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Abstrakte Landschaftspoetische und musikalische Malerei. Landschaftspoetische und musikalische Malerei

Die unprätentiöse Schönheit des zentralrussischen Streifens erregte lange Zeit nicht die Aufmerksamkeit der Künstler. Langweilige, eintönige flache Landschaften, grauer Himmel, Tauwetter im Frühling oder von der Hitze verdorrtes Sommergras ... Was ist daran poetisch?

Russische Künstler des 19. Jahrhunderts. A. Savrasov, I. Levitan, I. Shishkin und andere entdeckten die Schönheit ihres Heimatlandes. Die Menschen sahen in ihren Gemälden zum ersten Mal sowohl die durchsichtige Frühlingsluft als auch die mit Frühlingssaft gefüllten Birken; hörte fröhliches, hoffnungsvolles, freudiges Vogelgezwitscher. Und der Himmel scheint nicht so grau und trostlos zu sein, und der Frühlingsschlamm amüsiert und erfreut das Auge. Hier zeigt sich, wie die russische Natur ist – sanft, nachdenklich, berührend! Danke an das Bild AlexejKondratijewitsch Sawrasow(1830-1897) „Die Türme sind angekommen“ Russische Künstler spürten die Liedhaftigkeit der russischen Natur und russische Komponisten spürten die Landschaft russischer Volkslieder.

Im 20. Jahrhundert. in der ausländischen bildenden Kunst entstand eine Richtung, die „Impressionismus“ (vom französischen Impression – Impression) genannt wurde. Impressionistische Künstler versuchten, in ihren Gemälden flüchtige Eindrücke der realen Welt einzufangen.

Eine lehrreiche und sogar lustige Geschichte ereignete sich mit dem Gemälde „Westminster Abbey“ eines französischen Impressionisten ClaudeMonet (1840-1926).

Die an den Nebel gewöhnten Londoner kannten genau seine Farbe – Grau. Und wie erstaunt und sogar empört waren sie, als sie in der Ausstellung ein Gemälde von Monet sahen. Darauf stellten sie fest, dass der Nebel, der die Umrisse der Burg verwischt, einen purpurnen Farbton hat! Als die Leute auf die Straße gingen, stellten sie zu ihrer Überraschung fest, dass der Nebel tatsächlich purpurrot war! Tatsächlich kann der Nebel je nach Wetter, Tageszeit und Brechung der Sonnenstrahlen eine ganz andere Farbe annehmen. Aber es war der Künstler, der dieses Merkmal für alle bemerkte und entdeckte.

・Sehen Sie malerische Landschaften. Erklären Sie, wie die Merkmale Farbe, Farbe, Rhythmus und Komposition dazu beitragen, verschiedene Naturbilder zu erstellen, die auf diesen Leinwänden festgehalten werden.

· Wie verstehen Sie die Worte des russischen Dichters I. Bunin?

Nein, es ist nicht die Landschaft, die mich anzieht,

Der gierige Blick wird die Farben nicht bemerken,

Und was leuchtet in diesen Farben:

Liebe und Lebensfreude.

· Wählen Sie malerische, literarische und musikalische Werke aus, die den emotionalen Reichtum der Welt offenbaren, und bereiten Sie ein Gespräch mit jüngeren Schülern über die Schönheit und Harmonie der umgebenden Natur vor.

Sehen Sie sich einen Film an – eine Verfilmung eines Werks russischer Klassiker. Welche Rolle spielt die Landschaft im Film?

Schreiben Sie Skizzen (literarisch oder bildlich), in denen Sie die Natur in verschiedenen emotionalen Zuständen (zu verschiedenen Tages- oder Jahreszeiten) darstellen.

Sichtbare Musik

Zuhörer auf der ganzen Welt kennen und lieben die Meisterwerke der Musikklassiker – „Die Jahreszeiten“ – ein Konzertzyklus des italienischen Komponisten des 18. Jahrhunderts. Antonio Vivaldi(1678-1741) und ein Zyklus von Klavierstücken eines russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts. Pjotr Iljitsch Tschaikowsky(1840-1893). Beide Kompositionen gehören zur Programmmusik: Sie tragen Titel und werden von poetischen Zeilen begleitet – Sonette des Komponisten selbst in Vivaldis Konzerten und Gedichte russischer Dichter zu jedem der 12 Stücke von Tschaikowskys Zyklus.

In russischen Landschaftsstimmungen – poetisch, bildlich und musikalisch – vermitteln Naturbilder dank der erstaunlichen liedhaften Intonationen, Melodien, die wie ein endloses Lied, wie die Melodie einer Lerche, das lyrische Verlangen der menschlichen Seele nach Schönheit vermitteln, den Menschen helfen um den poetischen Inhalt von Naturskizzen besser zu verstehen.

Mit diesen Worten beschrieb er seine Eindrücke vom Gemälde von I. Levitan „Frühling. Big Water“, ein Kenner der russischen Malerei M. Alpatov:

Dünne, wie Kerzen, mädchenhaft schlanke Birken sehen aus wie die, die seit jeher in russischen Liedern gesungen werden. Das Spiegelbild der Birken im klaren Wasser bildet sozusagen ihre Fortsetzung, ihr Echo, ihr melodisches Echo, sie lösen sich mit ihren Wurzeln im Wasser auf, ihre rosa Zweige verschmelzen mit dem Blau des Himmels. Die Konturen dieser gebogenen Birken klingen wie eine sanfte und traurig-traurige Flöte, aus diesem Chor brechen einzelne Stimmen kräftigerer Stämme hervor, allen stehen ein hoher Kiefernstamm und dichte grüne Fichten gegenüber.

Warum hat mich eine einfache russische Landschaft, warum ein Spaziergang im Sommer in Russland, auf dem Land, durch die Felder, durch den Wald, abends in der Steppe, dazu geführt, dass ich mich auf den Boden legte? in einer Art Erschöpfung durch den Zustrom der Liebe zur Natur, diese unerklärlich süßen und berauschenden Eindrücke, die der Wald, die Steppe, der Fluss, das ferne Dorf, die bescheidene Kirche, mit einem Wort, alles, was die elende russische Heimatlandschaft ausmachte über mich gebracht? Warum das alles?

P. Tschaikowsky

Achten Sie auf die Beinamen in der Bildbeschreibung. Warum hat der Autor musikalische Vergleiche verwendet?

· Was zieht Komponisten und Künstler an der russischen Natur an?

· Hören Sie Fragmente von Programmwerken von A. Vivaldi und P. Tschaikowsky. Welche Gefühle löst diese Musik in Ihnen aus?

Finden Sie in ihnen ähnliche und unterschiedliche Merkmale, Ausdrucksmittel, die die Haltung der Komponisten zur Natur vermitteln. Was unterscheidet russische Musik von italienischer?

Welche visuellen, literarischen Assoziationen wecken Sie bei dem Eindruck dieser Werke? Passen Sie den Text an die Musik an.

· Hören Sie sich moderne Arrangements klassischer Naturwerke an. Was bringen moderne Interpreten Neues in die Interpretation Ihnen bekannter Melodien ein?

Künstlerische und kreative Aufgabe

Besorgen Sie sich Reproduktionen von Landschaftsgemälden. Schreiben Sie eine kurze Geschichte über eines der Gemälde in Ihrem kreativen Notizbuch und finden Sie musikalische Literaturbeispiele dafür.

Der Mann im Spiegel der Kunst: Genreporträt

Porträt (französisches Porträt) – ein Bild einer bestimmten Person oder Personengruppe. Das Porträtgenre verbreitete sich in der Antike in der Bildhauerei, dann in der Malerei und Grafik. Es gibt Prunk- und Kammerporträts. Es gibt Paar- und Gruppenporträts. Sie sollen die Hauptsäle schmücken, bestimmte Personen loben und die Erinnerung an Menschen bewahren, die durch berufliche, spirituelle und familiäre Bindungen verbunden sind. Eine besondere Kategorie ist das Selbstporträt, in dem der Künstler sich selbst darstellt. Jedes der Porträts kann entweder einem psychologischen Porträt, einem Charakterporträt oder einem Biografieporträt zugeordnet werden.

Kunst hilft, einen Menschen kennenzulernen. Nicht nur, um sein Aussehen zu sehen, sondern auch, um sein Wesen, seinen Charakter, seine Stimmung usw. zu verstehen. Das Porträt ist fast immer realistisch. Denn sein Hauptziel ist die Wiedererkennung der darauf abgebildeten Person. Die Aufgabe des Künstlers besteht jedoch in der Regel nicht darin, die äußeren Merkmale des Modells genau zu kopieren, nicht die Natur nachzuahmen, sondern das Bild einer Person „malerisch nachzubilden“. Es ist kein Zufall, dass der Wunsch entsteht, sich im Porträt nicht nur wiederzuerkennen, sondern vielleicht sogar etwas Neues in sich selbst zu entdecken.

Die Haltung des Künstlers zum Modell wird dem Betrachter unwillkürlich vermittelt. Wichtig ist alles, was Emotionen, Lebensgefühl, Menschen zum Ausdruck bringt: die Mimik des abgebildeten Gesichts, der Ausdruck der Augen, die Lippenlinie, die Kopfdrehung, Körperhaltung, Gestik.

