Flämische Maler des 17. Jahrhunderts. Moderne belgische Künstler Belgische Künstler des 20. Jahrhunderts

Unterwegs gibt es mehrere Museen. In diesem Artikel erzähle ich Ihnen etwas über die Königlichen Museen der Schönen Künste in Brüssel. Vielmehr handelt es sich um einen Gesamtkomplex bestehend aus sechs Museen.

Vier im Zentrum von Brüssel:

*Museum für antike Kunst.
Eine wunderbare Sammlung alter Meister aus dem 15. bis 18. Jahrhundert.
Der Großteil dieser Sammlung besteht aus Gemälden südniederländischer (flämischer) Künstler. Präsentiert werden die Meisterwerke von Meistern wie Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel dem Älteren, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens und anderen …
Die Sammlung entstand während der Französischen Revolution, als viele Kunstwerke von den Invasoren beschlagnahmt wurden. Ein erheblicher Teil wurde nach Paris transportiert, und aus den eingelagerten Gegenständen wurde 1801 von Napoleon Bonaparte das Museum gegründet. Alle beschlagnahmten Wertgegenstände kehrten erst nach der Absetzung Napoleons von Paris nach Brüssel zurück. Seit 1811 ging das Museum in den Besitz der Stadt Brüssel über. Mit der Entstehung des Vereinigten Königreichs der Niederlande unter König Wilhelm I. erweiterten sich die Mittel des Museums erheblich.

Robert Campin. „Verkündigung“, 1420-1440

Jacob Jordanes. Satyr und Bauern, 1620

*Museum für moderne Kunst.
Die Sammlung zeitgenössischer Kunst umfasst Werke vom späten 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart. Grundlage der Sammlung sind Werke belgischer Künstler.
Das berühmte Gemälde von Jacques-Louis David – Der Tod von Marat – ist im alten Teil des Museums zu sehen. Die Sammlung veranschaulicht den belgischen Neoklassizismus und basiert auf Werken, die der belgischen Revolution und der Gründung des Landes gewidmet sind.
Es wird nun in Form von Wechselausstellungen im sogenannten „Patio“-Raum der Öffentlichkeit präsentiert. Diese ermöglichen einen regelmäßigen Wechsel zeitgenössischer Kunstwerke.
Das Museum beherbergt „Salome“ von Alfred Stevens, dem berühmtesten Vertreter des belgischen Impressionismus. Und auch so berühmte Werke wie „Russische Musik“ von James Ensor und „Zärtlichkeit der Sphinx“ von Fernand Khnopf werden präsentiert. Unter den im Museum vertretenen Meistern des 19. Jahrhunderts stechen die Meisterwerke von Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet und Henri Fantin-Latour hervor. Französische Malerei des späten 19. Jahrhunderts. vertreten durch „Portrait of Suzanne Bambridge“ von Paul Gauguin, „Spring“ von Georges Seurat, „Bay“ von Paul Signac, „Two Disciples“ von Edouard Vuillard, Landschaft von Maurice Vlaminck und Skulptur von Auguste Rodin „Caryatid“, „Portrait von ein Bauer“ von Vincent van Gogh (1885) und Stillleben mit Blumen von Lovis Corinth.

Jean Louis David. „Tod des Marat“, 1793

Gustav Wappers. „Folge der Septembertage“, 1834

* Magritte-Museum.
Eröffnet im Juni 2009. Zu Ehren des belgischen surrealistischen Malers René Magritte (21. November 1898 – 15. August 1967). Die Sammlung des Museums umfasst mehr als 200 Werke in Öl auf Leinwand, Gouache, Zeichnungen, Skulpturen und bemalte Objekte, außerdem Werbeplakate (er arbeitete viele Jahre als Plakat- und Werbezeichner in einer Papierfabrik), alte Fotografien und gedrehte Filme von Magritte selbst.
Ende der 20er Jahre schloss Magritte einen Vertrag mit der Galerie Cento in Brüssel ab und widmete sich damit ganz der Malerei. Er schuf das surrealistische Gemälde „The Lost Jockey“, das er als sein erstes erfolgreiches Gemälde dieser Art betrachtete. 1927 veranstaltet er seine erste Ausstellung. Kritiker erkennen es jedoch als erfolglos an und Magritte reist nach Paris, wo er Andre Breton trifft und sich seinem Kreis von Surrealisten anschließt. Er erwirbt einen charakteristischen Stil, der seine Bilder erkennbar macht. Nach seiner Rückkehr nach Brüssel setzt er seine Arbeit in neuem Stil fort.
Das Museum ist auch ein Forschungszentrum für das Erbe des surrealistischen Künstlers.

*Museum des Endes des Jahrhunderts (Fin de siècle).
Das Museum vereint Werke des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts, des sogenannten „Jahrhundertendes“, überwiegend mit avantgardistischem Charakter. Malerei, Bildhauerei und Grafik einerseits, aber auch angewandte Kunst, Literatur, Fotografie, Film und Musik andererseits.
Vertreten sind überwiegend belgische Künstler, aber auch Werke ausländischer Meister, die in den Kontext passen. Werke von Künstlern, die zu den großen progressiven Bewegungen der damaligen belgischen Künstler gehörten.

Und zwei in den Vororten:

*Wirtz-Museum
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) – belgischer Maler (1806–1865). 1835 malte er sein erstes bedeutendes Gemälde, Der Kampf der Griechen mit den Trojanern um den Besitz der Leiche des Patroklos, das nicht für eine Ausstellung in Paris angenommen wurde, aber in Belgien große Begeisterung hervorrief. Es folgte: „Der Tod des hl. Dionysius“, das Triptychon „Die Grablegung“ (mit den Figuren von Eva und Satan auf den Flügeln), „Die Flucht nach Ägypten“, „Der Aufstand der Engel“ und das beste Werk des Künstlers, „Der Triumph Christi“. . Die Originalität des Konzepts und der Komposition, die Kraft der Farben, das kühne Spiel der Lichteffekte und der schwungvolle Pinselstrich gaben der Mehrheit der Belgier Anlass, Wirtz als den Erneuerer ihrer alten nationalen Historienmalerei, als den Direkten zu betrachten Erbe von Rubens. Je weiter, desto exzentrischer wurden seine Geschichten. Für seine meist enorm großen Werke sowie für Experimente zur Anwendung der von ihm erfundenen Mattmalerei baute ihm die belgische Regierung eine umfangreiche Werkstatt in Brüssel ein. Hier sammelte Wirtz, der keines seiner Gemälde verkaufte und nur als Porträtauftrag existierte, alle seine seiner Meinung nach wichtigsten Werke und vermachte sie zusammen mit der Werkstatt selbst als Vermächtnis dem belgischen Volk. Jetzt ist diese Werkstatt das Wirtz-Museum. Es speichert bis zu 42 Gemälde, darunter die oben genannten sechs.

*Meunier-Museum
Das Museum wurde zu Ehren von Constantin Meunier (1831-1905) eröffnet, der in einer armen Einwandererfamilie aus der belgischen Kohlebergbauregion Borinage geboren und aufgewachsen ist. Von Kindesbeinen an war er mit der schwierigen sozialen Lage und dem oft elenden Dasein der Bergleute und ihrer Familien vertraut. Meunier hielt seine Eindrücke vom Leben in der Bergbauregion in plastischen Formen fest und zeigte den Arbeiter als harmonisch entwickelte Persönlichkeit. Der Bildhauer hat ein solches Bild eines Arbeiters entwickelt, das seinen Stolz und seine Stärke widerspiegelt und der sich seines Berufes als Lader oder Hafenarbeiter nicht schämt. Wenn man bedenkt, dass Meunier seine Helden mit einer gewissen Idealisierung schuf, muss man auch sein großes historisches Verdienst darin erkennen, dass er einer der ersten Meister war, der einen Mann, der körperliche Arbeit verrichtete, zum zentralen Thema seines Werkes machte und ihn gleichzeitig als Schöpfer zeigte voller innerer Würde.

L. Aleshina

Ein kleines Land, das der Welt in der Vergangenheit eine Reihe der größten Künstler bescherte – es genügt, die Brüder van Eyck, Brueghel und Rubens zu nennen – Belgien zu Beginn des 19. Jahrhunderts. erlebte eine lange Stagnation der Kunst. Eine gewisse Rolle spielte dabei die politisch und wirtschaftlich untergeordnete Stellung Belgiens, das bis 1830 keine nationale Unabhängigkeit besaß. Erst wenn sich ab Beginn des neuen Jahrhunderts die nationale Befreiungsbewegung immer stärker entwickelt, erwacht die Kunst zum Leben, die bald einen sehr wichtigen Platz im kulturellen Leben des Landes einnimmt. Es ist zumindest bezeichnend, dass im Vergleich zu anderen europäischen Ländern die Zahl der Künstler im kleinen Belgien im Verhältnis zur Bevölkerung sehr groß war.

Bei der Entstehung der belgischen Kunstkultur des 19. Jahrhunderts. Dabei spielten die großen Traditionen der Nationalmalerei eine wichtige Rolle. Die Verbundenheit mit Traditionen drückte sich nicht nur in der direkten Nachahmung vieler Künstler ihrer herausragenden Vorgänger aus, obwohl dies für die belgische Malerei insbesondere in der Mitte des Jahrhunderts charakteristisch war. Der Einfluss von Traditionen beeinflusste die Besonderheiten der belgischen Kunstschule der Neuzeit. Eine dieser Besonderheiten ist das Engagement belgischer Künstler für die objektive Welt, für das wahre Fleisch der Dinge. Daher der Erfolg der realistischen Kunst in Belgien, aber auch einige Einschränkungen bei der Interpretation des Realismus.

Ein charakteristisches Merkmal des künstlerischen Lebens des Landes war die enge Interaktion der belgischen Kultur mit der Kultur Frankreichs im Laufe des Jahrhunderts. Junge Künstler und Architekten gehen dorthin, um ihr Wissen zu vertiefen. Viele französische Meister wiederum besuchen Belgien nicht nur, sondern leben dort auch viele Jahre und nehmen am künstlerischen Leben ihres kleinen Nachbarn teil.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts dominierte in Belgien wie in vielen anderen europäischen Ländern der Klassizismus die Malerei, Bildhauerei und Architektur. Der bedeutendste Maler dieser Zeit war François Joseph Navez (1787–1869). Er studierte zunächst in Brüssel, dann ab 1813 in Paris bei David, den er im Exil nach Brüssel begleitete. Während seines belgischen Exils genoss der bemerkenswerte französische Meister das größte Ansehen unter den einheimischen Künstlern. Navez war einer von Davids Lieblingsschülern. Seine Arbeit ist unvergleichlich. Mythologische und biblische Kompositionen, in denen er den Kanonen des Klassizismus folgte, sind leblos und kalt. Porträts, die den größten Teil seines Erbes ausmachen, sind sehr interessant. In seinen Porträts verbanden sich genaue und aufmerksame Beobachtung und Studium der Natur mit einer erhabenen Idealvorstellung der menschlichen Persönlichkeit. Die besten Merkmale der klassischen Methode – starke kompositorische Konstruktion, plastische Formenfülle – verschmelzen in Navez‘ Porträts harmonisch mit der Ausdruckskraft und Spezifität des Lebensbildes. Das Porträt der Familie Hemptinne (1816; Brüssel, Museum für moderne Kunst) scheint in seiner künstlerischen Qualität das höchste zu sein.

Die schwierige Aufgabe eines Porträts mit drei Charakteren wird vom Künstler erfolgreich gelöst. Alle Mitglieder der jungen Familie – ein Ehepaar mit einer kleinen Tochter – werden in lebhaften, entspannten Posen, aber mit einem Gefühl starker innerer Verbundenheit dargestellt. Die Farbgebung des Porträts zeugt von Navez‘ Wunsch, die klassischen Traditionen der flämischen Malerei zu verstehen, die auf van Eyck zurückgehen. Reine, strahlende Farben verschmelzen zu einem fröhlichen harmonischen Akkord. Ein hervorragendes Porträt der Familie Hemptinne kommt in seiner plastischen Kraft und dokumentarischen Genauigkeit den späten Porträtwerken Davids nahe, und in den Texten wird der Wunsch, das Innenleben der Seele zu vermitteln, mit der bereits aufkommenden Romantik verbunden. Noch näher an der Romantik ist Navez‘ Selbstporträt in jungen Jahren (1810er Jahre; Brüssel, Privatsammlung), in dem der Künstler sich selbst mit einem Bleistift und einem Album in der Hand darstellt, wie er lebhaft und aufmerksam auf etwas vor ihm starrt. Navez spielte als Lehrer eine sehr bedeutende Rolle. Viele Künstler studierten bei ihm, der später den Kern des realistischen Trends in der belgischen Malerei bildete.

Das Anwachsen der revolutionären Stimmung im Land trug zum Siegeszug der romantischen Kunst bei. Der Kampf um die nationale Unabhängigkeit führte im Sommer 1830 zu einer revolutionären Explosion, in deren Folge Belgien die Beziehungen zu den Niederlanden abbrach und einen unabhängigen Staat gründete. Kunst spielte bei den Ereignissen eine wichtige Rolle. Es weckte patriotische Gefühle, entfachte rebellische Stimmungen. Bekanntlich war die Aufführung von Auberts Oper „Der Stumme aus Portici“ der unmittelbare Auslöser des revolutionären Aufstands in Brüssel.

Am Vorabend der Revolution in der belgischen Malerei nimmt eine patriotische Richtung des historischen Genres Gestalt an. Der Anführer dieses Trends war der junge Künstler Gustave Wappers (1803-1874), der 1830 das Gemälde „Die Selbstaufopferung des Bürgermeisters van der Werf bei der Belagerung von Leiden“ (Utrecht, Museum) ausstellte. Die Meister dieser Richtung besingen die Heldentaten ihrer Vorfahren und wenden sich der romantischen Formensprache zu. Die pathetische Überhöhung der figurativen Struktur, der verstärkte Farbklang der Farben wurde von Zeitgenossen als Wiederbelebung der ursprünglich nationalen Bildtraditionen wahrgenommen, die Rubens am deutlichsten vertrat.

In den 30er Jahren. Die belgische Malerei gewinnt dank der Leinwände des historischen Genres in der europäischen Kunst zunehmend an Anerkennung. Sein programmatischer und patriotischer Charakter, der den gemeinsamen Aufgaben der Landesentwicklung diente, war ausschlaggebend für diesen Erfolg. Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887) und Louis Galle gehörten zu den beliebtesten Künstlern Europas. Doch schon bald offenbarte diese Richtung ihre begrenzten Seiten. Am erfolgreichsten waren jene Werke, die das Pathos der nationalen Befreiungsbewegung des Volkes widerspiegelten und vom Heldentum vergangener und gegenwärtiger Freiheitskämpfe inspiriert waren. Es ist kein Zufall, dass Wappers‘ Septembertage von 1830 (1834-1835; Brüssel, Museum für Moderne Kunst) den größten Erfolg hatten. Der Künstler schuf eine historische Leinwand auf modernem Material und enthüllte die Bedeutung revolutionärer Ereignisse. Gezeigt wird eine der Episoden der Revolution. Die Aktion findet auf dem zentralen Platz von Brüssel statt. Der stürmische Aufschwung der Volksbewegung wird durch eine unausgewogene diagonale Komposition vermittelt. Die Anordnung der Gruppen und einige der Figuren erinnern an Delacroix‘ Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“, das zweifellos ein Vorbild für den Künstler war. Gleichzeitig ist Wappers auf dieser Leinwand etwas extern und deklarativ. Seine Bilder zeichnen sich teilweise durch theatralische Auffälligkeit und Demonstrativität beim Ausdruck von Gefühlen aus.

Kurz nach der Unabhängigkeit Belgiens verlor die Historienmalerei an inhaltlicher Tiefe. Das Thema der nationalen Befreiung verliert seine Relevanz, seine gesellschaftliche Grundlage. Aus dem historischen Bild wird ein prächtiges Kostümspektakel mit unterhaltsamer Handlung. In der historischen Malerei kristallisieren sich zwei Strömungen heraus; Einerseits handelt es sich um monumentale pompöse Leinwände; die andere Richtung zeichnet sich durch eine Genreinterpretation der Geschichte aus. Die nationalen Traditionen der Malerei werden sehr oberflächlich verstanden – als Summe von Techniken und Mitteln, die nicht durch den Einfluss der Epoche bestimmt sind. Es gibt viele Künstler, die ihre ganze Berufung in der Malerei von Genres wie „Meister des 17. Jahrhunderts“ oder historischen Szenen wie „Rubens“ sehen.

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) versucht prätentiös, aber erfolglos, die Errungenschaften von Michelangelo und Rubens in seinen riesigen historischen und symbolischen Gemälden zu vereinen. Hendrik Leys (1815-1869) malt zunächst kleine genrehistorische Gemälde und imitiert dabei die Farben Rembrandts. Aus den 60er Jahren. er wechselt zu umfangreichen mehrfigurigen Kompositionen mit Alltagsszenen aus der nordischen Renaissance, in deren Ausführung er sich an der naiven Genauigkeit und Detailtreue der Meister dieser Zeit orientiert.

Unter den zahlreichen historischen Malern der Jahrhundertmitte ist Louis Galle (1810-1887) zu erwähnen, dessen Gemälde sich durch Zurückhaltung und lakonische Komposition auszeichnen und dessen Bilder für ihre innere Bedeutung und Noblesse bekannt sind. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde „Letzte Ehrungen für die Überreste der Grafen Egmont und Horn“ (1851; Tournai, Museum, Wiederholung von 1863 – Puschkin-Museum). Dieselben Eigenschaften sind noch charakteristischer für seine Genrebilder wie „Die Familie des Fischers“ (1848) und „Slavonets“ (1854; beide Eremitage).

Allmählich verliert die historische Malerei Belgiens ihre führende Rolle im Genresystem und tritt etwa ab den 60er Jahren in den Vordergrund. Haushaltsgemälde kommt heraus. Die Genremaler der Mitte des Jahrhunderts imitierten in der Regel die Künstler des 17. Jahrhunderts und wandten sich der Schaffung unterhaltsamer Szenen in Tavernen oder gemütlichen Innenräumen zu. Dies sind die vielen Gemälde von Jean Baptiste Madou (1796-1877). Hendrik de Brakeler (1840-1888) ist in seinen Motiven sehr traditionell und zeigt einsame Figuren bei ruhiger Beschäftigung in lichtdurchfluteten Innenräumen. Sein Verdienst liegt in der Lösung des Problems der Beleuchtung und luftigen Atmosphäre mittels moderner Malerei.

