Найбільші художники укіе-е. Хокусай - світ японії Сучасні японські художники чоловік та дружина

Японське мистецтво взагалі і японський живопис зокрема багатьом людям Заходу видається складним і малозрозумілим, як і культура Сходу загалом. Тим паче рідко хто розрізняє стилі японської живопису. Але культурній людині, особливо якщо вона є поціновувачем прекрасної, непогано було б розбиратися в цій темі.

Японська культура та живопис у давнину

Представники ранньої культури дземон (близько 7000 до н.е.) займалися виготовленням глиняних фігурок, переважно це були фігурки жінок. У пізніший період прийшли люди почали виготовляти мідну зброю, бронзові дзвони зі схематично намальованими на них фігурками та примітивну кераміку. Настінний розпис стародавніх гробниць та контурні зображення на дзвонах вважаються найбільш ранніми зразками японського живопису.

Вплив буддизму та китайської культури

Розвиток образотворчого мистецтва в Японії набув серйозного поштовху з приходом на територію Японії буддизму з Кореї та Китаю. Особливий інтерес до буддизму виявляли люди, одягнені владою. Живопис 7-9 століть практично повністю копіював китайську образотворчу традицію, основними сюжетами на той час був Будда, усе, що з ним пов'язано, і сценки з буддистських божеств. У 10 столітті живопис Японії відчула сильний вплив буддистської школи «Чистої Землі».

У 6-7 столітті по всій території Японії почалося будівництво храмів та монастирів, які вимагали особливої ​​тематичної обробки. Настінний храмовий живопис - один із початкових етапів розвитку японського образотворчого мистецтва. Яскравими прикладами храмового живопису є фрески у храмах Асука-дера, Шитеноджі та Хорюдзі. Одні з найвидатніших робіт на той час перебувають у Золотому залі храму Хорюдзі. Крім настінного розпису в храмах встановлювали статуї Будди та інших божеств.

У середині періоду Хейнань на зміну китайській школі живопису в Японії з'явився власний стиль під назвою ямато-е. Розпис у стилі ямато-е прикрашав розкладні ширми та ковзаючі двері, як правило основним сюжетом ямато-е виступав Кіото та сцени з життя міста. Альбомний лист та ілюстрації на сувоях (емаки) як основні формати живопису з'явилися практично одночасно з ямато-е. Найвідоміші роботи в стилі емаки можна побачити в японському епосі «Повісті про Гендзі», який датується 1130 роком, хоча міг бути написаний і раніше.

У період переходу влади від аристократії до самураїв, аристократи, побоюючись втратити своє багатство, нерідко вкладали свої кошти у витвори мистецтва, всіляко заступаючись відомим художникам того часу. Класичні зразки робіт, які обирали аристократи, зазвичай були витримані в стилі консерватизму. Самураям більше до душі був реалізм, у період Камакура (1185-1333) саме ці два напрями переважали в образотворчому мистецтві Японії.

У 13 столітті культура Японії відчула досить сильний вплив дзен-буддизму. У монастирях Камакури та Кіото широко практикувався живопис тушшю, найчастіше малюнки тушшю прикрашали сувої, настінні або трубчасті. Малюнки тушшю були витримані в простому монохромному стилі, по суті цей стиль живопису прийшов до Японії з Китаю імперії Сун (960-1279) і Юань (1279-1368). До кінця 1400 особливо популярні стали монохромні пейзажі тушшю під назвою сибокуга.

Живопис періоду Едо

У 1600 році до влади прийшов сьогунат Токугава, і в країні запанував відносний порядок і стабільність, причому виявлялося це у всіх сферах життя – від економіки до політики. Стан купців почав стрімко багатіти і виявляти інтерес мистецтву.

