Über Künstler und ihre Arbeit. Zitate. Gemälde und Künstler (Thema auf Englisch) Showforum, wie der Künstler darstellt

Es stellt sich heraus, dass unter den Gemälden einiger berühmter Künstler weitere Bilder verborgen sind. Manchmal sind sie bei genauem Hinsehen mit bloßem Auge sichtbar. Aber häufiger werden sie von Kunsthistorikern gefunden, die Gemälde berühmter Meister oder Restauratoren studieren, die an der Restaurierung von Gemälden arbeiten. In unserer Rezension gibt es sechs der interessantesten Fälle, in denen Gemälde voller versteckter Bilder waren.

Bei der Beantwortung der Frage nach versteckten Gemälden stellen Wissenschaftler fest, dass die Gründe für ihr Erscheinen auf bekannten Leinwänden unterschiedlich sind. Manchmal gefiel dem Künstler die Originalversion einfach nicht, manchmal musste das Bild aufgrund der öffentlichen Meinung neu gezeichnet werden, und es kam auch vor, dass sich die Künstler in einer finanziellen Notlage befanden, sich den Kauf einer neuen Leinwand nicht leisten konnten und stattdessen alte verwendeten ihre neuen Werke.

1. Büste des Monarchen im Gemälde von Jean Auguste Ingres

Auf der linken Seite des Gemäldes des französischen neoklassizistischen Künstlers Ingres „Porträt von Jacques Marquet, Baron de Montbreton de Norvin“ (1811-12), das den Polizeichef in Rom nach der Eroberung der Stadt durch Napoleon darstellt, sogar mit Mit bloßem Auge kann man die Büste eines Kinderkopfes erkennen. Es wird angenommen, dass es sich hierbei um eine Büste des Kopfes des Sohnes Napoleons handelt, den sein Vater zum König von Rom erklärte. Als Napoleon 1814 endgültig besiegt war und abdankte, übermalte Ingres das Gemälde aus politischen Gründen und malte ein neues darüber.

2. Frau in Picassos „Alter Gitarrist“

Pablo Picasso hatte zwischen 1901 und 1904 eine schwierige Zeit, als er nicht einmal Geld hatte, um neue Materialien für seine Arbeit zu kaufen. Oftmals grundierte er alte Leinwände und schuf daraus neue Gemälde. Eines der bekanntesten Beispiele für Pentimento im Werk Picassos ist das Gemälde „Der alte Gitarrist“, in dem eine gemalte Frauenfigur entdeckt wurde.

Kunstkritikern ist bereits zuvor eine unscharfe Kontur hinter dem gebogenen Hals des Gitarristen aufgefallen, doch erst durch die Durchleuchtung des Bildes mit Röntgenstrahlen konnten sie ein altes Bild einer Frau erkennen, die ein kleines Kind füttert, und daneben sind ein Stier und ein Schaf zu sehen.

3. Der bärtige Mann in Picassos Blauem Zimmer

Auch Picassos Gemälde „Das blaue Zimmer“ aus dem Jahr 1901 birgt ein Geheimnis, das kürzlich durch optische Infrarot-Tomographie gelüftet wurde. Stellt man das Bild senkrecht, findet man unter einer Farbschicht einen gewissen bärtigen Mann mit vielen Ringen an den Fingern.

4. Schultergurt in John Singer Sargents „Portrait of Madame X“

Das im Metropolitan Museum of Art ausgestellte „Porträt von Madame Allerdings galt dieses Porträt einst als skandalöse Beleidigung des Anstands und hatte äußerst negative Auswirkungen auf die Karriere des Künstlers in Europa.

Die Frau im Porträt ist die berühmte Pariser Prominente Virginie Gautreau. Die Blässe ihrer Haut, die damals als Inbegriff von Schönheit galt, veranlasste einen zeitgenössischen Kritiker, Gautreaus Hautton als „leichenhaft“ zu bezeichnen. Dieser Effekt wurde durch den Einsatz von Arsen erreicht. Für einen größeren Kontrast tönte Gautreau ihre Haare auch mit Henna. Um die außergewöhnliche Schönheit Gautreaus hervorzuheben, stellte Sargent sie in einem schwarzen Kleid dar, dessen Träger kokett über ihre Schulter fiel.

Als das Porträt erstmals im Pariser Salon ausgestellt wurde, explodierte das Publikum vor Empörung, da der halb heruntergelassene Schultergurt als äußerst obszön empfunden wurde. Infolgedessen schrieb Sargent dieses Detail des Kleides um und hob es über seine Schulter.

5. Frau am Fenster

In der National Gallery in London wurde bei der Restaurierung einer Leinwand aus dem 15. Jahrhundert durch einen unbekannten Künstler ein ungewöhnliches „Make-up“ entdeckt. Es stellte sich heraus, dass die Blondine auf dem Bild tatsächlich eine Brünette ist und ihre Haarfarbe vom Künstler über das Original umgeschrieben wurde. Heute ist das Gemälde in seinem ursprünglichen Zustand restauriert und befindet sich in der Nationalgalerie.

6. Wal in Hendrick van Antonissens „Strandszene“

Als dieses niederländische Gemälde aus dem 17. Jahrhundert dem Fitzwilliam Museum gespendet wurde, zeigte es lediglich eine Strandszene. Kunsthistoriker rätseln jedoch, warum das Gemälde eine Menschenmenge zeigt, die sich ohne ersichtlichen Grund in der Nähe des Wassers versammelt hat. Nach der Restaurierung wurde unter einer Farbschicht das Bild eines an Land gespülten Wals entdeckt. Man geht davon aus, dass der Wal im 18. oder 19. Jahrhundert aus ästhetischen Gründen übermalt wurde.

Kunstkenner werden daran interessiert sein, etwas darüber zu erfahren.

Heute präsentieren wir Ihnen zwanzig Gemälde, die Aufmerksamkeit und Anerkennung verdienen. Diese Gemälde wurden von berühmten Künstlern gemalt und sollten nicht nur der Person bekannt sein, die sich mit Kunst beschäftigt, sondern auch gewöhnlichen Sterblichen, denn Kunst prägt unser Leben, Ästhetik vertieft unsere Sicht auf die Welt. Geben Sie der Kunst den gebührenden Platz in Ihrem Leben ...

1. „Das letzte Abendmahl“. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Monumentales Gemälde von Leonardo da Vinci, das die Szene der letzten Mahlzeit Christi mit seinen Jüngern darstellt. Entstanden in den Jahren 1495-1498 im Dominikanerkloster Santa Maria delle Grazie in Mailand.