Die kapitalistische Entwicklung des Landes erfolgte bereits in den 60er Jahren nach der Erlangung der Unabhängigkeit in einem sehr schnellen Tempo. stellte die Kunst vor neue Herausforderungen. Die Moderne beginnt zunehmend in die künstlerische Kultur Belgiens einzudringen. Die jüngere Künstlergeneration vertritt den Slogan des Realismus und zeigt die charakteristischen Aspekte des umgebenden Lebens. In ihren Bestrebungen stützten sie sich auf das Beispiel Courbets. 1868 wurde in Brüssel die Freie Gesellschaft der Schönen Künste gegründet. Die bedeutendsten seiner Teilnehmer waren Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops und Louis Dubois. Sie alle entwickelten das Motto des Realismus, mit dem Aufruf zum Kampf gegen die alte Kunst mit ihren lebensfernen Themen und der überholten Kunstsprache. Die Zeitschrift Free Art, deren Veröffentlichung 1871 begann, wurde zum Verkünder der ästhetischen Ansichten dieser Gesellschaft. wurde bekannt durch Gemälde aus dem Leben der unteren Gesellschaftsschichten. Seine Schreibweise steht Courbet nahe. Die Farbgebung ist in dunklen, zurückhaltenden Tönen gehalten, die emotional der schmerzlichen Düsterkeit des Dargestellten entsprechen. So ist das Bild „Kaffeeröster“ (60er Jahre; Antwerpen, Museum); Hier werden die Armen gezeigt, wie sie sich an einem dunklen, kalten Wintertag draußen an einer Kohlenpfanne wärmen, in der Kaffeebohnen geröstet werden. Tiefes Mitgefühl für die Benachteiligten prägt das Werk des Künstlers.

Der Realismus erlangte in Belgien sehr bald eine starke Stellung in allen Kunstgattungen. Eine ganze Galaxie von Landschaftsmalern taucht auf, die ihre heimische Natur wahrheitsgetreu und zugleich vielfältig darstellen – die sogenannte Tervuren-Schule (nach dem Namen eines Ortes in einem Wald in der Nähe von Brüssel). Der Leiter der Schule, Hippolyte Boulanger (1837-1874), malt subtile, etwas melancholische Waldlandschaften, die in der Farbe dem Barbizon ähneln. Energischer nimmt die Natur von Louis Artan (1837-1890) wahr. Am häufigsten stellte er Ansichten des Meeres und der Küste dar. Sein Abstrich ist dynamisch und belastbar; Der Künstler möchte die wechselnde Atmosphäre und Stimmung der Landschaft vermitteln.

Felicien Rops (1833-1898) nahm in der belgischen Kunst einen besonderen Platz ein. Obwohl der Meister einen bedeutenden Teil seines kreativen Lebens in Frankreich verbrachte, war er ein aktiver Teilnehmer am belgischen künstlerischen Prozess. Der eher skandalöse Ruhm des Künstlers – als Sänger der Pariser Kokotten – verdeckt oft seine sehr wichtige Rolle im kulturellen Leben Belgiens. Rops ist einer der Gründer der Literatur- und Kunstzeitschrift Ulenspiegel (gegründet 1856 in Brüssel) und der erste Illustrator des berühmten Romans von Charles de Coster (1867). Die in der Ätztechnik angefertigten Illustrationen geben die Bilder der Hauptfiguren des Romans scharf und interessant wieder. Rops war ein brillanter Meister des Zeichnens und ein aufmerksamer Beobachter des modernen Lebens, wie viele seiner Werke beweisen.

Belgische Architektur bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. hat nichts Bedeutendes geschaffen. In der ersten Hälfte des Jahrhunderts wurden mehrere Gebäude im Stil des Klassizismus errichtet, die von strengem Geschmack geprägt waren (Akademiepalast in Brüssel – 1823–1826, Architekt Charles van der Straten; Gewächshäuser im Botanischen Garten von Brüssel – 1826– 1829, Architekten F.-T. Seys und P.-F. Ginest). Seit der Mitte des Jahrhunderts wächst in der Architektur ein ungezügelter Eklektizismus und der Wunsch, prachtvolle Prunkbauten zu schaffen. Charakteristisch sind beispielsweise das Börsengebäude in Brüssel (1873–1876, Architekt L. Seiss), das Gebäude des Museums für Antike Kunst an gleicher Stelle (1875–1885, Architekt A. Bala). Der wohlhabende belgische Kapitalismus möchte seiner Macht ein Denkmal setzen. So entsteht der Bau des Justizpalastes in Brüssel (1866-1883, Architekt J. Poulart) – eines der grandiosesten Bauwerke Europas, das sich durch eine prätentiöse und absurde Anhäufung und Vermischung verschiedenster architektonischer Formen auszeichnet. Gleichzeitig spielt die Stilisierung eine wichtige Rolle in der Architektur Belgiens. Es werden viele Kirchen, Rathäuser und andere öffentliche Gebäude im gotischen, flämischen Renaissance- und romanischen Stil gebaut.

Belgische Skulptur bis zum letzten Viertel des 19. Jahrhunderts. blieb in seiner Entwicklung gegenüber der Malerei zurück. In den 30er Jahren. Unter dem Einfluss patriotischer Ideen entstanden dennoch einige interessante Statuen. Zuallererst sind die Werke von Willem Gefs (1805-1883) zu erwähnen – sein Grabstein für Graf Frederic de Merode, der in den revolutionären Schlachten in Brüssel (1837, Brüssel, Kathedrale St. Gudula) fiel, und die Statue des Generals Belliard, stehend auf einem der Plätze der Hauptstadt (1836). Die Mitte des Jahrhunderts war in Belgien, wie in vielen anderen Ländern, vom Niedergang der Bildhauerkunst geprägt.

In diesen für die Monumentalkunst schwierigen Jahren entsteht das Werk des größten belgischen Künstlers Constantin Meunier (1831-4905). Meunier begann sein Studium an der Brüsseler Akademie der Schönen Künste in der Bildhauerklasse. Hier dominierte in der Mitte des Jahrhunderts ein konservatives akademisches System; Lehrer folgten in ihrer Arbeit und in ihrem Unterricht dem Muster und der Routine und forderten die Verschönerung der Natur im Namen eines abstrakten Ideals. Die ersten plastischen Werke Meuniers standen dieser Richtung noch sehr nahe („Garland“; wurde 1851 ausgestellt, ist nicht erhalten). Bald jedoch gab er die Bildhauerei auf und wandte sich der Malerei zu und wurde Schüler von Navez. Letzteres war zwar in jenen Jahren ein Symbol des überholten Klassizismus, konnte aber eine sichere Beherrschung des Zeichnens, plastische Modellierung von Formen in der Malerei und ein Verständnis für großen Stil vermitteln. Ein weiterer Einflussstrom auf den jungen Meister dieser Zeit war mit seiner Freundschaft mit Charles de Groux und seiner Bekanntschaft mit den Werken der französischen Realisten Courbet und Millet verbunden. Meunier ist auf der Suche nach einer zutiefst bedeutungsvollen Kunst, der Kunst der großen Ideen, doch zunächst wendet er sich nicht einem modernen Thema zu, sondern der religiösen und historischen Malerei. Besonders interessant ist das Gemälde „Episode aus dem Bauernkrieg von 1797“ (1875; Brüssel, Museum für Moderne Kunst). Der Künstler wählt eine der letzten Szenen des Aufstands, der mit einer Niederlage endete. Er stellt das Geschehen als nationale Tragödie dar und zeigt gleichzeitig den unbeugsamen Willen des Volkes. Das Bild unterscheidet sich stark von anderen Werken des belgischen historischen Genres dieser Jahre. Hier geht es um einen anderen Ansatz zum Verständnis der Geschichte, um Realismus in der Darstellung von Charakteren, um die durchdringende Emotionalität des Dargestellten und um die Einführung der Landschaft als aktiv klingende Umgebung.

Ende der 70er Jahre. Meunier fällt in das „schwarze Land“ – die Industrieregionen Belgiens. Hier eröffnet er eine völlig neue Welt, die noch niemand in der Kunst widerspiegelt. Lebensphänomene mit ihren völlig unterschiedlichen Schönheitsaspekten diktierten eine neue künstlerische Sprache, ihre eigene besondere Note. Meunier schafft Gemälde, die der Arbeit der Bergleute gewidmet sind, er malt Typen von Bergleuten und Bergarbeiterinnen und fängt die Landschaften dieses „schwarzen Landes“ ein. In seinen Bildern steht nicht das Mitgefühl im Vordergrund, sondern die Stärke der Werktätigen. Genau darin liegt die innovative Bedeutung von Meuniers Werk. Der Mensch wird nicht als Objekt des Mitleids und der Sympathie betrachtet, der Mensch als Schöpfer großer Lebenswerte, der damit bereits eine würdige Haltung gegenüber sich selbst einfordert. In dieser Anerkennung der großen Bedeutung der Werktätigen im Leben der Gesellschaft stand Meunier objektiv auf einer Ebene mit den fortschrittlichsten Denkern seiner Zeit.

Meunier bedient sich in seinen Gemälden der Sprache der Verallgemeinerung. Er modelliert die Form mit Hilfe der Farbe. Seine Farbgebung ist streng und zurückhaltend – ein oder zwei helle Farbflecken sind in erdigen Grautönen durchsetzt und lassen die ganze Bandbreite harsch klingen. Seine Komposition ist einfach und monumental, es verwendet den Rhythmus einfacher, klarer Linien. Charakteristisch ist das Gemälde „Rückkehr aus der Mine“ (um 1890; Antwerpen, Museum). Drei Arbeiter sind, als würden sie über die Leinwand gehen, als klare Silhouette vor dem rauchigen Himmel gezeichnet. Die Bewegung der Figuren wiederholt sich und variiert gleichzeitig das Gesamtmotiv. Der Rhythmus der Gruppe und der Rhythmus des Bildraumes ergeben eine harmonisch ausgewogene Lösung. Die Figuren sind an den linken Bildrand verschoben, zwischen ihnen und dem rechten Seitenrahmen entsteht ein offener Freiraum. Die Klarheit und Verallgemeinerung der Silhouette der Gruppe, die Lakonie des Bildes jeder Figur verleihen der Komposition den Charakter eines fast plastischen Flachreliefs. Meunier wandte sich einem neuen Thema zu, das ihn faszinierte, und erinnerte sich sehr bald an seine ursprüngliche Berufung. Die Verallgemeinerung und Lakonisierung der Mittel der plastischen Sprache könnte nicht besser genutzt werden, um die Schönheit der menschlichen Arbeit zu besingen. Seit Mitte der 80er Jahre. Nacheinander erscheinen Statuen und Reliefs von Meunier, die seinen Namen verherrlichen und eine Ära in der Entwicklung der bildenden Künste im 19. Jahrhundert einläuten. Das Hauptthema und Bild des Bildhauers ist die Arbeit, die Werktätigen: Hämmer, Bergleute, Fischer, Bergmannsmädchen, Bauern. Die Skulptur, die bisher auf einen engen Kreis bedingter Subjekte und Figuren fernab der Moderne beschränkt war, betrat das Werktätige mit schwerem, selbstbewusstem Schritt. Die bis dahin völlig entkräftete plastische Sprache erlangte wieder eine gewichtige rohe Gewalt, eine starke Überzeugungskraft. Der menschliche Körper zeigte die neuen Möglichkeiten der Schönheit, die in ihm verborgen waren. Im Relief „Industrie“ (1901; Brüssel, Meunier-Museum) entstellt die Anspannung aller Muskeln, die elastische Flexibilität und Kraft der Figuren, das angestrengte Atmen, das die Brust zerreißt, schwere, geschwollene Hände – all das entstellt einen Menschen nicht, sondern verleiht ihm besondere Kraft und Schönheit. Meunier wurde zum Begründer einer neuen bemerkenswerten Tradition – der Tradition der Darstellung der Arbeiterklasse, der Poesie des Arbeitsprozesses.

Die von Meunier porträtierten Menschen nehmen keine besonders schönen oder traditionell klassischen Posen ein. Sie werden vom Bildhauer in einer wirklich realen Position gesehen und präsentiert. Ihre Bewegungen sind grob, wie zum Beispiel im starken, übermütigen „The Hauler“ (1888; Brüssel, Meunier-Museum), manchmal sogar ungeschickt („The Pudding Man“, 1886; Brüssel, Museum für antike Kunst). In der Art und Weise, wie diese Figuren stehen oder sitzen, spürt man die Spuren, die die Arbeit in ihrem Aussehen und Charakter hinterlassen hat. Und gleichzeitig sind ihre Posen voller fesselnder plastischer Schönheit und Kraft. Dies ist eine Skulptur im wahrsten Sinne des Wortes, die im Raum lebt und ihn um sich herum organisiert. Der menschliche Körper offenbart unter Meuniers Hand seine ganze elastische Kraft und seine starke, intensive Dynamik.

Meuniers plastische Sprache ist verallgemeinert und prägnant. So wurde bei der Statue „Der Lader“ (um 1905; Brüssel, Meunier-Museum) weniger ein Porträt als vielmehr ein verallgemeinerter Typus geschaffen, was ihr eine große Überzeugungskraft verleiht. Meunier lehnt herkömmliche akademische Drapierungen ab, seine Arbeiter tragen sozusagen „Overalls“, aber diese Kleidung drückt nicht und lässt die Form nicht schrumpfen. Die breiten Stoffflächen scheinen sich um die Muskeln zu legen, einige einzelne Falten betonen die Bewegung des Körpers. Eines von Meuniers besten Werken ist Antwerpen (1900; Brüssel, Meunier-Museum). Der Bildhauer wählte keine abstrakten Allegorien, sondern ein ganz konkretes Bild eines Hafenarbeiters als Personifikation einer fleißigen und aktiven Stadt. Der strenge und mutige, mit größter Lakonie geformte Kopf sitzt fest auf muskulösen Schultern. Meunier besingt die Wehen und verschließt dabei nicht die Augen vor deren Schwere. Eines seiner auffälligsten plastischen Werke ist die Mine Gas-Gruppe (1893; Brüssel, Museum für Antike Kunst). Dies ist eine wirklich moderne Version des ewigen Themas der Trauer der Mutter um ihren toten Sohn. Es fängt die tragischen Folgen der Katastrophe in der Mine ein. Die traurige Frauenfigur beugte sich in verhaltener, stummer Verzweiflung über den krampfhaft gedehnten nackten Körper.

Meunier schuf in den 90er Jahren unzählige Typen und Bilder von arbeitenden Menschen. monumentales Denkmal für Labour. Es sollte mehrere Reliefs enthalten, die verschiedene Arten der Arbeit verherrlichen – „Industrie“, „Ernte“, „Hafen“ usw., sowie eine runde Skulptur – Statuen von „Der Sämann“, „Mutterschaft“, „Arbeiter“, usw. Diese Idee fand aufgrund des Todes des Meisters nie ihre endgültige Verwirklichung, wurde aber 1930 in Brüssel nach den Originalen des Bildhauers ausgeführt. Das Denkmal als Ganzes macht keinen monumentalen Eindruck. Überzeugender sind die einzelnen Fragmente. Ihre Kombination in der vom Architekten Orta vorgeschlagenen architektonischen Version erwies sich als eher äußerlich und bruchstückhaft.

Das Werk von Meunier fasste auf besondere Weise die Entwicklung der belgischen Kunst im 19. Jahrhundert zusammen. Es erwies sich im Berichtszeitraum als höchste Errungenschaft des Realismus hierzulande. Gleichzeitig ging die Bedeutung der realistischen Eroberungen Meuniers über die Grenzen der reinen Nationalkunst hinaus. Die bemerkenswerten Werke des Bildhauers hatten großen Einfluss auf die Entwicklung der Weltplastik.

Vielfältiger und farbenfroher als die flämische Architektur und Skulptur entfaltet die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts ihre prächtige Blüte. Noch deutlicher als in diesen Künsten tritt hier aus einer Mischung nördlicher und südlicher Grundlagen das ewige Flame als unzerstörbarer nationaler Schatz hervor. In keinem anderen Land erfasste die zeitgenössische Malerei ein so reiches und farbenfrohes Themenspektrum. In neuen oder restaurierten Tempeln warteten Hunderte riesiger Barockaltäre auf auf große Leinwände gemalte Heiligenbilder. In Palästen und Häusern sehnten sich riesige Mauern nach mythologischen, allegorischen und genrehaften Staffeleigemälden; Ja, und die Porträtmalerei, die sich im 16. Jahrhundert zum lebensgroßen Porträt entwickelte, blieb eine große Kunst im wahrsten Sinne des Wortes, die bestechende Natürlichkeit mit der Noblesse des Ausdrucks verbindet.

Neben diesem großen Gemälde, das Belgien mit Italien und Frankreich teilte, blühte hier in Fortsetzung der alten Traditionen die ursprüngliche Kabinettmalerei auf, meist auf kleinen Holz- oder Kupfertafeln, ungewöhnlich reichhaltig, alles Dargestellte umfassend, ohne religiöse, mythologische oder allegorische Themen zu vernachlässigen, Bevorzugung des Alltagslebens aller Bevölkerungsschichten, insbesondere der Bauern, Taxifahrer, Soldaten, Jäger und Seeleute in all seinen Erscheinungsformen. Die gestalteten Landschafts- oder Raumhintergründe dieser kleinfigurigen Gemälde wurden in den Händen einiger Meister zu eigenständigen Landschafts- und Architekturgemälden. Abgerundet wird diese Serie durch Bilder von Blumen, Früchten und Tieren. Der Überseehandel brachte Wunder der Flora und Fauna in die Kindergärten und Menagerien der herrschenden Erzherzöge in Brüssel. Der Reichtum ihrer Formen und Farben war für die Künstler, die alles beherrschten, nicht zu übersehen.