Мальовничі роботи періоду 1624-1644 років зображують представників різних класів і станів японського суспільства, що збиралися в одному з районів Кіото біля річки Камогава. Подібні райони існували і в Осаці, і Едо. У живопису з'явився окремий стиль укіе-е, у фокус його сюжетів потрапляли злачні місця та театр кабуки. Роботи в стилі укіє стали популярними по всій країні, до початку 18 століття стиль укіє найчастіше був представлений у вигляді ксилографії. Перші друковані картинки у цьому стилі були присвячені чуттєвим та еротичним сюжетам чи текстам. В кінці 18 століття центр мальовничої активності в стилі укіе-е змістився з району Кіото-Осака в Едо, де центральне місце в галереї сюжетів зайняли портрети акторів театру кабуки та зображення японських красунь.

Кінець 18 століття вважається золотою ерою стилю укіє. У цей час творив чудовий японський художник Торії Кієнага, який зображував переважно граціозних японських красунь та оголену натуру. Після 1790 року на художній сцені почали з'являтися нові напрямки та художники, серед яких найвідомішими стали Кітагава Утамаро, Кацухіка Хокусаї, Андо Хірошіге та Утагава Кунієші.

Для представників західної художньої школи японський стиль укіе-е став не просто одним з екзотичних стилів живопису, а справжнім джерелом натхнення та запозичення певних деталей. Такі художники як Едгар Дега та Вінсент ван Гог використовували у своїх роботах запозичені в укі-е стилістичні композиції, оформлення перспективи та використання кольору. У західному мистецтві тема природи була дуже популярна, тоді як у Японії природу і тварин малювали досить часто, що у своє чергу дещо розширило тематику західних майстрів. Французький художник та майстер зі скла Еміль Галле використовував у декорі своїх ваз ескізи рибок роботи Хокусаї.

В епоху імператора Мейджі (1868-1912) та його прозахідної політики стиль укіе-е, завжди тісно пов'язаний з народною національною культурою, суттєво уповільнив свій розвиток і практично занепав. У роботах японських художників з'являлося все більше західних мотивів, стиль європейського мистецтва багато в чому вплинув на творчість таких японських художників, як Маруяма Окіо, Мацумара Гошун та Іто Якусю, які за всієї європеїзації вміло поєднували у своїх роботах традиції японського, китайського та західного живопису.

Сучасний японський живопис

У період Мейджі культура Японії пережила досить радикальні трансформації: повсюдно впроваджувалися західні технології, і цей процес не оминув і образотворче мистецтво. Уряд відправляло на навчання до Європи та США багатьох художників, причому в культурі відзначалася досить помітна боротьба західних нововведень та традиційних японських стилів. Так тривало кілька десятиліть, і зрештою в період Тайсі (1912-1926) вплив Заходу в японському мистецтві став превалюючим.

Хокусай, японський художник 18-го століття, створив запаморочливу кількість мистецьких робіт. Хокусай працював до глибокої старості, незмінно стверджуючи, що «все, що він зробив до 70 років, не було вартим і не було уваги».

Можливо, найвідоміший японський художник у світі, він завжди виділявся зі своїх колег – сучасників інтересом до повсякденного життя. Натомість, щоб зображати гламурних гейш та героїчних самураїв, Хокусай малював робітників, рибалок, міські жанрові сценки, які тоді ще не були предметом інтересу для японського мистецтва. Він також використав європейський підхід до композиції.

Ось короткий перелік ключових термінів, які допоможуть вам трохи орієнтуватись у творчості Хокусая.

1 Укіе-е - гравюри та картини, популярні в Японії 1600-х до 1800-х років. Напрямок в образотворчому мистецтві Японії, що з розвитку Едо. Цей термін походить від слова "укі", що означає "мінливий світ". Уікі - натяк на гедоністичні радості розквітучого купецтва. У цьому напрямку Хокусай – найвідоміший художник.

Хокусай використав не менше тридцяти псевдонімів упродовж свого життя. Незважаючи на те, що використання псевдонімів було звичайною практикою у японських художників того часу, за кількістю псевдонімів він значно перевершував інших великих авторів. Псевдоніми Хокусая часто використовуються для періодизації етапів його творчості.

