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Theorie der Literatur. Die Komödie in der Literatur ist eine variantenreiche Spielart der Dramaturgie. Merkmale eines Theaterstücks als dramatisches Werk

Dramatische Werke werden durch die Äußerungen der Charaktere organisiert. Laut Gorki „erfordert das Stück, dass jede handelnde Einheit durch Wort und Tat für sich charakterisiert wird, ohne dass der Autor dazu aufgefordert wird“ (50, 596). Ein ausführliches erzählerisch-beschreibendes Bild fehlt hier. Tatsächlich ist die Rede des Autors, mit deren Hilfe das Dargestellte von außen charakterisiert wird, im Drama Hilfs- und Episodencharakter. Dies sind der Titel des Stücks, sein Genre-Untertitel, eine Angabe des Ortes und der Zeit der Handlung, manchmal eine Liste der Charaktere

begleitet von ihrer kurzen zusammenfassenden Charakterisierung, Vorhandlungen und Episoden der Beschreibung der Bühnensituation sowie Bemerkungen in Form von Kommentaren zu einzelnen Nachbildungen der Figuren. All dies stellt einen Nebentext eines dramatischen Werkes dar. Ungefähr ebenso ist sein Text eine Kette von dialogischen Bemerkungen und Monologen der Charaktere selbst.

Daher eine gewisse Einschränkung der künstlerischen Möglichkeiten des Dramas. Der Autor-Dramatiker nutzt nur einen Teil der visuellen Mittel, die dem Schöpfer eines Romans oder Epos, einer Kurzgeschichte oder einer Kurzgeschichte zur Verfügung stehen. Und die Charaktere der Charaktere werden im Drama mit weniger Freiheit und Fülle offenbart als im Epos. „Ich ... nehme das Drama wahr“, bemerkte T. Mann, „als die Kunst der Silhouette und ich empfinde nur die erzählte Person als voluminöses, ganzheitliches, reales und plastisches Bild.“ (69, 386). Gleichzeitig sind Dramatiker im Gegensatz zu den Autoren epischer Werke gezwungen, sich auf die Menge an verbalen Texten zu beschränken, die den Anforderungen der Theaterkunst entspricht. Die Handlungszeit im Drama muss in den strengen Rahmen der Bühnenzeit passen. Und die Aufführung in den dem europäischen Theater bekannten Formen dauert bekanntlich nicht länger als drei bis vier Stunden. Und dazu bedarf es einer angemessenen Größe des dramatischen Textes.

Gleichzeitig hat der Autor des Stücks auch erhebliche Vorteile gegenüber den Autoren von Kurzgeschichten und Romanen. Ein im Drama dargestellter Moment grenzt eng an einen anderen, benachbarten an. Die Zeit der vom Dramatiker während der Bühnenepisode wiedergegebenen Ereignisse (siehe Kapitel X) wird weder gestaucht noch gedehnt; Die Charaktere des Dramas tauschen Bemerkungen ohne nennenswerte Zeitintervalle aus, und ihre Aussagen bilden, wie Stanislavsky feststellte, eine durchgehende, durchgehende Linie. Wenn mit Hilfe der Erzählung die Handlung als etwas Vergangenes eingeprägt wird, dann erzeugt die Kette von Dialogen und Monologen im Drama die Illusion der Gegenwart. Das Leben spricht hier wie aus sich selbst: Zwischen dem Dargestellten und dem Leser gibt es keinen Vermittler – den Erzähler. Die Handlung des Dramas spielt sich wie vor den Augen des Lesers ab. „Alle Erzählformen“, schrieb F. Schiller, „übertragen die Gegenwart in die Vergangenheit; Alles Dramatische macht die Vergangenheit gegenwärtig“ (106, 58).

Das dramatische Genre der Literatur stellt die Handlung mit nach

maximale Unmittelbarkeit. Das Drama erlaubt keine zusammenfassenden Merkmale von Ereignissen und Handlungen, die deren Einzelheiten ersetzen würden. Und sie ist, wie Yu. Olesha feststellte, „ein Test für Strenge und gleichzeitig den Flug des Talents, den Sinn für Form und alles Besondere und Erstaunliche, was Talent ausmacht.“ (71, 252). Bunin äußerte eine ähnliche Vorstellung über das Drama: „Man muss Gedanken in präzise Formen komprimieren.“ Und es ist so aufregend.

Formen des Charakterverhaltens

Drama-Charaktere offenbaren sich im Verhalten (hauptsächlich in gesprochenen Worten) deutlicher als Charaktere in epischen Werken. Und das ist natürlich. Erstens veranlasst die dramatische Form die Charaktere zu „langem Reden“. Zweitens orientieren sich die Worte der Figuren des Dramas an der Weite der Bühne und des Zuschauerraums, so dass die Rede als direkt an das Publikum gerichtet und potenziell laut empfunden wird. „Das Theater erfordert ... übertriebene breite Linien sowohl in der Stimme, der Rezitation als auch in den Gesten“ (98, 679), schrieb N. Boileau. Und D. Diderot bemerkte, dass „man kein Dramatiker sein kann, ohne Beredsamkeit zu besitzen“ (52, 604).

Das Verhalten der Charaktere im Drama ist geprägt von Aktivität, Eingängigkeit und Auffälligkeit. Es ist mit anderen Worten theatralisch. Theatralik ist das Verhalten von Sprache und Gesten, das in der Berechnung einer öffentlichen Massenwirkung erfolgt. Es ist der Antipode von Intimität und ausdruckslosen Handlungsformen. Mit Theatralik erfülltes Verhalten wird zum wichtigsten Darstellungsgegenstand im Drama. Dramatische Aktionen werden oft unter aktiver Beteiligung eines breiten Spektrums von Menschen durchgeführt. Dies sind viele Szenen in Shakespeares Stücken (insbesondere in den letzten), die Höhepunkte von Gogols „Der Generalinspekteur“ und Ostrowskis „Das Gewitter“ sowie die entscheidenden Episoden von Wischnewskis „Optimistischer Tragödie“. Episoden, bei denen sich Publikum auf der Bühne befindet, wirken besonders stark auf den Zuschauer: das Bild von Versammlungen, Kundgebungen, Massenaufführungen etc. Sie hinterlassen einen lebendigen Eindruck und Bühnenepisoden zeigen wenige Menschen, wenn ihr Verhalten offen, nicht gehemmt, spektakulär ist . „Wie er sich im Theater verhielt“, kommentiert Bubnov („At the Bottom“ von Gorki) die hektische Tirade des verzweifelten Klesh über die Wahrheit, die ihm durch einen unerwarteten und scharfen Eingriff in das allgemeine Gespräch einen richtigen theatralischen Charakter verlieh .

