En ünlü soyut sanatçılar: tanım, sanatta yön, görüntünün özellikleri ve en ünlü resimler. Soyut sanat: tanım, tarihçe, türler, özellikler Soyutlama doldurma ve ayarlama sürecinde bölüm

Soyutlamacılık nispeten genç bir sanat hareketidir. Sanatçı Wassily Kandinsky'nin suluboya ile boyanmış yeni bir teknikle ilk tuvalini sergilediği 1910 yılı, resmi olarak doğum yılı olarak kabul edilir.

Soyut sanatın temsilcileri, kendi şaheserlerini yaratmak için basit ve karmaşık formları, çizgileri, düzlemleri temel alır ve renklerle oynarlar. Sonunda olanların gerçek nesnelerle hiçbir ilgisi yoktur. Bu, bireyin duyusal dünyası aracılığıyla yalnızca süper bilinç tarafından erişilebilen bir çalışmadır.

Bu tarzdaki ilk çalışmanın ortaya çıkmasından on yıllar sonra, soyutlamacılık, diğer avangart akımlara aktif olarak dahil edilen çeşitli değişikliklere uğradı.

(Carol Hein tarafından Soyutlama)

Soyutlama çerçevesinde sanatçılar çok sayıda resim, heykel ve enstalasyon yarattı. Modern binaların iç mekanları da dahil olmak üzere ayrı elemanlar kullanılmış ve başarıyla uygulanmaya devam etmektedir.

Günümüzde sanatta soyut akım geometrik ve lirik soyutlama olarak ikiye ayrılmaktadır. Soyutlamanın geometrik yönü, katı ve net çizgiler, kararlı durumlar ile karakterize edilir. Lirik soyutlama, usta veya sanatçı tarafından belirlenen dinamiklerin serbest form ve gösterimi ile karakterize edilir.

Resimde soyut sanat

Soyutlamacılığın gelişmesi resimle başladı. Tuval ve kağıt üzerinde, nesnelerin gerçek dünyasında hiçbir benzerliği olmayan bir şeyi yeniden yaratarak, renk ve çizgilerin oyunuyla dünyaya ifşa edildi.

(...ve Carol Hein'den daha net bir soyutlama)

Soyutlamacılığın parlak temsilcileri:

• Kandinsky;
• Maleviç;
• Mondrian.

Daha sonra, her biri kendi sanatsal katkısını yapan, boya uygulamak için yeni teknikler ve soyut bir kompozisyon oluşturmak için yeni ilkeler uygulayan birçok takipçisi oldu.

(Wassily Vasilyevich Kandinsky "Bileşim IV")

Başyapıtlarını tuval üzerine yaratan yönün kurucuları, yeni bilimsel ve felsefi teorilere güvendiler. Örneğin, kendi sanatsal yaratımlarını haklı çıkaran Kandinsky, Blavatsky'nin teosofik eserlerine başvurdu. Mondrian, neoplastisizmin bir temsilcisiydi ve çalışmalarında saf çizgileri ve renkleri aktif olarak kullandı. Resimleri, resim ve sanat alanının birçok temsilcisi tarafından defalarca kopyalandı. Malevich, Süprematizm teorisinin ateşli bir destekçisiydi. Resim sanatında öncelik, usta tarafından renge verildi.

(Kazimir Malevich "Geometrik şekillerin bileşimi")

Genel olarak, resimdeki soyutlama, sıradan insanlar için iki yönlü bir yön haline geldi. Biri bu tür çalışmaları çıkmaz sokak olarak kabul etti, ikincisi - sanatçıların kreasyonlarına kattığı fikirlere içtenlikle hayran kaldılar.

Çizgilerin, şekillerin ve renklerin gelişigüzelliğine rağmen, soyutlama tarzındaki resimler ve eserler izleyicide tek ve bütüncül olarak algılanan bir kompozisyon oluşturur.

Sanat soyutlamacılığının yönleri

Soyutlama tarzındaki çalışmaları net bir şekilde sınıflandırmak zordur, çünkü bu yönün her biri kendi vizyonunu geliştirmeye katkıda bulunan birçok takipçisi vardır. Genel olarak hatların veya tekniklerin baskınlık türüne göre bölünebilir. Bugüne kadar, vardır:

• renk soyutlamacılığı. Bu çalışmalar çerçevesinde sanatçılar, renk ve gölgelerle oynayarak, yapıtlarında bakanın zihninde algılanmasına ağırlık vererek;
• geometrik soyutlama. Bu eğilimin kendine özgü katı karakteristik farklılıkları vardır. Bunlar net çizgiler ve şekiller, derinlik yanılsaması ve doğrusal perspektiflerdir. Bu eğilimin temsilcileri Suprematis, neoplastikçiler;
• dışavurumcu soyutlama ve tachisme. Bu dallarda vurgu renklere, biçimlere ve çizgilere değil, dinamiklerin kurulduğu, duyguların aktarıldığı ve sanatçının bilinçdışının yansıtıldığı boya uygulama tekniğine, herhangi bir ön plan yapmadan çalışarak;
• minimalist soyut sanat. Bu eğilim avangarda daha yakın. Özü, herhangi bir derneğe yapılan atıfların yokluğuna kadar kaynar. Çizgiler, şekiller ve renkler az ve öz olarak kullanılmıştır.

Sanatta bir akım olarak soyutlamanın doğuşu, insanlığı ileriye taşımaya başlayan çok sayıda yeni keşifle bağlantılı olarak geçen yüzyılın başında ortaya çıkan değişikliklerin sonucuydu. Yeni ve hala anlaşılmaz olan her şey, sanat da dahil olmak üzere aynı açıklamaya ve çıkışa ihtiyaç duyuyordu.