2 Період Едо - це час між 1603 і 1868 роках у японській історії, тоді було відзначено економічне зростання та новий інтерес до мистецтва, культури.

3 Shunrō є першим із псевдонімів Хокусая.

4 Шуньга буквально означає "картину весни" та "весна" - японський сленг для сексу. Отже, це гравюри еротичного характеру. Їх створювали найшанованіші художники, зокрема Хокусай.

5 Сурімоно. Останні "суримоно" - так називалися ці виконані на замовлення відбитки - мали колосальний успіх. На відміну від укі-е гравюри, які були розраховані на масового глядача, суримоно рідко продавалися для широкої публіки.

6 Гора Фудзі - симетрична гора, яка, виявляється, найвища у Японії. За ці роки вона надихнула багатьох художників і поетів, у тому числі Хокусая, що випустив серію укі-е "Тридцять шість видів гори Фудзі". Ця серія включає найвідоміші гравюри Хокусая.

7 Японізм - тривалий вплив, який вплинув Хокусай на наступні покоління західних художників. Японізм - це стиль, натхненний яскравими кольорами гравюр укіє, відсутністю перспективи та композиційними експериментами.

Японський живопис – це абсолютно унікальний напрямок у світовому мистецтві. Воно існує ще з давніх часів, але як традиція не втратила своєї популярності та здатності дивувати.

Уважність до традицій

Схід - це не тільки пейзажі, гори і сонце, що сходить. Це ще й люди, які творили його історію. Саме такі люди підтримують традицію японського живопису протягом багатьох століть, розвиваючи та примножуючи своє мистецтво. Тими, хто зробив чималий внесок в історію японські художники. Сучасні саме завдяки їм зберегли у собі всі канони традиційного японського живопису.

Манера виконання картин

На відміну від Європи, японські художники воліли писати ближче до графіки, ніж до живопису. У таких картинах не знайти грубих, недбалих мазків олією, які так характерні для імпресіоністів. У чому полягає графічність такого мистецтва, як японські дерева, скелі, тварини та птиці - все у цих картинах намальовано максимально чітко, твердими і впевненими лініями туші. У всіх предметів у композиції обов'язково є контур. Заливка всередині контуру зазвичай виконується аквареллю. Колір розмивається, додаються інші відтінки, а десь залишають колір паперу. Декоративність саме те, що відрізняє японські картини від мистецтва всього світу.

Контрасти у живописі

Контраст – ще один характерний прийом, який використовують японські художники. Це може бути різниця у тоні, кольорі або контраст теплих та холодних відтінків.

Художник вдається до прийому, коли хоче виділити якийсь елемент предмета. Це може бути прожилка на рослині, окрема пелюстка або стовбур дерева на фоні неба. Тоді зображується світла, освітлена частина предмета та тінь під ним (або навпаки).

Переходи та колірні рішення

Малюючи японські картини, часто використовують переходи. Вони бувають різними: наприклад, від одного кольору до іншого. На пелюстках водяних лілій, півоній можна помітити перехід від світлого відтінку до насиченого, яскравого кольору.

Також переходи застосовують у зображенні водної поверхні, піднебіння. Дуже красиво виглядає плавний перехід від заходу сонця до темних сутінків, що згущуються. У малюванні хмар теж використовують переходи від різних відтінків та рефлекси.

Основні мотиви японського живопису

У мистецтві все взаємопов'язане з реальним життям, з почуттями та емоціями тих, хто причетний до нього. Як і в літературі, музиці та інших проявах творчості, у живописі існує кілька вічних тем. Це історичні сюжети, зображення людей та природи.

Японські пейзажі бувають різноманітними. Часто в картинах зустрічаються зображення ставків – улюбленого предмета інтер'єру японців. Декоративний ставок, кілька водяних лілій та бамбук неподалік – так виглядає звичайна картина 17-18 століття.

Тварини у японському живописі

Тварини - теж часто повторюваний елемент азіатського живопису. Традиційно це тигра, що крадеться, або домашня кішка. Взагалі азіати дуже люблять і тому їх представники зустрічаються у всіх формах східного мистецтва.

