Englischer Dramatiker, einer der Vorläufer von Shakespeare. William Shakespeare – Brillanter Dramatiker

WORKSHOP 1 Thema: „Englisches Theater der Ära von Adrazhennya. Kreativität von W. Shakespeare“ 1. Agile Merkmale der Entwicklung der englischen Theaterkunst der Adragen-Ära. 2. Kreativität W. Shakespeare. Periyadyzatsyya kreativer Dramatiker (aptimistisch, tragisch, romantisch). 3. Shakespeares Dramen sind die gewagteste und gewagteste Kunst überhaupt. Pastanovs Shakespeare-Stücke auf der Bühne europäischer Theater. 4. Shakespeares Phänomen in der echten Theaterkunst. Ich versuche ab aўtarstvo creatў. 5. Theater „Globe“: Geschichte und Gegenwart. Pabudova-Szenen, Bühnentechnik, Schauspielmeister.

Theater der Renaissance. Englisches Theater

Auf dem Marktplatz entstand und entwickelte sich das Theater der englischen Renaissance, das seinen nationalen britischen Flair und seine Demokratie prägte. Die beliebtesten Genres auf den Bühnen waren Moral und Possen. Während der Herrschaft von Elizabeth Tudor wurden die Mysterien verboten. Ab Beginn des 16. Jahrhunderts näherte sich die englische Theaterkunst einer neuen Etappe – dem Beginn der Entwicklung des humanistischen Dramas, das vor dem Hintergrund des politischen Kampfes zwischen der königlichen Macht und der katholischen Kirche Gestalt anzunehmen begann.

Von der Bühne erklang scharfe Kritik und Propaganda der neuen humanistischen Ideologie, gekleidet in das Gewand gewohnheitsmäßiger Zwischenspiele und Moral. Im Stück des Humanisten John Rastell „Zwischenspiel über die Natur der vier Elemente“ (1519) gibt es neben den für die Moral traditionellen Figuren folgende Charaktere: Wissensdurst, Lady Natur, Erfahrung und als Opposition für sie - der Teufel Unwissenheit und die Hure Durst nach Vergnügen. Der unversöhnliche Kampf dieser Figuren im Stück endet mit dem Sieg der Aufklärung über Obskurantismus und Unwissenheit.

John Bale – eine herausragende Persönlichkeit der englischen Reformation und ein berühmter Schriftsteller, Autor des Stücks „King John“. Indem er die Moral um soziale Themen ergänzte, legte er den Grundstein für die Dramaturgie im Genre der historischen Chronik.

Das neue Theater entstand aus einer mittelalterlichen Farce. Der Hofdichter, Musiker und Organisator farbenfroher Spektakel, John Gaywood, entwickelte die Farce durch das Verfassen satirischer Einlagen. Darin verspottete er den Betrug der Mönche und Ablassverkäufer, die Intrigen der profitgierigen Geistlichen, die listigen Tricks der Priester, die ihre Sünden mit protziger Frömmigkeit verdeckten. Neben der Hauptfigur – einem Schurken – und negativen Charakteren – Kirchenmännern – beteiligten sich einfältige und gutmütige Bürger an kurzen Alltagsszenen. Die satirischen Einlagen des frühen 16. Jahrhunderts wurden zum Bindeglied zwischen dem mittelalterlichen Possentheater und dem aufkommenden dramatischen Theater.

Die Einführung des englischen Volkes in die italienische Kultur und Kunst trug zur aktiven Wahrnehmung und Popularisierung der antiken Kultur und der Errungenschaften der antiken Zivilisation bei. Das intensive Studium der lateinischen Sprache und das Werk von Seneca und Plautus führten zu Übersetzungen antiker Tragödien und Komödien ins Englische. Aufführungen, die auf diesen Übersetzungen basierten, erfreuten sich im aristokratischen und universitären Umfeld großer Beliebtheit.

Gleichzeitig bewunderten die Aristokraten und das aufgeklärte Publikum die Sonette Petrarcas und die Gedichte Ariostos. Die Romane von Boccaccio und Bandello waren in der Raznochin-Gesellschaft bekannt. Am königlichen Hof wurden Maskeraden als unterhaltsame Unterhaltungsveranstaltungen eingeführt, bei denen Szenen aus italienischen Pastoralen nachgespielt wurden.

Die ersten Beispiele nationaler Komödien und Tragödien erschienen Mitte des 16. Jahrhunderts auf der Bühne. Nicholas Udol, der Autor der ersten englischen Komödie, Ralph Royster Doyster (ca. 1551), war ein gebildeter Hofveranstalter für Unterhaltung und versuchte, den Menschen durch seine Werke „gute Lebensregeln“ beizubringen.

Das Gorboduk-Stück (1562) von Thomas Norton und Thomas Sequile wurde am Hofe von Königin Elizabeth uraufgeführt und gilt als die erste englische Tragödie. Es zeigt deutlich die Nachahmung der römischen Tragödie: die Aufteilung des Stücks in 5 Akte, Chorgesang und Monologe von Boten, blutige Verbrechen, aber die Handlung basiert auf einer historischen Tatsache aus der mittelalterlichen Geschichte. Die Moral der Tragödie lag in der allegorischen Pantomime und den Zwischenspielen, die die Schauspieler zwischen den Akten vorführten und unerwartete Wendungen in der Handlung erklärten.

Nach possenhaften Mysterien und primitiven Farcen entstand auf der Grundlage der antiken und italienischen Dramaturgie eine neue englische Dramaturgie, in der es eine kompositorische Grundlage, Proportionalität der Teile, Logik in der Entwicklung von Handlung und Charakteren gab.

Die Dramatiker der neuen Generation verfügten fast alle über eine Universitätsausbildung und stammten aus einem demokratischen Umfeld. Nachdem sie sich zu einer kreativen Gruppe namens „University Minds“ zusammengeschlossen hatten, versuchten sie in ihren Werken, die hohe humanistische Kultur der Aristokraten und die Volksweisheit mit ihrer Folklore zu vereinen.

W. Shakespeares Vorgänger – der berühmte englische Dramatiker John Lily (ca. 1554–1606) – war ein Hofdichter. In seiner interessantesten Komödie „Alexander und Campaspe“ (1584), die nach der Geschichte des griechischen Historikers Plinius geschrieben wurde, zeigte er die Großzügigkeit Alexanders des Großen, der die Liebe seines Freundes, des Künstlers Apelles, zum Gefangenen sah Campaspe gab ihrer Freundin nach. So siegte im Kampf zwischen Pflicht und Gefühl die Pflicht. Dem idealisierten Alexanderbild steht im Stück die skeptische Figur des Philosophen Diogenes gegenüber, dessen Volksweisheit und gesunder Menschenverstand über das Selbstbewusstsein und die Arroganz des Monarchen und seines Gefolges siegen.

John Lily legte den Grundstein für die sogenannte romantische Komödie. Er führte das lyrische Element in die dramatische Handlung ein und verlieh der Prosarede eine helle poetische Note. Er wies den Weg für die zukünftige Verschmelzung der beiden Genres der Komödie – romantisch und skurril.

Der wahre Vorfahre des englischen Renaissance-Dramas war Christopher Marlowe (1564-1593), ein bekannter Dramatiker und Autor von Werken philosophischen und atheistischen Inhalts. Als Sohn eines Schuhmachers, der durch seine Beharrlichkeit den Grad eines Master of Science erlangte, zeichnete er sich durch Mut und Freigeist aus. K. Marlo zog die Arbeit eines Schauspielers in einer Theatertruppe der Karriere eines Priesters vor, die sich ihm nach seinem Abschluss an der Universität in Cambridge eröffnete. Sein erstes dramatisches Werk, Tamerlan der Große, war voller atheistischer Ideen. Dieses monumentale Werk wurde im Laufe von zwei Jahren in zwei Teilen geschrieben (Teil I im Jahr 1587 und Teil II im Jahr 1588). „Tamerlane der Große“ ist eine dramatisierte Biografie des berühmten Osteroberers des späten XIV. Jahrhunderts, Timur. Marlo verlieh seinem Helden die Stärke und das Aussehen eines legendären Helden. Und was besonders wichtig ist: Er machte den edlen Feudalherrn, der Timur wirklich war, zu einem „niedrig geborenen Hirten“, der sich nur durch die Kraft seines Willens, seiner Energie und seines Geistes über die legitimen Herrscher erhob.

Das Stück von K. Marlo „Die tragische Geschichte des Doktor Faust“ (1588) offenbart die andere Seite des menschlichen Lebens. Die Ablehnung asketischer Prinzipien und die bedingungslose Unterwerfung unter die höchste Autorität aus Wissensdurst und Lebensfreude kleidet er in das Bild des Atheisten Dr. Faust. Das Drama um das befreite Bewusstsein von Dr. Faust und die darauf folgende Einsamkeit führen ihn zur Reue und verdeutlichen gleichzeitig die enorme Energie des Kampfes um Gedankenfreiheit.

Die letzte Tragödie von K. Marlo „Edward II“, geschrieben auf dem Material historischer Chroniken, wurde zur Grundlage des englischen Dramas, das W. Shakespeare in seinen Werken erfolgreich weiterentwickelte.

Gleichzeitig mit den Stücken von K. Marlowe wurden Stücke anderer Dramatiker der University Minds-Gruppe auf der Bühne aufgeführt: Thomas Kyd – „The Spanish Tragedy“ (1587) und Robert Greene – „Monk Bacon and Monk Bongay“, „James IV.“ „ und „George Green, Weckfield Field Watchman“ (1592).

Die kreative Gemeinschaft der Dramatiker der University Minds-Gruppe leitete eine neue Etappe in der Entwicklung des Nationaldramas ein – die Geburt der Tragödie und Komödie der Renaissance. Allmählich entstand das Bild eines neuen Helden – mutig und mutig, dem humanistischen Ideal ergeben.

Ende des 16. Jahrhunderts versammelte das englische Volkstheater riesige Menschenmengen zu seinen Aufführungen, nahm alle revolutionären Ideen auf und ahmte die tapferen Helden nach, die im Kampf ihre Menschenwürde verteidigten. Die Zahl der Theatertruppen nahm stetig zu, die Aufführungen von Hotelhöfen und Stadtplätzen verlagerten sich in eigens dafür errichtete Theater.

Im Jahr 1576 baute James Burbage in London das erste Theater, das „The Theatre“ genannt wurde. Es folgte der Bau mehrerer Theatergebäude gleichzeitig: „Curtain“, „Blackfriars“, „Rose“ und „Swan“. Obwohl der Unterhausrat der Stadt 1576 per Beschluss Theateraufführungen in London selbst verbot, befanden sich die Theater am Südufer der Themse, in einem Gebiet, das außerhalb der Macht des Unterhauses lag.

Die Schauspieler der Londoner Theater waren größtenteils einkommensschwache und entrechtete Menschen, die Prominenten nicht mitgerechnet, die die Schirmherrschaft des Adels genossen. Der königliche Erlass stellte Künstler mit obdachlosen Vagabunden gleich und sah die Bestrafung von Truppen vor, die keine wohlhabenden Gönner hatten. Trotz der harten Haltung der Behörden gegenüber Theatern nahm ihre Popularität von Jahr zu Jahr zu und ihre Zahl nahm zu.

Die Organisationsform der Theatertruppen war damals zweierlei Art: eine Aktienpartnerschaft von Schauspielern mit Selbstverwaltung und ein privates Unternehmen unter der Leitung eines Unternehmers, der Requisiten besaß und die Rechte zur Aufführung eines Stücks von Dramatikern kaufte. Ein Privatunternehmer konnte jede beliebige Truppe engagieren und die Schauspieler seinen Launen unterwerfen.

Die quantitative Zusammensetzung der Truppe betrug nicht mehr als 10-14 Personen, die im Repertoire des Theaters mehrere Rollen spielen mussten. Die weiblichen Rollen wurden von hübschen jungen Männern gespielt, die mit Plastizität der Bewegungen und Lyrik der Stimme eine zuverlässige Leistung erbrachten. Die allgemeine Spielweise der Schauspieler durchlief eine Phase des Übergangs von epischem Stil und erhabenem Pathos zu einer zurückhaltenden Form innerer Dramatik. Die Hauptdarsteller des tragischen Genres in der Ära von W. Shakespeare waren Richard Burbage und Edward Alleyn.

William Shakespeare wurde am 23. April 1564 in der Kleinstadt Stratford-upon-Avon (englisch Stratford-upon-Avon) geboren. Sein Vater, John Shakespeare, war Handschuhmacher und wurde 1568 zum Bürgermeister der Stadt gewählt. Seine Mutter, Mary Shakespeare aus der Familie Arden, gehörte einer der ältesten englischen Familien an. Es wird angenommen, dass Shakespeare am Stratforder „Gymnasium“ studierte, wo er die lateinische Sprache und die Grundlagen des Griechischen lernte und Kenntnisse der antiken Mythologie, Geschichte und Literatur erwarb, die sich in seinem Werk widerspiegelten. Im Alter von 18 Jahren heiratete Shakespeare Anne Hathaway, von der eine Tochter Susanna und die Zwillinge Hamnet und Judith geboren wurden. Zwischen 1579 und 1588 allgemein als „verlorene Jahre“ bezeichnet, weil. Es gibt keine genauen Informationen darüber, was Shakespeare getan hat. Um 1587 verließ Shakespeare seine Familie und zog nach London, wo er sich der Theatertätigkeit widmete.

Die erste Erwähnung Shakespeares als Schriftsteller finden wir 1592 in der sterbenden Broschüre des Dramatikers Robert Greene „Für einen Penny eines Geistes, der für eine Million Reue gekauft wurde“, wo Greene von ihm als einem gefährlichen Konkurrenten („Emporkömmling“, „) sprach. Krähe, die in unseren Federn zur Schau steht). Im Jahr 1594 wurde Shakespeare als einer der Anteilseigner der Truppe „Servants of the Lord Chamberlain“ (Chamberlain’s Men) von Richard Burbage aufgeführt, und im Jahr 1599 wurde Shakespeare einer der Miteigentümer des neuen Globe Theatre. Zu diesem Zeitpunkt wird Shakespeare ein ziemlich wohlhabender Mann, kauft das zweitgrößte Haus in Stratford, erhält das Recht auf ein Familienwappen und den Adelstitel eines Gentleman. Shakespeare beschäftigte sich viele Jahre lang mit Wucher und wurde 1605 Landwirt, der Kirchenzehnten zahlte. 1612 verließ Shakespeare London und kehrte in seine Heimatstadt Stratford zurück. Am 25. März 1616 wurde von einem Notar ein Testament aufgesetzt und am 23. April 1616, an seinem Geburtstag, starb Shakespeare.

Der Mangel an biografischen Informationen und viele unerklärliche Fakten führten dazu, dass eine relativ große Anzahl von Personen für die Rolle des Autors von Shakespeares Werken nominiert wurde. Bisher gibt es viele Hypothesen (erstmals Ende des 18. Jahrhunderts aufgestellt), dass Shakespeares Stücke von einer ganz anderen Person geschrieben wurden. Seit mehr als zwei Jahrhunderten des Bestehens dieser Versionen wurden unterschiedliche Bewerber für die „Rolle“ des Autors dieser Stücke vorgeschlagen – von Francis Bacon und Christopher Marlo bis zum Piraten Francis Drake und Königin Elizabeth. Es gab Versionen, die ein ganzes Autorenteam unter dem Namen Shakespeare versteckte. Derzeit gibt es bereits 77 Kandidaten für die Autorschaft. Doch wer auch immer er ist – und in zahlreichen Auseinandersetzungen um die Persönlichkeit des großen Dramatikers und Dichters wird der Punkt nicht bald, vielleicht nie zur Sprache kommen –, die Schöpfungen des Genies der Renaissance inspirieren auch heute noch Regisseure und Schauspieler auf der ganzen Welt.

Die gesamte Karriere Shakespeares – der Zeitraum von 1590 bis 1612. normalerweise in drei oder vier Perioden unterteilt.

Ab dem Ende der 80er Jahre des 16. Jahrhunderts trat die Dramaturgie der englischen Renaissance in eine Zeit ausgereifter Kunst ein. Jeder neue Autor, fast jedes neue Werk bereichert das Drama mit neuen Ideen und künstlerischen Formen.

Dramaturgische Kreativität wird professionell. Eine Galaxie von Dramatikern mit dem Spitznamen „Universitätsgeister“ erscheint. Wie der Spitzname andeutet, handelte es sich dabei um Personen mit Universitätsausbildung und höheren Abschlüssen. Sie erhielten eine klassische liberale Ausbildung, waren in der griechischen und römischen Literatur belesen und kannten die Schriften italienischer und französischer Humanisten. Robert Greene und Christopher Marlo erhielten ihren BA- und MA-Abschluss in Cambridge. John Lily, Thomas Lodge und George Peel erhielten Abschlüsse von Oxford. Nur Thomas Kidd schloss die Universität nicht ab, sondern studierte an einer der besten Londoner Schulen. Zu diesem Zeitpunkt war der Humanismus bereits eine ausgereifte Lehre, und sie mussten ihn nur noch akzeptieren.

Aber Oxford und Cambridge bereiteten ihre Studenten nur auf die Priesterlaufbahn vor. Bestenfalls könnten sie Lehrer werden. Aber das war nicht der Grund, warum sie Plautus und Seneca, Boccaccio und lasen

Ariosto, diesen Weg zu gehen. Nachdem sie ihre Diplome erhalten hatten, eilten sie nach London. Jeder von ihnen war voller neuer Ideen und kreativer Ambitionen. Bald begannen die Druckmaschinen der Hauptstadt damit zu arbeiten. Aber es war schwierig, vom literarischen Einkommen zu leben. Gedichte, Romane und Broschüren brachten mehr Ruhm als Geld. Die „stürmischen Genies“ jener Zeit, die in Literatur und Theater neue Wege ebneten, lebten hungernd ganz unten in London, lebten mit Stammgästen und Dieben zusammen, drängten sich in Gasthöfen zusammen und rannten von dort weg, als der Besitzer nichts zu bezahlen hatte . Sie gelangten auch zufällig in den Salon eines edlen und wohlhabenden Mäzens der Poesie, aber hier konnten sie keine Wurzeln schlagen.

