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Musik aus Frankreich. Was ist das Musikinstrument in Frankreich am Ende?

Blasinstrumente sind die älteste Art von Musikinstrumenten, die aus der Antike ins Mittelalter gelangte. Im Verlauf der Entwicklung und Bildung der mittelalterlichen westlichen Zivilisation hat sich der Anwendungsbereich der Blasinstrumente jedoch erheblich erweitert: Einige, wie zum Beispiel der Oliphant, gehören zu den Höfen adliger Herren, andere – Flöten – werden auch im Volksmund verwendet Umgebung und unter professionellen Musikern, und wieder andere, wie die Trompete, werden zu ausschließlich militärischen Musikinstrumenten.

Der älteste Vertreter der Blasinstrumente in Frankreich muss wohl als Fretel (Fretel) oder „Pans Flöte“ angesehen werden. Ein ähnliches Instrument ist auf einer Miniatur aus einer Handschrift aus dem 11. Jahrhundert zu sehen. in der Nationalbibliothek von Paris (Abb. I). Dabei handelt es sich um eine mehrläufige Flöte, die aus einem Satz Rohre (Rohr, Rohr oder Holz) unterschiedlicher Länge besteht, wobei ein Ende offen und das andere geschlossen ist. Fretel wird oft zusammen mit anderen Flötentypen in den Romanen des XI-XII Jahrhunderts erwähnt. Allerdings bereits im XIV. Jahrhundert. Von der Fretel spricht man nur als Musikinstrument, das bei Dorffeiertagen gespielt wird, sie wird zu einem Instrument des einfachen Volkes.

Die Flöte hingegen erlebt einen „Aufstieg“: vom gewöhnlichen Volksinstrument zum höfischen Instrument. Die ältesten Flöten wurden auf dem Territorium Frankreichs in der galloromanischen Kulturschicht (1.-2. Jahrhundert n. Chr.) gefunden. Die meisten davon sind Knochen. Bis zum 13. Jahrhundert Die Flöte ist normalerweise doppelt, wie in einer Miniatur aus einem Manuskript aus dem 10. Jahrhundert. aus der Nationalbibliothek von Paris (Abb. 3), und die Röhren können entweder gleich oder unterschiedlich lang sein. Die Anzahl der Löcher im Flötenrohr kann unterschiedlich gewesen sein (von vier bis sechs, sieben). Flöten wurden normalerweise von Minnesängern und Jongleuren gespielt, und oft ging ihr Spiel dem Erscheinen einer feierlichen Prozession oder einer hochrangigen Person voraus.

Die Minnesänger spielten auch eine Doppelflöte mit unterschiedlich langen Trompeten. Eine solche Flöte ist auf einer Vignette aus einem Manuskript aus dem 13. Jahrhundert abgebildet. (Abb. 2). Auf dem Miniaturbild ist ein Orchester aus drei Minnesängern zu sehen: einer spielt die Gambe, einer spielt die Gambe, der andere spielt die Gambe. die zweite auf einer ähnlichen Flöte, die der modernen Klarinette ähnelt; Der Dritte schlägt auf ein quadratisches Tamburin aus Leder, das über einen Rahmen gespannt ist. Die vierte Figur schenkt den Musikern Wein zur Erfrischung ein. Ähnliche Orchester aus Flöte, Trommel und Violine gab es in den Dörfern Frankreichs bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts.

Im 15. Jahrhundert. Es tauchten Flöten aus gekochtem Leder auf. Darüber hinaus könnte die Flöte selbst einen runden oder achteckigen Querschnitt haben und nicht nur gerade, sondern auch gewellt sein. Ein ähnliches Instrument ist in der Privatsammlung von Herrn Fo erhalten (Abb. 4). Seine Länge beträgt 60 cm, an der breitesten Stelle beträgt der Durchmesser 35 mm. Der Körper besteht aus schwarzem Walkleder, der Zierkopf ist bemalt. Eine solche Flöte diente als Prototyp für die Herstellung der Serpan-Pfeife. Serpan-Flöten wurden sowohl bei Gottesdiensten in Kirchen als auch bei weltlichen Festen verwendet. Querflöten sowie Flageoletts werden erstmals in Texten des 14. Jahrhunderts erwähnt.

Eine andere Art von Blasmusikinstrumenten sind Dudelsäcke. Auch im mittelalterlichen Frankreich gab es mehrere Arten davon. Dabei handelt es sich um eine Chevrette – ein Blasinstrument bestehend aus einem Ziegenfellbeutel, einem Luftschlauch und einer Duda. Ein Musiker, der dieses Instrument spielt (Abb. 6), ist in einem Manuskript aus dem 14. Jahrhundert dargestellt. „Die Romanze der Rose“, aus der Nationalbibliothek von Paris. Einige Quellen trennen den Chevret vom Dudelsack, während andere den Chevret einfach als „kleine Dudelsäcke“ bezeichnen. Das Werkzeug, das in seinem Aussehen stark an ein Chevret erinnert, stammt aus dem 19. Jahrhundert. trafen sich in den Dörfern der französischen Provinzen Burgund und Limousin.

Eine andere Art von Dudelsäcken war der Horo oder Horum (Choro). Laut einer Beschreibung in einem Manuskript der Abtei St. Blaise (IX. Jahrhundert) ist ein Blasinstrument mit einer Pfeife zur Luftzufuhr und einer Pfeife, und beide Pfeifen liegen in derselben Ebene (sie sind sozusagen eine Fortsetzung voneinander). Im mittleren Teil des Horo befindet sich ein Luftreservoir aus bearbeitetem Leder mit perfekter Kugelform. Da die Haut der „Tasche“ zu vibrieren begann, als der Musiker in den Horo blies, war der Ton etwas rasselnd und scharf (Abb. 6).

Dudelsack (coniemuese), der französische Name für dieses Instrument kommt vom lateinischen „corniculans“ (gehörnt) und kommt in Manuskripten erst ab dem 14. Jahrhundert vor. Weder sein Aussehen noch seine Verwendung im mittelalterlichen Frankreich unterschieden sich von den uns bekannten traditionellen schottischen Dudelsäcken, wie aus einem Bild aus einem Manuskript aus dem 14. Jahrhundert hervorgeht. (Abb. 9).

Hörner und Hörner (corne). Alle diese Blasinstrumente, einschließlich des großen Olifantenhorns, unterscheiden sich in Design und Verwendung kaum voneinander. Sie bestanden aus Holz, gekochtem Leder, Elfenbein, Horn und Metall. Sie wurden meist am Gürtel getragen. Das Spektrum der klingenden Hörner ist nicht groß, aber die Jäger des XIV. Jahrhunderts. Auf ihnen wurden einfache Melodien abgespielt, die aus bestimmten Signalen zusammengesetzt waren. Jagdhörner wurden, wie bereits erwähnt, zunächst in der Taille getragen, dann bis zum 16. Jahrhundert an einer Schlinge über der Schulter; ein ähnlicher Anhänger findet sich häufig auf Bildern, insbesondere in Gaston Phoebes Buch über die Jagd (Abb. 8). Das Jagdhorn eines edlen Herrn ist ein kostbares Ding; So trug Siegfried im „Nibelungenlied“ ein goldenes Horn von feiner Arbeit bei sich, um auf die Jagd zu gehen.

