Ämnen i tysk teater. "Till biografen"

DAS TEATER

1. Im vorigen Sommer war ich bei meinen Verwandten in Moskau zu Besuch.

2. Einmal kam mein Onkel freudig nach Hause.

3. Er hatte Karten furs Bolschoi- Theater fur den Sonntag besorgt.

4. Man gab die Oper "Eugen Onegin" von Tschaikowski.

5. Ich hatte immer den Wunsch, das Bolschoi-Theater zu besuchen.

6. Das Bolschoi-Theater ist eines der schonsten Gebaude Moskaus.

7. Es befindet sich im Zentrum der Stadt.

8. Um halb sieben waren wir schon im Theater.

9. In der Garderobe legten wir unsere Jacken ab.

10. Am Eingang zeigten wir unsere Eintrittskarten vor und betraten den Zuschauer-raum.

11. Alles war schon: Roter Samt, Gold, schone Kronleuchter.

12. Wir hatten unsere Platze im Parkett und wir needsen keine Opernglaser.

13. Es klingelte zum dritten Mal.

14. Der Vorhang ging auf. Der Dirigent Hob den Taktstock.

15. Die Ouverture började.

16. Wir sahen begeistert auf die Buhne.

17. Die Besetzung war sehr gut.

18. In der Pause gingen wir ins Foajé.

19. Dort war eine interessante Fotoausstellung von beruhmten Sangern wie Schaljapin, Sobinow, Koslowski.

20. Es klingelte und wir gingen wieder in den Zuschauerraum.

21. Am Schluss der Vorstellung klatschten wir Beifall.

22. Die Schhauspieler wurden 3mal hervorgerufen.

23. Wir verbbrachten einen wunderschonen Abend.

24. Dieser Theaterbesuch machte auf mich einen unvergesslichen Eindruck

På ämnet: metodutveckling, presentationer och anteckningar

PROJEKTETS SYFTE: Att skapa förutsättningar för: - att lösa talintellektuella sökuppgifter i processen att arbeta med språkmaterial och utifrån detta utveckla huvudtyperna av talaktivitet ...

lektionen syftar till att konsolidera vokabulär om ämnet Skola / 6:e klass / och konsolidera grammatiskt material / ordföljd i en tysk mening / ...

Ämnen på tyska för utveckling av monologtal

Tyska texter för utveckling monologtal studenter på ämnen: Tyskland, vad är tyskar, modern tysk, människor i Tyskland ....

Tema: Theaterbesuch i Tyskland

Ämne: Att gå på teater i Tyskland

Ich heiße Lena und lerne in einem Lyzeum mit vertieftem Sprachunterricht. Mein Hauptfach är Deutsch. Im föregåenden Jahr unterrichtete bei uns eine junge Lehrerin aus Deutschland. Sie hat mich und meine Freundin Angela zu sich nach Hamburg eingeladen. Ich war sehr froh darauf, Deutschland mit eigenen Augen zu sehen und deutsch zu sprechen.

Jag heter Lena, jag studerar på Lyceum med fördjupning i främmande språk. Mitt huvudämne är tyska. Förra året hade vi en ung lärare från Tyskland. Hon bjöd in mig och min vän Anita till hennes hem i Hamburg. Jag var väldigt glad över att nu kan jag se Tyskland med mina egna ögon och prata tyska.

Wir waren i Hamburg 2 veckor lång. Allt krigsklass! Unsere Lehrerin zeigte uns die Stadt. Und einmal hat sie uns ins Theatre eingeladen. Das war eine premiär i Hamburg Ballett. Es wurde das Ballett "Orpheus" gegeben. Wir bekamen die Eintrittskarten im Voraus. Dadurch bekamen wir Zeit, in Ruhe diese alte Sage über Orpheus und Eurydike zu lesen.

Vi stannade i Hamburg i 2 veckor. Allt var jättebra! Vår lärare visade oss staden. Och en dag bjöd hon in oss till teatern. Det var premiär på Hamburgbaletten. De gav baletten "Orpheus". Vi fick biljetter i förväg. Därför hann vi i lugn och ro läsa den antika legenden om Orfeus och Eurydike.