Soyutlamacılık (lat. soyutlama- uzaklaştırma, dikkat dağıtma) veya figüratif olmayan sanat- resim ve heykelde gerçeğe yakın formların temsilini terk eden bir sanat yönü. Soyutlamanın amaçlarından biri, belirli renk kombinasyonlarını ve geometrik şekilleri tasvir ederek, izleyicinin kompozisyonun eksiksizliğini ve eksiksizliğini hissetmesini sağlayarak “uyum” sağlamaktır. Tanınmış isimler: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova ve Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Hikaye

soyutlamacılık("sıfır biçimler" işareti altındaki sanat, nesnel olmayan sanat) - 20. yüzyılın ilk yarısının sanatında oluşturulmuş, gerçek görünür dünyanın biçimlerini yeniden üretmeyi tamamen reddeden sanatsal bir yön. Soyutlamacılığın kurucuları V. Kandinsky olarak kabul edilir. , P. Mondrian Ve K. Maleviç.

V. Kandinsky, Empresyonistlerin ve "vahşi" lekelerini herhangi bir nesnellik belirtisinden arındırarak kendi soyut resim türünü yarattı. Piet Mondrian, Cezanne ve Kübistler tarafından başlatılan, doğanın geometrik stilizasyonu yoluyla anlamsızlığına geldi. 20. yüzyılın soyutlama odaklı modernist eğilimleri, geleneksel ilkelerden tamamen uzaklaşarak gerçekçiliği reddeder, ancak aynı zamanda sanat çerçevesinde kalır. Soyutlamanın gelişiyle sanat tarihi bir devrim yaşadı. Ancak bu devrim tesadüfen değil, oldukça doğal bir şekilde ortaya çıktı ve Platon tarafından önceden tahmin edildi! Daha sonraki çalışması Philebus'ta, görünür nesnelerin herhangi bir taklidinden, herhangi bir mimesisten bağımsız olarak çizgilerin, yüzeylerin ve uzamsal biçimlerin kendi içlerindeki güzelliğini yazdı. Platon'a göre bu tür geometrik güzellik, doğal "düzensiz" biçimlerin güzelliğinin aksine göreceli değil, koşulsuz, mutlaktır.

20. yüzyıl ve modern

1914-1918 1. Dünya Savaşı'ndan sonra, soyut sanatın eğilimleri genellikle Dadaizm ve Sürrealizm temsilcilerinin bireysel çalışmalarında kendini gösterdi; aynı zamanda mimaride, dekoratif sanatta ve tasarımda resimsel olmayan formlara uygulama bulma arzusu belirlendi (Style grubu ve Bauhaus'un deneyleri). Çeşitli milletlerden ve akımlardan sanatçıları birleştiren birkaç soyut sanat grubu ("Somut Sanat", 1930; "Daire ve Kare", 1930; "Soyutlama ve Yaratıcılık", 1931), 30'ların başında, özellikle Fransa'da ortaya çıktı. Ancak soyut sanat o zamanlar ve 30'ların ortalarında yaygın değildi. gruplar dağıldı. Dünya Savaşı yıllarında (1939-45), Amerika Birleşik Devletleri'nde sözde bir soyut dışavurumculuk okulu ortaya çıktı (ressamlar J. Pollock, M. Toby savaştan sonra birçok ülkede gelişen (taşizm veya "biçimsiz sanat" adı altında) ve yöntemi olarak "saf zihinsel otomatizm" ve yaratıcılığın öznel bilinçaltı dürtüselliği, beklenmedik renk ve doku kombinasyonları kültü olarak ilan edilen vb.

50'li yılların ikinci yarısında, Amerika Birleşik Devletleri'nde enstalasyon sanatı olan pop art doğdu ve bu, daha sonra Andy Warhol'u Marilyn Monroe portrelerinin sonsuz kopyası ve köpek maması kutuları - kolaj soyutlamacılığı ile yüceltti. 60'ların görsel sanatlarında soyutlamanın en az agresif, durağan biçimi olan minimalizm popüler hale geldi. Aynı zamanda Barnet Newman ile birlikte Amerikan geometrik soyutlamacılığının kurucusu A. Lieberman, A. Held Ve K.Noland Hollanda neoplastikçiliği ve Rus Süprematizmi fikirlerinin daha da geliştirilmesine başarıyla katıldı.

Amerikan resmindeki bir başka eğilim de "kromatik" veya "resim sonrası" soyutlama olarak adlandırıldı. Temsilcileri bir dereceye kadar Fovizm ve Post-Empresyonizmi püskürttüler. Sert stil, işlerin keskin hatlarını vurguladı E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella yavaş yavaş yerini dalgın bir melankolik depo resmine bıraktı. 1970'lerde ve 1980'lerde Amerikan resmi figüratif sanata geri döndü. Üstelik bunun fotogerçekçilik gibi aşırı bir tezahürü yaygınlaştı. Çoğu sanat tarihçisi, 70'lerin Amerikan sanatı için hakikat anı olduğu konusunda hemfikirdir, çünkü bu dönemde kendisini Avrupa etkisinden nihayet kurtardı ve tamamen Amerikan oldu. Bununla birlikte, portreden tarihi resme kadar geleneksel biçim ve türlerin geri dönmesine rağmen, soyut sanat da ortadan kalkmadı.

Resimler, "güzel olmayan" sanat eserleri daha önce olduğu gibi yaratıldı, çünkü Amerika Birleşik Devletleri'nde gerçekçiliğe dönüş soyutlamacılığın üstesinden gelmedi, ancak onun kanonlaştırılması, öncelikle sosyal gerçekçiliğimizle özdeşleşen figüratif sanat yasağı, ve bu nedenle, "özgür demokratik" bir toplumda, "düşük" türlerin, sanatın toplumsal işlevlerinin yasaklanması iğrenç görülemezdi. Aynı zamanda, soyut resim tarzı, daha önce sahip olmadığı belirli bir yumuşaklık kazandı - hacimlerin düzenlenmesi, konturların bulanıklaşması, yarı tonların zenginliği, ince renk çözümleri ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Tüm bu eğilimler, modern soyutlamacılığın gelişiminin temelini attı. Yaratıcılıkta donmuş, nihai hiçbir şey olamaz, çünkü bu onun için ölüm olur. Ancak soyutlamacılık hangi yollardan geçerse geçsin, hangi dönüşümlerden geçerse geçsin özü her zaman değişmeden kalır. Güzel sanatlarda soyutlamacılığın, kişisel varlığı yakalamanın en erişilebilir ve asil yolu olduğu ve faksimile baskı gibi en uygun biçimde olduğu gerçeğinde yatmaktadır. Aynı zamanda soyutlama, özgürlüğün doğrudan gerçekleşmesidir.