Das Gemälde wurde von Leonardo bei seinem Gönner, Herzog Lodovico Sforza und seiner Frau Beatrice d'Este, in Auftrag gegeben. Das Wappen von Sforza ist auf den Lünetten über dem Gemälde gemalt, das aus einer Decke mit drei Bögen besteht. Mit dem Gemälde wurde 1495 begonnen und 1498 fertiggestellt; Die Arbeit war zeitweise. Das Datum des Beginns der Arbeiten ist nicht genau, da „die Archive des Klosters zerstört wurden und ein unbedeutender Teil der Dokumente, die wir auf 1497 datiert haben, als das Gemälde fast fertiggestellt war.“

Das Gemälde wurde zu einem Meilenstein in der Geschichte der Renaissance: Die korrekt wiedergegebene Tiefe der Perspektive veränderte die Entwicklungsrichtung der westlichen Malerei.

Es wird angenommen, dass in diesem Bild viele Geheimnisse und Hinweise verborgen sind – beispielsweise wird angenommen, dass die Bilder von Jesus und Judas von einer Person abgeschrieben wurden. Als Da Vinci das Bild malte, verkörperte Jesus in seiner Vision das Gute, während Judas das reine Böse war. Und als der Meister „seinen Judas“ (einen Trunkenbold von der Straße) fand, stellte sich heraus, dass dieser Trunkenbold laut Historikern einige Jahre zuvor als Prototyp für das Malen des Jesusbildes gedient hatte. Wir können also sagen, dass dieses Bild einen Menschen in verschiedenen Phasen seines Lebens eingefangen hat.

2. „Sonnenblumen“. Vincent van Gogh, 1887

Name zweier Gemäldezyklen des niederländischen Künstlers Vincent van Gogh. Die erste Serie wurde 1887 in Paris hergestellt. Es ist liegenden Blumen gewidmet. Die zweite Serie wurde ein Jahr später in Arles fertiggestellt. Sie zeigt einen Strauß Sonnenblumen in einer Vase. Zwei Pariser Gemälde wurden von van Goghs Freund Paul Gauguin erworben.

Der Künstler malte elf Mal Sonnenblumen. Die ersten vier Gemälde entstanden im August-September 1887 in Paris. Große Schnittblumen liegen wie seltsame Kreaturen, die vor unseren Augen sterben.

3. „Die neunte Welle“. Iwan Konstantinowitsch Aiwasowski?, 1850.

Eines der berühmtesten Gemälde des russischen Marinemalers Iwan Aiwasowski wird im Russischen Museum aufbewahrt.

Der Maler stellt das Meer nach dem stärksten Nachtsturm und Menschen dar, die Schiffbrüchige erlitten. Die Sonnenstrahlen erhellen die riesigen Wellen. Der größte von ihnen – der neunte Schacht – ist bereit, auf Menschen zu stürzen, die versuchen, auf den Trümmern des Mastes zu fliehen.

Obwohl das Schiff zerstört ist und nur noch der Mast übrig ist, sind die Menschen auf dem Mast am Leben und kämpfen weiter gegen die Elemente. Die warmen Töne des Bildes machen das Meer nicht so rau und geben dem Betrachter Hoffnung, dass Menschen gerettet werden.

Das 1850 entstandene Gemälde „Die neunte Welle“ wurde sofort zum berühmtesten aller seiner Jachthäfen und wurde von Nikolaus I. erworben.

4. „Nackte Maja“. Francisco Goya, 1797-1800

Gemälde des spanischen Künstlers Francisco Goya, gemalt um 1797–1800. Passend zum Gemälde „Maja gekleidet“ (La maja vestida). Die Gemälde stellen Maja dar – eine spanische Stadtfrau aus dem 18. und 19. Jahrhundert, eines der Lieblingsobjekte des Künstlers. Maja Nude ist eines der frühen Werke der westlichen Kunst, das eine völlig nackte Frau ohne mythologische oder negative Konnotationen darstellt.

5. „Flucht der Liebenden“. Marc Chagall, 1914-1918

Die Arbeiten an dem Gemälde „Über der Stadt“ begannen 1914, und der Meister gab erst 1918 den letzten Schliff. In dieser Zeit entwickelte sich Bella nicht nur von einer Geliebten zu einer verehrten Ehefrau, sondern auch zur Mutter ihrer Tochter Ida und wurde für immer zur Hauptmuse des Malers. Die Vereinigung einer reichen Tochter eines Erbjuweliers und eines einfachen jüdischen Jünglings, dessen Vater seinen Lebensunterhalt mit dem Ausladen von Hering verdiente, kann man nur als Mesallianz bezeichnen, aber die Liebe war stärker und überwand alle Konventionen. Es war diese Liebe, die sie inspirierte und sie in den Himmel emporhob.

Karina stellt Chagalls zwei Lieben gleichzeitig dar – Bella und das liebe Witebsk. Die Straßen sind in Form von Häusern dargestellt, getrennt durch einen hohen dunklen Zaun. Eine grasende Ziege links von der Bildmitte und ein einfacher Mann mit heruntergelassener Hose im Vordergrund fällt dem Betrachter nicht sofort auf – ein Humor des Malers, der aus dem allgemeinen Kontext und der romantischen Stimmung des Werkes ausbricht. aber das ist der ganze Chagall ...

6. „Das Gesicht des Krieges.“ Salvador Dalí, 1940

Gemälde des spanischen Künstlers Salvador Dali, gemalt im Jahr 1940.

Das Gemälde entstand auf dem Weg in die USA. Beeindruckt von der Tragödie, die in der Welt ausbrach, und der Blutrünstigkeit der Politiker, beginnt der Kapitän mit der Arbeit am Schiff. Befindet sich im Boijmans-van Beuningen Museum in Rotterdam.

Nachdem er alle Hoffnung auf ein normales Leben in Europa verloren hat, verlässt der Künstler sein geliebtes Paris in Richtung Amerika. Der Krieg erfasst die Alte Welt und versucht, den Rest der Welt zu übernehmen. Der Meister weiß noch nicht, dass ein achtjähriger Aufenthalt in der Neuen Welt ihn wirklich berühmt machen wird und seine Werke Meisterwerke der Weltkunst sind.

