döda henne. Han rusade mot prästen, som i ett anfall av våld slog till med sin stav och genomborrade sin sons tinning. Men förutom Possevin bekräftar inte en enda källa denna version, även om senare andra historiker, Staden och Karamzin, villigt tog upp den.
Moderna forskare föreslår att jesuiten uppfann legenden som vedergällning för det faktum att han var tvungen att återvända till det påvliga hovet "utan salt".
Vid uppgrävningen hittades rester av gifter i prinsens ben. Detta kan tyda på att Johannes den yngre dog av förgiftning (vilket inte är ovanligt för dessa tider), och inte alls av ett slag med ett hårt föremål!
Ändå ser vi i Repins målning just versionen av sonicide. Den utförs med en sådan extraordinär rimlighet att man ofrivilligt tror att allt faktiskt har hänt. Därav förstås den "dödliga" energin.
Och återigen utmärkte sig Repin
Repins självporträtt En gång beställdes Repin en enorm monumental målning "The Ceremonial Meeting of the State Council." Målningen var färdig i slutet av 1903. Och 1905 bröt den första ryska revolutionen ut, under vilken cheferna för de tjänstemän som avbildades på duken flög. Vissa förlorade sina tjänster och titlar, andra betalade till och med med livet: minister V.K. Plehve och storhertig Sergej Alexandrovich, den tidigare generalguvernören i Moskva, dödades av terrorister.
1909 målade konstnären ett porträtt på uppdrag av Saratovs stadsduma. Så snart han avslutat arbetet sköts Stolypin ihjäl i Kiev.
Vem vet - kanske om Ilya Repin inte hade varit så begåvad, kanske inte tragedier hade hänt. Redan på 1400-talet skrev vetenskapsmannen, filosofen, alkemisten och magikern Cornelius Agrippa Nettesheim: "Se upp för målarens pensel - hans porträtt kan visa sig vara mer levande än originalet."
P. A. Stolypin. Porträtt av I. Repin (1910) Mystisk målning "Främling" av Ivan Kramskoy
Bilden överlevde mirakulöst två perioder av massintresse i sig själv, och i helt olika epoker. För första gången - efter att ha skrivit 1883, ansågs det vara förkroppsligandet av aristokratin och var mycket populärt bland den sofistikerade S:t Petersburg-publiken.
Oväntat inträffade ytterligare en uppgång av intresse för det "Okända" redan under andra hälften av 1900-talet. Lägenheterna var dekorerade med reproduktioner av Kramskoys verk utklippta ur tidningar, och kopior av Det okända var ett av de mest populära uppdragen från konstnärer på alla nivåer. Det är sant att bilden av någon anledning redan var känd under namnet "The Stranger", kanske under inflytande av verk med samma namn av Blok. Även godis "Främling" skapades med en bild av Kramskoy på lådan. Så den felaktiga titeln på verket "blev till slut".
Långtidsstudier av "vem är avbildad i Kramskoys målning" gav inga resultat. Enligt en version var prototypen för "aristokratins symbol" en bondekvinna vid namn Matryona, som gifte sig med adelsmannen Bestuzhev.
"The Stranger" av Ivan Kramskoy är ett av de mest mystiska mästerverken i rysk måleri.
Vid första anblicken finns det inget mystiskt i porträttet: skönheten kör längs Nevsky Prospekt i en öppen vagn.
Många ansåg att Kramskojs hjältinna var en aristokrat, men en fashionabel sammetsrock trimmad med päls och blå satinband och en snygg baskerhatt, tillsammans med mörka ögonbryn, läppstift på hennes läppar och en rodnad på kinderna, förråder henne som en dam av sedan demi-monde. Inte en prostituerad, men uppenbarligen den bevarade kvinnan till någon ädel eller rik person.
Men när artisten fick frågan om denna kvinna existerar i verkligheten flinade han bara och ryckte på axlarna. Ingen har i alla fall sett originalet.
Samtidigt vägrade Pavel Tretyakov att köpa ett porträtt till sitt galleri - kanske var han rädd för tron att porträtt av skönheter "suger styrka" från levande människor.
Ivan Nikolaevich Kramskoy "Främling" började resa till privata samlingar. Och mycket snart blev känd. Dess första ägare övergavs av sin fru, den andras hus brann ner, den tredje gick i konkurs. Alla dessa olyckor tillskrevs den dödliga bilden.
Kramskoy själv undkom inte förbannelsen. Mindre än ett år efter skapandet av Unknown dog två av hans söner efter varandra.
Den "förbannade" bilden gick utomlands. De säger att där orsakade hon alla möjliga problem för sina ägare. 1925 återvände "Främlingen" till Ryssland och tog ändå sin plats i Tretjakovgalleriet. Sedan dess har inga fler incidenter inträffat.
Hela poängen är kanske att porträttet redan från början borde ha tagit sin rätta plats?
I nästan varje betydande konstverk finns det ett mysterium, en dubbelbotten eller en hemlig historia som du vill avslöja.
Musik på skinkorna
Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1500-1510.
Fragment av en triptyk
Tvister om innebörden och dolda betydelser av den holländska konstnärens mest berömda verk har inte avtagit sedan dess framträdande. På högra flygeln av triptyken som kallas "Musical Hell" avbildas syndare som torteras i underjorden med hjälp av musikinstrument. En av dem har lappar präglade på skinkorna. Oklahoma Christian University-studenten Amelia Hamrick, som studerade målningen, överförde 1500-talets notation till en modern twist och spelade in "en 500 år gammal rövlåt från helvetet."
Naken Mona Lisa
Den berömda "Gioconda" finns i två versioner: nakenversionen heter "Monna Vanna", den målades av den föga kända konstnären Salai, som var elev och sitter på den store Leonardo da Vinci. Många konstkritiker är säkra på att det var han som stod modell för Leonardos målningar "Johannes Döparen" och "Bacchus". Det finns också versioner som klädde i en kvinnoklänning, Salai fungerade som bilden av Mona Lisa själv.
Gammal fiskare
1902 målade den ungerske konstnären Tivadar Kostka Chontvari tavlan "Gammal fiskare". Det verkar som att det inte finns något ovanligt i bilden, men Tivadar lade en undertext i den, som aldrig avslöjades under konstnärens liv.
Få människor tänkte på att sätta en spegel i mitten av bilden. I varje person kan det finnas både Gud (den gamla mannens högra axel är duplicerad) och Djävulen (den vänstra axeln på den gamle är duplicerad).
Fanns det en val?
Hendrik van Antonissen "Scen på stranden".
Det verkade som ett vanligt landskap. Båtar, människor på stranden och ökenhavet. Och bara en röntgenstudie visade att människor samlades på stranden av en anledning - i originalet undersökte de kadavret av en val som spolas iland.
Konstnären bestämde sig dock för att ingen skulle vilja titta på en död val och målade om tavlan.
Två "Frukostar på gräset"
Edouard Manet, Frukost på gräset, 1863.
Claude Monet, Frukost på gräset, 1865.
Konstnärerna Edouard Manet och Claude Monet är ibland förvirrade – trots allt var de båda fransmän, levde samtidigt och arbetade i impressionismens stil. Till och med namnet på en av Manets mest kända målningar, "Frukost på gräset", lånade och skrev Monet sin "Frukost på gräset".
Tvillingar vid den sista måltiden
Leonardo da Vinci, Nattvarden, 1495-1498.
När Leonardo da Vinci skrev Nattvarden fäste han särskild vikt vid två gestalter: Kristus och Judas. Han letade efter barnvakter till dem under mycket lång tid. Till slut lyckades han hitta en modell för Kristusbilden bland de unga sångarna. Leonardo lyckades inte hitta en barnvakt åt Judas på tre år. Men en dag stötte han på en fyllare som låg i rännan på gatan. Han var en ung man som hade åldrats av starkt drickande. Leonardo bjöd in honom till en krog, där han omedelbart började skriva Judas från honom. När fylleristen kom till besinning berättade han för artisten att han redan hade poserat för honom en gång. Det var för några år sedan, när han sjöng i kyrkokören, Leonardo skrev Kristus från honom.
"Nattvakt" eller "Dagvakt"?
Rembrandt, Nattvakt, 1642.
En av Rembrandts mest kända målningar, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", hängde i olika salar i cirka tvåhundra år och upptäcktes av konsthistoriker först på 1800-talet. Eftersom figurerna tycktes sticka ut mot en mörk bakgrund, kallades den Nattvakten, och under detta namn gick den in i världskonstens skattkammare.
Och först under restaureringen, som utfördes 1947, visade det sig att bilden i hallen hade lyckats bli täckt av ett lager av sot, vilket förvrängde dess färg. Efter att ha rensat originalmålningen avslöjades det slutligen att scenen som Rembrandt presenterade faktiskt utspelar sig under dagen. Placeringen av skuggan från vänster hand på kapten Kok visar att handlingens varaktighet inte är mer än 14 timmar.
kapsejsad båt
Henri Matisse, "Båten", 1937.