Dennoch gab es in Belgien keinen Platz mehr für monumentale Wandmalereien. Mit Ausnahme von Rubens‘ Gemälden in der Antwerpener Jesuitenkirche und einigen kirchlichen Landschaftsserien schufen die großen belgischen Meister ihre großen Gemälde auf Leinwand, Wand- und Deckengemälde für ausländische Herrscher und bis zum Niedergang der Brüsseler Tapisserietechnik die Rubens' Teilnahme nur vorübergehend steigerte, machte die Teilnahme anderer belgischer Meister wie Jordans und Teniers überflüssig. Aber die belgischen Meister beteiligten sich bekanntlich, wenn auch nicht so tiefgreifend wie die niederländischen, an der Weiterentwicklung der Gravur und Radierung. Die gebürtigen Niederländer waren sogar die besten Kupferstecher vor Rubens, und die Beteiligung der größten belgischen Maler: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers und Teniers an der „Gemäldegravur“ – der Radierung, ist teils nur eine Nebensache, teils sogar zweifelhaft.

Antwerpen, die wohlhabende niederdeutsche Handelsstadt an der Schelde, ist heute mehr denn je die Hauptstadt der niederniederländischen Malerei. Die Brüsseler Malerei, vielleicht nur in der Landschaft auf der Suche nach eigenständigen Wegen, wurde zu einem Zweig der Antwerpener Kunst; Auch die Malerei der alten flämischen Kunstzentren Brügge, Gent und Mecheln lebte zunächst nur von ihrer Beziehung zu den Antwerpener Werkstätten. Aber im wallonischen Teil Belgiens, nämlich in Lüttich, lässt sich eine eigenständige Anziehungskraft auf die Italiener und die Franzosen zurückführen.

Zur allgemeinen Geschichte der flämischen Malerei des 17. Jahrhunderts sind neben den literarischen Quellensammlungen von Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool und Weyermann auch die Lexika von Immerseel, Kramm und Wurzbach konsolidierte, nur teilweise veraltete Bücher enthalten von Michiels, Waagen, Waters, Rigel und Philippi sind wichtig. Angesichts der herausragenden Bedeutung von Scheldets Kunst kann man auch die Geschichte der Antwerpener Kunst von Van den Branden und Rooses erwähnen, die natürlich Ergänzungen und Änderungen erfordert. Das entsprechende Kapitel des Autors dieses Buches in seiner und Woltmanns Geschichte der Malerei ist im Detail bereits veraltet.

Die flämische Malerei des 17. Jahrhunderts erlangte in den schöpferischen Händen ihres großen Meisters Peter Paul Rubens völlige Freiheit der Bildanordnung und -ausführung, innere Einheit von Zeichnung und Farben, die sanfteste Breite und Stärke, der Antwerpen zum zentralen Exportort machte Gemälde für ganz Europa. An Meistern, die am Übergang zwischen der alten und der neuen Richtung standen, herrschte jedoch kein Mangel.

In den nationalrealistischen Sektoren, mit kleinen Figuren vor dem Hintergrund einer entwickelten Landschaft, lebten nur noch Anklänge an die Größe und Unmittelbarkeit von Pieter Brueghel dem Älteren. Die Darstellung der Landschaft in der Übergangszeit bleibt im Rahmen des von Giliss Van Coninxloo geschaffenen „Bühnenstils“ mit seinem büscheligen Baumlaub und umgeht die Schwierigkeiten der Luft- und Linearperspektive durch die Entwicklung separater, nacheinander abwechselnder, unterschiedlicher Farbtöne. Auch die Begründer der heutigen Landschaftsmalerei, die Antwerpener Brüder Matthäus und Paul Bril (1550–1584 und 1554–1626), gingen von diesem bedingten Stil aus, über dessen Entwicklung nahezu nichts bekannt ist. Matthäus Bril trat plötzlich als Maler von Landschaftsfresken im Vatikan in Rom auf. Nach seinem frühen Tod entwickelte Paul Bril, der Freund seines Bruders im Vatikan, den damals neuen niederländischen Landschaftsstil weiter. Von Matthäus sind nur wenige authentische Gemälde erhalten; desto mehr kam von Paulus, über dessen Kirchen- und Palastlandschaften im Vatikan, im Lateran und im Rospigliosi-Palast in Santa Cecilia und Santa Maria Maggiore in Rom ich an anderer Stelle berichtet habe. Erst allmählich gelangen sie unter dem Einfluss der freieren, einheitlicheren Landschaftsdarstellungen von Annibale Carracci zu dem oben angedeuteten ausgewogenen Übergangsstil. Die Weiterentwicklung Brils, die zur allgemeinen Geschichte der Landschaftsmalerei gehört, spiegelt sich in seinen zahlreichen, teilweise von Jahren geprägten, kleinen Landschaften auf Brettern (1598 in Parma, 1600 in Dresden, 1601 in München, 1608 und 1624 in Dresden) wider , 1609, 1620 und 1624 – im Louvre, 1626 – in St. Petersburg), normalerweise reich an Bäumen, selten versucht, eine bestimmte Fläche zu vermitteln. Auf jeden Fall gehört Paul Bril zu den Begründern des Landschaftsstils, aus dem die Kunst von Claude Lorrain hervorging.

In den Niederlanden entwickelte der in Dresden am besten vertretene Antwerpener Josse de Momper (1564 - 1644) den Koninxloo-Bühnenstil in elegant gemalten Berglandschaften, nicht besonders reich an Bäumen, auf denen „drei Hintergründe“, manchmal mit dem Zusatz eines vierte sonnenbeschienen, erscheint normalerweise in seiner ganzen braun-grün-grau-blauen Schönheit.

Der Einfluss älterer Gemälde von Bril spiegelt sich im zweiten Sohn von Peter Brueghel dem Älteren, Jan Brueghel dem Älteren (1568 - 1625), wider, der vor seiner Rückkehr nach Antwerpen im Jahr 1596 in Rom und Mailand arbeitete. Criveli und Michel widmeten ihm jeweils eigene Werke. Er malte meist kleine, manchmal Miniaturbilder, die auch dann den Eindruck einer Landschaft erwecken, wenn sie biblische, allegorische oder Genrethemen darstellen. Sie sind es, die fest am Coninksloo-Stil mit büscheligem Blattwerk festhalten, obwohl sie die gegenseitigen Übergänge der drei Hintergründe subtiler vermitteln. Charakteristisch für Jan Brueghels Vielseitigkeit ist, dass er Landschaftshintergründe für Figurenmaler wie Balin, Figuren für Landschaftsmaler wie Momper und Blumenkränze für Meister wie Rubens malte. Bekannt für seinen frisch und subtil ausgeführten „Sturz des Haager Museums“, in dem Rubens Adam und Eva malte, und Jan Brueghel Landschaften und Tiere. Seine eigenen Landschaften, reichlich ausgestattet mit einem bunten Volksleben, noch nicht besonders ausdrucksstark in der Darstellung des Himmels mit seinen Wolken, sind überwiegend von Flüssen bewässerte Hügelgebiete, Ebenen mit Windmühlen, Dorfstraßen mit Tavernenszenen, Kanäle mit bewaldeten Ufern, belebte Landstraßen auf bewaldeten Höhen und Forstwegen mit Holzfällern und Jägern, anschaulich und genau beobachtet. Frühe Gemälde von ihm sind in der Mailänder Ambrosiana zu sehen. Es ist am besten in Madrid vertreten, außerdem in München, Dresden, St. Petersburg und Paris. Von besonderer Bedeutung im Sinne der Suche nach neuen Wegen war seine Blumenmalerei, die nicht nur die Schönheit der Formen und die Helligkeit der Farben seltener Farben, sondern auch deren Kombinationen am überzeugendsten vermittelte. Bilder der Farben seines Pinsels besitzen Madrid, Wien und Berlin.

Unter seinen Mitarbeitern dürfen wir Hendrik van Balen (1575 - 1632) nicht verpassen, dessen Lehrer als Rubens‘ zweiter Lehrer, Adam van Noort, gilt. Seine Altarbilder (zum Beispiel in der Jakobskirche in Antwerpen) sind unerträglich. Er wurde berühmt für seine kleinen, glatt gemalten, zuckersüßen Gemälde auf Tafeln mit Inhalten, die hauptsächlich aus antiken Fabeln stammen, zum Beispiel das Fest der Götter im Louvre, Ariadne in Dresden, die Manna-Sammlung in Braunschweig, aber auch seine Gemälde dieser Art fehlen künstlerische Frische und Unmittelbarkeit.

Der oben beschriebene Übergangs-Landschaftsstil blieb jedoch unter schwachen Nachahmern bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts bestehen. Hier können wir nur den stärksten Meister dieser Richtung erwähnen, der sie nach Holland übertrug, David Winkboons aus Mecheln (1578 - 1629), der von Antwerpen nach Amsterdam zog, malte frische Wald- und Dorfszenen, gelegentlich auch biblische Episoden in einer Landschaft Umgebung, aber am liebsten Tempelfeiertage vor Dorfschenken. Seine besten Gemälde in Augsburg, Hamburg, Braunschweig, München, St. Petersburg sind ganz direkt betrachtet und mit blumigen Farben gemalt, nicht ohne Kraft. Rellant Savery von Courtrai (1576 - 1639), dem Kurt Erasmus eine liebevoll verfasste Studie widmete, studierte im Dienste Rudolfs II. die deutschen Waldberge und ließ sich anschließend als Maler und Radierer nieder, zunächst in Amsterdam, dann in Utrecht. Seine lichtdurchfluteten, dreiflächig ineinander übergehenden, aber etwas trockenen in der Ausführung, Gebirgs-, Fels- und Waldlandschaften, die gut in Wien und Dresden zu sehen sind, bestückte er mit lebenden Gruppen wilder und zahmer Tiere in Jagdszenen, in Bildern von Paradies und Orpheus. Er gehört auch zu den ersten unabhängigen Blumenmalern. Adam Willaerts aus Antwerpen (1577, gestorben nach 1649), der 1611 nach Utrecht zog, war ein Vertreter der Seelandschaft dieses Übergangsstils. Seine Küsten- und Meeresansichten (zum Beispiel in Dresden, bei Weber in Hamburg, in der Liechtenstein-Galerie) sind noch trocken im Muster der Wellen, noch unhöflich in der Darstellung des Schiffslebens, aber bestechend durch die Ehrlichkeit ihres Verhältnisses zur Natur. Schließlich folgt Alexander Kerrinx aus Antwerpen (1600 – 1652), der seine flämische Landschaftskunst nach Amsterdam übertrug, in den Gemälden immer noch mit seiner Signatur Coninxloe, ist aber in den späteren Gemälden von Braunschweig und Dresden offensichtlich von Van Goyens bräunlichem holländischen Ton beeinflusst Malerei. . Er gehört daher im wahrsten Sinne des Wortes zu den Übergangsmeistern.

Von den zu Hause gebliebenen Antwerpener Meistern dieses Typs ist Sebastian Vranks (1573 - 1647) zweifellos erfolgreich als Landschafts- und Pferdemaler. Er stellt auch Laub in Form von Büscheln dar, die meist wie eine Birke hängen, gibt ihm aber eine natürlichere Verbindung, verleiht dem luftigen Ton eine neue Klarheit und versteht es, den Handlungen des souverän und schlüssig Geschriebenen einen vitalen Charakter zu verleihen Pferde und Reiter seiner Schlacht und Räuberszenen sind zu sehen. ua in Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam und bei Weber in Hamburg.

Schließlich entwickelte sein Sohn Gendrik Steenwick der Jüngere (1580 - 1649) in der Architekturmalerei bereits im 16. Jahrhundert auf den Spuren Steenwicks des Älteren einen Übergangsstil, der darin bestand, den Buchstaben der Natur folgend schrittweise durch künstlerischen Charme zu ersetzen ), der nach London zog, und neben ihm der Hauptdarsteller Peter Neefs der Ältere (1578 - 1656), dessen Innenansichten von Kirchen in Dresden, Madrid, Paris und St. Petersburg zu finden sind.

Überhaupt war die flämische Malerei offensichtlich auf dem richtigen Weg, zur Kleinkunst zurückzukehren, als die große Kunst von Rubens sich wie die Sonne über sie erhob und sie mit sich in das Reich des Lichts und der Freiheit trug.

Peter Paul Rubens (1577 – 1640) – die Sonne, um die sich die gesamte belgische Kunst des 17. Jahrhunderts dreht, gleichzeitig aber auch einer der großen Koryphäen der gesamteuropäischen Kunst dieser Zeit. Im Gegensatz zu allen italienischen Barockmalern ist er der Hauptvertreter des Barock in der Malerei. Die Fülle der Formen, die Bewegungsfreiheit, die Dominanz über die Massen, die dem barocken Architekturstil Bildlichkeit verleiht, verzichten in Rubens‘ Gemälden auf die Schwere des Steins und erhalten mit dem berauschenden Luxus der Farben ein eigenständiges, neues Recht existieren. Mit der Kraft einzelner Formen, der Erhabenheit der Komposition, der blühenden Fülle von Licht und Farben, der Leidenschaft des Lebens in der Übertragung plötzlicher Handlungen, der Kraft und dem Feuer, das körperliche und geistige Leben seiner fleischigen Männer und Frauen zu erregen, Mit seinen bekleideten und unbekleideten Figuren übertrifft er alle anderen Meister. Der luxuriöse Körper seiner blonden Frauen mit vollen Wangen, vollen Lippen und einem fröhlichen Lächeln erstrahlt in Weiß. Die von der Sonne verbrannte Haut seiner männlichen Helden strahlt, und ihre kühne, konvexe Stirn wird durch einen kraftvollen Schwung der Augenbrauen belebt. Seine Porträts sind die frischesten und gesündesten, nicht die individuellsten und intimsten ihrer Zeit. Niemand wusste, wie er wilde und zahme Tiere so anschaulich wiedergeben konnte wie er, obwohl er aus Zeitmangel in den meisten Fällen seine Assistenten überließ, sie in seinen Gemälden darzustellen. In der Landschaft, deren Ausführung er auch Gehilfen anvertraute, sah er zunächst die allgemeine Wirkung des atmosphärischen Lebens, malte aber selbst im fortgeschrittenen Alter erstaunliche Landschaften. Seine Kunst umfasste die gesamte Welt der spirituellen und physischen Phänomene, die gesamte Komplexität von Vergangenheit und Gegenwart. Altarbilder und wieder Altarbilder malte er für die Kirche. Er malte Porträts und Porträts hauptsächlich für sich und seine Freunde. Mythologische, allegorische, historische Bilder und Jagdszenen schuf er für die Großen dieser Welt. Landschafts- und Genrebilder waren gelegentliche Nebenbeschäftigungen.

Befehle prasselten auf Rubens ein. Aus seinem Atelier kamen mindestens zweitausend Gemälde. Die große Nachfrage nach seiner Kunst führte zu der häufigen Wiederholung ganzer Gemälde oder einzelner Teile durch die Hände seiner Schüler und Assistenten. Auf dem Höhepunkt seines Lebens überließ er handgemalte Gemälde meist seinen Assistenten. Es gibt Übergänge zwischen seinen eigenen handschriftlichen Arbeiten und den Gemälden des Ateliers, für die er nur Skizzen angefertigt hat. Bei aller Ähnlichkeit der Grundformen und Grundstimmungen weisen seine eigenen Gemälde wie die vieler seiner Zeitgenossen deutliche stilistische Veränderungen auf, von hartplastischer Modellierung und dicker, schwerer Schrift hin zu einer leichteren, freieren, hellen Ausführung von lebendigeren Konturen bis hin zu sanfteren, luftigeren und stimmungsvolleren Modellierungen, beleuchtet durch die blumigen Farben der Tonmalerei.

An der Spitze der neuesten Rubens-Literatur steht Max Rooses' breit angelegtes Gesamtwerk: The Works of Rubens (1887-1892). Die besten und wichtigsten biografischen Werke stammen von Rooses und Michel. Gesammelte Werke wurden nach Waagen auch von Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg und Wilhelm Bode veröffentlicht. Einzelne Fragen zu Rubens wurden von Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns und anderen analysiert. Rubens war als Kupferstecher bei Gimans und Voorthelm-Schnevogt tätig.

Rubens wurde in Siegen bei Köln im angesehenen Antwerpen geboren und erhielt seine erste künstlerische Ausbildung in der Stadt seiner Väter bei Tobias Verhegt (1561 – 1631), einem mittelmäßigen Landschaftsmaler des Übergangsstils, und studierte anschließend vier Jahre lang bei Adam Van Noort (1562 - 1641), einer der durchschnittlichen Meister des manierierten Italienismus, wie man ihn heute kennt, und arbeitete dann weitere vier Jahre mit Otto Van Ven zusammen, einem reich an Belletristik, leer in den Formen eines falschen Klassikers, an den man sich erinnern kann zunächst trat er eng bei und wurde 1598 Zunftmeister. Im Jahr 1908 widmete Habertzwil den drei Lehrern Rubens ausführliche Artikel. Es ist unmöglich, ein einziges Bild der frühen Antwerpener Periode von Rubens mit Sicherheit zu zeichnen. Von 1600 bis 1608 lebte er in Italien; zunächst in Venedig, dann hauptsächlich im Dienst von Vincenzo Gonzaga in Mantua. Aber bereits 1601 malte er in Rom für die drei Altäre der Kirche Santa Croce in Gerusalemme die Kreuzauffindung, die Dornenkrönung und die Kreuzerhöhung. Diese drei Gemälde, die heute zur Kapelle eines Krankenhauses im südfranzösischen Grasse gehören, offenbaren den Stil seiner ersten italienischen Periode, noch auf der Suche nach sich selbst, noch beeinflusst von Kopien von Tintoretto, Tizian und Correggio, aber bereits voller eigenständigem Streben für Kraft und Bewegung. Im Jahr 1603 ging der junge Meister auf Befehl seines Fürsten nach Spanien. Aus den Gemälden, die er dort malte, lassen die Figuren der Philosophen Heraklit, Demokrit und Archimedes im Madrider Museum immer noch pompöse, abhängige Formen, aber auch einen starken Eindruck der psychologischen Tiefe erkennen. Nach seiner Rückkehr nach Mantua malte Rubens ein großes dreiteiliges Altarbild, dessen mittleres Bild die Hommage der Familie Gonzaga an den Heiligen darstellt. Die Dreifaltigkeit wurde in zwei Teilen in der Mantua-Bibliothek aufbewahrt, und von den breiten, reichlich vorhandenen Seitengemälden, die die ständig wachsende Kraft der Formen und Handlungen der Massen zeigen, landete die Taufe Christi im Antwerpener Museum und die Verklärung in das Nancy-Museum. Dann malte der Meister 1606 erneut in Rom für die Chiesa Nuova ein prachtvolles, in seinen lichterfüllten Figuren bereits von rubensischer Kraft erfülltes Altarbild der Himmelfahrt des Heiligen. Gregory“, heute im Besitz des Grenoble-Museums, und in Rom bereits 1608 durch drei weitere, keineswegs die besten Gemälde desselben Meisters ersetzt. Deutlicher an Caravaggios Stil erinnert die spektakuläre „Beschneidung Christi“ von 1607 in Sant'Ambrogio in Genua. Allerdings schreiben Forscher wie Rooses und Rosenberg den Meister der italienischen Zeit zu, als er die Werke von Tizian, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo und Raffael kopierte und eine Reihe von Gemälden offenbar mit seinem Pinsel schrieb später. Große Allegorien der Prahlerei und Tugend in Dresden, aus Mantua stammend, kräftig in Form und Farbe, wenn sie nicht, wie Michel bei uns denkt, um 1608 in Mantua geschrieben wurden, so geben wir eher, zusammen mit Bode, zu, dass sie entsprechend entstanden sind Rückkehr von Rubens in seine Heimat als bei Roosers, dass sie vor seiner Italienreise nach Antwerpen geschrieben wurden. Auch das souverän gezeichnete und plastisch modellierte Bild des Hieronymus in Dresden offenbart einen eigentümlichen, für seine italienische Zeit vielleicht sogar zu ausgeprägten Rubensischen Stil, dem wir nun dieses Bild zuschreiben. Als Rubens 1608 nach Antwerpen zurückkehrte, wurde er bereits 1609 zum Hofmaler von Albrecht und Isabella ernannt, und sein bereits eigenständiger Stil entwickelte sich schnell zu grandioser Kraft und Erhabenheit.

