Kunst der Renaissance. Die Renaissance umfasst den Zeitraum

F. Lippe Madonna

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Seit dem 12. Jahrhundert führen die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter nach und nach reicher, entledigten sich der Macht der Feudalherren und organisierten freie Stadtstaaten. Diese freien italienischen Städte wurden sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte ließ sie aufblühen. Die italienische Bourgeoisie betrachtete die Welt mit anderen Augen, sie glaubte fest an sich selbst, an ihre eigene Stärke. Der Wunsch nach Leiden, Demut, die Ablehnung aller irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, eine aktive Lebenseinstellung einzunehmen, eifrig die Welt zu erkunden und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit entstehen verschiedene Wissenschaften und die Kunst entwickelt sich.

In Italien sind viele Denkmäler der Kunst des antiken Roms erhalten geblieben, so dass die Antike erneut als Vorbild verehrt wurde und antike Kunst zum Gegenstand der Bewunderung wurde. Die Nachahmung der Antike gab Anlass, diese Epoche in der Kunst als Renaissance zu bezeichnen, was auf Französisch „Renaissance“ bedeutet. Natürlich handelte es sich hierbei nicht um eine blinde, exakte Wiederholung antiker Kunst, es handelte sich bereits um neue Kunst, die jedoch auf antiken Vorbildern basierte. Die italienische Renaissance ist in drei Phasen unterteilt: VIII. – XIV. Jahrhundert – Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento – damit); XV. Jahrhundert – Frührenaissance (Quattrocento); Ende des 15. – Anfang des 16. Jahrhunderts – Hochrenaissance.

In ganz Italien wurden archäologische Ausgrabungen auf der Suche nach antiken Denkmälern durchgeführt. Die neu entdeckten Statuen, Münzen, Gebrauchsgegenstände und Waffen wurden sorgfältig konserviert und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler studierten diese antiken Muster und zeichneten sie aus dem Leben.

Flucht nach Ägypten (Giotto)

Trecento (Vorrenaissance)

Mit dem Namen ist der wahre Beginn der Renaissance verbunden Giotto di Bondone(1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissance-Malerei. Der Florentiner Giotto hat große Beiträge zur Kunstgeschichte geleistet. Er war ein Erneuerer, der Urvater der gesamten europäischen Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hauchte den Szenen des Evangeliums Leben ein, schuf Bilder von echten Menschen, vergeistigt, aber irdisch.

Rückkehr Joachims zu den Hirten (Giotto)

Giotto schafft erstmals Volumen mit Hilfe von Hell-Dunkel. Er mag klare, helle Farben in kalten Farbtönen: Rosa, Perlgrau, blasses Lila und helles Flieder. Die Menschen auf den Fresken von Giotto sind stämmig und mit kräftigem Schritt. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Sein Mann ist freundlich, rücksichtsvoll, ernst.

Fresko von Giotto im Tempel von Padua

Von den Werken Giottos sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Er stellte die Evangeliengeschichten hier als existent, irdisch, real dar. In diesen Werken erzählt er von den Problemen, die die Menschen zu jeder Zeit beschäftigen: von Freundlichkeit und gegenseitigem Verständnis, Betrug und Verrat, von Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und ewiger, alles verzehrender Mutterliebe.

Fresko von Giotto

Anstelle disparater Einzelfiguren wie in der mittelalterlichen Malerei gelang es Giotto, eine zusammenhängende Geschichte zu schaffen, eine ganze Erzählung über das komplexe Innenleben der Charaktere. Anstelle des herkömmlichen goldenen Hintergrunds der byzantinischen Mosaike führt Giotto einen Landschaftshintergrund ein. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren sozusagen schwebten, im Raum hingen, dann fanden die Helden von Giottos Fresken festen Boden unter ihren Füßen. Giottos Suche nach Raumübertragung, Plastizität der Figuren, Ausdruckskraft der Bewegung machte seine Kunst zu einer ganzen Etappe der Renaissance.

Fresko von S. Martini

Einer der berühmtesten Meister der Vorrenaissance ist Simone Martini (1284 – 1344).

In seinem Gemälde blieben die Merkmale der Nordgotik erhalten: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf goldenem Grund. Aber Martini schafft Bilder mit Hilfe von Hell-Dunkel, verleiht ihnen eine natürliche Bewegung, versucht einen bestimmten psychologischen Zustand zu vermitteln.

Freskofragment. Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Quattrocento (Frührenaissance)

Die Antike spielte eine große Rolle bei der Entstehung der säkularen Kultur der Frührenaissance. In Florenz wird die Platonische Akademie eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält die reichste Sammlung antiker Manuskripte. Es entstehen die ersten Kunstmuseen, gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen und Keramik.

In der Renaissance stachen die wichtigsten Zentren des künstlerischen Lebens Italiens hervor – Florenz, Rom, Venedig. Eines der größten Zentren und Geburtsort einer neuen, realistischen Kunst war Florenz. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.

Kathedrale Santa Maria del Fiore (Kathedrale von Florenz)

Architektur der Frührenaissance

Die Einwohner von Florenz verfügten über eine hohe künstlerische Kultur, beteiligten sich aktiv an der Schaffung von Stadtdenkmälern und diskutierten Möglichkeiten für den Bau schöner Gebäude. Architekten verzichteten auf alles, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten mit einer Kuppel gekrönte Gebäude als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.

Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, eine Museumsstadt. Die Architektur aus der Antike ist nahezu vollständig erhalten geblieben, die schönsten Gebäude wurden überwiegend in der Renaissance erbaut. Über den roten Ziegeldächern der antiken Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Kathedrale Santa Maria del Fiore, die oft einfach als Kathedrale von Florenz bezeichnet wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Harmonie durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel ist von beeindruckender Größe (ihr Durchmesser beträgt 43 m) und krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und ragt deutlich in den Himmel. Dieses prächtige Bauwerk wurde vom Architekten Filippo Brunelleschi (1377 - 1446) erbaut.