I New York Museum of Modern Art 1961 ställdes Henri Matisses målning "Båten" ut. Först efter 47 dagar märkte någon att tavlan hängde upp och ner. Duken föreställer 10 lila linjer och två blå segel på vit bakgrund. Konstnären målade två segel av en anledning, det andra seglet är en reflektion av det första på vattenytan.
För att inte ta fel på hur bilden ska hänga måste du vara uppmärksam på detaljerna. Det större seglet ska vara överst på målningen, och toppen av seglet på målningen ska riktas till det övre högra hörnet.
Bedrägeri i ett självporträtt
Vincent van Gogh, Självporträtt med ett rör, 1889.
Det finns legender om att Van Gogh påstås klippa av sitt eget öra. Nu är den mest pålitliga versionen att van Goghs öra skadades i ett litet handgemäng med deltagande av en annan artist, Paul Gauguin.
Självporträttet är intressant eftersom det speglar verkligheten i en förvrängd form: konstnären avbildas med ett bandagerat höger öra, eftersom han använde en spegel när han arbetade. Det vänstra örat var faktiskt skadat.
främmande björnar
Ivan Shishkin, "Morgon i tallskogen", 1889.
Den berömda målningen tillhör inte bara Shishkins pensel. Många konstnärer som var vänner med varandra tog ofta till "en väns hjälp", och Ivan Ivanovich, som målat landskap hela sitt liv, var rädd att rörande björnar inte skulle bli som han behövde. Därför vände sig Shishkin till en bekant djurmålare Konstantin Savitsky.
Savitsky målade kanske de bästa björnarna i den ryska målningens historia, och Tretyakov beordrade att hans namn skulle tvättas bort från duken, eftersom allt på bilden "med början från idén och slutar med avrättningen, allt talar om sättet att måla, om den kreativa metoden som är speciell för Shishkin."
Oskyldig berättelse "gotisk"
Grant Wood, "American Gothic", 1930.
Grant Woods verk anses vara ett av de märkligaste och mest deprimerande i det amerikanska måleriets historia. Bilden med en dyster far och dotter svämmar över av detaljer som indikerar svårighetsgraden, puritanismen och retrograden hos de avbildade personerna.
Faktum är att konstnären inte hade för avsikt att skildra några fasor: under en resa till Iowa märkte han ett litet hus i gotisk stil och bestämde sig för att skildra de människor som enligt hans åsikt skulle vara idealiska som invånare. Grants syster och hans tandläkare förevigas i form av karaktärer som folket i Iowa blev så kränkta av.
Salvador Dalis hämnd
Målningen "Figur vid fönstret" målades 1925, när Dali var 21 år gammal. Då hade Gala ännu inte kommit in i konstnärens liv, och hans syster Ana Maria var hans musa. Relationen mellan bror och syster försämrades när han skrev på en av målningarna "ibland spottar jag på ett porträtt av min egen mamma, och det ger mig njutning." Ana Maria kunde inte förlåta så chockerande.
I sin bok från 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister skriver hon om sin bror utan något beröm. Boken gjorde El Salvador upprörd. I ytterligare tio år efter det kom han argt ihåg henne vid varje tillfälle. Och så, 1954, dyker bilden "En ung jungfru som hänger sig åt Sodomy synd med hjälp av sin egen kyskhets horn". Kvinnans pose, hennes lockar, landskapet utanför fönstret och målningens färgskala återspeglar tydligt Figuren vid fönstret. Det finns en version att det är så här Dali hämnades på sin syster för hennes bok.
Danae med två ansikten
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Många hemligheter för en av Rembrandts mest kända målningar avslöjades först på 60-talet av 1900-talet, när duken var upplyst med röntgenstrålar. Till exempel visade skjutningen att i den tidiga versionen såg ansiktet på prinsessan, som inledde en kärleksaffär med Zeus, ut som ansiktet på Saskia, hustrun till målaren, som dog 1642. I den slutliga versionen av målningen började den likna ansiktet på Gertier Dirks, Rembrandts älskarinna, med vilken konstnären bodde efter sin frus död.
Van Goghs gula sovrum
Vincent van Gogh, "Sovrum i Arles", 1888 - 1889.
I maj 1888 skaffade Van Gogh en liten verkstad i Arles, i södra Frankrike, dit han flydde från de parisiska konstnärerna och kritikerna som inte förstod honom. I ett av de fyra rummen inrättar Vincent ett sovrum. I oktober är allt klart, och han bestämmer sig för att måla Van Goghs sovrum i Arles. För konstnären var färgen, rummets komfort mycket viktigt: allt måste antyda tankar om avkoppling. Samtidigt bibehålls bilden i störande gula toner.
Forskare av Van Goghs kreativitet förklarar detta med det faktum att konstnären tog fingerborgsblom, ett botemedel mot epilepsi, vilket orsakar allvarliga förändringar i patientens uppfattning av färg: hela den omgivande verkligheten är målad i gröngula toner.
Tandlös perfektion
Leonardo da Vinci, "Porträtt av fru Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
Den allmänt accepterade åsikten är att Mona Lisa är perfektion och hennes leende är vackert i sin mystiska karaktär. Den amerikanske konstkritikern (och deltidstandläkaren) Joseph Borkowski menar dock att hjältinnan, att döma av ansiktsuttrycket, har tappat många av sina tänder. När hon undersökte förstorade fotografier av mästerverket hittade Borkowski också ärr runt hennes mun. "Hon ler så mycket just på grund av det som hände henne", tror experten. "Hennes ansiktsuttryck är typiskt för människor som har tappat sina framtänder."
Major på ansiktskontroll
Pavel Fedotov, majorens matchmaking, 1848.
Allmänheten, som först såg målningen "Major's Matchmaking", skrattade hjärtligt: konstnären Fedotov fyllde den med ironiska detaljer som var förståeliga för den tidens tittare. Till exempel är majoren uppenbarligen inte bekant med reglerna för ädel etikett: han dök upp utan de rätta buketterna för bruden och hennes mor. Och bruden själv släpptes ut av sina köpmansföräldrar i en aftonklänning, fast det var dagtid (alla lampor i rummet släcktes). Flickan provade uppenbarligen en lågt skuren klänning för första gången, skäms och försöker fly till sitt rum.
Varför frihet är naken
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty at the Barricades, 1830.
Enligt konsthistorikern Etienne Julie målade Delacroix ansiktet på en kvinna från den berömda parisiska revolutionären - tvätterskan Anna-Charlotte, som gick till barrikaderna efter sin brors död i händerna på kungliga soldater och dödade nio vakter. Konstnären avbildade henne barbröst. Enligt hans plan är detta en symbol för oräddhet och osjälviskhet, såväl som demokratins triumf: nakna bröst visar att Svoboda, som en allmänning, inte bär en korsett.
icke kvadratisk kvadrat
Kazimir Malevich, Black Suprematist Square, 1915.
Faktum är att den "svarta fyrkanten" inte är alls svart och inte alls kvadratisk: ingen av sidorna på fyrkanten är parallell med någon av dess andra sidor, och ingen av sidorna av den fyrkantiga ramen som ramar in bilden. Och den mörka färgen är resultatet av att blanda olika färger, bland vilka det inte fanns någon svart. Man tror att detta inte var författarens försumlighet, utan en principiell position, önskan att skapa en dynamisk, mobil form.
Specialister från Tretyakov Gallery har upptäckt författarens inskription på en berömd målning av Malevich. Inskriptionen lyder: "Slaget om negrerna i en mörk grotta." Denna fras hänvisar till namnet på den lekfulla målningen av den franske journalisten, författaren och konstnären Alphonse Allais "Slaget om negrerna i en mörk grotta i nattens död", som var en absolut svart rektangel.
Melodrama av den österrikiska Mona Lisa
Gustav Klimt, "Porträtt av Adele Bloch-Bauer", 1907.
En av Klimts mest betydelsefulla målningar föreställer den österrikiske sockermagnaten Ferdinand Bloch-Bauers hustru. Hela Wien diskuterade den stormiga romansen mellan Adele och den berömda artisten. Den skadade maken ville hämnas på sina älskare, men valde ett mycket ovanligt sätt: han bestämde sig för att beställa ett porträtt av Adele från Klimt och tvinga honom att göra hundratals skisser tills konstnären börjar vända sig bort från henne.
Bloch-Bauer ville att arbetet skulle pågå i flera år, och modellen kunde se hur Klimts känslor försvinner. Han gjorde ett generöst erbjudande till konstnären, som han inte kunde vägra, och allt visade sig enligt scenariot för den lurade mannen: arbetet avslutades på 4 år, älskande hade länge svalnat mot varandra. Adele Bloch-Bauer fick aldrig reda på att hennes man var medveten om hennes förhållande till Klimt.
Målningen som väckte Gauguin tillbaka till livet
Paul Gauguin, "Var kommer vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg?", 1897-1898.