Unabhängig davon sollte über den Alifant gesprochen werden – ein riesiges Horn mit Metallringen, das speziell dafür hergestellt wurde, dass der Olifant an der rechten Seite seines Besitzers aufgehängt werden kann. Sie stellten Olifanten aus Elefantenstoßzähnen her. Wird bei der Jagd und bei militärischen Einsätzen verwendet, um die Annäherung des Feindes zu signalisieren. Eine Besonderheit des Olifanten besteht darin, dass er nur dem souveränen Seigneur gehören konnte, in dessen Unterordnung die Barone stehen. Der Ehrencharakter dieses Musikinstruments wird durch die Skulptur aus dem 12. Jahrhundert bestätigt. aus der Abteikirche in Vaselles, wo ein Engel mit einem Olifanten auf der Seite dargestellt ist, der die Geburt des Erlösers verkündet (Abb. 13).

Jagdhörner unterschieden sich von denen der Minnesänger. Letzterer verwendete ein Instrument mit fortschrittlicherem Design. Auf dem Kapitell einer Säule aus derselben Abteikirche in Vazelle ist ein Minnesänger (Abb. 12) dargestellt, der ein Horn spielt, in das nicht nur entlang der Pfeife, sondern auch in der Glocke Löcher gebohrt wurden, die eine Modulation ermöglichten den Klang und verleiht ihm mehr oder weniger Lautstärke.

Pfeifen wurden durch die eigentliche Pfeife (Trompe) und gebogene Pfeifen mit einer Länge von mehr als einem Meter – Busine – dargestellt. Holunderbeeren wurden aus Holz, gekochtem Leder, am häufigsten jedoch aus Messing hergestellt, wie aus einer Miniatur aus einem Manuskript aus dem 13. Jahrhundert hervorgeht. (Abb. 9). Ihr Klang war scharf und laut. Und da es weithin zu hören war, wurden die Ältesten in der Armee für den morgendlichen Weckruf eingesetzt, sie gaben Signale, um das Lager zu verlassen und die Schiffe zu segeln. Sie kündigten auch die Ankunft des Königshauses an. So wurde 1414 mit den Stimmen der Ältesten der Einzug Karls VI. in Paris angekündigt. Aufgrund der besonderen Lautstärke des Klangs im Mittelalter glaubte man, dass die Engel durch das Spielen des Holunders den Beginn des Jüngsten Gerichts ankündigen würden.

Die Trompete war ausschließlich ein militärisches Musikinstrument. Sie diente dazu, die Moral in der Armee zu heben und Truppen zu sammeln. Das Rohr ist kleiner als Holunder und ist ein Metallrohr (gerade oder mehrfach gebogen) mit einer Muffe am Ende. Der Begriff selbst tauchte Ende des 15. Jahrhunderts auf, ein Instrument dieser Art (gerade Pfeifen) wurde jedoch bereits seit dem 13. Jahrhundert in der Armee verwendet. Bis zum Ende des XIV. Jahrhunderts. die Form der Pfeife ändert sich (ihr Körper biegt sich) und die Pfeife selbst ist zwangsläufig mit einem Wimpel mit Wappen verziert (Abb. 7).

Ein besonderer Pfeifentyp – eine Serpan (Schlange) – diente als Prototyp für viele moderne Blasinstrumente. In der Sammlung von Herrn Fo gibt es eine Sichel (Abb. 10) aus gekochtem Leder mit einer Höhe von 0,8 m und einer Gesamtlänge von 2,5 m. Der Musiker hielt das Instrument mit beiden Händen, während die linke Hand es hielt den gebogenen Teil (A) und die Finger der rechten Hand fuhren über die Löcher im oberen Teil der Sichel. Der Klang des Serpan war kraftvoll, dieses Blasinstrument wurde sowohl in Militärkapellen als auch im Gottesdienst eingesetzt.

Die Orgel (Orge) steht in der Familie der Blasinstrumente etwas außerhalb. Dieses Tasten- und Pedalinstrument mit einem Satz von mehreren Dutzend Pfeifen (Registern), die durch Luftblasen per Blasebalg zum Klang gebracht werden, wird derzeit nur mit großen stationären Orgeln in Verbindung gebracht – Kirchen- und Konzertorgeln (Abb. 14). Im Mittelalter war jedoch möglicherweise ein anderer Typ dieses Instruments, die Handorgel (orgue de main), weiter verbreitet. Es basiert auf der „Pans Flöte“, die mit Hilfe von Druckluft in Klang versetzt wird, die aus einem Tank mit durch Ventile verschlossenen Öffnungen in die Rohre gelangt. Allerdings waren bereits in der Antike, in Asien, im antiken Griechenland und Rom, große Orgeln mit hydraulischer Steuerung bekannt. Im Westen tauchten diese Instrumente erst im 8. Jahrhundert auf und schon damals als Geschenke der byzantinischen Kaiser an westliche Monarchen (Konstantin V. Kopronymus schickte eine solche Orgel als Geschenk an Pippin den Kleinen und Konstantin Kuropolat an Karl den Großen und Ludwig den Großen). Gut).

Abbildungen von Handorgeln tauchen in Frankreich erst im 10. Jahrhundert auf. Mit der rechten Hand sortiert der Musiker die Tasten, mit der linken drückt er auf die Blasebälge, die Luft pumpen. Das Instrument selbst befindet sich meist auf der Brust oder dem Bauch des Musikers. Bei Manualorgeln sind es meist acht Pfeifen und dementsprechend acht Tasten. Während des 13. und 14. Jahrhunderts veränderten sich Handorgeln praktisch nicht, die Anzahl der Pfeifen konnte jedoch variieren. Erst im 15. Jahrhundert kamen bei Manualorgeln eine zweite Pfeifenreihe und eine Doppelklaviatur (vier Register) zum Einsatz. Rohre waren schon immer aus Metall. Manuelle Orgel deutscher Arbeit des 15. Jahrhunderts. erhältlich in der Münchner Pinotek (Abb. 15).

Handorgeln verbreiteten sich unter Wandermusikanten, die mitsingen und sich selbst auf dem Instrument begleiten konnten. Sie erklangen auf Stadtplätzen, bei Dorffeiertagen, aber nie in Kirchen.