Petersdom (Arch. Brunelleschi und Bramante)

Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Es wurde über 100 Jahre gebaut. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.

Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen und „Putten“ (nackten Babys), Gipskränzen aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details geschmückt, von denen Proben in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Der Rundbogen kam wieder in Mode. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Anstelle eng aneinander gedrängter Häuser entstanden luxuriöse Paläste – Palazzos.

David (sc.Donatello)

Skulptur der Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert schufen sie in Florenz zwei berühmte Bildhauer - Donatello und Verrocchio. Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrungen der antiken Kunst nutzte. Er schuf eines der schönsten Werke der Frührenaissance – die Davidstatue.

Der biblischen Legende zufolge besiegte ein einfacher Hirte, der junge Mann David, den Riesen Goliath und rettete so die Bewohner Judäas vor der Versklavung und wurde später König. David war eines der Lieblingsbilder der Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als bescheidener Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger seiner Heimatstadt. In seiner Skulptur besingt Donatello den Menschen als das Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello scheute sich nicht, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen – ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung eines nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der mutig gegen dieses Verbot verstieß. Er behauptet damit, dass der menschliche Körper schön ist. Die Davidstatue ist die erste runde Skulptur dieser Zeit.

Statue des Kommandanten Gattamelata (sc. Donatello)

Eine weitere schöne Skulptur von Donatello ist ebenfalls bekannt – eine Statue eines Kriegers, des Kommandanten Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren errichtete Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt den Platz der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde in der Skulptur kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mann verewigt, sondern ein edler, tapferer und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der für große Taten Ruhm verdiente. In einer antiken Rüstung sitzt Gattemelata (das ist sein Spitzname, der „gefleckte Katze“ bedeutet) in ruhiger, majestätischer Pose auf einem mächtigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers unterstreichen einen entschlossenen, festen Charakter.

Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni (Verocchio)

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Der berühmteste Schüler Donatellos, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni aufgestellt wurde. Das Hauptaugenmerk des Denkmals liegt auf der gemeinsamen energischen Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd saust sozusagen über den Marmorsockel hinaus, auf dem das Denkmal errichtet ist.

Colleoni, in den Steigbügeln stehend, blickt ausgestreckt mit erhobenem Kopf in die Ferne. Eine Grimasse aus Wut und Anspannung erstarrte auf seinem Gesicht. In seiner Körperhaltung spürt man einen gewaltigen Willen, sein Gesicht gleicht einem Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Kraft, Energie und strenger Autorität.

Fresko von Masaccio

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance erneuerte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen und verschiedene menschliche Gefühle richtig zu vermitteln. Die Zeit der Anhäufung dieser Kenntnisse und Fähigkeiten war die Frührenaissance. Die Gemälde dieser Zeit sind von Licht und Hochstimmung durchdrungen. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben gemalt, während Gebäude und Naturmotive mit scharfen Linien umrissen werden, es dominieren reine Farben. Mit naiver Sorgfalt werden alle Details des Geschehens dargestellt, die Figuren sind meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund abgegrenzt.

Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt aber dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt als Masaccio (1401 - 1428)

Er gilt als Anhänger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber in einem so kurzen Leben hinterließ er Spuren in der Kunst, die kaum zu überschätzen sind. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Malerei zeichnet sich durch eine dunkle und tiefe Farbe aus. Die Menschen in den Fresken von Masaccio sind viel dichter und kraftvoller als in den Gemälden der Gotik.

Fresko von Masaccio

Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive richtig anordnete; er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.

Er verstand es, Figuren und Landschaft in einer einzigen Handlung zu verbinden, das Leben der Natur und der Menschen auf dramatische und zugleich ganz natürliche Weise darzustellen – und darin liegt das große Verdienst des Malers.

Anbetung der Heiligen Drei Könige (Masaccio)

Madonna mit Kind und vier Engeln (Masaccio)

Dies ist eine der wenigen Staffeleiarbeiten von Masaccio, die er 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.

Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach den Gesetzen von Giottos Perspektive gebaut ist. Ihre Figur ist mit souveränen und klaren Strichen gezeichnet, wodurch der Eindruck eines skulpturalen Volumens entsteht. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist nirgendwohin gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind auf ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich deutlich vom dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Spiel mit Hell-Dunkel, was auch einen besonderen visuellen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Weintrauben – ein Symbol der Gemeinschaft. Tadellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie perfekt) rund um die Madonna verleihen dem Bild einen zusätzlichen emotionalen Klang.

Masaccio. Fresko aus der Bibliothek des Doms von Siena, gewidmet der Biographie des Humanisten und Dichters Enea Silvio Piccolomini (1405-1464).

Hier wird die feierliche Abreise von Kardinal Kapranik in das Basler Münster dargestellt, die fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zunächst in Basel, dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini befand sich im Gefolge des Kardinals.

In einem eleganten Rahmen eines Halbkreisbogens wird eine Gruppe Reiter präsentiert, begleitet von Pagen und Dienern. Das Ereignis ist nicht so real und zuverlässig, sondern ritterlich raffiniert, fast fantastisch.

Im Vordergrund blickt ein schöner Reiter auf einem weißen Pferd in luxuriösem Kleid und Hut den Betrachter an – das ist Aeneas Silvio. Mit Freude malt der Künstler reiche Kleidung, schöne Pferde in Samtdecken. Die gestreckten Proportionen der Figuren, die leicht manierierten Bewegungen und die leichten Neigungen des Kopfes kommen dem Hofideal nahe.

Das Leben von Papst Pius II. war voller glanzvoller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland und Kaiser Friedrich III.