Світ фауни - ще одна тема, якою слідує японський живопис. Птахи - журавлі, декоративні папуги, розкішні павичі, ластівки, непомітні горобці та навіть півні - всі вони зустрічаються у малюнках східних майстрів.

Риби – не менш актуальна тема для японських художників. Коропи коі - японський варіант золотої рибки. Ці істоти мешкають в Азії у всіх ставках навіть маленьких парків та садів. Короп коі - свого роду традиція, що належить саме Японії. Ці риби символізують боротьбу, рішучість, досягнення своєї мети. Не дарма їх зображують хвилями, що пливуть за течією, обов'язково з декоративними гребенями.

Японські картини: зображення людей

Люди в японському живописі – особлива тема. Художники зображували гейш, імператорів, воїнів та старців.

Гейші намальовані в оточенні квітів, завжди в складних шатах з безліччю складок та елементів.

Мудреців малюють такими, що сидять або пояснюють щось своїм учням. Образ старого вченого – символ історії, культури та філософії Азії.

Воїна зображували грізним, часом жахливим. Довгі були детально промальовані та схожі на дріт.

Зазвичай усі деталі обладунку уточнені за допомогою туші. Нерідко оголені воїни прикрашають татуювання із зображенням східного дракона. Це - символ сили та військової могутності Японії.

Імператорів зображували для імператорських сімей. Гарні шати, прикраси у волоссі чоловіків - те, чим буяють такі витвори мистецтва.

Краєвиди

Традиційний японський краєвид - гори. Азіатські живописці досягли успіху в зображенні різноманітних ландшафтів: одну і ту ж вершину вони можуть зобразити в різних кольорах, з різною атмосферою. Єдине, що залишається незмінним – обов'язкова присутність квітів. Зазвичай разом із горами художник зображує якусь рослину на передньому плані та детально її промальовує. Красиво виглядають гір і квітучі сакури. А якщо малюють опадають пелюстки – картина викликає захоплення сумною красою. Контраст в атмосфері картини – ще одна чудова якість японської культури.

Ієрогліфи

Часто композицію картини в японському живописі поєднують із письменами. Ієрогліфи розташовують так, щоб виглядало красиво композиційно. Зазвичай їх малюють ліворуч чи праворуч картини. Ієрогліфи можуть означати те, що зображено на картині, її назву чи ім'я художника.

Японія - одна з найбагатших історією та культурою держав. У всьому світі прийнято вважати японців педантичними людьми, які знаходять естетику абсолютно у всіх проявах життя. Тому японські картини завжди дуже гармонійні за кольором і тоном: якщо і є вкраплення якогось яскравого кольору, то тільки в смислових центрах. Приклад картин азіатських художників можна вивчати теорію кольору, правильну передачу форми за допомогою графіки, композицію. Техніка виконання японських картин настільки висока, що може бути прикладом по роботі з аквареллю та виконання «відмивання» графічних робіт.

Здрастуйте, дорогі читачі – шукачі знань та істини!

Художники Японії відрізняються неповторним стилем, відточеним цілими поколіннями майстрів. Сьогодні ми розповімо про найяскравіших представників японського живопису та їх картини, починаючи з давніх часів і закінчуючи сучасністю.

Що ж, давайте поринемо в мистецтво Країни сонця, що сходить.

Зародження мистецтва

Стародавнє мистецтво живопису Японії насамперед пов'язані з особливостями письма і тому будується з урахуванням каліграфії. До перших зразків відносяться фрагменти знайдених при розкопках дзвіночків із бронзи, посуду, предметів побуту. Багато хто з них був розписаний натуральними фарбами, а дослідження дають привід вважати, що виготовлені вироби були раніше, ніж у 300 році до нашої ери.

Новий виток розвитку мистецтва розпочався із приходом до Японії. На емакімоно – особливі сувої з паперу – наносилися зображення божеств пантеону буддизму, сюжети з життя Вчителя, його послідовників.