Oft interpretieren wir ein Werk aus der Position eines Menschen von heute, wir schreiben ihm Charaktereigenschaften zu, die für seine Zeit völlig untypisch sind, das heißt, wir streben danach, das Unbekannte durch das Bekannte zu verstehen.

Religiöse Vorstellungen im alten Ägypten, die mit dem Totenkult verbunden waren, bestimmten den Wunsch, im skulpturalen Bild einer Person eine Porträtähnlichkeit zu vermitteln: Die Seele des Verstorbenen musste ihr Gefäß finden. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Archäologen haben der ganzen Welt ein wunderbares Porträtbild von Königin Nofretete entdeckt. Erstellt im IV. Jahrhundert. Chr Das heißt, dieses Bild besticht durch die Glätte der Profillinien, die Anmut des flexiblen Halses, die luftige Leichtigkeit und die fließenden Übergänge der unregelmäßigen, aber schönen Züge des weiblichen Gesichts.

In der Kunst des antiken Griechenlands nehmen verallgemeinerte, idealisierte Bilder von Helden oder Göttern einen besonderen Platz ein. In der Verschmelzung von Geistigem und Körperlichem sahen Künstler und Bildhauer die Verkörperung der Schönheit und Harmonie des Menschen.

In seinem berühmten „Discobolus“ Bildhauer des 5. Jahrhunderts. Chr e Miron versucht vor allem, mit der Stabilität und Monumentalität der Körperlinien ein Gefühl von Bewegung zu vermitteln, ohne die Aufmerksamkeit des Publikums auf die Gesichtszüge zu lenken.

Eine besondere Zärtlichkeit und Wärme geht von der Statue der Aphrodite, der Göttin der Liebe und Schönheit, aus, die der Bildhauer Praxiteles im 4. Jahrhundert v. Chr. schuf. Chr. für einen Tempel auf Kreta. In diesem Bild gibt es keine göttliche Majestät, das Bild strahlt erstaunlichen Frieden und Keuschheit aus.

Das römische Porträt ist mit dem Ahnenkult verbunden, mit dem Wunsch, ihr Aussehen für die Nachwelt zu bewahren. Dies trug zur Entwicklung eines realistischen Porträts bei. Es zeichnet sich durch individuelle Merkmale einer Person aus: Größe, Zurückhaltung oder Grausamkeit und Despotismus, Spiritualität oder Arroganz.

Im Mittelalter reagierte die sinnlich-plastische Sprache der Skulptur auf die Idee der Abstraktheit des Bildes, seiner Verbindung mit dem göttlichen Geist. Trotz der Einschränkung religiöser Kunst durch Normen und Regeln erscheinen Bilder voller aufregender Schönheit und tiefem menschlichem Gefühl.

Die Porträtkunst der Renaissance scheint die Grundsätze der Antike und des Mittelalters zu vereinen. Es erklingt erneut eine feierliche Hymne an einen mächtigen Mann mit seiner einzigartigen körperlichen Erscheinung, seiner spirituellen Welt, seinen individuellen Charaktereigenschaften und seinem Temperament.

In „Selbstporträt“ Albrecht Dürer (1471-1528) kann man den Wunsch des Künstlers erahnen, einen idealisierten Helden zu finden. Die Bilder der Universalgenies des 16. Jahrhunderts, der Meister der Hochrenaissance – Leonardo da Vinci und Rafael Santi – verkörpern den Idealmenschen dieser Zeit.

Im 17. Jahrhundert. Das Hauptkriterium der Kunst ist die materielle Welt, wahrgenommen durch die Sinne. Die Nachahmung der Realität ersetzte im Porträt die Unverständlichkeit und Unerklärlichkeit der seelischen Erscheinungen eines Menschen, seiner vielfältigen spirituellen Impulse. Der Charme von weichem Samt und luftiger Seide, flauschigem Fell und fragilem Glas, zartem, mattem Leder und funkelndem Hartmetall wird zu dieser Zeit mit höchstem Können vermittelt.

Zu den berühmten Porträt-Meisterwerken dieser Zeit gehört der „Lautenspieler“. Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), in dem der Künstler ein Motiv aus dem realen Alltag entwickelt.

Ende des 16. Jahrhunderts im Werk des spanischen Künstlers ElGreco (1541 -1614) erscheint eine neue Art von Porträt, die die ungewöhnliche innere Konzentration eines Menschen, die Intensität seines spirituellen Lebens, das Eintauchen in seine eigene innere Welt vermittelt. Dazu nutzt der Künstler scharfe Lichtkontraste, originelle Farbgebung, ruckartige Bewegungen oder eingefrorene Posen. Die von ihm geprägten blassen, länglichen Gesichter mit riesigen dunklen, wie bodenlosen Augen zeichnen sich durch Spiritualität und einzigartige Schönheit aus.

Porträts des großen Holländers Rembrandt(1606-1669) gelten nicht ohne Grund als der Höhepunkt der Porträtkunst. Sie werden zu Recht Porträts-Biografien genannt. Rembrandt wurde als Dichter des Leidens und des Mitgefühls bezeichnet. Menschen, die bescheiden, bedürftig und von allen vergessen sind, liegen ihm am Herzen. Mit besonderer Liebe geht der Künstler auf die „Gedemütigten und Beleidigten“ ein. Aufgrund seiner Arbeit wird er mit F. Dostojewski verglichen. Seine Porträts-Biografien spiegeln das komplexe, von Nöten und Entbehrungen geprägte Schicksal der einfachen Menschen wider, die trotz der schweren Prüfungen, die ihnen widerfahren sind, ihre Menschenwürde und Wärme nicht verloren haben.

Kaum wurde die Schwelle zwischen dem 17. Jahrhundert überschritten. Ab XVIII werden wir in den Porträts eine andere Art von Menschen sehen, die sich von ihren Vorgängern unterscheidet. Die höfische und aristokratische Kultur brachte den Stil des Rokoko mit seinen raffinierten, verführerischen, nachdenklich trägen, träumerisch verschwommenen Bildern in den Vordergrund. Zeichnen von Künstlerporträts AntoineWatteau (1684-1721),Francois Boucher(1703-1770) usw. leicht, beweglich, ihre Farbgebung ist voller anmutiger Modulationen, sie zeichnet sich durch eine Kombination exquisiter Halbtöne aus.

Die Suche nach dem Heroischen, Bedeutsamen, Monumentalen in der Kunst ist im 18. Jahrhundert verbunden. mit revolutionärer Veränderung. Eines der genialsten skulpturalen Porträts der Weltkunst ist das Denkmal für Peter I. des französischen Bildhauers EtienneMaurice Falcone(1716-1791), errichtet 1765-1782 in St. Petersburg. Es ist als Abbild eines Genies und Schöpfers konzipiert. Unbezwingbare Energie, betont durch die schnelle Bewegung von Pferd und Reiter, drückt sich in der herrischen Geste einer ausgestreckten Hand, in einem mutigen, offenen Gesicht aus, auf dem Furchtlosigkeit, Wille und Klarheit des Geistes zu sehen sind.

19. Jahrhundert führte in die Porträtkunst die Variabilität des künstlerischen Geschmacks, die Relativität des Schönheitsbegriffs ein. Innovative Suchen in der Malerei zielen nun auf die Annäherung an die Realität, auf die Suche nach der Vielfalt der Bilder.

In der Romantik wird das Porträt als Abbild des inneren „Ichs“ eines mit freiem Willen ausgestatteten Menschen wahrgenommen. Echtes romantisches Pathos zeigt sich im Porträt von F. Chopin des französischen Romantikers EugenDelacroix(1798-1863). Vor uns liegt ein echtes psychologisches Porträt, das die Leidenschaft, die Begeisterung für die Natur des Komponisten, sein inneres Wesen vermittelt. Das Bild ist voller schneller dramatischer Bewegung. Dieser Effekt wird durch Drehen der Figur Chopins, intensive Farbgebung des Bildes, kontrastierendes Hell-Dunkel, schnelle, intensive Striche, ein Aufeinandertreffen warmer und kalter Töne erreicht.

Die künstlerische Struktur des Porträts von Delacroix steht im Einklang mit der Musik der Etüde E-Dur für Klavier von Chopin. Dahinter verbirgt sich ein reales Bild – das Bild des Mutterlandes. Schließlich hob Chopin einmal, als sein geliebter Schüler diese Etüde spielte, die Hände und rief aus: „Oh, mein Vaterland!“

Chopins Melodie, echt und kraftvoll, war das wichtigste Ausdrucksmittel, seine Sprache. Die Kraft seiner Melodie liegt in der Stärke ihrer Wirkung auf den Zuhörer. Es ist wie ein sich entwickelnder Gedanke, der der Entfaltung der Handlung einer Geschichte oder dem Inhalt einer historisch wichtigen Botschaft ähnelt.

In der Porträtkunst des XX-XXI Jahrhunderts. bedingt können zwei Richtungen unterschieden werden. Einer von ihnen setzt die klassischen Traditionen der realistischen Kunst fort und verherrlicht die Schönheit und Größe des Menschen, der andere sucht nach neuen abstrakten Formen und Ausdrucksweisen seiner inneren Welt.