7. „Schrei“. Edvard Munch, 1893

Der Schrei (norwegisch Skrik) ist eine Gemäldeserie, die zwischen 1893 und 1910 vom norwegischen expressionistischen Maler Edvard Munch geschaffen wurde. Sie zeigen eine verzweifelt schreiende menschliche Figur vor einem blutroten Himmel und einem stark verallgemeinerten Landschaftshintergrund. 1895 schuf Munch eine Lithographie zum gleichen Thema.

Der rote, glühend heiße Himmel bedeckte den kalten Fjord, was wiederum einen fantastischen Schatten entstehen ließ, ähnlich einer Art Seeungeheuer. Spannung verzerrt den Raum, Linien brechen, Farben passen nicht zusammen, Perspektive wird zerstört.

Viele Kritiker glauben, dass die Handlung des Bildes das Ergebnis der kranken Fantasie eines psychisch kranken Menschen ist. Jemand sieht in dem Werk eine Vorahnung einer ökologischen Katastrophe, jemand klärt die Frage, welche Art von Mumie den Autor zu diesem Werk inspiriert hat.

8. „Mädchen mit Perlenohrring.“ Jan Vermeer, 1665

Das Gemälde „Mädchen mit Perlenohrring“ (niederländisch „Het meisje met de parel“) entstand um 1665. Derzeit im Mauritshuis Museum in Den Haag, Niederlande, aufbewahrt und das Markenzeichen des Museums. Das Gemälde mit dem Spitznamen „niederländische Mona Lisa“ oder „Mona Lisa des Nordens“ ist im Tronie-Genre geschrieben.

Dank des Films „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“ von Peter Webber aus dem Jahr 2003 haben viele Menschen, die weit von der Malerei entfernt sind, etwas über den wunderbaren niederländischen Künstler Jan Vermeer und sein berühmtestes Gemälde „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“ erfahren.

9. „Turm zu Babel“. Pieter Brueghel, 1563

Berühmtes Gemälde von Pieter Brueghel. Zu diesem Thema schuf der Künstler mindestens zwei Gemälde.

Das Gemälde befindet sich im Kunsthistorischen Museum, Wien.

In der Bibel gibt es eine Geschichte darüber, wie die Bewohner Babylons versuchten, einen hohen Turm zu bauen, um in den Himmel zu gelangen, aber Gott ließ sie verschiedene Sprachen sprechen, sie verstanden sich nicht mehr und der Turm blieb unvollendet.

10. „Algerische Frauen.“ Pablo Picasso, 1955

„Frauen Algeriens“ – eine Serie von 15 Gemälden, die Picasso 1954–1955 auf der Grundlage der Gemälde von Eugene Delacroix schuf; Die Gemälde zeichnen sich durch die vom Künstler zugewiesenen Buchstaben von A bis O aus. „Version O“ wurde am 14. Februar 1955 geschrieben; Es gehörte einige Zeit dem berühmten amerikanischen Kunstsammler des 20. Jahrhunderts, Victor Ganz.

Pablo Picassos „Frauen von Algier (Version O)“ wurde für 180 Millionen Dollar verkauft.

11. „Neuer Planet“. Konstantin Yuon, 1921

Russisch-sowjetischer Maler, Landschaftsmeister, Theaterkünstler, Kunsttheoretiker. Akademiker der Akademie der Künste der UdSSR. Volkskünstler der UdSSR. Träger des Stalin-Preises ersten Grades. Mitglied der KPdSU seit 1951.

Dieses erstaunliche, 1921 geschaffene und überhaupt nicht charakteristische Gemälde „Neuer Planet“ des realistischen Künstlers Yuon ist eines der hellsten Werke, das das Bild der Veränderungen verkörpert, die die Oktoberrevolution im zweiten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts bewirkte. Ein neues System, eine neue Art und Weise und eine neue Denkweise der neu entstandenen sowjetischen Gesellschaft. Was erwartet die Menschheit jetzt? Strahlende Zukunft? Darüber wurde damals noch nicht nachgedacht, aber die Tatsache, dass Sowjetrußland und die ganze Welt in eine Ära des Wandels eintreten, ist offensichtlich, ebenso wie die schnelle Geburt eines neuen Planeten.

12. „Sixtinische Madonna“. Raphael Santi, 1754

Gemälde von Raffael, das sich seit 1754 in der Galerie Alte Meister in Dresden befindet. Gehört zu den allgemein anerkannten Höhepunkten der Hochrenaissance.

Die enorme Größe (265 × 196 cm, da die Größe des Gemäldes im Katalog der Dresdner Galerie angegeben ist) wurde von Raffael im Auftrag des Papstes für den Altar der Kirche des Klosters St. Sixtus in Piacenza geschaffen Julius II. Es gibt eine Hypothese, dass das Gemälde zwischen 1512 und 1513 zu Ehren des Sieges über die Franzosen, die während der Italienischen Kriege in die Lombardei einmarschierten, und der anschließenden Eingliederung von Piacenza in den Kirchenstaat gemalt wurde.

13. „Büßende Maria Magdalena“. Tizian (Tiziano Vecellio), gemalt um 1565

Ein Gemälde, das um 1565 vom italienischen Künstler Tizian Vecellio gemalt wurde. Gehört zur Staatlichen Eremitage in St. Petersburg. Manchmal wird das Entstehungsdatum mit „1560er“ angegeben.

Das Modell des Gemäldes war Giulia Festina, die den Künstler mit einem goldenen Haarschopf beeindruckte. Das fertige Gemälde beeindruckte den Herzog von Gonzaga sehr und er beschloss, eine Kopie davon zu bestellen. Später malte Tizian, indem er den Hintergrund und die Pose der Frau veränderte, noch ein paar weitere ähnliche Werke.

14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Porträt von Frau Lisa del Giocondo, (ital. Ritratto von Monna Lisa del Giocondo) - ein Gemälde von Leonardo da Vinci im Louvre (Paris, Frankreich), eines der berühmtesten Gemälde der Welt, bei dem es sich vermutlich um ein Porträt von Lisa Gherardini handelt, der Frau des Seidenhändlers Francesco aus Florenz del Giocondo, gemalt um 1503-1505.

Einer der vorgeschlagenen Versionen zufolge handelt es sich bei „Mona Lisa“ um ein Selbstporträt des Künstlers.

15. „Morgen im Kiefernwald“, Schischkin Iwan Iwanowitsch, 1889.

Gemälde der russischen Künstler Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Savitsky hat die Bären gemalt, aber der Sammler Pavel Tretyakov hat seine Unterschrift gelöscht, sodass oft ein Gemälde als Autor aufgeführt wird.