Переважна більшість релігійних тем у живопису простежується у середньовічній Японії, саме – з X по XV століття. Імена художників тієї епохи до наших днів, на жаль, не збереглися.

У період 15-18 століть починається новий час, що характеризується появою художників із виробленим індивідуальним стилем. Вони окреслили вектор подальшого розвитку образотворчого мистецтва.

Яскраві представники минулого

Тенсе Сюбун (початок 15 століття)

Щоб стати видатним майстром, Сюбун вивчав техніку листа сунських художників Китаю та його роботи. Згодом він став одним із основоположників живопису в Японії та творцем сумі-е.

Сумі-е – художній стиль, що базується на малюванні тушшю, а отже, одному кольорі.

Він навчав мистецтву інших обдарувань, серед яких виявилися майбутні відомі живописці, наприклад Сессю.

Найпопулярніша картина Сюбуна називається «Читаючи у бамбуковому гаю».

«Читаючи в бамбуковому гаю», Тенсе Сюбун

Хасегава Тохаку (1539-1610)

Він став творцем школи, названої на честь його самого – Хасегава. Спочатку він намагався наслідувати канони школи Кано, але поступово в роботах став простежуватися його індивідуальний «почерк». Тохаку орієнтувався на графіку Сессю.

Основу робіт становили прості, лаконічні, але реалістичні пейзажі з нехитрими назвами:

• "Сосни";
• "Клен";
• «Сосни та квітучі рослини».

«Сосни», Хасегава Тохаку

Брати Огата Корін (1658-1716) та Огата Кендзан (1663-1743)

Брати були чудовими майстрами 18 століття. Старший – Огата Корін – повністю присвятив себе живопису та заснував жанр рімпу. Він уникав стереотипних зображень, віддаючи перевагу імпресіоністському жанру.

Огата Корін писав природу загалом і квіти у вигляді яскравості абстракцій зокрема. Його пензля належать картини:

• «Цвітіння сливи червоним та білим»;
• «Хвилі Мацусіми»;
• "Хризантеми".

«Хвилі Мацусіми» Огата Корін

Молодший брат Огата Кендзан мав безліч псевдонімів. Він хоч займався живописом, але знаменитий був більше чудовий кераміст.

Огата Кендзан володів багатьма техніками створення кераміки. Його відрізняв нестандартний підхід, наприклад, він створював тарілки як квадрата.

Власний розпис не вирізнявся пишністю – у цьому теж була його особливість. Він любив наносити на вироби каліграфію на кшталт сувійної чи уривки з віршів. Іноді вони працювали разом із братом.

Кацусіка Хокусай (1760-1849)

Творив у стилі укіє-е – своєрідної ксилографії, іншими словами, гравюрного живопису. За весь час творчості змінив близько 30 імен. Найвідоміша робота - "Велика хвиля в Канагаві", завдяки якій став знаменитий за межами батьківщини.

«Велика хвиля в Канагаві», Хокусай Кацусіка

Особливо ретельно Хокусай почав працювати після 60 років, що дало добрі плоди. З його творчістю були знайомі Ван Гог, Моне, Ренуар, і певною мірою вона вплинула на роботи європейських майстрів.

Андо Хіросіге (1791-1858)

Один із найбільших художників 19 століття. Народився, жив, творив у Едо, продовжив справу Хокусая, надихався його роботами. Те, як він зображував природу, вражає майже так само, як і кількість самих робіт.

Едо - колишня назва Токіо.

Ось деякі цифри про його творчість, які представлені циклом картин:

• 5,5 тисячі – кількість всіх гравюр;
• «100 видів Едо;
• "36 видів Фудзі";
• "69 станцій Кісокайдо";
• "53 станції Токайдо".

Живопис Андо Хіросіге

Цікаво, що видатний Ван Гог написав кілька копій його гравюр.

Сучасність

Такасі Муракамі

Художник, скульптор, дизайнер одягу, він отримав ім'я вже наприкінці 20 століття. У творчості дотримується модних тенденцій із елементами класики, а натхнення черпає з мультфільмів аніме та манга.