Die Liebe zur Kunst und die Suche nach einem Job trieben sie zum Theater. Bei Robert Green zum Beispiel ist das so passiert. Eines Tages wanderte er ohne einen Penny in der Tasche durch die Straßen und traf einen alten Bekannten, der ihn mit seinem reichen Anzug beeindruckte. Green war neugierig, woher sein Freund so reich wurde, und erfuhr, dass er Schauspieler geworden war. Nachdem der Schauspieler erfahren hatte, dass Green Gedichte schreibt, lud er ihn ein, für das Theater zu schreiben.

Lily kam auf eine andere Art und Weise zum Schreiben von Theaterstücken. Er unterrichtete die Chorknaben in Latein. Als ein anderer Chor mit großem Erfolg junge Schauspieler aufführte, beschloss er, ein Theaterstück zu schreiben und es mit seinen Schülern aufzuführen.

Aber egal wie zufällig die Gründe waren, die „Universitätsgeister“ zum Theater lockten, ihre Ankunft dort war im Wesentlichen natürlich. Das Theater erwies sich als beste Plattform für ihre Ideen, ein Feld, in dem sie ihr künstlerisches Talent unter Beweis stellen konnten.

Die meisten „Universitätsköpfchen“ schrieben für das Volkstheater. Nur Lily ließ sich von Anfang an von der „auserwählten“ höfisch-aristokratischen Öffentlichkeit leiten.

Peru John Lily (1553 - 1606) besitzt acht Stücke: „Alexander und Campaspe“ (1584), „Sappho und Phaon“ (1584), „Galatea“ (1588), „Endymion oder Mann im Mond“ (1588), „Midas“ (1589 – 1590), „Mutter Bomby“ (ca. 1590), „Metamorphosen der Liebe“ (ca. 1590), „Frau im Mond“ (ca. 1594).

Nicht umsonst studierte Lily antike Autoren. Er war süchtig nach alten Geschichten und Mythen. Aber seine Stücke waren keineswegs akademische Übungen zur Nachahmung antiker Autoren. Lilis Dramaturgie war trotz der griechischen Namen der Helden und Heldinnen recht modern. Indem er Handlungsstränge aus der antiken Geschichte und Mythologie entlehnte und sie im Geiste des italienischen Humanismus mit pastoralen Elementen füllte, lieferte Lily in seinen Komödien eine allegorische Darstellung der Hofgesellschaft Elisabeths. In fast jeder seiner Komödien wird unter dem einen oder anderen Namen Königin Elizabeth herausgebracht und als Vorbild aller Tugenden verherrlicht. Lilys Athen erinnert an London und die arkadischen Wiesen sind englischer Natur.

In Lilys Komödien dominieren Liebesthemen, lediglich in „Midas“ finden sich Elemente der politischen Satire auf den spanischen König Philipp II. und in „Mutter Bombie“ Elemente der Alltagssatire. In der Regel findet Lilys Aktion in einem bedingten Setting statt. Die Charaktere sind halb fiktiv, halb real. Sie sprechen in einem sehr eigenartigen weltlichen Jargon.

Lily war die Schöpferin eines besonderen Stils des „Eufuismus“, der seinen Namen von Lilys Roman „Euphues oder Anatomy of wit“ (1579) erhielt. Der von Lili entwickelte Redestil war eng mit dem ideologischen Konzept verbunden, das seinem gesamten Werk zugrunde lag.

Lily war eine Vertreterin des höfisch-aristokratischen Humanismus. Er unterstützte voll und ganz das bestehende System und glaubte, dass der Humanismus sich auf die Aufgabe beschränken sollte, den idealen Herrn zu erziehen, der mit äußerer und innerer Kultur ausgestattet ist. Basierend auf der Abhandlung des italienischen Schriftstellers Castiglione „Der Höfling“ versuchte Lily im Bild des Helden seines Romans, Eufues, eine konkrete Verkörperung seines Ideals darzustellen. Hohe Intelligenz und feines Feingefühl müssen mit gepflegten Manieren einhergehen. Mit seinem Roman wollte Lily den Aristokraten der Zeit Elisabeths Beispiele für Galanterie geben. Tatsächlich war sein Roman auf englischem Boden eines der frühesten Beispiele dieses „präzisen“ Stils, der später im Französischen eine so bedeutende Entwicklung erfuhr Adelsliteratur des 17. Jahrhunderts und wurde von Molière grausam verspottet.

Charakteristische Merkmale des euphuistischen Stils: Rhetorik, eine Fülle von Metaphern und Vergleichen, Antithesen, Parallelismen, Bezüge zur antiken Mythologie. Nicht nur Lilys Roman wurde in einer ähnlichen Sprache verfasst, sondern auch seine Theaterstücke. In Lilys Komödie Endymion spricht der Held über seine Geliebte: „O schöne Cynthia! Warum nennen dich andere wankelmütig, wenn ich dich unverändert vorfinde? Die ruinöse Zeit, bösartige Moral, unfreundliche Menschen, die die unvergleichliche Beständigkeit meiner schönen Geliebten sahen, nannten sie.“ veränderlich, untreu Kann man jemanden als instabil bezeichnen, der von Geburt an immer seinen eigenen Weg geht, ohne auch nur einen Moment die Richtung zu ändern? Knospen sind wertlos, bis sie Farbe geben, und die Farbe – bis sie reife Früchte hervorbringt, und sollen wir sie nennen? veränderlich, weil aus einem Samen ein Spross entsteht, aus einem Spross eine Knospe, aus einer Knospe eine Blume?“

Der Euphuismus hatte einen erheblichen Einfluss auf die literarische Sprache dieser Zeit, einschließlich der Sprache dramatischer Werke. Zu einem bestimmten Zeitpunkt spielte er eine positive Rolle und trug zur Bereicherung und Veredelung der Sprache bei. Die betonte Aristokratie und Künstlichkeit dieses Stils konnte jedoch bei den Schriftstellern, die sich an der lebendigen Volkssprache orientierten, eine Reaktion hervorrufen. Shakespeare, der dem Euphuismus zunächst eine gewisse Hommage zollte, parodierte diesen Stil dann immer wieder. Als Falstaff und Prinz Heinrich (Heinrich IV., Teil 1) ein Treffen zwischen dem König und dem Prinzen inszenieren, imitiert der dicke Ritter, der in dieser Szene eine Reihe dramatischer Werke dieser Zeit parodiert, den euphuistischen Stil wie folgt:

„Harry, ich bin nicht nur von deinem Zeitvertreib überrascht, sondern auch von der Gesellschaft, in der du lebst. Obwohl die Kamille schneller wächst, je mehr sie zertrampelt wird, lässt die Jugend umso schneller nach, je mehr sie missbraucht wird. Dass du mein Sohn bist , das teilweise bin ich, ich bin durch die Beteuerungen deiner Mutter überzeugt, teilweise meine eigene Meinung, aber besonders der schelmische Blick in deinen Augen und das dumme Herabhängen deiner Unterlippe ... Deine Gesellschaft befleckt einen Menschen. Das sage ich dir, Harry, nicht aus betrunkenen Augen, aber mit Tränen in den Augen, nicht im Scherz, sondern voller Trauer, nicht nur mit Worten, sondern mit schmerzendem Herzen. Auch Polonius' Reden in Hamlet sind euphuistisch. Aber hier handelt es sich sowohl um eine Parodie als auch um eine Charakterisierung der Figur: Dies war der Geschmack des höfischen Umfelds.

Neben der Künstlichkeit steckte in Lilys Komödien jedoch auch lebendiger Witz. Ein Beispiel dafür ist der Dialog von Platon, Aristoteles und Diogenes in „Alexander und Campaspe“, die Gespräche von Dienern in anderen Komödien. Von hier aus ist es nur noch ein Schritt zum Witz der Shakespeare-Komödien.

Lily war die Schöpferin der „hohen“ Komödie. Er war der erste, der die Komödie über die Farce hinausbrachte. Mit der möglichen Ausnahme von „Mother Bombie“, wo es Elemente der Farce gibt, malt er überall romantische Situationen und baut die Handlung auf dem Aufeinandertreffen großer Leidenschaften auf. Auch darin ist er ein direkter Vorgänger Shakespeares. Aber die Moral, von der seine Komödien durchdrungen sind, steht im völligen Gegensatz zu Shakespeares und im Allgemeinen zu den ethischen Prinzipien des Volksdramas. In Lilys Komödien kommt es sehr häufig zu Konflikten, die daraus entstehen, dass zwei Menschen eine Frau lieben („Alexander und Campaspe“, „Sappho und Faon“ usw.). Einer von ihnen muss seine Liebe aufgeben. Lily beharrt auf strenger moralischer Disziplin, besteht auf der Notwendigkeit, ihre Leidenschaften zu unterdrücken, und in diesem Sinne ist ihm Puritanismus nicht fremd. Das Volksdrama kultivierte keineswegs die stoische Unterdrückung von Leidenschaften, Gefühlen und Wünschen. Im Gegenteil, sein ganzes Pathos bestand darin, die Stärke und Schönheit mächtiger Leidenschaften darzustellen, die Legitimität des Rechts eines Menschen auf Befriedigung seiner Bestrebungen zu bekräftigen, im Kampf der guten Prinzipien der menschlichen Natur gegen die schlechten.

Die wichtigsten Vertreter des Volksdramas vor Shakespeare waren Green, Kid und Marlo.

Robert Green (1558–1592) stammte aus Norwich. Er studierte an der Universität Cambridge, wo er 1578 einen Bachelor-Abschluss und 1583 einen Master-Abschluss erhielt. Als Junggeselle reiste er nach Spanien und Italien. Greens literarische Tätigkeit begann in Cambridge und wurde nach 1583, als er sich in London niederließ, zur Haupteinnahmequelle. Die 89 Jahre, die Green in der Hauptstadt verbrachte, waren die stürmischste und fruchtbarste Zeit seines Lebens. Green schrieb in verschiedenen Genres: Lyrik, Gedichte, Romane, satirische Broschüren und Dramen. Intensive, schlecht bezahlte Arbeit, Zeiten völliger Not, in denen Green buchstäblich verhungerte, und darauffolgende Monate des Wohlstands, in denen er maßlos schwelgte und sein Honorar verschwendete – all dies beeinträchtigte seine Gesundheit. Er wurde krank und starb in einem Gasthaus, hatte Schulden beim Besitzer und hatte nicht einmal Geld für eine Beerdigung übrig.

Greenes erstes dramatisches Erlebnis, „Alphonse, König von Aragon“ (1587), ist ein Stück, das die außergewöhnlichen Taten und grandiosen Siege eines Helden schildert, der die Krone und die Liebe eines schönen Mädchens gewinnt. Auch die Dramatisierung von „Der wütende Roland“ (1588) hat eine romantische Grundlage. Die Handlung von Ariostos Gedicht gab Green die Gelegenheit, die Liebe des Publikums zu lebhafter, unterhaltsamer Action zu befriedigen und Helden mit großen Leidenschaften hervorzuheben.

Monk Bacon und Monk Bongay (1589) spiegelt wie Marlowes Faust ein charakteristisches Phänomen der Zeit wider – den Wunsch, die Geheimnisse der Natur zu kennen und sie mit Hilfe der Wissenschaft zu unterwerfen. Wie Marlo trennt Green Wissenschaft nicht von Magie. Sein Held, der Mönch Bacon, ist ein Hexenmeister mit der Fähigkeit, Wunder zu wirken. Allerdings fehlt Greenes Stück völlig der tragische Sinn, den Marlowes Stück hat. Es gibt keinen Titanismus in Greens Charakteren und die gesamte Handlung erhält eine romantische Färbung. Der Prinz von Wales und seine Höflingin Lacey suchen die Liebe der Tochter des Försters, der schönen Marguerite. Die Rivalität zwischen den beiden Zauberern Bacon und Bongay ist sozusagen der komische Hintergrund dieser Liebesgeschichte.

Ein wesentliches Element des Stücks ist seine Verbindung zur Folklore. Die Handlung hat ihre Wurzeln in englischen Volkslegenden über den mittelalterlichen Wissenschaftler Roger Bacon (XIII. Jahrhundert), der die Brille erfand und das Prinzip der Konstruktion eines Teleskops begründete. Im Stück besitzt er ein „Zauberglas“, das es ihm ermöglicht, in die Ferne zu sehen. Einige Szenen basieren auf der Tatsache, dass Bacon durch dieses Glas schaut und was er sieht, sieht auch das Publikum.

„Monk Bacon und Monk Bongay“ ist eines der beliebtesten Stücke des Volkstheaters. Es ist von unbestreitbarer Demokratie durchdrungen. Die Heldin des Stücks Margarita ist ein Mädchen aus dem Volk, das als Verkörperung des Ideals von Schönheit, Treue und Liebe, als Trägerin freier Gefühle fungiert. „Weder der König von England noch der Herrscher von ganz Europa“, erklärt sie, „würden mich dazu bringen, den zu lieben, den ich liebe.“

Auch Greens Einstellung zur Wissenschaft ist von Demokratie geprägt. Mönch Bacon nutzt seine magischen Kräfte nicht für persönliche Zwecke, sondern um Menschen zu helfen. Am Ende des Stücks verkündet er eine Prophezeiung über die Zukunft Englands, das, nachdem es den Schmelztiegel der Kriege durchgemacht hat, ein friedliches Leben erreichen wird:

Zuerst wird der Mars die Felder in Besitz nehmen, dann wird das Ende des militärischen Sturms kommen: Pferde werden ohne Angst auf den Feldern grasen, Reichtum wird an den Ufern blühen, dessen Anblick Brutus einst bewunderte, und Frieden wird vom Himmel in die Büsche herabsteigen ...

In „James IV“ (1591) nutzte Green wie andere Dramatiker dieser Zeit die historische Handlung, um politische Probleme zu interpretieren. Green ist ein Befürworter der „aufgeklärten Monarchie“. Wie später Shakespeare stellt er die Frage nach der Persönlichkeit des Königs und glaubt, dass diese davon abhängt, ob die Regierung gerecht oder ungerecht sein wird. Der schottische König Jakob IV. wird im Stück als typische Verkörperung monarchischer Willkür dargestellt. Aufgrund seiner Liebe zu Ida, der Tochter der Gräfin von Arran, befiehlt Jakob IV. auf Betreiben des verräterischen Höflings Atekin die Ermordung seiner Frau Dorothea, der Tochter des englischen Königs. Die Königin wird vor der Verschwörung gewarnt und versteckt sich. Die Nachricht von ihrem vermeintlichen Tod erreicht ihren Vater Heinrich VII., der mit einer Armee in Schottland einmarschiert. Dorothea taucht versteckt auf. Jakobus IV. bereut und alles endet in Frieden.

Dieses Stück zeichnet sich wie andere Werke von Green durch eine Kombination aus einem gesellschaftspolitischen Thema und persönlichen Konflikten aus. Der böse König James steht im Gegensatz zum englischen König Heinrich VII., der als Hüter der Gerechtigkeit und Legalität fungiert. Um den allgemeinen Geist dieses Stücks zu verstehen, ist die Episode, in der sich der Anwalt, der Kaufmann und der Priester über die Ursachen sozialer Katastrophen unterhalten, von großer Bedeutung. Green macht den Priester zum Sprecher der gerechtesten Ansichten. „Wie heißt ein solcher Orden, bei dem die Armen immer ihren Fall verlieren, egal wie gerecht er ist?“ ist der Priester empört. Und sie werden auf deine Hilfe zurückgreifen, du wirst den letzten Faden von ihnen entfernen und sie lassen gehen mit ihren Kindern um die Welt. Jetzt hat der Krieg begonnen; die ausgeraubten Menschen sind besorgt; wir werden auch ohne Feinde ausgeraubt; unsere eigenen ruinieren uns und verurteilen zugleich: Im Frieden hat uns das Gesetz nicht verschont, jetzt wir wird es wiederum zerstören.

Der Held des Stücks „George Greene, Weckfield Field Watchman“ (1592) ist ein Mann des Volkes, ein Freibauer, stolz darauf, ein Bürger zu sein, und lehnt den Adelstitel ab, den der König ihm wünscht. George Green ist den Feudalherren feindlich gesinnt, er nimmt die rebellischen Herren gefangen, die gegen Edward III. rebellierten. Die politische Ausrichtung des Stücks entsprach den Positionen der bürgerlichen Humanisten, die in der Stärkung der absoluten Monarchie ein Mittel zur Unterdrückung des Eigenwillens der Feudalherren sahen. Die Idee der Einheit von Volk und König im Kampf gegen die Feudalherren zieht sich durch das gesamte Stück. Solche Ansichten von Greene waren natürlich eine Illusion, die in jenem Stadium der gesellschaftlichen Entwicklung Englands entstand, als die absolute Monarchie in ihrem Kampf gegen die Feudalherren auf die Unterstützung der Bourgeoisie und des Volkes angewiesen war.

Wie in „The Monk Bacon“ ist auch in „Weckfield Field Watchman“ die Verbindung zwischen Greenes Dramaturgie und Folklore deutlich zu spüren. Ganz zu schweigen von der Tatsache, dass eine der Figuren im Stück der Held der Volksballaden Robin Hood ist, das Bild von George Green wurde vom Autor auch aus Volksliedern entlehnt. Die demokratischen Sympathien des Autors spiegeln sich auch in den Bildern der Stadtbewohner von Weckfield, in der liebevollen Darstellung des Lebens der einfachen Leute und im volkstümlichen Humor wider, der mehrere Episoden des Stücks prägt.