Seine Anbetung der Heiligen Drei Könige (1609-1610) in Madrid ist überladen in der Komposition, unruhig in den Umrissen und ungleichmäßig in den Lichteffekten, jedoch von einer kraftvollen Bewegung geprägt. Voller Leben und Leidenschaft, kraftvoll in der muskulösen Modellierung von Körpern, sein berühmtes dreiteiliges Bild „Kreuzerhöhung“ in der Kathedrale von Antwerpen. Stärkere italienische Erinnerungen sind in gleichzeitigen mythologischen Bildern zu spüren, wie Venus, Amor, Bacchus und Ceres in Kassel und dem beleibten, gefesselten Prometheus in Oldenburg. Charakteristische Beispiele für ein großformatiges Porträt dieser Epoche sind die Landschaftsporträts von Albrecht und Isabella in Madrid und das prächtige Münchner Bild, das den Meister selbst mit seiner jungen Frau Isabella Brant darstellt und 1609 in seine Heimat gebracht wurde, ein unvergleichliches Bild von ruhig, reines Glück, Liebe.

Die Kunst von Rubens entdeckte zwischen 1611 und 1614 eine weitere Blüte. Das riesige Gemälde „Kreuzabnahme“ mit dem majestätischen „Besuch Maria Elisabeths“ und „Einzug in den Tempel“ auf den Flügeln in der Antwerpener Kathedrale gilt als das erste Werk, in das der Meister seine Typen und seine Schreibweise einbrachte zur vollen Entfaltung. Wunderbar ist die leidenschaftliche Lebendigkeit der einzelnen Bewegungen, noch wunderbarer ist die Durchdringungskraft der Bildleistung. Zu diesen Jahren gehören auch mythologische Gemälde wie „Romulus und Remus“ in der Kapitolinischen Galerie, „Faun und Faun“ in der Schönborn-Galerie in Wien.

Kompositionssichere Gemälde von Rubens aus den Jahren 1613 und 1614 mit klar definierten Formen und Farben sind einige Gemälde, die durch seinen Namen und sein Entstehungsjahr als Ausnahme gekennzeichnet sind. Dazu gehören die reinen Formen und die schönen Farben des Gemäldes „Jupiter und Kallisto“ (1613), voller magischer Lichter „Flucht nach Ägypten“ in Kassel, „Gefrorene Venus“ (1614) in Antwerpen und die pathetische „Beweinung“ (1614). Wien und „Susanna“ (1614) in Stockholm, deren Körper zweifellos angenehmer und besser verständlich ist als der zu luxuriöse Körper seiner früheren Susanna in Madrid; Malerisch schließen sich diesen Gemälden kraftvolle Symbolbilder des einsamen gekreuzigten Christus vor dem Hintergrund eines verdunkelten Himmels in München und Antwerpen an.

Von diesem Zeitpunkt an häuften sich die Aufträge in Rubens‘ Atelier derart, dass er seine Assistenten stärker an der Ausführung seiner Gemälde beteiligte. Der Älteste gehört neben Jan Brueghel dem herausragenden Tier- und Früchtemaler Frans Snyders (1579 - 1657) an, laut Rubens selbst, der den Adler im oben erwähnten Oldenburger Gemälde mit Prometheus malte, und dem lebhaften Landschaftsmaler Jan Wildens ( 1586 - 1653), der ab 1618 für Rubens arbeitete. Der bemerkenswerteste Mitarbeiter war Anton van Dyck (1599 – 1641), der später eine unabhängige Persönlichkeit wurde. Jedenfalls war er, nachdem er 1618 Meister geworden war, bis 1620 die rechte Hand von Rubens. Rubens' eigene Gemälde dieser Jahre kontrastieren den bläulichen Halbschatten des Körpers meist mit einem rötlich-gelben Lichtfleck, während sich die Gemälde mit der deutlich erkennbaren Mitwirkung von Van Dyck durch ein gleichmäßiges warmes Hell-Dunkel und eine nervösere Bildübertragung auszeichnen. Darunter befinden sich sechs große, mit Begeisterung gemalte Bilder aus dem Leben des römischen Konsuls Decius Moussa im Liechtensteinpalais in Wien, deren Kartons Rubens 1618 für gewebte Teppiche anfertigte (erhaltene Kopien befinden sich in Madrid), sowie große dekorative Plafondgemälde (nur Skizzen in verschiedenen Sammlungen erhalten), und einige der spektakulärsten in der Komposition, mit vielen Figuren der Altarbilder dieser Kirche, „Das Wunder des Hl. Xavier“ und „Wunder des Hl. Ignatius“, gerettet vom Wiener Hofmuseum. Van Dycks Mitwirkung ist auch bei der großen Kreuzigung in Antwerpen, bei der Longinus zu Pferd mit einem Speer in die Seite des Erlösers sticht, bei der Madonna mit reuigen Sündern in Kassel und laut Bode auch beim Münchner Dreifaltigkeitstag unbestreitbar im Berliner Lazar, laut Rooses auch bei der dramatischen Löwenjagd und bei der nicht minder dramatischen, leidenschaftlichen und schnellen Entführung der Töchter des Leukipp in München. Alle diese Gemälde glänzen nicht nur durch die kühne Kraft der Komposition von Rubens, sondern auch durch die durchdringende Subtilität des Gefühls der Malerei von Van Dyck. Unter den handgemalten Gemälden, die in den wesentlichen Teilen von Rubens selbst zwischen 1615 und 1620 gemalt wurden, finden sich auch die besten religiösen Gemälde – voller überschwänglicher, bewegter Massenbewegungen „Das Jüngste Gericht“ in München und voller innerer Belebtheit „Mariä Himmelfahrt“. „Unsere Liebe Frau“ in Brüssel und in Wien sowie meisterhafte mythologische Gemälde, luxuriöse „Bacchanalien“ und Bilder des „Thiazos“ in München, Berlin, St. Petersburg und Dresden, in denen sich die Kraft der überströmenden sinnlichen Lebensfreude widerspiegelt vom Römischen ins Flämische kommt offenbar erstmals zum vollen Ausdruck. Daran schließt sich die „Amazonasschlacht“ in München (um 1620) an, eine im Sinne der malerischen Übertragung heftigster Raufereien und Schlachten unzugängliche Schöpfung, wenn auch in kleinem Umfang geschrieben. Dann gibt es lebensgroße nackte Kinder, wie hervorragende Putten mit einer Früchtegirlande in München, dann gewalttätige Jagdszenen, Löwenjagd, von der die beste in München ist, und Eberjagd, von der die beste in Dresden hängt. Es folgen erste Landschaftsbilder mit mythologischen Ergänzungen, beispielsweise der vollen Stimmung des Schiffbruchs des Aeneas in Berlin, oder mit natürlicher Umgebung, wie der strahlenden römischen Landschaft mit Ruinen im Louvre (um 1615) und den Landschaften voller Leben „Sommer“ und „Winter“ (ca. 1620) in Windsor. Majestätisch vermittelt, umfassend und wahrheitsgetreu geschrieben, ohne einen Hauch alter Manierismen, beleuchtet vom Licht aller möglichen himmlischen Erscheinungen, stehen sie wie Meilensteine ​​in der Geschichte der Landschaftsmalerei.

Deutlich, majestätisch und kraftvoll erscheinen schließlich die Porträts von Rubens aus dieser fünfjährigen Periode. Seine Porträtgruppe „Vier Philosophen“ im Pitti-Palast ist ein meisterhaftes Werk seines Selbstporträts in den Uffizien und großartig. In der Blüte ihrer Schönheit steht seine Frau Isabella in den noblen Porträts von Berlin und Den Haag. Um 1620 wurde in der Londoner National Gallery auch ein erstaunliches Porträt von Susanna Fuhrman mit Hut und Feder gemalt, das mit zartem Hell-Dunkel durchzogen war. Die berühmten Männerporträts des Meisters dieser Jahre sind in München und in der Liechtenstein-Galerie zu sehen. Wie leidenschaftlich Rubens Episoden aus der heiligen Weltgeschichte, Jagdszenen und sogar Landschaften darstellte, so ruhig malte er seine Porträtfiguren und verstand es, ihre Körperhülle mit monumentaler Kraft und Wahrheit zu vermitteln, ohne jedoch den Versuch zu unternehmen, innerlich zu vergeistigen, sondern nur im Allgemeinen zu erfassen , Gesichtszüge.

Van Dyck verließ Rubens 1620 und seine Frau Isabella Brant starb 1626. Ein neuer Impuls für seine Kunst war seine erneute Heirat mit der schönen jungen Helena Furman im Jahr 1630. Aber auch seine künstlerischen und diplomatischen Reisen nach Paris dienten als Anstoß ( 1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) und London (1629, 1630). Von den beiden großen historischen Serien mit Allegorien gehören heute 21 riesige Gemälde aus dem Leben von Marie de Medici (die Geschichte wurde von Grossman geschrieben) zu den besten Dekorationen des Louvre. Diese historischen Gemälde wurden von der meisterhaften Hand von Rubens entworfen, von seinen Schülern übermalt und von ihm selbst fertiggestellt. Sie sind mit vielen modernen Porträts und allegorischen mythologischen Figuren im Geiste des modernen Barocks gefüllt und präsentieren eine solche Fülle individueller Schönheiten und eine solche künstlerische Harmonie, dass sie nichts zu sagen haben Sie werden für immer die besten Gemälde des 17. Jahrhunderts bleiben. Von einer Reihe von Gemälden über das Leben Heinrichs IV. von Frankreich landeten zwei halbfertige Gemälde in den Uffizien; Skizzen für andere werden in verschiedenen Sammlungen aufbewahrt. Die neun Gemälde zur Verherrlichung Jakobs I. von England, mit denen Rubens einige Jahre später die vom Londoner Ruß geschwärzten Plafondfelder der Haupthalle im White Hall schmückte, sind zwar nicht wiederzuerkennen, gehören aber selbst nicht zu den erfolgreichsten Werken des Meisters .

Unter den religiösen Gemälden, die Rubens in den zwanziger Jahren malte, markiert die große feurige „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ in Antwerpen, vollendet im Jahr 1625, mit ihrem freieren und breiteren Pinsel, der leichteren Formensprache und mehr Gold erneut einen Wendepunkt in seiner künstlerischen Entwicklung , luftige Farbgebung. . Die luftig-leichte „Himmelfahrt Mariens“ in der Antwerpener Kathedrale wurde 1626 fertiggestellt. Es folgen die malerische, freie „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ im Louvre und „Die Erziehung der Jungfrau Maria“ in Antwerpen. In Madrid, wo der Meister erneut Tizian studierte, wurde seine Farbgebung reicher und „blumiger“. Die „Madonna“ mit ihr anbetenden Heiligen in der Augustinerkirche in Antwerpen ist eine eher barocke Wiederholung von Tizians Frari-Madonna. Auch ein sinnvoll überarbeiteter Teil des „Triumph Caesars“ von Mantegna, der sich 1629 in London befindet (heute in der National Gallery), könnte ihrem Brief nach zu urteilen erst nach dieser Zeit erschienen sein. Dieses Jahrzehnt ist besonders reich an großen Porträts des Meisters. Älter, aber immer noch voller wärmender Schönheit, ist Isabella Brant in einem wunderschönen Porträt der Eremitage; bereits schärfere Züge werden durch das Porträt in den Uffizien dargestellt. Zu den schönsten und farbenprächtigsten zählt das Doppelporträt seiner Söhne in der Galerie Liechtenstein. Berühmt ist das ausdrucksstarke Porträt von Caspar Gevaert an seinem Schreibtisch in Antwerpen. Und der alte Meister selbst erscheint mit einem dünnen diplomatischen Lächeln auf den Lippen in einem wunderschönen Büstenporträt von Aremberg in Brüssel vor uns.

Das letzte Jahrzehnt, das Rubens (1631 - 1640) zuteil wurde, stand unter dem Stern seiner geliebten zweiten Frau Elena Furman, die er in allen Formen malte und die ihm als Natur für religiöse und mythologische Gemälde diente. Ihre besten Porträts von Rubens gehören zu den schönsten Frauenporträts der Welt: halbfigurig, in reichem Kleid, mit Hut und Feder; lebensgroß, sitzend, in einem luxuriösen, an der Brust offenen Kleid; in kleiner Form, neben ihrem Mann beim Gartenspaziergang – sie steht in der Münchner Pinakothek; nackt, nur teilweise mit einem Pelzmantel bedeckt – im Wiener Hofmuseum; im Anzug zum Wandern auf dem Feld - in der Eremitage; mit ihrem Erstgeborenen an der Schärpe, Arm in Arm mit ihrem Mann, und auch auf der Straße, begleitet von einem Pagen – bei Baron Alphonse Rothschild in Paris.

Die bedeutendsten Kirchenwerke dieser blühenden, strahlenden Spätzeit des Meisters sind der majestätisch und ruhig komponierte, in allen Farben des Regenbogens leuchtende Altar des Hl. Ildefons mit mächtigen Stifterfiguren an den Türen des Wiener Hofmuseums und ein prächtiges Altarbild in Rubens‘ eigener Grabkapelle in der Jakobskirche in Antwerpen, mit Heiligen der Stadt, gemalt aus Gesichtern, die dem Meister nahe stehen. Einfachere Werke, wie zum Beispiel: St. Cecilia in Berlin und die prächtige Bathseba in Dresden stehen ihnen in Ton und Farben in nichts nach. Zu den wertvollen mythologischen Bildern dieser Zeit zählen die glitzernden Urteile des Paris in London und Madrid; und welche leidenschaftliche Lebenskraft atmet Dianas Jagd in Berlin, wie märchenhaft luxuriös das Venusfest in Wien, welch magisches Licht erleuchtet Orpheus und Eurydike in Madrid!

Als Vorbereitung für diese Art von Gemälden dienen einige Genrebilder des Meisters. So fängt die Figur des mythologischen Genres die kühn sinnliche, lebensgroße „Stunde des Dates“ in München ein.

Die Prototypen aller weltlichen Szenen von Watteau sind die berühmten Gemälde mit fliegenden Liebesgöttern namens „Gärten der Liebe“ mit Gruppen luxuriös gekleideter verliebter Paare bei einem Fest im Garten. Eines der besten Werke dieser Art befindet sich im Besitz von Baron Rothschild in Paris, das andere befindet sich im Madrider Museum. Die bedeutendsten Genrebilder mit kleinen Figuren aus dem Volksleben, die Rubens malte, sind der majestätische und vitale, rein rubensische Bauerntanz in Madrid, das Halblandschaftsturnier vor dem Burggraben, im Louvre und der Jahrmarkt in derselben Kollektion, deren Motive bereits an Teniers erinnern.

Die meisten echten Landschaften von Rubens gehören ebenfalls zu den letzten Jahren seines Lebens: So ist die strahlende Landschaft mit Odysseus im Pitti-Palast, so sind die Landschaften, neu in der Gestaltung, künstlerisch erklärend, mit einem einfachen und weiten Bild der Umgebung , das flache Gebiet, in dem sich Rubens‘ Datscha befand, und mit einem majestätischen, voller Stimmungswechsel verändert sich der Himmel. Am schönsten sind der feurige Sonnenuntergang in London und die Landschaften mit Regenbogen in München und St. Petersburg.

Was auch immer Rubens unternahm, er verwandelte alles in glänzendes Gold; und wer als Mitarbeiter oder Anhänger mit seiner Kunst in Berührung kam, konnte aus seinem Teufelskreis nicht mehr ausbrechen.

Von den zahlreichen Schülern von Rubens erreicht nur Anton van Dyck (1599 - 1641) – dessen Licht sich natürlich wie das Mondlicht der Sonne auf das Licht von Rubens bezieht – den Himmel der Kunst mit einem von Brillanz erleuchteten Kopf. Obwohl Balen als sein eigentlicher Lehrer gilt, nannte ihn Rubens selbst seinen Schüler. Auf jeden Fall stand seine jugendliche Entwicklung, soweit wir wissen, unter dem Einfluss von Rubens, von dem er nie völlig abweicht, sondern entsprechend seinem beeinflussbareren Temperament in eine nervösere, sanftere und subtilere Malweise übergeht und weniger stark im Zeichnen. . Ein längerer Aufenthalt in Italien machte ihn schließlich zum Maler und Meister der Farben. Es war nicht seine Aufgabe, Live-Action zu erfinden und dramatisch zu steigern, aber er verstand es, Figuren in seinen historischen Gemälden in klar durchdachte Beziehungen zueinander zu stellen und seinen Porträts die subtilen Merkmale des sozialen Status zu vermitteln, was zum Lieblingsmaler wurde der Adligen seiner Zeit.