Die Heiligen Hieronymus und Johannes der Täufer (Masaccio)

Die einzige von Masaccio bemalte Schärpe für ein doppelseitiges Triptychon. Nach dem frühen Tod des Malers wurde der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks vom Künstler Masolino fertiggestellt.

Dargestellt sind zwei streng, monumental ausgeführte, ganz in Rot gekleidete Heiligenfiguren. Hieronymus hält ein offenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer wird in seiner üblichen Form dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren bestechen durch anatomische Präzision und ein fast skulpturales Volumengefühl.

Porträt eines Jungen (1480) (Pinturicchio)

Das Interesse am Menschen und die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass dies zur Entstehung führte ein neues Genre in der Malerei - das Porträtgenre.

Pinturicchio (Variante von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Ein gebürtiger Einwohner von Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen und half Pietro Perugino, die Sixtinische Kapelle in Rom mit Fresken zu schmücken. Sammelte Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Einige Jahre später wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Apartments im Vatikan. Er fertigte Wandgemälde in der Bibliothek des Doms in Siena an.

Der Künstler vermittelt nicht nur eine Porträtähnlichkeit, sondern versucht auch, den inneren Zustand einer Person zu offenbaren. Vor uns steht ein Teenager, gekleidet in ein strenges rosafarbenes Stadtkleid, mit einer kleinen blauen Mütze auf dem Kopf. Braunes Haar fällt bis zu den Schultern und umrahmt ein zartes Gesicht, der aufmerksame Blick der braunen Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich.

Hinter dem Jungen liegt eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbernen Fluss und einem Himmel, der sich am Horizont rosa färbt. Die frühlingshafte Zärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.

Das Bild des Jungen ist im Vordergrund dargestellt, groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund gemalt und sehr klein.

Dadurch entsteht der Eindruck von der Bedeutung des Menschen, seiner Dominanz über die umgebende Natur und der Behauptung, der Mensch sei die schönste Schöpfung der Erde.

Madonna mit Kind und zwei Engeln (F. Lippi)

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Es gab Legenden über Lippis Leben. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde Wanderkünstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb vergiftet durch die Verwandten einer jungen Frau, in die er sich im fortgeschrittenen Alter verliebte. Er malte Bilder der Madonna mit Kind, erfüllt von lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Haushaltsgegenstände, die Umgebung, sodass seine religiösen Motive weltlichen Gemälden ähnelten.

Verkündigung (1443) (F. Lippi)

Krönung Mariens (1441-1447) (F. Lippi)

Porträt von Giovanna Tornabuoni (1488) (Ghirlandaio)

Er malte nicht nur religiöse Themen, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinem Reichtum und Luxus, Porträts von Adligen.

Vor uns steht die Frau eines wohlhabenden Florentiners, einer Freundin des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und Stille. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, als würde sie ihren bevorstehenden Tod vorhersehen: Bald nach dem Malen des Porträts wird sie sterben. Die Darstellung der Frau erfolgt im Profil, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.

Taufe (1458-1460) (P. della Francesca)

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er führte zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive eines malerischen Raums durch.

Das Bild wurde in Eitempera auf eine Pappelplatte gemalt – offensichtlich beherrschte der Künstler zu diesem Zeitpunkt noch nicht die Geheimnisse der Ölmalerei, in deren Technik seine späteren Werke gemalt werden sollten.

Der Künstler hat die Manifestation des Geheimnisses der Heiligen Dreifaltigkeit zur Zeit der Taufe Christi eingefangen. Die weiße Taube, die ihre Flügel über dem Haupt Christi ausbreitet, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erretter. Die Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und den daneben stehenden Engeln sind in zurückhaltenden Farben bemalt.

Fresko von della Francesca

Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbrachten die Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (in der Luft) malte.

Toter Christus (Mantegna)

Andrea Mantegna (1431 - 1506)

Bedeutender Künstler aus Padua. Er bewunderte die herbe Erhabenheit der Werke antiker Künstler. Seine Bilder erinnern an griechische Skulpturen – streng und schön. In seinen Fresken besang Mantegna die heroische Persönlichkeit. Die Natur in seinen Gemälden ist verlassen und unwirtlich.

Mantegna. Madonna und Kind mit Johannes dem Täufer und Maria Magdalena (1500)

Die Madonna sitzt auf einem scharlachroten Stuhl unter einem Baldachin und hält das nackte Christuskind in ihren Armen. Die Gestalt der Jungfrau Maria hat nichts Königliches, sondern das Bild einer jungen Bäuerin. Der nackte Körper des Säuglings wirkt überraschend lebendig. An den Seiten der Madonna stehen Johannes der Täufer und Maria Magdalena. In den Händen der Magdalena befindet sich ein Gefäß mit Weihrauch zur Salbung, das Kreuz in den Händen des Johannes ist um ein Band mit einem Text über das Lamm gewickelt, das die Sünden der Welt sühnt. Die Figuren sind in der für einen Künstler üblichen Manier gezeichnet und wirken wie aus Stein gemeißelt, jede Falte ist in ihrer Kleidung scharf abgegrenzt. Der Hintergrund ist ein Bild eines Gartens mit dunklem Laub. In seinem Ton kontrastiert dieses Grün mit dem blassgrünen, hellen Himmel. Das Werk ruft ein Gefühl tiefer Traurigkeit und einer gewissen Untergangsstimmung hervor.

Parnass (Mantegna)

Gebet um den Kelch (Mantegna)

Dieses kleine Bild zeigt den Moment, in dem sich Jesus nach dem Letzten Abendmahl mit dem heiligen Petrus und den beiden Söhnen des Zebedäus in den Garten Gethsemane zurückzieht, wo er die ihn begleitenden Apostel zurücklässt, zum Beten aufbricht und sich an Gott den Vater wendet: „ Mein Vater! das.“

Die kniende Christusfigur in betender Haltung ist das kompositorische Zentrum des Bildes. Seine Augen sind zum Himmel gerichtet, wo auf einer Wolke eine Gruppe von Engeln zu sehen ist. Am Fuße des Berges schlafen die Apostel, die Christus begleiten.