Ein Grinsen war für tragisches Pathos völlig untypisch. In der Regel haben seine Stücke ein Happy End. Das komische Element in ihnen ist sehr bedeutsam, das Green organisch mit den Hauptsträngen der Handlung verband. Green baute gerne komplexe Intrigen auf und leitete parallele Aktionen.

Diese Merkmale von Greens Dramaturgie sind fest in der Praxis des englischen Renaissance-Theaters verankert.

Thomas Kidd ist eine der interessantesten und zugleich geheimnisvollsten Figuren der englischen Renaissance. Auch seine Geburts- und Sterbedaten sind nicht genau bekannt: Es wird angenommen, dass er 1557 geboren wurde und 1595 starb. Wir wissen nur, dass er, bevor er Dramatiker wurde, Schreiber war. Einige seiner Stücke wurden ohne den Namen des Autors veröffentlicht, andere waren nur mit Initialen gekennzeichnet. Die Hauptquelle für die Bestimmung der Urheberschaft von Kid waren die Geschäftsbücher des Theaterunternehmers Philip Genslo, der die Zahlung von Lizenzgebühren an die Autoren der Stücke vermerkte.

Laut Forschern war Kid Autor von fünf Theaterstücken. Die erste war die „Spanische Tragödie“, deren Popularität daran gemessen werden kann, dass sie im Laufe eines Jahrzehnts viermal veröffentlicht wurde (1. Auflage – ohne Datum, 2. – 1594, 3. – 1599, 4. – 1602). Obwohl der Name des Autors in keiner Ausgabe angegeben ist, halten alle Forscher die Zugehörigkeit dieses Stücks zu Kid für unbestreitbar. Es wird angenommen, dass Kid den ersten Teil der Tragödie „Jerónimo“ geschrieben hat, der die Ereignisse vor der „spanischen Tragödie“ schildert.

Kid wird außerdem die Urheberschaft des Stücks zugeschrieben, dessen langer Titel lautet: „Die Tragödie von Soliman und Persis, in der Beständigkeit in der Liebe, Unbeständigkeit des Schicksals und das Feilschen mit dem Tod dargestellt werden.“ Mit Sicherheit kann man im Zusammenhang mit der Tragödie „Pompeji der Große und die schöne Cornelia“ von Kid’s Autorschaft sprechen, da sein Name auf der Titelseite angegeben ist. Darin heißt es auch, dass es sich bei dem Stück um eine Übersetzung einer Tragödie des französischen Dichters Robert Garnier handele. Schließlich wird angenommen, dass Kyd der Autor der Hamlet-Tragödie vor Shakespeare war, die bekanntermaßen zwischen 1587 und 1588 auf der Bühne aufgeführt wurde, obwohl ihr Text nicht überliefert ist.

Das bemerkenswerteste dieser Dramen war die „Spanische Tragödie“, die den Beginn des Genres der „blutigen Dramen“ markierte. Es beginnt mit dem Erscheinen des Geistes von Andrea, der nach Rache für seinen Tod durch den portugiesischen Balthasar schreit. Diese Aufgabe übernimmt der Freund des Verstorbenen, Horatio, der Balthasar gefangen nimmt und nach Spanien bringt. Doch hier gelingt es Balthasar, sich mit dem Sohn des Herzogs von Kastilien – Lorenzo – anzufreunden. Mit seiner Hilfe wird Balthasar die Braut der verstorbenen Andrea, die schöne Belimperia, heiraten. Aber Belimperia liebt Horatio. Um den Rivalen auszuschalten, töten Balthasar und sein Freund Lorenzo Horatio. Sie hängen die Leiche des Ermordeten an einen Baum vor seinem Haus. Horatios Vater Hieronimo findet die Leiche und schwört, die Mörder zu finden, um sich an ihnen zu rächen. Mutter Horatio begeht, von Trauer geschockt, Selbstmord. Nachdem Jeronimo herausgefunden hat, wer die Ursache all seines Unglücks war, schmiedet er einen Racheplan. Er lädt die Mörder seines Sohnes ein, an der Aufführung des Stücks bei der Hochzeitsfeier anlässlich der Hochzeit von Balthazar und Belimperia teilzunehmen. Alle Hauptfiguren sind an diesem Stück beteiligt. Im Verlauf dieses Stücks muss Hieronimo Lorenzo und Balthasar töten, was er auch tut. Belimperia begeht Selbstmord, Vater Lorenzo fällt tot und so wird Jeronimos Rache vollzogen. Als der König Hieronimos Verhaftung anordnet, beißt er sich die Zunge ab und spuckt sie aus, um sein Geheimnis nicht preiszugeben. Hieronimo ersticht sich daraufhin mit einem Dolch.

„Spanische Tragödie“ – ein Drama um Hofintrigen und grausame Rache – ist sowohl in seinen künstlerischen Zügen als auch in seiner ideologischen Ausrichtung von großem Interesse.

Kid lehnte vorgefertigte Handlungsstränge antiken oder mittelalterlichen Ursprungs ab und erfand die Handlung seiner Tragödie, die im heutigen Spanien spielt, in den 80er Jahren des 16. Jahrhunderts. Er füllt das Stück mit heftigen Leidenschaften, sich schnell entwickelnden Ereignissen und pathetischen Reden. Er baut die Handlung gekonnt auf, leitet mehrere parallele Intrigen gleichzeitig und überrascht den Zuschauer mit unerwarteten Zufällen und scharfen Wendungen im Schicksal der Charaktere. Die Charaktere sind mit scharfen, ausdrucksstarken Strichen umrissen. Temperament verbindet sich in ihnen mit Zielstrebigkeit, mit einem enormen Willensdruck. Er schafft Bilder von Schurken, die der Täuschung und Grausamkeit keine Grenzen kennen. Jeronimos Rachedurst entwickelt sich zu einer Obsession, die an den Wahnsinn grenzt.

Passend zur ganzen Farbe der Tragödie und der weiblichen Bilder, insbesondere der Heldin des Stücks Belimperia, die Männern an Leidenschaft, Energie und Entschlossenheit in nichts nachsteht. Die Kinderfiguren drücken ihre Gefühle in Reden voller intensiver Emotionalität, stürmischen Ausrufen und kühnen Übertreibungen aus. Darin ähnelt Kids Tragödie vielen anderen dramatischen Werken dieser Zeit. Aber es gibt ein Merkmal in der „Spanischen Tragödie“, das dieses Stück von der Masse der modernen dramatischen Produktion unterscheidet. Das ist ihre außergewöhnliche Theatralik und Bühnenpräsenz. Im Gegensatz zu vielen Stücken, in denen ein Großteil der Handlung außerhalb der Bühne stattfand, spielt sich in „Kid“ alles auf der Bühne vor dem Publikum ab. Nachdem er den Schematismus des literarischen, „akademischen“ Dramas überwunden hatte, belebte Kid sozusagen die für das Mysterientheater charakteristischen Elemente der Visualisierung und des wirkungsvollen Spektakels auf einer neuen Grundlage. Ein Kinderspiel schafft ein spannendes Spektakel, die darin dargestellten Ereignisse lösen entweder Mitleid und Mitgefühl oder Angst und Entsetzen aus. Im Verlauf der Handlung der „Spanischen Tragödie“ kommt es zu acht Morden und Selbstmorden, die jeweils auf ihre eigene Weise begangen werden; Darüber hinaus werden dem Publikum Erhängen, Wahnsinn, Zungenabbeißen und andere schreckliche Dinge gezeigt. Die Helden von „Kid“ hielten nicht nur Reden, sondern führten auch viele verschiedene Taten aus, und all dies erforderte für die damalige Zeit neue Schauspieltechniken, die Entwicklung von Mimik, Gestikulation und Bühnenbewegung. Zu den innovativen Elementen von Kids Dramaturgie gehört auch die Einführung der „Bühne auf der Bühne“ – ein Mittel, das reichhaltige Bühnenmöglichkeiten enthielt und in der Folge von Shakespeare wiederholt verwendet wurde.

Die dramatischen Innovationen von Kid waren kein Selbstzweck. Sie sind untrennbar mit der ideologischen Ausrichtung seines Schaffens verbunden. Horror und Schurkerei, die in der „Spanischen Tragödie“ in Hülle und Fülle dargestellt werden, spiegelten Kidus charakteristische tragische Wahrnehmung der Realität wider.

Die Fülle an Schrecken und Gräueltaten in dem blutigen Drama spiegelte die Ausgelassenheit des individualistischen Eigenwillens und den Zusammenbruch aller feudalen Bindungen unter den Bedingungen der entstehenden bürgerlichen Gesellschaft wider. Der Bruch alter moralischer Normen drückte sich im Verlust hemmender Prinzipien aus. Wut, Betrug, Verrat, Raub, Gewalt, Mord und andere ähnliche Phänomene, die in dem blutigen Drama festgehalten wurden, waren keine Erfindung von Dramatikern, sondern ein Spiegelbild der Tatsachen der Realität. Nicht umsonst entstanden im Genre des blutigen Dramas zahlreiche Werke auf der Grundlage moderner Stoffe und nicht auf entlehnten literarischen oder historischen Handlungssträngen.

Die überwiegende Mehrheit der blutigen Tragödien schilderte das Leben der oberen Gesellschaftsschichten, des Hofes und des Adels. Die demokratische Ausrichtung des Genres spiegelte sich darin wider, dass blutige Dramen im Wesentlichen stets die Unmoral und Grausamkeit der High Society verurteilten.

Einen besonderen Platz unter den blutigen Dramen nimmt das Werk eines unbekannten Autors „Arden from Feversham“ (um 1590) ein. Der wesentliche Unterschied dieses Stücks zu anderen Werken dieser Gattung besteht darin, dass die Handlung darin nicht am Hof ​​und nicht im Adel stattfindet, sondern im Leben von Menschen einfachen Ranges. Dies ist das erste bürgerliche Familiendrama im englischen Theater. Die Handlung basiert auf den wahren Ereignissen des Jahres 1551.

Das Stück erzählt die Geschichte der Ermordung der Bürgerin von Arden durch seine Frau Alice und ihren Geliebten Mosby. Unfähig, ihre Leidenschaften zu zügeln, beschließt Alice, ihren ungeliebten Ehemann loszuwerden, doch die Umsetzung ihres Plans stößt immer wieder auf Hindernisse, und Arden schafft es immer wieder, den für ihn vorbereiteten Fallen auszuweichen.

Der Dramatiker leitet die Handlung mit großem Geschick und entfaltet vor dem Betrachter Bilder vom Leben der Mittelschicht, der Werktätigen und des Abschaums der Gesellschaft in der Provinz und in der Metropole. Das dramatische Geschick, mit dem sich die Geschichte entfaltet, hat Forscher zu der Vermutung veranlasst, dass Shakespeare oder The Kid der Autor dieses anonymen Stücks gewesen sein könnten. Diese Annahmen haben jedoch keine ernsthafte Grundlage.

Der größte Vorgänger Shakespeares war Christopher Marlowe (1564-1593). Als Sohn eines Schuhmachers aus Canterbury, der ein komplettes naturwissenschaftliches Studium an der Universität Cambridge absolvierte, erhielt Marlow 1587 den Abschluss eines Master of Liberal Arts. Nachdem er sich in London niedergelassen hatte, widmete er sich poetischen und dramatischen Aktivitäten und inszenierte Theaterstücke für öffentliche Theater.

Während seines Aufenthalts in London schloss sich Marlowe einem Kreis von Freidenkern an, angeführt von Walter Raleigh, einer der bedeutendsten Figuren der englischen Renaissance; Raleigh war ein Krieger, Seefahrer, Dichter, Philosoph und Historiker. Marlo war ideologisch mit Raleigh verbunden und bekannte sich offen zum Atheismus und zu republikanischen Ansichten. Es sind zahlreiche Denunziationen gegen Marlo erhalten geblieben, die von Agenten der Geheimpolizei eingereicht wurden. Im Fall seines Freidenkertums wurde eine Untersuchung eingeleitet. Doch die Behörden beschlossen, auf das übliche Gerichtsverfahren zu verzichten: Marlo wurde von Regierungsagenten in einem Gasthaus in der Stadt Deptford getötet, und dann wurde eine Version verfasst, wonach die Todesursache des Dichters eine Schlägerei um ein Wirtshausmädchen sei. Tatsächlich wurde der Dramatiker, wie Forscher nun dokumentiert haben, Opfer des Polizeiterrors der elisabethanischen Regierung.

Marlos erstes Theaterstück erschien 1587, fünf Jahre später war er bereits tot. Trotz der kurzen Dauer seiner Tätigkeit hinterließ Marlo ein sehr bedeutendes dramatisches Erbe.

Die erste Tragödie von Marlowe schockierte seine Zeitgenossen buchstäblich. Kein einziges Werk der Szene hatte bis dahin einen solchen Erfolg wie das, das „Tamerlane“ zufiel (1. Teil – 1587, 2. Teil – 1588). Der Held der Tragödie ist ein einfacher Hirte, der zum Feldherrn wird und zahlreiche Königreiche des Ostens erobert.

Tamerlane ist eine titanische Persönlichkeit: Er strebt nach unbegrenzter Herrschaft über die Welt. Dies ist ein Mann mit großem Ehrgeiz, einem unermüdlichen Machthunger und unbezähmbarer Energie. Er glaubt nicht an das Schicksal und an Gott, er ist sein eigenes Schicksal und sein eigener Gott. Er ist fest davon überzeugt, dass alles, was man sich wünscht, erreichbar ist, man muss es nur wirklich wollen und erreichen.

Der Glaube an die Kraft des Geistes und Willens des Menschen wird von Marlo in Tamerlanes Monolog zum Ausdruck gebracht:

Wir bestehen aus vier Elementen, die hartnäckig miteinander streiten. Die Natur lehrt unseren Geist, sich zu erheben und mit einer unersättlichen Seele die wunderbare Architektur der Welt zu erkennen, den komplexen Weg der Himmelskörper zu messen und nach unendlichem Wissen zu streben ...

Nachdem Tamerlane einen seiner ersten militärischen Siege errungen hat, nimmt er die schöne Zenokrate, die Tochter des ägyptischen Sultans, gefangen. Er verliebt sich mit der ganzen Leidenschaft, die ihm innewohnt, in sie. Zenokrate fürchtet sich zunächst vor Tamerlans Unbezwingbarkeit, doch dann, von seiner heroischen Energie überwältigt, schenkt sie ihm ihr Herz. Tamerlan macht seine Eroberungen und möchte die ganze Welt zu Füßen seiner geliebten Frau legen. Am Ende des ersten Teils tritt Tamerlane in die Schlacht mit dem Vater von Zenokrates, dem ägyptischen Sultan. Zenocrate erlebt eine Spaltung seiner Gefühle zwischen der Liebe zu Tamerlane und der Liebe zu seinem Vater. Tamerlane nimmt den Sultan gefangen, gibt ihm aber seine Freiheit zurück und segnet seine Hochzeit mit Zenokrates.

Während der erste Teil die Eroberung des Ostens durch Tamerlan darstellt, sehen wir im zweiten Teil, wie Tamerlan seine Eroberungen nach Westen ausdehnt. Er besiegt den ungarischen König Sigismund.

Zenokrates, dem es gelang, Tamerlane drei Söhne zu schenken, stirbt. Tamerlanes Trauer ist grenzenlos. Er brennt die Stadt nieder, in der Zenokrates starb. Begleitet von seinen drei Söhnen fegt Tamerlan wie ein Wirbelwind des Todes mit seinen Truppen durch alle neuen Länder, die er erobert. Er erobert Babylon und die Türkei. Hier befiehlt er, den Koran zu verbrennen. Diese Episode stellt eine Herausforderung für die atheistische Marlo-Religion dar. Für Zeitgenossen war es nicht schwer zu erraten, dass er sich auch auf die heiligen Schriften des Christentums bezieht. Tamerlane stirbt, befiehlt, neben Zenokrates begraben zu werden und vermacht seinen Söhnen die Fortsetzung der Eroberung neuer Länder.

„Tamerlane“ von Marlo ist die Apotheose einer starken Persönlichkeit, eine Hymne an die menschliche Energie. Der Held der Tragödie verkörpert den Geist der Zeit, in der die Emanzipation des Einzelnen von feudalen Fesseln erfolgte. Tamerlane weist zweifellos Züge des bürgerlichen Individualismus auf. Sein höchstes Ziel ist die uneingeschränkte Macht über die Welt und die Menschen. Er verwirft die alten moralischen Prinzipien und glaubt, dass das einzige Gesetz sein Wille ist.

Aber das Bild von Tamerlan hatte auch eine zutiefst demokratische Grundlage. Marlo wählte zum Helden des Dramas einen Mann, der von ganz unten bis zum Gipfel der Macht und Macht aufstieg. Das damalige Volkspublikum sollte von diesem Hirten beeindruckt sein, der die Könige besiegt und sie ihm dienen lässt. Tamerlane zwingt einen der gefangenen Könige, eine Stufe am Fuße seines Throns darzustellen, er spannt andere Könige vor einen Streitwagen und fährt damit herum, steckt einen anderen König in einen Käfig und trägt ihn hinter sich her, um seine Macht zu demonstrieren.

Der demokratische Zuschauer applaudierte natürlich freudig diesem Schauspiel so vieler gestürzter Könige, die von einem einfachen Hirten besiegt wurden. „Tamerlane“ war eine Herausforderung für die alte Welt, ihre Herrscher. Marlowe verkündete in seinem Stück sozusagen, dass ein neuer Herrscher der Welt kommen würde; Er hat keine Titel, keine Vorfahren, aber er ist mächtig, klug, energisch, und vor seinem Willen werden Throne und Altäre zu Staub zerfallen. Das war im Wesentlichen die Idee des Stücks, und das war sein Pathos, das die Zeitgenossen so faszinierte.