Die neuesten zusammenfassenden Arbeiten zu Van Dyck stammen von Michiels, Giffrey, Kust und Schaeffer. Einzelne Seiten seines Lebens und seiner Kunst wurden von Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti und dem Autor dieses Buches erläutert. Noch heute streiten sie über die Unterscheidung verschiedener Lebensabschnitte, die vor allem mit Reisen verbunden waren. Nach neuesten Forschungen arbeitete er bis 1620 in Antwerpen, 1620 – 1621 in London, 1621 – 1627 in Italien, hauptsächlich in Genua, mit einer Unterbrechung von 1622 bis 1623, ausgeübt, wie Rooses zeigte, wahrscheinlich zu Hause, 1627 - 1628 in Holland, dann wieder in Antwerpen und ab 1632 als Hofmaler Karls I. in London, wo er 1641 starb, und war in dieser Zeit 1634 - 1635 in Brüssel, 1640 und 1641 in Antwerpen und Paris.

Es gibt kaum ein Frühwerk Van Dycks, in dem der Einfluss von Rubens nicht spürbar wäre. Schon seine frühen apostolischen Serien weisen Spuren der rubensischen Manier auf. Davon sind einige Originalköpfe in Dresden erhalten, andere in Althorp. Zu den religiösen Gemälden, die Van Dyck in den Jahren 1618 bis 1620, während er im Dienst von Rubens stand, nach eigenem Entwurf und auf eigene Gefahr und Gefahr malte, gehört das „Martyrium des hl. Sebastian“, mit der überladenen Altkomposition „Beweinung Christi“ und „Badende Susanna“ in München. „Thomas in St. Petersburg“, „Die Kupferschlange“ in Madrid. Keines dieser Gemälde kann sich einer perfekten Komposition rühmen, aber sie sind gut gemalt und haben eine blumige Farbe. Der Dresdner „Hieronymus“ ist malerisch und tief in der Seele und stellt einen lebendigen Kontrast zum benachbarten, ruhigeren und grob geschriebenen Hieronymus Rubens dar.

Dann folgt: Die Verspottung Christi in Berlin, das stärkste und ausdrucksstärkste dieser Halb-Rubens-Gemälde und wunderschön in der Komposition, zweifellos von Rubens, St. Martin“ in Windsor, der auf einem Pferd sitzt und einem Bettler einen Umhang hinhält. Die vereinfachte und schwächere Wiederholung dieses Martins in der Kirche von Saventham kommt der späteren Manier des Meisters näher.

Van Dyck ist ein großartiger Künstler dieser Rubens-Ära, insbesondere in seinen Porträts. Einige von ihnen, die die bekannten Vorzüge beider Meister vereinen, wurden im 19. Jahrhundert Rubens zugeschrieben, bis Bode sie an Van Dyck zurückgab. Sie sind individueller in den einzelnen Gesichtszügen, nervöser im Ausdruck, weicher und tiefer in der Schrift als die Simultanporträts von Rubens. Die ältesten dieser Halbrubensporträts von Van Dyck sind beide Büstenporträts eines älteren Ehepaares aus dem Jahr 1618 in Dresden, die schönsten sind die Halbfiguren zweier Ehepaare in der Liechtensteiner Galerie: eine Frau mit Goldbesatz auf der Brust , ein Herr, der Handschuhe anzieht, und vor einem roten Vorhang sitzende Dame mit einem Kind auf dem Schoß, in Dresden. Ihm gehört die prächtige Isabella Brant aus der Eremitage, aus dem Louvre ein Doppelporträt des angeblichen Jean Grusset Richardeau und seines neben ihm stehenden Sohnes. Von den Doppelporträts sind die nebeneinander stehenden Ehegatten bekannt – am malerischsten ist das Porträt von Frans Snyders und seiner Frau mit sehr forcierten Posen, Jan de Wael und seiner Frau in München. In den jugendlichen Selbstporträts des Meisters mit nachdenklichem, selbstbewusstem Blick in St. Petersburg, München und London schließlich weist sein Alter von etwa zwanzig Jahren auf eine frühe Periode hin.

Aus religiösen Gemälden, die Van Dyck zwischen 1621 und 1627 gemalt hat. in Italien, im Süden, blieb eine schöne, von Tizian inspirierte Szene mit der „Münze des Petrus“ und „Maria mit dem Kind“ in einem feurigen Heiligenschein, im Palazzo Bianco, die an Rubens erinnert, die „Kreuzigung“ in der königliche Palast in Genua, der in malerischer und spiritueller Hinsicht zärtlich empfunden wird, die Grablegung der Borghese-Galerie in Rom, das träge Haupt Mariens im Pitti-Palast, die prächtige, strahlende Familie in der Turiner Pinakothek und die mächtigen, aber eher manierierten , Altarbild der Madonna del Rosario in Palermo mit länglichen Figuren. Von den weltlichen Gemälden erwähnen wir hier nur das schöne, im Geiste Giorgiones gehaltene Gemälde mit der Darstellung der drei Lebensalter im Stadtmuseum in Vincenza und das in der Komposition schlichte, aber feurige Gemälde „Diana und Endimon“ in Madrid.

Eine souveräne, feste und zugleich sanfte Strichmodellierung in dunklem Hell-Dunkel und eine tiefe, satte Farbgebung der nach Stimmungseinheit strebenden italienischen Köpfe manifestieren sich auch in seinen italienischen, insbesondere genuesischen Porträts. Das Reiterporträt von Antonio Giulio Brignole Sale im Palazzo Rossi in Genua war in kühner Perspektive gemalt und fast dem Betrachter zugewandt. Er schwenkte zur Begrüßung seinen Hut in der rechten Hand und war ein echter Indikator für den neuen Weg. Edel, mit barocken Säulen und Draperien im Hintergrund, stehen aus derselben Sammlung die Porträts von Signora Geronimo Brignole Sale mit ihrer Tochter Paola Adorio in einem dunkelblauen Seidenkleid mit Goldstickerei und einem jungen Mann in der Kleidung einer adligen Person auf dem Höhepunkt der absoluten Porträtkunst. Daran schließen sich Porträts der Marchesa Durazzo in hellgelbem Seidendamastkleid mit Kindern vor rotem Vorhang, ein lebhaftes Gruppenbildnis dreier Kinder mit Hund und ein edles Bildnis eines Jungen in weißem Kleid mit ein Papagei, gehalten im Palazzo Durazzo Pallavicini. In Rom befindet sich in der Kapitolinischen Galerie ein sehr lebendiges Doppelporträt von Luca und Cornelis de Wael; in Florenz, im Palazzo Pitti, befindet sich ein spirituell ausdrucksstarkes Porträt von Kardinal Giulio Bentivoglio. Andere Porträts aus Van Dycks italienischer Zeit fanden ihren Weg ins Ausland. Eines der schönsten gehört Pierpont Morgan in New York, es gibt sie aber auch in London, Berlin, Dresden und München.

Der fünfjährige Zeitraum (1627 - 1632), den der Meister nach seiner Rückkehr aus Italien in seiner Heimat verbrachte, erwies sich als äußerst fruchtbar. Große, bewegungsreiche Altarbilder, die mächtigen Kruzifixe in der Kirche St. Zhen in Dendermonde, in der Michael-Kirche in Gent und in der Romuald-Kirche in Meheln sowie die angrenzende „Kreuzerhöhung“ in der Kirche St. Gens in Courtrai repräsentiert ihn nicht so gut wie die Werke voller Innenleben, zu denen wir die Kreuzigung mit der bevorstehenden im Lille-Museum, „Ruhe während der Flucht“ in München und einzelne gefühlvolle Kreuzigungen in Antwerpen, Wien und Wien zählen München. Diese Gemälde übersetzen die Bilder von Rubens von der heroischen Sprache in die Sprache der Gefühle. Zu den schönsten Gemälden dieser Zeit gehören die Madonna mit kniendem Stifterpaar und blumengießenden Engeln im Louvre, die Madonna mit dem stehenden Christuskind in München und die volle Stimmung „Klage über Christus“ in Antwerpen, München, Berlin und Paris. Madonnen und Wehklagen im Allgemeinen waren Van Dycks Lieblingsthemen. Bilder heidnischer Götter nahm er selten auf, obwohl sein Herkules am Scheideweg in den Uffizien, die Bilder von Venus, Vulkan, Wien und Paris zeigen, dass er einigermaßen mit ihnen umgehen konnte. Er blieb hauptsächlich Porträtmaler. Von ihm sind aus diesem Fünfjahreszeitraum etwa 150 Porträts überliefert. Ihre Gesichtszüge sind noch schärfer, in den typisch anmutigen, untätigen Händen ist der Ausdruck noch geringer als auf italienischen Gemälden dieser Art. Ihrer Haltung wurde eine etwas aristokratischere Leichtigkeit verliehen, und in der kälteren Farbgebung erschien eine subtilere Gesamtstimmung. Kleidung fällt normalerweise leicht und frei, aber materiell. Zu den schönsten davon, in Originalgröße gemalt, zählen die charakteristischen Porträts der Herrscherin Isabella in Turin, im Louvre und in der Liechtenstein Gallery, Philippe de Roy und seine Frau in der Wallace-Sammlung in London, Doppelporträts eines Herrn und eine Dame mit Kind im Arm im Louvre und im Gotischen Museum und noch ein paar Porträts von Herren und Damen in München. Zu den ausdrucksstärksten Taillen- und Generationenporträts zählen die Porträts von Bischof Mulderus und Martin Pepin in Antwerpen, Adrian Stevens und seiner Frau in St. Petersburg, Graf Van den Berg in Madrid und Domherr Antonio de Tassis in der Galerie Liechtenstein. Der Organist Liberty schaut träge, der Bildhauer Colin de Nole, seine Frau und ihre Tochter schauen langweilig auf die Porträtgruppe in München. Die Porträts eines Herrn und einer Dame in Dresden und Marie Louise de Tassis in der Galerie Liechtenstein zeichnen sich durch eine edle, malerische Haltung aus. Van Dycks Einfluss auf alle Porträts seiner Zeit, insbesondere auf Englisch und Französisch, war enorm; Allerdings sind seine Porträts in ihrem natürlichen Charakter und ihrer inneren Wahrheit nicht mit denen seiner Zeitgenossen Velázquez und Frans Hals zu vergleichen, um nur einige zu nennen.

Gelegentlich griff Van Dyck jedoch auch zur Graviernadel. Bekannt für 24 leicht und mit großer Bedeutung ausgeführte Blätter seines Werkes. Andererseits beauftragte er andere Graveure mit der Reproduktion einer großen Serie kleiner, von ihm gemalter Porträts berühmter Zeitgenossen, gemalt in einem Grauton. In der Gesamtsammlung erschien diese „Ikonographie von Van Dyck“ in einhundert Blättern erst nach seinem Tod.

Als Hofmaler Karls I. malte Van Dyck in den letzten acht Jahren seines Lebens kleine religiöse und mythologische Gemälde. Dennoch stammen einige der besten Gemälde, die während seines kurzen Aufenthalts in den Niederlanden entstanden sind, aus dieser Spätzeit des Meisters. Es war die letzte und malerischste Darstellung der „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“, mit einem Reigen von Engeln und fliegenden Rebhühnern, jetzt in der Eremitage, die ausgereifteste und schönste „Beweinung Christi“ im Antwerpener Museum, Nicht nur klar, ruhig und berührend in der Komposition, sondern Ausdruck wahrer Trauer, sondern auch in der Farbgebung mit seinen wunderschönen Akkorden aus Blau, Weiß und Dunkelgold ein meisterhaftes, bezauberndes Werk. Dann folgen die äußerst zahlreichen Porträts der englischen Zeit. Zwar werden seine Köpfe unter dem Einfluss des Londoner Hoftypus immer mehr zu Masken, seine Hände werden immer weniger ausdrucksstark; Andererseits sind die Kleider raffinierter und materieller in der Schrift, die Farben, deren silbriger Ton erst allmählich zu verblassen begann, gewinnen immer mehr an zartem Reiz. Natürlich richtete Van Dyck in London auch eine Werkstatt mit Großproduktion ein, an der zahlreiche Studenten beteiligt waren. Das Familienporträt in Windsor, das das sitzende Königspaar mit zwei Kindern und einem Hund zeigt, ist eine eher schwache Darstellung. Das Reiterporträt des Königs an gleicher Stelle vor dem Triumphbogen wurde mit viel Geschmack gemalt, sein Reiterporträt in der Nationalgalerie ist noch malerischer, das entzückende Porträt des Königs im Jagdanzug im Louvre ist wirklich malerisch . Von den Porträts der Königin Henrietta Maria von Van Dyck gehört dasjenige aus dem Besitz von Lord Northbrook in London, das die Königin mit ihren Zwergen auf einer Gartenterrasse zeigt, zu den frischesten und frühesten, und das in der Dresdner Galerie ist trotz seiner Vornehmheit eines der frischesten und frühesten. gehört zu den schwächsten und neuesten. Berühmt sind verschiedene Porträts der Kinder des englischen Königs, die zu den schönsten Meisterwerken Van Dycks gehören. Turin und Windsor besitzen die schönsten Porträts der drei königlichen Kinder; aber das luxuriöseste und schönste von allen ist das Windsor-Porträt mit den fünf Kindern des Königs, mit einem großen und einem kleinen Hund. Von den anderen zahlreichen Porträts von Van Dyck in Windsor kündigt das Porträt von Lady Venice Digby mit seinen allegorischen Ergänzungen in Form von Tauben und Liebesgöttern eine neue Ära an, und das Doppelporträt von Thomas Killigrew und Thomas Carew beeindruckt Lebensbeziehungen dargestellt ungewöhnlich für unseren Meister. Das Porträt von James Stuart mit einem großen Hund an ihm im Metropolitan Museum of Art in New York zeichnet sich durch besondere Anmut aus, ein Porträt der Verlobten, der Kinder von Wilhelm II. von Oranien und Henrietta Maria Stuart, in Das Stadtmuseum in Amsterdam ist entzückend. Aus der englischen Zeit des Meisters sind etwa hundert Porträts erhalten.

Van Dyck starb jung. Als Künstler sprach er offenbar alles. Ihm fehlt die Vielseitigkeit, Fülle und Kraft seines großen Lehrers, aber er übertraf alle seine flämischen Zeitgenossen in der Subtilität einer rein malerischen Stimmung.

Andere bedeutende Maler, Mitarbeiter und Schüler von Rubens in Antwerpen vor und nach Van Dyck, leben nur noch Anklänge an Rubens‘ Kunst, Sogar Abraham Dipepbeck (1596 – 1675), Cornelis Schut (1597 – 1655), Theodor van Thulden (1606 – 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), der Bruder des großen Bildhauers, und sein Enkel Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) sind nicht so bedeutend, dass sie näher darauf eingehen. Von eigenständigerer Bedeutung sind Vertreter verschiedener realistischer Abteilungen der Rubenswerkstatt. Frans Snyders (1579 – 1657) begann mit einer toten Natur, die er gerne lebensgroß, breit, realistisch und darüber hinaus dekorativ darstellte; Sein ganzes Leben lang malte er große, gesundheitsbewusste Bilder von Küchenutensilien und Früchten, wie sie in Brüssel, München und Dresden erhältlich sind. In der Werkstatt von Rubens lernte er auch, die lebendige Welt lebensgroßer Tiere in Jagdszenen lebendig und faszinierend darzustellen, fast mit der Kraft und Helligkeit seines Lehrers. Seine großen Jagdgemälde in Dresden, München, Wien, Paris, Kassel und Madrid sind auf ihre Art klassisch. Mit Snyders wird manchmal sein Schwager Paul de Vos (1590–1678) in Verbindung gebracht, dessen große Tiergemälde nicht mit der Frische und Wärme von Snyders‘ Gemälden mithalten können. Der unter dem Einfluss von Rubens entwickelte neue Landschaftsstil, der fast vollständig auf die alten dreifarbigen Bühnenhintergründe und das traditionelle büschelartige Baumlaub verzichtete, erscheint deutlicher in den Gemälden und Radierungen von Lucas van Oudens (1595 – 1672), ein Assistent in der Spätzeit des Landschaftsmeisters. Seine zahlreichen, aber meist kleinen Landschaftsgemälde, von denen neun in Dresden, drei in St. Petersburg und zwei in München hängen, sind einfache, natürlich gefasste Bilder der reizvollen lokalen Grenzlandschaften zwischen dem Brabanter Hügelland und der flämischen Ebene. Die Leistung ist umfassend und akribisch. Seine Farben streben danach, nicht nur den natürlichen Eindruck von grünen Bäumen und Wiesen, bräunlicher Erde und bläulichen Hügelfernen zu vermitteln, sondern auch einen leicht bewölkten, hellen Himmel. Die Sonnenseiten seiner Wolken und Bäume funkeln meist mit gelben Lichtflecken, und unter dem Einfluss von Rubens erscheinen manchmal auch Regenwolken und Regenbögen.

Die Kunst von Rubens löste eine Revolution im niederländischen Kupferstich aus. Zahlreiche Kupferstecher, deren Arbeiten er sichtete, standen in seinen Diensten. Die Ältesten von ihnen, der Antwerpener Cornelis Galle (1576 – 1656) und die Niederländer Jacob Matham (1571 – 1631) und Jan Müller, übersetzten seinen Stil noch in eine ältere Formensprache, doch die Kupferstecher der Rubens-Schule haben eine Reihe von das von Peter Southman aus Harlem (1580 – 1643) eröffnet wurde und bis heute mit Namen wie Lukas Forstermann (geb. 1584), Paul Pontius (1603 – 1658), Boethius und Schelte glänzt. Bolswerth, Pieter de Jode der Jüngere und vor allem der große Hell-Dunkel-Stecher Jan Wittdöck (geb. 1604) schafften es, ihren Blättern rubensische Kraft und Bewegung zu verleihen. Die neue Schabkunsttechnik, bei der die Oberfläche der Platte mit einer Spitzhacke aufgeraut wurde, um in weichen Massen eine Zeichnung darauf auszukratzen, wurde, wenn nicht erfunden, so doch erstmals von Vallerand Vaillant aus Lille (1623) weit verbreitet - 1677), ein Schüler von Rubens‘ Schüler Erasmus Quellinus, einem berühmten hervorragenden Porträtmaler und Originalmaler der toten Natur. Da Vaillant diese Kunst jedoch nicht in Belgien, sondern in Amsterdam, wohin er übersiedelte, studierte, kann die Geschichte der flämischen Kunst ihn nur erwähnen.