Der Sänger Orpheus blev i hela världen geliebt. Ihm hörten Vögel in der Luft, Fische im Wasser, Tiere im Wald zu. Apollon hat ihm eine wundervolle Leier geschenkt. Orpheus liebte sehr seine Frau Eurydike. Die Hochzeit haben sie vor kurzem gefeiert. Aber sie wurden nicht lange glücklich. Eurydike blev av ener giftigen Schlange todlich gebissen. Orpheus beschloss seine Geliebte im Reich der Toten zu finden und zu retten. Er stieg in die Unterwelt hinab. Vor dem Thron des Herrschers Hades sjöng Orpheus zum Klang der Leier. Er bat ihn, seine Geliebte Eurydike zu befreien. Alla Totenschatten weinten. Der düstere Herrscher hatte Mitleid mit dem Sänger. Orpheus bekam seine Gemahlin zurück. Aber under des Rückwegs durfte är inte nicht zurückblicken. Orpheus blickte aber nach der Geliebten um und verlor sie für ewig. Der Sänger lebte 3 Jahre in seiner Trauer und wollte keine andere Frau sehen. Er wurde dadurch von den wütenden Weibern getötet. Die Nymphen brachten ihn zu seiner Eurydike in die Totenwelt.

Alla älskade sångaren Orpheus. Fåglar i himlen, fiskar i vattnet, djur i skogen hördes med hans sång. Apollo själv gav honom en vacker lyra. Orfeus var mycket förtjust i Eurydike. De har nyligen firat sitt bröllop. Men de var glada en väldigt kort tid. Eurydike blev biten av en giftig orm. Hon dog. Orfeus bestämde sig för att hitta sin älskade i dödsriket och rädda henne. Han steg ner i helvetet. Framför tronen av härskaren över Hades började Orfeus att sjunga sina sånger och spela lyra. Han bad att få släppa Eurydike. Alla skuggorna grät. Den dystra kungen av de döda förbarmade sig över sångaren. Orfeus fick sin Eurydike. Men under återkomsten fick han gå utan att se sig om. Orfeus såg tillbaka, såg på sin älskade och förlorade henne i samma ögonblick för alltid. Sångaren var ledsen i 3 år och ville inte titta på någon kvinna. Som ett resultat dödade arga lokala kvinnor honom genom att kasta sten på honom. Nymferna bar honom till dödsriket till Eurydike.

Das Gebäude des Ballettzentrums gefiel mir auch sehr. Es sah wie ein Museum aus. Der Regieführer des Hamburger Balletts hat eine neue Interpretation dem Publikum vorgestellt. Er wollte das Sujet modern machen. Die Bühnenbilder synd auch stilistisk geandert. Der Sänger Orpheus bekam eine Geige statt der alten Leier. Die Musik unterstutzte den neuen Blick. Neben Stravinsky und Barock erklangen Melodien aus einem aktuellen Musical. Sie wurden auch durch Lautsprecher gespielt. Som Orpheus är en kunglig ledare för Zuschauer. Was aber blieb - das ist die Idea der ewigen Liebe. Das Publikum im Saal würdigte die modern Variante der alten Sage durch ihren heftigen Applaus sehr hoch. Die neue Interpretation fand auch in der Choreographie ihren Ausdruck. Der Orpheus-Darsteller Otto Bubenicek tanzte technisch glänzend. Musik und Tanz verschmelzen sich in mir eng zusammen. Die Kostüme var elegant neoklassisch, dem Tanzstil angepasst.