Dramatiker (insbesondere Anhänger von

realistische Kunst) verspüren das Bedürfnis, über die Theatralik hinauszugehen: menschliches Verhalten in all seinem Reichtum und seiner Vielfalt nachzubilden und das private, häusliche, intime Leben einzufangen, in dem sich die Menschen in Worten und Gesten sparsam und bescheiden ausdrücken. Gleichzeitig wird die Sprache der Charaktere, die nach der Logik des Dargestellten nicht spektakulär und hell sein sollte, in Dramen und Aufführungen als langatmig, stimmgewaltig und hyperbolisch ausdrucksstark dargestellt. Hier kommt eine gewisse Einschränkung der Möglichkeiten des Dramas ins Spiel: Dramatiker (wie auch Schauspieler auf der Bühne) sind gezwungen, das „Nicht-Theatralische im Leben“ in den Rang eines „Theatralischen in der Kunst“ zu erheben.

Im weitesten Sinne ist jedes Kunstwerk bedingt, also nicht identisch mit dem wirklichen Leben. Gleichzeitig bezieht sich der Begriff Konvention (im engeren Sinne) auf Formen der Reproduktion des Lebens, bei denen die Diskrepanz und sogar der Kontrast zwischen den dargestellten Formen und den Formen der Realität selbst betont werden. Insofern stehen künstlerische Konventionen der „Plausibilität“ oder „Lebensechtheit“ entgegen. „Alles sollte im Wesentlichen lebensecht sein, nicht unbedingt alles sollte lebensecht sein“, schrieb Fadeev. „Unter den vielen Formen kann es eine bedingte Form geben“ (96, 662) (d. h. „unlebensecht.“ - V. X.).

In dramatischen Werken, in denen das Verhalten der Charaktere theatralisch ist, werden Konventionen besonders häufig verwendet. Über die bevorstehende Abkehr des Dramas von der Lebensähnlichkeit wurde mehr als einmal gesprochen. So argumentierte Puschkin, dass „von allen Arten von Kompositionen die unglaubwürdigsten Kompositionen dramatisch sind“. (79, 266), und Zola nannte Drama und Theater „die Zitadelle alles Konventionellen“ (61, 350).

Drama-Charaktere äußern sich oft nicht, weil sie es im Handlungsverlauf brauchen, sondern weil der Autor den Lesern und Zuschauern etwas erklären muss, um einen bestimmten Eindruck auf sie zu hinterlassen. So werden in dramatische Werke manchmal zusätzliche Charaktere eingeführt, die entweder selbst erzählen, was nicht auf der Bühne gezeigt wird (Boten in antiken Stücken) oder sie als Gesprächspartner der Hauptfiguren dazu ermutigen, über das Geschehene zu sprechen (Chöre und ihre). Koryphäen in antiken Tragödien). ; Vertraute und Diener in den Komödien der Antike, der Renaissance, des Klassizismus). In den sogenannten epischen Dramen wenden sich die Schauspieler-Charaktere von Zeit zu Zeit an das Publikum, „steigen aus der Rolle“ und berichten wie von außen über das Geschehen.

Eine Hommage an die Konvention ist darüber hinaus die Sättigung der Sprache im Drama mit Maximen, Aphorismen und Überlegungen zum Geschehen. Auch die von den Helden in der Einsamkeit geäußerten Monologe sind bedingt. Solche Monologe sind eigentlich keine Sprechhandlungen, sondern ein rein szenisches Mittel zur Hervorhebung der inneren Sprache; davon gibt es viele sowohl in antiken Tragödien als auch in der Dramaturgie der Neuzeit. Noch bedingter sind die „Nebenbemerkungen“, die für andere Charaktere auf der Bühne sozusagen nicht existieren, für das Publikum aber deutlich hörbar sind.

Es wäre natürlich falsch, die theatralische Übertreibung nur für das dramatische Genre der Literatur zu „verstärken“. Ähnliche Phänomene sind charakteristisch für klassische Epen und Abenteuerromane, aber wenn wir über die Klassiker des 19. Jahrhunderts sprechen. - für die Werke von Dostojewski. Im Drama wird jedoch die Konventionalität der sprachlichen Selbstoffenbarung der Charaktere zum führenden künstlerischen Trend. Der Autor des Dramas zeigt in einer Art Experiment, wie sich ein Mensch ausdrücken würde, wenn er seine Stimmungen in den von ihm geäußerten Worten mit maximaler Fülle und Helligkeit ausdrücken würde. Natürlich erweisen sich dramatische Dialoge und Monologe als viel umfangreicher und wirkungsvoller als jene Bemerkungen, die in einer ähnlichen Lebenssituation geäußert werden könnten. Dadurch ähnelt die Sprache im Drama oft der künstlerisch-lyrischen oder rednerischen Sprache: Die Helden dramatischer Werke äußern sich tendenziell als Improvisatoren – Dichter oder anspruchsvolle Redner. Daher hatte Hegel teilweise recht, als er das Drama als eine Synthese aus epischem Anfang (Ereignisfülle) und lyrischem (Sprachausdruck) betrachtete.

Von der Antike bis zur Epoche der Romantik – von Aischylos und Sophokles bis zu Schiller und Hugo – tendierten dramatische Werke in den allermeisten Fällen zur Theatralisierung des Scharfen und Demonstrativen. L. Tolstoi warf Shakespeare die Fülle an Übertreibungen vor, wodurch angeblich die Möglichkeit künstlerischen Eindrucks verletzt werde. Von den ersten Worten an – er schrieb über die Tragödie „König Lear“ – kann man eine Übertreibung erkennen: eine Übertreibung der Ereignisse, eine Übertreibung der Gefühle und eine Übertreibung der Ausdrücke.“ (89, 252). L. Tolstoi hat Shakespeares Werk falsch eingeschätzt, aber die Vorstellung vom Engagement des großen englischen Dramatikers für theatralische Übertreibungen ist völlig berechtigt. Was mit nicht weniger Grund über „König Lear“ gesagt wurde, lässt sich auf antike Komödien und Tragödien zurückführen.

Tage, die dramatischen Werke des Klassizismus, die Tragödien Schillers usw.

Im 19. und 20. Jahrhundert, als in der Literatur der Wunsch nach alltäglicher Authentizität künstlerischer Bilder vorherrschte, begannen die dem Drama innewohnenden Konventionen auf ein Minimum zu reduzieren. Ausgangspunkt dieses Phänomens ist das sogenannte „Kleinbürgerdrama“ des 18. Jahrhunderts, dessen Schöpfer und Theoretiker Diderot und Lessing waren. Werke der größten russischen Dramatiker des 19. Jahrhunderts. und der Beginn des 20. Jahrhunderts – von A. Ostrovsky, Tschechow und Gorki – zeichnen sich durch die Zuverlässigkeit der nachgebildeten Lebensformen aus. Aber selbst als die Dramatiker auf die Plausibilität des Dargestellten setzten, blieben Handlungs-, psychologische und sprachliche Übertreibungen bestehen. Auch in Tschechows Dramaturgie, die die maximale Grenze der „Lebensechtheit“ aufwies, machten sich theatralische Konventionen bemerkbar. Werfen wir einen Blick auf die letzte Szene von „Die drei Schwestern“. Eine junge Frau hat sich vor zehn oder fünfzehn Minuten von einem geliebten Menschen getrennt, wahrscheinlich für immer. Vor weiteren fünf Minuten erfuhr sie vom Tod ihres Verlobten. Und nun fassen sie zusammen mit der ältesten, dritten Schwester die moralischen und philosophischen Ergebnisse des Geschehens zusammen und denken zu den Klängen eines Militärmarsches über das Schicksal ihrer Generation, über die Zukunft der Menschheit nach. Es ist kaum vorstellbar, dass dies in der Realität geschieht. Aber wir bemerken nicht die Unplausibilität des Endes von „Die drei Schwestern“, weil wir daran gewöhnt sind, dass das Drama die Lebensformen der Menschen erheblich verändert.