F. Bush. Konzert.

Finden Sie auf den Doppelseiten des Lehrbuchs die Porträts, die im Text behandelt werden. Vergleichen Sie sie miteinander, identifizieren Sie Gemeinsamkeiten und Unterschiede. Geben Sie Ihre eigene Interpretation ihrer Bilder.

· Welche Porträts würden Sie der traditionellen klassischen Kunst zuordnen und welche der abstrakten Kunst? Argumentieren Sie Ihre Meinung.

· Vergleichen Sie die Sprache verschiedener Richtungen der Porträtmalerei. Bestimmen Sie die Ausdruckskraft der Linien, die Farbe, den Rhythmus und die Zusammensetzung jeder einzelnen Linie.

Hören Sie Musikkompositionen. Wählen Sie für die Porträts diejenigen Werke aus, die mit den darauf eingeprägten Bildern übereinstimmen.

Künstlerische und kreative Aufgabe

Bereiten Sie ein Album, eine Zeitung, einen Almanach und eine Computerpräsentation (optional) zum Thema „Porträtgenre in der Kultur verschiedener Zeiten“ vor. Fügen Sie Informationen über Künstler, Bildhauer, Grafiker sowie Gedichte, Prosapassagen und Fragmente von Musikwerken hinzu, die mit den Bildern Ihrer Porträtgalerie übereinstimmen.

Porträt in der Kunst Russlands.

Es wird angenommen, dass das Porträt die unbestreitbarste Errungenschaft unserer nationalen Schule ist. Ihm ist es zu verdanken, dass die russische Malerei das europäische Niveau erreicht hat. 18. Jahrhundert in Russland nennt man es das Alter des Porträts. Die besten russischen Künstler schrieben im Porträtgenre: F. Rokotov, D. Levitsky, O. Kiprensky, K. Bryullov, I. Repin, M. Vrubel und andere.

In der Mitte des 18. Jahrhunderts. Das Porträt wird Teil des Alltags, verbunden mit Architektur, Möbeln, Utensilien, den Bewohnern der Wohnung selbst, ihren Kostümen, Gewohnheiten.

Dank der „Porträtharmonien“ des russischen Künstlers Fjodor Stepanowitsch Rokotow(1735-1808) wurde ein besonderes emotionales Vokabular gebildet, um die Eindrücke des Betrachters auszudrücken: „halb Flackern, halb Brennen der Farben“, „Unstetigkeit, Luftigkeit“, „Geheimnis und Geheimnis“, „Vibration von Licht und Farbe“ , „poetische Zerbrechlichkeit der Gefühle“, „Geheimhaltung spiritueller Manifestationen“ usw. Neben technischen Bildinnovationen eröffnet der Künstler neue Möglichkeiten für ein Kammer-Intimporträt, indem er die spirituelle Welt eines Menschen als Hauptkriterium für seine Würde zum Ausdruck bringt . Es wird oft angenommen, dass Rokotov den Modellen seine eigene Spiritualität verlieh.

Einen besonderen Platz im Werk des Künstlers nimmt das Porträt von A. Struyskaya (1772) ein. Er ist ein anschauliches Beispiel für die Poetisierung des Bildes durch die Malerei. Die luftige, transparente Schreibweise erzeugt ein Gefühl von Leichtigkeit der Stoffe und Bodenlosigkeit des Hintergrunds. Mit Hilfe von Licht hebt Rokotov das Gesicht gekonnt hervor und fügt gleichzeitig die gesamte Komposition des Porträts zu einem Ganzen zusammen. Es ist kein Zufall, dass dieses Porträt oft als „russische Mona Lisa“ bezeichnet wird.

Vor fast hundert Jahren der Dichter JacobPetrowitsch Polonski(1819-1898) sah bei seinen Bekannten ein von einem russischen Künstler gemaltes Porträt von Maria Lopukhina WladimirLukich Borovikovsky (1787-1825).

Das Porträt war zu diesem Zeitpunkt ebenfalls fast hundert Jahre alt. Der Dichter blieb lange in Gedanken vor einer kleinen Leinwand. Er wusste praktisch nichts über diese Frau. Er wusste nur, dass ihr Leben aus irgendeinem Grund unglücklich verlaufen war und dass sie recht jung gestorben war. Der Dichter dachte: „Was für ein Wunder – Malerei!“ Alle hätten diese schöne Lopukhina längst vergessen, wenn nicht der Pinsel des Malers gewesen wäre. . ." Und in seinem Kopf begannen sich Verse zu formen:

Sie ist längst verstorben – und diese Augen gibt es nicht mehr

Und es gibt kein Lächeln, das stillschweigend ausgedrückt wurde

Leiden ist der Schatten der Liebe und Denken ist der Schatten des Kummers.

Aber Borovikovsky hat ihre Schönheit gerettet.

Ein Teil ihrer Seele flog also nicht von uns weg.

Und es wird dieses Aussehen und diese Schönheit des Körpers geben

Um ihr gleichgültige Nachkommen anzulocken,

Ihn lehren zu lieben, zu leiden, zu vergeben, zu träumen ...

Wir erinnern uns an Lopukhina, weil Borovikovsky es geschrieben hat. Und wenn wir nicht wüssten, wer auf dem Porträt abgebildet ist, würde er ihn dann weniger mögen oder ihn weniger berühren? Natürlich nicht! Deshalb wird dieses Porträt für immer begeistern, weil der Künstler ein wunderschönes Bild einer Frau von trauriger und strahlender Schönheit, einer reinen und zarten Seele, geschaffen hat.

Liebe Malerei, Dichter! Nur ihr, der Einzigen, wurde die Seele eines veränderlichen Zeichens auf die Leinwand übertragen.

Erinnern Sie sich, wie Struyskaya uns aus der Dunkelheit der Vergangenheit, kaum in Satin gehüllt, aus dem Porträt von Rokotov wieder ansah?

Ihre Augen sind wie zwei Nebel, ein halbes Lächeln, ein halber Schrei. Ihre Augen sind wie zwei Täuschungen, bedeckt vom Nebel des Scheiterns.

Eine Kombination aus zwei Rätseln, halb Freude, halb Schrecken, ein Anfall wahnsinniger Zärtlichkeit, eine Vorahnung tödlicher Qualen.

Wenn die Dunkelheit kommt und der Sturm naht, flackern aus tiefstem Herzen ihre wunderschönen Augen.

· Wählen Sie Musikstücke russischer Komponisten (Romanzen, Kammermusik) aus, die als Hintergrund verwendet werden können und zu einer tieferen Wahrnehmung der Porträtmalerei beitragen.

· Vergleichen Sie die künstlerischen Merkmale der Porträts von Rokotov und Borovikovsky mit den Merkmalen des berühmten Porträts von Leonardo da Vinci „Gioconda“. Was haben sie gemeinsam, was unterscheidet sie?

Finden Sie Epitheta, Metaphern und Vergleiche im Text des Gedichts. Wie verbessern sie die Wahrnehmung des Bildes von A. Struiskaya?

Porträts unserer großartigen Landsleute

Das Porträtgenre nimmt im Werk des russischen Künstlers einen bedeutenden Platz ein EliaJefimowitsch Repin (1844-1930). Der Blick in die Porträtgalerie dieses Künstlers ermöglicht es dem modernen Betrachter, mehr über seine vielen kreativen Verbindungen zu Persönlichkeiten der russischen Wissenschaft, Kultur und Kunst zu erfahren – Wissenschaftlern, Schriftstellern, Malern, Musikern und Kunstmäzenen, die zum kulturellen Erbe Russlands beigetragen haben.

Berühmte Menschen in den Porträts werden von Repin in unterschiedlichen Geisteszuständen dargestellt: verträumte Kontemplation (Komponist A. Borodin), aktives Handeln (Komponist, Pianist, Dirigent, Gründer des St. Petersburger Konservatoriums A. Rubinstein), ruhige Reflexion (Schriftsteller L . Tolstoi), tiefe Meditation (Sammlergemälde, Philanthrop, Schöpfer der Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie P. Tretjakow).

In jedem Porträt stellt der Maler seine Helden mit den Gegenständen dar, die den Kern ihrer beruflichen Tätigkeit ausmachen – einen Schriftsteller mit einem Buch in der Hand, einen darstellenden Musiker am Dirigentenpult, den Schöpfer einer von Gemälden umgebenen Kunstsammlung. Diese Tradition fand auch in Porträts des 18. Jahrhunderts statt.

Schauen Sie sich Bilder von Menschen an. Bestimmen Sie, zu welcher Zeit sie entstanden sind und welche Persönlichkeitsmerkmale (Aussehen, Charaktereigenschaften, Hobbys, soziale Zugehörigkeit usw.) die Künstler darin hervorheben wollten. Welche Ausdrucksmittel haben Ihnen dabei geholfen, das zu verstehen?