Живопис Такасі Муракамі

Роботи Такасі Муракамі зараховують до субкультури, але вони користуються неймовірною популярністю. Приміром, у 2008 році одну з його робіт купили з аукціону більш як за 15 мільйонів доларів. Свого часу сучасний творець працював спільно з модними будинками "Marc Jacobs" та "Louis Vuitton".

Тихо Асіма

Соратниця попереднього художника, вона створює сучасні сюрреалістичні картини. На них зображені види міст, вулиці мегаполісів та істоти ніби з іншого всесвіту — привиди, злі духи, інопланетні дівчата. На задньому плані картин часто можна побачити первозданну, іноді навіть природу, що лякає.

Її картини досягають великих розмірів та рідко обмежуються паперовими носіями. Їх переносять на шкіряні пластикові матеріали.

У 2006 році в рамках виставки в британській столиці жінка створила близько 20 арочних споруд, які відображали красу природи села та міста, дня та ночі. Один із них прикрашав станцію метро.

Гей Аракава

Молоду людину не можна назвати просто художником у класичному розумінні слова – вона створює інсталяції, такі популярні у мистецтві 21 століття. Теми його виставок воістину японські і зачіпають дружні стосунки, а також працю всім колективом.

Ей Аракава часто бере участь у різних бієнале, наприклад, у Венеції, виставляється в музеї сучасного мистецтва на батьківщині, заслужено отримує різноманітні нагороди.

Ікенага Ясунарі

Живописцю сучасності Ікенага Ясунарі вдалося поєднати дві, начебто, несумісні речі: життя нинішніх дівчат у портретному вигляді та традиційні техніки Японії родом із давнини. У роботі художник використовує спеціальні пензлики, натуральні пігментовані фарби, чорнило, вугілля. Замість звичного полотна – тканина із льону.

Живопис Ікенага Ясунарі

Подібна техніка контрасту зображуваної доби та зовнішнього вигляду героїнь створює враження, що вони повернулися до нас із минулого.

Популярна останнім часом в інтернет-спільноті серія картин про складності життя крокодила теж створена японцем – художником-карикатуристом Кейґо.

Висновок

Отже, японська живопис зародилася приблизно 3 столітті до нашої ери, і відтоді сильно змінилося. Перші зображення наносилися на кераміку, потім у мистецтвах стали переважати буддійські мотиви, але імена авторів не збереглися донині.

В епоху Нового часу майстри пензля набували все більшої індивідуальності, створювали різні напрямки, школи. Сьогоднішнє образотворче мистецтво не обмежується традиційним живописом - в хід йдуть інсталяції, карикатури, художні скульптури, особливі споруди.

Дуже дякую за увагу, дорогі читачі! Сподіваємося, вам виявилася корисною наша стаття, а розповіді про життя та творчість найяскравіших представників арт-мистецтва дозволили познайомитися з ними ближче.

Звичайно, складно в одній статті розповісти про всіх художників із давнини до сьогодення. Тому нехай це буде перший крок на шляху пізнання японського живопису.

І приєднуйтесь до нас — підписуйтесь на блог — вивчатимемо буддизм та культуру сходу разом!

Мистецтво та дизайн

3356

01.02.18 09:02

Сьогоднішня художня сцена Японії дуже різноманітна і провокаційна: розглядаючи роботи майстрів із Країни Вранішнього сонця, ви вирішите, що потрапили на іншу планету! Тут мешкають новатори, які змінили «ландшафт» галузі у глобальному масштабі. Представляємо вам список 10 сучасних японських художників та їх витвори – від неймовірних істот Такасі Муракамі (який сьогодні святкує день народження) до строкатого всесвіту Кусами.

