Die geheimnisvollsten Bilder der Welt. Mystische Gemälde „Unbekannt“

2005) ging es um Werke, in denen es neben der Haupthandlung noch eine weitere gibt – versteckt. Es manifestiert sich, wenn man sich dem Bild nähert, sich von ihm entfernt oder aus einem bestimmten Winkel betrachtet. Jetzt erfahren Sie etwas über die wahrhaftigsten Gemälde, die dennoch „Tricks“ genannt werden, über gespenstische Silhouetten, „Doppelbetrachter“, „Dreifachbetrachter“ und auch über eine seltene Art von Ikonen.

G. Teplov. Stillleben ist ein Trick. 1737. Staatliche Eremitage, St. Petersburg.

P. Drozhdin. „Porträt des Künstlers A. P. Antropov mit seinem Sohn vor einem Porträt seiner Frau.“ 1776. Russisches Museum, St. Petersburg.

R. Magritte. „Das Schicksal des Menschen“. 1933 Nationalgalerie für Kunst, Washington.

Unbekannter Künstler. „Lilien von Frankreich“ (sechs Silhouetten der Familie Bourbon). 1815.

O. Kanyu. „Korporalveilchen (Silhouetten von Bonaparte, seiner Frau und seinem Sohn)“. 1815. Der Titel des Bildes erinnert daran, dass Napoleon seinen Militärdienst im Rang eines Korporals begann.

S. Del Prete. „Das Geheimnis zwischen Herbstlaub“ 1991 Galerie in Bern, Schweiz.

V. Bregeda. "Prophezeiung". 1994

N. Zamyatina. „Träume von Griechenland“. 2004

Worte – „doppeläugig“: Haie – Gauner, Murmeln – nicht summen, Frieden – Moskauer Staatsuniversität, langlebig – genau. Die Autoren sind Olga und Sergey Fedin.

Postkarte. „Meine Frau und meine Schwiegermutter.“ Anfang des 20. Jahrhunderts. Russland.

I. Botvinik. „Mein Mann und mein Schwiegervater.“ Erste Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. USA.

G. Fisher. „Mama, Papa und Tochter.“ 1968 USA.

S. Orlow. „Rose für zwei“. 2004 Moskau.

S. Dali. „Verschwindende Büste von Voltaire“. 1940 Dali Museum, St. Petersburg, USA.

Zwei Gemälde von Salvador Dali: links - „Der Kopf einer Frau in Form einer Schlacht.“ 1936; rechts - „Spanien“. 1938

V. Koval. „Kovalland (Selbstporträt des Künstlers)“. 1994

Die Dreifaltigkeitsikone „Der Deesis-Orden“. 19. Jahrhundert. Russland.

Wissenschaft und Leben // Illustrationen

Ikone mit Gesichtern von Jesus und Maria Magdalena. Erste Hälfte des 17. Jahrhunderts. Melheim, Deutschland.

Porträt von Alexander III. mit seiner Frau und seinem Sohn. Ende des 19. Jahrhunderts. Kirchenmuseum in der Kirche St. Mitrofan von Woronesch, Moskau.

Gabriel von Max. „Taschentuch der Heiligen Veronika“. 1870er Jahre. Deutschland.

„Retter nicht von Hand gemacht“ . Foto aus den 1970er Jahren nach einem Gemälde eines unbekannten Künstlers, Russland.

Wahre Täuschung

Zwei Künstler – Zeuxis und Parrhasius – stritten sich: Welcher von ihnen ist besser? Zeuxis zog eine Weintraube und stellte das Bild neben das offene Fenster. Vorbeifliegende Vögel sahen die Weintrauben, setzten sich und versuchten, an den bemalten Beeren zu picken. Jetzt war Parrhasius an der Reihe. „Na, wo ist dein Job?“ - "Da, hinter dem Vorhang." Zeuxis ging zum Vorhang und versuchte, ihn zurückzuziehen. Und sie wurde bemalt. Die Legende entstand im antiken Griechenland, etwa 500 Jahre vor unserer Zeitrechnung.

Es ist wahrer, als es auf den ersten Blick scheinen mag. Tatsache ist, dass viele Vögel kein stereoskopisches Sehen haben, da sich ihre Augen auf beiden Seiten des Kopfes befinden. Was das eine Auge sieht, sieht das andere nicht. Aufgrund des Fehlens eines gemeinsamen Sichtfeldes kann das Gehirn kein dreidimensionales Bild erzeugen. Und erfahrene Jäger wissen, dass ein primitives, unbemaltes Modell einer Ente einen fliegenden Erpel nicht stärker anlockt als ein lebender Lockvogel.

Für uns ist an der griechischen Legende wichtig, dass das Bild nicht die Vögel, sondern das Auge des Meistermalers täuschte. Der russische Künstler Fjodor Tolstoi aus dem 19. Jahrhundert hat Gemälde, die die Handlung einer antiken griechischen Legende widerspiegeln. Auf einem von ihnen - ein Stillleben, „bedeckt“ mit einem Blatt Transparentpapier. Eine seiner Ecken ist verbogen. Und dieser Teil des Stilllebens wirkt so authentisch, dass man unwillkürlich den Wunsch verspürt, das Transparentpapier tiefer zu bewegen, um das Bild vollständig zu sehen. Gemälde dieser Art werden als „Täuschungen“ bezeichnet, obwohl es sich um die vielleicht wahrhaftigste aller Malereigattungen handelt.

Das Erscheinen dieser Art von Gemälden wurde erst nach der Erfindung der Perspektive, des Helldunkels und ... der Ölfarben möglich. Rezepte für ihre Zubereitung finden sich in den Büchern des 13. Jahrhunderts. Doch erst zu Beginn des 15. Jahrhunderts verbesserte der niederländische Künstler Jan van Eyck (1390-1441) die Technik der Farbaufbereitung so sehr, dass er oft als Erfinder der Ölmaltechnik bezeichnet wird. Er war der Erste, der es auf eine neue Art anwendete, indem er dünne transparente Farbschichten übereinander auftrug und so eine außergewöhnliche Farbtiefe und -fülle sowie subtile Licht-, Schatten- und Farbübergänge erzielte. Nach Jan van Eyck gelang es den Künstlern, ein solches Bild zu schaffen, das leicht mit dem Original verwechselt werden konnte.

Der Begründer des Snag-Genres in Russland ist Grigory Teplov, Künstler, Dichter, Musiker, Philosoph, Staatsmann des 18. Jahrhunderts. Eines seiner Werke finden Sie auf der vorherigen Seite. Schade, dass Reproduktionen von Täuschkörpern in Zeitschriften und Büchern nicht in der Lage sind, das Gefühl zu vermitteln, das beim Betrachten des Originals entsteht. Das ist übrigens der Grund, warum Tricks in Kunstbüchern selten vorkommen. Dies liegt vor allem an der unterschiedlichen Größe des Gemäldes und seiner gedruckten Reproduktion sowie daran, dass der gewünschte Effekt meist abhängig von der Entfernung zwischen Bild und Betrachter eintritt.

Es gibt noch eine andere Art von Täuschung. Im Russischen Museum in St. Petersburg befindet sich beispielsweise ein Gemälde von Pjotr ​​​​Drozhdin, einem Künstler des 18. Jahrhunderts. Darauf stellte der Autor die Familie seines Lehrers, des Künstlers Antropov, dar. Beim genauen Hinsehen fällt auf, dass Vater und Sohn nicht neben ihrer Frau und Mutter stehen, sondern mit ihrem Porträt. Der Rand der Staffelei, der zunächst wie eine Lichtöffnung in der Wand wirkte, trennt die Stehenden vom Bild.

Auch der belgische Künstler des 20. Jahrhunderts, Rene Magritte, nutzte die „Staffelei“-Technik. Ihre Ränder sind nahezu unsichtbar und die Zeichnungen fügen sich unmerklich in die Haupthandlung des Bildes ein und verschmelzen mit ihr. Auf der einen Landschaft setzt sich der Wald, der vor dem Fenster beginnt, auf der bemalten Staffelei fort, auf der anderen Seite fließt das Meer von der Staffelei in das „echte“ Meer.

Magritte ist ein Meister paradoxer Gemälde. Auf einer Leinwand verband er Objekte und Phänomene, die im Leben unvereinbar sind; Zum Beispiel der Tageshimmel und ein Haus, das in nächtliche Dunkelheit getaucht ist, oder eine Person, die vor sich in einen Spiegel schaut, sieht darin nur ihren Hinterkopf. Auch in den Titeln seiner Gemälde verwendete er das Prinzip des Paradoxons. Als es ihm nach eigenen Angaben des Künstlers an Vorstellungskraft mangelte, versammelte er Freunde und bat um Hilfe bei der Namensfindung. Eine Landschaft mit einer Staffelei wird beispielsweise „Das Schicksal des Menschen“ genannt.

GEISTER-SILHOUETTEN

Es gibt eine spezielle Technik zum Erstellen eines versteckten Bildes: Wenn Künstler die Konturen der gezeichneten Objekte verwenden. Zum ersten Mal tauchten Gemälde mit „verborgenen Silhouetten“ offenbar im mittelalterlichen Frankreich auf. Ihre Haupthelden waren natürlich die Könige. Dass die Lilie ein Symbol der Bourbonen-Dynastie ist, ist uns bereits bekannt, zumindest aus den Kostümen der Hauptfiguren aus den Filmen nach dem Roman „Die drei Musketiere“ von Alexandre Dumas. Vor zweihundert Jahren verwandelten Künstler beim Zeichnen königlicher Liliensträuße die Kurven der Stängel, die Konturen der Blätter und Blütenblätter in menschliche Gesichter. Wenn Sie das Geheimnis erraten, verwandelt sich der Blumenstrauß in ein Porträt der königlichen Familie. Nach dem Sturz der Bourbonen-Dynastie begannen Künstler, Kaiser Napoleon mit seiner Frau und seinem Sohn zu malen. Aber Josephine liebte Veilchen, also ersetzten sie Lilien.