Die Idee für das Gemälde wurde Shishkin von Savitsky vorgeschlagen, der später als Co-Autor fungierte und die Figuren von Jungen darstellte. Diese Bären erscheinen in vorbereitenden Zeichnungen und Skizzen, mit einigen Unterschieden in Haltung und Anzahl (zunächst waren es zwei). Die Tiere gefielen Savitsky so gut, dass er das Gemälde sogar zusammen mit Shishkin signierte.

16. „Wir haben nicht gewartet.“ Ilja Repin, 1884-1888

Gemälde des russischen Künstlers Ilja Repin (1844–1930), gemalt in den Jahren 1884–1888. Es ist Teil der Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie.

Das in der 12. Wanderausstellung gezeigte Gemälde ist Teil eines Erzählzyklus, der dem Schicksal des russischen populistischen Revolutionärs gewidmet ist.

17. Ball im Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.

Gemälde des französischen Künstlers Pierre-Auguste Renoir aus dem Jahr 1876.

Der Ort, an dem sich das Gemälde befindet, ist das Musée d'Orsay. Das Moulin de la Galette ist eine preiswerte Taverne in Montmartre, in der sich die Studenten und arbeitenden Jugendlichen von Paris trafen.

18. Sternennacht. Vincent van Gogh, 1889

De Sternennacht- ein Gemälde des niederländischen Künstlers Vincent van Gogh, geschrieben im Juni 1889, mit einem Blick auf den Himmel vor der Morgendämmerung über einer fiktiven Stadt aus dem Ostfenster der Wohnung des Künstlers in Saint-Rémy-de-Provence. Seit 1941 wird es im Museum of Modern Art in New York aufbewahrt. Es gilt als eines der besten Werke Van Goghs und als eines der bedeutendsten Werke der westlichen Malerei.

19. „Erschaffung Adams“. Michelangelo, 1511.

Fresko von Michelangelo, gemalt um 1511. Das Fresko ist die vierte von neun zentralen Kompositionen an der Decke der Sixtinischen Kapelle.

Die Erschaffung Adams ist eine der herausragendsten Wandgemälde in der Sixtinischen Kapelle. Im endlosen Raum fliegt Gottvater, umgeben von flügellosen Engeln, mit einer flatternden weißen Tunika. Die rechte Hand ist auf Adams Hand ausgestreckt und berührt sie fast. Auf einem grünen Felsen liegend beginnt Adams Körper sich allmählich zu bewegen und erwacht zum Leben. Die gesamte Komposition konzentriert sich auf die Geste zweier Hände. Die Hand Gottes gibt den Impuls, und die Hand Adams empfängt ihn und verleiht dem gesamten Körper Lebensenergie. Durch die Tatsache, dass sich ihre Hände nicht berühren, betonte Michelangelo die Unmöglichkeit, das Göttliche und das Menschliche zu verbinden. Im Bild Gottes herrscht laut Künstlerin kein wundersames Prinzip, sondern eine gigantische schöpferische Energie. Im Bild Adams besingt Michelangelo die Stärke und Schönheit des menschlichen Körpers. Tatsächlich ist es nicht die Schöpfung des Menschen selbst, die vor uns erscheint, sondern der Moment, in dem er eine Seele erhält, eine leidenschaftliche Suche nach dem Göttlichen, ein Wissensdurst.

20. „Kuss am Sternenhimmel.“ Gustav Klimt, 1905-1907

Gemälde des österreichischen Künstlers Gustav Klimt, gemalt in den Jahren 1907-1908. Die Leinwand gehört zur sogenannten „Goldenen“ Schaffensperiode Klimts, dem letzten Werk des Autors in seiner „Goldenen Periode“.

Auf einem Felsen, am Rande einer Blumenwiese, in goldener Aura stehen Liebende völlig ineinander versunken, abgeschirmt von der ganzen Welt. Aufgrund der Ungewissheit über den Ort des Geschehens scheint es, als würde sich das im Bild dargestellte Paar in einen kosmischen Zustand begeben, der weder Zeit noch Raum unterliegt, jenseits aller historischen und gesellschaftlichen Stereotypen und Katastrophen. Völlige Einsamkeit und das nach hinten gewandte Gesicht des Mannes verstärken nur den Eindruck von Isolation und Distanziertheit gegenüber dem Betrachter.

Quelle – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 Gemälde, die jeder kennen sollte (die Geschichte der Malerei) aktualisiert: 23. November 2016 von: Webseite

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Hohe Kunst ist für viele eine komplexe und unverständliche Sache. Die Renaissance-Malerei mit ihrem Idealbild zieht viele Bewunderer an, doch es fällt nicht jedem leicht zu glauben, dass die Werke von Picasso und Kandinsky wirklich sagenhaftes Geld kosten können. Die Fülle an nackten Menschen auf dem Bild ist ein weiteres Rätsel, ebenso wie das Paradoxon, dass gute Gemälde nicht schön sein müssen.

Webseite Die Antworten auf einige neugierige Fragen zur Malerei erfuhr ich, indem ich mir die Werke von Kunstkritikern und Kulturwissenschaftlern ansah.

1. Ist Malen wirklich so teuer?

Hin und wieder hören wir von den verrückten Summen, die für dieses oder jenes Bild ausgegeben werden. Aber in Wirklichkeit ist so viel Geld das Los von sehr wenigen Werken. Die meisten Künstler haben noch nie große Geldbeträge gesehen. Der Kunsthistoriker Jonathan Binstock glaubt, dass es weltweit nur etwa 40 Autoren gibt, deren Gemälde mit einer Summe mit vielen Nullen bewertet werden.

Marken beherrschen die Kunst

Hier ist vielleicht das auffälligste Beispiel. Sie haben wahrscheinlich schon vom Graffiti-Künstler Banksy gehört. Die ausgeprägte soziale Ausrichtung der Werke und die von einem Mysterium umhüllte Biografie haben ihren Zweck erfüllt. Heute ist Banksy ein Künstler, dessen Werk mit mehrstelligen Beträgen bewertet wird. Sein Gemälde „Mädchen mit Ballon“ wurde für 1,042 Millionen Pfund verkauft. Und die ganze Welt begann über die Aufführung zu reden, um es sofort nach dem Verkauf zu zerstören.

Banksy ist eine Marke und Marken verkaufen sich gut. Auf diese Weise, Der Preis eines Gemäldes wird maßgeblich vom Ruhm seines Autors bestimmt.