Einige wichtige Antwerpener Meister dieser Zeit, die keine direkten Beziehungen zu Rubens oder seinen Schülern hatten, die sich Caravaggio in Rom anschlossen, bildeten eine römische Gruppe. Klare Umrisse, plastische Modellierung und schwere Schatten von Caravaggio weichen erst in ihren späteren Gemälden zu einer freieren, wärmeren, umfassenderen Malerei ab, die vom Einfluss von Rubens zeugt. An der Spitze dieser Gruppe steht Abraham Janssens Van Nuessen (1576 – 1632), dessen Schüler Gerard Zegers (1591 – 1651) in seinen späteren Gemälden zweifellos in die Nähe von Rubens rückte, und Theodore Rombouts (1597 – 1637) zeigt den Einfluss von Caravaggio in seinem Genre, in Lebensgröße, mit metallisch glänzenden Farben und schwarzen Schatten, Gemälde in Antwerpen, Gent, St. Petersburg, Madrid und München.

Der älteste der damals nicht in Italien lebenden flämischen Maler, Caspar de Crayer (1582 - 1669), zog nach Brüssel, wo er im Wettbewerb mit Rubens nicht über den Eklektizismus hinausging. An ihrer Spitze steht der Antwerpener Jacob Jordaens (1583–1678), ebenfalls ein Schüler und Schwiegersohn von Adam Van Noort, dem Oberhaupt der wirklich unabhängigen belgischen Realisten seiner Zeit, einem der bedeutendsten flämischen herausragenden Maler der Zeit 17. Jahrhundert, neben Rubens und Van Dyck. Auch Rooses widmete ihm ein umfangreiches Werk. Er ist rauer als Rubens, direkter und origineller als dieser. Seine Körper sind noch massiger und fleischiger als die von Rubens, seine Köpfe sind runder und gewöhnlicher. Seine meist wiederholten Kompositionen mit geringfügigen Änderungen für verschiedene Gemälde sind oft schlichter und oft überarbeitet, sein Pinsel ist bei aller Geschicklichkeit trockener, glatter, manchmal dichter. Trotzdem ist er ein wunderbarer, origineller Kolorist. Zunächst schreibt er frisch und zügig, schwach modellierend in satten Lokalfarben; Nach 1631 geht er, von den Reizen Rubens’ mitgerissen, zu zarterem Hell-Dunkel, zu schärferen Zwischenfarben und zu einem bräunlichen Malton über, aus dem saftig tiefe Grundtöne effektvoll durchscheinen. Er hat auch alles Dargestellte dargestellt. Seinen größten Erfolg verdankt er lebensgroßen Allegorien und Genrebildern, meist zum Thema Volkssprichwörter.

Das früheste bekannte Gemälde von Jordaens „Kreuzigung“ aus dem Jahr 1617 in der Kirche St. Paul in Antwerpen offenbart den Einfluss von Rubens. Ganz er selbst ist Jordaens 1618 in der „Anbetung der Hirten“ in Stockholm und in einem ähnlichen Bild in Braunschweig, insbesondere in den frühen Bildern eines Satyrs, der einen Bauern besucht, dem er eine unglaubliche Geschichte erzählt. Das früheste Gemälde dieser Art befindet sich im Besitz von Herrn Celst in Brüssel; Es folgten Kopien in Budapest, München und Kassel. Zu den frühen religiösen Gemälden zählen auch die ausdrucksstarken Darstellungen der Evangelisten im Louvre und der Jünger am Grab des Erlösers in Dresden; Von den frühen mythologischen Gemälden sind Meleager und Atlanta in Antwerpen zu erwähnen. Die frühesten seiner lebenden Kompositionen von Familienporträtgruppen (um 1622) gehören zum Madrider Museum.

Der rubensische Einfluss zeigt sich erneut in den nach 1631 entstandenen Gemälden von Jordaens. In seiner Satire auf einen Bauern in Brüssel ist bereits eine Wendung erkennbar. Seine berühmten Darstellungen des „Bohnenkönigs“, von denen Kassel das früheste Exemplar besitzt – weitere befinden sich im Louvre und in Brüssel – sowie seine unzähligen Bilder des Sprichworts „Was die Alten singen, das quietschen die Kleinen“, ein Antwerpener Exemplar davon ist mit 1638 datiert. Farblich noch frischer als das 1641 entstandene Dresden – andere im Louvre und in Berlin – gehören bereits zur sanfteren und sanfteren Art des Meisters.

Vor 1642 entstanden auch die groben mythologischen Gemälde „Prozession des Bacchus“ in Kassel und „Ariadne“ in Dresden, lebhafte hervorragende Porträts von Jan Wirth und seiner Frau in Köln; dann, bis 1652, belebten Gemälde trotz der ruhigeren Linien äußerlich und innerlich, wie St. Ivo in Brüssel (1645), ein großartiges Familienporträt in Kassel und ein lebhafter „Bohnenkönig“ in Wien.

Im Jahr 1652 war der Meister mit einer Einladung nach Den Haag in vollem Gange, um an der Ausschmückung des „Waldschlosses“ mitzuwirken, zu dem die „Vergöttlichung des Fürsten Friedrich Heinrich“ und „Der Sieg des Todes über den Neid“ von Jordaens gehören sein Abdruck und 1661 eine Einladung nach Amsterdam, wo er erhaltene, aber heute kaum noch zu unterscheidende Gemälde für das neue Rathaus malte.

Das schönste und religiösste Gemälde seiner späteren Jahre ist Jesus unter den Schriftgelehrten (1663) in Mainz; in prachtvollen Farben, der „Eingang zum Tempel“ in Dresden und das lichtdurchflutete „Letzte Abendmahl“ in Antwerpen.

Wenn Jordaens zu grob und uneinheitlich ist, um zu den Größten der Großen gezählt zu werden, so nimmt er als Antwerpener Bürgermaler und Maler der Bürger dennoch einen Ehrenplatz neben Rubens, dem Fürsten der Maler und Maler der Fürsten, ein. Aber gerade aufgrund seiner Originalität hat er keine bemerkenswerten Schüler oder Anhänger geschaffen.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) war wie Jordans ein Meister, der sich unabhängig an die vorrubensische Vergangenheit der flämischen Kunst anschloss, besonders herausragend als Porträtmaler, der mit einem ruhigen, eindringlichen Malstil nach kunstloser Wahrheit und Aufrichtigkeit strebte, ein eigenartiger Glanz in den Augen seiner Figuren und voller heller Farbgebung. Die beste Familienporträtgruppe mit entspannter Komposition gehört zum Brüsseler Museum und das stärkste Einzelporträt des Zunftmeisters Grapheus gehört zu Antwerpen. Sehr typisch sind auch seine Doppelporträts des Ehepaares und seiner kleinen Töchter in Berlin.

Im Gegensatz zu seinem rein flämischen Stil mit italienischem Touch, der mit mehr oder weniger Abweichungen von der überwiegenden Mehrheit der belgischen Maler des 17. Jahrhunderts übernommen wurde, entwickelte die von Gelbier erforschte wallonische Schule Luttich den römisch-belgischen Stil der Poussin-Trend folgte dem französischen. An der Spitze dieser Schule steht Gerard Duffet (1594 – 1660), ein erfinderischer, hochqualifizierter Akademiker, der vor allem in München bekannt ist. Gérard Leresse (1641 - 1711), ein Schüler seines Schülers Bartolet Flemalle oder Flemal (1614 - 1675), ein träger Nachahmer von Poussin, der bereits 1667 nach Amsterdam zog, verpflanzte diesen den französischen nachahmenden akademischen Stil von Lüttich nach Holland Er verfolgte nicht nur als Maler und Grafiker mythologische Themen, sondern auch mit der Feder in seinem Buch, das einen bedeutenden Einfluss hatte. Er war ein extremer Reaktionär und trug um die Jahrhundertwende vor allem dazu bei, dass sich der gesunde nationale Trend der niederländischen Malerei hin zur romanischen Kunst wandelte. „Seleukos und Antiochia“ in Amsterdam und Schwerin, „Parnassus“ in Dresden, „Aufbruch der Kleopatra“ im Louvre geben einen ausreichenden Eindruck von ihm.

Leres führt uns schließlich vom großen belgischen Gemälde zum kleinen zurück; und dieser erlebte zweifellos noch in kleinfigurigen Gemälden mit Landschafts- oder Architekturhintergrund die reife nationale Blüte des 17. Jahrhunderts, die direkt aus dem von den Meistern der Übergangszeit vorbereiteten Boden erwuchs, dank dessen aber völlige Bewegungsfreiheit erlangte der allmächtige Rubens, mancherorts auch dank neuer Einflüsse, französischer und italienischer Art, oder sogar des Einflusses der jungen niederländischen Kunst auf die Flamen.

Ein echter Genrefilm, der nach wie vor in Flandern die erste Rolle spielt. Gleichzeitig ist eine ziemlich scharfe Grenze zwischen den Meistern, die das Leben der Oberschicht in weltlichen Szenen oder Kleingruppenporträts darstellten, und den Malern des Volkslebens in Tavernen, Jahrmärkten und Landstraßen erkennbar. Rubens schuf Exemplare beider Gattungen. Weltliche Maler stellen ganz im Sinne von Rubens‘ Gärten der Liebe Damen und Herren in Seide und Samt dar, die Karten spielen, ein Fest feiern, fröhliche Musik spielen oder tanzen. Einer der ersten dieser Maler war Christian van der Lamen (1615 – 1661), bekannt für Gemälde in Madrid, Gotha, insbesondere in Lucca. Sein erfolgreichster Schüler war Jérôme Janssens (1624 – 1693), der „Tänzer“, dessen Tanzszenen in Braunschweig zu sehen sind. Über ihm als Maler steht Gonzales Kokvets (1618 – 1684), ein Meister der aristokratischen Kleingruppenporträts, die Familienmitglieder zeigen, die zu Hause in Kassel, Dresden, London, Budapest und Den Haag vereint sind. Die produktivsten flämischen Darstellungen des Volkslebens der Unterschicht waren die Teniers. Aus der großen Familie dieser Künstler ragen David Teniers der Ältere (1582 – 1649) und sein Sohn David Teniers der Jüngere (1610 – 1690) heraus. Der Ältere war vermutlich ein Schüler von Rubens, der jüngere Rubens gab vermutlich freundliche Ratschläge. Beide sind sowohl in der Landschaft als auch im Genre gleichermaßen stark. Allerdings war es nicht möglich, alle Werke des Älteren von den Jugendgemälden des Jüngeren zu trennen. Zweifellos besitzt der Älteste die vier mythologischen Landschaften des Wiener Hofmuseums, der immer noch damit beschäftigt ist, die „drei Ebenen“, „Die Versuchung des Hl. Antonius“ in Berlin, „Bergschloss“ in Braunschweig und „Bergschlucht“ in München.

Da David Teniers der Jüngere vom großen Adrien Brouwer von Oudenard (1606-1638) beeinflusst wurde, geben wir letzterem den Vorrang. Brouwer ist der Schöpfer und Laie neuer Wege. Bode hat seine Kunst und sein Leben gründlich erforscht. In vielerlei Hinsicht ist er der größte niederländische Maler des Volkslebens und gleichzeitig einer der inspiriertesten belgischen und niederländischen Landschaftsmaler. Der Einfluss der niederländischen Malerei auf die flämische Malerei im 17. Jahrhundert zeigte sich erstmals bei ihm, einem Schüler von Frans Hals in Haarlem, bereits vor 1623. Nach seiner Rückkehr aus Holland ließ er sich in Antwerpen nieder.

Gleichzeitig beweist seine Kunst, dass die einfachsten Epitheta aus dem Leben des einfachen Volkes dank ihrer Ausführung den höchsten künstlerischen Wert erlangen können. Von den Niederländern übernahm er die Unmittelbarkeit der Naturwahrnehmung, die bildnerische Darbietung, an sich künstlerisch. Als Niederländer bekennt er sich zu strikter Isolation, indem er Momente verschiedener Erscheinungsformen des Lebens wiedergibt, wie ein Holländer, mit kostbarem Humor hebt er Szenen von Rauchen, Kämpfen, Kartenspielen und Wirtshaustrinkpartys hervor.

Die frühesten Gemälde, die er in Holland malte, Bauerntrinkereien, Kämpfe in Amsterdam, offenbaren in ihren rauen, neugierigen Charakteren die Reaktionen der altflämischen Übergangskunst. Die Meisterwerke dieser Zeit sind seine bereits Antwerpener „Kartenspieler“ und die Wirtshausszenen des Städel-Instituts in Frankfurt. Die Weiterentwicklung kommt in „Messer“ und „Dorfbad“ der Münchner Pinakothek deutlich zum Ausdruck: Hier ist die Handlung bereits ohne überflüssige Nebenfiguren dramaturgisch stark; die Ausführung ist in allen Einzelheiten malerisch durchdacht; Aus dem goldenen Hell-Dunkel der Farbe leuchten noch Rot- und Gelbtöne. Es folgt die reifere Spätzeit des Meisters (1633 – 1636), mit mehr individuellen Figuren, einem kälteren Farbton, in dem grüne und blaue Farbstellen hervorstechen. Dazu gehören 12 seiner achtzehn Münchner und die besten seiner vier Dresdner Gemälde. Schmidt-Degener fügte ihnen eine Reihe von Gemälden aus Privatsammlungen in Paris bei, deren Echtheit jedoch offenbar nicht immer genau geklärt ist. Zu diesen Jahren gehören auch die besten Landschaften von Brouwer, in denen die einfachsten Naturmotive aus der Umgebung von Antwerpen mit einer warmen, strahlenden Übertragung von Luft- und Lichtphänomenen aufgefächert werden. „Dünen“ in Brüssel, ein Gemälde mit dem Namen des Meisters, beweisen die Echtheit anderer. Sie wirken moderner als alle seine anderen flämischen Landschaften. Zu den Besten zählen das Mondlicht und die pastorale Landschaft in Berlin, die Dünenlandschaft mit dem roten Dach in der Bridgewater Gallery und die kraftvolle Sonnenuntergangslandschaft, die Rubens zugeschrieben wird, in London.

Die Genrebilder der letzten beiden Lebensjahre des großformatigen Meisters bevorzugen eine helle, schattierte Schrift und eine klarere Unterordnung der Lokalfarben gegenüber einem allgemeinen Grauton. Singende Bauern, würfelnde Soldaten und das Wirtspaar im Trinkhaus der Münchner Pinakothek gesellen sich zu kraftvollen Gemälden mit Darstellungen von Einsätzen im Städel-Institut und im Louvre „Raucher“. Brouwers Originalkunst ist stets das komplette Gegenteil aller akademischen Konventionen.

David Teniers der Jüngere, der beliebteste Genremaler der adligen Welt, der 1651 vom Hofmaler und Galeriedirektor des Erzherzogs Leopold Wilhelm von Antwerpen nach Brüssel eingeladen wurde, wo er im hohen Alter verstarb, ist mit Brouwer nicht zu vergleichen Unmittelbarkeit der Übertragung des Lebens, in der emotionalen Erfahrung des Humors, aber gerade deshalb übertrifft es ihn mit äußerer Verfeinerung und urbaner Stilisierung des verstandenen Volkslebens. Er stellte gerne aristokratisch gekleidete Stadtbewohner in ihren Beziehungen zu den Dorfbewohnern dar, gelegentlich malte er weltliche Szenen aus dem Leben der Aristokratie und übertrug sogar religiöse Episoden im Stil seiner Genrebilder, in prächtig dekorierten Räumen oder unter wahrheitsgetreu beobachteten Bildern. sondern dekorative Landschaften. Versuchung des hl. Anthony (in Dresden, Berlin, St. Petersburg, Paris, Madrid, Brüssel) gehört zu seinen Lieblingsthemen. Mehr als einmal malte er auch einen Kerker mit dem Bildnis des Petrus im Hintergrund (Dresden, Berlin). Von den mythologischen Themen im Stil seiner Genrebilder nennen wir „Neptun und Amphitrite“ in Berlin, das allegorische Gemälde „Fünf Sinne“ in Brüssel, poetische Werke – zwölf Gemälde aus „Befreites Jerusalem“ in Madrid. Auch seine Gemälde mit Darstellungen von Alchemisten (Dresden, Berlin, Madrid) lassen sich dem Genre der High Society zuordnen. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde, von denen es 50 in Madrid, 40 in St. Petersburg, 30 in Paris, 28 in München und 24 in Dresden gibt, zeigt die Umgebung von Dorfbewohnern, die sich in ihrer Freizeit vergnügen. Er zeigt sie beim Schlemmen, Trinken, Tanzen, Rauchen, Karten- oder Würfelspielen, auf einer Party, in einer Taverne oder auf der Straße. Seine leichte und in der natürlichen Formensprache freie, schwungvolle und zugleich sanfte Schrift erfuhr Veränderungen nur in der Farbe. Der Ton seines „Tempelfestes im Dämmerlicht“ von 1641 in Dresden ist schwer, aber tief und kalt. Dann kehrt er zum Braunton der Anfangsjahre zurück, der sich in Gemälden wie dem Kerker von 1642 in St. Petersburg, dem „Zunftbierhaus“ von 1643 in München und „Der verlorene Sohn“ schnell zu einem feurigen Goldton entwickelt 1644 im Louvre, leuchtet heller auf, etwa beim „Tanz“ von 1645 in München und den „Würfelspielern“ von 1646 in Dresden, wird dann, wie die „Raucher“ von 1650 in München zeigen, allmählich grauer und schließlich im Jahr 1651, in „Bauernhochzeit“ in München, geht in einen raffinierten Silberton über und wird von der immer leichteren und flüssigeren Schrift begleitet, die Teniers‘ Gemälde der fünfziger Jahre auszeichnet, wie etwa seine „Wache“ im Buckingham Palace von 1657. Endlich nach 1660 sein Pinsel wird weniger sicher, die Farbgebung ist wieder brauner, trockener und wolkiger. München besitzt ein Gemälde mit der Darstellung eines Alchemisten, das Merkmale eines Gemäldes eines alten Meisters aus dem Jahr 1680 aufweist.