Auf der Straße, die zum Garten führt, ist eine Gruppe von Wachen, angeführt von Judas, sichtbar, die die Worte des Evangeliums genau wiedergibt: „Siehe, der Verräter von mir ist herbeigekommen“.

Das Bild enthält viel Symbolik: Ein trockener Baum mit einem Geier deutet auf den Tod hin, und ein Zweig mit einem grünen Spross weist auf eine bevorstehende Auferstehung hin; bescheidene Kaninchen, die auf der Straße sitzen, an der eine Abteilung römischer Soldaten vorbeikommt, um Christus in Gewahrsam zu nehmen, sprechen von der Sanftmut eines Menschen angesichts des bevorstehenden Todes. Drei Baumstümpfe frisch gefällter Bäume erinnern an die bevorstehende Kreuzigung.

Heiliges Gespräch (Bellini)

Giovanni Bellini (1427/1430 - 1516)

Die Bellini-Brüder zeigten sich in der frühen Renaissance glänzend. Besonders berühmt ist Giovanni Bellini, der oft Gianbellino genannt wurde. Er wuchs in der Familie eines bedeutenden venezianischen Malers auf. Zusammen mit seinem Bruder half er seit seiner Jugendzeit seinem Vater bei der Ausführung künstlerischer Aufträge. Er arbeitete an der Dekoration des Dogenpalastes in Venedig.

Seine Malerei zeichnet sich durch sanfte Bildhaftigkeit und satte goldene Farbe aus. Die Madonnen von Gianbellino scheinen sich in der Landschaft aufzulösen, immer organisch mit ihr.

Madonna auf der Wiese (1500-1505) Bellini.

In der Bildmitte ist das Bild einer jungen Maria zu sehen, die auf einer Wiese sitzt und auf deren Knien ein schlafendes nacktes Baby liegt. Ihr nachdenkliches Gesicht ist bezaubernd, ihre in einer Gebetsgeste gefalteten Hände sind wunderschön. Die Figur des göttlichen Babys scheint eine Skulptur zu sein, was auf eine enge Vertrautheit mit der Arbeit Mantegnas hinweist. Die Weichheit des Hell-Dunkels und die Gesamtsättigung der Farben lassen jedoch darauf schließen, dass Bellini den Weg zur Malerei gefunden hat.

Im Hintergrund ist eine wunderschöne Landschaft zu sehen. Das Bild wurde in Mischtechnik gemalt, wodurch der Künstler die Konturen weicher und die Farben satter gestalten konnte.

Porträt des Dogen Leonardo Loredan. Bellini

Dieses Porträt wurde von Bellini als Künstler der Republik Venedig in Auftrag gegeben. Der Doge ist hier nahezu frontal dargestellt – entgegen der damals bestehenden Tradition der Darstellung von Gesichtern im Profil, auch auf Medaillen und Münzen.

Klares Hell-Dunkel zeichnet perfekt die hohen Wangenknochen, die Nase und das störrische Kinn eines intelligenten und willensstarken Gesichts einer älteren Person. Auf einem leuchtend blaugrünen Hintergrund sticht ein Weiß mit Gold- und Silberbrokatmantel als Kontrast hervor. Der Doge trug es am Lichtmessfest – dem Tag, an dem er sich mit dem Meer verlobte und ein Jahr lang die Macht über Venedig übernahm. Ölarbeiten halfen dem Künstler, den Bildraum mit Luft zu füllen und so das Bild des Dogen überraschend lebendig zu machen.

Italienische Kultur im 12. und 13. Jahrhundert. Manchmal - die Bühne der gemeinsamen europäischen Kultur des 11. - 12. Jahrhunderts. In dieser Zeit werden die Grundzüge der Renaissance gelegt.

Frührenaissance

Die Frührenaissance, die durch die Entstehung der Renaissanceliteratur und der damit verbundenen Geisteswissenschaften gekennzeichnet ist, umfasst das 14. und den größten Teil des 15. Jahrhunderts, reicht also chronologisch bis ins Mittelalter zurück.

Hochrenaissance

Die Hochrenaissance ist eine Periode in der Geschichte der italienischen Kunst am Ende des 15. und ersten Drittels des 16. Jahrhunderts, die durch einen beispiellosen Aufstieg der Malerei, Architektur und Literatur gekennzeichnet ist. Die klügsten Vertreter sind Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti und Raphael Santi.

Die Hochrenaissance wurde die hellste und fruchtbarste Zeit, in der das Denken und die schönen Künste der Renaissance ihren höchsten Höhepunkt erreichten. Zu diesem Zeitpunkt ging die Renaissance über Italien hinaus und entwickelte sich zu einem europaweiten Phänomen. Damals spürten die Zeitgenossen dieses kulturellen Umbruchs deutlich den Beginn einer neuen Zeit und der Begriff der „Renaissance“ hielt Einzug in den Alltag gebildeter Menschen.

Spätrenaissance

Die Spätrenaissance (die letzten Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts) fiel zeitlich mit dem Beginn und den ersten Erfolgen der religiösen Reformation in Europa zusammen. Die Kultur der Spätrenaissance ist daher gleichermaßen die Kultur der Reformation, das Ergebnis einer komplexen Wechselwirkung dieser beiden historischen Prozesse. In dieser Zeit trat Europa endgültig in die Moderne ein.