Orgeln, kleiner als Kirchenorgeln, aber stärker als manuelle Orgeln, wurden einst in Schlössern aufgestellt (z. B. am Hofe Karls V.) oder konnten bei feierlichen Zeremonien auf Straßenpodesten aufgestellt werden. So erklangen mehrere ähnliche Orgeln in Paris, als Isabella von Bayern feierlich in die Stadt einzog.

Schlagzeug

Vielleicht gibt es keine Zivilisation, die nicht ein der Trommel ähnliches Musikinstrument erfunden hätte. Eine getrocknete Haut, die über einen Topf gespannt ist, oder ein ausgehöhlter Baumstamm – das ist schon eine Trommel. Obwohl Trommeln bereits seit dem alten Ägypten bekannt sind, wurden sie im frühen Mittelalter kaum genutzt. Erst seit der Zeit der Kreuzzüge wird die Erwähnung von Trommeln (Tambour) regelmäßig, und zwar ab dem 12. Jahrhundert. Unter diesem Namen gibt es Instrumente unterschiedlichster Form: Lang-, Doppel-, Tamburin usw. Bis zum Ende des 12. Jahrhunderts. Dieses Instrument, das auf dem Schlachtfeld und im Bankettsaal erklingt, erregt bereits die Aufmerksamkeit von Musikern. Gleichzeitig ist es im 13. Jahrhundert so weit verbreitet. Trouvers, die behaupten, in ihrer Kunst alte Traditionen zu bewahren, beklagen die „Dominanz“ von Trommeln und Tamburinen, die „edlere“ Instrumente verdrängen.

Tamburine und Trommeln begleiten nicht nur Gesang und Trouveuraufführungen, sie werden auch von wandernden Tänzern, Schauspielern und Jongleuren aufgenommen; Frauen tanzen und begleiten ihre Tänze mit Tamburinspielen. Gleichzeitig wird das Tamburin (Tambour, Bosquei) in einer Hand gehalten und mit der anderen, frei, rhythmisch angeschlagen. Manchmal begleiteten sich Minnesänger beim Flötenspiel auf einem Tamburin oder einer Trommel, die sie mit einem Riemen an der linken Schulter befestigten. Der Minnesänger spielte Flöte und begleitete seinen Gesang mit rhythmischen Schlägen auf das Tamburin, die er mit dem Kopf machte, wie auf der Skulptur aus dem 13. Jahrhundert zu sehen ist. von der Fassade des Hauses der Musiker in Reims (Abb. 17).

Nach der Skulptur des Hauses der Musiker sind auch sarazenische oder doppelte Trommeln bekannt (Abb. 18). In der Zeit der Kreuzzüge fanden sie Verbreitung in der Armee, da sie problemlos auf beiden Seiten des Sattels angebracht werden konnten.

Eine andere Art von Schlagmusikinstrumenten, die im Mittelalter in Frankreich verbreitet war, war Timbre (Tymbre, Cembel) – zwei Halbkugeln und später – Platten aus Kupfer und anderen Legierungen, die zum Schlagen des Takts und zur rhythmischen Begleitung von Tänzen verwendet wurden. In einer Limoges-Handschrift aus dem 12. Jahrhundert. Aus der Pariser Nationalbibliothek ist die Tänzerin mit diesem Instrument abgebildet (Abb. 14). Bis zum 15. Jahrhundert bezieht sich auf ein Skulpturenfragment aus dem Altar der Abteikirche in O, auf dem die Klangfarbe im Orchester verwendet wird (Abb. 19).

Zu den Klangfarben sollte ein Becken (Becken) gehören – ein Instrument, bei dem es sich um einen Ring mit daran angelöteten Bronzerohren handelte, an dessen Enden beim Schütteln Glocken läuten. Das Bild dieses Instruments ist aus einer Handschrift aus dem 13. Jahrhundert bekannt. aus der Abtei St. Blasius (Abb. 20). Das Becken war im frühen Mittelalter in Frankreich weit verbreitet und wurde sowohl im weltlichen Leben als auch in Kirchen verwendet – ihnen wurde ein Zeichen für den Beginn des Gottesdienstes gegeben.

Zu den mittelalterlichen Schlaginstrumenten gehören auch Glocken (Chochettes). Sie waren sehr weit verbreitet, Glocken läuteten bei Konzerten, sie wurden an Kleidung genäht, in Wohnungen von der Decke gehängt – ganz zu schweigen von der Verwendung von Glocken in der Kirche ... Auch Tänze wurden von Glocken begleitet, und dafür gibt es Beispiele – Bilder auf Miniaturen aus dem Anfang des 10. Jahrhunderts! In Chartres, Sens, Paris finden Sie auf den Portalen der Kathedralen Flachreliefs, auf denen eine Frau, die die hängenden Glocken schlägt, die Musik in der Familie der Freien Künste symbolisiert. König David wurde als Glockenspieler dargestellt. Wie auf der Miniatur aus der Bibel des 13. Jahrhunderts zu sehen ist, spielt er sie mit Hilfe von Schlägeln (Abb. 21). Die Anzahl der Glocken kann variieren – normalerweise zwischen fünf und zehn oder mehr.

Auch türkische Glocken – ein militärisches Musikinstrument – entstanden im Mittelalter (manche nennen türkische Glocken Becken).

Im 12. Jahrhundert. Die Mode für Glocken oder an die Kleidung genähte Glocken verbreitete sich. Sie wurden sowohl von Damen als auch von Männern genutzt. Darüber hinaus trennten sich diese lange Zeit, bis zum XIV. Jahrhundert, nicht von dieser Mode. Damals war es üblich, die Kleidung mit dicken Goldketten zu schmücken, an denen die Männer oft Glocken aufhängten. Diese Mode war ein Zeichen der Zugehörigkeit zum hohen feudalen Adel (Abb. 8 und 22) – dem Kleinadel und dem Bürgertum war das Tragen von Glocken verboten. Aber schon im 15. Jahrhundert. Glocken bleiben nur an den Kleidern der Narren. Das Orchesterleben dieses Schlaginstruments dauert bis heute an; und er hat sich seitdem nicht viel verändert.

Streichsaiten

Von allen mittelalterlichen Streichinstrumenten ist die Bratsche (vièle) das edelste und am schwierigsten zu spielende. Nach der Beschreibung des Dominikanermönchs Hieronymus von Mähren im 13. Jahrhundert. die Gambe hatte fünf Saiten, frühere Miniaturen zeigen jedoch sowohl drei- als auch viersaitige Instrumente (Abb. 12 und 23, 23a). Gleichzeitig werden die Fäden sowohl am „Pferd“ als auch direkt am Deck gezogen. Den Beschreibungen nach zu urteilen, klang die Bratsche nicht laut, aber sehr melodisch.