Natürlich haben Künstler im Laufe der letzten Jahrhunderte die Thematik solcher Werke erweitert. Ein Beispiel ist ein Gemälde, auf dem man zunächst ein paar trockene Blätter durch die Luft fliegen sieht. Und auf der Leinwand befindet sich ein Blatt Papier mit der Aufschrift auf Französisch: „Ein Traum, der von Wind und Zeit fortgetragen wird.“ Normalerweise schreiben Künstler ihren Namen nicht auf die Vorderseite des Bildes. Hier, in der unteren linken Ecke der Leinwand, steht auf Deutsch: „Das Geheimnis zwischen den Herbstblättern.“ Dies ist nicht nur der Name des Gemäldes, sondern auch der Schlüssel, der die Absicht des Künstlers verrät – Sandro Del Prete. Sein Name ist heute auf der ganzen Welt bekannt. Und er begann als Amateur (ich berichte dies speziell für die Teilnehmer des Wettbewerbs für mysteriöse Gemälde). In seiner Jugend studierte Del Prete nur sechs Monate Zeichnen, bis er sich im Alter von 44 Jahren nicht mehr als professioneller Künstler betrachtete und in einer Versicherungsgesellschaft in seiner Schweizer Heimatstadt Bern arbeitete, wo er noch heute lebt.

Auf einem Gemälde des in Taganrog lebenden Künstlers Viktor Bregeda, der sich ebenfalls von dieser Technik angezogen fühlte, knien betende Figuren vor dem Hintergrund einer Wüstenberglandschaft. Dies ist nur ein Teil der Handlung, den man sofort sieht, aber der Titel – „Prophezeiung“ – deutet darauf hin, dass der Hauptinhalt nicht so offensichtlich ist und noch nicht enthüllt wurde. Das im ersten Moment unsichtbare Bild zeigt diejenigen, vor denen sich die Pilger verneigten: Gottvater, Gottsohn und den geflügelten Reiter – einen vom Himmel herabgestiegenen Engel.

Das Gemälde „Träume von Griechenland“ der Moskauerin Natalya Zamyatina sieht aus wie ein gewöhnliches Stillleben mit einer Porzellanvase und Früchten. Der Titel scheint nicht sehr gut zum Bild zu passen. Aber schauen Sie sich die Vorhänge genauer an. Was verbergen (oder offenbaren) die Falten des Stoffes und die Konturen der Vase?

DOPPELTE AUGEN

Der Begriff, der dem Abschnitt des Artikels seinen Namen gab, wurde vom Autor und Autor vieler Veröffentlichungen in der Zeitschrift „Science and Life“ Sergei Fedin erfunden. Er nannte doppeläugige Texte, die auf zwei Arten gelesen werden können. Nehmen wir als Beispiel das Wort „Haie“. Die ersten beiden Buchstaben „ak“ können als ein Buchstabe „zh“ geschrieben werden. Und „s“ lässt sich leicht ähnlich wie „e“ darstellen. Lassen wir die Buchstaben in der Mitte unverändert und erhalten Sie ein Wort, das auf zwei Arten leicht zu lesen ist: „Haie“ und „Schurken“. Hier finden Sie einige Beispiele für solche Inschriften.

Das Wort „double-eyed“ entspricht dem englischen „ambigram“ – dual. Wir sprechen hier von verbalen Doppelbildern, weil sich an deren Beispiel die Wahrnehmung von Doppelbildern in der Malerei besser verstehen lässt.

Wonach suchen wir, wenn wir unseren Blick entlang der Linien des Doppeltsehens bewegen? Ein bekannter Brief. Das Gleiche passiert auf Bildern. Das Gehirn sucht nach vertrauten Bildern, die sich bereits im Gedächtnis befinden, was sich von der Speicherung fotografischer Bilder deutlich unterscheidet. Das Gedächtnis ist eine Art „Kodierer“, der die Eigenschaften des Bildes erfasst, wie zum Beispiel das Vorhandensein gerader und gekrümmter Linienabschnitte, die Grenzen sich ändernder Helligkeit, Farbe und dergleichen.

Wenn wir die beiden Augen genauer betrachten, finden wir die Buchstaben, die uns zunächst nicht aufgefallen sind, und fügen daraus das zweite Wort hinzu. Das Gleiche passiert mit dem versteckten Bild.

Bisher ist noch niemand auf das Wort „drei Augen“ gekommen, also auf das Bild von drei Wörtern unterschiedlicher Bedeutung in einem Eintrag. Wenn Sie Erfolg haben, reichen Sie Ihre Arbeit unbedingt beim Mystery Painting-Wettbewerb ein. Aber die malerischen Drillinge sind bereits entstanden, und wir werden jetzt über sie sprechen.

ZWEIGESICHTIGE UND DREIGESICHTERIGE GEMÄLDE

In der vorherigen Ausgabe des Magazins trafen Sie im Artikel „Unsichtbar-Sichtbar“ auf das Bild eines Frauenkopfes, der je nach Position des Bildes entweder jung oder alt aussieht. Machen wir uns nun mit einem Porträt vertraut, das nicht umgedreht werden muss. Auf die Frage: „Ist es eine junge oder eine alte Frau?“ Verschiedene Menschen geben unterschiedliche Antworten. Manche sagen – ein Mädchen, andere – eine alte Frau. Das Bild ist längst ein Klassiker geworden. Aber wer sie zum ersten Mal sieht, muss jedes Mal erklären, wie man das zweite Bild sieht: „Das Auge der Dame ist das Ohr des Mädchens, und die Nase ist das Oval eines jungen Gesichts.“ Laut Physiologen schenkt der Betrachter beim Betrachten des Porträts den Augen und der Nase die größte Aufmerksamkeit. Daher hängt der erste Eindruck meist davon ab, auf welchen Teil des Bildes Ihr Blick im ersten Moment fiel. Nach ein wenig Training können Sie lernen, sich selbst zu ordnen, wen Sie sehen möchten.

Gemessen an der Zahl der Veröffentlichungen in Büchern und Zeitschriften liegt die Handlung mit einer jungen und alten Frau allen anderen Scheinbildern weit voraus. Als Autor wird manchmal der amerikanische Karikaturist W. Hill bezeichnet, der das Werk 1915 in der Zeitschrift „Pak“ veröffentlichte (übersetzt ins Russische „Puck“ – ein Elf, ein Märchengeist). Manchmal wird das Bild dem Psychiater E. Boring zugeschrieben, der das Porträt in den 1930er Jahren als Illustration für seine Arbeit verwendete. In der wissenschaftlichen Gemeinschaft wird „Two Ladies“ immer noch als „langweilige Figur“ bezeichnet. Tatsächlich wurde bereits zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Russland eine Postkarte mit demselben Bild und der Aufschrift „Meine Frau und meine Schwiegermutter“ in Umlauf gebracht. Als Vorbild diente die deutsche Postkarte von 1880 (der Autor ist unbekannt).

Das Bild mit zwei Damen wird regelmäßig in Büchern über Psychologie wiedergegeben. Es ist jedoch noch weitgehend unbekannt, wie der menschliche Geist dualistische Bilder wahrnimmt. Künstler entwickeln einfach eine bereits bekannte Technik weiter. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erschien ein ähnliches Porträt eines älteren und eines jungen Mannes. Dann, im Jahr 1968, gestaltete der Künstler G. Fischer für beide Damen eine neue Frisur und bekam eine dritte Figur. Tatsächlich fügte er nur ein Element hinzu und das Bild wurde als „Mama, Papa und Tochter“ bekannt. Die Haare der Frau verwandelten sich in das Profil eines Mannes, wodurch auf dem Porträt drei Personen zu sehen waren.

In einem modernen Gemälde des Moskauer Künstlers Sergej Orlow (siehe S. 132) gibt es nicht nur zwei unterschiedliche Gesichter, sondern auch zwei weibliche Figuren, die sowohl dem Mädchen als auch der alten Frau gehören. Die alte Dame betrachtet die Blume, die sie in der Hand hält. Die Junge sitzt mit dem Rücken zu uns, glättet ihr Haar und dreht ihren Kopf nach links.

Die Werke von Sergei Orlov, Victor Bregeda und anderen auf diese Weise arbeitenden Künstlern sind im Internet zu sehen. Es gibt ein spezielles Projekt „Dualities“ http://hiero.ru/project/Dubl der Website „Hieroglyph“, wo die Autoren ihre Werke zur Diskussion ausstellen.

Kein einziges Buch über illusorische Gemälde ist vollständig ohne eine Geschichte über das Werk des Spaniers Salvador Dali. 300 Jahre nach Arcimboldo belebte er die Richtung der Illusionsmalerei wieder.

Auf dem ersten Bild sieht der Betrachter zwei reich gekleidete Frauen. Der Mann mit dem Turban führt sie in die Galerie. Der Künstler verwandelt diese Szene in eine zweite Handlung. Aus dem Bogen der Galerie formt sich die Kontur eines menschlichen Kopfes – ein Abbild eines skulpturalen Porträts des französischen Philosophen Voltaire von Houdon.