Der erfolgreiche Verkauf eines Gemäldes ist der Schlüssel zum Erfolg anderer

Ein Künstler kann lange Zeit Pech haben, er wird in Armut und Dunkelheit dahinvegetieren und nicht in der Lage sein, seine Werke gewinnbringend zu verkaufen. Doch sobald es ihm gelingt, eines seiner Gemälde für viel Geld zu verkaufen, kann man sicher sein, dass der Preis seiner anderen Werke in die Höhe schnellen wird.

Seltenheit, Knappheit, Einzigartigkeit

Der niederländische Künstler Jan Vermeer wird heute als unbezahlbar bezeichnet. Zu seinem Pinsel gehören nicht so viele Gemälde – nur 36. Der Künstler hat ziemlich viel geschrieben langsam. Das 1990 verschollene Gemälde „Konzert“ des Niederländers wird heute auf etwa 200 Millionen US-Dollar geschätzt. Seltenheit und Knappheit Leinwände beeinflussen die Tatsache, dass ihre Preise einfach himmelhoch sind.

Der legendäre Van Gogh ist eine Supermarke. Es gibt nur wenige Gemälde des Künstlers, und das ist offensichtlich er wird nichts mehr tun. Seine Arbeit ist einzigartig.

Vor zehn Jahren wurde Malewitschs „Suprematistische Komposition“ für 60 Millionen Dollar verkauft. Ohne die Krise wäre es vielleicht für 100 Millionen Dollar verkauft worden. Gemälde Malewitschs ausnahmslos in Privatsammlungen, und wann das nächste Mal etwas dieser Klasse auf den Markt kommt, ist unbekannt. Vielleicht in 10 Jahren, vielleicht in 100.

Generell ist klar: Käufer sind bereit, sagenhaftes Geld zu zahlen für extrem seltene Gegenstände.

Innovation ist teuer

Eines der Werke von Richard Prince in Richtung „künstlerische Anleihen“.

Malerei übernimmt die Funktion eines Wahrzeichens

Heutzutage nimmt das Niveau des Kulturtourismus zu und die Malerei erfüllt diese Funktion Sehenswürdigkeiten. Stundenlang stehen Touristen vor berühmten Museen Schlange. Und um sich zu behaupten und Weltruhm zu beanspruchen, muss die Galerie auf jeden Fall Originale berühmter und beliebter Maler besitzen.

Auch künstlich geschaffene Zentren des Kulturtourismus wachsen beispielsweise im Nahen Osten und in China. Kürzlich die königliche Familie Katar eine private Transaktion abgeschlossen für $ 250 Millionen- alles, damit das Land ein Bild hat Cezanne „Die Kartenspieler“.

Wenn alles da ist, beginnt die Kunst zu ziehen

Im Jahr 2017 verkaufte der Milliardär Dmitri Rybolowlew dieses Gemälde für 450 Millionen Dollar an Leonardo da Vinci. Dies ist nun das teuerste Geschäft in der Welt der Malerei.

Was gibt es sonst noch zu tun, wenn man 4 Häuser und ein G5-Flugzeug hat? Es bleibt nur, in die Malerei zu investieren, denn das ist so eine der stärksten Währungen».

Gemälde von Georges Seurat „Kanal bei Graveline, Great Fort Philippe“.

Fragment von Michelangelos Fresko „Die Erschaffung Adams“.

Schon die alten Griechen glaubten, dass der nackte Körper unglaublich schön sei.

In der Kunst am häufigsten Nacktheit - es ist ein Symbol. Ein Symbol für neues Leben, Aufrichtigkeit, die Hilflosigkeit eines Lebewesens sowie für Leben und Tod.

Außerdem verursacht nichts so starke Emotionen den Betrachter, wie Nacktheit. Es kann Interesse, Verlegenheit, Scham oder Bewunderung sein.

4. Warum ist alles so flach und generell unrealistisch?

Gemälde des tschechischen Künstlers Bohumil Kubishta „Der Hypnotiseur“.

Einer der häufigsten Vorwürfe gegen moderne Meister klingt vielleicht so: Künstler haben vergessen, wie man die Realität scheinbar vermittelt. Daher die falsche Vorstellung, dass Objekte flach aussehen.

Aber schauen wir uns zum Beispiel die Leinwände an Kubisten. Sie brechen die Perspektive, stellen Objekte aber gleichzeitig aus unterschiedlichen Blickwinkeln dar sogar zu unterschiedlichen Zeiten. Daher kann nicht gesagt werden, dass das Bild auf der Leinwand zweidimensional ist.

Es ist nicht mehr notwendig, „sieht aus“ zu zeichnen – ein Foto kann dies tun. Daher ist es notwendig, nach einer Antwort auf die Frage zu suchen, warum der Künstler in diesem oder jenem Bild die Realität als flach dargestellt hat Idee des Autors. Der Künstler entfernt einige Details des Bildes und konzentriert sich auf andere. Indem er das Bild vereinfacht, macht er es ausdrucksvoller. Die Künstler der naiven Malerei hatten keine akademische Ausbildung. Pirosmani und Rousseau waren zwar nur Autodidakten, aber ihre Gemälde zogen diejenigen an, die bereits alles gesehen hatten und denen die traditionelle Malerei langweilig war. Solche Bilder waren wie ein Hauch lebensspendender Einfachheit.

Aber professionell Avantgarde-Künstler des 19.–20. Jahrhunderts hatten eine künstlerische Ausbildung hinter sich und eine starke Basis. Sie könnte irgendwie schreiben aber irgendwann habe beschlossen, es so zu machen Nachahmung der Primitivisten. Wie es heißt, war dies beabsichtigt, da dies eine völlig neue (und daher für diejenigen, die das Alte satt haben, interessante) Art der Beeinflussung des Betrachters ist.

Künstler hätten mit einem Gemälde im Geiste des akademischen Klassizismus gute Arbeit geleistet, und deshalb war es für sie langweilig. Der junge Picasso malte berührende und eher realistische Porträts. Aber ein reifer Künstler hat für sich einen Weg gewählt, der schockiert, das Auge belebt und dabei hilft, ein kühles koloristisches Gespür und einen Sinn für Form zu demonstrieren.

Meinung: Zu sagen, dass Bilder auf jeden Fall schön sein müssen, ist dasselbe wie zu sagen, dass echtes Kino nur eine romantische Komödie oder ein Melodram mit Happy End ist. Und Psychodramen, Actionfilme, Thriller – das ist überhaupt kein Film. Stimmen Sie zu, das hat Logik.