Interessant ist die Skulptur von der Fassade des Hauses der Musiker, die einen lebensgroßen Musiker (Abb. 24) zeigt, der eine dreisaitige Bratsche spielt. Da die Saiten in derselben Ebene gespannt sind, könnte der Bogen, der einer Saite Klang entzieht, die anderen berühren. Besondere Aufmerksamkeit verdient das „Modernisierte“ für die Mitte des 13. Jahrhunderts. Bogenform.

Bis zur Mitte des XIV. Jahrhunderts. in Frankreich ähnelt die Form der Bratsche der modernen Gitarre, was das Spielen mit einem Bogen wahrscheinlich erleichtert (Abb. 25).

Im 15. Jahrhundert. große Bratschen erscheinen - Viola de Gamba. Sie wurden mit dem Instrument zwischen den Knien gespielt. Ende des 15. Jahrhunderts wurde die Viola de Gamba zu einer siebensaitigen Viola. Später wird die Viola de Gamba durch das Cello ersetzt. Alle Arten von Bratschen waren im mittelalterlichen Frankreich weit verbreitet und wurden sowohl bei Festlichkeiten als auch bei intimen Abenden gespielt.

Die Gambe unterschied sich von der Croth durch die doppelte Befestigung der Saiten am Resonanzboden. Egal wie viele Saiten dieses mittelalterliche Instrument hat (auf den ältesten Kreisen sind es drei Saiten), sie sind immer am „Pferd“ befestigt. Darüber hinaus verfügt der Resonanzboden selbst über zwei Löcher entlang der Saiten. Diese Löcher sind durchgehend und dienen dazu, die linke Hand hindurchzuführen, deren Finger abwechselnd die Saiten auf das Deck drücken und sie dann loslassen. Der Darsteller hielt normalerweise einen Bogen in der rechten Hand. Eine der ältesten Darstellungen des Kroot findet sich in einer Handschrift aus dem 11. Jahrhundert. aus der Limoges-Abtei St. Martialisch (Abb. 26). Es muss jedoch betont werden, dass es sich bei der Krut überwiegend um ein englisches und sächsisches Instrument handelt. Die Anzahl der Saiten auf einem Kreis nimmt mit der Zeit zu. Und obwohl es als Stammvater aller Streichinstrumente gilt, hat das Krut in Frankreich nie Fuß gefasst. Viel häufiger nach dem 11. Jahrhundert. ruber oder gigue findet sich hier.

Gigue (Gigue, Kichern) wurde offenbar von den Deutschen erfunden, ähnelt in seiner Form einer Gambe, hat aber keinen Anschlag auf dem Deck. Der Jig ist das Lieblingsinstrument eines Minnesängers. Die Spielfähigkeiten dieses Instruments waren deutlich schlechter als die der Bratsche, es erforderte aber auch weniger Spielgeschick. Den Bildern nach zu urteilen, spielten die Musiker die Jig (Abb. 27) wie eine Geige und legten sich damit die Epoche auf die Schulter, was auf der Vignette aus dem Manuskript „Das Buch der Weltwunder“ aus der Zeit zu sehen ist Anfang des 15. Jahrhunderts.

Ruber (rubère) – Streichinstrument mit Saiten, das an das arabische Rebab erinnert. Ähnlich wie eine Laute hat die Ruber nur eine Saite, die auf einem „Grat“ gespannt ist (Abb. 29), wie sie in einer Miniatur in einer Handschrift aus der Abtei St. Blasius (IX. Jahrhundert). Laut Jerome Moravsky im XII.-XIII. Jahrhundert. Die Rubert ist bereits ein zweisaitiges Instrument, sie wird im Ensemblespiel eingesetzt und führt immer die „tiefe“ Bassstimme. Zhig bzw. „oben“. Somit stellt sich heraus, dass die Monocorde (Monocorde) – ein Streichinstrument, das gewissermaßen als Vorläufer des Kontrabasses diente – auch eine Art Ruber ist, da es auch im Ensemble als Instrument zur Festlegung des Satzes verwendet wurde Basston. Manchmal war es möglich, das Monochord ohne Bogen zu spielen, wie die Skulptur von der Fassade der Abteikirche in Vaselles zeigt (Abb. 28).

Trotz weit verbreiteter Verwendung und zahlreicher Varianten galt die Ruber nicht als der Bratsche gleichwertiges Instrument. Seine Sphäre - eher die Straße, Volksfeiertage. Es ist jedoch nicht ganz klar, wie der Klang des Ruber tatsächlich war, da einige Forscher (Jerome Moravsky) von tiefen Oktaven sprechen, während andere (Aymeric de Peyrac) behaupten, dass der Klang des Ruber scharf und „laut“ sei. ähnlich wie „weibliches Kreischen“. Vielleicht sprechen wir aber auch von Instrumenten aus anderen Zeiten, zum Beispiel dem XIV. oder XVI. Jahrhundert ...

Saiten gezupft

Wahrscheinlich sollten Argumente darüber, welches Instrument alt ist, als irrelevant anerkannt werden, da das Saiteninstrument, die Leier, zum Wahrzeichen der Musik geworden ist, mit dem wir die Geschichte der Saitenzupfinstrumente beginnen werden.

Die antike Leier ist ein Saiteninstrument mit drei bis sieben Saiten, die vertikal zwischen zwei Pfosten gespannt sind, die auf einem hölzernen Resonanzboden montiert sind. Die Saiten der Leier wurden entweder gefingert oder mit Hilfe eines Plektrumresonators gespielt. Auf einer Miniatur aus einem Manuskript des X-XI Jahrhunderts. (Abb. 30), aufbewahrt in der Nationalbibliothek von Paris, sehen Sie eine Leier mit zwölf Saiten, die in Dreiergruppen zusammengefasst und in unterschiedlichen Höhen gespannt sind (Abb. 30a). Solche Leier haben normalerweise schön geformte Griffe auf beiden Seiten, Hierfür ließ sich der Gürtel befestigen, was dem Musiker offensichtlich das Spielen erleichterte.

Die Leier wurde im Mittelalter mit der Sitar (Cithare) verwechselt, die auch im antiken Griechenland vorkam. Ursprünglich handelt es sich um ein sechssaitiges Zupfinstrument. Laut Hieronymus von Mähren hatte die Sitar im Mittelalter eine dreieckige Form (genauer gesagt die Form des Buchstabens „Delta“ des griechischen Alphabets) und die Anzahl der Saiten variierte zwischen zwölf und vierundzwanzig. Eine Sitar dieses Typs (9. Jahrhundert) ist in einer Handschrift der Abtei St. abgebildet. Vlasia (Abb. 31). Allerdings kann die Form des Instruments variieren; ein Bild einer unregelmäßig gerundeten Sitar mit Griff zeigt bekanntermaßen das Spiel (Abb. 32). Der Hauptunterschied zwischen der Sitar und dem Psalterion (siehe unten) und anderen Saitenzupfinstrumenten besteht jedoch darin, dass die Saiten einfach am Rahmen gezogen werden und nicht an einer Art „klingendem Behälter“.