Das dramatische Genre der Literatur stellt die Handlung mit nach

Formen des Charakterverhaltens

Dramatiker (insbesondere Anhänger von

Tage, die dramatischen Werke des Klassizismus, die Tragödien Schillers usw.

Es gibt jedoch kein detailliertes erzählerisch-beschreibendes Bild im Drama. Tatsächlich ist die Rede des Autors hier hilfsweise und episodisch. Dies sind die Listen der Akteure, manchmal begleitet von kurzen Charakteristika, der Angabe von Zeit und Ort der Handlung; Beschreibungen der Bühnensituation zu Beginn von Akten und Episoden sowie Kommentare zu einzelnen Nachbildungen der Figuren und Hinweise auf deren Bewegungen, Gestik, Mimik, Intonation (Bemerkungen). Das alles macht aus Seite dramatischer Text. Basic sein Text ist eine Kette von Aussagen von Charakteren, ihren Nachbildungen und Monologen.

Daher einige eingeschränkte künstlerische Möglichkeiten des Dramas. Der Autor-Dramatiker nutzt nur einen Teil der visuellen Mittel, die dem Schöpfer eines Romans oder Epos, einer Kurzgeschichte oder einer Kurzgeschichte zur Verfügung stehen. Und die Charaktere der Charaktere werden im Drama mit weniger Freiheit und Fülle offenbart als im Epos. „Drama I<...>„Ich nehme“, so T. Mann, „die Kunst der Silhouette wahr und empfinde nur die erzählte Person als voluminöses, ganzheitliches, reales und plastisches Bild.“ Gleichzeitig sind Dramatiker im Gegensatz zu den Autoren epischer Werke gezwungen, sich auf die Menge an verbalen Texten zu beschränken, die den Anforderungen der Theaterkunst entspricht. Der Zeitpunkt der im Drama dargestellten Handlung muss in den strengen Rahmen der Bühnenzeit passen. Und die Aufführung in den dem neuen europäischen Theater bekannten Formen dauert bekanntlich nicht länger als drei bis vier Stunden. Und dazu bedarf es einer angemessenen Größe des dramatischen Textes.

Gleichzeitig hat der Autor eines Theaterstücks erhebliche Vorteile gegenüber den Autoren von Kurzgeschichten und Romanen. Ein im Drama dargestellter Moment grenzt eng an einen anderen, benachbarten an. Die Zeit der vom Dramatiker während der „Bühnenepisode“ wiedergegebenen Ereignisse wird weder gestaucht noch gedehnt; die Charaktere des Dramas tauschen Bemerkungen ohne erkennbare Zeitintervalle aus, und ihre Aussagen bilden, wie K.S. Stanislavsky feststellte, eine durchgehende, durchgehende Linie. ist Wird es als etwas Vergangenes erfasst, dann erzeugt die Kette von Dialogen und Monologen im Drama die Illusion der Gegenwart. Das Leben spricht hier wie aus seiner eigenen Perspektive: Es gibt keinen vermittelnden Erzähler zwischen dem Dargestellten und dem Leser. Die Handlung wird nachgebildet im Drama mit maximaler Unmittelbarkeit. Es fließt wie vor den Augen des Lesers.“ Alle Erzählformen,- schrieb F. Schiller, - sie übertragen die Gegenwart in die Vergangenheit; All das Dramatische macht die Vergangenheit gegenwärtig.

Drama ist bühnenorientiert. Theater ist eine öffentliche Massenkunst. Die Aufführung wirkt sich direkt auf viele Menschen aus, als würde sie als Reaktion auf das, was vor ihnen geschieht, zu einer Einheit verschmelzen. Der Zweck des Dramas besteht laut Puschkin darin, auf die Menge einzuwirken, ihre Neugier zu wecken“ und zu diesem Zweck die „Wahrheit der Leidenschaften“ einzufangen: „Das Drama wurde auf dem Platz geboren und war die Belustigung des Volkes.“ Die Menschen brauchen wie Kinder Unterhaltung, Action. Das Drama beschert ihm außergewöhnliche, seltsame Vorkommnisse. Die Menschen verlangen nach starken Empfindungen<..>Lachen, Mitleid und Entsetzen sind die drei Fäden unserer Vorstellungskraft, die durch dramatische Kunst erschüttert werden. Das dramatische Genre der Literatur ist besonders eng mit dem Bereich des Lachens verbunden, denn das Theater wurde in enger Verbindung mit Massenfesten in einer Atmosphäre von Spiel und Spaß gefestigt und entwickelt. „Das Comic-Genre ist für die Antike universell“, bemerkte O. M. Friedenberg. Das Gleiche gilt auch für das Theater und die Dramen anderer Länder und Epochen. T. Mann hatte Recht, als er den „komödiantischen Instinkt“ als „das Grundprinzip jeder dramatischen Fähigkeit“ bezeichnete.

Es ist nicht verwunderlich, dass das Drama zu einer äußerlich spektakulären Darstellung des Dargestellten tendiert. Ihre Bildsprache erweist sich als hyperbolisch, eingängig, theatralisch und leuchtend. „Das Theater erfordert<...>übertriebene breite Linien sowohl in der Stimme, der Rezitation als auch in den Gesten,- schrieb N. Boileau. Und diese Eigenschaft der Bühnenkunst prägt unweigerlich das Verhalten der Helden dramatischer Werke. „Wie er sich im Theater verhielt“, kommentiert Bubnow („At the Bottom“ von Gorki) die hektische Tirade des verzweifelten Klesch, der ihr durch eine unerwartete Einmischung in das allgemeine Gespräch eine theatralische Wirkung verlieh. Bedeutsam (als Merkmal der dramatischen Literatur) sind Tolstois Vorwürfe gegen W. Shakespeare wegen der Fülle an Übertreibungen, durch die gleichsam „die Möglichkeit eines künstlerischen Eindrucks verletzt“ wird. „Von den ersten Worten an,- er schrieb über die Tragödie „König Lear“,- man kann eine Übertreibung erkennen: eine Übertreibung der Ereignisse, eine Übertreibung der Gefühle und eine Übertreibung der Ausdrücke. L. Tolstoi hat Shakespeares Werk falsch eingeschätzt, aber die Vorstellung vom Engagement des großen englischen Dramatikers für theatralische Übertreibungen ist völlig berechtigt. Was mit nicht weniger Grund über „König Lear“ gesagt wurde, lässt sich auf antike Komödien und Tragödien, dramatische Werke des Klassizismus, auf die Stücke von F. Schiller und V. Hugo usw. zurückführen.