Die Handlung mit Voltaire findet sich in den Werken Dalis immer wieder. Zweimal verwendete er auch die Handlung des Gemäldes „Der Kopf einer Frau in Form einer Schlacht“ (oben links), wo sich die Figuren galoppierender Reiter und über ein gelbes Feld eilender Menschen zu einem Frauengesicht zusammenfügen. Doch dann kam „Der Kopf einer Frau in Form einer Schlacht“ als Ausschnitt aus einer anderen Leinwand: „Spanien“. Diese Tatsache zeigt, wie schwierig es ist, für ein zweiseitiges Bild eine neue, originelle Lösung zu finden.

Wenn ich Organisator einer Ausstellung der besten dualistischen Gemälde würde, würde ich neben den Werken von Dali Gemälde des zeitgenössischen Wolgograder Künstlers Vladislav Koval platzieren. Und sicherlich - die „Stalingrader Madonna“, in der aus Birkenzweigen das Bild einer Frau mit einem Baby im Arm gewebt ist. In dem Gemälde „Decommissioning to Shore“ verwandeln sich die am Horizont sichtbaren fernen Küstenklippen in eine einsame, hängende Gestalt eines Seemanns. Auf dem Gemälde „Ikarus“ ist ihr Held entweder fliegend oder fallend zu sehen. Auf der nächsten Leinwand verwandelt sich ein in einen Regenmantel gehüllter Soldat frierend in eine Madonna mit Kind. In der Arbeit „Pyramide“ vereinte V. Koval zum ersten Mal in der Kunstgeschichte mehrere Doppelbilder zu einem Gesamtkunstwerk. Und er hat fast alle Maltechniken verwendet, über die ich gesprochen habe. Hier und die Konstruktion neuer Bilder aus den Details der Landschaft und Gemälde, deren Inhalt vom Blickwinkel oder der Entfernung abhängt. Heute ist Koval einer der berühmtesten russischen Künstler. Sein Ruhm hat einen merkwürdigen Anfang. Während seines Studiums in Moskau schickte er Briefe an seine Verwandten in Wolgograd und klebte keine Briefmarken auf Umschläge, sondern zeichnete. Alle versendeten Briefe erreichten die Empfänger ohne zusätzliche Zahlung. Als das Presseministerium einen Wettbewerb unter Künstlern ankündigte, brachte der Student Vladislav Koval den Organisatoren ein Paket Umschläge mit. Und er wurde der Gewinner, der jüngste unter den Teilnehmern.

UNGEWÖHNLICHE IKONEN

Beispiele für mysteriöse Gemälde finden sich sogar in einer so strengen und kanonischen Kunstform wie der Ikone. Die Ikone „Jesus im Kerker“ wurde einst in das Museum für altrussische Kunst in Moskau gebracht. Auf der Vorderseite ist Jesus mit Fußfesseln dargestellt, und um ihn herum befinden sich die Instrumente der Passion, also der Folter. Neben jedem steht ein Name. Aufgrund der Besonderheiten des Schreibens von Wörtern stellten Kunstkritiker fest, dass der Autor ein Altgläubiger war. Die Einzigartigkeit der Ikone bestand darin, dass das Bild von schmalen vertikalen Streifen durchzogen war. Es wurde vermutet, dass es sich hierbei um Spuren eines Gitters handelt, das einst das Bild Christi bedeckte. Der Hinweis auf die dunklen Streifen erwies sich jedoch als viel interessanter und gehörte dem Leiter der kanonischen Ikonenmalerei-Werkstatt, dem Kunsthistoriker und Künstler Alexander Renzhin.

Es stellte sich heraus, dass das Symbol einst nicht ein, sondern drei Bilder enthielt. Die Streifen sind nichts weiter als Spuren von vertikalen Platten, die am Rahmen (Fassung) der Ikone angebracht wurden. Sie hafteten eng an der Oberfläche und hinterließen daher Spuren. Auf beiden Seiten jeder Platte waren Teile von zwei weiteren Ikonen gezeichnet (man sagt: geschrieben). Wenn Sie vor dem Symbol standen, konnten Sie ein Bild sehen, das sich nach links bewegte – ein anderes, nach rechts – das dritte. Die Tafeln der Ikone gingen verloren, aber Renzhin gelang es, genau dieselbe ganze Ikone zu finden. Es stellte sich heraus, dass Teile der Bilder der Muttergottes und Johannes des Täufers auf beiden Seiten von 12 Platten geschrieben waren. Wenn Sie das Symbol von der Seite betrachten, fügen sich die Bildteile zu einem Ganzen zusammen.

Die Lagerräume des Museums für Religionsgeschichte in St. Petersburg enthalten Ikonen dieser Art, jedoch mit einer anderen Handlung. Auf einem von ihnen ist im Vordergrund eine Taube zu sehen, ein Symbol des Heiligen Geistes. Aber sobald Sie sich nach rechts bewegen, erscheint das Bild von Gott dem Vater, links das Gesicht von Gott dem Sohn. Für einen modernen, von Lichteffekten verwöhnten Betrachter ist es schwierig, sich vorzustellen, wie stark der Eindruck der dreiteiligen Ikonen auf die Gläubigen vergangener Jahrhunderte war, selbst im Zwielicht einer nur von Kerzen beleuchteten Kirche. Darüber hinaus wurde im 20. Jahrhundert eine ähnliche Technik in der Werbung eingesetzt und verlor daher ihre Ungewöhnlichkeit.

Es gibt Ikonen, deren Oberfläche nicht flach, sondern profiliert ist, mit vertikalen dreieckigen Rillen. Auf einer Seite jeder Rille ist ein Bild geschrieben, das auf der linken Seite und auf der anderen Seite, das auf der rechten Seite sichtbar ist, geschrieben ist. Wenn Sie von vorne schauen, sehen Sie eine „Mischung“ der beiden Bilder. Daher wurde in der Kirche ein großer Kerzenständer vor einer solchen Ikone aufgestellt, so dass sie nur von zwei Seiten sichtbar war.

In der Kirche St. Mitrofan von Woronesch in Moskau in der 2. Khutorskaya-Straße befindet sich ein Kirchenmuseum. Dort ist neben anderen interessanten Exponaten ein dreiteiliges Bild zu sehen. Dies ist keine Ikone, sondern ein Porträt der königlichen Familie. Vor dem Porträt steht Kaiser Alexander III. Bewegen Sie sich nach rechts – das Bild der Kaiserin Maria Fjodorowna erscheint. Die links stehenden Zuschauer sehen den jungen Erben, den späteren Kaiser Nikolaus II. Ein merkwürdiges Merkmal des Bildes half dabei, den Zeitpunkt seiner Entstehung zu bestimmen. Auf der rechten Nikolai-Kirche ist ein blutiger Fleck sichtbar. Dies ist der Fußabdruck eines japanischen Schwertes. In den Jahren 1890-1891 reiste der Erbe um die Welt und in Japan wurde ein Attentat verübt. Ein japanischer Polizist schlug Nikolai mit einem Schwert, doch der junge Erbe wich aus und erlitt nur eine leichte Wunde. Als der Angreifer zum zweiten Mal keine Zeit zum Zuschlagen hatte, wurde er niedergeschlagen, aber nicht von den Gastgebern, die den angesehenen Gast empfingen, sondern vom griechischen Prinzen Georg, der Nikolaus begleitete.

DIE LEGENDE DER HEILIGEN VERONIKA

1879 fand in St. Petersburg eine Ausstellung deutscher Künstler statt. Einer von ihnen, Gabriel von Max, präsentierte das Gemälde „Das Taschentuch der heiligen Veronika“ mit dem Bild eines an die Wand genagelten Stücks rauer Leinwand mit dem Antlitz Christi in der Mitte. Die Besonderheit des Bildes bestand darin, dass das Publikum die Augen des Erretters entweder geschlossen oder geöffnet sehen konnte. Die damaligen Zeitungen schrieben, dass die Organisatoren Stühle in der Halle aufstellen mussten, da einige der Damen ohnmächtig wurden und riefen: „Schau! Schau!“

Natürlich erregte das mysteriöse Bild die Aufmerksamkeit der Künstler der Hauptstadt, die versuchten, das Geheimnis zu lüften, und der Künstler Ivan Kramskoy schrieb darüber einen Artikel für die Zeitschrift Novoe Vremya, in dem er die Technik enthüllte, mit der der deutsche Autor den gewünschten Effekt erzielte .

Die Legende der Heiligen Veronika verbreitete sich im Mittelalter in ganz Europa. Später wurde es zur offiziellen Kirchentradition, das heißt, es wurde als genauso wahr anerkannt wie die im Evangelium aufgezeichneten. Als Jesus Christus zum Kalvarienberg geführt wurde, um dort gekreuzigt zu werden, wischte ihm eine mitfühlende Frau namens Veronica mit einem Taschentuch, das ihre Augen bedeckt hatte, den Schweiß aus dem Gesicht. Gleichzeitig wurde auf wundersame Weise das Gesicht des Erlösers in der Dornenkrone in den Schal eingeprägt. Die Tradition bildete die Grundlage der orthodoxen Ikone „Retter, der nicht von Hand gemacht wurde“. Für uns Laien ist es am einfachsten, diese Ikone an dem Bild eines Schals zu erkennen, auf dem das Gesicht Jesu geschrieben ist, obwohl der Schal selbst (häufiger sagt man „plats“) anders und eher konventionell gezeichnet ist. Unter westlichen Christen wird ein ähnliches Bild „Schal der heiligen Veronika“ genannt.

Von einem Kenner der russischen Kunst, Priester Valentin Dronov, hörte ich eine Geschichte, die ich hier wörtlich zitiere: „Zwei- oder dreimal in meinem Leben musste ich die Ikone des nicht von Hand geschaffenen Erlösers sehen, die eine wundersame Eigenschaft zeigte. Die „Die Augen Jesu darauf schienen entweder offen oder geschlossen zu sein. Es hing vom spirituellen Zustand der betenden Person ab. Wenn er ruhig war, schien der Erlöser zu schlafen. Wenn er aufgeregt war, öffneten sich seine Augen.“ Zu Hause bewahrte Pater Valentin ein Foto dieses Bildes auf, das hier gezeigt wird.