Jag gillade verkligen byggnaden av Balettcentret. Det såg ut som ett museum. Pjäsens regissör erbjöd publiken sitt ny version balett. Han moderniserade legendens handling. Inredningsstilen har också stilmässigt uppdaterats. Sångaren Orfeus spelade inte lyra, utan fiol. Musik betonade nyhet. Förutom Stravinskys klassiker och barockens antika ljud hörde melodierna från en modern musikal från högtalarna. Därför framträder Orpheus inför publiken som dagens sångare. Men huvudidén med legenden förblev oförändrad - kärlekens evighet. Publiken i salen uttryckte sin förtjusning med dånande applåder. Den nya tolkningen återspeglas i koreografin. Utföraren av rollen som Orpheus - Otto Bubenchik dansade briljant. Musik och dans är sammanflätade i mitt sinne till en enda helhet. Konstnärernas kostymer framhävde elegant klassikerna i modern anda.

Das Zentrum blev 1929 enrätt. Das Innere wurde mit einem schönen Wandgemälde ""Orpheus mit den Tieren" av konstmalerin Anita Rée geschmückt. Das Gemälde zeigt Orpheus auf einer Antilope reitend. Um ihn herum ligger Tiere, die sein Spiel und Singen bewundern. Die Ballettsäle werden nach berühmten Choreografen benannt: Petipa, Nijinsky, Balanchine, und anderen.

På tal om den tyska teatern under andra hälften av 1800-talet bör man vända sig till slutet av 60-talet. Den svåra sociopolitiska situationen påverkade avsevärt teaterlivet. Permanenta teatrar var bara hovmän (i härskarnas bostäder). Turneringssystemet var utbrett. I ledande Berlin kunglig teater klassiska verk sattes upp utan några försök att bli av med det rutinmässiga, deklamatoriska patoset. Och pjäserna som visades här var av en chauvinistisk inriktning och var skrivna av vanliga författare.

Ett anmärkningsvärt fenomen var samtidigt hovteatern i huvudstaden i hertigdömet Saxe-Meiningen, i staden Meiningen. Dess ursprung går tillbaka till 1700-talet.

Meiningen teater var en av de viktigaste teatrarna i Tyskland under andra hälften av 1800-talet. Men trots att teatern var hov, påverkades han av den borgerliga allmänhetens smaker.

Sedan 1869 har en skådespelare som tidigare arbetat i denna teater blivit regissör och regissör för teatern. Ludwig Kroneg (1837-1891). Och teatern går in i sin storhetstid på 70-80-talet.

Tre personer stod i spetsen för teatern: hertig Georg II, som främst sysslade med den dekorativa sidan av föreställningen, men som hade en avgörande röst i alla frågor som rör teaterns liv; hans hustru, tidigare skådespelerska i denna teater, Helene Franz, vars uppgifter huvudsakligen inkluderade att arbeta med recitationen, och Ludwig Kroneg, en begåvad regissör och en välutbildad person.

I utvecklingen av direktörens planer sökte Kroneg livets sanning, riktigheten i skildringen av den historiska eran, dess levnadssätt och seder. Han var också arrangör av teaterturnén. Meiningen reste över hela Tyskland, besökte Holland, Sverige, Belgien, Danmark, Schweiz, England, två gånger besökte Ryssland - 1885 och 1890. Efter Kronegs död, 1891, upphörde turnén, och teatern började arbeta utan paus i Meiningen.

Den konstnärliga ledningen av Meiningen-teatern baserades på principerna för Goethes arbete i Weimar-teatern och experimenten K.L. Immerman(1796-1840), en av de första regissörerna för den tyska teatern. I en fortsättning på Goethe-traditionerna försökte Meiningen-teatern upprätthålla en hög ideologisk och konstnärlig nivå på repertoaren, med fokus främst på klassikerna. För att fortsätta traditionerna från Weimar-teatern, hävdade Meiningeniterna regissörens ledande roll i pjäsen. Från Immermann ärvde Meiningenianerna önskan om en ensemble, för framförandets historiska och vardagliga noggrannhet.

Utöver de nationella traditionerna för tysk regi använde Meiningen Theatre i stor utsträckning principerna från den engelske regissören Charles Keane, som kombinerade kravet på historisk äkthet med föreställningens yttre showiness och prakt.