Im XIX - XX Jahrhunderte, als der Wunsch nach weltlicher Authentizität in der Literatur vorherrschte, wurden die dem Drama innewohnenden Konventionen weniger offensichtlich, oft wurden sie auf ein Minimum reduziert. Der Ursprung dieses Phänomens liegt im sogenannten „Spießbürgerdrama“. XVIII Jahrhundert, deren Schöpfer und Theoretiker D. Diderot und G.E. waren. Lessing. Werke bedeutender russischer Dramatiker 19. Jahrhundert und frühes XX Jahrhundert - A.N. Ostrovsky, A.P. Tschechow und M. Gorki – zeichnen sich durch die Zuverlässigkeit der nachgebildeten Lebensformen aus. Aber selbst als die Dramatiker ihr Augenmerk auf Plausibilität richteten, blieben Handlung, psychologische und tatsächlich verbale Übertreibungen bestehen. Auch in der Dramaturgie Tschechows machten sich theatralische Konventionen bemerkbar, die die Grenze der „Lebensechtheit“ darstellten. Werfen wir einen Blick auf die letzte Szene von „Die drei Schwestern“. Eine junge Frau hat sich vor zehn oder fünfzehn Minuten von einem geliebten Menschen getrennt, wahrscheinlich für immer. Vor weiteren fünf Minuten erfuhr sie vom Tod ihres Verlobten. Und nun fassen sie zusammen mit der ältesten, dritten Schwester die moralischen und philosophischen Ergebnisse der Vergangenheit zusammen und denken zu den Klängen eines Militärmarsches über das Schicksal ihrer Generation, über die Zukunft der Menschheit nach. Es ist kaum vorstellbar, dass dies in der Realität geschieht. Aber wir bemerken nicht die Unplausibilität des Endes von „Die drei Schwestern“, weil wir daran gewöhnt sind, dass das Drama die Lebensformen der Menschen erheblich verändert.

Das Vorstehende überzeugt von der Richtigkeit des Urteils von A. S. Puschkin (aus seinem bereits zitierten Artikel), dass „das Wesen der dramatischen Kunst Plausibilität ausschließt“; „Wenn wir ein Gedicht oder einen Roman lesen, können wir uns oft selbst vergessen und glauben, dass der beschriebene Vorfall keine Fiktion, sondern die Wahrheit ist. In einer Ode, in einer Elegie können wir davon ausgehen, dass der Dichter seine wahren Gefühle unter realen Umständen dargestellt hat. Aber wo ist die Glaubwürdigkeit in einem Gebäude, das in zwei Teile geteilt ist, von denen einer mit einverstandenen Zuschauern gefüllt ist? usw" .

Die wichtigste Rolle in dramatischen Werken kommt den Konventionen der sprachlichen Selbstoffenbarung der Charaktere zu, deren oft mit Aphorismen und Maximen gesättigte Dialoge und Monologe sich als viel umfangreicher und wirkungsvoller erweisen als die Bemerkungen, die in a geäußert werden könnten ähnliche Lebenssituation. Repliken „beiseite“ sind konventionell, die sozusagen für andere Charaktere auf der Bühne nicht existieren, aber für das Publikum deutlich hörbar sind, sowie Monologe, die von den Charakteren allein, allein mit sich selbst, geäußert werden und eine reine Bühne sind Technik, um die innere Sprache zum Vorschein zu bringen (es gibt viele solcher Monologe, etwa in antiken Tragödien und in der Dramaturgie der Neuzeit). Der Dramatiker zeigt in einer Art Experiment, wie sich ein Mensch ausdrücken würde, wenn er seine Stimmungen in den gesprochenen Worten mit maximaler Fülle und Helligkeit ausdrücken würde. Und die Sprache in einem dramatischen Werk ähnelt oft einer künstlerischen lyrischen oder rednerischen Rede: Die Charaktere neigen hier dazu, sich als improvisierende Dichter oder Meister des öffentlichen Redens auszudrücken. Daher hatte Hegel teilweise recht, als er das Drama als eine Synthese aus epischem Anfang (Ereignisfülle) und lyrischem (Sprachausdruck) betrachtete.

Das Drama hat in der Kunst sozusagen zwei Leben: das Theater und das Literarische. Das dramatische Werk stellt die dramatische Grundlage der Aufführungen dar und wird in ihrer Zusammensetzung auch vom Lesepublikum wahrgenommen.

Dies war jedoch nicht immer der Fall. Die Emanzipation des Dramas von der Bühne erfolgte schrittweise – über mehrere Jahrhunderte hinweg und endete erst vor relativ kurzer Zeit: in XVIII - XIX Jahrhunderte Weltweit bedeutende Beispiele der Dramaturgie (von der Antike bis XVII c.) Zum Zeitpunkt ihrer Entstehung wurden sie praktisch nicht als literarische Werke anerkannt: Sie existierten nur als Teil der darstellenden Künste. Weder W. Shakespeare noch J. B. Molière wurden von ihren Zeitgenossen als Schriftsteller wahrgenommen. Die „Entdeckung“ in der zweiten Hälfte des XVIII Jahrhunderte von Shakespeare als großem dramatischen Dichter. Von nun an begann man intensiv mit der Lektüre von Dramen. Dank zahlreicher Veröffentlichungen in XIX - XX Jahrhunderte Dramatische Werke erwiesen sich als eine wichtige Spielart der Belletristik.

Im XIX V. (besonders in der ersten Hälfte) wurden die literarischen Vorzüge des Dramas oft über die szenischen gestellt. Goethe glaubte also, dass „Shakespeares Werke nichts für körperliche Augen sind“, und Gribojedow bezeichnete seinen Wunsch, die Verse von „Woe from Wit“ von der Bühne aus zu hören, als „kindisch“. Die sogenannteLesedrama(Drama zum Lesen) Mit der Installation entsteht vor allem die Wahrnehmung beim Lesen. Dazu gehören Goethes Faust, Byrons dramatische Werke, Puschkins kleine Tragödien, Turgenjews Dramen, über die der Autor bemerkte: „Meine Stücke, die auf der Bühne unbefriedigend sind, könnten für die Lektüre von Interesse sein.“

Die grundlegenden Unterschiede zwischen Lesedrama und ein vom Autor bühnenorientiertes Stück gibt es nicht. Zum Lesen geschaffene Dramen sind oft potentielle Bühnendramen. Und das Theater (einschließlich des modernen) sucht und findet manchmal hartnäckig die Schlüssel dazu, wovon die erfolgreichen Inszenierungen von Turgenjews „Ein Monat auf dem Land“ zeugen (zuallererst ist dies die berühmte vorrevolutionäre Aufführung des Kunsttheater) und zahlreiche (wenn auch bei weitem nicht immer erfolgreiche) Bühnenlesungen von Puschkins kleinen Tragödien 20. Jahrhundert