In der Renaissance wurde die Weltanschauung, die jeder kulturellen Entwicklung zugrunde lag Humanismus. Es zeichnet sich durch Bewunderung für einen realen Menschen, Vertrauen in seine schöpferischen Fähigkeiten und die Anerkennung der Bedeutung der irdischen Existenz aus. Humanisten betrachteten sich als Anhänger antiker Denker, die Antike war für sie ein Ideal und Maßstab. In der Kultur der Renaissance erwiesen sich jedoch die im Mittelalter gebildeten Elemente als nicht weniger wichtig als die Elemente der antiken Kultur. Die Kultur der Renaissance wurde zu einer Synthese mittelalterlicher und antiker Kultur und wurde durch den gesamten jahrhundertealten Prozess der europäischen Kulturentwicklung vorbereitet.

Humanistische Ideen haben eine echte Revolution in der Kunst bewirkt. Kunstwerke werden immer realistischer, in ihnen lässt sich nicht nur Bewunderung für die Schönheit des Menschen erkennen Seelen sondern auch die Perfektion des menschlichen Körpers. Künstler und Bildhauer sind bestrebt, die gesamte Bandbreite menschlicher Gefühle und Erfahrungen zu vermitteln, auch solche, die mit irdischen Freuden und Sorgen verbunden sind.

Der große Wendepunkt der Renaissance, der die Wege für die Weiterentwicklung der Weltkultur bestimmte, zeigte sich am deutlichsten in der bildenden Kunst.Material von der Website

Literatur der Renaissance

Er gilt als Begründer der italienischen Renaissance Francesco Petrarca(1804-1374), in dessen Werk die Motive irdischer Menschenliebe erklingen. Humanistische Traditionen in der italienischen Literatur wurden von einem jüngeren Zeitgenossen Petrarcas entwickelt Giovanni Boccaccio(1313-1375), der durch eine Sammlung von Kurzgeschichten namens Decameron weltweite Berühmtheit erlangte.

Renaissance-Malerei

Die wahren Meister der Frührenaissance in der italienischen Malerei können genannt werden Giotto Und Sandro Botticelli, und in der italienischen Bildhauerei - Bernardo, Antonio Rosselino, Donatello Schöpfer der ersten Aktskulptur.

Ein kurzer Leitfaden zu den Ideen der europäischen Renaissance.

Renaissance

Geschichte und Funktionen

Seit zweihundert Jahren erlebt Europa eine erstaunliche Renaissance der Malerei, Bildhauerei und Architektur, mit Italien als Epizentrum. Das Konzept der „Renaissance“ entstand im 19. Jahrhundert dank der Arbeit des Historikers Michelet und des Kunstgeschichteprofessors Jacob Burckhard.

Charakteristisch

Die italienische Renaissance restaurierte die westliche Kunst nach dem Vorbild der klassischen griechischen Kunst, insbesondere in den Bereichen Bildhauerei und Malerei. Ab Beginn des 14. Jahrhunderts ließen sich italienische Meister und Denker auf der Suche nach neuen künstlerischen Werten und einer Antwort auf den gotischen Stil von den Ideen des antiken Griechenlands und Roms inspirieren, die in perfekter Harmonie mit ihnen standen ihr Wunsch, eine universelle und edle Kunstform zu schaffen und die Stimmung der damaligen Zeit auszudrücken.

Humanismus

Zunächst war die damalige Kunst durch das philosophische Konzept des „Humanismus“ bedingt, das auf bestehenden Errungenschaften (zum Beispiel demokratischen) basierte.

In der bildenden Kunst befürwortet der Humanismus:

• Schaffung einer einzigartigen Komposition anstelle von stereotypen und symbolischen Bildern.
• Größerer Realismus und Liebe zum Detail, was sich in der Entwicklung linearer Perspektiventheorien widerspiegelt. Dieser Ansatz erklärt sowohl die Verehrung klassischer Skulpturen als auch den Verfall byzantinischer Werke.
• Der Schwerpunkt liegt auf der Entwicklung und Förderung tugendhaften Handelns. Der führende Kunsttheoretiker seiner Zeit, Alberti (1404-1472), erklärte, dass „Glück nicht ohne gute, gerechte und rechtschaffene Taten erreicht werden kann“.

Ursachen

Es ist immer noch unklar, was diesen Wandel in der Kunst verursacht hat. Obwohl die dunklen Zeiten für Europa zu Ende gingen und die christliche Kirche im 12. und 13. Jahrhundert eine Wiedergeburt erlebte, kam es im 14. Jahrhundert zu ernsthaften Ernteproblemen, einer Pestepidemie und einem Krieg zwischen England und Frankreich. Der Grund für den Durchbruch in der Kreativität waren daher natürlich eine Reihe von Faktoren und historischen Ereignissen.

In Italien sind damals positive Entwicklungstendenzen zu beobachten. Venedig und Genua wurden durch den Handel mit dem Osten reich und Florenz wurde zum Zentrum der Schmuck-, Woll- und Seidenproduktion. Nach und nach kommt es in Nordeuropa zu Wohlstand, wie die Gründung der Hanse zeigt.

Die Erfindung des Buchdrucks hat dazu beigetragen, neue Ideen zu verbreiten, was in gewisser Weise die Ungeduld des langsamen Fortschritts nach tausend Jahren kultureller und intellektueller Hungersnot und die Sehnsucht nach Wiedergeburt widerspiegelt.

Die Schwäche der Kirche

Die prekäre Lage der Kirche gab der Entwicklung zusätzliche Impulse. Dies führt zum Aufstieg humanistischer Ansichten und ermutigt den Klerus, Tempel und Kirchen zu schmücken und mit Architekten und Bildhauern zusammenzuarbeiten. Die als Gegenreformation bezeichnete Reaktion auf diesen Wandel hielt bis zum Ende des 16. Jahrhunderts an.