Gauguins mest kända duk har en egenskap: den "läses" inte från vänster till höger, utan från höger till vänster, som kabbalistiska texter som konstnären var intresserad av. Det är i denna ordning som allegorin om en persons andliga och fysiska liv utvecklas: från själens födelse (ett sovande barn i det nedre högra hörnet) till oundvikligheten av dödstimmen (en fågel med en ödla i dess klor i det nedre vänstra hörnet).
Målningen målades av Gauguin på Tahiti, dit konstnären flydde från civilisationen flera gånger. Men den här gången fungerade inte livet på ön: total fattigdom ledde honom till depression. Efter att ha avslutat duken, som skulle bli hans andliga testamente, tog Gauguin en låda arsenik och gick till bergen för att dö. Han beräknade dock inte dosen, och självmordet misslyckades. Nästa morgon vacklade han till sin hydda och somnade, och när han vaknade kände han en bortglömd törst efter livet. Och 1898 gick hans angelägenheter uppåt, och en ljusare period började i hans arbete.
112 ordspråk i en bild
Pieter Brueghel den äldre, "Nederländernas ordspråk", 1559
Pieter Brueghel den äldre skildrade ett land bebott av bokstavliga bilder av dåtidens holländska ordspråk. Det finns ungefär 112 igenkännbara idiom i den målade bilden. En del av dem används än idag, som "simma mot strömmen", "bank huvudet i väggen", "beväpnade till tänderna" och "stora fiskar äter små".
Andra ordspråk speglar mänsklig dumhet.
Konstens subjektivitet
Paul Gauguin, bretonsk by under snön, 1894
Gauguins målning "Breton Village in the Snow" såldes efter författarens död för endast sju franc och dessutom under namnet "Niagarafallen". Auktionsförrättaren hängde av misstag tavlan upp och ner efter att ha sett ett vattenfall i den.
dold bild
Pablo Picasso, Det blå rummet, 1901
2008 visade infraröd att en annan bild gömdes under "Blå rummet" - ett porträtt av en man klädd i kostym med en fjäril och vilande huvudet på handen. "Så fort Picasso fick en ny idé tog han upp borsten och förkroppsligade den. Men han hade inte möjlighet att köpa en ny duk varje gång musen besökte honom, förklarar konsthistorikern Patricia Favero den möjliga orsaken till detta.
Otillgängliga marockanska kvinnor
Zinaida Serebryakova, naken, 1928
En dag fick Zinaida Serebryakova ett frestande erbjudande - att gå på en kreativ resa för att skildra de nakna figurerna av orientaliska jungfrur. Men det visade sig att det helt enkelt var omöjligt att hitta modeller på de platserna. En tolk för Zinaida kom till undsättning - han förde sina systrar och sin brud till henne. Ingen före och efter det kunde fånga de slutna orientaliska kvinnorna nakna.
Spontan insikt
Valentin Serov, "Porträtt av Nicholas II i en jacka", 1900
Serov kunde under lång tid inte måla ett porträtt av kungen. När artisten helt gav upp bad han Nikolai om ursäkt. Nikolai blev lite upprörd, satte sig vid bordet och sträckte ut händerna framför sig ... Och så gick det upp för konstnären - här är han! En enkel militär i officersjacka med klara och sorgsna ögon. Detta porträtt anses vara den bästa skildringen av den siste kejsaren.
Återigen tvåa
© Fedor Reshetnikov
Den berömda målningen "Again deuce" är bara den andra delen av den konstnärliga trilogin.
Den första delen är "Anlände till semestern." Uppenbarligen en välbärgad familj, vinterlov, en glad utmärkt student.
Den andra delen är "Again the deuce". En fattig familj från utkanten av arbetarklassen, höjden av läsåret, en tråkig bedövare som återigen tog tag i en tvåa. I det övre vänstra hörnet kan du se bilden "Anlände till semestern."
Den tredje delen är "Omtentamen". Landsbygdshus, sommar, alla går, en illvillig okunnig som misslyckades med det årliga provet tvingas sitta inom fyra väggar och proppa. I det övre vänstra hörnet kan du se bilden "Again deuce".
Hur mästerverk föds
Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844
År 1842 reste fru Simon med tåg i England. Plötsligt började ett kraftigt skyfall. Den äldre herrn som satt mitt emot henne reste sig, öppnade fönstret, stack ut huvudet och stirrade så i ungefär tio minuter. Kvinnan kunde inte hålla tillbaka sin nyfikenhet och öppnade också fönstret och tittade fram. Ett år senare upptäckte hon målningen "Rain, Steam and Speed" på en utställning på Royal Academy of Arts och kunde i den känna igen själva avsnittet på tåget.
Anatomi lektion från Michelangelo
Michelangelo, Adams skapelse, 1511
Ett par amerikanska neuroanatomiexperter tror att Michelangelo faktiskt lämnade några anatomiska illustrationer i ett av sina mest kända verk. De tror att en enorm hjärna är avbildad på höger sida av bilden. Överraskande nog kan även komplexa komponenter som lillhjärnan, synnerverna och hypofysen hittas. Och det medryckande gröna bandet matchar perfekt platsen för kotartären.
Nattvarden av Van Gogh
Vincent van Gogh, Café Terrace at Night, 1888
Forskaren Jared Baxter tror att Van Goghs Café Terrace at Night innehåller en dedikation till Leonardo da Vincis Nattvarden. I mitten av bilden står en servitör med långt hår och i vit tunika, som påminner om Kristi kläder, och runt honom exakt 12 kafébesökare. Baxter uppmärksammar också korset, som ligger direkt bakom ryggen på servitören i vitt.
Dalis bild av minnet
Salvador Dali, Minnets persistens, 1931
Det är ingen hemlighet att tankarna som besökte Dali under skapandet av hans mästerverk alltid var i form av mycket realistiska bilder, som konstnären sedan överförde till duken. Så, enligt författaren själv, målades målningen "The Persistence of Memory" som ett resultat av associationer som uppstod vid åsynen av smältost.
Vad skriker Munch om
Edvard Munch, "Skriet", 1893.
Munch talade om idén om en av de mest mystiska målningarna inom världsmåleriet: "Jag gick längs vägen med två vänner - solen gick ner - plötsligt blev himlen blodröd, jag pausade, kände mig utmattad och lutade mig mot staketet - jag tittade på blod och lågor över den blåsvarta fjorden och staden - mina vänner fortsatte, och jag stod och darrade av upphetsning och kände det ändlösa skriket genomträngande naturen. Men vilken typ av solnedgång kan skrämma konstnären så?
Det finns en version att idén om "Scream" föddes av Munch 1883, när det var flera starkaste utbrott av vulkanen Krakatoa - så kraftfulla att de ändrade temperaturen på jordens atmosfär med en grad. En riklig mängd damm och aska spred sig över hela jordklotet och nådde till och med så långt som till Norge. Flera kvällar i rad såg solnedgångarna ut som om apokalypsen var på väg att komma – en av dem blev en inspirationskälla för konstnären.
Författare bland folket
Alexander Ivanov, "Kristi framträdande för folket", 1837-1857.
Dussintals barnvakter poserade för Alexander Ivanov för hans huvudbild. En av dem är känd inte mindre än konstnären själv. I bakgrunden, bland resenärer och romerska ryttare som ännu inte hört Johannes Döparens predikan, kan man lägga märke till en karaktär i brun tunika. Hans Ivanov skrev med Nikolai Gogol. Författaren kommunicerade nära med konstnären i Italien, särskilt i religiösa frågor, och gav honom råd under målningsprocessen. Gogol trodde att Ivanov "för länge sedan hade dött för hela världen, utom för sitt arbete."
Michelangelos gikt
Raphael Santi, Atens skola, 1511.
Genom att skapa den berömda fresken "The School of Athens" förevigade Raphael sina vänner och bekanta i bilder av antika grekiska filosofer. En av dem var Michelangelo Buonarroti "i rollen" som Herakleitos. Under flera århundraden höll fresken hemligheterna i Michelangelos personliga liv, och moderna forskare har föreslagit att konstnärens märkligt kantiga knä indikerar att han har en ledsjukdom.
Detta är ganska troligt, med tanke på särdragen i livsstilen och arbetsförhållandena för renässanskonstnärer och Michelangelos kroniska arbetsnarkoman.
Arnolfinis spegel
Jan van Eyck, "Porträtt av Arnolfinis", 1434
I spegeln bakom Arnolfinis kan du se reflektionen av ytterligare två personer i rummet. Troligtvis är dessa vittnen närvarande vid avtalets ingående. En av dem är van Eyck, vilket framgår av den latinska inskriptionen placerad, tvärtemot tradition, ovanför spegeln i kompositionens mitt: "Jan van Eyck var här." Så var kontrakten vanligtvis förseglade.
Hur ett fel förvandlades till en talang
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Självporträtt vid 63 års ålder, 1669.