Die alte Wahrheit bleibt in Kraft: Der wichtigste Zweck des Dramas ist die Bühne. „Erst auf der Bühne“, bemerkte A. N. Ostrovsky, „erhält die dramatische Fiktion des Autors eine völlig vollendete Form und bringt genau die moralische Handlung hervor, die der Autor sich zum Ziel gesetzt hat.“

Die Schaffung einer Aufführung auf der Grundlage eines dramatischen Werkes ist mit deren schöpferischer Vollendung verbunden: Die Schauspieler erstellen intonationsplastische Zeichnungen ihrer Rollen, der Künstler gestaltet den Bühnenraum, der Regisseur entwickelt die Inszenierungen. In dieser Hinsicht ändert sich das Konzept des Stücks etwas (einigen Seiten wird mehr Aufmerksamkeit geschenkt, anderen weniger Aufmerksamkeit), es wird oft konkretisiert und bereichert: Die Bühneninszenierung führt neue Elemente in das Drama ein. semantisch Schattierungen. Gleichzeitig ist das Prinzip von größter Bedeutung für das Theater Lesetreue Literatur. Regisseur und Schauspieler sind aufgefordert, dem Publikum das inszenierte Werk in größtmöglicher Vollständigkeit zu vermitteln. Treue beim Bühnenlesen findet dort statt, wo der Regisseur und die Schauspieler das dramatische Werk in seiner Gesamtheit tiefgreifend verstehen wesentlich Inhalt, Genre, Stilmerkmale. Bühneninszenierungen (sowie Verfilmungen) sind nur in den Fällen legitim, in denen eine (wenn auch relative) Übereinstimmung zwischen Regisseur und Schauspielern und dem Ideenkreis des Dramatikers besteht und die Bühnenfiguren sorgfältig auf die Bedeutung achten das inszenierte Werk, auf die Besonderheiten seiner Gattung, die Besonderheiten seines Stils und auf den Text selbst.

in der klassischen Ästhetik XVIII - XIX Jahrhunderte lang, insbesondere bei Hegel und Belinsky, galt das Drama (vor allem die Gattung der Tragödie) als höchste Form literarischen Schaffens: als „Krone der Poesie“. Tatsächlich hat sich eine ganze Reihe künstlerischer Epochen vorwiegend in der dramatischen Kunst manifestiert. Aischylos und Sophokles in der Blütezeit der antiken Kultur, Moliere, Racine und Corneille in der Zeit des Klassizismus waren unter den Autoren epischer Werke ihresgleichen. Bedeutsam ist in dieser Hinsicht das Werk Goethes. Dem großen deutschen Schriftsteller standen alle literarischen Genres zur Verfügung, doch er krönte sein Leben in der Kunst mit der Schaffung eines dramatischen Werkes – des unsterblichen Faust.

In den vergangenen Jahrhunderten (bis XVIII Jahrhunderte) konkurrierte das Drama nicht nur erfolgreich mit dem Epos, sondern wurde oft auch zur führenden Form der künstlerischen Reproduktion des Lebens in Raum und Zeit. Dies hat mehrere Gründe. Erstens spielte die Theaterkunst eine große Rolle, die (im Gegensatz zu handgeschriebenen und gedruckten Büchern) den breitesten Schichten der Gesellschaft zugänglich war. Zweitens entsprachen die Eigenschaften dramatischer Werke (die Darstellung von Charakteren mit ausgeprägten Gesichtszügen, die Wiedergabe menschlicher Leidenschaften, die Anziehungskraft auf Pathos und Groteske) in der „vorrealistischen“ Ära voll und ganz den allgemeinen literarischen und allgemeinen künstlerischen Tendenzen. Zit. Zitiert nach: Reader zur Geschichte des westeuropäischen Theaters / Comp. und Hrsg. S. Mokulsky: In 2 Bänden. 2. Aufl. M.; L., 1953. T. 1. S. 679.

Tolstoi L.N. Voll koll. Zit.: V 90 t. M., 1950. T. 35. S. 252.

Puschkin A. S. Voll koll. Zit.: In 10 Bänden. T. 7. S. 212.

Goethe I.V.Über Kunst. S. 410–411.

Turgenjew I.S. Sobr. Zit.: V. 12 t. M., 1956. T. 9. S. 542.

Ostrowski A. N. Voll koll. Zit.: V 12 t. M., 1978. T. 10. S. 63.

Merkmale des Studiums dramatischer Werke

1. Drama ist eine Art Literatur. Zeichen und Merkmale der dramatischen Art.

Drama – eine der drei Arten von Literatur, gehört neben Epos und Lyrik gleichzeitig zu zwei Kunstarten: Literatur und Theater.

Drama bezeichnet eine Gattung der dramatischen Gattung. Drama ist für die Bühne. Bühnenmittel sind die Mittel zur Bilderzeugung. Die Hauptmerkmale des Dramas: 1 Reproduziert Ereignisse außerhalb des Autors (Nähe zum Epos).

2 Dialog.

3 Objektivität.

4 beherrscht die Action

Dramatische Aktion – emotionale Willensreaktionen einer Person. Das Drama imitiert die Handlung durch die Handlung, nicht durch die Geschichte (Aristoteles).

5 Das Drama ist geprägt von akuten Konfliktsituationen, in denen die Charaktere ihre Charaktere offenbaren. Das Drama entstand im antiken Griechenland, in Athen, in den Werken von Sophokles, Aristophanes, Aischylos und anderen. Es kam zu einem Zusammenbruch der sozialen Beziehungen und des öffentlichen Bewusstseins. Es nahm eine Form an, mit der gesellschaftliche Konflikte schnell gemeistert werden konnten. Dramatische Werke stellen wie epische die Abfolge von Ereignissen, die Handlungen von Menschen und ihre Beziehungen nach. Der Dramatiker unterliegt dem Gesetz des entwickelnden Handelns. Es gibt jedoch kein detailliertes erzählerisch-beschreibendes Bild im Drama. Dementsprechend ist die Rede des Autors hier hilfsweise und episodisch. Dies sind die Listen der Akteure (manchmal begleitet von einer kurzen Beschreibung), die Angabe von Zeit und Ort der Handlung, Bemerkungen. All dies ist ein Nebentext eines dramatischen Projekts. Der Haupttext ist eine Kette von Aussagen der Charaktere, deren Repliken und Monologe. Daher eine gewisse Einschränkung der schlimmsten Möglichkeiten des Dramas. Der Dramatiker nutzt nur einen Teil der sachlich-bildlichen Mittel, die ihm zur Verfügung stehen, um einen Roman, ein Epos, eine Erzählung, eine Kurzgeschichte zu schaffen. => Die Natur der Charaktere offenbart sich im Drama mit weniger Freiheit und Fülle als im Epos. Aber der Autor des Stücks hat gegenüber den Autoren von Kurzgeschichten und Romanen erhebliche Vorteile. Ein im Drama dargestellter Moment grenzt eng an den nächsten. Die Zeit der während der Bühnensequenz abgespielten Ereignisse wird weder komprimiert noch gedehnt. Das Leben spricht hier wie aus seinem eigenen Gesicht: Zwischen dem Dargestellten und dem Leser gibt es keinen Mittler-Erzähler. Schauspiel orientiert sich am Anspruch der Bühne. Theater ist eine Massenkunst. Es ist nicht verwunderlich, dass es beim Drama um die äußerlich wirkungsvolle Darstellung des Dargestellten geht. Ihre Bilder sind hyperbolisch und eingängig. Und diese Eigenschaft der Bühnenkunst prägt unweigerlich das Verhalten der Figuren.