In unseren Museen habe ich bisher noch nichts Vergleichbares finden können. In einem Reiseführer nach Bethlehem, der Stadt, in der der Legende nach Christus geboren wurde, heißt es, dass eines der Fresken auf der Säule in der Geburtskirche die gleiche Eigenschaft habe: „Das Gesicht auf der Ikone öffnet und schließt es.“ Augen."

Das beschriebene Symbol ist sehr selten, daher ist jeder Hinweis auf Personen wichtig, die solche Bilder gesehen oder zumindest davon gehört haben. Wir bitten die Leser, die Herausgeber der Zeitschrift hierüber zu informieren.

15. Januar 2013, 20:34

1. „Weinender Junge“- Gemälde des spanischen Künstlers Giovanni Bragolin. Es gibt eine Legende, dass der Vater des Jungen (der auch der Autor des Porträts ist) Streichhölzer vor dem Gesicht des Babys anzündete, um Helligkeit, Lebendigkeit und Natürlichkeit der Leinwand zu erreichen. Tatsache ist, dass der Junge Todesangst vor Feuer hatte. Der Junge weinte – sein Vater zeichnete. Einmal konnte der Junge es nicht ertragen und schrie seinen Vater an: „Du selbst verbrennst!“. Einen Monat später starb das Kind an einer Lungenentzündung. Und ein paar Wochen später wurde die verkohlte Leiche des Künstlers in seinem eigenen Haus neben einem Gemälde eines weinenden Jungen gefunden, der den Brand überlebte. Das hätte damit enden können, doch 1985 berichteten britische Zeitungen, dass Feuerwehrleute in fast jedem ausgebrannten Gebäude, das vom Feuer nicht einmal berührt wurde, Reproduktionen des Crying Boy fanden. 2. „Hände widerstehen ihm“- Gemälde des amerikanischen Künstlers Bill Stoneham. Der Autor sagt, dass das Bild ihn selbst im Alter von fünf Jahren zeigt, dass die Tür die Trennlinie zwischen der realen Welt und der Welt der Träume darstellt und die Puppe ein Führer ist, der den Jungen durch diese Welt führen kann. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten. Das Gemälde wurde im Februar 2000 zu einer bekannten urbanen Legende, als es bei eBay mit einer Hintergrundgeschichte zum Verkauf angeboten wurde, die besagte, dass das Gemälde „heimgesucht“ wurde. Der Legende nach wurde das Gemälde nach dem Tod des ersten Besitzers auf einer Mülldeponie inmitten eines Müllhaufens gefunden. Die Familie, die sie gefunden hatte, brachte sie nach Hause, und schon in der ersten Nacht rannte eine kleine vierjährige Tochter in das Schlafzimmer ihrer Eltern und schrie: „Die Kinder auf dem Bild streiten.“ Am nächsten Abend – dass „die Kinder auf dem Bild vor der Tür standen“. Am nächsten Abend stellte das Familienoberhaupt in dem Raum, in dem das Gemälde hing, eine bewegungsempfindliche Videokamera auf. Der Camcorder funktionierte mehrmals, aber es wurde nichts aufgenommen. 3. „Regenfrau“- Gemälde der Winniza-Künstlerin Svetlana Telets. Schon sechs Monate vor der Entstehung des Bildes begannen einige Visionen sie zu besuchen. Lange Zeit kam es Svetlana so vor, als ob jemand sie beobachtete. Manchmal hörte sie sogar seltsame Geräusche in ihrer Wohnung. Aber ich habe versucht, diese Gedanken zu verdrängen. Und nach einer Weile entstand eine Idee für ein neues Bild. Das Bild einer mysteriösen Frau entstand plötzlich, aber Svetlana kam es so vor, als ob sie sie schon lange kannte. Gesichtszüge, wie aus Nebel gewebt, Kleidung, gespenstische Linien der Figur – der Künstler malte eine Frau, ohne eine Minute nachzudenken. Es war, als würde eine unsichtbare Kraft ihre Hand führen. In der Stadt verbreitete sich das Gerücht, dass dieses Gemälde verflucht sei, nachdem ein dritter Käufer das Gemälde einige Tage später zurückgab, ohne auch nur das Geld zu nehmen. Jeder, der dieses Bild hatte, sagte, dass es nachts zum Leben zu erwachen schien und wie ein Schatten in der Nähe herumlief. Die Leute begannen Kopfschmerzen zu bekommen und selbst nachdem sie das Bild im Schrank versteckt hatten, verschwanden die Gefühle der Anwesenheit nicht. 4. Zur Zeit Puschkins war das von Wladimir Borowikowski gemalte Porträt von Maria Lopukhina eine der wichtigsten „Horrorgeschichten“. Das Mädchen lebte ein kurzes und unglückliches Leben und starb nach dem Malen des Porträts an Schwindsucht. Ihr Vater, Iwan Tolstoi, war ein berühmter Mystiker und Meister der Freimaurerloge. Daher verbreiteten sich Gerüchte, dass es ihm gelungen sei, den Geist der verstorbenen Tochter in dieses Porträt zu locken. Und dass junge Mädchen, wenn sie sich das Bild ansehen, bald sterben werden. Der Version von Salonklatsch zufolge tötete das Porträt Mariens mindestens zehn Adlige im heiratsfähigen Alter ... 5. "Wasserlilien"- Impressionistische Landschaft von Claude Monet. Als der Künstler und seine Freunde die Fertigstellung des Gemäldes feierten, brach im Atelier ein kleines Feuer aus. Die Flamme füllte sich schnell mit Wein und legte darauf keinen Wert. Nur einen Monat lang hing das Bild in einem Kabarett in Montmartre. Und dann brannte der Ort eines Nachts bis auf die Grundmauern nieder. Aber die „Lilien“ konnten retten. Das Gemälde wurde vom Pariser Philanthrop Oscar Schmitz gekauft. Ein Jahr später brannte sein Haus nieder. Das Feuer begann im Büro, wo die unglückselige Leinwand hing. Es hat wie durch ein Wunder überlebt. Ein weiteres Opfer von Monets Landschaft war das New Yorker Museum of Modern Art. Die Seerosen wurden 1958 hierher gebracht. Vier Monate später flammte es auch hier auf. Und das verdammte Bild war sehr verkohlt.
6. In einem Gemälde von Edvard Munch "Schrei" Es zeigt ein haarloses, leidendes Wesen mit einem Kopf, der einer umgedrehten Birne ähnelt, die Hände vor Entsetzen an die Ohren gedrückt und den Mund zu einem lautlosen Schrei geöffnet. Die krampfartigen Wellen der Qual dieser Kreatur hallen durch die Luft um ihren Kopf. Dieser Mann (oder diese Frau) scheint in seinem eigenen Schrei gefangen zu sein und um es nicht zu hören, hält er sich die Ohren zu. Es wäre seltsam, wenn es um dieses Bild keine Legenden gäbe. Es wird gesagt, dass jeder, der mit ihr in Kontakt kam, ein böses Schicksal erlitt. Ein Mitarbeiter des Museums, der das Gemälde versehentlich fallen ließ, bekam starke Kopfschmerzen und beging schließlich Selbstmord. Ein anderer Mitarbeiter, der offenbar ebenfalls krumme Hände hatte, ließ das Gemälde fallen und verunglückte am nächsten Tag. Einen Tag nach dem Kontakt mit dem Gemälde brannte sogar jemand nieder. 7. Eine weitere Leinwand, die Probleme ständig begleitet, ist „Venus mit Spiegel“ Diego Velazquez. Der erste Besitzer des Gemäldes – ein spanischer Kaufmann – ging bankrott, sein Handel verschlechterte sich von Tag zu Tag, bis die meisten seiner Waren von Piraten auf See erbeutet wurden und mehrere weitere Schiffe sanken. Der Kaufmann verkaufte alles, was er unter den Hammer brachte, und verkaufte auch das Gemälde. Es wurde von einem anderen Spanier erworben, ebenfalls Kaufmann, der reiche Lagerhäuser im Hafen besaß. Fast unmittelbar nach der Überweisung des Geldes für die Leinwand gerieten die Lagerhäuser des Kaufmanns durch einen plötzlichen Blitzeinschlag in Brand. Der Besitzer war pleite. Und wieder die Auktion, und wieder wird das Gemälde unter anderem verkauft, und wieder wird es von einem wohlhabenden Spanier gekauft ... Drei Tage später wurde er bei einem Raubüberfall in seinem eigenen Haus erstochen. Danach konnte das Gemälde lange Zeit seinen neuen Besitzer nicht finden (sein Ruf war zu sehr beschädigt) und die Leinwand wanderte in verschiedene Museen, bis sie 1914 von einer verrückten Frau mit einem Messer zerschnitten wurde.
8. „Dämon besiegt“ Mikhail Vrubel wirkte sich nachteilig auf die Psyche und Gesundheit des Künstlers selbst aus. Er konnte sich nicht von dem Bild losreißen, er vervollständigte weiterhin das Gesicht des besiegten Geistes und änderte die Farbe. Der „Besiegte Dämon“ hing bereits in der Ausstellung, und Vrubel kam immer wieder in den Saal, ohne auf die Besucher zu achten, setzte sich vor das Bild und arbeitete wie besessen weiter. Die Angehörigen machten sich Sorgen um seinen Zustand und er wurde vom berühmten russischen Psychiater Bechterew untersucht. Die Diagnose war schrecklich – eine Rückenmarksentzündung, fast Wahnsinn und Tod. Vrubel wurde ins Krankenhaus eingeliefert, aber die Behandlung half nicht viel und er starb bald.