Kunst (einschließlich Malerei) muss die Sprache ihrer Zeit sprechen. Und um jedes Bild, auch ein realistisches, genießen zu können, müssen Sie wissen, was darauf abgebildet ist. Bei Ausstellungen lesen wir meist die Bildunterschriften vor und nutzen sogar den Audioguide.

Welches Gemälde liegt Ihnen nahe?

Gemälde und Maler

Kunst war schon immer eine Möglichkeit, die Welt zu verstehen und Gefühle und Emotionen auszudrücken. Es gibt viele verschiedene Kunstformen und die Malerei ist nur eine davon.
Horace sagte, dass ein „Bild ein Gedicht ohne Worte“ sei, und das ist tatsächlich so. Im Laufe der Jahrhunderte haben sich viele Techniken entwickelt, die es Künstlern ermöglichen, ihre Gefühle in Bilder auf Leinwand umzusetzen.
Russische Maler repräsentieren russische Kunst, die in vielerlei Hinsicht einzigartig ist und seit jeher Menschen auf der ganzen Welt beeindruckt. Es stammt von weltberühmten Ikonenmalern, der berühmteste unter ihnen ist Andrej Rubljow.
Viele russische Maler loben in ihren Werken die Schönheit der russischen Natur. Ivan Shishkin ist besonders berühmt für seine Gemälde, die russische Wälder darstellen (z. B. „Morgen im Kiefernwald“), während Isaac Levitan sich vom russischen Herbst inspirieren ließ.
Zu den Peredwischniki gehörten Künstler des 19. Jahrhunderts. Einer von ihnen war Ilja Repin, ein Künstler, der für seine großen Gemälde wie „Iwan der Schreckliche und sein Sohn Iwan“ oder „Lastkähne auf der Wolga“ berühmt ist. Victor Vasnetsov wählte für seine „Bogatyrs“ den volkstümlichen russischen Stil und Mikhail Vrubel ist für seine Originalität des Denkens bekannt. Sein „Dämon“ ist die Frucht seiner fantastischen Fantasie.
Iwan Aiwasowski erlangte Weltruhm durch seine romantischen Gemälde mit Meeresdarstellungen. „The Ninth Wave“ ist ein Meisterwerk, das die Schönheit des mächtigen Meeres an einem stürmischen Tag offenbart.
Russische Kunst wird im Staatlichen Russischen Museum in Sankt Petersburg ausgestellt. Und in der Abteilung für Englische Kunst in der Eremitage können Sie einige der Meisterwerke der britischen Maler bewundern.
Einer der berühmtesten von ihnen ist John Constable – ein englischer Maler der Romantik, der vor allem für seine Landschaftsgemälde von Dedham Vale bekannt ist, einem Gebiet in der Nähe seines Hauses in Suffolk, das heute als „Constable Country“ bekannt ist.
William Turner war ein Landschaftskünstler, dessen Stil den Grundstein für den Impressionismus gelegt hat.
William Hogarth ist nicht nur für seine Porträts bekannt, sondern auch für die Gemäldeserie mit satirischen Details, die die englische High Society in den 1740er Jahren charakterisierte.
Thomas Gainsborough ist einer der berühmtesten Porträt- und Landschaftsmaler Großbritanniens des 18. Jahrhunderts. In der National Gallery in London können Sie das farbenfrohe Gemälde „Mr. und Frau Andrews“, eine Kombination aus Familienporträt und Landschaft, und das düstere Porträt von „Mr und Mrs William Hal-lett“, das Gainsboroughs reifen Stil veranschaulicht.
William Blake ist ein englischer Dichter und Maler. Seine Werke, die zu seinen Lebzeiten bis heute weitgehend verkannt sind, gelten als bedeutend in der Geschichte der Poesie und der bildenden Kunst. Seine Bilder mögen sehr ungewöhnlich und fantastisch erscheinen. Beispielsweise stellte er Isaac Newton als göttlichen Geometer dar.

Gemälde und Künstler

Kunst war schon immer eine Möglichkeit, die Welt zu verstehen und Gefühle und Emotionen auszudrücken. Es gibt viele Kunstformen und die Malerei ist nur eine davon.
Horace sagte, dass „ein Bild ein Vers ist, nur ohne Worte“, und das ist tatsächlich so. Im Laufe der Jahrhunderte wurden verschiedene Techniken entwickelt, die es Künstlern ermöglichen, ihre Gefühle in Bilder auf Leinwand umzusetzen.
Russische Künstler repräsentieren russische Kunst, die in vielerlei Hinsicht einzigartig ist und seit jeher Menschen auf der ganzen Welt in Erstaunen versetzt. Es stammt von weltberühmten Ikonenmalern, der berühmteste davon ist Andrey Rublev.
Viele russische Künstler besingen in ihren Werken die Schönheit der russischen Natur. Ivan Shishkin ist vor allem für seine russischen Waldgemälde bekannt, beispielsweise „Morgen im Kiefernwald“, während Isaac Levitan sich vom russischen Herbst inspirieren ließ.
Zu den Wanderers gehörten Künstler des 19. Jahrhunderts. Einer von ihnen war Ilja Repin – ein Künstler, der für seine großen Gemälde wie „Iwan der Schreckliche und sein Sohn Iwan“ oder „Lastkähne auf der Wolga“ bekannt ist. Viktor Vasnetsov wählte für seine Bogatyrs den russisch-volkstümlichen Stil. Mikhail Vrubel ist für seine Originalität des Denkens bekannt. Sein „Dämon“ ist eine Erfindung fantastischer Fantasie.
Iwan Aiwasowski erlangte weltweite Berühmtheit durch seine romantische Darstellung des Meeres. Die Neunte Welle ist ein Meisterwerk, das die Schönheit der Seekraft im Sturm offenbart.
Russische Kunst ist im Staatlichen Russischen Museum in St. Petersburg vertreten. Und in der Abteilung für Englische Kunst in der Eremitage können Sie einige der Meisterwerke britischer Künstler bewundern.
Einer der berühmtesten von ihnen ist John Constable, ein englischer Maler der Romantik, der vor allem für seine Landschaften von Dedham Vale bekannt ist, der Gegend in der Nähe seines Hauses in Suffolk, die heute als Constable's Land bekannt ist.
William Turner war ein Landschaftsmaler, man kann sagen, dass sein Stil den Grundstein für den Impressionismus legte.
William Hogarth ist nicht nur für seine Porträts bekannt, sondern auch für eine Reihe von Gemälden mit satirischen Details, die die englische High Society in den 1740er Jahren charakterisieren.
Thomas Gainsborough ist einer der berühmtesten Porträt- und Landschaftsmaler im Großbritannien des 18. Jahrhunderts. In der National Gallery in London können Sie das farbenfrohe „Mr. und Mrs. Andrews“ sehen, das eine Kombination aus Familienporträt und Landschaft darstellt, und das dunkle „Mr. und Mrs. William Hallett“, das Gainsboroughs reiferen Stil veranschaulicht.
William Blake ist ein englischer Dichter und Maler. Während er zu seinen Lebzeiten keine Beachtung fand, gilt sein Werk heute als bedeutend in der Geschichte der Poesie und der bildenden Kunst. Seine Bilder mögen ungewöhnlich und fantastisch erscheinen. Beispielsweise stellte er Isaac Newton als göttlichen Geometer dar.