Від футуристичних світів до точкових сузір'їв: сучасні японські художники

Такасі Муракамі: прихильник традицій та класик

Почнемо з винуватця урочистості! Такасі Муракамі – один із найзнакових сучасних японських художників, який працює над картинами, великомасштабними скульптурами та модним одягом. На стиль Муракамі впливають манга та аніме. Він засновник руху Superflat, що підтримує японські мистецькі традиції та повоєнну культуру країни. Муракамі просував багатьох своїх колег-сучасників, із деякими з них ми сьогодні теж познайомимося. «Субкультурні» твори Такасі Муракамі представлені на арт-ринках моди та мистецтва. Його провокаційний My Lonesome Cowboy (1998 рік) був проданий у Нью-Йорку на аукціоні Sotheby's у 2008-му за рекордні 15,2 мільйона доларів. Муракамі співпрацював із всесвітньо відомими брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton та Issey Miyake.

Тихо Асіма та її сюрреалістичний всесвіт

Член художньої виробничої компанії Kaikai Kiki та руху Superflat (і та, і інше засновані Такасі Муракамі) Тихо Асіма відома своїми фантастичними міськими пейзажами та дивними поп-істотами. Художниця створює сюрреалістичні мрії, населені демонами, привидами, молодими красунями, що зображуються на тлі дивовижної природи. Її твори зазвичай великомасштабні та друкуються на папері, шкірі, пластиці. У 2006-му році ця сучасна японська художниця брала участь у Art on the Underground у Лондоні. Вона створила 17 послідовних арок для платформи – чарівний краєвид поступово перетворювався з денного на нічний, з міського – на сільський. Це диво розквітло на станції метро Gloucester Road.

Тихару Сіма та нескінченні нитки

Інша художниця – Тихару Сіота – працює над широкомасштабними візуальними настановами для конкретних пам'яток. Вона народилася в Осаці, але зараз живе у Німеччині – у Берліні. Центральні теми її творчості – забуття та пам'ять, мрії та реальність, минуле та сьогодення, а ще – конфронтація тривоги. Найвідоміші роботи Тіхару Сіоти – непроникні мережі чорної нитки, що охоплюють безліч побутових та особистих предметів – таких як старі стільці, весільну сукню, спалене фортепіано. Влітку 2014-го року Сіота поєднала пожертвовані їй туфлі та черевики (яких було понад 300) нитками червоної пряжі та підвісила їх на гачки. Перша виставка Тихару у столиці Німеччини відбулася під час Берлінського мистецького тижня у 2016-му році та викликала сенсацію.

Гей Аракава: скрізь, ніде

Ей Аракава натхненний станами змін, періодами нестабільності, елементами ризику, а його інсталяції нерідко символізують теми дружби та колективної праці. Кредо сучасного японського художника визначається перформативним невизначеним «скрізь, але ніде». Його витвори спливають у несподіваних місцях. У 2013 році роботи Аракави виставлялися на Венеціанському бієнале та в експозиції японського сучасного мистецтва в Музеї мистецтв Морі (Токіо). Інсталяція Hawaiian Presence (2014) була спільним проектом з нью-йоркською художницею Каріссою Родрігес та брала участь у бієналі Whitney. У тому ж 2014-му році Аракава та його брат Тому, які виступають дуетом під назвою United Brothers, пропонували відвідувачам Frieze London свій твір The This Soup Taste Ambivalent з радіоактивними коренеплодами дайкона Фукусіми.

Кокі Танака: взаємозв'язок та повторення

2015-го Кокі Танака було визнано «Художником року». Танака досліджує спільний досвід творчості та уяви, заохочує обмін між учасниками проектів та виступає за нові правила співпраці. Його установка в японському павільйоні на Венеціанському бієнале 2013 року складалася з відео з об'єктами, що перетворюють приміщення на платформу для художнього обміну. Інсталяції Кокі Танака (не плутайте з його повним тезкою-актором) ілюструють взаємозв'язок між об'єктами та діями, наприклад, на відео присутній запис простих жестів, що виконуються зі звичайними предметами (ніж, що нарізує овочі, пиво, що наливається у склянку, відкриття парасольки). Нічого суттєвого не відбувається, але нав'язливе повторення та увага до найдрібніших деталей змушують глядача цінувати мирське.