Die gleiche Herausforderung war in der tragischen Geschichte des Doktor Faust (1588–1589) enthalten. Auch hier ist der Held eine titanische Persönlichkeit. Aber wenn Tamerlane durch militärische Heldentaten unbegrenzte Macht über die Welt erlangen wollte, dann strebt Faust das gleiche Ziel durch Wissen an. Marlo entlehnte die Handlung dem deutschen Volksbuch über den Hexenmeister Dr. Faust und schuf ein typisches Renaissance-Werk, das das wichtigste Merkmal der Epoche widerspiegelte – die Entstehung einer neuen Wissenschaft.

Faust lehnt die mittelalterliche Scholastik und Theologie ab, die nicht in der Lage sind, die Natur zu begreifen und ihre Gesetze zu entdecken; sie binden nur die Person. Die Revolte gegen die mittelalterliche Theologie und die Ablehnung der Religion findet ihren Ausdruck in der Allianz, die Faust mit dem Teufel schließt. Der gottlose und atheistische Marlo lässt hier seinem Hass auf die Religion freien Lauf. Sein Held findet in der Gemeinschaft mit dem Teufel – Mephistopheles – mehr Nutzen für sich als im Gehorsam gegenüber religiösen Dogmen.

In Marlowes Tragödie spürt man einen starken Wissensdrang, einen leidenschaftlichen Wunsch, die Natur zu erobern und sie dem Menschen zu dienen. Im Faust ist dieser Wissensdrang verkörpert. Die Suchenden nach neuen Wegen in der Wissenschaft waren mutige Menschen, die sich heldenhaft gegen mittelalterliche religiöse Vorurteile auflehnten, die Verfolgung der Kirche und der Obskurantisten mutig ertrugen und im Namen der Verwirklichung ihres großen Ziels ihr Leben aufs Spiel setzten.

Ein solch heldenhafter Mensch ist Faust, der sogar zustimmt, seine Seele an den Teufel zu verkaufen, um die Geheimnisse der Natur zu meistern und sie zu besiegen. Faust komponiert eine begeisterte Hymne an die Erkenntnis:

Oh, was für eine Welt, eine Welt der Weisheit und des Nutzens, der Ehre, der Allmacht und der Macht steht denen offen, die sich der Wissenschaft hingegeben haben! Alles, was zwischen den stillen Polen liegt, ist mir unterworfen.

Wissen ist für Faust kein Selbstzweck. Es ist für ihn das gleiche Mittel, die ganze Welt für sich zu erobern, was für Tamerlane sein Schwert war. Die Wissenschaft sollte ihm Reichtum und Macht verleihen.

Es gibt jedoch einen Unterschied zwischen Faust und Tamerlane. Tamerlane ist ein ganzer Mensch. Er kennt keine Zweifel und Zögern. Das Stück über ihn ist in der Tat keine Tragödie, sondern eher ein Heldendrama, denn vom Anfang bis zum Ende sieht der Zuschauer die soliden Triumphe des Helden. Faust ist anders. Hier spüren wir von Anfang an die Dualität des Helden. Er hat zwei Seelen. Faust sehnt sich, wenn auch kurzfristig, doch nach wirklicher Macht über die Welt und ist bereit, dafür seine „unsterbliche“ Seele zu opfern. Aber in ihm lebt auch Angst, Angst um seine „Seele“, die am Ende für die Verletzung der ewigen Ordnung der Dinge büßen muss.

Am Ende der Tragödie ist Faust bereit, auf sich selbst zu verzichten, „seine Bücher zu verbrennen“. Was ist es – die Anerkennung der Niederlage seines Helden durch den Autor? Ablehnung des Wunsches nach grenzenloser Freiheit und Macht über die Welt, Versöhnung mit allem, worauf Faust zunächst verzichtete?

Es sollte nicht vergessen werden, dass Marlowe bei der Schaffung der Tragödie auf seine Quelle angewiesen war und den Verlauf der Ereignisse in der Faust-Legende verfolgen musste. Darüber hinaus war Marlowe gezwungen, mit dem vorherrschenden Standpunkt zu rechnen und hätte das Stück nicht aufführen können, wenn Faust nicht für den Verzicht auf die Religion bestraft worden wäre. Aber neben diesen äußeren Umständen, die eine Rolle spielten, gab es auch einen inneren Grund, der Marlo dazu veranlasste, ein solches Ende der Tragödie zu schreiben. Faust spiegelt die Dualität des Ideals eines freien Menschen wider, nach dem Marlowe strebte. Sein Held ist ein starker Mann, der sich von der Macht Gottes und des Feudalstaates befreit hat, aber er ist auch ein Egozentriker, der soziale Institutionen und moralische Gesetze mit Füßen tritt.

„Faust“ ist die tragischste Schöpfung Marlowes, denn sie offenbart die Sackgasse, in die ein Mensch gerät, der in seinem Streben nach Freiheit alle moralischen Normen ablehnt.

„Der maltesische Jude“ (1592) markiert eine neue Etappe in der Entwicklung von Marlos Weltanschauung. Anders als in den ersten beiden Dramen, die das Individuum verherrlichten, kritisiert Marlo hier den Individualismus.

Die Tragödie ereignet sich auf Malta. Als der türkische Sultan von den Malteserrittern Tribut verlangt, findet der Befehlshaber des Ordens einen einfachen Ausweg. Er nimmt den auf der Insel lebenden Juden Geld ab und zahlt die Türken aus. Diese Willkür verärgert den wohlhabenden Juden Barabas, der sich weigert, Geld zu geben und es in seinem Haus versteckt. Dann entziehen sie ihm sein Eigentum und verwandeln sein Haus in ein Nonnenkloster. Um das dort versteckte Geld zu retten, zwingt Barabas seine Tochter, ihren Übertritt zum Christentum zu erklären und Nonne zu werden. Doch anstatt ihrem Vater zu helfen, wird Abigail, die Tochter des Barabas, eine aufrichtige Christin. Dann vergiftet Barabas sie. Unterdessen wird Malta von den Türken belagert. Barabas tritt auf ihre Seite und hilft ihnen, die Festung einzunehmen. Als Belohnung dafür ernennen ihn die Türken zum Gouverneur und geben die verhassten Ritter in seine Hände. Barabas will das Gouverneursamt behalten, erkennt aber, dass er dafür die Unterstützung der Einwohner braucht, und bietet den gefangenen Rittern Freiheit an und verspricht, die Türken zu vernichten, unter der Bedingung, dass die Ritter dann die Verwaltung der Insel in seine Hände legen und zahle ihm hunderttausend Pfund. Barabas richtet eine Luke ein, unter die er einen Kessel mit kochendem Harz stellt. Die von ihm eingeladenen türkischen Militärführer sollten in diese Luke fallen. Doch der ehemalige Gouverneur der Insel, der sich der Sache verschrieben hat, sorgt dafür, dass Barabas in die Luke fällt, die in kochendem Teer brennt.

Nach dem Vorbild von Barabas brandmarkte Marlo als Humanist die Erwerbssucht und Gier der Bourgeoisie. Marlowe war der erste, der den räuberischen bürgerlichen Typus im englischen Renaissance-Drama schuf.

Wenn Marlo in den ersten beiden seiner Stücke Reichtum als eines der Mittel zur Befriedigung menschlicher Bedürfnisse darstellte, zeigt der Dramatiker in „Der maltesische Jude“ die schädliche Wirkung von Gold auf den Charakter, wenn Reichtum ein Ende darstellt. Das Bild von Barabas verkörpert die typischen Merkmale des Bürgertums der Ära der primitiven Kapitalakkumulation. Er gründete sein Vermögen durch Wucher. Jetzt ist er Kaufmann und schickt seine Schiffe mit Waren in verschiedene Länder. Den Erlös verwandelt er in Schmuck. Mit der Leidenschaft eines Schatzsuchers, vor Freude erstickend, spricht er von seinen Schätzen:

Beutel mit Opal, Saphir und Amethyst, Topas, Smaragd und Hyazinthe, Rubin, funkelnden Diamanten, Edelsteinen, groß, und jeder wiegt viele Karat. Für sie werde ich im Bedarfsfall in der Lage sein, die großen Könige aus der Gefangenschaft zu erlösen. Daraus besteht mein Reichtum. Und dies ist meiner Meinung nach notwendig, um Einnahmen aus dem Handel zu erzielen. Ihr Preis wird ständig steigen, und in einer kleinen Schachtel werden Sie unendlich viele Schätze aufbewahren.

Die gesamte Natur, so Barabas, solle dem Zweck dienen, den Reichtum zu vermehren, in dem er das höchste Gut sieht, denn, wie er sagt: „Menschen werden nur wegen ihres Reichtums geschätzt.“ Was Gewissen und Ehre angeht, hat Barabas zu diesem Thema seine eigene Meinung:

Die Unglücklichen, die ein Gewissen haben, sind dazu verdammt, für immer in Armut zu leben.

Als daher sein Eigentum von Barabas beschlagnahmt wird, spricht er in seiner Verzweiflung einen leidenschaftlichen Monolog:

Ich habe alles Gold, alle Reichtümer verloren! Oh Himmel, habe ich das verdient? Warum habt ihr beschlossen, Sterne, Mich in Verzweiflung und Armut zu stürzen?

Nachdem er Gouverneur geworden ist, versucht Barabas, die Macht zu seinem Vorteil zu nutzen. zugleich bringt er eine typisch bürgerliche Haltung zur Macht zum Ausdruck:

Ich werde die durch Verrat erlangte Macht mit fester Hand bewahren. Ohne Gewinn werde ich mich nicht von ihr trennen. Derjenige, der Macht hatte und sich weder Freunde noch Säcke voller Gold erwarb, ist wie ein Esel in der Fabel von Aesop: Er warf das Gepäck mit Brot und Wein ab und begann, getrocknete Disteln zu nagen.

Der Atheist Marlo verurteilte das grausame Raubtier von Barabas und versäumte es dennoch nicht, Worte in den Mund zu nehmen, die die heuchlerische Religion der Christen bloßstellten:

Ich kenne die Früchte ihres Glaubens: Täuschung und Bosheit, unermesslicher Stolz – und das steht nicht im Einklang mit ihren Lehren.

Barabas wird vom maltesischen Herrscher Farnese als positiver Charakter bekämpft. In seinen Reden hören wir eine Verurteilung des Wuchers und anderer Methoden der bürgerlichen Akkumulation. Als Barabas den ihm vom Herrscher auferlegten Geldtribut als Diebstahl bezeichnet, wendet Farnese ein:

Nein, wir nehmen Ihnen Ihr Vermögen weg, um damit viele Menschen zu retten. Zum Wohle aller soll einer leiden, als alle anderen für einen ertragen.

Damit stellt Marlo das Prinzip des Gemeinwohls dem Individualismus entgegen.

Was die Tiefe der sozialen Einsicht angeht, nähert sich „Der Jude von Malta“ Marlo dem „Kaufmann von Venedig“ und „Timon von Athen“ von Shakespeare.

„Edward II“ (1593) ist eine historische Chronik voller politischer Inhalte. Edward II. ist ein willensschwacher, verwöhnter König, ein Sklave seiner Leidenschaften, Launen und Launen. Die Macht dient ihm nur als Mittel zur Befriedigung seiner eigenen Launen. Mit einem schwachen Willen und weichem Körper ist er seinen Schergen gegenüber gehorsam, insbesondere einem von ihnen, Gaveston, dessen unverschämtes Verhalten allgemeine Empörung hervorruft.

Dem schwachen König steht der energische und ehrgeizige Mortimer gegenüber, der eine Rebellion auslöst, um die Macht selbst in die Hand zu nehmen. Er gibt vor, der Hüter des gemeinsamen Interesses zu sein. Im Wesentlichen sieht er in der Macht nur die Befriedigung seines Egoismus. Nachdem er den König durch Tötung eliminiert und de facto zum Herrscher des Landes geworden ist, sorgt er auch für Unzufriedenheit mit seiner Herrschaft und wird Opfer einer edlen Rebellion.

„Edward II“ ist ein antimonarchistisches und antiadliges Stück. Marlo leugnet die Göttlichkeit der königlichen Macht und zeichnet das Bild eines Staates, in dem Willkür und Gewalt herrschen. Dieses Stück setzt die Kritik am Individualismus fort, die in „Der maltesische Jude“ geäußert wurde. Edwards Schwäche und Mortimers Stärke stehen sich gegenüber wie zwei Seiten des Egoismus. Der epikureische Edward und der ehrgeizige Mortimer sind nur zwei Seiten des Individualismus.

Die Handlung des Massakers von Paris (1593) basiert auf den Ereignissen der Bartholomäusnacht. Marlo zeigt hier die Folgen religiöser Intoleranz auf und nutzt diese für seine ständige Religionskritik. Das letzte Werk von Marlo – „Die Tragödie der Dido, Königin von Karthago“ (1593) – blieb unvollendet. Geschrieben von Thomas Nash.

Marlowes Dramaturgie ist eine der bedeutendsten Entwicklungen in der Entwicklung des englischen Renaissance-Dramas. Von allen Shakespeares Vorgängern war er der Begabteste. Ein früher Tod unterbrach seine Tätigkeit in ihrer Blütezeit, doch was Marlowe schaffte, bereicherte das Theater seiner Zeit.

In den Tragödien brachte Marlo das Pathos zum Ausdruck, eine Persönlichkeit zu behaupten, die von mittelalterlichen feudalen Bindungen und Zwängen befreit war. Die Verherrlichung der Macht des Menschen, sein Wunsch nach Wissen und Macht über die Welt, die Ablehnung von Religion und patriarchaler Moral verbinden sich in Marlowes Helden mit der Leugnung jeglicher ethischer Grundlagen. Der Individualismus seiner mächtigen Helden trug einen anarchistischen Charakter.

Ausgehend von der Idee der Persönlichkeitsbestätigung in Tamerlane gelangt Marlo bereits im Faust zu einem teilweisen Verständnis der Widersprüche des Individualismus, dessen Kritik zum Hauptmotiv von „Der maltesische Jude“ wird. Gleichzeitig sollte man natürlich auch die unterschiedlichen Ziele der Helden berücksichtigen: für Tamerlane – das ist Macht, für Faust – Wissen, für Barabas – Reichtum. Faust zeichnet sich daher als ein Held aus, der trotz seines Individualismus wirklich positive Ambitionen hat. Obwohl es in Marlos Stücken Versuche gibt, positive Charaktere zu schaffen (Zenokrates in „Tamerlane“, Farnese in „Der maltesische Jude“), hat Marlo dennoch keine Bilder geschaffen, die seinen individualistischen Helden ideologisch und künstlerisch völlig widerstehen könnten. Daher die Inkonsistenz und eine gewisse Einseitigkeit, die für Marlowes Dramaturgie charakteristisch sind. Die Aufgabe, gigantische Charaktere zu schaffen, die positive soziale Ambitionen in sich tragen, wurde von Shakespeare übernommen, der Marlo ersetzte, der seinem Vorgänger viel zu verdanken hat.

Marlo leistete einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung des Dramas und steigerte seine künstlerische Form auf eine große Höhe. Er gab Beispiele für eine perfektere Konstruktion dramatischer Handlung, der er innere Einheit verlieh und die Entwicklung der Handlung um die Persönlichkeit und das Schicksal der Hauptfigur herum aufbaute. In seinem Werk erfuhr auch der Begriff des Tragischen eine tiefere Entwicklung. Vor Marlowe wurde das Tragische äußerlich als ein Bild aller Arten von Schurken verstanden, das Angst und Schrecken hervorrief. Marlo selbst nahm diese Position ein und schuf „Tamerlane“ und „Malteser Jude“. Marlowes „Faust“ übertrifft beide Dramen durch ein tieferes Verständnis des Tragischen, das hier weniger im Äußeren als vielmehr im inneren Konflikt in der Seele des Helden zum Ausdruck kommt, der im Finale des Stücks seinen Höhepunkt findet. Das Bild des Faust ruft im Einklang mit Aristoteles' Verständnis des Tragischen Angst und Mitgefühl hervor. Gleichzeitig ist anzumerken, dass sich Marlowes Realismus von Stück zu Stück vertiefte und in Edward II. die größte psychologische Wahrheit erreichte.

Das Verdienst von Marlo war auch die Einführung leerer Verse in das Drama. Weiße Verse hatten die nötige Freiheit, um den Reden der Charaktere Natürlichkeit zu verleihen. Von allen Shakespeares Vorgängern war Marlowe der begabteste Dichter. Sein Stil zeichnete sich durch Pathos, kühne Vergleiche, lebendige Metaphern und eine Fülle von Übertreibungen aus und entsprach am besten den Gefühlen von Marlowes Titanenhelden. Die Energie und die große emotionale Kraft von Marlowes dramatischer Rede gaben Ben Jonson anschließend allen Grund, von Marlowes „kraftvollem Vers“ zu sprechen.

Hauptartikel:Elisabethanisches Drama

In der Ära Shakespeares gab es neben dem damals erfolgreichen Globe Theatre in London mehrere andere namhafte Theater, die miteinander konkurrierten. Theater „Rose“ (The Rose, 1587-1605), erbaut vom Geschäftsmann Philip Henslowe (Philipp Henslowe, 1550-1616). Das Swan Theatre (The Swan, 1595–1632), das vom Juwelier und Kaufmann Francis Langley (Francis Langley, 1548–1602) erbaut wurde, das Fortune Theatre, dessen Bau im Jahr 1600 begann, und andere. Einer der berühmtesten Dramatiker Shakespeares war der talentierte Dichter Christopher Marlowe (1564-1593), unter dessen Einfluss Shakespeare zweifellos gleich zu Beginn seines Schaffens geriet und dessen Stücke alle damals im Rose Theatre aufgeführt wurden. Er war einer der Dramatiker – „Akademiker“ mit Oxford- oder Cambridge-Diplomen, zu denen auch Robert Greene (Robert Greene, 1558-1592), John Lily (John Lyly, 1554-1606) und Thomas Nashe (Thomas Nashe, 1567-1592) gehörten. 1601), George Peele (1556–1596) und Thomas Lodge (Thomas Lodge, 1558–1625). Neben ihnen arbeiteten auch andere Schriftsteller ohne Universitätsausbildung, deren Schriften auf die eine oder andere Weise Shakespeares Werk beeinflussten. Dies ist Thomas Kyd (Thomas Kyd, 1558-1594), der ein früheres Stück über Hamlet schrieb, John Day (John Day, 1574-1638?), Henry Porter (Henry Porter, gest. 1599), Autor des Stücks „Two Spitzmäuse aus Abingdon“ (Die zwei wütenden Frauen von Abingdon), auf deren Grundlage Shakespeares Komödie „Die lustigen Weiber von Windsor“ (Die lustigen Weiber von Windsor, 1597–1602) entstand.