· Hören Sie zwei Auszüge aus den Werken von A. Borodin – „Nocturne“ aus dem Streichquartett Nr. 2, Exposition der Symphonie Nr. 2 („Bogatyrskaya“). Welches dieser Fragmente passt zum Porträt des Komponisten? Finden Sie gemeinsame Ausdrucksmittel für Porträt und Musik.

· Betrachten Sie das Porträt von A. Rubinstein. Erraten Sie, welche Ihnen bekannte Komposition er dirigiert.

· Hören Sie sich die Einleitung zur Oper „Khovanshchina“ von M. Mussorgsky – „Morgendämmerung an der Moskwa“ an. Welche Merkmale der Entwicklung dieses musikalischen Bildes sollten vom ausführenden Dirigenten hervorgehoben werden?

· Schauen Sie sich das Porträt des Schriftstellers L. Tolstoi an. Welchen emotionalen Zustand vermittelt der Künstler darin?

· Lesen Sie einen Auszug aus L. Tolstois Roman „Krieg und Frieden“ (die Szene von Sonya und Natascha) als Dialog, nach Rollen sortiert. Welche Charaktereigenschaften der Heldinnen verrät die Autorin? Welcher der Bereiche der Gesellschaft im frühen 19. Jahrhundert? (Krieg? Frieden?) beschreibt?

Welche Kenntnisse bereichern Ihre Bekanntschaft mit verschiedenen Kunstwerken – einem malerischen Porträt, einem literarischen Text?

Künstlerische und kreative Aufgabe

Zeichnen Sie Kostüm- und Bühnenskizzen und wählen Sie die Hintergrundmusik für diese Szene aus.

Wie entstand die Galerie?

Pawel Michailowitsch Tretjakow ... ging von Raum zu Raum und fragte sich, wo er seine Neuerwerbungen unterbringen sollte. Alles im Büro ist voll. Vor den Fenstern - „Prinzessin Tarakanova“, über dem großen Sofa – „Halt der Gefangenen“, über der Ecke, entlang einer Wand – „Jäger“. In einem breiten Pier - "Fisherman" und "Wanderer" auch Perov. Nein, im Wohnzimmer gab es offensichtlich keinen Platz zum Aufhängen. Pawel Michailowitsch ging erneut ins Esszimmer und fand schließlich mühsam einen Platz. Bilder aufhängen, sagte er seufzend:

Eng, wie eng!

· Hören Sie auf zu kaufen, - Alexander Stepanovich Kaminsky kniff schlau die Augen zusammen, der mit Sonya kam, um Verwandte zu besuchen.

Pawel Michailowitsch drehte sich um und warf ihm schweigend einen empörten Blick zu. Der Architekt lächelte als Antwort entwaffnend und riet ruhig und fröhlich:

· Dann baue einen Raum.

Tretjakow verließ die Gemälde und schaute nach

· Denkst du? Ich selbst denke schon. Es ist lange her, - sagte er nach einer Pause, - Werden Sie das Projekt übernehmen? ..

Er ging in die Luft ... und tauchte in den dichten Schatten eines Birnengartens ein. Es tat Tretjakow unendlich leid, diese herrliche Ecke des Gartens zu zerstören. Aber sein Platz gehörte bereits der Galerie.

Es gibt nichts zu verschieben, Sasha. Es ist Zeit zu beginnen. Seien Sie einfach ein Freund, seien Sie vorsichtiger mit Birnen.

· Lesen Sie einen Auszug aus N. Nenarokovs Buch „Ehrenbürger Moskaus“.

· Betrachten Sie das Porträt von P. Tretjakow von I. Repin. Was ist Ihrer Meinung nach die Gemeinsamkeit der Bilder des Bildes und der Geschichte?

Musikalisches Porträt.

Es ist interessant, die Merkmale der Rekonstruktion des Menschenbildes in Literatur, bildender Kunst und Musik zu vergleichen.

In der Musik kann es keine Ähnlichkeit mit einer bestimmten Person geben, aber gleichzeitig heißt es nicht umsonst, dass „eine Person in der Intonation verborgen“ ist. Da Musik eine temporäre Kunst ist (sie entfaltet sich, entwickelt sich mit der Zeit), unterliegt sie wie die Lyrik der Verkörperung emotionaler Zustände, menschlicher Erfahrungen mit all ihren Veränderungen.

Das Wort „Porträt“ ist in Bezug auf Musikkunst, insbesondere instrumentale Nichtprogrammmusik, eine Metapher. Gleichzeitig erweitern die Tonaufzeichnung sowie die Synthese von Musik mit Wort, Bühnengeschehen und außermusikalischen Assoziationen ihre Möglichkeiten. Indem sie die Gefühle und Stimmungen eines Menschen ausdrückt, seine verschiedenen Zustände und die Art der Bewegung verkörpert, kann Musik visuelle Analogien hervorrufen, die es uns ermöglichen, uns vorzustellen, was für ein Mensch vor uns steht.

Charakter, lyrischer Held, Erzähler, Erzähler – diese Begriffe sind nicht nur in einem literarischen, sondern auch in einem musikalischen Werk wichtig. Sie sind notwendig, um den Inhalt von Programmmusik, Theatermusik – Oper, Ballett sowie Instrumentalsymphonie – zu verstehen.

Die Intonation des Charakters gibt äußere Zeichen und Manifestationen einer Person im Leben anschaulicher wieder: Alter, Geschlecht, Temperament, Charakter, einzigartige Sprechweise, Bewegung, nationale Merkmale. All dies wird in der Musik verkörpert, und wir sehen sozusagen eine Person. „Mozarts Themen sind wie ein ausdrucksstarkes Gesicht... Über Frauenbilder in Mozarts Instrumentalmusik kann man ein ganzes Buch schreiben“ (V. Medushevsky).

· Hören Sie Auszüge aus Werken verschiedener Komponisten: V.-A. Mozart und S. Prokofjew, A. Borodin und B. Tischtschenko, J. Bizet und R. Shchedrin, A. Schnittke und V. Kikta. Welche Art von Menschen haben Sie in der Musik „gesehen“? Welche Ausdrucksmittel geben Ihnen die Möglichkeit, die Charakterzüge der Helden und Charaktere darzustellen?

Machen Sie Skizzen von Porträts von Charakteren in Musikkompositionen, die Ihnen gefallen, und geben Sie ihnen eine verbale Beschreibung.

Alexander Newski

Prinz Alexander Newski (1220–1263) wurde in der Stadt geboren. Perejaslawl-Salesski. Die Jugend und Jugendjahre Alexanders vergingen in Nowgorod. Im Alter von zwanzig Jahren errang Prinz Alexander einen Sieg an der Newa über einen starken Gegner – die Schweden, weshalb ihn die Leute Alexander Newski nannten. Im Jahr 1242 fand auf dem Eis des Peipsi-Sees die berühmte Eisschlacht statt, in der die Armee von Alexander Newski die deutschen Kreuzritter besiegte. In der „Geschichte vom Leben und Mut des Seligen und Großherzogs Alexander“, die in den 80er Jahren des 13. Jahrhunderts geschrieben wurde, als seine Verehrung als Heiliger begann, heißt es:

„Alexander ... betrat die Sophienkirche und begann unter Tränen zu beten: „Herrlicher, gerechter Gott, großer Gott, starker, ewiger Gott, der Himmel und Erde geschaffen und den Völkern Grenzen gesetzt hat, du hast geboten zu leben.“ ohne die Grenzen anderer Menschen zu überschreiten. Richter, Herr, beschütze diejenigen, die mich beleidigen, und beschütze sie vor denen, die gegen mich kämpfen, nimm Waffen und einen Schild und stehe auf, um mir zu helfen. Als der Prinz die Kirche verließ, trocknete er seine Tränen und begann seine Truppe zu ermutigen, indem er sagte: „Gott ist nicht in der Macht, sondern in der Wahrheit.“ Zwanzig Jahre lang verneigte sich der Prinz vor den Khanen der Goldenen Horde und zollte ihnen einen jährlichen Tribut, um den früheren Glanz Russlands wiederzubeleben. Nach dem Tod seines Vaters wurde Alexander Großfürst von Wladimir. Im Jahr 1263, nach einer weiteren Reise zur Horde, wurde der Prinz schwer krank und starb bald. Die Leute sagten, er sei vergiftet worden. Der Prinz wurde in Wladimir begraben. Im Jahr 1710 wurden auf Erlass von Peter I. die unvergänglichen Reliquien von Alexander Newski nach St. Petersburg transportiert und in der Alexander-Newski-Lavra beigesetzt. Gleichzeitig wurde der Alexander-Newski-Orden gegründet. Während des Großen Vaterländischen Krieges (1941-1945) wurde dieser Orden erneut zu einer militärischen Auszeichnung. Tag der Verehrung des Heiligen Fürsten Alexander Newski – 6. Dezember. Das russische Volk schätzt die Erinnerung an Alexander Newski. Sein Bild ist in verschiedenen Kunstwerken festgehalten – Literatur, Musik, Malerei, Skulptur, Kino.

Internetwettbewerb „Name Russlands – 2008“.