Grunden till repertoaren var Schillers dramaturgi (''Fiesco-konspirationen', ''Rövare', ''Wallensteins läger', ''Wallensteins död, ''William Tell'). Shakespeares pjäser: ʼʼJulius Caesarʼʼ, ʼʼTolfte Nattenʼ, ʼʼKöparen från Venedigʼ, ʼʼMacbethʼ, ʼʼVintersagaʼʼ, ʼʼTämjningen av snävelenʼ. Vidare på repertoaren fanns: ʼʼIphigenia i Aulidʼʼ Goethe, ʼʼMrs Sarah Sampsonʼʼ Lessing, pjäser av Kleist. Från Fransk dramaturgi teaterns repertoar inkluderade Molières komedier ''Den imaginära patienten' och ''lärda kvinnor'.

George II bestämde urvalet av pjäser och deras tolkning. Av denna anledning innehöll teaterns repertoar inte socialt betydelsefulla verk av tysk dramatik - Schillers ʼʼIntrigue and Loveʼʼ, Lessings ʼʼEmilia Galottiʼʼ. Men det fanns pjäser som intensifierade nationalistiska känslor.

Regi på Meiningen Theatre strävade efter att skapa ett komplett och integrerat konstverk, där alla beståndsdelar är underordnade uppgiften att det mest kompletta uttrycket för idén med pjäsen. Detta avgjorde den speciella ordningen och arten av arbetet med föreställningen. Det började med en detaljerad studie av riktningen för den historiska eran, livet. Sedan fortsatte de med att läsa pjäsen, som först diskuterades i sin helhet och sedan för enskilda akter, scener, roller. Skådespelare var tvungna att känna till inte bara sin roll, utan hela pjäsen. Under repetitionsarbetet hölls många samtal, under vilka rollerna analyserades i detalj, deras litterära och psykologiska analys gjordes. Efter att regissören och artisten skapat produktionsplanen började repetitionerna publikscener. Deras noggranna utveckling var ett av de viktigaste medlen för att skapa den konstnärliga enheten i föreställningen. Scenerna i Meiningens föreställningar var livliga, dynamiska, så att publiken organiskt deltog i handlingen. Statisterna delades upp i grupper, i varje grupp utsågs en ledare (ʼʼʼʼʼʼʼ) bland teaterkonstnärerna, som såg till att deltagarna i massscenerna inte intog samma poser, gjorde nödvändiga gester i tid, exakt gav repliker som skrevs speciellt för dem.

Regi ägnade särskild uppmärksamhet åt arbetet med episodiska roller. Uppgiften att skapa en scenensemble krävde att rollsystemet förkastades. Skådespelare som uppträder ledande roll, i nästa föreställning kunde han agera episodiskt eller till och med gå ut som statist i massscenen.

Den enhetliga konstnärliga bilden av föreställningen och den maximala rimligheten i skildringen av livet på scenen krävde noggrann designutveckling. Av denna anledning ägnades den största uppmärksamheten åt noggrannheten i reproduktionen av vardagen, för vilken de historiska källorna till materiell kultur noggrant studerades. Till exempel, när teatern satte upp Iphigenia i Tauris, använde teatern material från Schliemanns arkeologiska utgrävningar; när de iscensatte ''Mary Stuart'' studerade de historien om de platser som angetts av Schiller; när konstnären iscensatte ''The Maid of Orleans'' reste konstnären till Jeanne d'Arc's hemland - den franska byn Domrem Och - och gjorde skisser av landskap på plats.

Standardpaviljonger utan särdrag ersattes av dekorationer som inte bara var etnografiskt korrekta, utan också präglades av invånarnas sociala status, livsstil och yrke. Istället för målade kulisser med pelare placerade de pelare på scenen. Scenens plan var uppdelat i separata sektioner (kullar, raviner), stegar, plattformar, passager introducerades, vilket gjorde det möjligt att bygga pittoreska och dynamiska mise-en-scener.