Entwicklung

Die Renaissance fällt auch mit dem Beginn der großen westlichen Entdeckungen zusammen. Europäer erkunden neue Seewege, erkunden Kontinente und gründen neue Kolonien. Auch in anderen Bereichen rund um Wissenschaft, Natur und Welt gibt es neue Forschungen. Meister der bildenden Künste zeigen ihren eigenen Wunsch nach neuen Methoden und Erkenntnissen. Laut dem italienischen Künstler, Architekten und Historiker Giorgio Vasari (1511-1574) wächst nicht nur der Respekt vor der Kunst und der klassischen Antike, sondern auch der Wunsch, von der Natur zu lernen und sie nachzuahmen.

Epizentrum

Italien war nicht nur die reichste Handelsnation, sondern verfügte auch über eine große Anzahl klassischer Werke und Artefakte. In fast jeder Stadt des Landes wurden Beispiele römischer Architektur und Skulptur sowie antike griechische Werke gefunden. Darüber hinaus führte der Fall von Konstantinopel – der Hauptstadt des Byzantinischen Reiches – dazu, dass viele griechische Gelehrte mit ihren klassischen Ideen und wichtigen Texten nach Italien auswanderten. All diese Faktoren erklären, warum dieses besondere Land zum Zentrum der europäischen Renaissance wurde.

In Nordeuropa ist die Renaissance durch Fortschritte in der Darstellung des Lichts, seiner Streuung und Reflexion gekennzeichnet, die sich in Porträts und Stilllebengemälden widerspiegeln. Dies ist zum Teil darauf zurückzuführen, dass die meisten Künstler der nördlichen Renaissance zu Beginn des 15. Jahrhunderts Ölfarben verwendeten und diese Temperafarben oder Fresken vorzogen, die (aus vielen Gründen, auch aus klimatischen Gründen) in Italien immer noch bevorzugt und beliebt waren.

In der religiösen Kunst jener Zeit dominiert das Bild der Apostel und Mitglieder der Heiligen Familie, die als lebende Menschen dargestellt werden. Ihre Posen und Umgebungen drücken echte menschliche Emotionen aus. Beliebt sind auch Handlungen und Geschichten aus der klassischen Mythologie, die die Ideen des Humanismus veranschaulichen.

Tizian.

Es ist auch erwähnenswert, dass der Status des Berufs von Künstlern und Bildhauern eine neue Ebene erreicht, da die Schaffung von Gemälden und Skulpturen jetzt mentale Vorbereitung und ernsthafte Technik erfordert.

Galerien

Die folgenden italienischen Galerien verfügen über bedeutende Sammlungen von Gemälden oder Skulpturen der Renaissance:

• Uffizien-Galerie.
• Pitti-Palast.
• Museen des Vatikans.
• Galerie Doria-Pamphili.
• Capodimonte-Museum.
• Isabella Stewart Gardner Museum.

Abschluss

Der wichtigste Beitrag der italienischen Renaissance zur Kunstgeschichte kann als Förderung klassischer antiker Ideale beschrieben werden, die zur klassischen Entwicklung westlicher Malerei und Bildhauerei führte. Obwohl zeitgenössische Künstler neue Formen der Kunst erforschen, bleibt die griechische Antike und ihre Interpretation in Form der Renaissance das Hauptmodell für den Westen.

Renaissance aktualisiert: 16. September 2017 von: Gleb

XIV.-XV. Jahrhundert. In den Ländern Europas beginnt eine neue, turbulente Ära – die Renaissance (Renaissance – vom französischen Renaissanse). Der Beginn der Ära ist mit der Befreiung des Menschen aus der feudalen Leibeigenschaft, der Entwicklung von Wissenschaft, Kunst und Handwerk verbunden.

Die Renaissance begann in Italien und setzte ihre Entwicklung in den Ländern Nordeuropas fort: Frankreich, England, Deutschland, den Niederlanden, Spanien und Portugal. Die Spätrenaissance datiert von der Mitte des 16. bis in die 90er Jahre des 16. Jahrhunderts.

Der Einfluss der Kirche auf das Leben der Gesellschaft hat nachgelassen, das Interesse an der Antike mit ihrer Aufmerksamkeit für die Persönlichkeit eines Menschen, seine Freiheit und Entwicklungsmöglichkeiten erwacht wieder. Die Erfindung des Buchdrucks trug zur Verbreitung der Alphabetisierung in der Bevölkerung, zum Wachstum der Bildung und zur Entwicklung der Wissenschaften und Künste, einschließlich der Belletristik, bei. Das Bürgertum gab sich nicht mit der im Mittelalter vorherrschenden religiösen Weltanschauung zufrieden, sondern schuf eine neue, säkulare Wissenschaft, die auf dem Studium der Natur und des Erbes antiker Schriftsteller basierte. Damit begann die „Wiederbelebung“ der antiken (altgriechischen und römischen) Wissenschaft und Philosophie. Wissenschaftler begannen, in Bibliotheken aufbewahrte antike Literaturdenkmäler zu suchen und zu studieren.

Es gab Schriftsteller und Künstler, die es wagten, sich der Kirche zu widersetzen. Sie waren davon überzeugt, dass der größte Wert auf der Erde der Mensch ist und dass sich alle seine Interessen auf das irdische Leben konzentrieren sollten, darauf, wie man es vollständig, glücklich und sinnvoll leben kann. Solche Menschen, die ihre Kunst dem Menschen widmeten, wurden Humanisten genannt.

Die Literatur der Renaissance ist von humanistischen Idealen geprägt. Diese Ära ist mit der Entstehung neuer Genres und mit der Entstehung des frühen Realismus verbunden, der im Gegensatz zu den späteren Stadien der Aufklärung, des Kritischen und des Sozialismus als „Renaissance-Realismus“ (oder Renaissance) bezeichnet wird. Die Werke der Renaissance geben uns eine Antwort auf die Frage nach der Komplexität und Bedeutung der Behauptung der menschlichen Persönlichkeit, ihres schöpferischen und Wirkprinzips.