Die Gemälde großer Künstler können nicht nur erfreuen und ästhetisches Vergnügen bereiten, sondern auch mystische Ehrfurcht und sogar Angst hervorrufen. Viele Gemälde von Meistern sind voller Geheimnisse. Unsere Geschichte handelt von ihnen.

Talentierte Gemälde rufen bei Kunstliebhabern immer innere Ehrfurcht und Bewunderung hervor. Die Gemälde der großen Meister faszinieren und fesseln, denn schöne Gemälde erwecken das Intimste in den Seelen, etwas, das ein Mensch oft sogar vor sich selbst verbergen möchte. Carl Jung nannte es das Unbewusste.

Daher werden Gemälde berühmter Künstler als mysteriöse Botschaften wahrgenommen, in denen die Geheimnisse der Welt enthüllt werden. Um sie zu lösen, müssen Sie so aufmerksam wie möglich auf die Details und Symbole der Gemälde achten.

Mehr als eine Generation von Kunstkritikern wird versuchen, die Chiffren von Hieronymus Bosch zu entschlüsseln, über den Code der Gemälde von Leonardo da Vinci nachzudenken, und Michelangelo und Botticelli werden vor Freude vor den Gemälden der Niederländer erstarren. Was können wir über die Gemälde der Ära des Modernismus und Postmodernismus sagen, in denen Schönheit, Spiritualität und Präzision der Linien kulturellen Symbolen, der Verflechtung von Linien und kubischen Formen gewichen sind?

Gemälde mit der Bedeutung von Pablo Picasso und Frida Kahlo, Jackson Pollock und Salvador Dali offenbaren die tragischen und mystischen Aspekte des Seins eines modernen Menschen. Um sie zu lesen, benötigen Sie umfassendes Wissen und kreative Intuition.

Wir laden Sie ein, die virtuelle Galerie zu besuchen und herauszufinden, welche berühmten Gemälde von Künstlern voller Rätsel sind oder welche dramatischen Geschichten mit Folgendem verbunden sind:

Das letzte Abendmahl (Leonardo da Vinci)

Vielen wird auffallen, dass es sich bei diesem Meisterwerk nicht gerade um ein Gemälde, sondern um ein Fresko handelt. Ein Fresko ist jedoch dieselbe Leinwand, nur auf nassem Gips. Sie begannen bereits im 19. Jahrhundert über das Geheimnis dieses Bildes zu sprechen, als die Köpfe der Aristokratie von verschiedenen mystischen Lehren fasziniert waren, in Europa Freimaurerlogen und verschiedene Geheimbünde florierten. Im 21. Jahrhundert wurde das Interesse an dem Fresko dank Dan Browns Buch The Da Vinci Code und der Serie Da Vinci's Demons wiederbelebt.

Tatsächlich enthält diese Schöpfung des größten Künstlers der Renaissance viele geheime Zeichen, die den Subtext des Freskos bilden. Zunächst ist anzumerken, dass der Künstler drei Jahre lang, bis 1498, an seiner Entstehung arbeitete (Leonardo schrieb offensichtlich nicht auf feuchtem Boden – dies ist ein Grund, das Letzte Abendmahl als Gemälde und nicht als Fresko zu betrachten). Die Komposition wurde vom Dogen von Venedig, Ludovico Sforza, einem berühmten Lebemann, Mystiker, Kaufmann und Intriganten, in Auftrag gegeben.

Die Vorstellungen von Treue im Familienleben waren Sforza fremd, er war unermüdlich in seinen Leidenschaften, unter denen seine fromme Frau, Herzogin Beatrice d'Este, litt. Trotz der Tatsache, dass sie eine der schönsten Frauen der Renaissance war, betrog Ludovico sie mit erstaunlicher Konsequenz bei den besten Verrätern Venedigs.

Erst der Tod von Beatrice zwang Sforza, seine Prioritäten zu überdenken und nicht mehr nach Liebesfreuden zu suchen. Um ihre Erinnerung aufrechtzuerhalten, gab der Herzog von Venedig da Vincis „Das letzte Abendmahl“ in Auftrag.

Mit diesem Hintergrund hängt das erste Rätsel der Leinwand zusammen: Der Apostel Johannes, der zur Rechten Christi sitzt, ähnelt äußerlich eher einer Frau als einem Mann. So entstand die Vermutung, dass es sich um Maria Magdalena handelte, die Frau Jesu. Dies wurde auch durch das Zeichen bestätigt, das die Neigungen dieser beiden Charaktere hervorrufen. Es stellt sich eine Figur heraus, die einer Kombination aus zwei Dreiecken ähnelt, was in mystischen Lehren die Verbindung der weiblichen und männlichen Prinzipien als Grundlage des Universums bedeutete.

Das zweite Rätsel ist das Bild von Judas. Zu Beginn der Arbeit an dem Gemälde fand Leonardo sehr schnell einen Dargestellten für das Jesusbild. Sie wurden junge Sänger aus dem Kirchenchor. Seine Schönheit und sein gutes Aussehen beeindruckten den Künstler.

Doch für Judas musste die Natur fast drei Jahre lang abgesucht werden. Einmal sah Leonardo in einem Graben einen Betrunkenen herabsteigen. Er brachte ihn ins Refektorium und schrieb innerhalb weniger Tage den Antipoden von Christus. Nach einem Gespräch mit dem Dargestellten erfuhr der Künstler, dass sein Leben von dem Moment an, als er für das Bild von Jesus da Vinci posierte, bergab ging. Somit werden Christus und derjenige, der ihn verraten hat, mit einem Unterschied von drei Jahren von einer Person abgeschrieben.

Das dritte Rätsel besteht darin, dass sich auf dem Gemälde ein Selbstporträt von Leonardo befindet. Dies ist der Apostel Thaddäus, der als Zweiter von rechts sitzt.

Der vierte Code ist die wiederholte Nummer drei. Schauen Sie sich die Leinwand genauer an. Alle Charaktere sind in Dreiergruppen gruppiert. Dies zeigt die symbolische Chiffre der Heiligen Dreifaltigkeit – den Sohn, den Geist und Gott.

Die Erschaffung Adams (Michelangelo)

Ein Fresko aus dem 16. Jahrhundert von einem der berühmten Meister der Renaissance zeigt, wie Gott Adam seine Hand entgegenstreckt. Dies ist die vierte der neun Szenen der Genesis, die der Autor in der Sixtinischen Kapelle dargestellt hat. Das Gemälde zeigt, wie Gott einem neu geschaffenen Menschen Seele einhaucht.

Anatomen haben festgestellt, dass der violette Umhang des Schöpfers, unter dem die Engel versammelt sind, in seinen Umrissen dem menschlichen Gehirn ähnelt. Michelangelo studierte, wie alle Künstler dieser Zeit, die Anatomie eingehend und wusste daher genau, wie dieses Organ aussieht. Aber warum stellte er ihn in einem Gemälde mit einer religiösen Handlung dar?

Kunstkritiker vermuteten, dass der fortschrittliche Künstler und Denker auf diese Weise darauf hinwies, dass die Kraft, die einen Menschen bewegt und entwickelt, der Geist ist. Darüber hinaus gibt es noch eine Reihe weiterer Nuancen, auf die Sie achten sollten:

1. Die Haltung Adams ist symmetrisch zur Haltung Gottes. Der erste Mensch ist jedoch entspannt und nur der göttliche Geist kann ihn mit Energie füllen.
2. Helden, eingehüllt in den Mantel des Schöpfers, erschaffen die Umrisse des menschlichen Gehirns. Darüber hinaus skizzierte Michelangelo die Hypophyse, den Pons varolii (überträgt Impulse vom Gehirn zum Rückenmark) und die Wirbelarterien mit Linien.

Das Gemälde ist eine beredte Botschaft eines fortschrittlichen humanistischen Künstlers, der an die Kraft des menschlichen Geistes glaubte.

„Flämische Sprichwörter“ (Peter Brueghel der Ältere)

Das Gemälde wurde Mitte des 16. Jahrhunderts von einem niederländischen Maler geschaffen. Auf den ersten Blick ist die Handlung einfach – ein gewöhnlicher Tag auf dem Marktplatz. Allerdings gibt es auf der Leinwand 112 separate Kompositionskomponenten, die beliebte Wendungen verkörpern.

Schauen Sie sich das Bild genau an und sehen Sie sich Abbildungen für Redewendungen an: Schlagen Sie Ihren Kopf gegen die Wand; binde den Teufel ans Kissen; einer Katze eine Glocke aufhängen (eine unvernünftige Handlung); sprich mit zwei Mündern; Braten Sie Hering für Eier usw.

Dieses Bild ist nicht nur für Kunsthistoriker und Kulturwissenschaftler, sondern auch für Philologen von großem Interesse.

Danae (Rembrandt Harmens van Rijn)

Der niederländische Künstler malte dieses Bild 11 Jahre lang (1636–1647). Auf den ersten Blick zeigt die Leinwand die Heldin des antiken griechischen Mythos Danae, die von ihrem eigenen Vater im Kerker versteckt wurde. Der Grund dafür ist die Prophezeiung, dass der König von Argos durch die Hand seines Enkels fallen wird.

Rembrandts Danae ist ein Symbol männlicher Vergänglichkeit. Bei der Untersuchung des Bildes haben Kunsthistoriker festgestellt, dass Danae einen Ehering an ihrem Ringfinger trägt, obwohl sie der Legende nach eine unverheiratete junge Dame war, als sie inhaftiert war. Außerdem war auf dem Bild kein goldener Regen zu sehen, den Zeus vergoss, um in Danae Leben hervorzubringen.