Scenens uttrycksförmåga förstärktes genom användningen av brus och ljuseffekter: en ljusbild av fallande regn, soluppgång och solnedgång, månsken, rörliga moln, etc. I pjäsen ''Wilhelm Tell'' användes en hel rad ljud i bilden av stormen: vindens ylande, åska, ljudet av regn, inverkan från en fjällsjös vågor. Teatern med ljudeffekter kunde skapa illusionen av ett stort utrymme som går bortom scenen.

Men innovation inom iscensättningsteknikens område harmoniserade inte med skådespeleriet; Där fanns fortfarande falskt deklamatoriskt patos, stilighet och klichéer bevarade. Meiningenianerna '' uppdaterade inte spelets gamla rent skådespelartekniker (Stanislavsky). Det huvudsakliga sättet att förmedla idén om föreställningen var inte skådespelaren, utan regi- och iscensättningstekniker.

Kravet från Meiningen som regisserar att stora skådespelare spelar episodiska roller, ibland med dålig prestation av huvudrollerna, ledde till förstörelsen av ensemblen och det konstnärliga intryckets integritet. EN. Ostrovsky uppmärksammade hur i pjäsen "Julius Caesar" en av de viktigaste scenerna förvrängs av en misslyckad föreställning: ʼʼDet vackra talet som Shakespeare höll till Anthony hölls svagt av skådespelaren, och den skickligt tränade publiken var upphetsad och livad som om talet hade hållits starkt och med entusiasmʼ.

Naturalistisk ersättning av generaliseringar och typifieringar med extern naturalistisk plausibilitetåterfanns i urvalet av skådespelare. Så, för rollen som Julius Caesar, valde Croneg en skådespelare som ser ut som Caesar, men som saknar talang. Och vid detta tillfälle, A.N. Ostrovsky noterade det ʼʼ bland Meiningenianerna och Julius Caesar själv tillhör fejksaker ʼʼ.

I artikeln ʼʼBetraktelser och slutsatser om Meiningen-truppenʼ EN. Ostrovsky noterar de positiva aspekterna av Meiningen-teatern: utvecklingen av massscener, den skickliga användningen av ljuseffekter, den goda kvaliteten på sceneriet och rekvisita. Men generellt sett definierar han denna teater som ''en utmärkt disciplinerad trupp, bestående av mediokra skådespelare och äckligt gnällande och knäckande skådespelerskor'' och gör sin ''mening'': ʼʼ…det vi såg i dem är inte konst, utan skicklighet, ᴛ.ᴇ. hantverk.

K.S. Stanislavskij uppskattade Kronegs talang och regissörssinne och strikta disciplin på teatern, men fördömde samtidigt regissörens despotism, som undertrycker skådespelarens individualitet, och överföringen av föreställningens tyngdpunkt från skådespelaren till regissören. iscensättningstekniker.

Vl.I. Nemirovich-Danchenko var solidarisk med bedömningen av Ostrovskys prestation ''Julius Caesar'.

Teatern Meiningen hade inget eget tydligt ideologiskt och estetiskt program och förknippades inte med modern dramatik, i samband med detta såg den kreativa bilden av teatern eklektisk ut. Men en hög produktionskultur baserad på utvecklingen av principen om en enhetlig konstform performance, en noggrant genomtänkt produktionsplan, strikt iakttagande av historisk och nationell färg, hade stort inflytande på regitänkandets utveckling i slutet av 1800-talet.

historisk miljö fortsatte att vara svårt. Sociopolitiska förhållanden i Centraleuropa var tillräckligt skarpa: Frankrike gjorde anspråk på hegemoni och var intresserade av Tysklands splittring. Anledningen till det funko-preussiska kriget 1870-1871. det fanns en tvist om Alsace om Lorraine, gränsområden.

År 1871 ᴦ. Det fransk-preussiska kriget slutade med Frankrikes fullständiga nederlag, där det andra imperiet föll och en republik (Pariskommunen) utropades. Frankrike ockuperades av preussiska trupper som var inblandade i undertryckandet av kommunen.