Auch die mittelalterliche Guiterne (guiterne) hat ihren Ursprung in der Sitar. Die Form dieser Instrumente ist ebenfalls vielfältig, ähnelt jedoch meist entweder einer Mandoline oder einer Gitarre (Zither). Solche Instrumente werden erstmals im 13. Jahrhundert erwähnt und sowohl von Frauen als auch von Männern gespielt. Die Gitern begleitete den Gesang des Interpreten, aber er spielte ihn entweder mit Hilfe eines Resonator-Plektrums oder ohne. Im Manuskript „Die Romanze von Troja“ von Benoit de Saint-Maur (13. Jahrhundert) singt der Minnesänger spielend der Giter ohne Plektrum (Abb. 34) . In einem anderen Fall, im Roman „Tristan und Isolde“ (Mitte des 13. Jahrhunderts), gibt es eine Miniatur, die einen Minnesänger zeigt, der den Tanz seines Kameraden begleitet, indem er Hytern spielt (Abb. 33). Die Saiten der Hytern sind gerade gespannt (ohne Stutfohlen), am Körper befindet sich jedoch ein Loch (Rosette). Als Mittler diente ein Knochenstab, der mit Daumen und Zeigefinger gehalten wurde, was deutlich an der Skulptur eines Musikers aus der Abteikirche in O zu erkennen ist (Abb. 35).

Gitern könnte, den verfügbaren Bildern nach zu urteilen, ein Ensembleinstrument sein. Bekannt ist der Deckel einer Schatulle aus der Sammlung des Cluny-Museums (XIV. Jahrhundert), in der der Bildhauer eine bezaubernde Genreszene auf Elfenbein geschnitzt hat: Zwei junge Männer spielen im Garten und erfreuen das Ohr; der eine hat eine Laute in der Hand, der andere eine Hyterne (Abb. 36).

Manchmal wurde die Gitarre, wie zuvor die Sitar, im mittelalterlichen Frankreich als Kompanie (rote) bezeichnet, sie hatte siebzehn Saiten. Das Unternehmen wurde in der Gefangenschaft von Richard Löwenherz gespielt.

Im XIV. Jahrhundert. Es wird ein weiteres Instrument erwähnt, das dem Githeron ähnelt – die Laute (Luth). Bis zum 15. Jahrhundert Seine Form nimmt bereits endlich Gestalt an: ein sehr konvexer, fast halbkreisförmiger Korpus, mit einem runden Loch auf der Resonanzdecke. Der „Hals“ ist nicht lang, der „Kopf“ steht im rechten Winkel dazu (Abb. 36). Zur gleichen Instrumentengruppe gehört die Mandoline, die Mandora, die im 15. Jahrhundert entstand. die vielfältigste Form.

Auch die Harfe (Harfe) kann sich einer antiken Herkunft rühmen – ihre Abbilder finden sich bereits im alten Ägypten. Bei den Griechen ist die Harfe nur eine Variante der Sitar, bei den Kelten wird sie Sambuk genannt. Die Form der Harfe ist unverändert: Es handelt sich um ein Instrument, bei dem unterschiedlich lange Saiten in Form eines mehr oder weniger offenen Winkels über einen Rahmen gespannt sind. Alte Harfen sind dreizehnsaitig und in der diatonischen Tonleiter gestimmt. Sie spielten die Harfe im Stehen oder Sitzen mit beiden Händen und verstärkten das Instrument so, dass sein vertikaler Stand sich auf der Brust des Interpreten befand. Im 12. Jahrhundert erschienen auch kleine Harfen mit unterschiedlicher Saitenanzahl. Ein charakteristischer Harfentyp ist auf einer Skulptur aus der Fassade des Hauses der Musiker in Reims dargestellt (Abb. 37). Jongleure verwendeten bei ihren Auftritten nur sie, und es konnten ganze Ensembles von Harfenisten gebildet werden. Die Iren und Bretonen galten als die besten Harfenisten. Im 16. Jahrhundert. Die Harfe verschwand in Frankreich praktisch und erschien hier erst Jahrhunderte später in ihrer modernen Form.

Besonders hervorzuheben sind die beiden mittelalterlichen Zupfinstrumente. Dies sind das Psalter und der Siphon.

Das antike Psalterion ist ein dreieckiges Saiteninstrument, das entfernt unserer Harfe ähnelt. Im Mittelalter veränderte sich die Form des Instruments – in den Miniaturen sind auch quadratische Psalterionen vertreten. Der Spieler hielt es auf seinem Schoß und spielte mit den Fingern oder einem Plektrum einundzwanzig Saiten (der Tonumfang des Instruments betrug drei Oktaven). Der Erfinder des Psalters ist König David, der der Legende nach einen Vogelschnabel als Plektrum benutzte. Eine Miniatur aus dem Manuskript von Gerard von Landsberg in der Straßburger Bibliothek zeigt den biblischen König, der mit seinen Nachkommen spielt (Abb. 38).

In der mittelalterlichen französischen Literatur werden Psalterionen seit Beginn des 12. Jahrhunderts erwähnt, die Form der Instrumente konnte sehr unterschiedlich sein (Abb. 39 und 40), sie wurden nicht nur von Minnesängern, sondern auch von Frauen – edlen Damen – gespielt und ihr Gefolge. Bis zum XIV. Jahrhundert. das Psalter verlässt nach und nach die Bühne und macht dem Cembalo Platz, aber das Cembalo konnte nicht den chromatischen Klang erreichen, der für zweisaitige Psalter charakteristisch ist.

In gewisser Weise ähnelt ein anderes mittelalterliches Instrument, das bereits im 15. Jahrhundert praktisch verschwand, dem Gips. Dies ist eine Siphonia (Chifonie) – eine westliche Version der russischen Radharfe. Allerdings ist der Siphon neben einem Rad mit einer Holzbürste, die beim Drehen des Griffs drei gerade Saiten berührt, auch mit Tasten ausgestattet, die auch seinen Klang regulieren. Am Siphon befinden sich sieben Tasten, die sich befinden am Ende, das dem Ende gegenüberliegt, an dem sich das Rad dreht. Üblicherweise spielten zwei Personen den Siphon, der Klang des Instruments war laut Quellen harmonisch und leise. Die Zeichnung einer Skulptur auf dem Kapitell einer der Säulen in Boshville (12. Jahrhundert) zeigt eine ähnliche Spielweise (Abb. 41). Der am weitesten verbreitete Siphon war im XI-XII Jahrhundert. Im 15. Jahrhundert. Beliebt war die kleine Siphonia, gespielt von einem Musiker. In der Handschrift „Die Romanze des Gerard de Nevers und der schönen Ariane“ aus der Pariser Nationalbibliothek findet sich eine Miniatur, die den als Minnesänger verkleideten Protagonisten mit einem ähnlichen Instrument an seiner Seite zeigt (Abb. 42).