Der zweite Punkt, der die Forscher verwirrte, ist, dass das Gesicht der Heldin nicht wie Saskia van Uylenbürch aussah, Rembrandts junge Frau, die als Vorbild für alle seine Gemälde der 1630er Jahre diente. Dies ist umso seltsamer, als „Danae“ vom Künstler gemalt wurde, um sein eigenes Zuhause zu schmücken. Wen hat er denn, statt seiner Frau, auf der Leinwand festgehalten?

Die Antwort kam in den 1950er Jahren, als Kunsthistoriker begannen, Röntgenstrahlen zur Untersuchung von Gemälden einzusetzen. Es stellte sich heraus, dass Danae zunächst dennoch von Saskia abgeschrieben wurde und der Künstler später ihr Bild umschrieb und ihm die Züge der Krankenschwester seines Sohnes Gertje Dirks verlieh. Nach Saskias Tod wurde sie seine Geliebte, Mitbewohnerin und neue Muse.

„Schlafzimmer in Arly“ (Vincent van Gogh)

Vincent van Gogh kann der Verfolgung des Pariser Beau Monde nicht standhalten und flieht aus der Hauptstadt Frankreichs. Im Frühjahr 1888 zieht er sich in ein kleines Nebengebäude in Arly zurück, das er mit Geld aus der Erbschaft gekauft hat. Der Künstler hat endlich sein Zuhause und seine eigene Werkstatt gefunden. In Arly lebte er einige Zeit in Erwartung eines weiteren Pariser Flüchtlings, Paul Gauguin. Gemeinsam mit ihm wollte Van Gogh eine Künstlerbruderschaft gründen.

Das Gemälde „Bedroom at Arly“ oder „Gelbes Schlafzimmer“ ist ein dokumentarischer Beweis für die Geisteskrankheit des Malers. Demnach können Psychiater Veränderungen bei einer an Schizophrenie leidenden Person untersuchen. Hier sind die Zeichen, auf die Sie achten sollten:

1. Gesättigte und sogar aufdringliche gelbe Farbe. Im Inneren des Schlafzimmers sieht es unnatürlich aus. Es geht um den Fingerhut, mit dem Vincent van Gogh epileptische Anfälle bekämpfte. Die regelmäßige Anwendung dieses Arzneimittels führt zu einer Veränderung der Farbwahrnehmung. Die Menschen sehen die Welt in gelbgrüner Farbe.
2. Die Paarung der Gegenstände im Raum: zwei Stühle, zwei Kissen, zwei Porträts, ein Paar Stiche von Van Gogh. So versuchte der Autor, Seelenfrieden zu finden und mit der Einsamkeit zurechtzukommen.
3. Geschlossene Fensterläden sind ein Symbol für die innere Isolation und Geborgenheit des Künstlers.
4. Den Spiegel an der Wand kaufte Van Gogh für Selbstporträts. Die Leute weigerten sich, für ihn zu posieren, weil sie seine Bilder nicht als Kunst betrachteten.
5. Die rote Decke auf dem Bett spielte im Leben des Malers eine dramatische Rolle. Bei einem der Anfälle schnitt er sich das Ohrläppchen ab und versuchte, die Angst zu überwinden, die ihn erfasst hatte, indem er sich in diese Decke wickelte.

Das Bild ist ein Spiegelbild der inneren Welt des Künstlers. Im Fall von Van Gogh ist „Bedroom at Arly“ die Geschichte seiner Einsamkeit und seines Wahnsinns.

„Schrei“ (Edvard Munch)

Der Schrei ist eines der mystischsten Gemälde des 20. Jahrhunderts. Sie verkörperte die Vorahnung einer universellen Tragödie, die den Künstler während eines seiner Spaziergänge erfasste. Munch sah einen blutigen Sonnenuntergang am Himmel aufflammen und hörte innerlich den Schrei des Leidens der Natur. Das wollte er auf seiner Leinwand darstellen.

Der haarlose Mann, der in seinen Umrissen einem Skelett ähnelt, öffnet den Mund weit und schließt entsetzt die Ohren – so trifft ihn das durchdringende Heulen der Natur. Das vom Künstler erlebte und auf der Leinwand dargestellte Gefühl wurde prophetisch. „Der Schrei“ ist zum Symbol des 20. Jahrhunderts geworden – eines Jahrhunderts der Gewalt, der Kriege, der Grausamkeit, des Menschenhasses und der Folter der Umwelt.

Mit dem Bild sind eine Reihe mystischer Geschichten verbunden. So erlitten alle Besitzer des „Scream“ Unglück – Ruin, Tod, Unfälle. Als das Bild im Museum ankam, zeigten mehrere Arbeiter Nachlässigkeit bei der Bearbeitung – sie ließen die Leinwand fallen. Nach einer Weile beging einer Selbstmord und der andere erlitt bei einem Autounfall Verbrennungen. Diese Unglücke waren mit der fatalen Wirkung des Meisterwerks verbunden.

Wissenschaftler sind sich sicher, dass die Leinwand, wie im Fall von Van Gogh, die Verkörperung der Geistesstörung ihres Schöpfers Edvard Munch ist.

„Alter Fischer“ (Tivadar Kostka Chontvari)

Ein Apotheker aus Ungarn, der einen prophetischen Traum gesehen hatte, verkaufte die Apotheke, kaufte alles, was man zum Zeichnen brauchte, und ging, um die Kunst bei libanesischen Malern zu erlernen.

Als er zu Beginn des 20. Jahrhunderts in seine Heimat zurückkehrte, präsentierte er ein Originalwerk – das Gemälde „Der alte Fischer“. Es schien, dass daran nichts Besonderes war: Die Öffentlichkeit wusste nicht, was an dieser Leinwand so geheimnisvoll war. Es geht um den Subtext, der nicht so einfach zu lesen ist. Es konnte erst nach 50 Jahren gelöst werden.

Chontwari malte seltsame und leicht beängstigende Gemälde, weshalb sie nicht beliebt waren. Infolgedessen starb er in Armut und seine Leinwände landeten auf dem Müllhaufen. Nur wenige Gemälde des Meisters sind erhalten geblieben und gelangten in das Museum der Stadt Pec. Unter ihnen war der „Alte Fischer“.

Einer der Museumsmitarbeiter dachte darüber nach, einen Spiegel zu verwenden, um den Subtext des Meisterwerks freizulegen. Es stellte sich heraus, dass, wenn man das Bild mit einem Spiegel in zwei Hälften teilt, zwei antagonistische Handlungsstränge entstehen: Die erste zeigt Gott, der in einem Boot auf ruhiger See segelt, und die zweite zeigt den Teufel auf tosendem Meer. Dies ist eine Metapher für die Komplexität des Schaffens eines ungarischen Künstlers.

Dies ist nur ein kleiner Teil jener berühmten Gemälde, die mystische Ehrfurcht und Anbetung hervorrufen. Die Kreationen von Michail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt und Kasemir Malewitsch rufen Freude, Entsetzen und Anbetung hervor. Sie werden gelöst, sie werden bewundert, es dauert Jahre, ihren Inhalt zu verstehen. Das Wissen um die Geheimnisse der großen Gemälde ist ein Schritt zur Kenntnis des Menschen und der Welt.

Vorgeschlagene Nachrichten

17:56

Einige Kunstwerke als würde es den Betrachter auf den Kopf treffen, verblüfft und verblüffend. Einige von ihnen ziehen Sie ins Nachdenken und auf die Suche nach semantischen Schichten, geheimer Symbolik. Manche Gemälde sind voller Geheimnisse und mystischer Mysterien, andere überraschen zu einem exorbitanten Preis.

Malerei, wenn man die Realisten nicht berücksichtigt, war, ist und wird immer seltsam sein. Metaphorisch, auf der Suche nach neuen Formen und Ausdrucksmitteln. Aber einige seltsame Bilder sind seltsamer als andere.

Natürlich ist „seltsam“ ein eher subjektiver Begriff., und jedes hat seine eigenen erstaunlichen Gemälde, die sich von vielen anderen Kunstwerken abheben.

Wir haben es bewusst nicht in diese Sammlung aufgenommen Salvador Dali, dessen Werke vollständig in das Format dieses Materials fallen und mir als erstes in den Sinn kommen.

1. Edvard Munch „Schrei“

1893, Karton, Öl, Tempera, Pastell. 91x73,5 cm

Nationalgalerie, Oslo

„The Scream“ gilt als bahnbrechendes Ereignis Expressionismus und eines der berühmtesten Gemälde der Welt.

„Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang- die Sonne ging unter - plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt erschöpft inne und lehnte mich an den Zaun - ich blickte auf das Blut und die Flammen über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt - meine Freunde gingen weiter und ich stand auf Ich zittere vor Aufregung und fühle, wie ein endloser Schrei die Natur durchdringt“, sagte Edvard Munch über die Geschichte des Gemäldes.

Es gibt zwei Interpretationen des Dargestellten: Es ist der Held selbst, der von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und die Hände an die Ohren drückt; oder der Held verschließt seine Ohren vor dem Schrei der Welt und der Natur, der um ihn herum erklingt. Munch hat vier Versionen von „Der Schrei“ geschrieben, und es gibt eine Version, die besagt, dass dieses Gemälde die Frucht einer manisch-depressiven Psychose ist, unter der der Künstler litt. Nach einer Behandlung in der Klinik kehrte Munch nicht mehr zur Arbeit an der Leinwand zurück.

2. Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?"