I samma 1871 ᴦ. monarker i ʼʼdvärgʼʼ, efter att ha samlats i Versailles, utropade den preussiske kungen Wilhelm I till tysk kejsare. Detta innebar Tysklands nationella enande. Men den enade staten var endast till formen parlamentarisk, men i verkligheten behöll den många feodala spår, den byråkratiska apparaten var under inflytande av bourgeoisin och bevakades av polisen. De preussiska junkrarna hade en inflytelserik position i hela imperiet. Det tyska folket fostrades upp i en anda av chauvinism (ᴛ.ᴇ. extrem nationalism). Den snabba utvecklingen av kapitalismen började, och i slutet av XIX-talet. Tyskland har blivit en stor monopolmakt.

Den reaktionära regimen framkallade opposition och Tysklands socialistiska arbetarparti växte fram (August Bebel och Wilhelm Liebknecht). Representanter för den progressiva intelligentian drogs gradvis in i arbetarrörelsen.

Konfrontation av sociala krafter i slutet av XIX - början av XX-talet. kännetecknade en svår situation, men denna omständighet gav också upphov till en komplex andlig kultur.

Under denna period föll de konservativa kretsarna av den tyska intelligentian under inflytande av Friedrich Nietzsches filosofiska läror, som förde fram den reaktionära teorin om "mästarmoral" och "stark personlighet".

Men det fanns krafter som var emot chauvinismen. Han gjorde ett stort bidrag till realistisk estetik Franz Mehring (1846-1919): i sina litteraturkritiska artiklar behandlade han dramatikens grundläggande problem och företeelser i slutet av 1800-talet.

Det fanns ett akut behov av att uppdatera både repertoaren och den konstnärliga tekniken. Detta startades av Meiningen Theatre.

Nästa viktiga steg togs av regissören Otto Brahm, som för första gången i Tyskland började sätta upp modern dramatik – pjäser av Ibsen, Hauptmann, L. Tolstoy, I. Turgenev.

Toppen av kreativ strävan i teatern i början av nittonhundratalet. i Tyskland fanns nyskapande föreställningar av M. Reinhardt. Hans teater kännetecknades av en harmonisk kombination av klassisk och modern repertoar; dessutom speglade den moderna repertoaren de mest akuta trenderna och motsägelserna från eran.

Gerhardt Hauptmann(1852-1946) - en framstående tysk dramatiker från slutet av XIX - början av XX-talet. Han började som målare och var starkt influerad av naturalismen. Men hans intresse för sociala processer och moraliska konflikter gjorde att han kunde göra realistiska generaliseringar i sina pjäser.

Tidiga pjäser ( före soluppgången, 1889) motsvarar naturalismen. I dem förkroppsligar han idén om en persons fullständiga beroende av miljön, och psykologi bestäms av ärftlighet. Pjäsen är tillägnad temat kollapsen av en förmögen bondefamilj, infekterad av alkoholism och utan moraliska principer. År 1891 ᴦ. psykologiskt drama uppstår ensam och socialt drama ʼʼWeaversʼʼ(i den förlitar han sig på upproret av vävarna i Schlesien 1844 ᴦ.). Handlingen i pjäsen utvecklas dynamiskt. I början av pjäsen är vävarna en nedträngd, hungrig massa, utmattade av hårt arbete. När handlingen utvecklas förvandlas de från lydiga slavar till aktiva kämpar. Hauptmann ger efter dramatik ny typ en hjältekämpe i bilderna av en pensionerad soldat Moritz Jaeger och hans vän Becker, en vävare. Dramat visar utvecklingen av många bilder: den gamle Baumert dras gradvis in i kampen, Louise Gilse är en ung vävare som går till kampen tillsammans med andra vävare. Hennes man Gottlieb ansluter sig så småningom också till upproret. De som har makten avbildas satiriskt.