· Betrachten Sie Gemälde, ein Denkmal, eine Ikone, ein Bild der Alexander-Newski-Kloster, die Alexander Newski, dem Heiligen des russischen Landes, gewidmet ist. Was ist diese Person? Wie erscheint er uns? Mit welchen Charaktereigenschaften sind sie ausgestattet?

· Welche Musik sollte das Bild eines Prinzen darstellen, um sich einen solchen Menschen vorzustellen? Argumentieren Sie Ihre Meinung.

· Hören Sie Auszüge aus der Kantate „Alexander Newski“ von S. Prokofjew und schauen Sie sich Episoden aus dem gleichnamigen Film von S. Eisenstein an.

Träger eines Komponisten in Literatur und Kino

Das Porträt einer jeden Kultur- und Kunstfigur wird in erster Linie durch seine Werke geschaffen: Musik, Gemälde, Skulpturen usw. sowie seine Briefe, Memoiren seiner Zeitgenossen und Kunstwerke über ihn, die in späteren Epochen entstanden sind.

„Mozarts Universum“ heißt eines der Bücher über Leben und Werk Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1799), österreichischer Komponist, Autor unsterblicher Musikkompositionen – Sinfonie Nr. 40, „Kleine Nachtserenade“, „Rondo im türkischen Stil“, „Requiem“. Warum wird Mozarts Musik mit dem Universum verglichen? Anscheinend, weil es vielfältig und tiefgehend verschiedene Phänomene des Lebens, seine ewigen Themen, offenbart: Gut und Böse, Liebe und Hass, Leben und Tod, schön und hässlich. Kontraste von Bildern und Situationen sind die Hauptantriebskraft ...

· Hören Sie Auszüge aus Mozarts Werken, die Sie kennen.

Welche Gefühle, die in Mozarts Musik zum Ausdruck kommen, stimmen mit den Gefühlen eines modernen Hörers überein?

· Hören Sie sich ein modernes Arrangement eines Werkes Mozarts an. Warum wenden sich berühmte Interpreten der kreativen Interpretation von Mozarts Musik zu?

· Lesen Sie literarische Werke, in denen das Bildporträt des Komponisten dargestellt ist (Auszüge aus dem Roman „Erhaben und irdisch“ von D. Weiss, Gedichte von L. Boleslavsky, V. Bokov usw.).

Künstlerische und kreative Aufgabe

Stellen Sie sich vor, Sie wären der Regisseur einer Fernsehsendung oder eines Hörspiels, schreiben kurze Kommentare zu diesen Werken und wählen visuelles und literarisches Material aus.

... seine Musik, die den Zuhörern hilft, sein Lebenscredo zu verstehen: „Das Leben ist unvergleichlich schön in unserem geliebten Land!“

Der tragische Tod Mozarts im Alter von 35 Jahren gab Anlass zu vielen Vermutungen über den Tod des Komponisten, der sich in der Blüte seines Schaffens befindet. Eine davon ist die Vergiftung Mozarts durch seinen Zeitgenossen, der in der Gesellschaft als Hofkomponist anerkannt ist. AntonioSalieri(1750 -1825) bildete die Grundlage für A. Puschkins kleine Tragödie „Mozart und Salieri“, N. Rimsky-Korsakovs Oper, moderne Filme und dramatische Aufführungen.

Eine andere Interpretation der Beziehung zwischen den beiden Komponisten vermittelt dem Publikum der Filmregisseur M. Foreman, der Schöpfer des von der American Film Academy mit fünf Oscars ausgezeichneten Films Amadeus: Der verstörte alte Mann Salieri, der nach einem gerettet wird Selbstmordversuch, erzählt dem Priester in der Beichte von seinen Gefühlen und Erlebnissen, die er beim Aufblühen von Mozarts Talent erlebt hat. Der letzte Teil des Films fängt die Momente der Produktion der Oper „Die Zauberflöte“ und der Entstehung des Requiems ein.

· Lesen Sie die kleine Tragödie „Mozart und Salieri“ von A. Puschkin. Betrachten Sie die Illustrationen von M. Vrubel. Sehen Sie sich Ausschnitte aus dem Film „Amadeus“ an. Welche Charakterzüge Mozarts und Salieris verraten Ihnen diese Werke?

· Welche Art von Beziehungserfahrung zwischen Menschen machen Sie durch die Bekanntschaft mit Kunstwerken?

Kunst als universelle Kommunikationsform

Die Welt im Spiegel der Kunst

Kunst unterscheidet sich von anderen Arten und Formen sozialer Aktivität dadurch, dass sie sich an die emotionale Sphäre eines Menschen richtet, die das umfangreichste Merkmal der Individualität darstellt, an „intelligente Emotionen“. Daher ist Kunst die zugänglichste, demokratischste und universellste Form der Kommunikation zwischen Menschen.

Künstler verschiedener Epochen, die die Realität um sie herum darstellen, senden ihre Botschaften an ihre Nachkommen: malerische, poetische, musikalische Werke, Skulpturen, Paläste und Tempel, die den modernen Menschen die Ideen vorstellen, in denen sie lebten, in die Realität, in der sie schufen und welche Sie haben deinen Verstand und deine Gefühle verfehlt.

Um ästhetisches Vergnügen an der Kommunikation mit diesen künstlerischen Bildern zu haben, sind keine besonderen Kenntnisse in Musik, Architektur oder Malerei erforderlich. Die Hauptsache ist die Begegnung mit einer künstlerischen Schöpfung. einfühlsam Denn ein Kunstwerk erreicht sein Ziel dann, wenn es die Saiten der Seele eines Menschen zum Klingen bringt, wenn es dazu anregt, die eigene Einstellung zu dem, was man sieht oder hört, zum Ausdruck zu bringen. Die Kommunikation mit einem Kunstwerk ermöglicht den Dialog mit einem talentierten Menschen einer anderen Zeit, der die Weltkultur geprägt hat. Kommt es im Alltag wirklich so oft vor, dass man mit außergewöhnlichen Persönlichkeiten kommunizieren muss? Psychologen sind sich bewusst, dass ein Treffen mit einer außergewöhnlichen Person manchmal das Leben verändern und das Schicksal verändern kann. Auch ein Treffen mit einem Kunstwerk kann bedeutsam sein, wenn Sie natürlich die Sprache des Werks verstehen, um in eine Beziehung einzutreten Informationsverbindung mit seinem Autor. Und dann enthüllt vielleicht die innere Welt eines brillanten Künstlers, Schriftstellers und Komponisten ihre Geheimnisse.

· Betrachten Sie Werke verschiedener Arten von bildender Kunst und Architektur und hören Sie sich Fragmente musikalischer Kompositionen an. In welche Zeit führen uns ihre Schöpfer? Welche Merkmale der Sprache der einzelnen Kunstformen haben Ihnen dabei geholfen, dies zu verstehen?

Welche Musik passt zu jedem dieser Meisterwerke der Kunst? Warum wird unsere heutige Zeit und Kultur als informativ bezeichnet?

Welche Informationen für einen modernen Menschen sind in diesen Kulturdenkmälern enthalten?

Die Rolle der Kunst, Menschen zusammenzubringen

Ein klarer Beleg für die künstlerische Kommunikation sind die Internationalität der Kunstsprache, die auch ohne Übersetzung verständlich ist Museen, internationale Ausstellungen Bildende Kunst, diverse Wettbewerbe(Literatur, Musical, Ballett, Theater, Jazz), Feste Künste.

Durch die Kommunikation von Menschen mit herausragenden Werken der Weltkunst der Vergangenheit und Gegenwart wird ein Dialog der Kulturen möglich. Laut dem Akademiker D. Likhachev, einem Forscher der antiken russischen Literatur, „vereint Kultur alle Aspekte der menschlichen Persönlichkeit. Man kann nicht in einem Bereich kultiviert sein und in einem anderen unwissend bleiben. Je mehr ein Mensch von spiritueller Kultur umgeben und in sie versunken ist, desto interessanter ist das Leben für ihn, desto sinnvoller wird das Leben für ihn.

Museen sind Aufbewahrungsorte künstlerischer Meisterwerke. Museen wie die Tretjakow-Galerie, das nach M. benannte Museum der Schönen Künste. A. S. Puschkin (Moskau), die Eremitage, das Russische Museum (St. Petersburg), der Louvre, das Museum für moderne Kunst (Paris, Frankreich), das Prado-Museum (Madrid, Spanien), die Nationale Kunstgalerie (Dresden,

Deutschland), British Museum (London, England) usw.

Dank der Bildungsaktivitäten dieser Museen, der von ihnen herausgegebenen Broschüren und Alben sowie der Reisen ihrer Exponate in verschiedene Länder und Kontinente können Kenner und Kunstliebhaber Meisterwerke der Kultur wie die Wladimir-Ikone der Gottesmutter, Raffaels „ Sixtinische Madonna“, „Das Mädchen am Ball“ von Picasso, „Goldener Herbst“ von I. Levitan und anderen.

Im Jahr 2008 wurde in Seoul (Südkorea) basierend auf Computertechnologie ein virtuelle Galerie High-Tech-Meisterwerke (englisch hightechnology, hightech, hallo-tech). Dieser Stil, der neue Materialien und Kompositionen verwendet, entstand in den 80er Jahren in Architektur und Design. 20. Jahrhundert Später tauchten seine Merkmale auch in anderen Bereichen des künstlerischen Schaffens auf.