Unter den Schülern Brouwers sticht Joos van Kreesbeek (1606 – 1654) hervor, in dessen Gemälden Kämpfe manchmal tragisch enden; Gillis van Tilborch (ca. 1625 – 1678) ist aus den Schülern Teniers des Jüngeren bekannt, der ebenfalls Familiengruppenporträts im Stil von Kokves malte. Mit ihnen sind Mitglieder der Malerfamilie Rikavert vertreten, von der vor allem David Rikaert III. (1612 – 1661) zu einer gewissen Unabhängigkeit gelangte.

Neben der nationalen flämischen Kleinfigurenmalerei gibt es eine gleichzeitige, wenn auch nicht äquivalente, italienisierende Tendenz, deren Meister zeitweise in Italien arbeiteten und das italienische Leben in all seinen Erscheinungsformen darstellten. Die größten dieser von Raffael oder Michelangelo mitgerissenen Mitglieder der niederländischen „Gemeinschaft“ in Rom waren jedoch die Niederländer, auf die wir weiter unten zurückkommen werden. Pieter Van Laer aus Gaarlem (1582 – 1642) ist der wahre Begründer dieser Strömung, der sowohl die Italiener vom Typ Cherkvozzi als auch die Belgier vom Typ Jan Mils (1599 – 1668) gleichermaßen beeinflusste. Weniger unabhängig sind Anton Goubau (1616 – 1698), der die römischen Ruinen mit buntem Leben erfüllte, und Peter Van Blemen, genannt Standardaard (1657 – 1720), der italienische Pferdemärkte, Kavallerieschlachten und Lagerszenen bevorzugte. Das italienische Volksleben ist seit der Zeit dieser Meister ein Gebiet geblieben, das jedes Jahr Scharen nordischer Maler anzieht.

Im Gegenteil, die Landschaftsmalerei entwickelte sich im nationalen flämischen Geist mit Schlachten- und Räuberthemen in der Nähe von Sebastian Vranks, dessen Schüler Peter Snyers (1592 - 1667) von Antwerpen nach Brüssel zog. Sniers‘ frühe Gemälde, etwa in Dresden, zeigen ihn auf einem durchaus malerischen Weg. Später, als Schlachtenmaler des Hauses Habsburg, legte er mehr Wert auf topografische und strategische Treue als auf malerische Treue, wie seine großen Gemälde in Brüssel, Wien und Madrid zeigen. Sein bester Schüler war Adam Frans Van der Meulen (1631–1690), ein Schlachtenmaler Ludwigs XIV. und Professor an der Pariser Akademie, der den von ihm in Luft- und Lichtperspektive verfeinerten Stil von Snyers nach Paris verpflanzte. Im Schloss von Versailles und im Hotel des Invalides in Paris malte er große Serien von Wandgemälden, makellos in ihren selbstbewussten Formen und dem Eindruck einer malerischen Landschaft. Seine Gemälde in Dresden, Wien, Madrid und Brüssel mit Feldzügen, Belagerungen von Städten, Lagern und dem siegreichen Einzug des Großkönigs zeichnen sich auch durch ihre helle bildnerische Subtilität der Wahrnehmung aus. Dieses neuniederländische Schlachtengemälde wurde von Cornelis de Wael (1592-1662), der sich in Genua niederließ, nach Italien überführt. Nachdem er hier einen perfekteren Pinsel und warme Farben erworben hatte, wandte er sich bald der Darstellung des italienischen Volkslebens zu.

In der eigentlichen belgischen Landschaftsmalerei, die der Autor dieses Buches in „Die Geschichte der Malerei (seine eigene und Woltmanns)“ ausführlicher beschreibt, kann man die ursprüngliche, einheimische, nur leicht von südlichen Einflüssen berührte Tendenz recht deutlich von der pseudoklassischen unterscheiden Trend, der in Italien an Poussin angrenzte. Die nationale belgische Landschaftsmalerei behielt im Vergleich zur niederländischen Malerei, abgesehen von Rubens und Brouwer, ein Merkmal von etwas äußerer Dekorativität bei; Mit diesem Merkmal trat sie in der Ausschmückung von Palästen und Kirchen mit dekorativen Gemäldeserien in einer solchen Fülle in Erscheinung wie nirgendwo sonst. Der Antwerpener Paul Bril brachte diese Art der Malerei in Rom ein; Die späteren französischisierten Belgier Francois Millet und Philippe de Champagne schmückten Pariser Kirchen mit Landschaftsgemälden. Der Autor dieses Buches schrieb 1890 einen separaten Artikel über Kirchenlandschaften.

Von den Antwerpener Meistern ist zunächst Caspar de Witte (1624 - 1681) zu nennen, dann Peter Spirincks (1635 - 1711), der im Chor der Augustinerkirche Kirchenlandschaften besitzt, die fälschlicherweise Peter Risbrak (1655 - 1719) zugeschrieben werden Kirche in Antwerpen, und insbesondere an Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), der wegen der Klarheit der blauen Bergabstände seiner erfolgreichen, stark an Duguet erinnernden, aber harten und kalten Gemälde „Horizonte“ genannt wird.

Die nationale belgische Landschaftsmalerei dieser Zeit blühte vor allem in Brüssel auf. Sein Vorfahre war Denis Van Alsloot (ca. 1570–1626), der auf der Grundlage des Übergangsstils in seinen halbländlichen, halbstädtischen Gemälden eine große Stärke, Festigkeit und Klarheit der Malerei entwickelte. Sein großer Schüler Lucas Achtschellingx (1626 – 1699), beeinflusst von Jacques d'Artois, beteiligte sich an der Ausschmückung belgischer Kirchen mit biblischen Landschaften mit üppigen dunkelgrünen Bäumen und blauen Hügelketten in einer weiten, freien, etwas schwungvollen Art und Weise. Jacques d'Artois (1613 - 1683), der beste Brüsseler Landschaftsmaler, ein Schüler des fast unbekannten Jan Mertens, schmückte auch Kirchen und Klöster mit großen Landschaften, deren biblische Szenen von seinen Freunden, historischen Malern, gemalt wurden. Seine Landschaften der Kapelle St. Der Autor dieses Buches sah die Frauen der Brüsseler Kathedrale in der Sakristei dieser Kirche. Kirchenlandschaften waren jedenfalls auch seine großen Gemälde des Hofmuseums und der Liechtenstein-Galerie in Wien. Mit seinen kleinen Raumgemälden, die die üppige Waldnatur der Umgebung von Brüssel darstellen, mit ihren gigantischen grünen Bäumen, gelben Sandstraßen, blauen Hügelstrecken, leuchtenden Flüssen und Teichen, kann man Madrid und Brüssel am besten kennenlernen und auch in Dresden perfekt , München und Darmstadt. Mit einer luxuriösen geschlossenen Komposition, tief, gesättigt mit leuchtenden Farben, mit klarer Luft mit Wolken, die durch goldgelb beleuchtete Seiten gekennzeichnet sind, vermitteln sie perfekt den allgemeinen, aber dennoch nur den allgemeinen Charakter der Gegend. Goldener, wärmer, dekorativer, wenn man so will, mehr venezianischer Farbe als d'Artois, sein bester Schüler Cornelis Huysmans (1648 - 1727), dessen beste Kirchenlandschaft „Christus in Emmaus“ der Frauenkirche in Mecheln ist .

Auch in der Küstenstadt Antwerpen entstand auf natürliche Weise ein Yachthafen. Der Wunsch nach Freiheit und Natürlichkeit des 17. Jahrhunderts wurde hier in den Gemälden verwirklicht, die die Küsten- und Seeschlachten von Andries Aartvelt oder Van Ertvelt (1590 – 1652), Buonaventura Peters (1614 – 1652) und Hendrik Mindergout (1632 – 1696) darstellen. die jedoch nicht mit den besten niederländischen Handwerkern derselben Branche mithalten können.

Auch in der Architekturmalerei, die gerne das Innere gotischer Kirchen darstellte, fehlte den flämischen Meistern wie Peter Neefs d Bilder von Kirchen.

Umso kühner und heller brachten die Belgier die Bilder von Tieren, Früchten, toter Natur und Blumen hervor. Doch selbst Jan Fit (1611 – 1661), ein Maler von Küchenutensilien und Früchten, ging nicht weiter als Snyders, der alle Details sorgfältig ausführte und dekorativ zusammenfügte. Auch die Blumenmalerei kam in Antwerpen zumindest allein nicht weiter als Jan Brueghel der Ältere. Sogar Brueghels Schüler auf diesem Gebiet, Daniel Seghers (1590 - 1661), übertraf ihn nur in der Breite und dem Luxus der dekorativen Gestaltung, nicht jedoch im Verständnis für den Charme der Formen und die schillernden Farben einzelner Farben. Seghers' Blumenkränze auf den Madonnen großer Figurenmaler und seine seltenen, eigenständigen Blumenbilder, wie eine Silbervase in Dresden, offenbaren jedenfalls das klare kalte Licht einer unvergleichlichen Ausführung. Antwerpen war im 17. Jahrhundert der wichtigste Ort der niederländischen Blumen- und Früchtemalerei, doch dies verdankt es weniger den örtlichen Meistern als vielmehr dem großen Utrechter Jan Davids de Gey (1606 - 1684), der nach Antwerpen zog und dort seine Kunst schuf Sohn Cornelis, der in Leiden geboren wurde. de Gay (1631 - 1695), später ebenfalls Antwerpener Meister. Aber sie, die größten aller Blumen- und Früchtemaler, zeichnen sich durch ihre unendliche Liebe zum Detail und die Kraft der Malerei aus, die in der Lage ist, diese Details innerlich zu verschmelzen, wie Meister des niederländischen und nicht des belgischen Typs.

Wir haben gesehen, dass es bedeutende Verbindungen zwischen der flämischen Malerei und der niederländischen, italienischen und französischen Kunst gab. Die Flamen wussten die direkte, innige Wahrnehmung der Niederländer, die erbärmliche Eleganz der Franzosen, den dekorativen Luxus der Formen und Farben der Italiener zu schätzen, aber abgesehen von Überläufern und Einzelphänomenen blieben sie immer nur ein Viertel davon sich in ihrer Kunst, auf der anderen Seite waren es innerlich romanisierte und äußerlich germanische Niederländer, die Natur und Leben mit starkem und ungestümem Enthusiasmus und im dekorativen Sinne mit Stimmung erfassen und wiedergeben konnten.

Darunter ist auch ein Porträt eines der berühmtesten Meister Flanderns dieser Zeit, Adrian Brauer, zu sehen. (1606-1632) , dessen Gemälde von Rubens selbst gesammelt wurden (es gab siebzehn davon in seiner Sammlung). Jedes Werk Brauers ist eine Perle der Malerei. Der Künstler war mit einem enormen koloristischen Talent ausgestattet. Als Thema seiner Arbeit wählte er den Alltag der flämischen Armen – Bauern, Bettler, Vagabunden – langweilig in seiner Monotonie und Leere, mit seiner miserablen Unterhaltung, manchmal gestört durch einen Ausbruch wilder Tierleidenschaften. Brouwer führte die Traditionen von Bosch und Brueghel in der Kunst mit seiner aktiven Ablehnung des Elends und der Hässlichkeit des Lebens, der Dummheit und Tierniedrigheit der menschlichen Natur und gleichzeitig einem ausgeprägten Interesse am Einzigartigen fort. Sein Ziel ist es nicht, dem Betrachter einen breiten Hintergrund des gesellschaftlichen Lebens zu entfalten. Seine Stärke liegt in der Darstellung spezifischer Genresituationen. Er besitzt insbesondere die Fähigkeit, in der Mimik verschiedene Affekte von Gefühlen und Empfindungen auszudrücken, die ein Mensch erlebt. Im Gegensatz zu Rubens, van Dyck und sogar Jordans denkt er nicht an Ideale und edle Leidenschaften. Er beobachtet die Person sarkastisch, so wie sie ist. Im Museum ist sein Gemälde „Drinking Buddies“ zu sehen, das sich durch seine zarte Lichtfarbe auszeichnet, die Licht und Atmosphäre eindrucksvoll zum Ausdruck bringt. Das elende Stadtbild in der Nähe der Stadtmauer und die vagabundierenden Spieler rufen eine herzzerreißende Melancholie hervor. Diese Stimmung des Künstlers selbst, der von der tristen Hoffnungslosigkeit des Daseins spricht, ist sicherlich zutiefst dramatisch.

Frans Hals

Die niederländische Abteilung für Malerei ist relativ klein, enthält aber Gemälde von Rembrandt, Jacob Ruisdael, den niederniederländischen Meistern der Landschaftsmalerei, des Stilllebens und der Genreszenen. Ein merkwürdiges Porträt des Kaufmanns Willem Heithuissen, ein Werk des großen niederländischen Künstlers Frans Hals (1581/85-1666) . Heithuissen war ein wohlhabender, aber engstirniger und äußerst eitler Mann. Von Natur aus rustikal, strebte er dennoch danach, den adligen Aristokraten mit der Eleganz zu ähneln, die sein Reichtum offenbar erlangen durfte. Hals ist lächerlich und den Ansprüchen dieses Emporkömmlings fremd. Denn so beharrlich und mit einem gewissen Maß an Sarkasmus macht er das Porträtbild dual. Zuerst fällt uns Heithuissens entspannte Haltung auf, sein überaus eleganter Anzug, sein Hut mit adretten Krempe und dann sein ausdrucksloses, blasses, nicht mehr junges Gesicht mit stumpfer Miene. Das prosaische Wesen dieses Mannes kommt trotz aller Tricks, es zu verbergen, zum Vorschein. Die innere Inkonsistenz und Instabilität des Bildes wird vor allem durch die ursprünglich gelöste Komposition des Porträts deutlich. Heithuissen sitzt mit einer Peitsche in der Hand, wie nach einem Ausritt, auf einem Stuhl, den er zu schwingen scheint. Diese Pose lässt darauf schließen, dass der Künstler den Zustand des Modells in kurzer Zeit schnell erfasst hat. Und die gleiche Haltung verleiht dem Bild einen Hauch innerer Entspannung und Lethargie. Es liegt etwas Erbärmliches in diesem Mann, der versucht, das unvermeidliche Absterben, die Eitelkeit der Wünsche und die innere Leere vor sich selbst zu verbergen.

Lucas Cranach

In der Abteilung für deutsche Malerei des Brüsseler Museums erregt das brillante Werk von Lucas Cranach dem Älteren Aufmerksamkeit. (1472-1553) . Dies ist ein Porträt von Dr. Johann Schering aus dem Jahr 1529. Das Bild eines willensstarken, starken Mannes ist typisch für die Kunst der deutschen Renaissance. Aber Cranach fängt jedes Mal die individuellen Qualitäten des Geistes und Charakters ein und offenbart sie in der physischen Erscheinung des Modells, das von seiner Einzigartigkeit scharf erfasst wird. Im strengen Blick von Shering und in seinem Gesicht kann man eine Art kalte Besessenheit, Starrheit und Unnachgiebigkeit spüren. Sein Bild wäre einfach unangenehm, wenn die enorme innere Stärke nicht Respekt vor dem besonderen Charakter dieses Mannes hervorrufen würde. Auffallend ist die Virtuosität des grafischen Könnens des Künstlers, der die hässlichen großen Gesichtszüge und die vielen kleinen Details des Porträts so scharf wiedergibt.

Italienische und französische Sammlungen

Die Sammlung von Gemälden italienischer Künstler könnte das Interesse der Museumsbesucher wecken, da sie Werke von Tintoretto, dem großen Maler, dem letzten Titanen der italienischen Renaissance, enthält. „Hinrichtung des hl. Markus“ ist eine Leinwand eines Zyklus, der dem Leben eines Heiligen gewidmet ist. Das Bild ist durchdrungen von stürmischer Dramatik, leidenschaftlichem Pathos. Nicht nur die Menschen, auch der Himmel in zerrissenen Wolken und das tosende Meer schienen den Tod eines Menschen zu betrauern.

Zu den Meisterwerken der französischen Sammlung zählen das Porträt eines jungen Mannes von Mathieu Lenin und die Landschaft von Claude Lorrain.

In der Abteilung für alte Kunst gibt es derzeit mehr als tausend Kunstwerke, von denen viele in der Lage sind, dem Betrachter ein tiefes ästhetisches Vergnügen zu bereiten.

Jacques Louis David

Der zweite Teil des Königlichen Museums der Schönen Künste – Kunstsammlungen aus dem 19. und 20. Jahrhundert. Sie enthalten überwiegend Werke belgischer Meister. Das herausragendste Werk der französischen Schule, das im Museum aufbewahrt wird, ist „Der Tod des Marat“ von Jacques Louis David (1748-1825) .

David ist ein berühmter Künstler Frankreichs, der Kopf des revolutionären Klassizismus, dessen historische Gemälde in den Jahren vor der französischen bürgerlichen Revolution eine große Rolle bei der Erweckung des Bürgerbewusstseins seiner Zeitgenossen spielten. Die meisten vorrevolutionären Gemälde des Künstlers befassten sich mit Themen aus der Geschichte des antiken Griechenlands und Roms, doch die revolutionäre Realität zwang David, sich der Gegenwart zuzuwenden und darin einen Helden zu finden, der eines Ideals würdig war.

„Maratu – David. Jahr zwei“ – so lautet die lakonische Inschrift auf dem Bild. Es wird als Epitaph wahrgenommen. Marat – einer der Anführer der Französischen Revolution – wurde 1793 getötet (nach Revolutionsrechnung im zweiten Jahr) Royalistin Charlotte Corday. „Freund des Volkes“ wird im Moment des Todes unmittelbar nach dem Schlag dargestellt. Ein blutiges Messer wird in die Nähe des Heilbades geworfen, in dem er trotz körperlicher Leiden arbeitete. Eine raue Stille erfüllt das Bild, das wie ein Requiem für einen gefallenen Helden klingt. Seine Figur ist kraftvoll mit Hell-Dunkel geformt und ähnelt einer Statue. Der geworfene Kopf und die gefallene Hand schienen in ewigem, feierlichem Frieden erstarrt zu sein. Die Komposition besticht durch die Strenge der Objektauswahl und die Klarheit linearer Rhythmen. Der Tod von Marat wird von David als heroisches Drama über das Schicksal eines großen Bürgers wahrgenommen.