Wortschatz:

Leinwand - Leinwand, Leinwand
Feier - berühmt
darstellen - darstellen
Inspiration ableiten – Inspiration erhalten
göttlich – göttlich
hervorrufen – verursachen, (Gefühle) erwecken
veranschaulichen – als Beispiel dienen
Leute - Leute
Frucht der Fantasie – die Frucht der Fantasie
Horaz - Horaz
Landschaft - Landschaft
Landschaftskünstler - Landschaftsmaler
Grundstein legen (für) - Grundstein legen, beginnen
Meisterwerk
reif - reif
mächtig – mächtig, mächtig
bemerkt - bemerkenswert, berühmt
entstehen – entstehen
Lob - Lob
vorherrschen – dominieren
berühmt - berühmt
enthüllen – öffnen, enthüllen
unerkannt - unerkannt
Bildende Kunst – bildende Kunst
weltbekannt – weltberühmt

Beantworten Sie die Fragen
l.Was hat Horaz über Gemälde gesagt? Wie verstehen Sie seine Worte?
2. Wer ist Andrey Rublyov? Wofür ist er berühmt?
3. Welche russischen Künstler lobten die Schönheit der Natur?
4. Welche Künstler heißen „The Peredvizhniki“?
5. Welche Gemälde von Ilja Repin kennen Sie?
6. Wofür ist Iwan Aiwasowski bekannt?
7. In welchen Museen kann man Gemälde russischer Künstler sehen?
8. In welchen Museen kann man Gemälde britischer Künstler sehen?
9. Was ist „Constable Country“? Warum heißt es so?
10. Wessen Stil hat den Grundstein für den Impressionismus gelegt?
11. Welcher Maler war auch für seine satirischen Darstellungen der High Society berühmt?
12. Wofür ist Thomas Gainsborough berühmt?
13. Was wissen Sie über William Blake?
14. Was sind deine Lieblingskünstler und warum?

Große Künstler signierten ihre Gemälde nicht nur schwungvoll, sondern malten auch versteckte Selbstporträts auf ihre Werke. Einige waren so raffiniert, dass sie sich selbst in einer Karaffe Wein darstellten, andere malten sich einfach in der Menge und einer von ihnen malte sich sogar in weiblicher Gestalt.

Bacchus von Michelangelo Merisi da Caravaggio

Das 1595 von Michelangelo Merisi da Caravaggio gemalte Gemälde „Bacchus“ zeigt den antiken Gott des Weinbaus, der Inspiration und der religiösen Ekstase. Ein junger Mann mit Blättern und Weintrauben im Haar hält dem Betrachter träge ein flaches Glas Wein hin, als würde er ihn einladen, sich ihm anzuschließen. Caravaggio wollte mit diesem Bild vom idealisierten Bild des antiken Gottes wegkommen – um Bacchus auf den Boden zu senken, stellte der Künstler Schmutz unter seinen Nägeln dar und stellte neben ihm auch einen Teller mit verrottenden Früchten auf.

Doch nicht nur das ewige Thema des Irdischen und Göttlichen macht dieses Bild so bemerkenswert. Nach der Reinigung der Leinwand mittels Reflektographie wurde in der Spiegelung auf dem Glas der Karaffe in der unteren linken Ecke ein Selbstporträt von Caravaggio gefunden. Der Künstler stellte sich selbst dar, wie er an einer Staffelei arbeitete. Nachdem die Staubschichten entfernt worden waren, konnte man außerdem das Spiegelbild des Gesichts von Bacchus auf der Oberfläche des Weins in der Schüssel sehen.

Anbetung der Heiligen Drei Könige von Sandro Botticelli

Das Gemälde „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ von Sandro Botticelli entstand etwa 1475 im Auftrag des Florentiner Bankiers Gaspare di Zanobe del Lama, einem Mitglied der Kunstgewerbegilde der Stadt Florenz. Die Schöpfung Botticellis war für die Grabkapelle in der Basilika Santa Maria Novella gedacht.

Für viele Kunsthistoriker ist dieses Gemälde dadurch bemerkenswert, dass es im Bild einer Reihe historischer Persönlichkeiten zu finden ist. So stellte der Künstler rechts seinen Auftraggeber in einem blauen Gewand dar, auf sich selbst zeigend und direkt auf den Betrachter blickend. Der älteste der Heiligen Drei Könige, der vor dem Baby kniete, ist Cosimo de' Medici, Gründer der Herrscherdynastie von Florenz und Großvater von Lorenzo dem Prächtigen. Ganz in der Mitte, mit dem Rücken zum Betrachter, steht ein Mann in roter Kleidung, Pietro Medici, Sohn von Cosimo und Vater von Lorenzo. Lorenzo der Prächtige selbst ist laut Kunsthistorikern im Profil in einem schwarz-roten Gewand dargestellt. Links im Vordergrund steht mit am Schwertgriff verschränkten Armen Giuliano Medici, Lorenzos Bruder und Geliebter, das Mädchen, das Botticelli bei der Entstehung des Gemäldes „Die Geburt der Venus“ posierte. Und schließlich ist der junge Mann ganz rechts, der Ihnen direkt in die Augen schaut, ein Selbstporträt von Botticelli selbst.

Das Gemälde ist in Florenz in der Uffizien-Galerie zu sehen.