In dieser Galerie können Betrachter mit den Charakteren von mehr als 20 Gemälden und Skulpturen kommunizieren, darunter „Das letzte Abendmahl“, „Mona Lisa“ von Leonardo da Vinci, „Der Fall von Pompeji“ von K. Bryullov, „Disco Thrower“ von Miron und andere. Zuschauer können nachfragen Sie stellen Fragen, um zu sehen, was sie einen Moment vor ihrer Darstellung durch einen Künstler oder Bildhauer taten, um ihre Bewegungen im Raum zu beobachten.

· Betrachten Sie Reproduktionen von Gemälden, Fotografien von Skulpturen und Baudenkmälern im Lehrbuch. Wählen Sie eines davon aus, das Ihre Aufmerksamkeit erregt hat. Mit Hilfe welcher Merkmale der Sprache und Kompositionen wurden diese Bilder erstellt.

· Welchen ästhetischen und moralischen Wert haben diese Meisterwerke für das Publikum des 21. Jahrhunderts?

· Welche Museen, Kunstgalerien, Ausstellungen, Baudenkmäler gibt es in Ihrer Stadt, Gemeinde, Ihrem Dorf? Was wissen Sie über ihre Exponate, ihre Geschichte?

Künstlerische und kreative Aufgabe

Stellen Sie sich vor, Sie seien ein Reiseführer (in einem Museum, einer Stadt) und bereiten Sie eine Geschichte über eines der bedeutendsten Kulturgüter Ihrer Region vor.

Internationale Wettbewerbe, Festivals, Projekte sind ein wichtiges Kommunikationsmittel. Konzerte herausragender Interpreten (Instrumentalisten, Orchester, Dirigenten, Sänger), Festivals von Folk-, Pop-, Jazz- und Rockensembles werden oft zu kulturellen Ereignissen im Leben von Ländern und Völkern.

Seit mehr als 50 Jahren (seit 1957) zieht der Internationale Tschaikowsky-Wettbewerb die Aufmerksamkeit der gesamten Kunstwelt auf sich und bringt Hunderte junger Musiker verschiedener Nationalitäten zusammen. Zu den Gewinnern des Wettbewerbs zählen Russen, Amerikaner, Briten, Chinesen, Japaner und Franzosen. Und das Publikum umfasst nahezu alle Nationalitäten und Kulturen der Welt. Die Auftritte der Teilnehmer werden im Konzertsaal gehört und im Radio, Fernsehen und Internet übertragen. All dies ist ein klarer Ausdruck der Universalität der Sprache der musikalischen Kommunikation, die internationale Bedeutung erlangt hat.

Bei jeder Nominierung des Wettbewerbs wird eine Pflichtkomposition von P. Tschaikowsky zur Aufführung angeboten, die von Musikern gespielt wird, die zur Teilnahme an der dritten, letzten Runde zugelassen sind. Zu diesen Werken gehört das berühmte Konzert Nr. 1 für Klavier und Orchester. Diese Musik ist eine Art Visitenkarte des Wettbewerbs. Ihre lebensbejahende Kraft scheint alle Menschen davon zu überzeugen, dass wahre Kunst ewig ist. Preisträger des ersten Wettbewerbs. P. I. Tschaikowsky wurde ein junger amerikanischer Pianist Van Cliburn.

Ende des letzten Jahrhunderts (1994) gründete die Union der Theaterarbeiter ein Theaterfestival und den nationalen Preis „Goldene Maske“. Die erste „Goldene Maske“ wurde nur für Leistungen im Bereich des Schauspieltheaters verliehen. Später wurde dieser Preis auch im Bereich Musiktheater vergeben. Preisträger dieser Nominierung war Evgeny Kolobov, Dirigent und Direktor des Nowaja-Operntheaters. Die erste „Goldene Maske“ in der Nominierung „Für Ehre und Würde“ wurde der legendären Ballerina Galina Ulanova verliehen.

Im Jahr 2000 hat der Fernsehsender Kultura ein einzigartiges Projekt ins Leben gerufen – den Internationalen Fernsehwettbewerb für junge ...

· Hören Sie sich die Werke von P. Tschaikowsky an, aufgeführt von den Gewinnern des Wettbewerbs. Bestimmen Sie ihre emotionale Struktur und musikalische Ausdrucksmittel. Welche Gedanken, künstlerischen Assoziationen weckt diese Musik in Ihnen?

· Informieren Sie sich über Wettbewerbe mit unterschiedlichen thematischen Schwerpunkten. Schauen Sie sich die Embleme der Wettbewerbe an. Welche Symbolik stellen sie dar?

Künstlerische und kreative Aufgaben

Bereiten Sie Fragen für einen der imaginären Kandidaten vor und interviewen Sie ihn. Achten Sie auf die kommunikative Funktion der Kunst, darauf, dass die künstlerische Sprache ohne Übersetzung für jeden verständlich ist.

... die Nussknacker-Musiker. Dies ist der einzige Kinderwettbewerb im Bereich der akademischen Musik, der begabten Kindern die Möglichkeit gibt, vor einem Millionenpublikum aufzutreten und den ersten ernsthaften Schritt zu beruflichem Erfolg und Anerkennung zu machen. Viele Preisträger des Nussknacker-Wettbewerbs wurden später Gewinner anderer renommierter Musikwettbewerbe.

Ein breites Panorama internationaler Kinderwettbewerbe - der Festivalwettbewerb für Kinder- und Jugendkreativität „Open Europe“, der Wettbewerb „Junges Ballett der Welt“, der Wettbewerb der choreografischen Gruppen „Petersburg Metelitsa“, der Wettbewerb für Kinderzeichnungen, die Welt Delphic Games, der Wettbewerb der Interpreten des beliebten Liedes „Children's New Wave“ und anderer, zeugt von der großen Aufmerksamkeit, die der Identifizierung der kreativen Talente junger Menschen gewidmet wird.

In der zeitgenössischen Kunst breiten sich internationale Projekte aus, in denen kreative Persönlichkeiten aus verschiedenen Ländern der Welt ihre Kräfte bündeln.

Zu diesen Projekten zählen die weltberühmten Auftritte der drei großen Tenöre („Drei Tenöre“): des Italieners Luciano Pavarotti, der Spanier Placido Domingo und Jose Carreras, die sowohl klassische Musik als auch Bearbeitungen populärer zeitgenössischer Musik aufführten.

Ein interessantes Phänomen in der Welt der modernen Popmusik ist das Gesangsquartett „IlDivo“ („Divo“), das sowohl populäre Hits als auch dem breiten Publikum bekannte Opernarien aufführt.

Der Eurovision Song Contest erfreut sich bei jungen Leuten großer Beliebtheit.

· Hören Sie Musik von drei Tenören (L. Pavarotti, P. Domingo, J. Carreras). Welche Gefühle, Emotionen, Gedanken rufen diese Werke in Ihnen hervor?

· Welche Idee wird von Künstlern aus verschiedenen Ländern populär gemacht? Wie tragen klassische und zeitgenössische Kunst zur Kommunikation von Menschen aus verschiedenen Ländern und Nationalitäten bei?

Die Kunst der literarischen Übersetzung ist die Kunst der Kommunikation

Einen großen Beitrag zur Verbreitung literarischer Denkmäler leistet die Tätigkeit von Übersetzern von Prosa und Poesie. A. Puschkin nannte Übersetzer „die Postpferde der Aufklärung“. Sie haben wahrscheinlich das berühmte Gedicht von M. Lermontov „Von Goethe“ („Berggipfel“) gelesen und sich zahlreiche Romanzen russischer Komponisten angehört, die auf diesem poetischen Text basieren. Aber haben Sie jemals darüber nachgedacht, dass dieses Gedicht kein Produkt der kreativen Fantasie eines russischen Dichters ist, sondern lediglich eine brillante Übersetzung eines Gedichts eines deutschen Dichters des 19. Jahrhunderts? I.-V. Goethe?

Berggipfel Schlafen in der Dunkelheit der Nacht; Stille Täler Voller frischer Dunst;

Die Straße staubt nicht, die Blätter zittern nicht... Warte ein wenig, auch du wirst dich ausruhen.

Dank der Arbeit von Übersetzern werden Gedichte, Geschichten und Romane russischer Schriftsteller und Dichter – A. Puschkin und N. Gogol, L. Tolstoi und A. Tschechow, S. Yesenin und V. Astafiev – im Ausland gelesen. Und wir können traurig sein und lachen, mitfühlen und uns ärgern, staunen und bewundern, lieben und hassen, indem wir die Werke von W. Shakespeare und Moliere, D. London und A. Dumas, M. Twain und A. Conan Doyle lesen.

Welche Idee wollte der Dichter dem Leser mit dieser lyrischen Gedichtlandschaft vermitteln? Welchen emotionalen Zustand vermittelt der Dichter den Lesern? Wie wirkt sich der Naturzustand in diesem Gedicht auf die Gefühle und Gedanken eines Menschen aus?