Antworten: 8

Frage an Kenner: Was für Musen gab es? Welche Instrumente gab es im Frankreich des 17. Jahrhunderts und welche Tänze gab es?

Mit freundlichen Grüßen YULCHIK

Beste Antworten

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Historicaldance.spb /index/articles/general/aid/2 handelt vom Tanzen
Das 17. Jahrhundert war der Vorläufer der folgenden Tänze: Rigaudon, Menuett, Gavotte, Anglaise, Ecossaise, Country-Tanz, Bourre, Kanarienvogel, Sarabande. Darüber hinaus werden auch noch im letzten Jahrhundert populäre Tänze verwendet: Allemande, Passacaglia, Chaconne, Chime, Jig (oder Jig). Ende des 17. Jahrhunderts erschienen auch Paspier und Quadrille.
.orpheusmusic /publ/322-1-0-28 – über Schlaginstrumente
.orpheusmusic /publ/322-1-0-26 – über Blasinstrumente
.orpheusmusic /publ/322-1-0-24 – über die Laute
.orpheusmusic /publ/322-1-0-27 – über Streichinstrumente
Gitarre natürlich

Klaviere, Orgeln, Streicher.

Warten auf die Straßenbahn

Ja, fast alles, was heute existiert, bis auf einige Blasinstrumente. Damals nur leicht modernisierte Versionen. Und Menuetttänze, Gavotten. Vielleicht Mazurkas (der Bruder des Königs von Frankreich war der König von Polen). .. schauen Sie sich Seiten zur Geschichte des Tanzes an ..

Marina Belaya:

In Frankreich gab es im 17. Jahrhundert die gleichen Instrumente wie in anderen europäischen Ländern: Cembalo, Clavichord, Violine, Laute, Flöte, Oboe, Orgel und viele andere.
Und die berühmten französischen Tänze dieser Zeit sind das Menuett (Tanz mit Bögen, der Tanz des „kleinen Schrittes“), Gavotte, Bourre, Paspier, Rigaudon, Lur und viele, viele andere.

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Expertenantworten

Viktorytsch:

Straßenorgel.
Und die Geschichte seines Erscheinens und seiner Verbesserung ist sehr interessant.

Ein paar Worte zum Gerät dieses Instruments. Die Drehleier hat viel mit der Orgel gemeinsam: Der Klang entsteht, wenn Luft in spezielle Klangröhren eindringt. Zusätzlich zu diesen Rohren werden Luftbälge in einer Holz- oder Metallrolle mit Stiften im Inneren der Drehorgel platziert. Durch Drehen des Griffs, der sich außerhalb des Instruments befand, öffnete der Drehorgelspieler die Luft zu den Rohren und betätigte gleichzeitig den Blasebalg. Die Drehleier tauchte Ende des 17. Jahrhunderts in Frankreich auf und diente zunächst als Instrument, um Singvögeln das Singen beizubringen, und wurde bereits im 18. Jahrhundert zu einem unverzichtbaren Begleiter wandernder Musiker. Einer der ersten Handwerker, der sich mit der Herstellung von Drehleiern beschäftigte, war der Italiener Giovanni Barberi (daher der französische Name für dieses Instrument – orgue do Barbarie, wörtlich „Orgel aus dem Land der Barbaren“, verzerrt orgue do Barbcri). Die deutschen und englischen Namen dieses Instruments enthalten auch das Wurzelmorphem „Orgel“. Ja, und im Russischen steht „Orgel“ oft als Synonym für „Drehleier“: „Da war auch ein Drehorgelspieler im Raum, mit einer kleinen manuellen Orgel ...“ (Dostojewski. Verbrechen und Strafe).
In Holland gibt es in der Stadt Utrech ein ganzes Nationalmuseum für Drehleier und Jukeboxen. Es ist seltsam, dass diese klingelnden, rasselnden und klingenden Maschinen auf eine unwissenschaftliche, aber geradezu magische Weise einen Menschen aufmuntern.
Wenn Sie das Museum besuchen, wird der erste Eindruck so sein, als wäre der Saal der Geschichte der Architektur gewidmet – Säulen, Balkone, Stuck, Flachreliefs. Es stellt sich jedoch heraus, dass dies alles Dekorationen sehr großer Drehleiern sind und man sie Tanzorgeln nennt.
Leider spielte die Drehleier die gleiche Melodie und es begann zu stören. Und ein gewisser J. Gavioli erfand Lochkarten für Musikgeräte. Sie wurden in Büchern gesammelt, nur wurde das Buch nicht umgedreht, sondern gefaltet oder zu einer Röhre aufgerollt. Durch solche Bücher wurde der Apparat zu einem Instrument, das viele Melodien spielte. Dies waren Walzer, Polkas, Foxtrott usw.
Später wurde dieses Prinzip verbessert, da es den Menschen immer an Musik mangelte. Metallscheiben für Jukeboxen waren geboren. Das Prinzip ist das gleiche, kneif.
Und dann erfand der Italiener Barberi (nicht zu verwechseln mit der Marke Burberry) eine andere Art Drehleier. Und es war kein Zupfinstrument, sondern ein Blasinstrument, eine Art kleine Orgel. Sie waren in Europa sehr beliebt, denken Sie daran, sogar Papa Carlo war ein Orgelspieler.

Die alte Drehleier drehte sich, das Rad des Lebens rollte.
Ich habe Wein getrunken für deine Barmherzigkeit und für die Vergangenheit für alles.
Dafür, dass es in der Vergangenheit nicht zufällig auf dem Schlachtfeld gestorben ist,
Und was ist abgestürzt – es ist abgestürzt, warum klingelt es mit Splittern?

Der Leierkastenspieler trug einen schäbigen Mantel, er war irgendwo in der Musik aufgestiegen.
Er maß meinen ausgestreckten Handflächen keine Bedeutung bei.
Ich habe dich geliebt, aber ich habe bei der Vergangenheit geschworen, und er umarmte die Drehleier,
Meine Worte, irdisch und vulgär, lauschten geistesabwesend der Melancholie.

Dieses Lied floss wie eine Straße und raste in den letzten Jahren nicht.
Alle Geräusche in ihr kamen von Gott – nicht eine mitleiderregende Note von ihr selbst.
Doch es fielen jämmerliche Worte, die die Live-Musik zerstörten:
Es gab nur eines von Gott, alles andere – von ihm selbst.