Die Literatur der Renaissance zeichnet sich durch verschiedene Genres aus. Aber bestimmte literarische Formen setzten sich durch. Giovanni Boccaccio wird zum Gesetzgeber eines neuen Genres – der Kurzgeschichte, die Renaissance-Kurzgeschichte genannt wird. Dieses Genre entstand aus einem für die Renaissance charakteristischen Gefühl der Überraschung angesichts der Unerschöpflichkeit der Welt und der Unvorhersehbarkeit des Menschen und seiner Handlungen.

In der Poesie wird es zur charakteristischsten Form eines Sonetts (eine Strophe mit 14 Zeilen und einem bestimmten Reim). Die Dramaturgie entwickelt sich stark. Die bedeutendsten Dramatiker der Renaissance sind Lope de Vega in Spanien und Shakespeare in England.

Journalismus und philosophische Prosa sind weit verbreitet. In Italien prangert Giordano Bruno in seinen Werken die Kirche an und kreiert eigene neue philosophische Konzepte. In England bringt Thomas More in seinem Buch Utopia die Ideen des utopischen Kommunismus zum Ausdruck. Weithin bekannt sind Autoren wie Michel de Montaigne („Experimente“) und Erasmus von Rotterdam („Lob der Dummheit“).

Zu den damaligen Schriftstellern zählen auch gekrönte Persönlichkeiten. Die Gedichte stammen von Herzog Lorenzo de Medici, und Marguerite von Navarra, Schwester von König Franz I. von Frankreich, ist als Autorin der Heptameron-Sammlung bekannt.

In den schönen Künsten der Renaissance erschien der Mensch als die schönste Schöpfung der Natur, stark und vollkommen, wütend und sanft, nachdenklich und fröhlich.

Die Welt des Renaissance-Menschen wird am deutlichsten in der Sixtinischen Kapelle des Vatikans dargestellt, die von Michelangelo gemalt wurde. Biblische Geschichten bilden das Gewölbe der Kapelle. Ihr Hauptmotiv ist die Erschaffung der Welt und des Menschen. Diese Fresken sind voller Erhabenheit und Zärtlichkeit. An der Altarwand befindet sich das Fresko „Jüngstes Gericht“, das zwischen 1537 und 1541 entstand. Hier sieht Michelangelo im Menschen nicht die „Krone der Schöpfung“, sondern Christus wird als wütend und strafend dargestellt. Die Decke und die Altarwand der Sixtinischen Kapelle stellen ein Aufeinanderprallen von Möglichkeit und Realität dar, die Erhabenheit der Idee und die Tragik der Umsetzung. „Das Jüngste Gericht“ gilt als ein Werk, das die Renaissance in der Kunst vollendete.

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„Es gibt kein Geschäft, das schwieriger zu organisieren, gefährlicher in der Durchführung und zweifelhafter an seinem Erfolg wäre, als die alte Ordnung durch eine neue zu ersetzen.“

Niccolo Machiavelli

Die Ära der Renaissance ging als eine Zeit vieler großer Errungenschaften, Entdeckungen und der klügsten Talente in die Geschichte ein, die Meisterwerke in verschiedenen Bereichen der Kunst, Literatur und Wissenschaft schufen.

Es ist unmöglich, eine erschöpfende Beschreibung dieser Zeit zu geben, sie ist zu vielfältig, deckt weite Gebiete ab und verbirgt Widersprüche, über die Historiker immer noch streiten.

Selbst bei der Bestimmung der klaren Zeitgrenzen dieser Ära besteht unter den Forschern keine Einigkeit. Was können wir über eine universelle Antwort auf die Frage „Was ist die Renaissance?“ sagen.

In diesem Artikel werden wir versuchen, auf die wichtigsten charakteristischen Merkmale der Renaissance einzugehen, den zeitlichen Rahmen dieser Zeit grob zu skizzieren und uns an die bedeutendsten Vertreter der Renaissance zu erinnern, ohne die die europäische Kultur nicht vorstellbar ist.

Renaissance ist auf Französisch Wiedergeburt

Der Begriff Renaissance ist französischen Ursprungs (Renaissance) und bedeutet wörtlich „wiedergeboren“, „Wiederbelebung“.

Als Name einer ganzen Epoche gelangte das Wort mit der leichten Hand des französischen Historikers Jules Michelet in Gebrauch, der Mitte des 19. Jahrhunderts das Buch Geschichte Frankreichs im 16. Jahrhundert: Renaissance veröffentlichte.

*Jules Michelet

Und obwohl die neue Ära des kulturellen Aufschwungs nicht in Frankreich begann, war es dieses Wort, das ohne Übersetzung in viele Sprachen gelangte, als Bezeichnung für einen Zeitraum in der europäischen Geschichte etwa vom 14. bis 16. Jahrhundert.

In russischen Begriffen Renaissance und Wiederbelebung gleich und austauschbar.

Menschen, die in der Renaissance lebten und wirkten, empfanden ihre Zeit selbst als einen Wendepunkt, als eine Wiedergeburt nach der Dunkelheit des Mittelalters.

Es ist nicht verwunderlich, dass dies lange vor Jules Michelet der Fall war in der Mitte des 16. Jahrhunderts Auch der italienische Künstler Giorgio Vasari verwendete den Begriff Renaissance auf Italienisch (rinascita) in einem Buch über die großen Künstler seiner Zeit und bezog sich damit auf einen Durchbruch in der Kunst. Heute wird in Italien der Begriff Rinascimento verwendet.

Wann war die Renaissance?

Bei der Bestimmung der Daten für den Beginn und das Ende der Renaissance besteht unter Historikern keine Einigkeit. Das Problem wird durch die Tatsache verschärft, dass in verschiedenen Ländern Europas die Renaissance begann zu anderen Zeiten, verlief anders und endete nicht synchron mit dem Ende-Befehl.