Die Grundlage des Dramas ist die Handlung. Anders als im Epos, wo die Handlung als in der Vergangenheit geschehen beschrieben wird, entfaltet sich die Handlung im Drama im Präsens, findet direkt vor den Augen des Betrachters statt und zeichnet sich durch Aktivität, Kontinuität, Zielstrebigkeit und Kompaktheit aus . Mit anderen Worten, das Drama reproduziert die Handlung der Charaktere selbst und erzählt nichts über diese Handlung. Die Handlung wird durch den Konflikt dargestellt, der im Zentrum des dramatischen Werks steht und alle Strukturelemente der dramatischen Handlung bestimmt (insbesondere die Komposition des Stücks unterliegt der Offenlegung des Konflikts). Dramatische Handlung und Konflikt sind untrennbar miteinander verbunden und die Hauptmerkmale des Dramas als literarischer Gattung. Die Handlungs- und Konfliktentwicklung manifestiert sich in der Handlungsorganisation des Werkes. In einem klassischen Drama gibt es keine Breite und Vielfalt der Handlung wie in einem epischen Werk. Die dramatische Handlung konzentriert sich nur auf wichtige Meilensteinereignisse in der Handlungs- und Konfliktentwicklung. In den Werken dramatischer Art zeichnet sich die Handlung durch Spannung und Schnelligkeit der Entwicklung sowie eine größere Nacktheit des Konflikts aus. Dramatische Konflikte, die spezifische historische und universelle Widersprüche widerspiegeln und das Wesen der Zeit und sozialer Beziehungen offenbaren, verkörpern sich im Verhalten und Handeln der Charaktere und vor allem in Dialogen, Monologen und Repliken. Der Dialog im Drama ist das wichtigste Mittel zur Entwicklung von Handlung und Konflikt und die wichtigste Art der Charakterdarstellung (die wichtigsten Funktionen des dramatischen Dialogs). (In der Prosa wird der Dialog mit der Rede des Autors kombiniert.) Er offenbart das äußere und innere Leben der Charaktere: ihre Ansichten, Interessen, Lebensposition und Gefühle, Erfahrungen, Stimmungen. Mit anderen Worten: Das Wort im Drama ist umfangreich, präzise, ausdrucksstark, emotional gesättigt und eine Worthandlung, die in der Lage ist, die Fülle der Eigenschaften der Charaktere zu vermitteln. Eine Form der sprachlichen Charakterisierung der Charaktere im Drama ist auch ein Monolog – die Rede des Charakters, die an sich selbst oder an andere gerichtet ist, aber im Gegensatz zum Dialog nicht auf gegenseitigen Bemerkungen beruht. In der Prosa spielt der Monolog nicht die wichtigste Rolle, im Text dominiert er jedoch. Im Drama enthüllt der Monolog die Ideale, Überzeugungen der Charaktere, ihr spirituelles Leben und die Komplexität der Figur.

2. Methoden und Techniken für die Arbeit an einem dramatischen Werk

In der Anfangsphase des Studiums eines dramatischen Werks lernen die Studierenden gleichzeitig mit der Klärung des Hauptkonflikts zunächst die Charaktere kennen und erfahren, welche Rolle sie im Kampf spielen. Sie können nach ihren Gruppierungen fragen. Der Weg zur Klärung des Hauptkonflikts und die Festlegung der Grenzen des Stücks – wie es begann und wie es endete – sind geebnet, was zur Klärung des Gesamtbildes des Stücks beiträgt.

Großes Augenmerk wird auf die Anziehungskraft der Klasse auf die vom Stück abgedeckte Zeit gelegt. Die Zeit des Zuschauers und die Zeit der Handlung des Stücks scheinen miteinander verbunden zu sein, doch zwischen den Phänomenen vergehen Tage, Wochen, sogar Jahre.

Beispielsweise umfasst die Aktion „Woe from Wit“ die Zeit von morgens bis abends, obwohl sie im Theater auf wenige Stunden komprimiert ist. Zwischen III und 1U vergehen die Aktionen des „Gewitters“ zwei Wochen. Den Schülern sollte beigebracht werden, dass es im Drama nicht nur darauf ankommt, was im Akt selbst zwischen den Akten passiert.

Für die Analyse im Unterricht muss der Lehrer die Schlüsselphänomene auswählen, die die Entwicklung der Handlung bestimmen. Wir dürfen die Erklärung unverständlicher Wörter nicht vergessen; und historische und theatralische Kommentare, wählen Sie vorab aus, was Sie selbst lesen möchten und wann Sie den Player einschalten möchten.

Die Methoden und Techniken der Arbeit am Drama sind vielfältig.

1. „Sicht aus der Sicht des Publikums“, Installation zur visuellen Wahrnehmung. Schulkinder sollten sich vorstellen, das Stück gedanklich zu sehen. Zu diesem Zweck ist es sinnvoll, Erinnerungsfragmente an Aufführungen zu verwenden.

2. Es ist wichtig, die Schüler zu ermutigen, sich VORzustellen, was auf der Bühne passiert, um eine Situation vorzuschlagen: „Stellen Sie sich vor, Sie sitzen auf der Bühne“ (vor Beginn einer Aktion „Gewitter“).

Antwort: Die Weiten der Transwolga-Region, die Weiten der Wolga, die Kuligin ausrufen lassen: Die Aussicht ist außergewöhnlich, die Schönheit – die Seele jubelt! oder „Wie stellen Sie sich den Bürgermeister vor, wenn er Chlestakows Zimmer betritt?“

Eine weitere Technik, die Schüler dazu anregt, in den Text des Stücks einzudringen, ist die Schaffung imaginärer Inszenierungen, d. h. Schulkinder werden aufgefordert, darüber nachzudenken, wie sie die Figuren zu einem bestimmten Zeitpunkt der Handlung anordnen würden, sich ihre Positionen, Gesten und Bewegungen vorzustellen.