Der Garten der Lüste von Hieronymus Bosch

Der Garten der Lüste ist ein Triptychon des grotesken Meisters Hieronymus Bosch (richtiger Name Jeroen Antonison van Aken). Manche halten den Künstler für einen Surrealisten des 15. Jahrhunderts, andere sind sich sicher, dass Bosch einer warAnhänger der Katharer-Häresieund andere - dass die Gemälde des Malers die mittelalterlichen „esoterischen Disziplinen“ widerspiegeln: Astrologie, schwarze Magie und Alchemie. Jede Leinwand ist mit einer Vielzahl von Symbolen gesättigt, die für unsere Zeitgenossen kaum zu zählen sind.

Der linke Flügel des Triptychons zeigt Gott, der Eva und Adam im ruhigen Paradies vertritt. In der Mitte des Triptychons sind Szenen aus dem Garten der Lüste zu sehen, in denen Menschen und Fantasietiere weltlichen Freuden frönen. Nun, auf der rechten Seite des Bildes sind komplexe Foltermaschinen, Monster und er selbst zu sehen, ein Künstler mit einem Körper, der wie eine Muschel aussieht, der diese ganze Hölle böswillig anlächelt.

Das Gemälde wird im Prado-Museum in Madrid aufbewahrt.

Das Jüngste Gericht von Michelangelo

Das Jüngste Gericht von Michelangelo ist auf der Altarwand der Sixtinischen Kapelle im Vatikan abgebildet. Der Künstler arbeitete vier Jahre lang, von 1537 bis 1541, an dem Fresko, dessen Hauptthema die Wiederkunft Christi und die Apokalypse war. Kunstkritiker glauben, dass dieses Werk die Renaissance beendete und eine neue Periode der Enttäuschung in der Philosophie des anthropozentrischen Humanismus einleitete.

Zu Füßen Christi platzierte Michelangelo Bartholomäus, der an dem Messer in seiner Hand zu erkennen ist. Er hält eine abgezogene Haut in der Hand, auf die der Künstler laut Kunsthistorikern sein Selbstporträt gemalt hat. Einige sind sich sicher, dass Bartholomäus Pietro Aretino, dem Feind Michelangelos, der ihn beleidigte, sehr ähnlich ist. So sah der Künstler seine Erlösung. Andere glauben, dass Michelangelo sich selbst auf einer enthäuteten Haut darstellte, als Zeichen dafür, dass er das Fresko nicht fertigstellen wollte und diesen Befehl des Papstes unter besonderem Zwang ausführte.

Das Fresko ist in der Sixtinischen Kapelle im Vatikanischen Museum zu sehen.

„Mona Lisa“ von Leonardo da Vinci

„Mona Lisa“ wurde von Leonardo da Vinci geschaffen und ist wahrscheinlich das am meisten diskutierte Gemälde auf der ganzen Welt. Heute hängt es unter undurchdringlichem Glas im Louvre und schmückte einst Napoleons Badezimmer. In dieser Schöpfung von da Vinci steckt ein Geheimnis, das Kunsthistoriker in keiner Weise lüften können: Einige vermuten, dass das Grinsen der Gioconda das Lächeln einer schwangeren Frau ist, die die Bewegung des Fötus bemerkt hat, andere, dass es das Lächeln ihrer Geliebten ist Leonardo Giacomo Salai, Psychiater sehen im Gesichtsausdruck von Mona Lisa Schizophrenie und Zahnärzte sind sich sicher, dass es sich dabei um das Lächeln einer zahnlosen Frau handelt.

Eine andere Hypothese besagt, dass das abgebildete Mädchen ein grinsendes Gesicht hat— Leonardo da Vinci selbst. Ein Computervergleich der anatomischen Gesichtsmerkmale des Künstlers und des Modells ergab, dass sie geometrisch perfekt übereinstimmen.Sie können sich selbst davon überzeugen, indem Sie die Mona Lisa und das Selbstporträt von da Vinci vergleichen, das der Künstler mit Rotstift angefertigt hat.

Das Gemälde befindet sich im Louvre, Paris.

„Schule von Athen“ Raphael Santi

Rafael Santi schuf das Fresko „Die Schule von Athen“, das darauf einfach nicht abgebildet war: den bereits erwähnten Leonardo da Vinci nach dem Bild von Platon und Michelangelo nach dem Bild von Heraklit, Sokrates und Alexander dem Großen. Santi vergaß nicht, sich neben den Maler Sodoma zu stellen, der vor ihm mit der Arbeit an dem Fresko begann. Auf dem Bild sind mehr als 50 Personen zu sehen.

Die Hauptidee des Freskos „Schule von Athen“ ist die Möglichkeit einer harmonischen Harmonie zwischen verschiedenen Bereichen der Philosophie und Wissenschaft. Dieses Konzept ist übrigens eine der wichtigsten Ideen der Humanisten. Raphael Santi stellte unter den Gewölben des Vatikanpalastes eine im Wesentlichen ideale Gemeinschaft von Denkern der klassischen Ära dar. Im Zentrum der Komposition stehen Aristoteles und Platon, die antike Weisheit verkörpern und zwei Philosophieschulen repräsentieren.

Das Fresko befindet sich im Vatikanischen Palast.

„Porträt der Arnolfinis“ von Jan van Eyck

„Porträt der Arnolfinis“ von Jan van Eyck ist ein weiteres Renaissance-Gemälde, das schwer zu interpretieren ist – Streitigkeiten darüber, wer darauf abgebildet ist, dauern bis heute an. Die gängigste Version besagt, dass der Künstler den Kaufmann Giovanni di Nicolao Arnolfini und seine Frau auf die Leinwand gemalt habe, vermutlich in ihrem Haus in Brügge.

Vor allem aber interessieren uns bei diesem Werk nicht die Charaktere im Vordergrund, sondern wer im Spiegel an der Wand abgebildet ist, der sich auf der Mittelachse der Komposition direkt über den Händen der Charaktere befindet. Wer genau hinschaut, erkennt Gestalten von hinten in roten und blauen Anzügen. Den Silhouetten ihrer Kleidung nach zu urteilen, handelt es sich um einen Mann und eine Frau. Leider sind ihre Gesichtszüge nicht zu erkennen. Die meisten Kunstkritiker sind sich sicher, dass die Inschrift über dem Spiegel mit der Aufschrift „Jan van Eyck war hier“ direkt darauf hindeutet, dass einer derjenigen, die auf der Schwelle des Raumes stehen, der Künstler selbst ist.

Das Gemälde ist daLondoner Nationalgalerie.