Aber eines ist unbestreitbar – vor allem hat sich in Italien eine besondere Kultur der Renaissance herausgebildet, denn. Bis zum 14. Jahrhundert hatte dieses Land im Vergleich zu anderen mittelalterlichen Regionen Europas ein hohes Maß an wirtschaftlicher und politischer Entwicklung erreicht.

Übrigens gibt es im Mittelalter mindestens drei Perioden kultureller Blüte im 9.-12. Jahrhundert, die gemeinhin auch als Renaissance bezeichnet werden. Sie alle waren auf die eine oder andere Weise mit einem Appell an das antike Erbe verbunden, stellten jedoch keine ernsthafte Wende in der Geschichte dar.

Viele Forscher betrachten den Beginn der Renaissance im Jahr 1341, als der Dichter Francesco Petrarca Für seine Leistungen auf dem Gebiet der Literatur wurde er in Rom auf dem Kapitol mit einem Lorbeerkranz gekrönt.

Petrarca befürwortete Wiederbelebung der antiken Kultur, predigte eine Rückkehr zum reinen Latein, die Entwicklung des kulturellen Erbes der Antike.

*Denkmal für Petrarca in Florenz

Und wenn Petrarca die erste Kulturfigur der Renaissance war, dann Florenz Nennen Sie es das erste Zentrum und die Kulturhauptstadt, die bis zum 16. Jahrhundert eine führende Stellung innehatte.

Hier trafen im 14. Jahrhundert die Voraussetzungen für einen kulturellen Durchbruch zusammen:

1. hoher wirtschaftlicher Entwicklungsstand;
2. Mangel an klaren Grenzen zwischen den Klassen;
3. der Kult der Gleichheit der Bürger vor dem Gesetz;
4. ein entwickeltes Bildungssystem, das verschiedene Bevölkerungsgruppen abdeckt;
5. direkte Verbindung mit der römischen Zivilisation, deren kulturelles Erbe Teil der nationalen Vergangenheit war (Florenz wurde 59 v. Chr. von Julius Cäsar selbst gegründet).

Diese Voraussetzungen sind nicht nur für Florenz, sondern für ganz Italien typisch.

mit Datum das Ende der großen Renaissance noch weniger Gewissheit.

Unter anderem nennen sie:

1. 1492, als Amerika entdeckt wurde;
2. 1517 wann;
3. 1600, als der skandalöse Philosoph Giordano Bruno in Rom auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde;
4. Bereits 1648, als der Dreißigjährige Krieg mit der Unterzeichnung des Westfälischen Friedens endete und eine qualitativ neue Ära in der Geschichte der europäischen Staaten begann.

Italienische und nordische Renaissance

In Italien begann die geistige Gärung ein Jahrhundert früher als in den Regionen jenseits der Alpen. Wenn in den freien italienischen Städten die Vorboten der Renaissance sind Dante und Giotto Bereits Ende des 13. Jahrhunderts tauchten erste Anzeichen der nordischen Renaissance auf, die Gebrüder van Eyck wirkten zu Beginn des 15. Jahrhunderts in den Niederlanden.

* Künstlerbrüder van Eyck – die Begründer der nördlichen Renaissance

Renaissance und vereint wie die Zeit großer Schöpfer Italien und Nordeuropa, aber die Unterschiede zwischen ihnen sind erheblich.

Italienische Renaissance	Nördliche Renaissance
Verbreitung seit der Mitte des XIV. Jahrhunderts	Begonnen im 15. Jahrhundert am Ende der italienischen Renaissance
Italien: Florenz, Mailand, Venedig, Neapel, Padua, Ferrara usw.	Deutschland, Niederlande, Frankreich, Spanien, England
Appell an die Ideale der Antike	Appell an die Ideale des frühen Christentums
Entwicklung säkularer Weltanschauungsvorstellungen	Entwicklung von Ideen religiöser Erneuerung
Einfluss der antiken Kunst	Einfluss der gotischen Kunst
Konzentrieren Sie sich auf den Menschen als heroische Persönlichkeit, auf die göttliche Natur des Menschen	Konzentrieren Sie sich auf die christliche Nächstenliebe, auf das göttliche Wesen der Natur
Der Wunsch nach Befreiung von kirchlichen Dogmen	Streben nach der Vollkommenheit der Kirche und ihrer Lehren

*Jan van Eyck. Madonna von Kanzler Rolin. 1435 Nordische Renaissance.

*Bartolomeo Vivarini. Madonna mit Kind. 1490 italienische Renaissance.

Etappen der italienischen Renaissance

Die italienische Renaissance wird üblicherweise in vier Perioden unterteilt:

Wichtigste Errungenschaften der Renaissance

Abschluss

Abschließend möchte ich die Originalmetapher des russischen Philosophen Alexei Fedorovich Losev zitieren, die er in dem Buch „Ästhetik der Renaissance“ zitiert hat. Losev besteht darauf, dass das Mittelalter das Erbe der Antike keineswegs vergessen habe, ihm aber auch nicht erlaubt habe, lautstark seine Stimme zu erheben.

„Das Mittelalter ließ die Antike unbegraben und erweckte ihre Leichen von Zeit zu Zeit durch Galvanisierung und Beschwörungen wieder zum Leben. Renaissance stand weinend an ihrem Grab und versuchte, ihre Seele wiederzubeleben. In einem verhängnisvollen Moment gelang es.

Zur richtigen Zeit und am richtigen Ort gab es einen Wendepunkt in der Entwicklung der Kultur, die im harten Mittelalter entstand, Oden an die schöne Antike sang, aber gleichzeitig ihren eigenen Weg ging.

Viel Erfolg! Bis bald auf der Website der Blog-Seiten

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