1897-1898, Öl auf Leinwand. 139,1 x 374,6 cm

Museum der Schönen Künste, Boston

Tiefgründiges philosophisches Bild Der Postimpressionist Paul Gauguin wurde von ihm auf Tahiti geschrieben, wohin er aus Paris floh. Am Ende der Arbeit wollte er sogar Selbstmord begehen, denn „ich glaube, dass diese Leinwand nicht nur allen meinen vorherigen überlegen ist, und dass ich nie etwas Besseres oder auch nur Ähnliches schaffen werde.“

Auf Anweisung von Gauguin selbst entstand das Gemälde sollte von rechts nach links gelesen werden - drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der letzten Gruppe, so die Künstlerin, „scheint eine alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken überlassen“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... stellt die Sinnlosigkeit von Worten dar.“

3. Pablo Picasso „Guernica“

1937, Öl auf Leinwand. 349 x 776 cm

Reina Sofia Museum, Madrid

Riesiges Fresko „Guernica“ Das 1937 von Picasso verfasste Werk erzählt von einem Überfall einer Freiwilligeneinheit der Luftwaffe auf die Stadt Guernica, bei dem die Stadt mit ihren sechstausend Einwohnern völlig zerstört wurde. Das Bild wurde in nur einem Monat gemalt – in den ersten Arbeitstagen am Bild arbeitete Picasso 10-12 Stunden und schon in den ersten Skizzen konnte man die Grundidee erkennen. Dies ist eines der besten Beispiele für den Albtraum des Faschismus sowie für die menschliche Grausamkeit und Trauer.

„Guernica“ präsentiert Szenen des Todes, Gewalt, Gräueltaten, Leid und Hilflosigkeit, ohne ihre unmittelbaren Ursachen zu benennen, aber sie sind offensichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 zur Gestapo in Paris vorgeladen wurde. Das Gespräch kam sofort auf das Gemälde. "Hast du das gemacht?" - „Nein, du hast es geschafft.“

4. Jan van Eyck „Porträt der Arnolfini“

1434, Öl auf Holz. 81,8 x 59,7 cm

Londoner Nationalgalerie, London

Porträt vermutlich von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seine Frau ist eines der komplexesten Werke der westlichen Malschule der nördlichen Renaissance.

Das berühmte Gemälde ist vollständig mit gefüllt Symbole, Allegorien und verschiedene Referenzen - bis hin zur Signatur „Jan van Eyck war hier“, die es nicht nur zu einem Kunstwerk machte, sondern zu einem historischen Dokument, das ein reales Ereignis bestätigte, bei dem der Künstler anwesend war.

In Russland in den letzten Jahren Das Bild erlangte große Popularität aufgrund der Porträtähnlichkeit von Arnolfini mit Wladimir Putin.

5. Mikhail Vrubel „Sitzender Dämon“

1890, Öl auf Leinwand. 114 x 211 cm

Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Gemälde von Mikhail Vrubel überrascht mit dem Bild eines Dämons. Der traurige, langhaarige Kerl entspricht überhaupt nicht den allgemeinen Vorstellungen, wie ein böser Geist aussehen sollte. Der Künstler selbst sprach über sein berühmtestes Gemälde:

„Der Dämon ist nicht so sehr ein böser Geist, Wie leidend und traurig, bei alledem ist der Geist kraftvoll, majestätisch. Dies ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und der Zweifel. Mit tragisch gefalteten Händen sitzt der Dämon mit traurigen, großen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von Blumen. Die Komposition betont die Zwanghaftigkeit der Figur des Dämons, als ob er zwischen den oberen und unteren Querstangen des Rahmens eingeklemmt wäre.

6. Wassili Wereschtschagin „Die Apotheose des Krieges“

1871, Öl auf Leinwand. 127 x 197 cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Wereschtschagin ist einer der wichtigsten Russen Schlachtenmaler, aber er malte Kriege und Schlachten nicht, weil er sie liebte. Im Gegenteil, er versuchte, den Menschen seine ablehnende Haltung gegenüber dem Krieg zu vermitteln. Einmal rief Wereschtschagin in der Hitze der Emotionen aus: „Ich werde keine Kampfbilder mehr schreiben – das reicht!“ Ich nehme das, was ich schreibe, zu sehr ins Herz und schreie (im wahrsten Sinne des Wortes) die Trauer aller Verwundeten und Getöteten heraus. Das Ergebnis dieses Ausrufs war wahrscheinlich das schreckliche und bezaubernde Gemälde „Die Apotheose des Krieges“, das ein Feld, Krähen und einen Berg menschlicher Schädel darstellt.

Das Bild ist so tiefgründig und emotional geschrieben dass man hinter jedem Schädel, der auf diesem Haufen liegt, beginnt, Menschen zu sehen, ihr Schicksal und das Schicksal derer, die diese Menschen nicht mehr sehen werden. Wereschtschagin selbst nannte die Leinwand mit traurigem Sarkasmus ein „Stillleben“ – sie zeigt „tote Natur“.

Alle Details des Bildes, einschließlich der gelben Farbe, symbolisieren Tod und Verwüstung. Der klare blaue Himmel betont die Leblosigkeit des Bildes. Die Idee der „Apotheose des Krieges“ kommt auch durch die Narben von Säbeln und Einschusslöchern auf den Schädeln zum Ausdruck.

7. Grant Wood „American Gothic“

1930, Öl. 74x62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

„American Gothic“ ist eines der bekanntesten Bilder in der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts, das berühmteste künstlerische Meme des 20. und 21. Jahrhunderts.

Malen mit düsterem Vater und Tochter voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Personen hinweisen. Wütende Gesichter, eine Mistgabel mitten im Bild, selbst für die Verhältnisse von 1930 altmodische Kleidung, ein freiliegender Ellbogen, Nähte an der Kleidung des Bauern, die die Form einer Mistgabel wiederholen, und somit eine Drohung, die an jeden gerichtet ist der eingreift. All diese Details können endlos betrachtet werden und schrecken vor Unbehagen zurück.

Interessanterweise die Jury des Wettbewerbs am Chicago Institute Die Künste betrachteten „Gothic“ als einen „humorvollen Valentinstag“, und die Menschen in Iowa waren von Wood furchtbar beleidigt, weil er sie in einem so unangenehmen Licht darstellte.

8. Rene Magritte „Liebhaber“

1928, Öl auf Leinwand

Gemälde „Liebhaber“ („Liebhaber“) gibt es in zwei Varianten. Auf der einen küssen sich ein Mann und eine Frau, deren Köpfe in ein weißes Tuch gehüllt sind, auf der anderen „blicken“ sie den Betrachter an. Das Bild überrascht und fasziniert. Mit zwei Figuren ohne Gesichter transportierte Magritte die Idee zur Blindheit der Liebe. Über Blindheit in jeder Hinsicht: Liebende sehen niemanden, wir sehen ihr wahres Gesicht nicht, und außerdem sind Liebende selbst füreinander ein Rätsel. Aber mit dieser scheinbaren Klarheit schauen wir weiterhin auf die Magritte-Liebhaber und denken über sie nach.

Fast alle Gemälde von Magritte- das sind Rätsel, die nicht vollständig gelöst werden können, da sie Fragen nach dem Wesen des Seins aufwerfen. Magritte spricht ständig von der Täuschung des Sichtbaren, von seinem verborgenen Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken.

9. Marc Chagall „Spaziergang“

1917, Öl auf Leinwand

Staatliche Tretjakow-Galerie

Normalerweise äußerst ernst Marc Chagall hat in seinem Gemälde ein entzückendes Manifest seines eigenen Glücks geschrieben, voller Allegorien und Liebe. „Walk“ ist ein Selbstporträt mit seiner Frau Bella. Seine Geliebte schwebt in den Himmel und scheint in die Flucht gezerrt zu werden, und Chagall steht unsicher auf dem Boden, als würde er sie nur mit den Schuhspitzen berühren. Chagall hat eine Meise in der anderen Hand – er ist glücklich, er hat eine Meise in seinen Händen (wahrscheinlich sein Gemälde) und einen Kranich am Himmel.

10. Hieronymus Bosch „Der Garten der Lüste“

1500-1510, Öl auf Holz. 389 x 220 cm

Prado, Spanien

„Der Garten der irdischen Freuden“- Das berühmteste Triptychon von Hieronymus Bosch, das seinen Namen vom Thema des Mittelteils erhielt, ist der Sünde der Wollust gewidmet. Bisher wurde keine der verfügbaren Interpretationen des Bildes als die einzig wahre anerkannt.

Dauerhafter Charme und Fremdartigkeit zugleich Im Triptychon drückt der Künstler die Hauptidee durch viele Details aus. Das Bild ist voll von durchsichtigen Figuren, phantastischen Gebilden, zu Halluzinationen gewordenen Monstern, höllischen Karikaturen der Wirklichkeit, die er mit forschendem, äußerst scharfem Blick betrachtet. Einige Wissenschaftler wollten im Triptychon ein Bild des menschlichen Lebens durch das Prisma seiner Eitelkeit und Bilder irdischer Liebe sehen, andere - den Triumph der Wollust. Allerdings lassen die Unschuld und eine gewisse Distanziertheit, mit der einzelne Figuren interpretiert werden, sowie die wohlwollende Einstellung der kirchlichen Autoritäten zu diesem Werk zweifeln, dass die Verherrlichung körperlicher Freuden ihr Inhalt sein könnte.