Forskaren Margaret Livingston studerade alla Rembrandts självporträtt och fann att konstnären led av skelning: i bilderna ser hans ögon åt olika håll, vilket inte observeras i porträtten av andra människor av mästaren. Sjukdomen ledde till att konstnären bättre kunde uppfatta verkligheten i två dimensioner än människor med normal syn. Detta fenomen kallas "stereoblindhet" - oförmågan att se världen i 3D. Men eftersom målaren måste arbeta med en tvådimensionell bild var det just denna brist hos Rembrandt som kunde vara en av förklaringarna till hans fenomenala talang.
Syndfri Venus
Sandro Botticelli, Venus födelse, 1482-1486.
Före tillkomsten av The Birth of Venus symboliserade bilden av en naken kvinnlig kropp i målning endast idén om arvssynd. Sandro Botticelli var den första europeiska målare som inte hittade något syndigt i honom. Dessutom är konsthistoriker säkra på att den hedniska kärleksgudinnan symboliserar den kristna bilden på fresken: hennes utseende är en allegori över själens återfödelse som har genomgått dopriten.
Lutspelare eller lutspelare?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, lutspelaren, 1596.
Länge ställdes målningen ut i Eremitaget under titeln "Lutspelare". Först i början av 1900-talet var konsthistoriker överens om att duken fortfarande föreställer en ung man (förmodligen poserades Caravaggio av sin vän konstnären Mario Minniti): på tonerna framför musikern, en inspelning av basdelen av madrigalen av Jacob Arcadelt "Du vet att jag älskar dig" är synlig . En kvinna skulle knappast kunna göra ett sådant val - det är bara jobbigt för halsen. Dessutom ansågs lutan, liksom fiolen alldeles i kanten av bilden, vara ett manligt instrument under Caravaggios tidevarv.
En av de mest kända "förbannade" målningarna är "The Crying Boy" - en reproduktion av en målning av den spanska konstnären Giovanni Bragolin. Historien om dess skapelse är som följer: konstnären ville måla ett porträtt av ett gråtande barn och tog sin lilla son som barnvakt. Men eftersom barnet inte kunde gråta på beställning, fick fadern honom medvetet till tårar och tände tändstickor framför hans ansikte.
Konstnären visste att hans son var fruktansvärt rädd för eld, men konsten var honom kärare än hans eget barns nerver, och han fortsatte att håna honom. När den väl kom till hysteri kunde barnet inte stå ut och skrek och fällde tårar: "Du brinner själv!" Den här förbannelsen tog inte lång tid att besannas - två veckor senare dog pojken av lunginflammation, och snart brändes hans far levande i sitt eget hus ... Detta är bakgrunden. Målningen, eller snarare dess reproduktion, fick sin olycksbådande berömmelse 1985, i England.
Detta hände tack vare en rad märkliga tillfälligheter - i norra England, en efter en, började bostadshus att antändas. Det var mänskliga offer. Några offer nämnde att endast en billig reproduktion föreställande ett gråtande barn mirakulöst överlevde från all egendom. Och det kom fler och fler sådana rapporter, tills slutligen en av brandinspektörerna offentligt meddelade att i alla de brända husen, utan undantag, hittades den gråtande pojken orörd.
Genast översvämmades tidningarna av en våg av brev, som rapporterade om olika olyckor, dödsfall och bränder som inträffade efter att ägarna köpt denna tavla. Naturligtvis började "Crying Boy" omedelbart betraktas som förbannad, historien om dess skapelse dök upp, övervuxen med rykten och fiktioner ... Som ett resultat publicerade en av tidningarna ett officiellt uttalande att alla som har denna reproduktion borde omedelbart bli av med den, och myndigheterna är hädanefter förbjuden att skaffa och behålla den hemma.
Än idag är The Crying Boy ökänd, särskilt i norra England. Förresten, originalet har ännu inte hittats. Det är sant att vissa tvivlare (särskilt här i Ryssland) medvetet hängde detta porträtt på sin vägg, och det verkar som om ingen brann ner. Men ändå är det väldigt få som vill testa legenden i praktiken.
Ett annat välkänt "eldigt mästerverk" är Monets "Näckrosor". Konstnären själv var den första som drabbades av det - hans verkstad brann nästan ner av okänd anledning.
Sedan brann de nya ägarna av näckrosorna ner - en kabaré i Montmartre, hemmet för en fransk beskyddare av konsten, och till och med New York Museum of Modern Art. För närvarande finns målningen i Mormoton Museum, Frankrike, och visar inte dess "brandfarliga" egenskaper. Hejdå.
En annan, mindre känd och utåt sett omärklig målning - "brännstiftare" hänger i Royal Museum of Edinburgh. Detta är ett porträtt av en äldre man med utsträckt hand. Enligt legenden börjar ibland fingrarna på handen på en gammal man målad i olja att röra sig. Och den som såg detta ovanliga fenomen kommer säkert att dö av eld inom en mycket nära framtid.
Två kända offer för porträttet är Lord Seymour och sjökaptenen Belfast. Båda påstod sig ha sett den gamle mannen röra sina fingrar, och båda dog sedan i branden. Vidskepliga stadsbor krävde till och med att museets direktör skulle ta bort den farliga målningen från skada, men han gick naturligtvis inte med på det - det är detta anspråkslösa och inte särskilt värdefulla porträtt som lockar flest besökare.
Den berömda "La Gioconda" av Leonardo da Vinci gläder inte bara, utan skrämmer också människor. Förutom antaganden, fiktioner, legender om själva verket och om Mona Lisas leende, finns det en teori om att detta mest kända porträtt i världen har en extremt negativ effekt på betraktaren. Till exempel registreras mer än hundra fall officiellt när besökare, efter att ha sett en bild under en längre tid, tappat medvetandet.
Det mest kända fallet inträffade med den franske författaren Stendhal, som svimmade medan han beundrade ett mästerverk. Det är känt att Mona Lisa själv, som poserade för artisten, dog ung, 28 år gammal. Och den store mästaren Leonardo själv arbetade inte med någon av sina skapelser så länge och noggrant som på Gioconda. I sex år – fram till sin död, skrev Leonardo om och korrigerade bilden, men han uppnådde inte vad han ville till slutet.
Velazquez målning "Venus med en spegel" åtnjöt också välförtjänt ryktbarhet. Alla som köpte den gick antingen i konkurs eller dog en våldsam död. Även museer ville inte riktigt ha med dess huvudkomposition, och bilden ändrade hela tiden sin "registrering". Fallet slutade med att en galen besökare en dag attackerade duken och skar den med en kniv.
En annan "förbannad" målning som är allmänt känd är verk av den kaliforniska surrealistiska konstnären "Hands Resist Him" ("Hands resist him") Bill Stoneham. Konstnären målade den 1972 från ett fotografi där han och hans yngre syster står framför sitt hem.
På bilden är en pojke med otydliga drag och en docka stor som en levande flicka frusna framför en glasdörr, till vilken barns små händer pressas inifrån. Det finns många skräckhistorier förknippade med denna målning. Allt började med att den första konstkritikern som såg och uppskattade verket plötsligt dog.
Sedan förvärvades bilden av en amerikansk skådespelare, som inte heller läkte länge. Efter hans död försvann verket under en kort stund, men sedan hittades det av misstag i sopberget. Familjen som plockade upp det mardrömslika mästerverket tänkte hänga det i barnkammaren. Som ett resultat började den lilla dottern springa in i föräldrarnas sovrum varje kväll och skrika att barnen på bilden bråkade och bytte plats. Min far installerade en rörelseavkännande kamera i rummet, och den slocknade flera gånger under natten.
Naturligtvis skyndade familjen att bli av med en sådan ödesgåva, och snart lades Hands Resist Him upp på en onlineauktion. Och sedan regnade många brev ner på arrangörernas adress som klagade över att folk blev sjuka när de tittade på bilden, och några fick till och med hjärtinfarkt. Den köptes av ägaren till ett privat konstgalleri, och nu började klagomål komma till hans adress. Han blev till och med kontaktad av två amerikanska exorcister som erbjöd sina tjänster. Och synska som såg bilden hävdar enhälligt att ondskan utgår från den.
Foto - en prototyp av målningen "Händer motstår honom":
Det finns flera mästerverk av rysk måleri som också har sorgliga historier. Till exempel målningen "Troika" av Perov, känd för alla sedan skolan. Denna rörande och sorgliga bild föreställer tre bondebarn från fattiga familjer som drar en tung börda, spända till den som draghästar.
I mitten står en blondhårig liten pojke. Perov letade efter ett barn till en målning tills han träffade en kvinna med en 12-årig son vid namn Vasya, som gick genom Moskva på en pilgrimsfärd.
Vasya förblev den enda trösten för modern, som begravde sin man och andra barn. Först ville hon inte att hennes son skulle posera för målaren, men sedan tackade hon ja. Men kort efter att bilden var klar, dog pojken ... Det är känt att efter hennes sons död kom en fattig kvinna till Perov och bad honom att sälja henne ett porträtt av hennes älskade barn, men bilden var hänger redan i Tretjakovgalleriet. Det är sant att Perov svarade på sin mammas sorg och målade ett porträtt av Vasya separat för henne.