[bearbeiten] Theatertechnik in der Ära von William Shakespeare

Hauptartikel:Theatertechnik im Zeitalter Shakespeares

Theatertechnik in der Ära Shakespeares - Das Shakespeare-Theater entspricht zweifellos dem System des Stücks, das ursprünglich von Gruppen umherziehender Komiker in Gasthäusern und Hotelhöfen aufgeführt wurde; Diese Hotelhöfe bestanden normalerweise aus einem Gebäude, das im zweiten Stock von einem offenen Etagenbalkon umgeben war, an dem sich die Zimmer und Eingänge zu ihnen befanden. Eine wandernde Truppe, die einen solchen Hof betreten hatte, inszenierte eine Szene in der Nähe eines der Rechtecke seiner Mauern; Die Zuschauer saßen im Innenhof und auf dem Balkon. Die Bühne war in Form einer Holzplattform auf Böcken angeordnet, von der ein Teil in den offenen Hof hinausging und der andere, die Rückseite, unter dem Balkon blieb. Ein Vorhang fiel vom Balkon. So entstanden sofort drei Plattformen: die vordere – vor dem Balkon, die hintere – unter dem Balkon hinter dem Vorhang und die obere – der Balkon selbst über der Bühne. Das gleiche Prinzip liegt der Übergangsform des englischen Theaters des 16. und frühen 17. Jahrhunderts zugrunde. Das erste öffentliche stationäre Theater wurde 1576 von der Schauspielerfamilie Burbage in London (oder besser gesagt außerhalb Londons, außerhalb der Stadtgrenzen, da Theater innerhalb der Stadt nicht erlaubt waren) erbaut. Im Jahr 1599 wurde das Globe Theatre gegründet, mit dem die meisten Werke Shakespeares verbunden sind. Shakespeares Theater kennt den Zuschauerraum noch nicht, wohl aber den Hof als Reminiszenz an Hotelhöfe. Ein solch offener, dachloser Saal war von einer oder zwei Galerien umgeben. Die Bühne war mit einem Dach überdacht und stellte die gleichen drei Podeste des Hotelhofs dar. Der vordere Teil der Bühne schmiegte sich fast zu einem Drittel in den Zuschauerraum – ein stehendes Parterre (womit der Name „par terre“ – auf dem Boden – wörtlich genommen wird). Auch der demokratische Teil des Publikums, der das Parterre füllte, umgab in einem dichten Ring die Bühne. Der privilegiertere, aristokratische Teil des Publikums ließ sich liegend und auf Hockern auf der Bühne selbst an den Rändern nieder. Die Geschichte des Theaters dieser Zeit weist auf die ständige Feindschaft und den Streit hin, der manchmal sogar in einen Kampf zwischen diesen beiden Zuschauergruppen mündete. Die Klassenfeindschaft der Handwerker und Arbeiter gegen die Aristokratie wirkte hier ziemlich lautstark. Im Allgemeinen gab es diese Stille, die unser Auditorium kennt, nicht in Shakespeares Theater. Die Rückseite der Bühne war durch einen Schiebevorhang abgetrennt. Dort wurden meist intime Szenen aufgeführt (zum Beispiel in Desdemonas Schlafzimmer), sie spielten dort auch, wenn es darum ging, die Handlung schnell an einen anderen Ort zu verlegen und die Figur in einer neuen Position zu zeigen (zum Beispiel dort in Marlos Drama „Tamerlane“) ist eine Notiz: „Der Vorhang wird zurückgezogen, und Zenokrate liegt im Bett, Tamerlane sitzt neben ihr“, oder in Shakespeares „Das Wintermärchen“: „Pauline zieht den Vorhang zurück und enthüllt Hermine, die in Form einer Statue steht.“ ). Die vordere Plattform war die Hauptbühne, sie wurde auch für Prozessionen genutzt, die damals im Theater beliebt waren, für die Vorführung des damals äußerst beliebten Fechtens (die Szene im letzten Akt von Hamlet). Auch Clowns, Jongleure und Akrobaten traten hier auf und unterhielten das Publikum zwischen den Szenen des Hauptstücks (im Shakespeare-Theater gab es keine Pausen). Anschließend wurden bei der späteren literarischen Verarbeitung von Shakespeare-Dramen einige dieser clownesken Einlagen und clownesken Bemerkungen in den gedruckten Text übernommen. Jede Aufführung endete zwangsläufig mit einem „Jiga“ – einem besonderen Lied mit einem Tanz, der von einem Clown vorgetragen wurde; Die Totengräberszene in Hamlet war zu Shakespeares Zeiten eine Clownerie, später war sie voller Pathos. Im Shakespeare-Theater gibt es immer noch keinen scharfen Unterschied zwischen einem dramatischen Schauspieler und einem Akrobaten, einem Narren. Es stimmt, dieser Unterschied entwickelt sich bereits, er ist spürbar, er ist im Entstehen begriffen. Aber die Kanten sind noch nicht gelöscht. Die Verbindung zwischen dem Shakespeare-Schauspieler und dem Possenreißer, dem Histrion, dem Jongleur, dem clownesken „Teufel“ des mittelalterlichen Mysteriums und dem possenhaften Possenreißer ist noch nicht gebrochen. Es ist durchaus verständlich, warum der Kesselbauer aus „Der Widerspenstigen Zähmung“ beim Wort „Komödie“ zunächst an die Tricks des Jongleurs erinnert. Die obere Szene wurde verwendet, wenn die Handlung durch die Logik der Ereignisse oben dargestellt werden musste, beispielsweise auf den Mauern der Festung („Coriolanus“), auf Julias Balkon („Romeo und Julia“). In solchen Fällen gibt es im Skript einen Vermerk „oben“. So wurde beispielsweise eine solche Anordnung praktiziert – oben war eine Festungsmauer abgebildet, und der nach unten zurückgezogene Vorhang der hinteren Plattform bedeutete gleichzeitig, dass sich die Stadttore vor dem Sieger öffneten. Ein solches System des Theaters erklärt auch die Struktur von Shakespeares Dramen, die noch keine Einteilung in Akte kennen (diese Einteilung wurde nach Shakespeares Tod in der Ausgabe von 1623 vorgenommen), weder einen exakten Historismus noch einen bildlichen Realismus. Die für elisabethanische Dramatiker so charakteristische Parallelität der Handlungen in ein und demselben Stück wurde kürzlich durch die besondere Struktur der Bühne erklärt, die dem Publikum von drei Seiten zugänglich ist. Das sogenannte Gesetz der „zeitlichen Kontinuität“ dominiert diese Szene. Die Entwicklung einer Handlung ermöglichte es der anderen, sozusagen „hinter den Kulissen“ weiterzumachen, was den entsprechenden Zeitraum der „Theaterzeit“ zwischen den Abschnitten dieser Handlung ausfüllte. Aufbauend auf kurzen Episoden mit aktivem Spiel wird die Action relativ schnell von Ort zu Ort übertragen. Dies spiegelt sich auch in der Tradition der Mysterienszenen wider. Ein neuer Abgang derselben Person oder auch nur ein paar Schritte auf der Bühne mit einer entsprechenden textlichen Erklärung deuteten also bereits auf einen neuen Ort hin. In „Viel Lärm um Nichts“ sagt Benedict beispielsweise zu dem Jungen: „Ich habe ein Buch am Fenster in meinem Zimmer, bring es hierher in den Garten“ – das bedeutet, dass die Handlung im Garten stattfindet. Manchmal wird in den Werken Shakespeares ein Ort oder eine Zeit nicht so einfach, sondern durch eine umfassende poetische Beschreibung angegeben. Das ist einer seiner Lieblingstricks. In „Romeo und Julia“ zum Beispiel sagt Lorenzo im Bild nach der Szene einer mondhellen Nacht: „Ein klares Lächeln eines dämmernden grauäugigen Düsteren treibt bereits die Nacht voran und vergoldet die Wolke des Ostens mit Streifen.“ des Lichts ...“ Oder die Worte des Prologs zum ersten Akt von „Heinrich V.“: „... Stellen Sie sich vor, dass sich hier die Ebenen der beiden Königreiche weit erstrecken, deren Ufer, so nah aneinander geneigt, sich trennen der schmale, aber gefährliche mächtige Ozean. Ein paar Schritte Romeo mit Freunden bedeutete, dass er von der Straße zum Haus zog. Zur Bezeichnung eines Ortes wurden auch „Titel“ verwendet – Tafeln mit einer Inschrift. Manchmal stellte die Szene mehrere Städte gleichzeitig dar, und Inschriften mit ihren Namen reichten aus, um den Betrachter in Aktion zu orientieren. Mit dem Ende der Szene verließen die Charaktere die Bühne, manchmal blieben sie sogar zurück – zum Beispiel verließen verkleidete Gäste die Bühne nicht, die die Straße zum Haus der Capulets entlang gingen („Romeo und Julia“), und das Erscheinen von Lakaien mit Servietten bedeutete, dass sie bereits angekommen waren und sich in den Gemächern der Capulets befanden. Drama galt zu dieser Zeit nicht als „Literatur“. Der Dramatiker strebte nicht nach der Autorschaft, und das war auch nicht immer möglich. Die Tradition des anonymen Dramas entstand im Mittelalter durch Wandertruppen und blieb bestehen. So taucht der Name Shakespeare erst 1593 unter den Titeln seiner Stücke auf. Was der Theaterautor schrieb, hatte er nicht zur Veröffentlichung gedacht, sondern hatte ausschließlich das Theater im Sinn. Ein bedeutender Teil der Dramatiker der elisabethanischen Ära war an ein bestimmtes Theater gebunden und verpflichtete sich, diesem Theater ein Repertoire zu liefern. Der Wettbewerb der Truppen erforderte eine große Anzahl von Theaterstücken. Für den Zeitraum von 1558 bis 1643 wird ihre Zahl in England auf über 2.000 Namen geschätzt. Sehr oft wird das gleiche Stück von mehreren Truppen aufgeführt, wobei jede auf ihre eigene Weise überarbeitet und an die Truppe angepasst wird. Anonyme Autorenschaft schloss literarisches Plagiat aus, und wir konnten nur von „Piraten“-Konkurrenzmethoden sprechen, wenn ein Stück nach Gehör, nach einer ungefähren Aufzeichnung usw. gestohlen wurde. Und in Shakespeares Werk kennen wir eine Reihe von Stücken, die verwendet wurden von Handlungssträngen aus bereits existierenden Dramen. Das sind zum Beispiel Hamlet, König Lear und andere. Das Publikum verlangte nicht den Namen des Autors des Stücks. Dies wiederum führte dazu, dass das geschriebene Stück lediglich die „Grundlage“ für die Aufführung darstellte, der Text des Autors während der Proben in keiner Weise verändert wurde. Die Auftritte der Narren werden oft mit der Bemerkung „Der Narr sagt“ gekennzeichnet, die dem Theater den Inhalt der Narrenszene oder Improvisationen des Narren selbst verleiht. Der Autor verkaufte sein Manuskript an das Theater und machte in der Folge keine Urheberrechtsansprüche oder Rechte daran geltend. Die gemeinsame und damit sehr schnelle Arbeit mehrerer Autoren an einem Stück war sehr verbreitet, zum Beispiel entwickelten einige eine dramatische Intrige, andere einen komischen Teil, Possen von Narren, wieder andere zeigten alle möglichen „schrecklichen“ Effekte, die sehr waren damals populär usw. e. Am Ende der Ära, zu Beginn des 17. Jahrhunderts, begann das literarische Drama bereits auf die Bühne zu kommen. Die Entfremdung zwischen „gelehrten“ Autoren, säkularen „Amateuren“ und professionellen Dramatikern wird immer geringer. Literaturautoren (z. B. Ben Jonson) beginnen, für das Theater zu arbeiten, Theaterautoren wiederum werden zunehmend veröffentlicht.

[bearbeiten] Die Frage der Periodisierung

Forscher von Shakespeares Werken (dänischer Literaturkritiker G. Brandes, Herausgeber des russischen Gesamtwerks von Shakespeare S. A. Vengerov) präsentierten Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts anhand der Chronologie der Werke seine spirituelle Entwicklung von a „heitere Stimmung“, Glaube an den Triumph der Gerechtigkeit, humanistische Ideale am Anfang des Weges zur Enttäuschung und Zerstörung aller Illusionen am Ende. In den letzten Jahren herrschte jedoch die Meinung vor, dass der Rückschluss auf die Persönlichkeit des Autors aufgrund seiner Werke ein Fehler sei.

1930 schlug der Shakespeare-Gelehrte E. K. Chambers eine Chronologie von Shakespeares Werk nach Genres vor, die später von J. McManway korrigiert wurde. Es gab vier Perioden: die erste (1590–1594) – früh: Chroniken, Renaissancekomödien, „Tragödie des Grauens“ („Titus Andronicus“), zwei Gedichte; die zweite (1594-1600) – Renaissancekomödien, die erste reife Tragödie („Romeo und Julia“), Chroniken mit Elementen der Tragödie, antike Tragödie („Julius Caesar“), Sonette; der dritte (1601-1608) – große Tragödien, antike Tragödien, „dunkle Komödien“; der vierte (1609-1613) – Märchendramen mit tragischem Anfang und glücklichem Ende. Einige der Shakespeare-Gelehrten, darunter A. A. Smirnov, kombinierten die erste und zweite Periode zu einer frühen Periode.

[bearbeiten] Erste Periode (1590-1594)

Die erste Periode ist ungefähr 1590-1594 Jahre.

Nach literarischen Methoden man kann von einer Periode der Nachahmung sprechen: Shakespeare ist seinen Vorgängern noch immer völlig ausgeliefert. Nach Stimmung Diese Zeit wurde von Befürwortern der biografischen Herangehensweise an das Studium von Shakespeares Werk als eine Zeit des idealistischen Glaubens an die besten Aspekte des Lebens definiert: „Der junge Shakespeare bestraft das Laster in seinen historischen Tragödien enthusiastisch und besingt enthusiastisch hohe und poetische Gefühle – Freundschaft.“ , Selbstaufopferung und vor allem Liebe“ (Vengerov) .

In der Tragödie Titus Andronicus» Shakespeare würdigte voll und ganz die Tradition seiner zeitgenössischen Dramatiker, die Aufmerksamkeit des Publikums durch forcierte Leidenschaften, Grausamkeit und Naturalismus zu fesseln. Die Schrecken von „Titus Andronicus“ spiegeln direkt und unmittelbar die Schrecken der Stücke von Kid und Marlowe wider.

Wahrscheinlich waren Shakespeares erste Stücke die drei Teile von Heinrich VI. Holinsheds Chroniken dienten als Quelle für diese und die folgenden historischen Chroniken. Das Thema, das alle Shakespeare-Chroniken vereint, ist der Wechsel einer Reihe schwacher und unfähiger Herrscher, die das Land mit der Thronbesteigung der Tudor-Dynastie in Bürgerkriege und Bürgerkriege sowie die Wiederherstellung der Ordnung führten. Wie Marlowe in Edward II. beschreibt Shakespeare nicht nur historische Ereignisse, sondern erforscht die Motive hinter den Handlungen der Figuren.

« Komödie der Irrtümer„- eine frühe, „studentische“ Komödie, Stellungskomödie. Nach damaligem Brauch eine Neubearbeitung des Stücks durch einen modernen englischen Autor, dessen Vorlage die Komödie Menechmas von Plautus war, in der die Abenteuer zweier Zwillingsbrüder beschrieben werden. Die Handlung spielt in Ephesus, das wenig Ähnlichkeit mit einer antiken griechischen Stadt hat: Der Autor überträgt die Zeichen des heutigen Englands in eine antike Umgebung. Shakespeare fügt einen doppelten Diener-Handlungsstrang hinzu, wodurch die Handlung noch mehr verwirrend wird. Bezeichnend ist, dass es bereits in diesem Werk zu einer für Shakespeare üblichen Mischung aus Komischem und Tragischem kommt: Dem alten Mann Egeon, der unwissentlich gegen das ephesische Gesetz verstoßen hat, droht die Hinrichtung, und das nur durch eine Kette unglaublicher Zufälle , absurde Fehler, im Finale kommt ihm die Erlösung. Die Unterbrechung einer tragischen Handlung durch eine komische Szene ist selbst in den dunkelsten Werken Shakespeares eine in der mittelalterlichen Tradition verwurzelte Erinnerung an die Nähe des Todes und gleichzeitig an den unaufhörlichen Fluss des Lebens und seine ständige Erneuerung.

Das Spiel " Der Widerspenstigen Zähmung“, geschaffen in der Tradition der Farce-Komödie. Dies ist eine Variation der in den 1590er Jahren in Londoner Theatern beliebten Handlung über die Besänftigung einer Frau durch ihren Ehemann. In einem spannenden Duell treffen zwei herausragende Persönlichkeiten aufeinander und die Frau unterliegt. Der Autor verkündet die Unantastbarkeit der bestehenden Ordnung, in der das Familienoberhaupt ein Mann ist.