Talimatlar

Soyutlamacılıkta iki net yön ayırt edilebilir: esas olarak açıkça tanımlanmış konfigürasyonlara (Malevich, Mondrian) dayanan geometrik soyutlama ve kompozisyonun serbestçe akan formlardan (Kandinsky) düzenlendiği lirik soyutlama. Ayrıca soyutlamacılıkta birkaç başka büyük bağımsız eğilim vardır.

Kübizm

20. yüzyılın başında ortaya çıkan ve kesin olarak koşullu geometrik şekillerin kullanımı, gerçek nesneleri stereometrik ilkellere "bölme" arzusu ile karakterize edilen görsel sanatlarda avangart bir eğilim.

Rayonizm (Luchism)

1910'ların soyut sanatında yön, ışık spektrumunun kaymasına ve ışık iletimine dayalıdır. "Çeşitli nesnelerin yansıyan ışınlarının kesişmesinden" formların ortaya çıkması fikri karakteristiktir, çünkü kişi aslında nesnenin kendisini değil, "ışık kaynağından gelen ışınların toplamını algılar. nesne."

neoplastisizm

1917-1928'de var olan soyut sanatın yönünün belirlenmesi. Hollanda'da ve birleşik sanatçılar "De Stijl" ("Stil") dergisi etrafında gruplandı. Spektrumun ana renklerinde boyanmış, mimaride net dikdörtgen şekiller ve büyük dikdörtgen düzlemlerin düzeninde soyut resim ile karakterize edilir.

Yetimcilik

1910'ların Fransız resminde yön. Sanatçı-orfistler, spektrumun ana renklerinin iç içe geçmesinin ve eğrisel yüzeylerin kesişmesinin "düzenlilikleri" yardımıyla hareketin dinamiklerini ve ritimlerin müzikalitesini ifade etmeye çalıştılar.

süprematizm

1910'larda kurulan avangart sanatta yön. Maleviç. En basit geometrik hatların çok renkli düzlemlerinin kombinasyonlarında ifade edildi. Çok renkli geometrik figürlerin kombinasyonu, iç hareketle nüfuz eden dengeli asimetrik Süprematist kompozisyonlar oluşturur.

taşişme

1950'ler ve 60'ların Batı Avrupa soyutlamacılığındaki eğilim, en çok ABD'de yaygındı. Gerçekliğin görüntülerini yeniden yaratmayan, ancak sanatçının bilinçsiz etkinliğini ifade eden beneklerin olduğu bir tablodur. Tashismedeki darbeler, çizgiler ve noktalar önceden planlanmadan hızlı el hareketleriyle tuvale uygulanır.

soyut dışavurumculuk

Duyguları sonuna kadar ortaya çıkarmak için geometrik olmayan vuruşlar, büyük fırçalar kullanarak, bazen tuvale boya damlatarak hızlı ve büyük tuvaller üzerine resim yapan sanatçıların hareketi. Buradaki ifade edici resim yöntemi, genellikle resmin kendisi kadar önemlidir.

İç mekanda soyutlama

Son zamanlarda soyut sanat, sanatçıların resimlerinden evin rahat iç kısmına geçmeye ve onu olumlu bir şekilde güncellemeye başladı. Bazen oldukça sıra dışı olan net formların kullanıldığı minimalist tarz, odayı sıra dışı ve ilginç kılar. Ancak renk konusunda aşırıya kaçmak kolaydır. Böyle bir iç stilde turuncu kombinasyonunu düşünün.

Beyaz, zengin portakalı en iyi şekilde seyreltir ve olduğu gibi onu soğutur. Turuncu renk odayı daha sıcak hissettirir, yani çok fazla değil; Önlemez. Vurgu, mobilya veya tasarımı, örneğin turuncu bir yatak örtüsü üzerinde olmalıdır. Bu durumda, beyaz duvarlar rengin parlaklığını bastıracak, ancak odayı renkli bırakacaktır. Bu durumda, aynı serideki resimler mükemmel bir ek görevi görecektir - asıl mesele aşırıya kaçmamak, aksi takdirde uyku sorunları olacaktır.

Turuncu ve mavi renklerin kombinasyonu, kreş için geçerli değilse, herhangi bir oda için zararlıdır. Parlak gölgeler seçmezseniz, birbirleriyle başarılı bir şekilde uyum sağlayacaklar, ruh hali katacaklar ve hiperaktif çocukları bile olumsuz etkilemeyecekler.

Portakal, yeşil ile iyi gider, mandalina ağacı ve çikolata tonu etkisi yaratır. Kahverengi, sıcaktan soğuğa değişen bir renktir, bu nedenle odanın genel sıcaklığını mükemmel bir şekilde normalleştirir. Ek olarak, bu renk kombinasyonu, bir atmosfer yaratmanız gereken ancak iç mekanı aşırı yüklememeniz gereken mutfak ve oturma odası için uygundur. Duvarları beyaz ve çikolata tonlarında dekore ettikten sonra, güvenle turuncu bir sandalye koyabilir veya zengin mandalina rengiyle parlak bir resim asabilirsiniz. Böyle bir odadayken harika bir ruh haliniz ve mümkün olduğunca çok şey yapma arzunuz olacak.

Ünlü soyut sanatçıların tabloları

Kandinsky, soyut sanatın öncülerinden biriydi. Empresyonizm arayışına başladı ve ancak o zaman soyutlama tarzına geldi. İşinde, izleyicinin hem vizyonunu hem de duygularını kucaklayan estetik bir deneyim yaratmak için renk ve biçim arasındaki ilişkiyi kullandı. Tam soyutlamanın derin, aşkın ifadeye yer açtığına ve gerçekliği kopyalamanın yalnızca bu sürece müdahale ettiğine inanıyordu.