En av de ljusaste och mest extraordinära genierna inom rysk målning, Mikhail Vrubel, har verk som också är förknippade med konstnärens personliga tragedier. Så porträttet av hans älskade son Savva skrevs av honom strax före barnets död. Dessutom insjuknade pojken oväntat och dog plötsligt. Och Demon Downcast hade en skadlig effekt på Vrubels psyke och hälsa.
Konstnären kunde inte slita sig från bilden, han fortsatte att avsluta ansiktet på den besegrade Anden och även ändra färgen. "Den besegrade demonen" hängde redan på utställningen, och Vrubel kom hela tiden in i salen, utan att uppmärksamma besökarna, satte sig framför bilden och fortsatte att arbeta, som om han var besatt.
Släktingar var oroliga över hans tillstånd, och han undersöktes av den berömda ryske psykiatern Bekhterev. Diagnosen var fruktansvärd - en flik av ryggmärgen, nära galenskap och död. Vrubel lades in på sjukhuset, men behandlingen hjälpte inte mycket, och han dog snart.
En intressant historia är kopplad till målningen "Maslenitsa", som under lång tid prydde lobbyn på Ukraine Hotel. Hon hängde och hängde, ingen såg riktigt på henne, tills det plötsligt stod klart att författaren till detta verk var en psykiskt sjuk person vid namn Kuplin, som kopierade konstnären Antonovs duk på sitt eget sätt. Egentligen finns det inget särskilt hemskt eller enastående i bilden av de psykiskt sjuka, men i ett halvår rörde det om vidderna av Runet.
Målning av Antonov
Kuplin målning
En student skrev ett blogginlägg om henne 2006. Dess väsen kokade ner till det faktum att det, enligt en professor vid ett av Moskvas universitet, finns ett hundraprocentigt, men icke-uppenbart tecken i bilden, genom vilket det omedelbart är tydligt att konstnären är galen. Och även påstås på grundval av detta kan du omedelbart göra den korrekta diagnosen.
Men, som studenten skrev, upptäckte inte den listige professorn skylten, utan gav bara vaga antydningar. Och så, säger de, människor, hjälp, vem som kan, för jag kan inte hitta det själv, jag är helt utmattad och trött. Vad som började här är lätt att föreställa sig.
Inlägget distribuerades över hela nätverket, många användare skyndade sig att leta efter ett svar och skällde ut professorn. Målningen blev enormt populär, liksom studentens blogg och professorns namn. Ingen kunde lösa gåtan, och till slut, när alla var trötta på den här historien, bestämde de sig:
1. Det finns ingen skylt, och professorn "skiljde sig" medvetet från studenterna för att de inte skulle hoppa över föreläsningar.
2. Professorn är själv psykopat (det fanns till och med fakta om att han verkligen blev behandlad utomlands).
3. Kuplin förknippade sig själv med snögubben som skymtar i bakgrunden av bilden, och detta är den viktigaste ledtråden till mysteriet.
4. Det fanns ingen professor, och hela historien är en lysande flashmob.
Förresten, många ursprungliga gissningar av detta tecken gavs också, men ingen av dem visade sig vara sann. Historien försvann gradvis, även om man även nu ibland kan stöta på dess ekon i RuNet. När det gäller bilden, för vissa gör den verkligen ett kusligt intryck och orsakar obehag.
Under Pushkins tid var porträttet av Maria Lopukhina en av de viktigaste "skräckhistorierna". Flickan levde ett kort och olyckligt liv, och efter att ha målat porträttet dog hon av konsumtion. Hennes far Ivan Lopukhin var en berömd mystiker och mästare i Frimurarlogen.
Det var därför rykten spred sig om att han lyckades locka in sin döda dotters ande i detta porträtt. Och att om unga tjejer tittar på bilden så kommer de snart att dö. Enligt versionen av salongsskvaller dödade porträttet av Mary minst tio adelskvinnor i giftbar ålder ...
Filantropen Tretyakov satte stopp för ryktena, som 1880 köpte porträttet till sitt galleri. Det fanns ingen betydande dödlighet bland besökarna. Samtalen avtog. Men sedimentet fanns kvar.
Dussintals människor som på ett eller annat sätt kom i kontakt med Edvard Munchs målning "Skriet", vars kostnad experter uppskattar till 70 miljoner dollar, utsattes för det onda ödet: de blev sjuka, bråkade med nära och kära, hamnade i svår depression, eller till och med plötsligt dött. Allt detta skapade ett dåligt rykte för bilden, så museumsbesökare tittade på den med oro och kom ihåg de fruktansvärda historierna som berättades om mästerverket.
En dag tappade en museitjänsteman av misstag en tavla. Efter en tid började han få fruktansvärd huvudvärk. Jag måste säga att innan den här händelsen hade han ingen aning om vad huvudvärk var. Migränanfallen blev vanligare och mer akuta och fallet slutade med att den stackars begick självmord.
Vid ett annat tillfälle tappade en museiarbetare en tavla medan den hängdes från en vägg till en annan. En vecka senare var han i en fruktansvärd bilolycka som gjorde att han fick brutna ben, armar, flera revben, ett bäckenbrott och en allvarlig hjärnskakning.
En av museibesökarna försökte röra vid målningen med fingret. Några dagar senare utbröt en brand i hans hus, där denne man brändes levande.
Edvard Munch själv, född 1863, var en rad oändliga tragedier och omvälvningar. Sjukdom, anhörigas död, galenskap. Hans mamma dog i tuberkulos när barnet var 5 år gammalt. Efter 9 år dog Edwards älskade syster Sophia av en allvarlig sjukdom. Sedan dog brodern Andreas, och läkare diagnostiserade hans yngre syster med schizofreni.
I början av 1990-talet drabbades Munch av ett svårt nervsammanbrott och genomgick en lång tid elektrochockbehandling. Han gifte sig aldrig eftersom tanken på sex skrämde honom. Han dog vid en ålder av 81 och lämnade ett enormt kreativt arv som en gåva till staden Oslo: 1200 målningar, 4500 skisser och 18 tusen grafiska verk. Men höjdpunkten i hans verk förblir förstås "Skriket".
Den holländska konstnären Pieter Brueghel den äldre målade The Adoration of the Magi i två år. Han "kopierade" Jungfru Maria från sin kusin. Hon var en karg kvinna, för vilken hon fick ständiga manschetter av sin man. Det var hon som, som en enkel medeltida holländare skvallrade, "smittade" bilden. Fyra gånger köptes "Magi" av privata samlare. Och varje gång upprepades samma historia: inga barn föddes i en familj på 10-12 år ...
Slutligen, 1637, köptes målningen av arkitekten Jacob van Campen. Vid den tiden hade han redan tre barn, så förbannelsen skrämde honom inte riktigt.
Förmodligen den mest kända dåliga bilden av internetutrymmet med följande berättelse: En viss skolflicka (nämner ofta japanska) innan hon öppnade sina ådror (hoppade ut genom ett fönster, åt piller, hängde sig, dränkte sig i ett badkar) målade den här bilden.
Om du tittar på henne i 5 minuter i rad kommer flickan att förändras (ögon blir röda, håret blir svart, huggtänder kommer att dyka upp). Faktum är att det är tydligt att bilden helt klart inte är ritad för hand, som många gärna hävdar. Även om ingen ger tydliga svar hur denna bild såg ut.
Nästa bild hänger blygsamt utan ram i en av butikerna i Vinnitsa. "Rain Woman" är den dyraste av alla verk: den kostar 500 dollar. Enligt säljarna har tavlan redan köpts tre gånger, och sedan återlämnats. Kunder förklarar att de drömmer om henne. Och någon säger till och med att han känner den här damen, men kommer inte ihåg var. Och alla som någonsin har tittat in i hennes vita ögon kommer för alltid att minnas känslan av en regnig dag, tystnad, ångest och rädsla.
Var kom den ovanliga bilden ifrån, sa dess författare, Vinnitsa-konstnären Svetlana Telets. "1996 tog jag examen från Odessa Art University. Grekova, - minns Svetlana. – Och ett halvår före födelsen av "Woman" verkade det alltid för mig att någon ständigt tittade på mig.
Jag drev bort sådana tankar från mig själv, och så en dag, förresten, inte alls regnig, satt jag framför en tom duk och funderade på vad jag skulle rita. Och plötsligt såg hon tydligt konturerna av en kvinna, hennes ansikte, färger, nyanser. På ett ögonblick märkte jag alla detaljer i bilden. Jag skrev det viktigaste snabbt - jag klarade det på fem timmar.
Det kändes som om någon höll min hand. Och så målade jag en månad till.”
Vid ankomsten till Vinnitsa ställde Svetlana ut målningen i den lokala konstsalongen. Konstkännare närmade sig henne då och då och delade samma tankar som hon själv hade under sitt arbete.