Маріко Морі та обтічні форми

Ще одна сучасна японська художниця, Маріко Морі, «чаклує» над мультимедійними об'єктами, поєднуючи відео, фотографії, предмети. Їй властиві мінімалістське футуристичне бачення та гладкі сюрреалістичні форми. Темою творчості Морі, що повторюється, є зіставлення західної легенди із західною культурою. У 2010 році Маріко заснувала Фонд Фау, освітню культурну некомерційну організацію, для якої вона виготовила серію своїх художніх інсталяцій на честь шести населених континентів. Нещодавно постійна установка Фонду «Кільце: одна з природою» була поставлена ​​над мальовничим водоспадом у Ресенді недалеко від Ріо-де-Жанейро.

Ріоджі Ікеда: синтез звуків та відео

Ріоджі Ікеда – новий медіахудожник і композитор, робота якого в основному пов'язана зі звуком у різних «сирих» станах, від синусоїдальних звуків до шумів з використанням частот на межі людського слуху. Його захоплюючі інсталяції включають звуки, створені комп'ютером, які візуально перетворюються на відеопроекції або цифрові шаблони. Аудіовізуальні арт-об'єкти Ікеди використовують масштаб, світло, тінь, об'єм, електронні звуки та ритм. Відомий тестовий об'єкт художника складається з п'яти проекторів, які висвітлюють площу 28 метрів завдовжки та 8 метрів завширшки. Установка перетворює дані (текст, звуки, фотографії та фільми) у штрих-код та двійкові патерни нулів та одиниць.

Тацуо Міядзіма та світлодіодні лічильники

Сучасний японський скульптор та художник-монтажник Тацуо Міядзіма використовує у своєму мистецтві електричні схеми, відео, комп'ютери та інші гаджети. Основні концепції Міядзіми надихнуті гуманістичними ідеями та буддистськими вченнями. Світлодіодні лічильники в його установках безперервно блимають у повторенні від 1 до 9, символізуючи подорож від життя до смерті, але уникаючи остаточності, яка представлена ​​0 (нуль ніколи не з'являється в роботах Тацуо). Всюдисущі цифри в сітках, вежах, схемах виявляють інтерес Міядзіми до ідей безперервності, вічності, зв'язку та потоку часу та простору. Нещодавно об'єкт Міядзіми «Стріла часу» був продемонстрований на інавгураційній виставці «Незавершені думки, які видно в Нью-Йорку».

Нара Есімото та злі діти

Нара Йосімото створює картини, скульптури та малюнки, що зображують дітей та собак – суб'єктів, у яких відбито дитяче почуття нудьги та розчарування та запекла незалежність, природна для малюків. Естетика робіт Йосімото нагадує традиційні книжкові ілюстрації, це суміш неспокійної напруженості та любові художника до панк-року. У 2011-му році в Музеї товариства Азії в Нью-Йорку відбулася перша персональна виставка Йосімото під назвою Yoshitomo Nara: Nobody's Fool, що охоплює 20-річну кар'єру сучасного японського художника. Експонати були тісно пов'язані зі світовими молодіжними субкультурами, їх відчуження та протестом.

Яєю Кусама і простір, що розростається дивовижними формами

Вражаюча творча біографія Яєй Кусами триває сім десятиліть. За цей час дивовижна японка встигла вивчити сфери живопису, графіки, колажу, скульптури, кіно, гравюри, екологічного мистецтва, інсталяції, а також літератури, моди та дизайну одягу. Кусама розробила дуже своєрідний стиль точкового мистецтва, що став її торговою маркою. Ілюзорні видіння, представлені в роботах 88-річної Кусами (коли світ здається покритим дивовижними формами, що розростаються), – це результат галюцинацій, які вона відчувала з дитинства. Кімнати з барвистими точками та «нескінченними» дзеркалами, що відбивають їх скупчення, впізнавані, їх не переплутаєш ні з чим іншим.