· Hören Sie sich zwei Romanzen russischer Komponisten an, die auf diesem Gedicht basieren – A. Varlamov und A. Rubinshtein. Finden Sie den Unterschied in der Interpretation des Gedichts durch die Komponisten.

Vergleichen Sie die Sprache eines Gedichts, einer malerischen Landschaft, Romanzen. Achten Sie bei der Vermittlung des Inhalts dieser Kunstwerke auf Gemeinsamkeiten und Unterschiede in den Merkmalen der Sprache.

Wenden wir uns den Liebestexten des englischen Dichters, Dramatikers und Schriftstellers der Renaissance zu William Shakespeare(1564-1616) – Sonett Nr. 90, interpretiert von zwei verschiedenen Übersetzern.

Wenn du dich entliebst - also jetzt,

Jetzt, wo die ganze Welt mit mir uneins ist.

Sei der bitterste meiner Verluste

Aber nicht der letzte Strohhalm der Trauer!

Und wenn mir Kummer zum Überwinden gegeben wird,

Überfallen Sie nicht.

Lass die stürmische Nacht nicht gelöst werden

Regnerischer Morgen – Morgen ohne Trost.

Verlass mich, aber nicht im letzten Moment

Wenn ich durch kleine Probleme schwächer werde.

Gehen Sie jetzt, damit ich es sofort verstehen kann

Dass diese Trauer schmerzhafter ist als alle Widrigkeiten,

Dass es keine Widrigkeiten gibt, aber es gibt ein Problem –

Verliere deine Liebe für immer.

Übersetzung von S. Marshak

Nun ja, hasse, wenn du willst! Aber jetzt,

Jetzt, wo der Himmel mir mit Bosheit droht.

Beuge mich und vereinige dich mit dem Schicksal,

Aber wenn dein Schlag nur nicht der letzte wäre.

Ach, wenn ich das Böse mit meinem Herzen überwinde,

Du kommst sofort zu seiner Schicht.

Damit die stürmische Nacht nicht kommt

Mit dem Regen des Morgens – vervollständige den Verrat.

Los geht! Aber nicht dann

Als alle Probleme genug für mich spielten.

Gehen Sie jetzt weg, damit der erste Ärger entsteht

War schrecklicher als alle, die das Schicksal gesandt hat

Und nach den schlimmsten Verlusten

Andere werden hundertmal leichter.

Übersetzung von A. Finkel

· Vergleichen Sie den Inhalt und die emotionale Struktur der beiden Übersetzungen. Finden Sie darin Gemeinsamkeiten und Unterschiede. Welche Übersetzung hat Ihnen am besten gefallen? Warum?

· Hören Sie sich zwei Musikversionen des Sonetts Nr. 90 an – von D. Kabalevsky und B. Gorbonos (übersetzt von S. Marshak). Welche Gefühle hat die Musik, die Sie gehört haben, bei Ihnen ausgelöst? Was ist der Unterschied zwischen der Lektüre des Sonetttextes durch Komponisten und Interpreten?

Welche der dargebotenen Interpretationen lassen sich dem Genre der E-Musik zuordnen, welche - der Lichtmusik? Dank welcher musikalischen Ausdrucksmittel konnten Sie die Zugehörigkeit dieser Kompositionen zu dem einen oder anderen Genre feststellen? In welcher Interpretation haben Sie die vollständige Verschmelzung von Wort und Musik gehört?

Wie wird die Botschaft in der Kunst vermittelt?

Heute werden kulturelle Phänomene als angesehen Texte. Versuchen wir herauszufinden, was es ist und was Kunst damit zu tun hat.

Es ist klar, dass literarische Werke Texte sind, aber können Gemälde oder Musikkompositionen Texte sein? Es stellt sich heraus, ja!

Schöpfer verschiedener Epochen vermitteln mit ihren Werken (musikalisch, bildnerisch, architektonisch usw.) bestimmte Botschaften. Zuhörer, Betrachter, Leser „lesen“ die in künstlerischen Bildern enthaltenen mehrdeutigen Informationen, indem sie sie wahrnehmen. So hängen sie an den Ideen, nach denen ihre Schöpfer lebten, an der Realität, die sie umgab und die die Autoren durch ihr Bewusstsein und ihre Gefühle vermittelten.

Betrachtet man beispielsweise das bekannte Gemälde „Gitarrist“ von V. Tropinin, liest der Betrachter sozusagen dessen Inhalt, lebt die Situation, die auf der Leinwand dargestellt ist. Er sieht einen Amateurmusiker, der Gitarre spielt, ein im russischen Stadtleben des 19. Jahrhunderts beliebtes Instrument.

Für einen Gitarristen ist es egal, welchen Eindruck er auf seine Zuhörer und gleichzeitig auf das Publikum macht. Zu Hause ist er lässig gekleidet. Höchstwahrscheinlich spielt er Musik für sich selbst oder für einen engen Freund. Es scheint, dass eine der berühmten Romanzen oder ein Instrumentalstück dieser Zeit erklingt.

Oh, rede wenigstens mit mir

Siebensaitiger Freund!

Mein Herz ist voller Traurigkeit

Und die Nacht ist so mondhell!

Da brennt ein Stern

So hell und schmerzhaft

Die Sonnenstrahlen regen sich

Neckt sie bissig.

Was will sie von Herzen?

Schließlich weiß sie es bereits

Was ist die Sehnsucht nach ihren langen Tagen?

Mein ganzes Leben ist angekettet.

A. Grigoriev

Die Gitarre ist eines der am weitesten verbreiteten Saitenmusikinstrumente der Welt. Es wird sowohl als klassisches Soloinstrument als auch als Begleitinstrument in vielen Musikstilen wie Blues, Country, Flamenco, Rock und vielen Formen der Popmusik eingesetzt. Im 20. Jahrhundert. Die E-Gitarre wurde erfunden, was einen entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung der Populärkultur hatte. Zu allen Zeiten wurden viele Originalwerke von N. Paganini, M. de Falla, E. Vila-Lobos, A. Sychra, A. Ivanov-Kramskoy, V. Zinchuk und anderen für die Gitarre komponiert. Sie werden dieses beliebte Instrument finden Instrument mehr als einmal in der Malerei und Poesie.

Gitarre

Die Gitarre fängt an zu weinen.

Der Morgenbecher bricht an.

Die Gitarre fängt an zu weinen.

Oh, erwarte kein Schweigen von ihr

bitte sie nicht um Schweigen!

Die Gitarre weint unaufhörlich

wie Wasser durch die Kanäle - Weinen,

Wie der Wind über dem Schnee - weinend,

Bitte sie nicht um Schweigen!

So schreit der Sonnenuntergang nach der Morgendämmerung,

so schreit ein Pfeil ohne Ziel,

so heißer Sand schreit nach der kühlen Schönheit der Kamelien.

So verabschiedet sich der Vogel unter der Gefahr eines Schlangenbisses vom Leben.

Oh, Gitarre, armes Opfer von fünf flinken Dolchen!

G. Lorca Übersetzt von M. Tsvetaeva

· Hören Sie sich eine der berühmtesten Romanzen des 19. Jahrhunderts an. Welche Gedanken rufen die künstlerischen Bilder, die vor zwei Jahrhunderten entstanden sind, in Ihnen hervor? Stimmen sie mit Ihren Gefühlen und Erfahrungen überein?

· Was ist der Unterschied zwischen Eindrücken aus verschiedenen Informationen: aus einem Bericht in einer Zeitung oder Zeitschrift über ein stattgefundenes Konzert und aus Werken der musikalischen, bildenden Kunst und poetischen Kreativität, die Sie wahrgenommen haben?

· Das Bild welcher Zeit erzeugen diese Gedichte und Bilder?

· Musik welcher Richtungen, Genres passt zu diesen Kunstwerken?

Kunst ist ein Leiter spiritueller Energie.

Was ist das Besondere? künstlerischKommunikation? Künstlerische Werke – sowohl Gemälde als auch Musikkompositionen – erzeugen die Wirkung von Präsenz, unserem direkten Kontakt, der Kommunikation mit den Autoren, Interpreten und Helden des Werkes.

Jede Kunst hat ihr eigenes Besonderes Sprache, Daher wird die Bedeutung des Werks denjenigen besser offenbart, die die Sprache kennen, in der es „geschrieben“ ist. Braucht ein kunstferner Mensch Kenntnisse ihrer Sprachen? Heute sagen Wissenschaftler: Es ist einfach notwendig. Und sie beweisen sogar, dass das Überleben der Menschheit davon abhängt!

Kunst ist ein Kommunikationskanal nicht nur zwischen Individuen, sondern auch zwischen Völkern, Epochen, Städten, Ländern. Das bedeutet, dass die Sprachen der Kunst der Kommunikation dienen.

Wie wird die Botschaft in der Kunst vermittelt? Betrachten wir dies analog zu einer regulären Nachricht in Form eines Briefes. Die Absender einer Botschaft in der Kunst sind der Künstler, der Komponist, der Schriftsteller und der Empfänger der Betrachter, Leser, Zuhörer. Aber wenn in einer schriftlichen oder mündlichen Nachricht der Code (oder die Chiffre) eine natürliche Sprache ist, in der Menschen der einen oder anderen Nationalität kommunizieren, dann wird ein solcher Code in einer in einem Kunstwerk enthaltenen Nachricht zur Sprache der Kunst, zu ihren Symbolen , internationaler Natur.