In den folgenden Stücken entfernt sich Shakespeare von externen komödiantischen Mitteln. " Die fruchtlosen Bemühungen der Liebe„- eine unter dem Einfluss von Lilys Stücken entstandene Komödie, die er für die Aufführung im Maskentheater am königlichen Hof und in Adelshäusern schrieb. Mit einer recht einfachen Handlung ist das Stück ein kontinuierliches Turnier, ein Wettbewerb der Charaktere in witzigen Dialogen, komplexem verbalen Spiel, dem Verfassen von Gedichten und Sonetten (zu diesem Zeitpunkt beherrschte Shakespeare bereits eine schwierige poetische Form). Die Sprache von „Love’s Labour’s Lost“ – prätentiös, blumig, der sogenannte Euphuismus – ist die Sprache der damaligen englischen Adelselite, die nach der Veröffentlichung von Lilys Roman „Euphues, or the Anatomy of Wit“ populär wurde.

[bearbeiten] Zweite Periode (1594-1600)

Romeo und Julia. Gemälde von F. Dixie (1884)

Um 1595 schuf Shakespeare eine seiner berühmtesten Tragödien – "Romeo und Julia", - die Geschichte der Entwicklung der menschlichen Persönlichkeit im Kampf mit äußeren Umständen um das Recht auf Liebe. „Für seine Version von Romeo und Julia hat Shakespeare möglicherweise eine Überarbeitung eines alten Textes verwendet, den die ‚Akademiker‘ (der Kreis der Dramatiker mit Universitätsabschluss) hinterlassen hatten.“ über das traurige Schicksal von Romeo und Julia (1524) wurde ausgewählt von anderen italienischen Autoren (Bandello, Bolderi, Groto) aufgegriffen und in der europäischen Literatur weiter verbreitet. In England wurde die bekannte Handlung von Arthur Brooke als Grundlage für das Gedicht „Die tragische Geschichte von Romeus und Julia“ (Arthur Brooke) gelegt . Die tragische Geschichte von Romeus und Julia, 1562). Wahrscheinlich diente Brookes Werk als Quelle für Shakespeare. Er stärkte die Lyrik und Dramatik der Handlung, überdachte und bereicherte die Charaktere der Charaktere, schuf poetische Monologe, die die inneren Erfahrungen der Hauptfiguren offenbaren, und verwandelte so ein gewöhnliches Werk in ein Renaissancewerk Liebesgedicht. Dies ist eine Tragödie der besonderen Art, lyrisch, optimistisch, trotz des Todes der Hauptfiguren im Finale. Ihre Namen sind zu einem Begriff für höchste Poesie der Leidenschaft geworden.

Etwa 1596 stammt ein weiteres von Shakespeares berühmtesten Werken – "Der Kaufmann von Venedig". Shylock sehnt sich, genau wie ein anderer berühmter Jude des elisabethanischen Dramas – Barabbas („Jude von Malta“ von Marlo), nach Rache. Aber im Gegensatz zu Barabbas ist Shylock, der ein negativer Charakter bleibt, viel schwieriger. Einerseits ist dies ein gieriger, listiger, sogar grausamer Wucherer, andererseits ein beleidigter Mensch, dessen Vergehen Sympathie hervorruft. Shylocks berühmter Monolog über die Identität des Juden und jeder anderen Person „Aber hat der Jude keine Augen?…“(Akt III, Szene 1) wird von einigen Kritikern als die beste Rede zur Verteidigung der jüdischen Gleichheit in der gesamten Literatur angesehen. Das Stück stellt die Macht des Geldes über den Menschen und den Kult der Freundschaft gegenüber – ein wesentlicher Bestandteil der Harmonie des Lebens.

Trotz der „Problematik“ des Stücks und der Dramatik der Handlung von Antonio und Shylock steht „Der Kaufmann von Venedig“ in seiner Atmosphäre Märchenstücken wie „ Schlafen Sie in einer Sommernacht"(1596). Das Zauberstück wurde vermutlich für die Feierlichkeiten anlässlich der Hochzeit eines der elisabethanischen Adligen geschrieben. Zum ersten Mal in der Literatur verleiht Shakespeare fantastischen Kreaturen menschliche Schwächen und Widersprüche und erschafft so Charaktere. Wie immer überlagert er dramatische Szenen mit komischen: Athener Handwerker, die englischen Arbeitern sehr ähnlich sind, bereiten fleißig und ungeschickt für die Hochzeit von Theseus und Hippolyta das Theaterstück „Pyramus und Thisbe“ vor, eine Geschichte unglücklicher Liebe, erzählt in a parodistische Form. Die Forscher waren von der Wahl der Handlung für das „Hochzeitsstück“ überrascht: Die äußere Handlung besteht aus Missverständnissen zwischen zwei Liebespaaren, die nur dank des guten Willens von Oberon und der Magie gelöst wurden, einem Spott über weibliche Launen (Titanias plötzliche Leidenschaft für die Stiftung). ) – drückt eine äußerst skeptische Sicht auf die Liebe aus. Dieses „eines der poetischsten Werke“ hat jedoch eine ernste Konnotation – die Erhöhung eines aufrichtigen Gefühls, das eine moralische Grundlage hat.

Falstaff mit einem großen Krug Wein und einem Kelch. Gemälde von E. von Grützner (1896)

S. A. Vengerov sah den Übergang zur zweiten Periode „in Abwesenheit Spielzeug Poesie der Jugend, was für die erste Periode so charakteristisch ist. Die Helden sind noch jung, aber sie haben bereits ein anständiges Leben geführt und Das Wichtigste im Leben ist für sie das Vergnügen. Der Teil ist pikant, lebhaft, aber schon jetzt sind die sanften Reize der Mädchen der beiden Veronier und noch mehr Julias überhaupt nicht darin enthalten.

Gleichzeitig schafft Shakespeare einen unsterblichen und höchst interessanten Typus, der bisher in der Weltliteratur keine Entsprechung hatte – Sir John Falstaff. Der Erfolg beider Teile Heinrich IV„Nicht zuletzt das Verdienst dieser markantesten Figur der Chronik, die sich sofort großer Beliebtheit erfreute. Der Charakter ist zweifellos negativ, aber mit einem komplexen Charakter. Ein Materialist, ein Egoist, ein Mann ohne Ideale: Ehre bedeutet ihm nichts, ein aufmerksamer und einsichtiger Skeptiker. Er leugnet Ehre, Macht und Reichtum: Er braucht Geld nur, um an Nahrung, Wein und Frauen zu kommen. Aber die Essenz des Komischen, der Kern des Bildes von Falstaff ist nicht nur sein Witz, sondern auch ein fröhliches Lachen über sich selbst und die Welt um ihn herum. Seine Stärke liegt in der Menschenkenntnis, alles, was einen Menschen bindet, ist ihm widerlich, er ist die Verkörperung der Freiheit des Geistes und der Skrupellosigkeit. Als Mann der vergangenen Zeit wird er dort nicht gebraucht, wo der Staat mächtig ist. In der Erkenntnis, dass eine solche Figur in einem Drama über einen idealen Herrscher fehl am Platz ist, in „ Heinrich V Shakespeare entfernt es: Das Publikum wird einfach über Falstaffs Tod informiert. Der Überlieferung nach wird angenommen, dass Shakespeare ihn auf Wunsch von Königin Elizabeth, die Falstaff wieder auf der Bühne sehen wollte, in „ Die lustigen Weiber von Windsor". Aber das ist nur eine blasse Kopie des ehemaligen Falstaff. Er hat sein Wissen über die Welt um ihn herum verloren, es gibt keine gesunde Ironie und kein Lachen mehr über sich selbst. Nur ein selbstzufriedener Schurke blieb übrig.

Wesentlich erfolgreicher ist der Versuch, im Schlussspiel des zweiten Drittels zum Falstaff-Typ zurückzukehren - "Zwölfte Nacht". Hier haben wir in der Person von Sir Toby und seinem Gefolge sozusagen eine zweite Ausgabe von Sir John, allerdings ohne seinen funkelnden Witz, aber mit der gleichen ansteckenden, gutmütigen Ritterlichkeit. Es passt auch perfekt in den Rahmen der „Falstaffian“-Zeit, in der es größtenteils um eine grobe Verspottung von Frauen geht "Der Widerspenstigen Zähmung".

[bearbeiten] Dritte Periode (1600-1609)

Hamlet und Horatio auf dem Friedhof. Gemälde von E. Delacroix (1839)

Die dritte Periode seiner künstlerischen Tätigkeit umfasst ungefähr 1600-1609 Jahre lang bezeichnen Befürworter der subjektivistischen biografischen Herangehensweise an Shakespeares Werk die Zeit der „tiefen spirituellen Dunkelheit“ und betrachten das Erscheinen der melancholischen Figur Jacques in der Komödie als Zeichen einer veränderten Weltanschauung "Wie du es magst" und nannte ihn fast den Vorgänger von Hamlet. Einige Forscher glauben jedoch, dass Shakespeare nach dem Vorbild von Jacques nur die Melancholie verspottete und die Zeit der angeblichen Enttäuschungen im Leben (nach Ansicht der Befürworter der biografischen Methode) durch die Fakten von Shakespeares Biografie nicht wirklich bestätigt wird. Die Zeit, in der der Dramatiker die größten Tragödien schuf, fällt mit der Blüte seiner schöpferischen Kräfte, der Lösung materieller Schwierigkeiten und dem Erreichen einer hohen Stellung in der Gesellschaft zusammen.

Um 1600 schafft Shakespeare "Weiler" ist laut vielen Kritikern sein tiefgreifendstes Werk. Shakespeare behielt die Handlung der bekannten Rachetragödie bei, richtete seine ganze Aufmerksamkeit jedoch auf die spirituelle Zwietracht, das innere Drama des Protagonisten. Ein neuer Heldentyp wurde in das traditionelle Rachedrama eingeführt. Shakespeare war seiner Zeit voraus – Hamlet ist nicht der übliche tragische Held, der Rache für die göttliche Gerechtigkeit ausübt. Als er zu dem Schluss kommt, dass es unmöglich ist, die Harmonie mit einem Schlag wiederherzustellen, erlebt er die Tragödie der Entfremdung von der Welt und verurteilt sich selbst zur Einsamkeit. Nach der Definition von L. E. Pinsky ist Hamlet der erste „reflexive“ Held der Weltliteratur.

Cordelia. Gemälde von William F. Yemens (1888)

Die Helden von Shakespeares „großen Tragödien“ sind herausragende Menschen, in denen sich Gut und Böse vermischen. Angesichts der Disharmonie der Welt um sie herum treffen sie eine schwierige Entscheidung: Wie sie darin existieren sollen, gestalten ihr eigenes Schicksal und tragen die volle Verantwortung dafür.

Gleichzeitig schafft Shakespeare das Drama „ Maß für Maß". Obwohl es im ersten Folio von 1623 als Komödie eingestuft wird, gibt es in diesem ernsten Werk über einen ungerechten Richter fast keine Komik. Sein Name bezieht sich auf die Lehre Christi über die Barmherzigkeit, im Verlauf der Handlung gerät einer der Helden in Lebensgefahr und das Ende kann als bedingt glücklich angesehen werden. Dieses problematische Werk passt nicht in ein bestimmtes Genre, sondern steht am Rande der Genres: Zurück zur Moral ist es auf die Tragikomödie ausgerichtet.

Wahre Menschenfeindlichkeit entsteht nur in „Timon von Athen“- die Geschichte eines großzügigen und freundlichen Mannes, der von denen, denen er geholfen hat, ruiniert wurde und zum Menschenfeind wurde. Das Stück hinterlässt einen schmerzlichen Eindruck, obwohl das undankbare Athen nach dem Tod Timons bestraft wird. Laut den Forschern erlitt Shakespeare einen Misserfolg: Das Stück ist in einer uneinheitlichen Sprache geschrieben und hat neben seinen Vorzügen noch größere Nachteile. Es ist nicht ausgeschlossen, dass mehr als ein Shakespeare daran mitgearbeitet hat. Der Charakter von Timon selbst ist gescheitert, manchmal wirkt er wie eine Karikatur, andere Charaktere sind einfach blass. Der Übergang zu einem neuen Streifen Shakespearescher Kreativität kann in Betracht gezogen werden „Antonius und Kleopatra“. In „Antonius und Kleopatra“ ist das talentierte, aber jeder moralischen Grundlage entbehrende Raubtier aus „Julius Cäsar“ von einem wahrhaft poetischen Heiligenschein umgeben, und die Halbverräterin Kleopatra büßt ihre Sünden weitgehend mit einem heroischen Tod ein.

[bearbeiten] Vierte Periode (1609-1612)

Prospero und Ariel. Gemälde von William Hamilton (1797)

Die vierte Periode umfasst mit Ausnahme des Stücks „Henry VIII“ (einige Forscher glauben, dass es in Zusammenarbeit mit John Fletcher geschrieben wurde) nur drei oder vier Jahre und vier Stücke – die sogenannten „romantischen Dramen“ oder Tragikomödien. In den Stücken der letzten Zeit betonen harte Prüfungen die Freude über die Befreiung von Katastrophen. Verleumdung wird aufgedeckt, Unschuld wird gerechtfertigt, Treue wird belohnt, der Wahnsinn der Eifersucht hat keine tragischen Folgen, Liebende sind in einer glücklichen Ehe vereint. Der Optimismus dieser Werke wird von Kritikern als Zeichen der Versöhnung ihres Autors gewertet. „Pericles“, ein Theaterstück, das sich deutlich von allem bisher Geschriebenen unterscheidet, markiert die Entstehung neuer Werke. An Primitivität grenzende Naivität, das Fehlen komplexer Charaktere und Probleme, eine Rückkehr zur Handlungskonstruktion, die für das Drama der frühen englischen Renaissance charakteristisch ist – all das deutet darauf hin, dass Shakespeare auf der Suche nach einer neuen Form war. „Wintermärchen“ ist eine skurrile Fantasie, eine Geschichte „über das Unglaubliche, in der alles möglich ist.“ Die Geschichte eines eifersüchtigen Mannes, der dem Bösen erliegt, seelische Qualen erleidet und durch seine Reue Vergebung verdient. Am Ende besiegt das Gute das Böse, meinen einige Forscher, und bekräftigt den Glauben an humanistische Ideale, während andere meinen, der Triumph der christlichen Moral. „Der Sturm“ ist das erfolgreichste der letzten Stücke und gewissermaßen das Finale von Shakespeares Werk. Anstelle von Kampf herrscht hier der Geist der Menschlichkeit und der Vergebung. Jetzt geschaffene poetische Mädchen – Marina aus „Pericles“, Loss aus „Das Wintermärchen“, Miranda aus „Der Sturm“ – das sind Bilder von Töchtern, die in ihrer Tugend wunderschön sind. Forscher neigen dazu, in der Schlussszene von „Der Sturm“, in der Prospero seiner Magie entsagt und sich zurückzieht, Shakespeares Abschied von der Theaterwelt zu sehen.

[bearbeiten] Gedichte und Gedichte

Hauptartikel:Gedichte und Gedichte von William Shakespeare

Erste Ausgabe der Sonette (1609)

Generell sind Shakespeares Gedichte natürlich nicht mit seinen brillanten Dramen zu vergleichen. Aber für sich genommen tragen sie den Stempel eines herausragenden Talents, und wenn sie nicht im Ruhm des Dramatikers Shakespeare ertrunken wären, hätten sie dem Autor durchaus großen Ruhm bescheren können und haben es auch tatsächlich gebracht: Wir wissen, dass der Gelehrte Mires es gesehen hat in Shakespeare der Dichter der zweite Ovid. Aber darüber hinaus gibt es eine Reihe von Rezensionen anderer Zeitgenossen, die mit größter Begeisterung vom „neuen Catull“ sprechen.

[bearbeiten] Gedichte

Das Gedicht „Venus und Adonis“ wurde 1593 veröffentlicht, als Shakespeare bereits als Dramatiker bekannt war, aber der Autor selbst nennt es seinen literarischen Erstgeborenen, und daher ist es sehr wahrscheinlich, dass es entweder konzipiert oder sogar teilweise zurückgeschrieben wurde in Stretford. Es gibt auch die Vermutung, dass Shakespeare das Gedicht (im Gegensatz zu Theaterstücken für das öffentliche Theater) als ein Genre betrachtete, das der Aufmerksamkeit eines edlen Mäzens würdig und als ein Werk hoher Kunst galt. Die Anklänge an die Heimat sind deutlich zu spüren. Der lokale mittelenglische Geschmack ist in der Landschaft deutlich zu spüren, es gibt nichts Südliches darin, wie es die Handlung erfordert, vor dem spirituellen Blick des Dichters waren zweifellos einheimische Bilder der friedlichen Felder von Warwickshire mit ihren sanften Tönen und ihrer Ruhe zu sehen Schönheit. Man spürt in dem Gedicht auch einen hervorragenden Pferdekenner und einen hervorragenden Jäger. Die Handlung ist größtenteils Ovids Metamorphosen entnommen; Darüber hinaus ist vieles von Lodges Scillaes Metamorphosis entlehnt. Das Gedicht ist mit der ganzen Arroganz der Renaissance entwickelt, aber dennoch ohne jede Frivolität. Und das hat neben der Tatsache, dass das Gedicht in klangvollen und malerischen Versen verfasst war, vor allem das Talent des jungen Autors beeinflusst. Wenn die Bemühungen der Venus, in Adonis Begierden zu wecken, dem späteren Leser durch ihre Offenheit auffallen, dann erwecken sie gleichzeitig nicht den Eindruck von etwas Zynischem und einer künstlerischen Beschreibung nicht Wertvollem. Vor uns liegt Leidenschaft, real, rasend, den Geist verdunkelnd und daher poetisch legitim, wie alles, was hell und stark ist.