Som ett patetiskt folkdrama uppskattades ʼʼʼʼʼʼ mycket av teaterns progressiva gestalter.

dramatisk saga ʼʼDen sjunkna klockanʼʼ(1896) - ϶ᴛᴏ en hymn till naturen. Handlingen är skapad av Hauptmanns kreativa fantasi, men han använde sig också flitigt av teman Tyska sagor. En viktig tanke uttrycks här - om friheten i konstnärens kreativitet, inte begränsad av kyrkliga dogmers konventioner, om kreativitet, kan ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ finna harmoni endast i nära anslutning till naturen. Stilmässigt flätar pjäsen samman romantik, bilder av folkdiktning, realism och symbolik.

Hauptmanns mest betydelsefulla pjäs är ett ϶ᴛᴏ-realistiskt drama före solnedgången(1932). I detta drama kombineras två rader mästerligt – lyriska och socialt anklagande. Οʜᴎ är tätt sammanflätade. Matthias Clausen såg hur kommersiell kalkyl, cynism kommer i livet; han fördömde världen och vände sig bort från den. Detta är en värld av inte bara hucktering, hyckleri och cynism, detta är en värld av framskridande fascism, förkroppsligad i hans svärson Klamroths gestalt.

Det är under denna period av inre befrielse från allt det förflutna som den unga flickan Inken Peters invaderar Clausens liv. Hon blåste liv i hans tillvaro. Efter långa tvivel, tvekan kommer han till beslutet att få kontakt med henne. När familjen lärt sig detta förbereder sig för en ''attack'': trots allt kan ett kolossalt arv gå till den ''fattiga sömmerskan'' Inken. Och de söker ett domstolsbeslut för att upprätta förmynderskap över fadern, som påstås ha tappat förståndet. Mattias är förvånad, han har ingen kraft att bekämpa dem. Han lämnar sitt eget hus. Barnen försöker lägga honom på ett psykiatriskt sjukhus. Och Matthias bestämmer sig för att dö.

Under fascismens år levde Hauptmann i avskildhet i sin egendom och skapade en tetralogi om forntida teman: ʼʼIphigenia vid Aulisʼʼ, ʼʼAgamemnonʼs död, ʼʼElectraʼ och ʼʼIphigenia vid Delphiʼ. Genom detta protesterade han mot regimen. Hauptmanns dramaturgi gav ett betydande bidrag till Tysklands litteratur och teater.

Tysk teater - koncept och typer. Klassificering och funktioner i kategorin "Tysk teater" 2017, 2018.

Gå på teater - tyskt ämne

Es gibt viele Moglichkeiten, die Freizeit zu verbringen. Einige sitzen die ganze Zeit vor dem Fernseher und sehen alle Sendungen, die anderen besuchen Diskotheken. Viele gehen aber ins Theatre. I jeder Grostadt gibt es viele Theatre, in denen Opern, Ballette, Dramen, Operetten aufgefuhrt werden.

Die Geschichte des Theatres är sehr reich und intressant. Es gibt verschiedene formen des Theatres: Griechisches Theatre, Barocktheater och moderns Theatre.

Jede Grostadt i unserer RB hat ihr eigenes Theatre mit seinem einmaligen Antlitz. Die bekanntesten Theatre i Vitryssland sind das Sprechtheater i Grodno, das Jakub-Kolas-Theater i Witebsk. Mit vollem Recht nennt man Minsk eine Theaterstadt. Das Janka-Kupala-Theater, das russische Sprechtheater och en. m. sind weit uber die Grenzen der Republik bekannt. Das Janka-Kupala-Theater trogt den Namen des belorussischen Dichters Iwan Dominikowitsch Luzewitsch, dessen Pseudonym Kupala ist. Sein Pseudonym Kupala idt mit dem belorussischen Volksfest, die so callede Kupala-Nacht verbunden. Dieses fest ist sehr schon und wird heutzutage gefeiert. Auf dem spielplan stehen die Werke von den belorussischen Schriftstellern, auch auslandischen Autoren. Die bekanntesten belorussischen Schauspieler sind Stanyta, Garbuk, Jeremenko.

Ich interessiere mich fur Theatre und besuche Theatre gern. Jag kan också immer wahlen: antingen i oper eller ins Ballett zu gehen, eller sich ett drama eller ett lustspel anzusehen.