Resim, Kandinsky için son derece ruhani bir şeydi. Fiziksel ve kültürel sınırları aşan soyut şekiller ve renklerden oluşan evrensel bir görsel dil aracılığıyla insan duygularının derinliğini aktarmaya çalıştı. O gördü soyutlamacılık sanatçının "iç ihtiyacını" ifade edebilen ve insani fikir ve duyguları aktarabilen ideal bir görsel mod olarak. Kendisini, misyonu bu idealleri toplum yararına dünya ile paylaşmak olan bir peygamber olarak görüyordu.

Parlak renkler ve net siyah çizgilerle gizlenmiş, mızraklı birkaç Kazağı, tekneleri, figürleri ve bir tepenin üzerinde bir kaleyi tasvir ediyor. Bu döneme ait birçok resimde olduğu gibi, sonsuz barışa yol açacak bir kıyamet savaşını temsil ediyor.

Kandinsky, On the Spiritual in Art (1912) adlı eserinde açıklandığı gibi, nesnel olmayan bir resim stilinin gelişimini kolaylaştırmak için nesneleri piktografik sembollere indirger. Kandinsky, dış dünyaya yapılan göndermelerin çoğunu kaldırarak, konunun manevi özünü tüm bu biçimler aracılığıyla görsel bir dile çevirerek vizyonunu daha evrensel bir şekilde ifade etti. Bu sembolik figürlerin çoğu, daha sonraki çalışmalarında tekrarlandı ve rafine edildi, daha da soyut hale geldi.

Kazimir Maleviç

Malevich'in sanatta biçim ve anlam hakkındaki fikirleri, bir şekilde stil soyutlamacılığı teorisi üzerinde yoğunlaşmaya yol açar. Malevich, resimde farklı tarzlarla çalıştı, ancak en önemlisi, saf geometrik şekillerin (kareler, üçgenler, daireler) ve resimsel alanda birbirleriyle olan ilişkilerinin incelenmesine odaklandı. Malevich, Batı'daki bağlantıları aracılığıyla resim hakkındaki fikirlerini Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki sanatçı arkadaşlarına aktarabildi ve böylece çağdaş sanatın evrimini derinden etkiledi.

"Kara Kare" (1915)

İkonik "Kara Meydan" tablosu ilk olarak Malevich tarafından 1915'te Petrograd'daki bir sergide gösterildi. Bu çalışma, Malevich'in "Kübizm ve Fütürizmden Süprematizme: Resimde Yeni Gerçekçilik" adlı makalesinde geliştirdiği Süprematizm'in teorik ilkelerini içermektedir.

İzleyicinin önündeki tuvalde beyaz zemin üzerine siyah kare şeklinde çizilmiş soyut bir form var - kompozisyonun tek unsuru bu. Tablo basit görünse de siyah boya katmanlarının arasından görünen parmak izleri, fırça darbeleri gibi unsurlar var.

Malevich için kare, duygular anlamına gelir ve beyaz olan boşluk, hiçbir şey anlamına gelir. Siyah kareyi sanki nesnel olmayan sanat için yeni bir kutsal imge haline gelebilirmiş gibi tanrısal bir varlık, bir ikon olarak gördü. Sergide bile bu resim, genellikle bir Rus evinde bir ikonun yerleştirildiği yere yerleştirildi.

Piet Mondrian

Hollandalı De Stijl hareketinin kurucularından biri olan Piet Mondrian, soyutlamalarının saflığı ve metodik pratiğiyle tanınır. Gördüklerini doğrudan değil, mecazi olarak sergilemek ve tuvallerinde net ve evrensel bir estetik dil oluşturmak için resimlerindeki öğeleri oldukça radikal bir şekilde basitleştirdi. 1920'lerin en ünlü resimlerinde Mondrian, formları çizgilere ve dikdörtgenlere, paleti ise en basitine indirger. Asimetrik dengenin kullanımı çağdaş sanatın gelişimi için temel hale geldi ve ikonik soyut çalışmaları tasarımda etkili olmaya devam ediyor ve bugüne kadar popüler kültüre aşina.

"Gri ağaç", Mondrian'ın stile erken geçişinin bir örneğidir. soyutlamacılık. 3B ağaç, yalnızca griler ve siyahlar kullanılarak en basit çizgilere ve düzlemlere indirgenmiştir.

Bu resim, Mondrian'ın daha gerçekçi bir yaklaşım sergileyen, örneğin ağaçların doğalcı bir şekilde sunulduğu bir dizi çalışmasından biridir. Daha sonraki parçalar giderek daha soyut hale gelirken, örneğin, ağacın şekli zar zor görünene ve dikey ve yatay çizgilerin genel bileşimine ikincil olana kadar ağacın çizgileri azaltılır. Burada, Mondrian'ın hatların yapılandırılmış organizasyonunu terk etmeye olan ilgisini hâlâ görebilirsiniz. Bu hamle, Mondrian'ın saf soyutlamasının gelişimi için önemliydi.

Robert Delaunay

Delaunay, soyut stilin en eski sanatçılarından biriydi. Çalışmaları, renklerin kontrastından kaynaklanan kompozisyon gerilimine dayalı olarak bu yönün gelişimini etkiledi. Hızla neo-empresyonist renk etkisi altına girdi ve soyutlama tarzındaki eserlerin renk sistemini çok yakından takip etti. Renk ve ışığı, dünyanın nesnelliğini etkileyebileceğiniz ana araçlar olarak görüyordu.

1910'a gelindiğinde Delaunay, kübizme kendi katkısını, kübik formları, hareket dinamiklerini ve parlak renkleri birleştiren katedralleri ve Eyfel Kulesi'ni tasvir eden iki dizi resim şeklinde yaptı. Renk uyumunu kullanmanın bu yeni yolu, stili Orphism adı verilen ortodoks Kübizm'den ayırmaya yardımcı oldu ve hemen Avrupalı ​​​​sanatçıları etkiledi. Delaunay'ın eşi ressam Sonia Turk-Delaunay da aynı tarzda resim yapmaya devam etti.