Bulat Schalwowitsch Okudschawa, 1979

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Buka Vuka:

Orgel ist die Bezeichnung für verschiedene kleine Musikinstrumente mit automatischem Aufzug. „Als ich mir die Kiste vor mir genauer ansah, erkannte ich, dass sie in einer Ecke eine kleine Orgel enthielt, die einige einfache Musikstücke spielen konnte. »
Aus der Geschichte der Eröffnung des Bahnhofs Witebsk: „Am 30. Oktober 1837 fand die feierliche Eröffnung der Eisenbahn statt und sie wurde sofort zu einem Wahrzeichen – Menschenmassen kamen, um die ankommende Dampflokomotive zu betrachten, und hielten sich ängstlich die Ohren zu als sie seinen Pfiff hörten. Bald wurden die Signalpfeifen durch kleine Orgelpfeifen ersetzt, und angenehme Melodien erfreuten die Ohren derer, die sich trafen. "

Daria:

Ja, das ist Sharmanka.
Das alles müssen Sie wissen.
Alles aus dem Internet geschrieben.
Und ich weiß das, weil es bekannt sein muss.

Tatiana:

Das Cembalo ist der Vorfahre des Pianoforte. Es verfügt über eine Klaviertastatur. Doch dieses Instrument unterscheidet sich hinsichtlich Klangerzeugung und Klangfarbe grundlegend vom Klavier. Die erste einfache Tastatur erschien in der ersten Hälfte des 3. Jahrhunderts v. Chr. e. - Wasserorgel. Sein Schöpfer ist ein Ingenieur aus Alexandria Ktesibius.
Als Ergebnis der Verbesserung des Hydrauliksystems – dem Ersatz des Wassergeräts durch Felle – entstand eine pneumatische Orgel. Im 14. Jahrhundert wurde die Orgel verbessert: Die Tasten wurden kleiner.
Im 15. Jahrhundert wurde die Tastatur mit Saiten verbunden. Die erste Erwähnung eines gewissen Hermann Poll, der ein Instrument namens „Clavicembalo“ baute, stammt aus dem Jahr 1397. Die bekannte Klaviertastatur erschien in einem Musikinstrument namens Clavichord. Das Cembalo erschien im 16. Jahrhundert. Es ist unmöglich zu sagen, wer dieses Instrument geschaffen hat. Es ist nur bekannt, dass die erste Erwähnung in Dokumenten und Briefen aus dem Jahr 1511 erfolgt. Sein Gerät war für die damalige Zeit revolutionär. Es hatte Zeichenfolgen unterschiedlicher Länge und jede entsprach einer bestimmten Taste. Beim Drücken der Taste erfasste die Feder die Saite und es war ein ruckartiger Musikton zu hören. Der Klang war schwach, und um ihn zu verstärken, begannen sie, Doppel- und Dreifachsaiten zu verwenden. Im Laufe der Zeit wurde ein spezielles Gerät zum Zupfen von Saiten erfunden – das Plektrum.
An der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert. Um den Klang zu diversifizieren, erfanden sie ein Cembalo mit zwei und drei Klaviaturen oder Manualen (von lat. manus – „Hand“). Die „Stimme“ des einen Handbuchs war lauter, die des anderen – leiser. Dieses Instrument (und seine Varianten) wurde in Frankreich Cembalo genannt. In Italien erhielt es einen anderen Namen – Cembalo, in England – Virginel, in Deutschland – Kilfugel usw. Viele Komponisten des späten 17.-18. Jahrhunderts schrieben Cembalomusik.
Äußerlich ist das Cembalo sehr interessant, es gab Instrumente in verschiedenen Formen: quadratisch, fünfeckig, in Form eines Vogelflügels und rechteckig. Der Deckel und die Seitenwände könnten mit Schnitzereien verziert sein, die von Künstlern bemalt und mit Edelsteinen eingelegt wurden. Viele Jahre lang war es in vielen Ländern der Welt das beliebteste Instrument.

Vom 16. bis zum 18. Jahrhundert erfreute sich das Cembalo weiterhin großer Beliebtheit. Auch nach der Erfindung des Klaviers, das einfacher und bequemer zu spielen war, nutzten Musiker weiterhin das Cembalo. Es dauerte etwa hundert Jahre, bis die Musiker das Cembalo vergaßen und zum Klavier wechselten.
Ab der Mitte des 18. Jahrhunderts begann das Cembalo an Popularität zu verlieren und verschwand bald ganz von den Bühnen der Konzertsäle. Erst Mitte des 19. Jahrhunderts erinnerten sich Musiker an ihn und mittlerweile haben viele musikalische Bildungseinrichtungen damit begonnen, Cembalisten auszubilden.
Das Cembalo konnte auf wundersame Weise den monumentalen („Orgel“)-Stil mit dem anmutigen und anmutigen („Laute“)-Stil der Miniaturen verbinden. Die Synthese verschiedener Klangqualitäten hat das Cembalo zu einem Solo-, Ensemble- und Orchesterinstrument werden lassen.

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Das Cembalo ist der Vorfahre des Pianoforte.

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Französische Musik ist eine der interessantesten und einflussreichsten europäischen Musikkulturen, die ihren Ursprung in der Folklore der keltischen und germanischen Stämme hat, die in der Antike auf dem Gebiet des heutigen Frankreichs lebten. Mit der Entstehung Frankreichs im Mittelalter verschmolzen volksmusikalische Traditionen zahlreicher Regionen des Landes in der französischen Musik. Die französische Musikkultur entwickelte sich und interagierte auch mit den Musikkulturen anderer europäischer Nationen, insbesondere der italienischen und deutschen. Seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wird die französische Musikszene durch die Musiktraditionen Afrikas bereichert. Sie bleibt der Weltmusikkultur nicht fern, nimmt neue Musiktrends auf und verleiht Jazz, Rock, Hip-Hop und elektronischer Musik eine besondere französische Note.

Die französische Musikkultur nahm auf einer reichen Schicht von Volksliedern Gestalt an. Obwohl die ältesten zuverlässigen Aufzeichnungen von Liedern, die bis heute erhalten sind, aus dem 15. Jahrhundert stammen, deuten literarische und künstlerische Materialien darauf hin, dass Musik und Gesang seit der Zeit des Römischen Reiches einen herausragenden Platz im täglichen Leben der Menschen eingenommen haben. Mit dem Christentum kam die Kirchenmusik in die französischen Länder. Ursprünglich lateinisch, veränderte es sich allmählich unter dem Einfluss der Volksmusik. Die Kirche verwendete im Gottesdienst Material, das für die Einheimischen verständlich war. Eine der wesentlichen Schichten der französischen Musikkultur war die Kirchenmusik, die sich zusammen mit dem Christentum verbreitete. Hymnen drangen in die Kirchenmusik ein, es entwickelten sich eigene Gesangsbräuche und es entstanden lokale Formen der Liturgie. Komponist französischer Musiktradition