Beispielsweise gibt Gorki vor Beginn des vierten Akts „At the Bottom“ an, wo und in welcher Position sich jede der Figuren in dem Moment befindet, in dem sich der Vorhang öffnet. Doch im Laufe der Handlungsentwicklung ändert sich der Standort der Figuren auf der Bühne, in welchen Fällen, warum und wie passiert das? Markieren Sie diese Szenen.

Der Kern der Arbeit an jeder Handlung ist die konsequente Beobachtung der Entwicklung der Handlung, der inneren Logik dieser Entwicklung in der jeweiligen Handlung. Die Beobachtung der Entwicklung der Handlung durch die Schüler muss untrennbar mit dem Eindringen in die Charaktere der Charaktere verbunden sein. Dies wird durch Fragen erleichtert: „Tikhon und Varvara wenden sich mit „Sie“ an Kabanikha und mit „Sie“ an Katerina. Warum?

In der Analyse des Dramas ist das Thema ständiger Aufmerksamkeit Rede Charakter, seine Originalität, da der Charakter des Charakters, sein soziales Gesicht, sein Geisteszustand die Sprache offenbart. Wenn wir zum Beispiel zuhören, wie Katerina ihrer Mutter von ihrem Leben erzählt, können wir auch sie beurteilen. „Ich lebte … wie ein Vogel in der Wildnis … hier scheint alles aus Gefangenschaft zu stammen.“ Wir verstehen, wie gut es ihr getan hat, wie sie die Blumen gegossen hat, wie gern sie sich an all das erinnert. In ihrer Rede finden sich viele Worte und Ausdrücke, die sich auf religiöse Vorstellungen und das Alltagsleben beziehen: Tempel, ich bete, Engel, es riecht nach Zypressen, denn sie ist in einer patriarchalischen Familie aufgewachsen, sie kann nicht anders sein.

Für den Klang einer Rede spielt auch die Person, an die sie gerichtet ist, eine große Rolle. Die Rede des Gouverneurs klingt anders, wenn er Ljapkin-Tjapkin, Erdbeere oder Chlopow anspricht.

Es muss daran erinnert werden, dass die Auswahl der Wörter und deren Klang-Intonation direkt mit dem SUBTEXT verbunden sind. Den Subtext zu enthüllen bedeutet, die Essenz des Stücks zu enthüllen, die Beziehung zwischen den Ursachen der Handlungen der Figur und ihrer äußeren Manifestation. Wenn den Schülern beigebracht wird, Subtexte zu verstehen, erziehen wir einen guten Leser und Betrachter.

Es darf nicht vergessen werden, dass bei der Analyse eines Theaterstücks die Rede der Figuren von großer Bedeutung ist und die Bemerkungen der Autoren, das Plakat und die Bemerkung dazu (dies wird von Schülern beim Lesen oft übersprungen) dazu dienen Folgende Aufgaben sind wichtig: Erledigt dies in „Der Generalinspekteur“ oder „Was sagt die Bemerkung im zweiten Akt von „Das Gewitter“ in der Szene, in der Katerina sich von ihrem Mann verabschiedet?

Bei der Arbeit am Stück kommt der ausdrucksstarken Lektüre eine große Bedeutung zu. Gleichzeitig bewegt sich der Student von der Position des Betrachters zur Position des Darstellers.

Der Autor, seine Einstellung zum Geschehen – die Hauptfrage beim Studium eines Werkes. In einem dramatischen Werk ist die Position des Autors stärker verborgen als in Werken anderer Art. Zu diesem Zweck muss der Lehrer: die Aufmerksamkeit der Schüler auf die Kommentare des Autors zu den Schauspielern lenken und sie dazu auffordern, darüber nachzudenken, wie der Autor mit seinen Figuren umgeht? Oder er bietet an, die Frage zu beantworten: „Wie bringt Ostrovsky den Zuschauer dazu, Katerina zu rechtfertigen, wenn er den 3. Akt sieht?“

Bei der Analyse der eingegangenen Beobachtungen sollte der Lehrer zu diesem Zweck wichtige zusammenfassende Fragen verallgemeinern, wie zum Beispiel: „Was haben wir über das Leben der Kreisstadt gelernt?“ Wie waren die Beamten der Stadt? Welcher Art sind die in Gorodniche ergriffenen Maßnahmen? oder „Was haben die Charaktere von Dikoy und Kabanikh gemeinsam und was sind ihre Unterschiede? Warum ist der Konflikt zwischen Katerina und der Welt von Kabanova unvermeidlich?“

In den Abschlussstunden stellen sich in verallgemeinerter Form jene Fragen, auf die die Schüler im Zuge der Analyse des Dramas Antworten suchten.

Tatsächlich beginnt die letzte Lektion bereits mit der Arbeit am letzten Akt des Stücks, wenn der Konflikt gelöst ist und der Autor-Dramatiker sozusagen ein Resümee zieht. Zu diesem Zweck ist das ausdrucksstarke Lesen der Schüler von besonderer Bedeutung: Dies ist ein Test für die Tiefe ihres Verständnisses der Charaktere der Charaktere.

Das Lesen nach Rollen zeigt auch den Grad des Verständnisses der Schüler für ein dramatisches Werk. Der Lehrer kann die Rollenverteilung auf unterschiedliche Weise angehen. Die Hausaufgabe für eine solche Unterrichtsstunde kann eine schriftliche oder mündliche Zusammenstellung der Charaktereigenschaften des Helden sein, dessen Rolle der Schüler spielen wird.

In den Abschlussstunden - Wettbewerbe der Vorlesung einzelner Szenen, der Bühnengeschichte des Dramas, Anschauen der Verfilmung und Diskussion darüber.

Fragen der Literaturtheorie

Im Zusammenhang mit dem Schauspielstudium muss der Student eine Reihe theoretischer und literarischer Konzepte beherrschen. Einige davon sollten in den aktiven Wortschatz von Schulkindern aufgenommen werden: Handlung, Handlung, Phänomen, Monolog, Dialog, Figurenliste, Bemerkungen. Beim Eindringen in das Drama wird der Wortschatz der Schulkinder ergänzt: Konflikt, Handlung, Darstellung, Handlung, Höhepunkt, Auflösung, Genres: Komödie, Drama, Tragödie.; spielen, spielen. Die Aufführung ist keine Illustration in einem Theaterstück, sondern ein neues Kunstwerk, das vom Theater geschaffen wird und die Stücke des Dramatikers auf seine eigene Weise interpretiert.

Indem wir uns die Theorie der Dramaturgie offenbaren, scheinen wir uns in einem Universum wiederzufinden, das nach Gesetzen funktioniert, die durch ihre Schönheit und mathematische Genauigkeit überraschen. Die Dramaturgie orientiert sich am Grundgesetz, dessen Wesen in der harmonischen Einheit liegt. Drama muss wie jedes Kunstwerk ein ganzheitliches künstlerisches Bild sein.

Unter Dramaturgie versteht man die Theorie und Kunst der Konstruktion dramatischer Werke.