"Det var intressant att observera", säger konstnären, "hur subtilt en sak kan materialisera en tanke och inspirera den i andra människor."
För några år sedan dök den första kunden upp. En ensam affärskvinna gick länge i korridorerna och tittade noga. Efter att ha köpt "Woman" hängde hon den i sitt sovrum.
Två veckor senare ringde ett nattsamtal i Svetlanas lägenhet: ”Snälla hämta henne. Jag kan inte sova. Det verkar som att det finns någon i lägenheten förutom jag. Jag tog till och med bort den från väggen, gömde den bakom garderoben, men jag kan fortfarande inte."
Sedan dök en andra köpare upp. Sedan köpte en ung man tavlan. Och han höll inte länge heller. Han förde det till konstnären själv. Och han tog inte ens tillbaka pengarna. "Jag drömmer om henne," klagade han. "Han dyker upp varje kväll och går som en skugga runt mig. Jag börjar bli galen. Jag är rädd för den här bilden!
Den tredje köparen, efter att ha lärt sig ryktet om "Kvinnor", bara borstade bort det. Han sa till och med att ansiktet på den olycksbådande damen verkade sött för honom. Och hon kommer säkert att komma överens med honom. Kom inte överens.
"Först märkte jag inte hur vita ögonen var", mindes han. "Och sedan började de dyka upp överallt. Huvudvärk började, orimlig oro. Och behöver jag det?
Så "Rain Woman" återvände till artisten igen. Ett rykte spreds runt i staden att denna bild var förbannad. En natt kan göra dig galen. Konstnären själv är inte glad över att hon skrev sådan skräck.
Men Sveta har ännu inte tappat optimismen:
– Varje bild föds för en viss person. Jag tror att det kommer att finnas någon som "Woman" skrevs för. Någon letar efter henne - precis som hon letar efter honom.
Mystiska berättelser och mysterier förknippas med många målningsverk. Dessutom tror vissa experter att mörka och hemliga krafter är inblandade i skapandet av ett antal dukar. Det finns skäl för ett sådant påstående. Alltför ofta hände fantastiska fakta och oförklarliga händelser med dessa ödesdigra mästerverk - bränder, dödsfall, författarnas galenskap ... En av de mest kända "förbannade" målningarna är "Crying Boy" - en reproduktion av en målning av den spanska konstnären Giovanni Bragolin . Historien om dess skapelse är som följer: konstnären ville måla ett porträtt av ett gråtande barn och tog sin lilla son som barnvakt. Men eftersom barnet inte kunde gråta på beställning, fick fadern honom medvetet till tårar och tände tändstickor framför hans ansikte.
Om du tittar på henne i 5 minuter i rad kommer flickan att förändras (ögon blir röda, håret blir svart, huggtänder kommer att dyka upp). Faktum är att det är tydligt att bilden helt klart inte är ritad för hand, som många gärna hävdar. Även om ingen ger tydliga svar hur denna bild såg ut. Nästa bild hänger blygsamt utan ram i en av butikerna i Vinnitsa. "Rain Woman" är den dyraste av alla verk: den kostar 500 dollar. Enligt säljarna har tavlan redan köpts tre gånger, och sedan återlämnats. Kunder förklarar att de drömmer om henne. Och någon säger till och med att han känner den här damen, men kommer inte ihåg var. Och alla som någonsin har tittat in i hennes vita ögon kommer för alltid att minnas känslan av en regnig dag, tystnad, ångest och rädsla.
2005) handlade det om verk där det, förutom huvudhandlingen, finns ett till - gömt. Det visar sig när du närmar dig bilden, rör dig bort från den eller tittar i en viss vinkel. Nu kommer du att lära dig om de mest sanningsenliga målningarna, som ändå kallas "tricks", om spöklika silhuetter, "dubbeltittare", "trippeltittare" och även om en sällsynt sorts ikoner.
G. Teplov. Stilleben är ett trick. 1737. State Hermitage, St Petersburg.
P. Drozhdin. "Porträtt av konstnären A. P. Antropov med sin son framför ett porträtt av sin fru." 1776. Ryska museet, St Petersburg.
R. Magritte. "Människans öde". 1933 National Gallery of Art, Washington.
Okänd artist. "Lilies of France" (sex silhuetter av familjen Bourbon). 1815.
O. Kanyu. "Korporala violer (silhuetter av Bonaparte, hans fru och son)". 1815. Bildens titel innehåller en påminnelse om att Napoleon började sin militärtjänst med korprals grad.
S. Del Prete. "Hemligheten mellan höstlöv" 1991 Galleri i Bern, Schweiz.
V. Bregeda. "Profetia". 1994
N. Zamyatina. "Drömmarna om Grekland". 2004
Ord - "dubbelögd": hajar - skurkar, sorl - nynna inte, fred - Moscow State University, hållbart - korrekt. Författarna är Olga och Sergey Fedin.
Vykort. "Min fru och min svärmor." Början av XX-talet. Ryssland.
I. Botvinik. "Min man och min svärfar." Första hälften av nittonhundratalet. USA.
G. Fisher. "Mamma, pappa och dotter." 1968 USA.
S. Orlov. "Ros för två". 2004 Moskva.
S. Dali. "Försvinnande byst av Voltaire". 1940 Dali Museum, St. Petersburg, USA.
Två målningar av Salvador Dali: till vänster - "Huvudet på en kvinna i form av en strid." 1936; till höger - "Spanien". 1938
V. Koval. "Kovalland (självporträtt av konstnären)". 1994
Treenighetsikonen "The Deesis Order". XIX århundradet. Ryssland.
Vetenskap och liv // Illustrationer
Ikon med ansikten av Jesus och Maria Magdalena. Första hälften av 1600-talet. Melheim, Tyskland.
Porträtt av Alexander III med sin fru och son. Slutet av 1800-talet. Kyrkamuseum vid kyrkan St. Mitrofan i Voronezh, Moskva.
Gabriel von Max. "Näsduk av Saint Veronica". 1870-talet. Tyskland.
"Frälsaren inte gjord av händer". 1970-talsfotografi från en målning av en okänd konstnär, Ryssland.
RIKTIGT BEDRAG
Två konstnärer argumenterade - Zeuxis och Parrhasius: vilken av dem är bättre. Zeuxis ritade en klase vindruvor och placerade bilden nära det öppna fönstret. Fåglar som flög förbi såg druvorna, satte sig och försökte picka på de målade bären. Det var Parrhasius tur. "Jaha, var är ditt jobb?" - "Där, bakom gardinen." Zeuxis gick till gardinen och försökte dra tillbaka den. Och hon var målad. Legenden föddes i antikens Grekland, cirka 500 år före vår tideräkning.
Det är mer sant än det kan verka vid första anblicken. Faktum är att många fåglar inte har stereoskopisk syn, eftersom deras ögon är placerade på båda sidor av huvudet. Det ena ögat ser ser inte det andra. På grund av bristen på ett gemensamt synfält kan hjärnan inte bilda en tredimensionell bild. Och erfarna jägare vet att en primitiv, omålad modell av en anka lockar en flygande drake inte värre än en levande lockfågel.
Det som är viktigt för oss i den grekiska legenden är att bilden inte bedrog fåglarna, utan målarmästarens öga. Den ryske 1800-talskonstnären Fjodor Tolstoj har målningar som återspeglar handlingen i en gammal grekisk legend. På en av dem - ett stilleben, "täckt" med ett ark kalkerpapper. Ett av dess hörn är böjt. Och den här delen av stilleben ser så autentisk ut att man ofrivilligt känner lusten att flytta kalkerpappret lägre för att se bilden i sin helhet. Målningar av denna typ kallas "bedrägerier", även om vi talar om den kanske mest sanningsenliga av alla målargenrer.
Utseendet på denna typ av målningar blev möjligt först efter uppfinningen av perspektiv, chiaroscuro och ... oljefärger. Recept för deras förberedelse finns i böckerna från XIII-talet. Men först i början av 1400-talet förbättrade den holländska konstnären Jan van Eyck (1390-1441) tekniken för att förbereda färger så mycket att han ofta kallas för oljemålarteknikens uppfinnare. Han var den första som applicerade det på ett nytt sätt, och applicerade tunna genomskinliga lager av färg ovanpå varandra, vilket uppnådde exceptionellt djup och färgrikedom, såväl som subtila ljus och nyanser och färgövergångar. Efter Jan van Eyck kunde konstnärer uppnå en sådan bild, som var lätt att förväxla med originalet.
Grundaren av snag-genren i Ryssland är Grigory Teplov, konstnär, poet, musiker, filosof, statsman på 1700-talet. Ett av hans verk finns på föregående sida. Det är synd att reproduktioner av lockbeten i tidningar och böcker inte kan förmedla känslan som uppstår när man tittar på originalet. Förresten, det är därför som tricks sällan ses i konstböcker. Detta beror till stor del på skillnaden i storleken på målningen och dess tryckta reproduktion, samt att den önskade effekten vanligtvis uppstår beroende på avståndet mellan bilden och betraktaren.