Volksmusik

In den Werken französischer Folkloristen werden zahlreiche Genres von Volksliedern berücksichtigt: Lyrik, Liebe, Klagelieder (Complaintes), Tanz (Rondes), Satire, Handwerkerlieder (Chansons de Metiers), Kalender, zum Beispiel Weihnachten (Noel); Arbeit, Geschichte, Militär usw. Zur Folklore gehören auch Lieder, die mit dem gallischen und keltischen Glauben verbunden sind. Unter den lyrischen Genres nehmen die Pastoralen (die Idealisierung des Landlebens) einen besonderen Platz ein. In den Werken mit Liebesinhalten dominieren die Themen unerwiderte Liebe und Abschied. Viele Lieder sind Kindern gewidmet – Schlaflieder, Spiele, Zählreime (fr. comptines). Arbeitslieder (Lieder von Schnittern, Pflügern, Winzern usw.), Soldaten- und Rekrutenlieder sind vielfältig. Eine besondere Gruppe bilden Balladen über die Kreuzzüge, Lieder, die die Grausamkeit von Feudalherren, Königen und Höflingen entlarven, Lieder über Bauernaufstände (Forscher nennen diese Liedergruppe „das poetische Epos der Geschichte Frankreichs“).

Und obwohl französische Musik seit der Zeit Karls des Großen weithin bekannt ist, traten erst im Barock Komponisten von Weltrang auf: Jean-Philippe Rameau, Louis Couperin, Jean-Baptiste Lully.

Jean-Philippe Rameau. J.F. Rameau, der erst in seinen reifen Jahren berühmt wurde, erinnerte sich so selten und spärlich an seine Kindheit und Jugend, dass selbst seine Frau fast nichts darüber wusste. Nur aus Dokumenten und fragmentarischen Erinnerungen von Zeitgenossen lässt sich der Weg rekonstruieren, der ihn zum Pariser Olymp führte. Sein Geburtsdatum ist unbekannt und er wurde am 25. September 1683 in Dijon getauft. Ramos Vater arbeitete als Kirchenorganist und der Junge erhielt seinen ersten Unterricht bei ihm. Musik wurde sofort zu seiner einzigen Leidenschaft.

Jean-Batis Lully. Dieser herausragende Musiker-Komponist, Dirigent, Geiger und Cembalist durchlief einen Lebens- und Schaffensweg, der äußerst originell und in vielerlei Hinsicht charakteristisch für seine Zeit war. Zu dieser Zeit war die uneingeschränkte königliche Macht noch stark, aber der bereits begonnene wirtschaftliche und kulturelle Aufstieg des Bürgertums führte dazu, dass Menschen aus dem dritten Stand nicht nur als „Gedankenherrscher“ von Literatur und Kunst auftraten, sondern auch einflussreiche Persönlichkeiten in offiziell-bürokratischen und sogar gerichtlichen Kreisen.

Kupren. Francois Couperin – französischer Komponist und Cembalist, als unübertroffener Meister des Cembalospiels wurde ihm von seinen Zeitgenossen der Titel „Le Grand“ – „Der Große“ verliehen. Geboren am 10. November 1668 in Paris in einer erblichen Musikerfamilie. Sein Vater war Charles Couperin, ein Kirchenorganist.

Die französische klassische Musik erreichte ihren Höhepunkt im 19. Jahrhundert. Die Epoche der Romantik in Frankreich wird durch die Werke von Hector Berlioz repräsentiert, vor allem durch seine symphonische Musik. Mitte des 19. Jahrhunderts erlangten die Werke von Komponisten wie Gabriel Fauré, Camille Saint-Saens und César Franck Berühmtheit. Und am Ende dieses Jahrhunderts erschien in Frankreich eine neue Richtung in der klassischen Musik – der Impressionismus, der mit den Namen Claude Debussy, Eric Satiya Maurice und Ravel verbunden ist

In den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts in Frankreich Jazz, dessen herausragender Vertreter Stefan Grappelli war.

In der französischen Popmusik hat sich das Genre Chanson entwickelt, bei dem der Rhythmus des Liedes den Rhythmus der französischen Sprache wiederholt und der Schwerpunkt sowohl auf Worten als auch auf Melodie liegt. Dank Mireille Mathieu, Edith Piaf und Charles Aznavour ist die französische Chansonmusik auf der ganzen Welt äußerst beliebt und beliebt geworden. Ich möchte Ihnen von Edith Piaf erzählen. Am 19. Dezember 2014 ist es genau 99 Jahre her, dass die Sängerin Edith Piaf in Paris geboren wurde. Sie wurde in der schwersten Zeit geboren, lebte mehrere Jahre blind und begann in den bösartigsten Tavernen zu singen. Allmählich eroberte Piaf dank ihres Talents Frankreich, Amerika und dann die ganze Welt ...

Anfang 30. Paris. Aus einem kleinen Kino am Rande der Stadt kommt nach einer Abendvorführung ein seltsames Wesen in einem schmutzigen Pullover und einem schäbigen Rock heraus. Die Lippen sind ungleichmäßig mit leuchtend rotem Lippenstift verschmiert, die runden Augen schauen Männer trotzig an. Sie hat einen Film mit Marlene Dietrich gesehen. Und sie hat Haare genau wie ein Filmstar! Mit schwingenden dünnen Hüften betritt eine selbstbewusste Pigalika eine verrauchte Bar und bestellt zwei Gläser billigen Wein – für sich und einen jungen Matrosen, mit dem sie sich an einen Tisch setzt ... Aus diesem vulgären Straßenmädchen wird bald Edith Piaf.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde in Frankreich Popmusik populär, deren berühmte Interpreten Patricia Kaas, Joe Dassin, Dalida und Mylène Farmer sind. Patricia Kaams (fr. Patricia Kaas; geboren am 5. Dezember 1966 in Forbach, Département Moselle, Frankreich) ist eine französische Popsängerin und Schauspielerin. Stilistisch ist die Musik der Sängerin eine Mischung aus Pop und Jazz. Seit der Veröffentlichung von Kaas‘ Debütalbum Mademoiselle Sings the Blues (französisch: Mademoiselle chante le blues) im Jahr 1988 wurden weltweit mehr als 17 Millionen Aufnahmen ihrer Auftritte verkauft. Besonders beliebt im französischsprachigen und deutschsprachigen Raum sowie in Russland. Ein wesentlicher Teil ihres Erfolgsrezepts ist das ständige Touren: Kaas ist fast ständig auf Auslandstourneen. Sie vertrat Frankreich beim Eurovision Song Contest 2009 und belegte den 8. Platz.

Einer der Pioniere der elektronischen Musik war der französische Komponist Jean-Michel Jarre, dessen Album Oxygene zu einem Klassiker der elektronischen Musik wurde. In den 90er Jahren des 20. Jahrhunderts entwickelten sich in Frankreich andere Genres elektronischer Musik wie House, Trip-Hop, New Age und andere.

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