11. Gustav Klimt „Drei Lebensalter der Frau“

1905, Öl auf Leinwand. 180x180 cm

Nationalgalerie für moderne Kunst, Rom

„Three Ages of Woman“ ist zugleich fröhlich, und traurig. Darin wird die Lebensgeschichte einer Frau in drei Figuren geschrieben: Sorglosigkeit, Frieden und Verzweiflung. Die junge Frau ist organisch in den Schmuck des Lebens eingebunden, die alte Frau hebt sich von ihr ab. Der Kontrast zwischen dem stilisierten Bild einer jungen Frau und dem naturalistischen Bild einer alten Frau erhält eine symbolische Bedeutung: Der erste Lebensabschnitt bringt endlose Möglichkeiten und Metamorphosen mit sich, der letzte ist eine unveränderliche Konstanz und ein Konflikt mit der Realität.

Die Leinwand lässt nicht los, dringt in die Seele ein und lässt Sie über die Tiefe der Botschaft des Künstlers sowie über die Tiefe und Unvermeidlichkeit des Lebens nachdenken.

12. Egon Schiele „Familie“

1918, Öl auf Leinwand. 152,5 x 162,5 cm

Galerie Belvedere, Wien

Schiele war ein Schüler Klimts, aber wie jeder hervorragende Schüler kopierte er nicht seinen Lehrer, sondern suchte nach einem neuen. Schiele ist viel tragischer, seltsamer und beängstigender als Gustav Klimt. In seinen Werken gibt es viel von dem, was man Pornografie, verschiedene Perversionen, Naturalismus und gleichzeitig schmerzliche Verzweiflung nennen könnte.

„Familie“ – sein neuestes Werk, in dem die Verzweiflung auf das Absolute getrieben wird, obwohl dies das am wenigsten seltsam aussehende Bild von ihm ist. Er malte es kurz vor seinem Tod, nachdem seine schwangere Frau Edith an der Spanischen Grippe gestorben war. Er starb im Alter von 28 Jahren, nur drei Tage nach Edith, nachdem es ihm gelungen war, sie, sich selbst und ihr ungeborenes Kind zu zeichnen.

13. Frida Kahlo „Zwei Fridas“

1939

Die Geschichte des schwierigen Lebens eines mexikanischen Künstlers Frida Kahlo wurde nach der Veröffentlichung des Films „Frida“ mit Salma Hayek in der Titelrolle weithin bekannt. Kahlo malte hauptsächlich Selbstporträts und erklärte es einfach: „Ich male mich selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Motiv bin, das ich am besten kenne.“

Keines von Frida Kahlos Selbstporträts lächelt nicht: ein ernstes, sogar trauriges Gesicht, zusammengewachsene dicke Augenbrauen, ein leicht auffälliger Schnurrbart über fest zusammengepressten Lippen. Die Ideen ihrer Bilder sind in den Details, dem Hintergrund, den Figuren, die neben Frida erscheinen, verschlüsselt. Die Symbolik von Kahlo basiert auf nationalen Traditionen und ist eng mit der indischen Mythologie der vorspanischen Zeit verbunden.

In einem der besten Gemälde - „Zwei Fridas“- Sie drückte die männlichen und weiblichen Prinzipien aus, die in ihr durch ein einziges Kreislaufsystem verbunden waren, und demonstrierte so ihre Integrität.

14. Claude Monet „Waterloo-Brücke. Nebeleffekt»

1899, Öl auf Leinwand

Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Beim Betrachten des Bildes aus nächster Nähe Der Betrachter sieht nichts als eine Leinwand, auf die häufig dicke Ölstriche aufgetragen werden. Der ganze Zauber des Werkes offenbart sich, wenn wir uns allmählich von der Leinwand entfernen und auf eine größere Distanz blicken. Zunächst tauchen vor uns unverständliche Halbkreise auf, die durch die Mitte des Bildes verlaufen, dann erkennen wir die klaren Umrisse der Boote und nach einer Entfernung von etwa zwei Metern sind alle Verbindungswerke scharf gezeichnet und in einer Reihe aufgereiht logische Kette vor uns.

15. Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“

1948, Hartfaserplatte, Öl. 240x120 cm

Das Seltsame an diesem Bild ist dass die Leinwand des amerikanischen Führers des abstrakten Expressionismus, die er bemalte, indem er Farbe über ein auf dem Boden ausgebreitetes Stück Faserplatte goss, das teuerste Gemälde der Welt ist. Im Jahr 2006 zahlten sie bei der Sotheby's-Auktion 140 Millionen Dollar dafür. David Giffen, ein Filmproduzent und Sammler, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez.

„Ich entferne mich immer mehr von herkömmlichen Werkzeugen Künstler, wie Staffelei, Palette und Pinsel. Ich bevorzuge Stöcke, Schaufeln, Messer und gieße Farbe oder eine Mischung aus Farbe mit Sand oder Glasscherben oder was auch immer. Wenn ich mich in einem Gemälde befinde, ist mir nicht bewusst, was ich tue. Das Verständnis kommt später. Ich habe keine Angst davor, das Bild zu verändern oder zu zerstören, da das Gemälde ein Eigenleben hat. Ich helfe ihr nur, rauszukommen. Aber wenn ich den Kontakt zum Gemälde verliere, ist es schmutzig und unordentlich. Wenn nicht, dann ist das pure Harmonie, die Leichtigkeit des Nehmens und Gebens.

16. Joan Miro „Mann und Frau vor einem Haufen Kot“

1935, Kupfer, Öl, 23x32 cm

Joan Miro Stiftung, Spanien

Guter Titel. Und wer hätte gedacht, dass dieses Bild uns von den Schrecken der Bürgerkriege erzählt.

Das Bild wurde auf einem Kupferblech angefertigt für die Woche vom 15. bis 22. Oktober 1935. Laut Miro ist dies das Ergebnis eines Versuchs, die Tragödie des spanischen Bürgerkriegs darzustellen. Miro sagte, dass dies ein Bild über eine Zeit der Unruhe sei. Das Gemälde zeigt einen Mann und eine Frau, die einander in die Arme greifen, sich aber nicht bewegen. Die vergrößerten Genitalien und die bedrohlichen Farben wurden als „voller Abscheu und abstoßender Sexualität“ beschrieben.

17. Jacek Yerka „Erosion“

Weltweit bekannter polnischer Neosurrealist Dank seiner erstaunlichen Gemälde, in denen Realitäten kombiniert werden und neue entstehen. Es ist schwierig, seine äußerst detaillierten und teilweise berührenden Werke einzeln zu betrachten, aber das ist das Format unseres Materials, und wir mussten eines auswählen – um seine Fantasie und sein Können zu veranschaulichen. Wir empfehlen Ihnen, mehr zu lesen.

18. Bill Stoneham „Hände widerstehen ihm“

1972

Diese Arbeit kann natürlich nicht berücksichtigt werden zu den Meisterwerken der Weltkunst, aber die Tatsache, dass es seltsam ist, ist eine Tatsache.

Um das Bild herum ein Junge, eine Puppe und Palmen, gegen das Glas gedrückt, es gibt Legenden. Von „Wegen diesem Bild sterben sie“ bis zu „Die Kinder darin leben.“ Das Bild sieht wirklich gruselig aus, was bei Menschen mit einer schwachen Psyche viele Ängste und Vermutungen hervorruft.

Das versicherte der Künstler auf dem Bild Er selbst wird im Alter von fünf Jahren dargestellt, die Tür stellt die Trennlinie zwischen der realen Welt und der Welt der Träume dar und die Puppe ist ein Führer, der den Jungen durch diese Welt führen kann. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten.

Das Gemälde erlangte im Februar 2000 Berühmtheit. als es bei eBay zum Verkauf angeboten wurde, mit der Hintergrundgeschichte, dass das Gemälde „heimgesucht“ sei. „Hands Resist Him“ wurde für 1.025 US-Dollar von Kim Smith gekauft, die daraufhin mit Briefen mit gruseligen Geschichten und der Forderung, das Gemälde zu verbrennen, überschwemmt wurde.

Mystische Geschichten und Mysterien sind mit vielen Gemälden verbunden. Darüber hinaus glauben einige Experten, dass an der Entstehung einer Reihe von Leinwänden dunkle und geheime Kräfte beteiligt sind. Es gibt Gründe für eine solche Behauptung. Zu oft passierten diesen fatalen Meisterwerken erstaunliche Fakten und unerklärliche Ereignisse – Brände, Todesfälle, Wahnsinn der Autoren ... Eines der berühmtesten „verfluchten“ Gemälde ist „Crying Boy“ – eine Reproduktion eines Gemäldes des spanischen Künstlers Giovanni Bragolin . Die Entstehungsgeschichte ist folgende: Der Künstler wollte ein Porträt eines weinenden Kindes malen und nahm seinen kleinen Sohn als Dargestellten. Da das Baby jedoch nicht auf Befehl weinen konnte, brachte der Vater es absichtlich zum Weinen, indem er Streichhölzer vor seinem Gesicht anzündete.

Wenn Sie sie 5 Minuten hintereinander ansehen, verändert sich das Mädchen (Augen werden rot, Haare werden schwarz, Reißzähne erscheinen). Tatsächlich ist klar, dass das Bild eindeutig nicht von Hand gezeichnet ist, wie viele gerne behaupten. Obwohl niemand klare Antworten gibt, wie dieses Bild entstanden ist. Das nächste Bild hängt bescheiden ohne Rahmen in einem der Geschäfte in Winniza. „Rain Woman“ ist das teuerste aller Werke: Es kostet 500 Dollar. Den Verkäufern zufolge wurde das Gemälde bereits dreimal gekauft und dann zurückgegeben. Kunden erklären, dass sie von ihr träumen. Und jemand sagt sogar, dass er diese Dame kennt, sich aber nicht mehr erinnert, wo. Und jeder, der jemals in ihre weißen Augen geschaut hat, wird sich für immer an das Gefühl eines regnerischen Tages, der Stille, der Angst und der Angst erinnern.