In welchen anderen Bedeutungen wird dieses Wort verwendet? Was sind seine Grundlagen? Was ist Dramaturgie in der Literatur?

Konzeptdefinition

Es gibt mehrere Bedeutungen dieses Konzepts.

Erstens ist Dramaturgie die handlungskompositionelle Grundlage (handlungsfiguratives Konzept) eines eigenständigen Film- oder Theaterwerks. Ihre Grundprinzipien sind historisch wandelbar. Solche Ausdrücke wie Dramaturgie eines Films oder einer Aufführung sind bekannt.

Dramatheorie. Es wurde nicht als eine bereits stattgefundene Aktion interpretiert, sondern als eine fortlaufende.
Und drittens ist Dramaturgie eine Sammlung von Werken einer bestimmten Epoche, einer bestimmten Person oder eines bestimmten Schriftstellers.

Eine Aktion ist eine bekannte Änderung in einem bestimmten Zeitraum. Einem Wechsel der Dramaturgie entspricht ein Schicksalswechsel. In der Komödie ist sie fröhlich, in der Tragödie ist sie traurig. Die Zeitspanne kann variieren. Es kann mehrere Stunden dauern (wie im klassischen französischen Drama) oder sich über viele Jahre erstrecken (wie bei William Shakespeare).

Etappen der Dramaturgie

Die Ausstellung versetzt den Leser, Zuhörer oder Betrachter in Aktion. Hier ist die erste Bekanntschaft mit den Charakteren. Dieser Abschnitt enthüllt die Nationalität der Menschen, diese oder jene Ära und andere Punkte. Die Aktion kann schnell und aktiv beginnen. Oder vielleicht auch umgekehrt, allmählich.
Die Handlung. Der Name spricht für sich. Ein Schlüsselelement der Dramaturgie. Der Anschein eines Konflikts oder die Bekanntschaft der Charaktere miteinander.
Entwicklung von Aktionen und Bildern. allmähliche Spannung.
Der Höhepunkt kann hell und beeindruckend sein. Der höchste Punkt des Stückes. Hier gibt es einen emotionalen Ausbruch, die Intensität der Leidenschaften, die Dynamik der Handlung oder die Beziehung der Charaktere.
Austausch. Beendet eine Aktion. Es kann schrittweise oder umgekehrt augenblicklich erfolgen. Es kann die Handlung abrupt beenden oder zum Finale werden. Dies ist die Zusammenfassung des Aufsatzes.

Geheimnisse der Meisterschaft

Um die Geheimnisse der Literatur- oder Bühnenkunst zu verstehen, sollten Sie die Grundlagen der Dramaturgie kennen. Erstens ist es eine Form als Mittel zum Ausdruck von Inhalten. Auch in jeder Kunstform gibt es immer ein Bild. Oftmals handelt es sich hierbei um eine imaginäre Version der Realität, die durch Notizen, Leinwand, Worte, Plastik usw. dargestellt wird. Bei der Erstellung eines Bildes muss der Autor berücksichtigen, dass der Hauptbeteiligte der Betrachter, Leser oder Zuhörer sein wird (je nach Art des Bildes). Kunst). Das nächste große Element im Drama ist die Action. Es impliziert das Vorhandensein von Widersprüchen und beinhaltet zwangsläufig Konflikte und Dramatik.

Das Drama basiert auf der Unterdrückung des freien Willens, der Höhepunkt ist ein gewaltsamer Tod. Auch das Alter und die Unvermeidlichkeit des Todes sind dramatisch. Dramatisch werden Naturkatastrophen, wenn dabei Menschen sterben.

Die Arbeit des Autors am Werk beginnt mit der Entstehung des Themas. Die Idee löst das Problem des gewählten Themas. Es ist weder statisch noch offen. Wenn es aufhört, sich zu entwickeln, stirbt es. Konflikt ist die höchste Ebene der Manifestation dramatischer Widersprüche. Für die Umsetzung ist eine Handlung erforderlich. Die Ereigniskette ist in einer Handlung organisiert, die den Konflikt durch die Konkretisierung der Handlung detailliert beschreibt. Es gibt auch eine Ereigniskette wie eine Intrige.

Dramaturgie der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts

Das moderne Drama ist nicht nur ein bestimmter Abschnitt der historischen Zeit, sondern ein ganzer brennender Prozess. Daran sind Dramatiker ganzer Generationen und verschiedener kreativer Richtungen beteiligt. Vertreter wie Arbuzov, Vampilov, Rozov und Shvarts sind Erneuerer des Genres des sozialpsychologischen Dramas. Das moderne Drama steht nicht still, es wird ständig aktualisiert, weiterentwickelt und bewegt. Unter der Vielzahl von Stilen und Genres, die das Theater seit den späten 50er Jahren des 20. Jahrhunderts und bis in unsere Zeit prägen, überwiegt eindeutig das sozialpsychologische Spiel. Viele von ihnen hatten tiefe philosophische Untertöne.

Seit mehreren Jahrzehnten versucht das moderne Drama, etablierte Stereotypen zu überwinden, um bei der Lösung seiner Probleme näher am wirklichen Leben des Helden zu sein.

Was ist Dramaturgie in der Literatur?

Dramaturgie ist eine besondere Art in der Literatur, die eine dialogische Form hat und auf der Bühne verkörpert werden soll. Tatsächlich ist dies das Leben der Charaktere auf der Bühne. Im Stück erwachen sie zum Leben und reproduzieren das wirkliche Leben mit allen daraus resultierenden Konflikten und Widersprüchen.

Die notwendigen Momente, damit das geschriebene Werk auf der Bühne zum Leben erwacht und beim Publikum bestimmte Emotionen hervorruft:

Die Kunst der Dramaturgie und Regie muss untrennbar mit Inspiration verbunden sein.
Der Regisseur muss in der Lage sein, dramatische Werke richtig zu lesen, ihre Komposition zu überprüfen und die Form zu berücksichtigen.
Die Logik eines ganzheitlichen Prozesses verstehen. Jede nachfolgende Aktion sollte reibungslos in die vorherige übergehen.
Der Regisseur verfügt über die Methode der künstlerischen Technik.
Arbeiten Sie für das Ergebnis des gesamten Kreativteams. Die Aufführung muss sorgfältig durchdacht, ideologisch reich und klar organisiert sein.

Dramatische Werke

Es gibt eine große Anzahl davon. Einige davon seien beispielhaft aufgeführt:

„Othello“, „Ein Sommernachtstraum“, „Romeo und Julia“ von Shakespeare.
„Gewitter“ Ostrowski.
„Inspektor“ Gogol.

Dramaturgie ist also die Theorie und Kunst der Konstruktion dramatischer Werke. Es ist auch die handlungskompositorische Grundlage, die Gesamtheit der Werke und die Theorie des Dramas. Es gibt Ebenen der Dramaturgie. Anfang, Entwicklung, Höhepunkt und Ende. Um die Geheimnisse des Dramas zu verstehen, müssen Sie seine Grundlagen kennen.

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