Delaunay'ın ana eseri, Fransa'nın ünlü sembolü olan Eyfel Kulesi'ne adanmıştır. Bu, 1909 ile 1911 yılları arasında Eyfel Kulesi'ne adanan on bir resim serisinin en etkileyicilerinden biridir. Onu çevredeki şehrin donukluğundan hemen ayıran parlak kırmızıya boyanmıştır. Tuvalin etkileyici boyutu, bu binanın ihtişamını daha da artırıyor. Bir hayalet gibi, kule mecazi olarak eski düzenin temellerini sarsarak çevredeki evlerin üzerinde yükselir. Delaunay'ın resmi, henüz iki dünya savaşına tanıklık etmemiş bir dönemin bu sınırsız iyimserlik, masumiyet ve tazelik duygusunu aktarıyor.

Frantisek Kupka

Frantisek Kupka, tarzda resim yapan bir Çekoslovak ressamdır. soyutlamacılık Prag Sanat Akademisi'nden mezun oldu. Bir öğrenci olarak öncelikle vatansever temalar üzerine resim yaptı ve tarihi kompozisyonlar yazdı. İlk çalışmaları daha akademikti, ancak tarzı yıllar içinde gelişti ve sonunda soyut sanata dönüştü. Çok gerçekçi bir şekilde yazılmış, ilk çalışmaları bile soyutlamalar yazarken korunan mistik gerçeküstü temalar ve semboller içeriyordu. Kupka, sanatçının ve eserinin, doğası bir mutlak gibi sınırlı olmayan sürekli bir yaratıcı faaliyette yer aldığına inanıyordu.

"Amorf. İki renkli füg" (1907-1908)

1907-1908'den başlayarak Kupka, sanki onunla oynayacak ya da dans edecekmiş gibi elinde bir top tutan bir kızın bir dizi portresini yapmaya başladı. Daha sonra onun giderek daha fazla şematik temsillerini geliştirdi ve sonunda bir dizi tamamen soyut çizim üretti. Sınırlı bir kırmızı, mavi, siyah ve beyaz paletinde yapıldılar. 1912'de Salon d'Automne'da bu soyut eserlerden biri ilk olarak Paris'te halka açık olarak sergilendi.

Modern Soyutlamacılar

Yirminci yüzyılın başından bu yana, aralarında Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky'nin de bulunduğu sanatçılar, nesnelerin biçimleri ve algıları üzerinde deneyler yapıyor ve ayrıca sanatta var olan kanunları sorguluyorlar. Bilgi sınırlarını zorlamaya ve kendi gerçekliklerini yaratmaya karar vermiş en ünlü modern soyut sanatçılardan bir seçki hazırladık.

Alman sanatçı david şnel(David Schnell) eskiden doğanın hakim olduğu ve şimdi oyun alanlarından fabrikalara kadar insan binalarıyla dolu yerlerde dolaşmayı seviyor. Bu yürüyüşlerin hatıraları, parlak soyut manzaralarını doğurur. Fotoğraf ve videolardan ziyade hayal gücünü ve hafızasını serbest bırakan David Schnell, bilgisayar sanal gerçekliğini andıran resimler veya bilim kurgu kitapları için illüstrasyonlar yaratıyor.

Büyük ölçekli soyut resimlerini yaratan Amerikalı sanatçı, Christine Baker(Kristin Baker) sanat tarihinden ve Nascar ve Formula 1 yarışlarından ilham alıyor. İlk başta, birkaç kat akrilik boya uygulayarak ve silüetleri bantlayarak işine hacim kazandırıyor. Kristin daha sonra onu dikkatlice soyar, bu da alttaki boya katmanlarını ortaya çıkarır ve resimlerinin yüzeyinin çok katmanlı, çok renkli bir kolaj gibi görünmesini sağlar. Çalışmanın en son aşamasında tüm tümsekleri sıyırarak resimlerini röntgen gibi gösteriyor.

Brooklyn, New York'tan Yunan asıllı sanatçı işlerinde, Elena Anagnos(Eleanna Anagnos), günlük hayatın genellikle insanlar tarafından gözden kaçan yönlerini araştırıyor. "Tuvalle diyaloğu" sırasında, sıradan kavramlar yeni anlamlar ve yönler kazanıyor: negatif alan pozitife dönüşüyor ve küçük formlar boyut olarak büyüyor. Bu şekilde resimlerine hayat vermeye çalışan Eleanna, soru sormaktan ve yeniye açık olmaktan vazgeçmiş insan zihnini uyandırmaya çalışıyor.

Tuval üzerindeki parlak sıçramaları ve boya lekelerini doğuran Amerikalı bir sanatçı sara spitler(Sarah Spitler) kaosu, felaketi, dengesizliği ve düzensizliği işine yansıtmaya çalışır. Bir kişinin kontrolü dışında oldukları için bu kavramlardan etkilenir. Bu nedenle yıkıcı güçleri, Sarah Spitler'in soyut eserlerini güçlü, enerjik ve heyecanlı kılıyor. Ayrıca. Mürekkep, akrilik boyalar, grafit kalemler ve emaye tuval üzerinde ortaya çıkan görüntü, etrafta olup bitenlerin geçici doğasını ve göreliliğini vurgular.