Det finns en annan typ av bedrägeri. I Ryska museet i St Petersburg finns till exempel en målning av Pyotr Drozhdin, en 1700-talskonstnär. På den avbildade författaren familjen till sin lärare, konstnären Antropov. Tittar man noga märker man att fadern och sonen inte står bredvid sin fru och mor, utan med hennes porträtt. Kanten på staffliet, som först verkade som en ljusöppning i väggen, skiljer de som står från bilden.
Den belgiske konstnären från 1900-talet, Rene Magritte, använde också tekniken "easel". Deras kanter är nästan osynliga, och ritningarna smälter omärkligt samman i bildens huvudintrig och smälter samman med den. På det ena landskapet - skogen, som börjar utanför fönstret, fortsätter på det målade staffliet, på det andra - rinner havet från staffliet ut i det "riktiga" havet.
Magritte är en mästare på paradoxmålningar. På en duk kopplade han ihop föremål och fenomen som är oförenliga i livet; till exempel daghimlen och ett hus nedsänkt i nattmörker, eller en person som tittar i en spegel framför sig ser bara bakhuvudet i den. Han använde också principen om paradox i titlarna på sina målningar. När han, enligt konstnärens eget erkännande, saknade fantasi, samlade han vänner och bad om hjälp med att hitta ett namn. Ett landskap med staffli kallas till exempel för "Människans öde".
SPÖKSILHOUETTER
Det finns en speciell teknik för att skapa en dold bild: när konstnärer använder konturerna av de ritade föremålen. För första gången dök målningar med "dolda silhuetter" uppenbarligen upp i det medeltida Frankrike. Deras främsta hjältar var förstås kungarna. Att liljan är en symbol för Bourbon-dynastin är redan välkänt för oss, åtminstone från kostymerna för huvudkaraktärerna från filmerna baserade på romanen av Alexandre Dumas "De tre musketörerna". För tvåhundra år sedan, och ritade buketter av kungliga liljor, gjorde konstnärer kurvorna på stjälkarna, konturerna av löven och kronbladen till mänskliga ansikten. När du gissar hemligheten förvandlas buketten till ett porträtt av kungafamiljen. Efter att Bourbon-dynastin störtades började konstnärer måla kejsar Napoleon med sin fru och son. Men Josephine älskade violer, så de ersatte liljor.
Under de senaste århundradena har konstnärer, naturligtvis, utökat ämnet för sådana verk. Ett exempel är en tavla där man först ser några torra löv flyga genom luften. Och på duken finns ett papper med en inskription på franska: "En dröm buren av vind och tid." Vanligtvis skriver artister inte dess namn på framsidan av bilden. Här, i dukens nedre vänstra hörn, står det på tyska: "Hemligheten mellan höstlöven." Detta är inte bara namnet på målningen, utan också nyckeln som avslöjar konstnärens avsikt - Sandro Del Prete. Hans namn är känt över hela världen idag. Och han började som amatör (jag rapporterar detta speciellt för deltagarna i tävlingen om mystiska målningar). I sin ungdom studerade Del Prete teckning i bara sex månader, fram till 44 års ålder ansåg han sig inte vara en professionell konstnär och arbetade på ett försäkringsbolag i sin hemstad i Schweiz, Bern, där han fortfarande bor.
I en målning av den Taganrog-baserade konstnären Viktor Bregeda, som också lockades av denna teknik, figurer som knäböjer i bön mot bakgrund av ett ökenbergslandskap. Det här är bara en del av handlingen som du ser direkt, men titeln - "Prophecy" - antyder att huvudinnehållet inte är så uppenbart och ännu inte har avslöjats. Osynlig i första ögonblicket innehåller bilden de som pilgrimerna böjde sig inför: Gud Fadern, Gud Sonen och den bevingade ryttaren - en ängel steg ner från himlen.
Målningen "Dreams of Greece" av muskoviten Natalya Zamyatina ser ut som ett vanligt stilleben med en porslinsvas och frukt. Titeln verkar inte matcha bilden särskilt bra. Men titta närmare på draperiet. Vad döljer (eller avslöjar) tygets veck och vasens konturer?
DUBBLA ÖGON
Termen som gav namnet till avsnittet i artikeln uppfanns av författaren och författaren till många publikationer i tidskriften "Science and Life" Sergei Fedin. Han kallade dubbelögda texter som kan läsas på två sätt. Låt oss ta ordet "hajar" som ett exempel. De två första bokstäverna "ak" kan skrivas som en bokstav "zh". Och "s" är lätt att skildra liknande "e". Låt oss lämna bokstäverna i mitten oförändrade och få ett ord som är lätt att läsa på två sätt: "hajar" och "skurkar". Flera exempel på sådana inskriptioner ges här.
Ordet "dubbelögd" motsvarar det engelska "ambigram" - dual. Vi talar om verbala dubbelsyn här eftersom det med deras exempel är lättare att förstå uppfattningen av dubbla bilder i måleriet.
Vad letar vi efter, flyttar vår blick längs linjerna av dubbelseende? Något bekant brev. Samma sak händer i bilder. Hjärnan söker efter bekanta bilder som redan finns i minnet, vilket är ganska olikt lagring av fotografiska bilder. Minne är en sorts "kodare" som fångar bildens egenskaper, såsom närvaron av raka och krökta sektioner av linjer, gränserna för att ändra ljusstyrka, färg och liknande.
När vi tittar närmare på tvåögonen hittar vi bokstäverna som vi inte märkte från början, och vi lägger till det andra ordet från dem. Samma sak händer med den dolda bilden.
Hittills har ingen kommit på ordet "treögon", det vill säga bilden av tre ord med olika betydelser i en post. Om du lyckas, se till att skicka in ditt arbete till den mystiska målartävlingen. Men de pittoreska trillingarna har redan skapats, och vi ska nu prata om dem.
TVÅ- OCH TRE-FACET MÅLNING
I förra numret av tidningen träffade du i artikeln "Osynlig-synlig" bilden av ett kvinnligt huvud, som ser antingen ungt eller gammalt ut, beroende på bildens position. Låt oss nu bekanta oss med ett porträtt som inte behöver vändas. På frågan: "Förställer den en ung eller gammal kvinna?" Olika människor ger olika svar. Vissa säger - en flicka, andra - en gammal kvinna. Bilden har sedan länge blivit en klassiker. Men för dem som ser henne för första gången måste de varje gång förklara hur man ser den andra bilden: "Damens öga är flickans öra, och näsan är den ovala av ett ungt ansikte." Enligt fysiologer betalar betraktaren, som tittar på porträttet, mest uppmärksamhet åt ögonen och näsan. Därför beror det första intrycket oftast på vilken del av bilden dina ögon föll på i det första ögonblicket. Efter lite träning kan du lära dig att beställa själv vem du vill se.
Sett till antalet publiceringar i böcker och tidningar ligger handlingen med en ung och gammal kvinna långt före alla andra illusoriska bilder. Författaren kallas ibland för den amerikanske serietecknaren W. Hill, som publicerade verket 1915 i tidningen "Pak" (översatt till ryska "Puck" - en tomte, en sagoanda). Ibland tillskrivs bilden psykiatern E. Boring, som använde porträttet på 1930-talet som illustration för sitt arbete. I det vetenskapliga samfundet kallas "Två damer" fortfarande för "tråkig figur". Faktum är att redan under de första åren av 1900-talet sattes ett vykort i omlopp i Ryssland med samma bild och inskriptionen: "Min fru och min svärmor." Det tyska vykortet från 1880 fungerade som en prototyp för det (författaren är okänd).
Bilden med två damer återges regelbundet i böcker om psykologi. Men det är fortfarande i stort sett okänt hur det mänskliga sinnet uppfattar dualistiska bilder. Konstnärer fortsätter bara att utveckla en redan välkänd teknik. Under första hälften av 1900-talet dök ett liknande porträtt av en äldre och ung man upp. Sedan, 1968, gjorde konstnären G. Fischer en ny frisyr för båda damerna och fick en tredje karaktär. Faktum är att han bara lade till ett element, och bilden blev känd som "Mamma, pappa och dotter." Kvinnans hår förvandlades till profilen av en man, tack vare vilken det fanns tre personer i porträttet.
I en modern målning av Moskvakonstnären Sergej Orlov (se s. 132) finns inte bara två olika ansikten, utan också två kvinnofigurer som tillhör både flickan och den gamla kvinnan. Den gamla damen tittar på blomman hon håller i handen. Den unga sitter med ryggen mot oss och rätar ut håret och vrider huvudet åt vänster.
Verken av Sergei Orlov, Victor Bregeda och andra konstnärer som arbetar på detta sätt kan ses på Internet. Det finns ett speciellt projekt "Dualities" http://hiero.ru/project/Dubl av webbplatsen "Hieroglyph", där författarna ställer ut sina verk för diskussion.