I Deutschland gibt es viele Theaterfreunde. Allein Berlin har uber 150 Theater, som är "deutsche Theater", den komiska Operan, som "Berliner Ensemble". Auch in der Provinz werden Theaterstucke gegeben. Auf deutschen Buhnen fuhrt man die Werke der Klassik auf, z.B. Schillers "Kabale und Liebe". Die zeitgenossischen Werke werden auch gegeben.

Neue Titel, neue Namen - das ist immer wieder interessant. Teater är evigt, es kan inte vara altmodiskt. Ich konnte mir ein leben des Menschen ohne Theatre gar nicht vorstellen. Es ware bestimmt ein langweiliges Leben. Ich glaube, ein jeder geht mit vielen Erwartungen ins Theatre. Inte alla kunskaper naturligt erfullt werden. Um einmal den Alltag zu vergessen, gehe ich ins Theatre, vor allem ins Sprechtheater. Ich wahle mir etwas Lustiges, wenn ich schlechter Laune bin, wenn ich aber eine gute Laune habe, sehe ich mir etwas Trauriges an.

Naturlich besuche ich das Theatre nicht allein. Viel interessanter geht es mit den Freunden: man kann in den Pausen das Stuck besprechen und Meinungen austauschen. Gewohnlich kaufe ich Eintrittskarten im Vorverkauf auf, wenn naturlich keine Premiere gegeben wird. In diem Fall muss man unmittelbar im Theatre tun. Ich erkundige mich immer nach den Schauspielern, die Hauptrollen spielen. Det är dock sehr angenehm och spännande, kända konstspel för att se.

In der Regel beginnt die Auffuhrung um 1900 Uhr. Um halb 19 00 hål ich meine Freundin ab und wir machen uns auf den Weg. Das Wichtigste hier ist nicht zu spat zu kommen.

In der Garderobe legen wir ab und gehen ins Foajé. Dort flanieren auf und ab zahlreiche Theaterbesucher. Da sind viele Menschen: Kinder und Erwachsene warten auf den beginn der Vorstellung. Wir kaufen ein Programm und schlie?en uns ihnen an. Wenn es zum 2. Mal lautet, gehen wir zu unseren Platzen. Wir setzten uns, und jetzt haben wir die Zeit, unsere Umgebung zu betrachten. Es ist ein gro?er, festlicher Raum. Von links und rechts stromen durch die offnen Turen Menschen häri. Sie sind festlich gekleidet. Die meisten haben frohe Mienen. Sie lachen und scherzen, nicken einander freundlich zu und plaudern vergnugt, wahrend sie ihre Platze aufsuchen. Bald klingelte es zum dritten Mal. Schnell fuhlte sich der Zuschauerraum. Das Licht nahm rasch ab und erlosch nach ein paar Sekunden ganz. Stille herrschte im Zuschauerraum, man vernahm nur das Rauschen der Programmhefte. Ganz leise erklang zarte Musik, die Scheinwerfer strahlen ihr helles Licht auf die Buhne, langsam ging der Vorgang auf. Wenn der erste Aufzug zu Ende ist, klatschen die Zuschauer Beifall. Der Vorgang geht zu.

In der Pause ging ich im Foyer auf und ab und beobachtete das Publikum. Einige Zuschauer unterhielten sich uber das Stuck, tauschten ihre Eindrucke und Meinungen aus, other gingen in den Erfrischungsraum. Es klingelte skallig. Der zweite Aufzug beginnt. Alla sehen gespannt zur Buhne. Die Schlusszene ist am schonsten.

Die Vorstellung ist zu Ende. Der Vorgang fallt und die Zuschauer klatschen Beifall. Die Schauspieler haben viele Vorhange, sie bekommen Blume.

Nach Hause kehrte ich spat am Abend zuruck, ziemlich mude und uberaus zufrieden. Das eben gesehene Stuck hat mich stark beeindruckt, aber ich habe schon einen neuen Theaterbesuch vor...