Mimarlık alanından ilham alan Kanada, Vancouver'dan sanatçı, Jeff Dapner(Jeff Depner) geometrik şekillerden oluşan katmanlı soyut resimler yaratıyor. Jeff, yarattığı sanatsal "kaos"ta renk, biçim ve kompozisyonda uyum arar. Resimlerindeki öğelerin her biri birbiriyle bağlantılıdır ve "İşim, seçilen bir paletteki renklerin ilişkileri aracılığıyla [bir resmin] kompozisyon yapısını araştırıyor...". Sanatçıya göre resimleri, izleyicileri yeni, bilinçsiz bir düzeye götürmesi gereken "soyut işaretler".

yön

Soyutlamacılık (Latince abstractio - çıkarma, dikkat dağıtma) veya figüratif olmayan sanat, resim ve heykelde gerçeğe yakın formların temsilini terk eden bir sanat yönüdür. Soyutlamanın amaçlarından biri, belirli renk kombinasyonlarını ve geometrik şekilleri tasvir ederek "uyum" sağlamak, izleyicinin kompozisyonun eksiksizliğini ve eksiksizliğini hissetmesini sağlamaktır. Tanınmış isimler: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova ve Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

İlk soyut resim 1910 yılında Wassily Kandinsky tarafından yapılmıştır. Şu anda Gürcistan Ulusal Müzesi'nde - böylece dünya resminde yeni bir sayfa açtı - soyutlama, resmi müziğe yükseltiyor.

20. yüzyıl Rusya resminde soyut sanatın başlıca temsilcileri, Almanya'da soyut kompozisyonlarına geçişi tamamlayan Vasily Kandinsky, Natalya Goncharova ve yaratıcısı 1910-1912'de “Rayonizm”i kuran Mikhail Larionov'dur. Yeni bir yaratıcılık türü olarak Süprematizm'in "Siyah kare" yazarı Kazimir Malevich ve çalışmaları, diğer şeylerin yanı sıra, eserlerinde uygulanan soyut yöntemin eşi görülmemiş derecede geniş bir yönüyle ayırt edilen Evgeny Mikhnov-Voitenko (bir "grafiti stili" de dahil olmak üzere bunların sayısı, sanatçı sadece yerli değil, aynı zamanda yabancı ustalar arasında da ilki kullandı).

Soyutlamacılıkla ilgili bir eğilim, gerçek nesneleri çok sayıda kesişen düzlemle tasvir etmeyi amaçlayan ve canlı doğayı yeniden üreten bazı doğrusal figürlerin görüntüsünü yaratan kübizmdir. Kübizm'in en dikkate değer örneklerinden bazıları, Pablo Picasso'nun ilk çalışmalarıydı.

1910-1915'te Rusya, Batı Avrupa ve ABD'deki ressamlar soyut sanat eserleri yaratmaya başladılar; İlk soyutlamacılar arasında Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich ve Piet Mondrian gibi araştırmacılar yer alır. Nesnel olmayan sanatın doğum yılı, Almanya'da Murnau'da Kandinsky'nin ilk soyut kompozisyonunu yazdığı 1910 olarak kabul edilir. İlk soyutlamacıların estetik kavramları, sanatsal yaratıcılığın, gerçekliğin dış, yüzeysel fenomenlerinin arkasına gizlenmiş evrenin yasalarını yansıttığını varsaydı. Sanatçı tarafından sezgisel olarak kavranan bu desenler, soyut bir eserde soyut formların (renkli noktalar, çizgiler, hacimler, geometrik şekiller) oranıyla ifade edilmiştir. 1911'de Münih'te Kandinsky, içsel olarak gerekli olanı, manevi olanı dışsal, tesadüfi olanın aksine somutlaştırma olasılığını düşündüğü Sanatta Maneviyat Üzerine kitabını yayınladı. Kandinsky'nin soyutlamalarının "mantıksal gerekçesi", Helena Blavatsky ve Rudolf Steiner'in teozofik ve antroposofik çalışmalarının incelenmesine dayanıyordu. Piet Mondrian'ın estetik konseptinde, formun birincil öğeleri birincil karşıtlıklardı: yatay - dikey, çizgi - düzlem, renk - renksiz. Robert Delaunay'ın teorisinde Kandinsky ve Mondrian'ın kavramlarının aksine idealist metafizik reddedilmiş; Sanatçı için soyutlamanın ana görevi, rengin dinamik niteliklerini ve sanatsal dilin diğer özelliklerini incelemekti (Delaunay tarafından kurulan yöne Orphism adı verildi). Rayonizm'in yaratıcısı Mihail Larionov, "yansıyan ışığın ışımasını; renk tozu.

1910'ların başında doğan soyut sanat, hızla gelişerek 20. yüzyılın ilk yarısında avangart sanatın birçok alanında kendini gösterdi. Soyutlamanın fikirleri dışavurumcuların (Wasily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), kübistlerin (Fernand Léger), Dadaistlerin (Jean Arp), gerçeküstücülerin (Joan Miro), İtalyan fütüristlerin (Gino Severini, Giacomo Balla,

Benim için soyut sanatın üslubu öncelikle medeniyet mantığıyla bir yüzleşmedir. Geçen yüzyılın tüm uygarlık tarihi formüller, algoritmalar, ilkeler, denklemler ve kurallar üzerine inşa edilmiştir. Ancak, denge ve uyum için çabalamak insan doğasıdır. Bu bağlamda, bilimsel ve teknolojik devrim yüzyılının şafağında, klasik çizim kanonlarına uymayan, aksine, bilinçsiz ve kaotiklere özgürlük verme amacına hizmet eden böyle bir sanat hareketi ortaya çıkıyor. , ilk bakışta anlamdan yoksun, ancak böylece bir kişiye kendisini normların ve dogmaların etkisinden kurtarma ve iç uyumu sürdürme fırsatı veriyor.

soyutlamacılık(Latince abstractus'tan - uzak, soyut), 20. yüzyıl sanatında 1910'ların başında birçok Avrupa ülkesinde ortaya çıkan çok geniş bir eğilimdir. Soyutlamacılık, gerçekliğin taklidinin veya doğru bir şekilde gösterilmesinin kendi içinde bir amaç olmadığı durumlarda, gerçekliği sergilemek için yalnızca biçimsel unsurların kullanılmasıyla karakterize edilir.

Soyutlamacılığın kurucuları Rus sanatçılar ve Hollandalı Piet Mondrian, Fransız Robert Delaunay ve Çek Frantisek Kupka'dır. Çizim yöntemleri, tefekkür eden kişide çeşitli çağrışımlar uyandırmak için belirli renk kombinasyonlarının ve geometrik şekillerin yaratılması olan "uyum" arzusuna dayanıyordu.