Wesentlich gesitteter ist das zweite Gedicht, Lucretia, das im folgenden Jahr (1594) veröffentlicht und wie das erste dem Earl of Southampton gewidmet wurde. In dem neuen Gedicht gibt es nicht nur nichts Ungezügeltes, sondern im Gegenteil dreht sich alles, wie in der alten Legende, um das raffinierteste Verständnis eines völlig konventionellen Konzepts weiblicher Ehre. Von Sextus Tarquinius beleidigt, hält Lucretia ein Weiterleben nach dem Raub ihrer ehelichen Ehre nicht für möglich und drückt ihre Gefühle in längsten Monologen aus. Brillante, aber recht angestrengte Metaphern, Allegorien und Antithesen entziehen diesen Monologen echte Gefühle und machen das ganze Gedicht rhetorisch. Allerdings erfreute sich diese Art von Erhabenheit beim Schreiben von Gedichten großer Beliebtheit beim Publikum, und Lucretia war ebenso erfolgreich wie Venus und Adonis. Buchhändler, die damals als einzige vom literarischen Erfolg profitierten, da literarisches Eigentum für Autoren damals noch nicht existierte, druckten Auflage für Auflage. Zu Shakespeares Lebzeiten erlebte „Venus und Adonis“ sieben Auflagen, „Lucretia“ fünf.

Zwei weitere Gedichte werden Shakespeare zugeschrieben, eines davon, „The Complaint of a Lover“, könnte von Shakespeare in seiner Jugend geschrieben worden sein. Das Gedicht „Der leidenschaftliche Pilger“ wurde 1599 veröffentlicht, als Shakespeare bereits bekannt war. Seine Urheberschaft wurde in Frage gestellt: Es ist möglich, dass dreizehn der neunzehn Gedichte nicht von Shakespeare geschrieben wurden. Im Jahr 1601 wurde in der unter der Leitung des wenig bekannten Dichters Robert Chester erstellten Sammlung „Love's Martyr, or Rosalind's Complaint“ Shakespeares allegorisches Gedicht „Der Phönix und die Taube“ veröffentlicht, das Teil eines Werkzyklus von ist andere Dichter mit den gleichen Charakteren.

[bearbeiten] Sonette

Hauptartikel:Sonette von William Shakespeare

Das sogenannte „Chandos-Porträt“ einer unbekannten Person, in dem traditionell Shakespeare zu sehen ist

Ein Sonett ist ein Gedicht mit 14 Zeilen. In Shakespeares Sonetten wird der folgende Reim übernommen: abab cdcd efef gg, also drei Vierzeiler für Kreuzreime und ein Couplet (ein Typus, der vom Dichter Earl of Surrey eingeführt wurde, der unter Heinrich VIII. hingerichtet wurde).

Insgesamt schrieb Shakespeare 154 Sonette, die meisten davon entstanden in den Jahren 1592–1599. Sie wurden erstmals 1609 ohne Wissen des Autors gedruckt. Zwei davon wurden bereits 1599 in der Sammlung „Der leidenschaftliche Pilger“ veröffentlicht. Das sind Sonette 138 Und 144 .

Der gesamte Sonettzyklus ist in einzelne Themengruppen unterteilt:

Sonette, die einem Freund gewidmet sind: 1 -126

Einen Freund singen: 1 -26

Freundschaftsprüfungen: 27 -99

Bitterkeit der Trennung: 27 -32

Die erste Enttäuschung bei einem Freund: 33 -42

Sehnsüchte und Ängste: 43 -55

Wachsende Entfremdung und Melancholie: 56 -75

Rivalität und Eifersucht gegenüber anderen Dichtern: 76 -96

„Winter“ der Trennung: 97 -99

Feier der erneuerten Freundschaft: 100 -126

Sonette, die einem dunkelhäutigen Liebhaber gewidmet sind: 127 -152

Fazit – die Freude und Schönheit der Liebe: 153 -154

Sonett 126 verstößt gegen den Kanon – es hat nur 12 Zeilen und ein anderes Reimmuster. Manchmal wird es als Abschnitt zwischen zwei bedingten Teilen des Zyklus betrachtet – Sonette, die der Freundschaft gewidmet sind (1-126) und an die „dunkle Dame“ gerichtet sind (127-154). Sonett 145 geschrieben im jambischen Tetrameter statt im Pentameter und unterscheidet sich im Stil von den anderen; manchmal wird es der Frühzeit zugeschrieben und seine Heldin wird mit Shakespeares Frau Anna Hathaway identifiziert (deren Nachname, vielleicht als Wortspiel „Hass weg“, im Sonett vorkommt).

Erste Veröffentlichungen

Es wird geschätzt, dass die Hälfte (18) von Shakespeares Stücken zu Lebzeiten des Dramatikers auf die eine oder andere Weise veröffentlicht wurde. Als wichtigste Veröffentlichung von Shakespeares Erbe gilt das Folio von 1623 (das sogenannte „First Folio“), herausgegeben von Edward Blount und William Jaggard als Teil des sogenannten. „Chester-Sammlung“; Drucker Worrall und Col. Diese Ausgabe enthält 36 Shakespeare-Stücke – alle außer „Pericles“ und „Two Noble Kinsmen“. Es ist diese Ausgabe, die allen Forschungen auf dem Gebiet Shakespeare zugrunde liegt.

Dieses Projekt wurde durch die Bemühungen von John Heminge und Henry Condell (1556–1630 und Henry Condell, gest. 1627), Freunden und Kollegen Shakespeares, ermöglicht. Dem Buch geht eine Botschaft an die Leser im Namen von Heminge und Condell sowie eine poetische Widmung an Shakespeare – Zur Erinnerung an meinen Geliebten, den Autor – des Dramatikers Ben Jonson (Benjamin Jonson, 1572-1637) voraus war zugleich sein literarischer Gegner, Kritiker und Freund, der zur Veröffentlichung des First Folio, oder wie es auch genannt wird – „The Great Folio“ (Das Große Folio von 1623) beitrug.

VIII. VORLÄUFER

Nach und nach entwickelte sich die neue Dramaturgie, die das Theater des Mittelalters ablöste – Mysterien, allegorische Moral und primitive Volksposse.

In den dreißiger Jahren des 16. Jahrhunderts schrieb Bischof Bayle, ein glühender Protestant, ein Theaterstück, das sich gegen den Katholizismus richtete. Er veranschaulichte seine Gedanken anhand eines Beispiels aus der Geschichte Englands – dem Kampf von König Johann dem Landlosen (reg. 1199 bis 1216) gegen den Papst. In Wirklichkeit war dieser König eine unbedeutende Person, aber er lag dem protestantischen Bischof am Herzen, weil er mit dem Papst verfeindet war. Bayle verfasste eine Moral, in der personifizierte Tugenden und Laster agierten. Die zentrale Figur des Stücks hieß Tugend. Aber gleichzeitig wurde es King John genannt. Unter den düsteren Gestalten, die Laster verkörpern, heißt eine Illegally Seized Power, sie ist auch der Papst; die andere heißt Anstiftung zur Revolte, sie ist auch die Legatin des Papstes. Bayles „König John“ ist eine Art Theaterstück, in dem die Allegorien der alten mittelalterlichen Moral mit dem neuen historischen Genre kombiniert wurden, das später in Shakespeares historischen Stücken seine Blüte erlebte. Bayles „King John“ wurde von Literaturhistorikern mit einem Kokon verglichen: Es ist keine Raupe mehr, aber noch kein Schmetterling.

Gleichzeitig begann sich in den dreißiger Jahren des 16. Jahrhunderts in England das sogenannte „Schuldrama“ zu entwickeln. Es wird so genannt, weil es innerhalb der Mauern von Universitäten und Schulen entstand: Die Stücke wurden von Professoren und Lehrern geschrieben, von Studenten und Schülern aufgeführt. Man kann es aber auch in dem Sinne als „Schuldrama“ bezeichnen, dass die Dramatiker, die es selbst schufen, noch lernten, Theaterstücke zu schreiben, indem sie antike Autoren studierten und sie nachahmten. In den dreißiger Jahren des 16. Jahrhunderts entstand die erste Komödie in englischer Sprache, Ralph Royster-Deuster; Sein Autor war ein damals bekannter Lehrer, Nicholas Youdl, Direktor der Eton School. In den fünfziger Jahren schrieben die gelehrten Juristen Sackville und Norton die erste Tragödie auf Englisch – Gorboduk.

Aber das alles war nur „Schule“. Echte, lebendige dramatische Werke entstanden erst, als Leute von Universitäten – „Universitätsköpfe“ – begannen, ihre Stücke professionellen Schauspielern zu geben. Dies geschah in den achtziger Jahren des 16. Jahrhunderts.

Im Jahr 1586 erscheinen zwei Stücke, die besondere Aufmerksamkeit verdienen. Der Autor des ersten Stücks ist Thomas Kidd (der auch das erste Stück über Hamlet schrieb, das uns leider nicht überliefert ist).

Das Kinderspiel sei eine typische „Tragödie aus Donner und Blut“, wie man damals sagte. Der Titel selbst ist beredt: „Spanische Tragödie“. Dies ist ein noch primitiver Versuch, die Macht menschlicher Gefühle darzustellen. Auf der Bühne erscheint die schreckliche Gestalt der Rache, die an die Bilder einer alten Moral erinnert. Sofort kommt der Geist des ermordeten Andrea zum Vorschein, der sich über die abscheulichen Mörder beschwert und nach seinem schrecklichen Begleiter ruft. Die Aktion beginnt. Der junge Mann Horatio liebt das schöne Mädchen Belimperia, und sie liebt ihn. Aber auch Balthasar, der Sohn des portugiesischen Königs, liebt Belimperia. Balthasar wird mitgenommen, um Belimperias Bruder, dem Verbrecher Lorenzo, zu helfen. In einer mondhellen Nacht, in der junge Leute im Garten sitzen und einander ihre Liebe erklären, kommen maskierte Mörder auf die Bühne und töten Horatio mit Dolchen. Auf der damaligen englischen Bühne wurden gerne Morde und andere „Schrecken“ dargestellt: Einem Schauspieler wurde eine Flasche roten Essig unter einen weißen Umhang gestellt; Der Dolch durchbohrte die Blase und auf dem weißen Umhang erschienen rote Flecken. Nachdem sie Horatio mit Dolchen erstochen haben, hängen die Mörder seine Leiche an einen Baum – offenbar, um dem Publikum die mit Blut befleckte Leiche deutlicher zu zeigen. Anschließend nehmen die Attentäter Belimperia gewaltsam mit. Horatios Vater, der alte Jeronimo, rennt zu ihren Schreien hinaus – in einem Hemd, mit einem Schwert in der Hand. Als er die Leiche seines Sohnes an einem Baum hängen sieht, spricht er einen donnernden Monolog aus, in dem er zur Rache aufruft ... Alles, was auf der Bühne passiert, wird von Rache und dem Geist des ermordeten Andrea beobachtet, der jubelnd auf Rache wartet. denn Horatios Mörder sind auch seine Mörder. Doch der alte Jeronimo zögert: Es sei nicht leicht, sich am Königssohn zu rächen. Der unglückliche alte Mann denkt sehnsüchtig über das Leben nach. „O Welt! ruft er. „Nein, nicht die Welt, sondern eine Ansammlung von Verbrechen!“ Er vergleicht sich mit einem einsamen Reisenden, der sich in einer verschneiten Nacht verirrt hat ... Andreas Geist wird von Angst erfasst. Er wendet sich an Vengeance, sieht aber, dass sie schläft. „Wach auf, Rache!“ ruft er verzweifelt. Die Rache erwacht. Und dann kommt dem alten Jeronimo ein Gedanke. Um sein Ziel zu erreichen, plant er, am Hof ​​ein Theaterstück zu inszenieren (der Leser hat bereits einige Ähnlichkeiten zwischen dieser Tragödie und Shakespeares Hamlet bemerkt; wir erinnern uns noch einmal daran, dass Kidd der Autor des ersten Stücks über Hamlet war). An der von Jeronimo inszenierten Aufführung nehmen Belimperia, die in seinen Plan eingeweiht wird, sowie Balthasar und Lorenzo teil. Im Laufe des Stücks müssen sich die Charaktere gegenseitig töten. Der alte Jeronimo sorgt dafür, dass es statt „theatralischer“ Morde zu echten Morden kommt. Die Aufführung endet, aber die Schauspieler stehen nicht vom Boden auf. Der spanische König verlangt von Jeronimo eine Erklärung. Hieronimo weigert sich zu antworten und beißt sich zur Bestätigung seiner Weigerung die Zunge ab und spuckt sie aus. Dann befiehlt der König, ihm einen Stift zu geben, damit er eine Erklärung schreiben kann. Hieronimo bittet mit Zeichen, ihm ein Messer zum Schärfen seiner Feder zu geben, und ersticht sich mit diesem Messer. Eine jubelnde Rache erscheint über einem Haufen blutiger Leichen, was darauf hindeutet, dass die wahre Vergeltung noch bevorsteht: Sie beginnt in der Hölle.

Alles in diesem Stück ist durch und durch theatralisch, bedingt, melodramatisch. Thomas Kidds „Spanische Tragödie“ ist der Vorfahre jenes „romantischen“ Trends in der Dramaturgie der Shakespeare-Ära, der Tragödien wie zum Beispiel „Der weiße Teufel“ oder „Die Herzogin von Malfi“ von Shakespeares Zeitgenossen hervorbrachte – Webster.

Im selben Jahr, 1586, entstand ein Theaterstück ganz anderer Art. Der Titel lautet „Arden from the city of Feversham“ (der Autor ist uns unbekannt). Das ist ein Familiendrama. Darin wird erzählt, wie eine junge Frau, Alice Arden, und ihr Liebhaber Moseby Alices Ehemann töteten. Der Mord selbst wird mit großer Kraft dargestellt, als Alice vergeblich versucht, die Blutflecken wegzuwaschen (dieses Motiv wurde von Shakespeare mit grandioser Kraft in der berühmten Szene entwickelt, in der Lady Macbeth halb schlafend und von Erinnerungen überwältigt umherirrt). Alles in diesem Stück ist lebenswichtig und realistisch. Und die Handlung selbst wurde vom Autor aus dem wirklichen Leben entlehnt. Im Nachwort bittet der Autor das Publikum um Verzeihung dafür, dass das Stück keine „Ausschmückungen“ enthält. Für die Kunst genüge laut Autor die „einfache Wahrheit“. Dieses Stück kann als Vorläufer jener Richtung in der Dramaturgie der Shakespeare-Ära bezeichnet werden, die sich um die Darstellung des Alltags bemühte, wie etwa Thomas Heywoods wunderbares Drama „A Woman Killed by Kindness“. Shakespeares Werk vereint beide Strömungen – romantisch und realistisch.

Das war der Prolog. Die wahren Ereignisse beginnen mit dem Auftritt der Stücke von Christopher Marlowe auf der Londoner Bühne. Marlowe wurde wie Shakespeare 1564 geboren und war nur zwei Monate älter als er. Marlos Heimat war die antike Stadt Canterbury. Christopher Marlos Vater besaß ein Schuhgeschäft. Die Eltern schickten ihren Sohn an die Universität Cambridge in der Hoffnung, ihn zum Priester zu machen. Doch nach ihrem Universitätsabschluss landete Marlo statt auf dem Kirchenaltar auf der Bühne der Londoner Bühne. Aber er war nicht dazu bestimmt, Schauspieler zu werden. Der Legende nach brach er sich das Bein und musste mit der Schauspielerei aufhören. Dann begann er, Theaterstücke zu schreiben. Sein grandioses Epos in zwei Teilen und zehn Akten „Tamerlane der Große“ erschien 1587–1588. In diesem Epos erzählt Marlo vom Leben, den Kriegen und dem Tod des berühmten Feldherrn des XIV. Jahrhunderts.

„Skythischer Hirte“, „Räuber von der Wolga“ wird Tamerlane in Marlos Stück von den östlichen Königen genannt, die er vom Thron stürzt und ihre Königreiche erobert. Tamerlanes Armee besteht laut Marlo aus „einfachen Landjungen“. Marlo porträtiert Tamerlane als muskulösen Riesen. Dies ist ein Mann von phänomenaler körperlicher Stärke, unzerstörbarem Willen und elementarem Temperament. Es ähnelt den mächtigen Figuren, die Michelangelos Meißel geschaffen hat. Das für die Renaissance so typische Motiv der Verherrlichung des irdischen Lebens erklingt in diesem grandiosen dramatischen Epos laut; Von der Bühne sind Worte zu hören: „Ich denke, dass himmlische Freuden nicht mit königlicher Freude auf Erden verglichen werden können!“

Tamerlane ist wie Marlo selbst ein leidenschaftlicher Freidenker. In einem seiner stürmischen, donnernden Monologe sagt er, dass das Ziel des Menschen darin besteht, „für immer zu unendlichem Wissen aufzusteigen und für immer in Bewegung zu sein, wie die Himmelssphären, die keine Ruhe kennen“. Dieser fabelhafte Held ist voller Kraft. Er fährt in einem Streitwagen auf die Bühne, an den anstelle von Pferden die von ihm gefangenen Könige gespannt sind. „Hey, ihr verwöhnten asiatischen Nörgler!“ schreit er und treibt sie mit seiner Peitsche voran.

Marlos nächstes Stück war „Die tragische Geschichte des Doktor Faust“. Es war die erste dramatische Adaption der berühmten Legende. Marlos Stück spiegelte den für die Renaissance so charakteristischen Wunsch des Menschen wider, die Kräfte der Natur zu besiegen. Faust verkauft seine Seele an Mephistopheles, um „die goldenen Gaben des Wissens zu erlangen“ und „in die Schatzkammer der Natur einzudringen“. Er träumt davon, seine Heimatstadt mit einer Kupfermauer zu umschließen und sie für den Feind unzugänglich zu machen, den Flusslauf zu ändern, eine Brücke über den Atlantik zu schlagen, Gibraltar zu füllen und Europa und Afrika zu einem einzigen Kontinent zu verbinden ... „Wie grandios das ist.“ alles ist!" - bemerkte Goethe, der einige Merkmale von Marlos Tragödie für seinen Faust verwendete.