Der Belgier Francois Joseph Navez wurde Schüler Davids, der seine letzten Lebensjahre im Exil und in Brüssel verbrachte. (1787-1863) . Bis zu seinem Lebensende blieb Navez der von seinem Lehrer geschaffenen Tradition treu, insbesondere in der Porträtmalerei, obwohl er diesem Genre einen Hauch romantischer Interpretation des Bildes einbrachte. Eines der berühmtesten Werke des Künstlers „Porträt der Familie Emptinn“ wurde 1816 geschrieben. Der Betrachter vermittelt unwillkürlich, dass das junge und schöne Paar Liebes- und Glücksgefühle verbindet. Wenn das Bild einer Frau voller ruhiger Freude ist, dann ist das männliche Bild voller romantischer Geheimnisse und einer leichten Spur von Traurigkeit.

Belgische Malerei des 19. und 20. Jahrhunderts

In den Sälen des Museums können Sie die Werke der größten belgischen Maler des 19. Jahrhunderts sehen: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger. Jan Stobbarts wird eines seiner besten Gemälde präsentiert, „Bauernhof in Kreiningen“, das wirklich die Bauernarbeit in Belgien darstellt. Obwohl der Künstler Autodidakt war, ist das Gemälde hervorragend konstruiert und von hoher malerischer Qualität. Das Thema könnte von Rubens‘ „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ inspiriert worden sein. Stobbarts war einer der ersten Maler des 19. Jahrhunderts, der die Prinzipien des Realismus verkündete.

Der Beginn seiner künstlerischen Laufbahn war schwierig. Das an das romantische Konzept des künstlerischen Bildes gewöhnte Antwerpener Publikum lehnte seine wahrheitsgetreuen Gemälde empört ab. Dieser Gegensatz erwies sich als so stark, dass Stobbarts schließlich gezwungen war, nach Brüssel zu ziehen.

Das Museum verfügt über 27 Gemälde des berühmten belgischen Künstlers Henri de Brakeleur. (1840-1888) , der Neffe und Schüler von A. Leys, einem herausragenden Historienmaler, war. Erhöhtes Interesse an der nationalen Geschichte Belgiens, seinen Traditionen, seiner Lebensweise und seiner Kultur, verbunden bei de Brakeler mit einem seltsamen Gefühl der Liebe, voller leichtem Bedauern und Sehnsucht nach der Vergangenheit. Seine Genreszenen sind durchdrungen von Erinnerungen an die Vergangenheit, seine Figuren ähneln Menschen vergangener Jahrhunderte, umgeben von Antiquitäten und Gegenständen. Im Werk von de Brakelera gibt es zweifellos ein Element der Stilisierung. Insbesondere sein Gemälde „Geograph“ ähnelt dem Werk der niederländischen Meister des 17. Jahrhunderts G. Metsu und N. Mas. Auf dem Bild sehen wir einen alten Mann, der auf einem Samthocker aus dem 17. Jahrhundert sitzt und in die Betrachtung eines alten bemalten Satins vertieft ist.

Gemälde von James Ensor (1860-1949) „Dame in Blau“ (1881) weist Spuren des starken Einflusses des französischen Impressionismus auf. Die malerische Skala besteht aus Blau-, Blaugrau- und Grüntönen. Ein lebendiger und freier Schlag vermittelt Vibration und Luftbewegung.

Die malerische Interpretation des Bildes verwandelt das Alltagsmotiv in eine poetische Szene. Die gesteigerte Bildwahrnehmung des Künstlers, sein Hang zur Fantasie und der ständige Wunsch, das Gesehene in etwas Außergewöhnliches zu verwandeln, spiegeln sich auch in seinen brillanten Stillleben wider, deren erfolgreichstes Beispiel der Brüsseler Skat ist. Seefisch ist mit seiner scharfen rosa Farbe und Form abstoßend schön, als würde er vor den Augen verschwimmen, und sein betörend durchdringender Blick, der direkt auf den Betrachter gerichtet ist, hat etwas Unangenehmes und Verstörendes.

Ensor lebte ein langes Leben, aber die Tätigkeit seines Schaffens fällt auf die Zeit von 1879 bis 1893. Die Ironie Ensors, die Ablehnung der hässlichen Züge der menschlichen Natur mit gnadenlosem Sarkasmus, manifestiert sich in zahlreichen Gemälden mit Karnevalsmasken, die auch im Brüsseler Museum zu sehen sind. Zweifellos Ensors sukzessive Verbindung mit der Kunst von Bosch und Brueghel.

Rick Wauters, der beste Kolorist und begabteste Bildhauer, der im Ersten Weltkrieg starb (1882-1916) im Museum als Gemälde und Skulpturen vertreten. Der Künstler erlebte den stärksten Einfluss von Cézanne, schloss sich der Strömung des sogenannten „Brabant-Fauvismus“ an, wurde aber dennoch zu einem zutiefst originellen Meister. Seine temperamentvolle Kunst ist durchdrungen von leidenschaftlicher Liebe zum Leben. In „Die Dame mit der gelben Halskette“ erkennen wir seine Frau Nel, die in einem Sessel sitzt. Der festliche Klang der gelben Farbe der Vorhänge, des rot-karierten Karos, der grünen Girlanden auf der Tapete, des Blaus des Kleides weckt ein Gefühl der Lebensfreude, das die ganze Seele fesselt.

Das Museum beherbergt mehrere Werke des herausragenden belgischen Malers Permeke (1886-1952) .

Constant Permeke gilt weithin als der Kopf des belgischen Expressionismus. Belgien war nach Deutschland das zweite Land, in dem dieser Trend einen großen Einfluss auf das künstlerische Umfeld erlangte. Die Helden von Permeke, meist Menschen aus dem Volk, werden mit bewusster Grobheit dargestellt, die laut Autor ihre natürliche Stärke und Kraft offenbaren soll. Permeke greift auf Deformation zurück, ein vereinfachtes Farbschema. Dennoch verspürt man in seiner „Verlobten“ eine Art Monumentalisierung, wenn auch primitive Bilder, den Wunsch, den Charakter und die Beziehung eines Seemanns und seiner Freundin zu offenbaren.

Unter den Meistern des realistischen Trends des 20. Jahrhunderts ragen Isidore Opsomer und Pierre Polus heraus. Der erste ist als wunderbarer Porträtmaler bekannt („Porträt von Jules Destre“), der zweite - als Künstler, der wie C. Meunier sein Werk der Darstellung des schwierigen Lebens der belgischen Bergleute widmete. In den Sälen des Museums sind auch Werke belgischer Künstler ausgestellt, die anderen Strömungen der zeitgenössischen Kunst angehören, vor allem dem Surrealismus und dem Abstraktionismus.

Belgische Künstler Belgiens (belgische Künstler)

Königreich Belgien

„Zeitgenössische belgische Malerei. Künstler aus Belgien»

Belgische und zeitgenössische Künstler.

Belgien!
Belgien! Belgien Land!
Belgien! Staat Belgien!
Belgien! Der offizielle Name des belgischen Staates ist Königreich Belgien!

Belgien! Das Königreich Belgien ist ein Staat in Nordwesteuropa.
Belgien! Das Königreich Belgien ist Mitglied der Europäischen Union (EU), der Vereinten Nationen (UN) und des Nordatlantischen Militärblocks (NATO).
Belgien! Das Königreich Belgien umfasst eine Fläche von 30.528 km².
Belgien! Königreich Belgien! Heute leben mehr als 10 Millionen Menschen im Königreich. Die überwiegende Mehrheit der belgischen Bevölkerung lebt in Städten – bereits im Jahr 2004 etwa 97 %.
Belgien! Königreich Belgien! Die Hauptstadt des belgischen Königreichs ist die Stadt Brüssel.
Belgien! Königreich Belgien! Belgien grenzt im Norden an die Niederlande, im Osten an Deutschland, im Südosten an Luxemburg und im Süden und Westen an Frankreich. Das Königreich Belgien im Nordwesten hat Zugang zur Nordsee.
Belgien! Königreich Belgien! Die Regierungsform in Belgien ist eine konstitutionelle parlamentarische Monarchie, die Form der administrativ-territorialen Struktur ist eine Föderation.

Belgien Geschichte Belgiens
Belgische Vorgeschichte
Belgien Geschichte Belgiens Die ältesten Spuren der Anwesenheit von Hominiden im Gebiet des zukünftigen Belgiens wurden auf dem Hügel von Allambe in der Nähe des Berges Saint-Pierre (Sint-Petersberg) in der Provinz Lüttich gefunden und stammen aus der Zeit vor etwa 800.000 Jahren.
Belgien Geschichte Belgiens im Zeitraum 250-35.000 Jahre v. Chr. e. Das belgische Territorium wurde von Neandertalern bewohnt, hauptsächlich in den Provinzen Lüttich und Namur.
Belgien Geschichte Belgiens Um 30.000 v. Chr. e. Neandertaler verschwinden, vertrieben von Cro-Magnons. Die letzte Eiszeit in diesem Gebiet endete etwa 10.000 v. Chr. e. Zu dieser Zeit war der Meeresspiegel an diesen Orten deutlich niedriger als heute, so dass zwischen Belgien und dem modernen England eine Landverbindung bestand, die später verschwand.
Belgien Geschichte Belgiens Während der Jungsteinzeit wurde in Belgien aktiv Silizium abgebaut, wie die prähistorische Spienne-Mine beweist.
Belgien Geschichte Belgiens Die ersten Anzeichen der Bronzezeit in Belgien stammen aus der Zeit um 1750 v. Chr. e.
Belgien Geschichte Belgiens seit dem 5. Jahrhundert v. Chr. e. und vor Beginn e. In Belgien blüht die gallische La-Tène-Kultur und pflegt Handels- und Kulturbeziehungen mit dem Mittelmeerraum. Von hier aus führten die gallischsprachigen Stämme eine Expansion nach Osten bis nach Kleinasien durch. Das Wort „Belgien“ selbst leitet sich vom Namen des gallischen Stammes der Belgier ab, der dieses Land zu Beginn unserer Zeitrechnung bewohnte. Unter den Stämmen, die das Gebiet Belgiens bewohnten, sind aus historischen Quellen Eburonen, Aduaten, Nervier und Menapen bekannt.

Belgien Geschichte Belgiens
Belgien, römische Zeit
Belgien Geschichte Belgiens im Jahr 54 v. Chr. e. Das Gebiet des modernen Belgiens wurde von den Truppen des römischen Kaisers Julius Cäsar erobert und in die römische Provinz Gallien eingegliedert.
Belgien Geschichte Belgiens Nach dem Untergang des Weströmischen Reiches wurde im 5. Jahrhundert die römische Provinz Gallien von den germanischen Stämmen der Franken erobert.

Belgien Geschichte Belgiens
Belgien Geschichte Belgiens vor der Unabhängigkeit
Belgien Geschichte Belgiens Im Mittelalter war Belgien Teil des Herzogtums Burgund.
Belgien Geschichte Belgiens 1477-1556 In dieser Zeit gelangte der burgundische Besitz durch die dynastische Hochzeit Marias von Burgund in das Heilige Römische Reich.
Belgien Geschichte Belgiens 1556-1713 In diesen Jahren stand das Gebiet des heutigen Belgien unter der Kontrolle Spaniens. Der Dreißigjährige Krieg markierte den Beginn der Trennung der belgischen Gebiete von den protestantischen Niederlanden.
Belgien Geschichte Belgiens 1713-1792 Das Gebiet des heutigen Belgien wurde als Österreichische Niederlande in das Heilige Römische Reich eingegliedert.
Belgien Geschichte Belgiens 1792-1815 Das Gebiet des heutigen Belgien geriet unter die Kontrolle Frankreichs.
Belgien Geschichte Belgiens 1815-1830 Das Gebiet des heutigen Belgien wurde gemäß der Entscheidung des Wiener Kongresses in das Königreich der Vereinigten Niederlande eingegliedert. Allerdings waren viele in Belgien mit der erzwungenen Vereinigung mit den Niederlanden unzufrieden (vor allem die französischsprachige Bevölkerung und der katholische Klerus, die eine Stärkung der Rolle der niederländischen Sprache bzw. des protestantischen Bekenntnisses befürchteten).

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Belgien Belgische Revolution Belgischer Staat
Belgien Geschichte Belgiens Im Jahr 1830 zog sich Belgien infolge der belgischen Revolution aus dem niederländischen Königreich zurück. Im Jahr 1830 erhielt das proklamierte Königreich Belgien erstmals den Status eines unabhängigen Staates.
Belgien Geschichte Belgiens Das Königreich Belgien begann nach der Erlangung der Unabhängigkeit mit der intensiven Entwicklung seiner Wirtschaft. Belgien war beispielsweise das erste Land in Kontinentaleuropa, in dem 1835 die Eisenbahnstrecke Mechelen-Brüssel gebaut wurde.
Belgien Geschichte Belgiens Belgien hat während des Ersten Weltkriegs schwer gelitten. Die Belgier nennen diesen Krieg noch immer den „Großen Krieg“. Obwohl der größte Teil Belgiens besetzt war, hielten belgische und britische Truppen während des Krieges einen kleinen Teil des Landes, eingeklemmt zwischen der Nordsee und dem Fluss Yser.
Belgien Geschichte Belgiens Die Geschichte der belgischen Stadt Ypern ist besonders tragisch – während des Krieges wurde sie fast vollständig zerstört. Hier, in der Nähe der Stadt Ypern, wurde zum ersten Mal in der Geschichte der Kriege Giftgas (Chlor) eingesetzt. Und das zwei Monate später eingesetzte Senfgas wurde nach dieser Stadt benannt.
Belgien Geschichte Belgiens Am 3. April 1925 wurde zwischen Belgien und den Niederlanden ein Abkommen zur Revision des Vertrags von 1839 geschlossen. Aufhebung der langen Neutralität Belgiens und Entmilitarisierung des Hafens von Antwerpen.
Belgien Geschichte des Zweiten Weltkriegs in Belgien (1940-1944). Während des Zweiten Weltkriegs besetzten die Deutschen Belgien. Die belgische Regierung flieht nach England und König Leopold III. wird nach Deutschland deportiert, da er am 28. Mai 1940 die Kapitulationsurkunde unterzeichnet. Für die Dauer der deutschen Besatzung in Belgien wird das Regime der deutschen Militärverwaltung unter dem Kommando von General von Falkenhausen eingeführt.
Belgien Geschichte Belgiens Die Befreiung Belgiens von deutschen Truppen beginnt am 3. September 1944 mit dem Einmarsch britischer Truppen in Brüssel. 11. Februar 1945 Belgien beginnt seine eigene Regierung.

Belgien Geschichte Belgiens
Belgien Königreich Belgien Moderne Geschichte Belgiens
Belgien Geschichte Belgiens 4. April 1949 Das Königreich Belgien tritt der NATO bei.
Belgien Geschichte Belgiens Im Jahr 1957 trat das Königreich Belgien der Europäischen Wirtschaftsgemeinschaft (EWG) bei.

Belgien Belgien Kultur

Belgien Kultur Belgiens Ein Merkmal des kulturellen Lebens Belgiens ist das Fehlen eines einzigen kulturellen Bereichs.
Belgien Kultur Belgiens Tatsächlich konzentriert sich das kulturelle Leben im belgischen Königreich auf die Sprachgemeinschaften. In Belgien gibt es kein landesweites Fernsehen, keine Zeitungen oder andere Medien.

Belgische Kultur Belgiens Kunst Belgiens
Belgien Belgische Kunst
Belgien Bereits in der Renaissance wurde Flandern für seine Malerei (flämische Primitiven) berühmt.
Belgien Später lebte und arbeitete der berühmte Künstler Rubens in Flandern (in Belgien wird die Stadt Antwerpen immer noch oft als Rubensstadt bezeichnet). In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts war die flämische Kunst jedoch allmählich zurückgegangen.
Belgien Der neue Aufschwung der Bildkunst in Belgien gehört zu den Perioden der Romantik, des Expressionismus und des Surrealismus. Weltberühmte belgische Künstler: James Ensor (Expressionismus und Surrealismus), Constant Permeke (Expressionismus), Leon Spilliart (Symbolismus).
Belgien Der berühmteste Künstler Belgiens ist zweifellos René Magritte, der als einer der bedeutendsten Vertreter des Surrealismus gilt.
Belgien Am 2. Juni 2009 wurde in Brüssel im Komplex der Königlichen Museen der Schönen Künste ein neues Museum des belgischen surrealistischen Künstlers Rene Magritte (1898-1967) eröffnet. Die Ausstellung umfasst rund 250 Werke. Das neue Museum ist zur weltweit größten Ausstellung von Gemälden von René Magritte geworden.

Belgische Kultur Belgiens Kunst Belgiens
Belgien Belgische Kunst Belgische Künstler Belgische Malerei
Belgien! Belgische Künstler (belgische Maler und Bildhauer), belgische Maler (belgische Meister der Malerei) sind auf der ganzen Welt bekannt und schaffen wunderschöne Bilder. Die Arbeit belgischer Künstler ist sehr vielfältig. Belgische Künstler (belgische Maler) stellen ihre Werke häufig auf internationalen Ausstellungen auf der ganzen Welt aus, auch in Russland.

Belgien! Belgische Künstler (belgische Künstler) unterstützen angemessen die historischen Traditionen der belgischen Malschule.
Belgien! Künstler Belgiens (belgische Künstler) Unsere Galerie präsentiert die Werke interessanter und talentierter Künstler, die in Belgien leben.

Belgien! Belgische Künstler (belgische Künstler) Belgische Künstler und ihre Werke verdienen die besondere Aufmerksamkeit echter Kunstliebhaber.
Belgien! Belgische Künstler (belgische Künstler) Belgische Künstler werden für ihr Talent, ihren originellen Stil und ihre Professionalität geschätzt.
Belgien! Belgische Künstler (moderne belgische Künstler) Gemälde belgischer Künstler werden in allen Ländern der Welt geliebt und gerne gekauft.

Belgien! Belgische Künstler (moderne belgische Künstler) In unserer Galerie können Sie wunderschöne und interessante Werke der besten belgischen Künstler und der besten belgischen Bildhauer finden und bestellen!