Soyutlamacılıkta iki net yön ayırt edilebilir: esas olarak açıkça tanımlanmış konfigürasyonlara (Malevich, Mondrian) dayanan geometrik soyutlama ve kompozisyonun serbestçe akan formlardan (Kandinsky) düzenlendiği lirik soyutlama. Ayrıca soyutlamacılıkta birkaç başka büyük bağımsız eğilim vardır.

Kübizm- 20. yüzyılın başında ortaya çıkan ve kesin olarak koşullu geometrik formların kullanımı, gerçek nesneleri stereometrik ilkellere "bölme" arzusu ile karakterize edilen görsel sanatlarda avangart bir eğilim.

Rayonizm (Luchism)- 1910'ların soyut sanatında, ışık spektrumunun ve ışık iletiminin kaymasına dayanan bir akım. "Çeşitli nesnelerin yansıyan ışınlarının kesişmesinden" formların ortaya çıkması fikri karakteristiktir, çünkü kişi aslında nesnenin kendisini değil, "ışık kaynağından gelen ışınların toplamını algılar. nesne."

neoplastisizm- 1917-1928'de var olan soyut sanatın yönünün belirlenmesi. Hollanda'da ve birleşik sanatçılar "De Stijl" ("Stil") dergisi etrafında gruplandı. Spektrumun ana renklerinde boyanmış, mimaride net dikdörtgen şekiller ve büyük dikdörtgen düzlemlerin düzeninde soyut resim ile karakterize edilir.

Yetimcilik- 1910'ların Fransız resminde bir akım. Sanatçı-orfistler, spektrumun ana renklerinin iç içe geçmesinin ve eğrisel yüzeylerin kesişmesinin "düzenlilikleri" yardımıyla hareketin dinamiklerini ve ritimlerin müzikalitesini ifade etmeye çalıştılar.

süprematizm- 1910'larda kurulan avangart sanatta bir yön. Maleviç. En basit geometrik hatların çok renkli düzlemlerinin kombinasyonlarında ifade edildi. Çok renkli geometrik figürlerin kombinasyonu, iç hareketle nüfuz eden dengeli asimetrik Süprematist kompozisyonlar oluşturur.

taşişme- 1950'ler ve 60'ların Batı Avrupa soyutlamacılığında, Amerika Birleşik Devletleri'nde en yaygın olan bir eğilim. Gerçekliğin görüntülerini yeniden yaratmayan, ancak sanatçının bilinçsiz etkinliğini ifade eden beneklerin olduğu bir tablodur. Tashismedeki darbeler, çizgiler ve noktalar önceden planlanmadan hızlı el hareketleriyle tuvale uygulanır.

soyut dışavurumculuk- duyguları tam olarak ortaya çıkarmak için geometrik olmayan vuruşlar, büyük fırçalar kullanarak, bazen tuvale boya damlatarak hızlı ve büyük tuvaller üzerine resim yapan sanatçıların hareketi. Buradaki ifade edici resim yöntemi, genellikle resmin kendisi kadar önemlidir.

Avangard sanatın ana akımlarından biri. Soyut sanatın ana ilkesi, bir eser yaratma sürecinde görünen gerçekliği taklit etmeyi ve onun unsurlarıyla çalışmayı reddetmektir. Çevreleyen dünyanın gerçekleri yerine sanatın nesnesi, sanatsal yaratıcılığın araçları haline gelir - renk, çizgi, biçim. Arsa, plastik bir fikirle değiştirilir. Sanatsal süreçte çağrışımsal ilkenin rolü birçok kez artar ve yaratıcının duygu ve ruh hallerini, fenomenlerin ruhsal ilkesini yoğunlaştırabilen ve dış kabuğundan arındırılmış soyutlanmış görüntülerde ifade etmek de mümkün hale gelir. taşıyıcıları (V.V. Kandinsky'nin teorik çalışmaları).

Soyutlamanın rastgele unsurları, kaya resimlerinden başlayarak gelişimi boyunca dünya sanatında tanımlanabilir. Ancak bu tarzın kökeni, rengi ayrı öğelere ayırmaya çalışan Empresyonistlerin resimlerinde aranmalıdır. Fovizm, rengi "ortaya çıkaran", bağımsızlığını vurgulayan ve onu görüntünün nesnesi haline getiren bu eğilimi bilinçli olarak geliştirdi. Fauvistler arasında, Franz Marc ve Henri Matisse soyutlamaya en yakın olanlardı (sözleri semptomatiktir: "tüm sanat soyuttur"), Fransız kübistler (özellikle Albert Gleizes ve Jean Metzinger) ve İtalyan fütüristler (Giacomo Balla ve Gino Severini) de aynı fikirdeydiler. bu yol Ancak hiçbiri figüratiflik sınırını aşamadı veya aşmak istemedi. "Bununla birlikte, en azından şu anda, mevcut biçimlerin bazı hatırlatıcılarının tamamen ortadan kaldırılmaması gerektiğini kabul ediyoruz" (A. Glaze, J. Metzinger. On Cubism. St. Petersburg, 1913, s. 14).

İlk soyut eserler 1900'lerin sonunda - 1910'ların başında Kandinsky'nin "Sanatta Manevi Üzerine" metni üzerinde çalışırken ortaya çıktı ve "Çemberli Resim" (1911. NMG) ilk soyut resim olarak kabul ediliyor. Bu sırada diyor ki:<...>sadece bu form doğrudur, hangi<...>içeriği buna göre şekillendirir. Her türlü ikincil değerlendirme ve bunların arasında formun sözde "doğaya" uygunluğu, yani. dış doğa, önemsiz ve zararlıdır, çünkü dikkati tek biçim görevinden - içeriğin somutlaştırılmasından - uzaklaştırırlar. Biçim, soyut içeriğin maddi ifadesidir” (İçerik ve biçim. 1910 // Kandinsky 2001. Cilt 1. S. 84).