Der grandiose Umfang der Fantasie, der gewaltige Druck der Kräfte, wie mit Mühe, charakterisieren Marlos Werk. „Marlos kraftvoller Vers“, schrieb Ben Jonson. Shakespeare spricht auch vom „kraftvollen Ausspruch“ von Marlowe.

Die Puritaner, die den Kodex der neuen bürgerlichen Moral schufen, waren empört über den leidenschaftlichen Freidenker, der seine Ansichten offen predigte. Eine nach der anderen erreichten den Geheimrat der Königin Denunziationen. Und selbst das einfache Volk blickte manchmal nicht ohne abergläubische Angst auf das, was auf der Bühne geschah, obwohl Marlowes Stücke bei ihnen ein großer Erfolg waren. Sogar in London gab es ein solches Gerücht. Einmal, nach der Aufführung von Faust, stellte sich heraus, dass der Schauspieler, der die Rolle des Mephistopheles spielte, krank war und nicht ins Theater ging. Wer spielte dann an diesem Tag Mephistopheles? Die Schauspieler stürmten in die Umkleidekabine und erst dann ahnten sie anhand des Schwefelgeruchs, dass der Teufel selbst an diesem Tag auf der Londoner Bühne auftrat.

Marlo schrieb mehrere weitere Theaterstücke (sein bestes Stück in Bezug auf die Lebendigkeit der von ihm geschaffenen Menschenporträts ist die historische Chronik „König Edward II“). Doch sein erstaunliches Talent sollte sich nicht in voller Stärke entfalten. Am 30. Mai 1593 wurde Christopher Marlowe, in seinem dreißigsten Lebensjahr, in einer Taverne getötet. Die Puritaner jubelten. „Der Herr hat diesen bellenden Hund an den Haken der Rache gesetzt“, schrieb einer von ihnen.

Um den Tod von Marlo ranken sich viele Legenden. Einige Legenden erzählen, dass Marlo in einer Schlägerei unter Alkoholeinfluss ums Leben kam, nachdem er sich mit seinem Mörder wegen einer Prostituierten gestritten hatte; andere sagten, er sei gefallen, als er die Ehre eines unschuldigen Mädchens verteidigte. Bis vor Kurzem wurde diesen Legenden ernsthaft zugehört. Und erst 1925 gelang es dem amerikanischen Professor Leslie Hotson, in den englischen Archiven Dokumente zu finden, die neues Licht auf die Umstände von Marlos Tod werfen (Hotsons Entdeckungen sind im Buch „Leslie Hotson. The Death of Cristopher Marlowe, 1925“ dargelegt). Und es stellte sich heraus, dass der Mord an Marlo das Werk des Geheimrats von Königin Elizabeth war; Bei der Ermordung von Marlo war ein gewisser Field anwesend – ein Agent des Geheimen Rates.

So starb der „Vater des englischen Dramas“ Christopher Marlowe, ohne seine schöpferischen Kräfte vollständig zu offenbaren. Und gerade in diesem Jahr, als sein Stern, der mit hellem, leidenschaftlichem und ungleichmäßigem Glanz brannte, unterging, begann der Stern von William Shakespeare am Theaterhimmel Londons aufzusteigen. Im Gegensatz zu seinen Vorgängern, die eine Universitätsausbildung und „Universitätsgeister“ hatten, war dieser neue Dramatiker ein bloßer Schauspieler.

Wir haben nur einige der Vorgänger Shakespeares erwähnt. Tatsächlich nutzte Shakespeare umfassend die gesamte literarische Vergangenheit seines Heimatlandes. Er hat viel von Chaucer übernommen (zum Beispiel führt uns Shakespeares Gedicht „Lucretia“ mit seinen Handlungswurzeln zu Chaucers „Legends of Good Women“; die Bilder von Theseus und Hippolyta in der Komödie „Ein Sommernachtstraum“ wurden wahrscheinlich von „ „The Knight's Tale“ aus Chaucers berühmten Canterbury Tales, Chaucers Gedicht Troilus and Cressida beeinflusste Shakespeares gleichnamige Komödie usw.). Shakespeare verdankte Edmund Spenser, dem Autor von The Faerie Queene, und anderen Dichtern seiner Schule viel. Aus „Arcadia“ von Philip Sidney entlehnte Shakespeare die Handlung, die er im Bild des von seinem Sohn Edmund („König Lear“) verratenen Gloucester verkörperte – auch Shakespeare würdigte den Euphuismus. Unter den Vorläufern Shakespeares sind schließlich die namenlosen Erzähler englischer Volksballaden zu nennen. In der englischen Volksballade entsteht das tragische Handlungsdrama, das so typisch für das Werk Shakespeares und seiner Zeitgenossen ist. Viele Gedanken und Gefühle, die seit langem unter den Menschen existieren und sich in Volksballaden und Liedern widerspiegeln, haben in Shakespeares Werk eine brillante künstlerische Verkörperung gefunden. Die Wurzeln dieser Kreativität reichen tief in den Volksboden.

Von den Werken der ausländischen Literatur wurde Shakespeare vor allem von den italienischen Kurzgeschichten Boccaccio und Bandello beeinflusst, aus denen Shakespeare eine Reihe von Handlungssträngen für seine Stücke entlehnte. Eine ins Englische übersetzte Sammlung italienischer und französischer Kurzgeschichten mit dem Titel „The Hall of Delights“ war Shakespeares Handbuch. Für seine „Römischen Tragödien“ („Julius Caesar“, „Coriolanus“, „Antonius und Kleopatra“) griff Shakespeare Handlungsstränge aus Plutarchs „Leben berühmter Persönlichkeiten“ auf, die er in Norths englischer Übersetzung las. Zu seinen Lieblingsbüchern gehörten auch Ovids Metamorphosen in einer englischen Übersetzung von Golding.

Shakespeares Werk wurde von vielen Dichtern, Schriftstellern und Übersetzern vorbereitet.

Aus dem Buch Karls des Großen Autor Levandovsky Anatoli Petrowitsch

Kapitel zuerst. Vorgänger Unter dem Ansturm der „Barbaren“ Man sollte aus der Ferne beginnen, und um sich dem Kaiser des 9. Jahrhunderts zu nähern, muss man sich an ein anderes Reich erinnern, das viel älter ist. Mehr als zwölf Jahrhunderte lang dominierte zunächst das antike Rom innerhalb einer kleinen

Aus dem Buch des Meisters der Leibeigenschaft Russlands Autor Safonov Vadim Andreevich

FORECESSORS UND FROLOV Kuzma Frolov verbrachte sein gesamtes weiteres langes Leben in der Zmeinogorsk-Mine. Hier kam sein großes Talent als Mechaniker voll zur Geltung. Durch die Umstände gezwungen, die menschliche Arbeit weitgehend durch die Energie des Wassers zu ersetzen

Aus dem Buch von William Harvey. Sein Leben und seine wissenschaftliche Tätigkeit Autor Engelgardt Michail Alexandrowitsch

Kapitel II. Harveys Vorgänger Physiologie der Alten. - Erazistrat. - Galen. - Die endgültige Schlussfolgerung der antiken Physiologie. - Der Untergang der heidnischen Wissenschaft. - Die Lehre von der „falschen Wissenschaft der Welt“ und ihr Einfluss. - Mittelalter. - Die Wiederbelebung der Wissenschaft. - Die Unterwürfigkeit der europäischen Wissenschaft zuvor

Aus dem Buch von James Watt. Sein Leben und seine wissenschaftliche und praktische Tätigkeit Autor Kamensky Andrej Wassiljewitsch

KAPITEL IV. WATTS VORLÄUFER Die Menschen kennen die Kraft des Dampfes schon seit sehr langer Zeit. Schon in der Antike wurde darüber in Büchern geschrieben. Bereits der alexandrinische Wissenschaftler Heron beschrieb 120 Jahre v. Chr. die sogenannte Äolische Kugel, die sich bei Erhitzung um ihre horizontale Achse drehte.

Aus dem Buch Netschajew: Schöpfer der Zerstörung Autor Lurie Felix Moiseevich

VORLÄUFER Während Netschajew die Meere und ferne Länder durchquert, lassen wir unseren Helden für eine Weile zurück und wenden uns an diejenigen, die ihm den Weg in der revolutionären Bewegung geebnet haben. Netschajew ist nicht von Grund auf aufgetaucht – lernen wir seine Vorgänger kennen. Ein Roman von F. M. Dostojewski

Aus dem Buch Passion für Tschaikowsky. Gespräche mit George Balanchine Autor Wolkow Solomon Moisejewitsch

Vorgänger und Zeitgenossen Balanchine: Tschaikowsky verehrt. Mozart. Menschen

Aus dem Buch Herodot Autor Surikow Igor Evgenievich

Vorgänger Nicht jedes antike Volk verfügte über eine Geschichtswissenschaft (hier haben die Griechen eindeutig die Hand inne), aber dennoch besaßen sie alle die eine oder andere Form von Geschichtsbewusstsein, Geschichtsgedächtnis. Schließlich ist ein Leben in der Gegenwart unmöglich

Aus dem Buch Alexander der Große der Autor Fort Paul

Die Griechen – die Vorfahren Alexanders Man kann argumentieren, dass wenn sich die Invasion des Persischen Reiches als relativ einfache Angelegenheit erwies, dann lag dies nicht nur daran, dass zumindest Reisende, Diplomaten, Ärzte und Kaufleute aus dem Persischen Reich kamen

Aus dem Buch MATISSE Autor Alpatow Michail Wladimirowitsch

Aus dem Buch von Jan Hus Autor Kratochvil Milos Vaclav

KAPITEL 4 VORFÜHRER UND LEHRER VON HUS Wir haben versucht, dem Leser ein Bild der tschechischen und Prager Gesellschaft zu Beginn des 15. Jahrhunderts zu vermitteln, haben ihre Bestandteile kennengelernt, ihre Interessen und ihre wirtschaftliche Stärke bestimmt; und vor uns wurden Widersprüche offenbart und

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10. Arafats Vorgänger in der Führung der PLO

Aus dem Buch Der Fall Hanssen. „Maulwürfe“ in den USA Autor Kolpakidi Alexander Iwanowitsch

KAPITEL FÜNF Hanssens Vorgänger Bei der Rekrutierung von Agenten bei der NSA, der CIA und in den Sonderdiensten der US-Armee und der Marine vergaß der sowjetische Geheimdienst nie Amerikas ältesten Sonderdienst, das Federal Bureau of Investigation. Infiltrieren Sie das FBI, das für interne Angelegenheiten zuständig war

Von Luther Burbank Autor Molodchikov A.I.

I. SEITEN AUS DER VERGANGENHEIT (Vorläufer von Burbank.) 1. „Geheimnisse der Natur“ von Konrad Sprengel Der Mensch kultiviert seit jeher Pflanzen. Und zweifellos hat sogar der primitive Bauer, für den der verkohlte Ast alle landwirtschaftlichen Geräte ersetzte, etwas erreicht

Aus dem Buch The Mandelstam Code Autor Lifshits Galina Markowna

Vorgänger Es besteht kein Zweifel daran, dass ein Kunstwerk von der Persönlichkeit und dem Wirken seines Schöpfers geprägt ist. Darüber hinaus ist, jeweils auf seine Weise, auch der Einfluss der Vorgängerdichter an der Entstehung eines dichterischen Werkes beteiligt.

Aus dem Buch Erste Weltumrundung von James Cook

Aus dem Buch American Scientists and Inventors von Wilson Mitchell

Die Vorgänger der Wrights Der wahre Pionier des Flugs, der schwerer als Luft ist, war Sir George Cayley (1773–1857), der, in den Worten von Orville Wright, „mehr über die Prinzipien der Luftfahrt wusste als jeder seiner Vorgänger, und zwar genauso viel.“ wie jeder seiner Nachfolger.“ „. In denen

William Shakespeare gilt nicht nur in Großbritannien, sondern auf der ganzen Welt als brillanter Dichter und Dramatiker. Es ist allgemein anerkannt, dass seine Werke eine Art Enzyklopädie menschlicher Beziehungen sind, sie sind wie ein Spiegel, in dem große und unbedeutende Menschen in ihrem Wesen dargestellt werden. Er schrieb 17 Komödien, 11 Tragödien, 10 Chroniken, 5 Gedichte und 154 Sonette. Sie werden in Schulen und höheren Bildungseinrichtungen studiert. Keinem Dramatiker ist es gelungen, eine solche Größe zu erreichen, wie sie Shakespeare nach seinem Tod zuteil wurde. Bisher versuchen Wissenschaftler aus verschiedenen Ländern die Frage zu klären, wie im 16. Jahrhundert ein solcher Schöpfer entstehen konnte, dessen Werke 400 Jahre später immer noch aktuell sind.

Es besteht kein Konsens über den Ursprung Shakespeares. Das genaue Datum seiner Geburt ist unbekannt. Nach allgemein anerkannten Informationen wurde er in Stratford-upon-Avon in der Nähe von Birmingham geboren und dort am 26. April 1564 getauft. Sein Vater war Fleischhändler, besaß zwei Häuser und wurde zum Bürgermeister gewählt. Aber in Shakespeares Familie beschäftigte sich niemand mit Fragen der Literatur und Geschichte und außerdem liebte er das Theater nicht. In Stratford gab es kein Umfeld, das einen zukünftigen Dramatiker hätte hervorbringen können.

Der junge William besuchte eine Schule für nicht sehr wohlhabende Kinder, in der der Unterricht kostenlos war. Im Alter von 14 Jahren schloss er sein Studium ab und wurde mit 18 Jahren gezwungen, die Tochter eines wohlhabenden Bauern zu heiraten – angeblich befand sich seine Familie in einer schwierigen finanziellen Situation. Seine Frau, Anne Hathaway, war 8 Jahre älter als William.

Shakespeare war offenbar von seiner Ehe enttäuscht und ging nach London, um dort zu arbeiten. Es gibt Hinweise darauf, dass er sich einer Gruppe umherziehender Schauspieler anschloss. In London begann er, Gedichte zu schreiben und sie einflussreichen Menschen zu widmen. Es ist wahrscheinlich, dass er dadurch die Aufmerksamkeit reicher Leute auf sich zog. Ihm wurde empfohlen, ins Theater zu gehen. Zwar wurde er nicht als Schauspieler akzeptiert, ihm wurde jedoch angeboten, die Pferde der Besucher zu bedienen. Er hat zugestimmt. Dann versuchte er sich als Souffleur. Er zeigte literarische Fähigkeiten, und ihm wurden verschiedene Theaterstücke zur Überarbeitung vorgelegt: Dramen, Komödien. Es ist möglich, dass die Bekanntschaft mit diesen Werken und die Leistung von Schauspielern auf der Bühne ihn dazu veranlassten, sich als Autor zu versuchen. Und im Alter von 25 Jahren schrieb er sein erstes Theaterstück über den Krieg zwischen zwei Dynastien. Hinter ihr noch einer und noch einer. Einige wurden zur Produktion angenommen und waren beim Publikum erfolgreich.

Shakespeare schrieb für das Globe Theatre, das 1599 auf Kosten von Schauspielern, darunter Shakespeare, erbaut wurde. Auf dem Giebel des Gebäudes prangte der Ausspruch des römischen Schriftstellers Petronius dem Schiedsrichter: „Die ganze Welt ist ein Theater, alle Menschen darin sind Schauspieler.“ Das Gebäude wurde am 29. Juni 1613 durch einen Brand zerstört.

Shakespeares Stücke unterschieden sich von den traditionellen durch ihren tiefgründigen Inhalt. Er leitete wie kein anderer vor ihm eine spannende Intrige ein und demonstrierte, wie eine veränderte Situation Menschen verändert. Er zeigte, dass ein großer Mensch in einer neuen Situation niedrig handeln kann und umgekehrt ein unbedeutender Mensch zu einer großen Tat aufsteigen kann. Er enthüllte die moralische Essenz der Charaktere, während sich die Handlung entwickelte, jeder seinen eigenen Charakter zeigte und das Publikum mitfühlte, was auf der Bühne geschah. Die dramatischen Werke Shakespeares erwiesen sich als von hohem moralischen Pathos geprägt.

Aber er konnte nicht ohne Schwierigkeiten auskommen: Mit seinen Stücken beraubte er andere Autoren ihrer Einnahmen, das Publikum wollte Shakespeare, sie gingen zu seinen Dramen. Er entlehnte Geschichten antiker Autoren und verwendete historische Chroniken. Für diese Anleihen erhielt er den Spitznamen „Die Krähe im Gefieder anderer Leute“.

Theaterstücke brachten dem Theater ein gutes Einkommen und Shakespeare selbst wurde reich. Er kaufte ein Haus in seiner Heimat in Stratford, kaufte dann ein Haus in London und gab Geld gegen Zinsen. Er war ein wohlhabender Autor und wurde sogar mit dem Adelswappen ausgezeichnet, das einen Falken mit Speer darstellt.

Shakespeare lebte zum Vergnügen und es wird angenommen, dass er nach einem fröhlichen Fest mit Freunden starb.

Menschen, die Shakespeare nahe standen, seine Zeitgenossen, schätzten die Arbeit ihres Lieblings – sie sagten sein ewiges Leben in der Theaterwelt voraus. Und so geschah es. Über das Genie Shakespeares wurde auch viele Jahre nach seinem Tod gesprochen, als seine Stücke in das Repertoire der führenden Theater der Welt aufgenommen wurden.

Seine Helden sind zum Symbol tragischer Lebenssituationen geworden: Romeo und Julia – selbstlose Liebe, Lady Macbeth – Kriminalität, Jago und Othello – Betrug und Leichtgläubigkeit, Falstaff – Feigheit und Prahlerei, Hamlet – Hin und Her zwischen Gefühl und Pflicht.

Shakespeare war der geborene Dramatiker, er hilft dem Zuschauer, einen neuen Blick auf sich selbst und die Welt zu werfen.