Inte en enda bok om illusoriska målningar är komplett utan en berättelse om spanjorens verk av Salvador Dali. 300 år efter Arcimboldo återupplivade han riktningen för illusoriska målningar.
På den första bilden ser betraktaren två rikt klädda kvinnor. Mannen i turbanen leder dem in i galleriet. Konstnären förvandlar denna scen till en andra handling. Konturen av ett mänskligt huvud bildas av galleriets båge - en bild av ett skulpturellt porträtt av den franske filosofen Voltaire av Houdon.
Handlingen med Voltaire återfinns i verk av Dali upprepade gånger. Två gånger använde han också handlingen i målningen "Huvudet på en kvinna i form av en strid" (överst till vänster), där figurerna av galopperande ryttare och människor som rusar över ett gult fält sammanfaller med en kvinnas ansikte. Men så kom "The head of a woman in the form of a battle" in som en detalj på en annan duk: "Spanien". Detta faktum visar hur svårt det är att hitta en ny, originell lösning för en tvåsidig bild.
Om jag blev arrangör av en utställning av de bästa dualistiska målningarna, skulle jag bredvid verken av Dali placera målningar av den samtida Volgograd-konstnären Vladislav Koval. Och verkligen - "Stalingrad Madonna", där bilden av en kvinna med en bebis i famnen är vävd av björkgrenar. I målningen "Decommissioning to Shore" förvandlas de avlägsna kustklipporna som syns vid horisonten till en ensam, hängande figur av en sjöman. På målningen "Icarus" ses hennes hjälte antingen flyga eller falla. På nästa duk förvandlas en soldat insvept i en regnrock, fryser, till en Madonna med ett barn. I verket "Pyramid" kombinerade V. Koval för första gången i konsthistorien flera dubbla bilder till ett integrerat konstverk. Och han använde nästan alla målartekniker som jag pratade om. Här och konstruktionen av nya bilder från detaljerna i landskapet och målningar, vars innehåll beror på synvinkel eller avstånd. Idag är Koval en av de mest kända ryska konstnärerna. Hans berömmelse har en märklig början. Medan han studerade i Moskva skickade han brev till sina släktingar i Volgograd och klistrade inte frimärken på kuvert, utan ritade. Alla skickade brev nådde mottagarna utan ytterligare betalning. När pressministeriet utlyste en tävling bland artister tog studenten Vladislav Koval med sig ett paket kuvert till arrangörerna. Och han blev vinnaren, den yngsta bland deltagarna.
OVENLIGA IKONER
Exempel på mystiska målningar finns även i en så strikt och kanonisk konstform som ikoner. Ikonen "Jesus i fängelsehålan" fördes en gång till museet för gammal rysk konst i Moskva. På framsidan av den är Jesus avbildad med bojor på fötterna, och runt omkring finns passionens instrument, det vill säga tortyr. Var och en har ett namn bredvid sig. Baserat på särdragen med att skriva ord, fastställde konstkritiker att författaren var en gammal troende. Det unika med ikonen var att bilden korsades av smala vertikala ränder. Det har föreslagits att dessa är spår av ett galler som en gång täckte bilden av Kristus. Ledtråden till de mörka ränderna visade sig dock vara mycket mer intressant, och den tillhör chefen för Canon-verkstaden för ikonmålning, konsthistorikern och konstnären Alexander Renzhin.
Det visar sig att ikonen en gång inte innehöll en utan tre bilder. Ränderna är inget annat än spår av vertikala plattor som fästes på ikonens ram (inställning). De fäste tätt på dess yta och lämnade därför spår. På båda sidor av varje platta ritades (det är vanligt att säga - skrivet) delar av ytterligare två ikoner. Stående framför ikonen kunde du se en bild, flytta till vänster - en annan, till höger - den tredje. Ikonens plåtar gick förlorade, men Renzhin lyckades hitta exakt samma hela ikon. Det visade sig att delar av bilderna av Guds Moder och Johannes Döparen var skrivna på båda sidor av 12 plåtar. När du tittar på ikonen från sidan kombineras bildens delar till en enda helhet.
Förråden på Religionshistoriska museet i St. Petersburg innehåller ikoner av denna typ, men med en annan handling. På en av dem i förgrunden finns en duva, en symbol för den Helige Ande. Men så fort du rör dig till höger kommer bilden av Gud Fadern att dyka upp, till vänster - Guds Sons ansikte. Det är svårt för en modern betraktare, bortskämd med ljuseffekter, att föreställa sig kraften i intrycket av trepartsikonerna på de troende under tidigare århundraden, och till och med i skymningen av en kyrka som endast är upplyst av ljus. Dessutom, på 1900-talet, användes en liknande teknik i reklam, och därför förlorade den sin ovanlighet.
Det finns ikoner vars yta inte är platt, utan profilerad, med vertikala triangulära spår. På ena sidan av varje spår är en bild skriven, synlig till vänster och på den andra, synlig till höger. När man tittar framifrån ser man en "blandning" av de två bilderna. Därför placerades i kyrkan en stor ljusstake framför en sådan ikon så att den bara kunde ses från två sidor.
Vid kyrkan St. Mitrofan of Voronezh i Moskva på 2nd Khutorskaya Street finns ett kyrkomuseum. Där, bland andra intressanta utställningar, kan du se en tredelad bild. Det här är ingen ikon, utan ett porträtt av kungafamiljen. Stående framför porträttet ser du kejsar Alexander III. Flytta till höger - bilden av kejsarinnan Maria Feodorovna visas. Åskådarna, som står till vänster, ser den unge arvtagaren, den framtida kejsaren Nicholas II. Ett märkligt inslag i bilden hjälpte till att fastställa tidpunkten för dess skapelse. På Nikolajs högra tempel syns en blodig fläck. Detta är fotavtrycket av ett japanskt svärd. 1890-1891 reste arvtagaren jorden runt, och ett mordförsök gjordes i Japan. En japansk polis slog Nikolai med ett svärd, men den unge arvtagaren svängde och fick bara ett mindre sår. Andra gången angriparen inte hade tid att slå, slogs han ner, men inte av värdarna som tog emot den framstående gästen, utan av den grekiske prinsen George som följde med Nicholas.
LEGENDEN OM SINT VERONICA
1879 hölls en utställning med tyska konstnärer i St. Petersburg. En av dem, Gabriel von Max, presenterade målningen "The Näsduk av St. Veronica" med bilden av en bit grov duk spikad på väggen med Kristi ansikte i centrum. Det speciella med bilden var att publiken kunde se Frälsarens ögon antingen stängda eller öppna. Dåtidens tidningar skrev att arrangörerna var tvungna att sätta stolar i hallen, eftersom några av damerna svimmade och utbrast: "Titta! Titta!"
Naturligtvis lockade den mystiska bilden uppmärksamheten från huvudstadens konstnärer som försökte reda ut hemligheten, och konstnären Ivan Kramskoy skrev en artikel om det för tidningen Novoe Vremya, där han avslöjade tekniken med vilken den tyska författaren uppnådde den önskade effekten .
Legenden om Saint Veronica spreds över hela Europa under medeltiden. Senare blev det den officiella kyrkans tradition, det vill säga att den erkändes som sann som de som finns nedtecknade i evangeliet. När Jesus Kristus leddes till berget Golgata för att korsfästas där, torkade en medkännande kvinna vid namn Veronica svetten från hans ansikte med en näsduk som hade täckt hennes ögon. Samtidigt präglades Frälsarens ansikte i törnekronan mirakulöst på halsduken. Traditionen låg till grund för den ortodoxa ikonen "Frälsaren inte gjord av händer". Det är lättast för oss, icke-specialister, att känna igen denna ikon genom bilden av en halsduk på vilken Jesu ansikte är skrivet, även om själva halsduken (oftare säger de "plats") är ritad annorlunda och ganska konventionellt. Bland västerländska kristna kallas en liknande bild "Scarf of St. Veronica".
Från en kännare av rysk konst, prästen Valentin Dronov, hörde jag en berättelse som jag citerar här ordagrant: "Två eller tre gånger i mitt liv var jag tvungen att se ikonen för Frälsaren Not Made by Hands, som visade en mirakulös egenskap. Jesu ögon på den verkade antingen öppna eller stängda. Det berodde på den bedende personens andliga tillstånd. Om han var lugn verkade Frälsaren sova. Om han var upprörd öppnades hans ögon." Hemma förvarade fader Valentin ett fotografi av denna bild, som ges här.
Jag har ännu inte kunnat hitta något liknande på våra museer. I en guide till Betlehem, staden där, enligt legenden, Kristus föddes, sägs det att en av freskerna på kolonnen i Födelsekyrkan har samma egenskap: "ansiktet på ikonen öppnar och stänger sin ögon."
Ikonen som beskrivs är mycket sällsynt, så alla bevis på personer som har sett eller åtminstone hört talas om sådana bilder är viktiga. Vi ber läsarna att informera tidskriftens redaktioner om det.