Erken bir aşamada, Kandinsky'nin şahsında soyut sanat, rengi mutlaklaştırdı. Pratik ve teorik renk çalışmasında Kandinsky, Johann Wolfgang Goethe'nin renk doktrinini geliştirdi ve resimdeki renk teorisinin temellerini attı (Rus sanatçılar arasında M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun ve diğerleri renkle uğraştı. teori).

Rusya'da, 1912-1915'te, soyut sanatın daha fazla evrimini büyük ölçüde belirleyen Luchism (M.F. Larionov, 1912) ve Süprematizm (K.S. Malevich, 1915) soyut resim sistemleri yaratıldı. Soyut sanatla yakınlaşma, kübo-fütürizm ve alogizmde bulunabilir. Soyutlamada bir atılım, N.S. Goncharova'nın "Boşluk" (1914. Devlet Tretyakov Galerisi) adlı tablosuydu, ancak bu tema sanatçının çalışmalarında daha fazla gelişme bulamadı. Rus soyutlamasının bir başka gerçekleşmemiş yönü, O.V. Rozanova'nın renkli resmidir (bkz: Nesnel Olmayan Sanat).

Çek Frantisek Kupka, Fransız Robert Delaunay ve Jacques Villon, Hollandalı Piet Mondrian, Amerikalı Stanton McDonald-Wright ve Morgan Russell aynı yıllarda resimsel soyutlama yolunda kendi yollarını izlediler. V.E. Tatlin'in (1914) karşı kabartmaları ilk soyut mekansal yapılardı.

Eşbiçimliliğin reddi ve manevi ilkeye başvurma, soyut sanatı teosofi, antroposofi ve hatta okültizm ile ilişkilendirmek için sebep verdi. Ancak soyut sanatın gelişiminin ilk aşamalarında sanatçıların kendileri bu tür fikirleri ifade etmediler.

Birinci Dünya Savaşı'ndan sonra soyut resim, yavaş yavaş Avrupa'da baskın bir konum kazanır ve evrensel bir sanat ideolojisi haline gelir. Bu, özlemlerinde resimsel ve plastik görevlerin sınırlarının çok ötesine geçen ve estetik ve felsefi sistemler yaratma ve sosyal sorunları çözme yeteneğini gösteren güçlü bir sanatsal harekettir (örneğin, Malevich'in ilkelerine dayanan “Suprematist Şehri”). yaşam inşası). 1920'lerde, onun ideolojisi temelinde, Bauhaus veya Ginhuk gibi araştırma enstitüleri ortaya çıktı. Yapılandırmacılık da soyutlamadan doğdu.

Soyutlamanın Rus versiyonuna nesnel olmayan sanat deniyordu.

20. yüzyılda klasik hale gelen soyut sanatın ilke ve tekniklerinin birçoğu tasarım, tiyatro ve dekoratif sanatlar, film, televizyon ve bilgisayar grafiklerinde yaygın olarak kullanılmaktadır.

Soyut sanat kavramı zamanla değişti. 1910'lara kadar bu terim, biçimlerin genelleştirilmiş ve basitleştirilmiş bir şekilde tasvir edildiği, yani resimle ilgili olarak kullanılıyordu. Daha detaylı veya natüralist bir tasvire kıyasla "soyut". Bu anlamda terim, esas olarak dekoratif sanatlara veya düzleştirilmiş kompozisyonlara uygulandı.

Ancak 1910'lardan beri "soyut", biçimin veya kompozisyonun, orijinal konunun neredeyse tanınmayacak kadar değiştiği bir açıdan tasvir edildiği çalışmaları ifade eder. Çoğu zaman, bu terim, yalnızca görsel öğelerin - şekiller, renkler, yapılar - düzenlenmesine dayanan bir sanat tarzını ifade eder ve bunların maddi dünyada başlatıcı bir imaja sahip olmaları hiç de gerekli değildir.

Soyut sanatta anlam kavramı (hem önceki hem de sonraki anlamlarıyla), sürekli tartışılan karmaşık bir konudur. Soyut formlar ayrıca aşk, hız veya fizik yasaları gibi görsel olmayan fenomenlere atıfta bulunabilir ve türev bir varlıkla ("özcülük") ilişkilendirilerek, hayali veya başka bir şekilde ayrıntılı, ayrıntılı ve soyut olmayandan ayrılma yolu ile ilişkilendirilebilir. temel, rastgele. Temsili bir konunun olmamasına rağmen, soyut bir çalışmada çok büyük bir ifade birikebilir ve ritim, tekrar ve renk sembolizmi gibi anlamsal olarak doldurulmuş öğeler, görüntünün kendisinin dışındaki belirli fikirlere veya olaylara dahil olduğunu gösterir.

Edebiyat:

• M. Seuphor. L'Art abstrait, ses kökenleri, ses prömiyerleri. Paris, 1949;
• M.Brion. Sanat soyut. Paris, 1956; D. Vallier. Sanat soyut. Paris, 1967;
• R.Capon. Soyut Resim Tanıtımı. Londra, 1973;
• blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960 Köln, 1975;
• M.Schapiro. Soyut Sanatın Doğası (1937) // M.Schapiro. Modern Sanat. Seçilmiş Bildiriler. New York, 1978;
• Yeni Bir Sanata Doğru: Soyut Resmin Arka Planı Üzerine Denemeler 1910–1920 . Ed. M.Compton. Londra, 1980;
• Sanatta Ruhsal. Soyut Resim 1890–1985. Los Angeles County Sanat Müzesi. 1986/1987;
• M.Tuchman'ın metni; B. Altshuler. Avangard Sergide. 20. Yüzyılda Yeni Sanat. New York, 1994;
• Rusya'da soyutlama. XX yüzyıl. T. 1–2. Zamanlama [Katalog] St. Petersburg, 2001;
• Nesnel olmama ve soyutlama. Doygunluk. nesne. temsilci ed. G. F. Kovalenko. M., 2011.;