Die besondere Kraft der Kunst liegt nicht nur darin, dass sie uns Informationen vermittelt, sondern auch in dem, was vielleicht noch wichtiger ist: Sie ist es Dirigentspirituelle Energie. Kunst hat eine wohltuende Wirkung auf die menschlichen Emotionen: Sie inspiriert, weckt Hoffnung und weckt Mitgefühl.

Die Bilder, die im Kopf eines Menschen bei der Wahrnehmung beispielsweise einer Musikkomposition oder eines Kunstwerks entstehen, werden ihr eigenes, individuelles sein. Jeder Mensch kann, basierend auf der Intonationsstruktur einer Musikkomposition, Komposition, Farbe eines bestimmten Bildes, diese auf seine eigene Weise interpretieren, vom Standpunkt der in ihm entstandenen figurativen und künstlerischen Ideen und Assoziationen. Aber trotz der möglichen Divergenz der Bilder der Wahrnehmung des Hörers oder Betrachters verliert das Kunstwerk nicht an Kraft seiner künstlerischen Wirkung.

Was sind die Besonderheiten der Kunst und was zeichnet sie als Kommunikationsmittel aus?

· Vergleichen Sie zwei Beispiele (Nachrichten): eines stammt aus der Mathematik, das andere aus dem Bereich der Kunst. Welche Informationen enthält jeder von ihnen? Argumentieren Sie Ihre Meinung.

Zeichen und Symbole der Kunst

Ein Symbol ist ein Objekt, eine Handlung usw., die ein Bild, ein Konzept oder eine Idee offenbart. Das Symbol verkörpert gemeinsame Erfahrungen und Ideen für Menschen. Ein Symbol ist eine Synthese aus einem Zeichen und einem Bild.

Zeichen sind allgemein anerkannte Symbole für Objekte, Phänomene und Handlungen. Beispiele für Zeichen sind Verkehrszeichen oder Symbole auf geografischen Karten, Tonsignale – SOS oder eine Krankenwagensirene, verschiedene Gesten usw.

Seit Urzeiten sind verschiedene Arten von Bildern (skulpturale, malerische, grafische) Zeichen und symbolische Codes, die von alten Menschen zur Durchführung von Ritualen, zur Bewahrung und Übermittlung von Informationen verwendet wurden. Jeder bedeutsame Ton, jede Geste, jedes Ding, jedes Ereignis kann entweder ein Zeichen oder ein Symbol sein.

Kunst spricht Menschen in einer Sprache an Figuren. Ein Symbol in der Kunst ist ein künstlerisches Bild, das eine Idee verkörpert. Das Symbol ist wie ein Rätsel mehrdeutig, seine Bedeutung kann im Gegensatz dazu auf unbestimmte Zeit offenbart werden Zeichen, was von allen gleich verstanden wird. Die Tiefe des Verständnisses des Symbols hängt von der Interpretationsfähigkeit, der Gelehrsamkeit und der Intuition der Person ab.

Musikalische Kunst spricht in der Sprache der Klänge zu uns und ist voller Geheimnisse. Mit erstaunlicher Vielfalt und Tiefe, mit Hilfe eines Systems von Zeichen und Symbolen, drückt Musik die reichste Welt menschlicher Gefühle aus. Selbst ein einzelner Ton ist unter Berücksichtigung aller seiner Aspekte – Tonhöhe, Dauer, Klangfarbe, Lautstärke – eine Zeichenintonation. Es kann auf Schüchternheit oder Selbstvertrauen, Zwang oder Freiheit, Zärtlichkeit oder Unhöflichkeit hinweisen. Wir können auch über Plastikschilder sprechen, die Gesten und Bewegungen reproduzieren.

In der menschlichen Natur liegt immer der Wunsch, etwas zu erschaffen – das Bedürfnis, komplexe, komplizierte Probleme zu erforschen, zu erfinden, zu bauen und zu lösen. Eines dieser Probleme war die wissenschaftliche Idee, ein Perpetuum Mobile (Perpetuum Mobile) zu schaffen. Seine Erfindung hätte einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der Weltwirtschaft gehabt. Und nur Musik als temporäre Kunst unterliegt der Verkörperung des Bildes des „Perpetuum mobile“. Sein Symbol waren die Instrumentalstücke „RegreSit mobile“ („Perpetual Motion“) verschiedener Komponisten: N. Paganini, F. Mendelssohn, N. Rimsky-Korsakov usw.

Ein musikalisches Zeichen, das zum Symbol wird, kann als Schicksalsmotiv bezeichnet werden – die Kornintonation, aus der die gesamte Symphonie Nr. 5 von L. Beethoven erwächst. Und es gibt viele solcher Beispiele in der Musikkunst. Nationalhymnen sind musikalische Symbole, die die Einheit der Menschen, ihre Kultur und den Stolz auf ihr Land verkörpern.

Es gab Epochen in der Geschichte, in denen man sich in der Kunst besonders häufig Symbolen zuwandte. Ein Beispiel ist mittelalterliche christliche Kunst. Im Mittelalter war das Streben des Menschen nach Gott von besonderem Interesse. Daher interessierten die Dinge, die einen Menschen umgaben, den Künstler nur insoweit, als sie mit der Bedeutung der Heiligen Schrift verbunden waren. Viele mittelalterliche Gemälde zeigen eine Schale, Weintrauben (Wein) und Brot – Symbole des Sakraments der Kommunion; Lilien- oder Irisblüten - ein Symbol der Mutter Gottes.

Symbolisch ist auch die Farbwahl: Rotbraun war ein Symbol für alles Irdische (Ton, Erde); rot – die Farbe des vergossenen Opferbluts, das Feuer des Glaubens; Blau oder Blau symbolisierte alles Himmlische, Heilige; und Grün ist die Farbe der Hoffnung, die Farbe des Lebens, ein Symbol des Trostes, der Wiedergeburt zu einem neuen Leben.

Aus dem fünfzehnten Jahrhundert Die auf dem Bild dargestellten Dinge haben gleichzeitig eine doppelte Bedeutung – religiös und alltäglich. Im Religiösen setzt sich die traditionelle göttliche Symbolik des Mittelalters fort, im Alltag manifestiert sich die gewohnte Bedeutung der Dinge im Alltag eines Menschen.

Viele Werke des 17. Jahrhunderts. sind symbolischer Natur, was oft durch die darin präsentierten Objekte zum Ausdruck kommt: Gläser mit Wein, Brot, Fisch, verwelkte Blumen, Uhren usw. Manchmal sind gewöhnliche Objekte, ungewöhnlich in einer Komposition kombiniert, figurative Codes, die schwer zu entziffern sind. Dies gilt insbesondere für die im 17. Jahrhundert weit verbreitete. Stillleben, angerufen Vanitas(vanitas – Eitelkeit der Eitelkeiten) und einen Menschen an die Zerbrechlichkeit seiner Existenz erinnern. Sie zeigen Totenköpfe, Kerzen, Blumen, Uhren, Notenblätter und Musikinstrumente (der Ton ist verstummt, also gestorben), die als verschlüsselte Botschaften wahrgenommen werden. Die im Vanitas-Thema arbeitenden Künstler sprachen über die Sinnlosigkeit des irdischen Daseins, über die Vergänglichkeit des Seins. Schon der Name des Gemäldes „Vanity of Vanities“ spricht von der Zerbrechlichkeit der irdischen Eitelkeit – dem Streben nach Reichtum, Macht, Vergnügen. Im Stillleben vermittelt der Künstler den Wert des Alltags, die Bedeutung einfacher Dinge. Seine Einstellung zur Welt unterscheidet sich darin, dass er das offensichtliche oder verborgene Leben sieht und spürt, das in alles Existierende, in die Natur, in die Materie selbst gegossen wird. Und deshalb ein anderer Name für ein Stillleben - ruhig(niederländisch stillleven, deutsch stilleben, engl. stilllife) – ein ruhiges (stilles) Leben.

Für den Künstler gibt es keine „stillen Dinge“, für ihn ist alles „ausdrucksvolles und sprechendes Sein“ (M. Bakhtin).

Porträts, Landschaften, Stillleben, Genreszenen Vincent van Gogh(1853-1890) spiegeln seine rebellische, von Kanonen und Normen unabhängige, einsame Seele wider. Seine Arbeit ist von einem Gefühl akuter Angst und Verwirrung durchdrungen. Die komplexe Innenwelt des Künstlers wird oft durch Symbole offenbart. Van Gogh versuchte, Inhalte durch ausdrucksstarke, psychologisch satte Farben widerzuspiegeln. „Ich habe versucht, die schrecklichen Leidenschaften des Menschen in Rot und Grün auszudrücken“, sagte der Künstler. Die emotionale Intensität wurde durch die Technik des Meisters, Farbe mit kleinen gestrichelten Linien zu überlagern, und den wellenförmigen Rhythmus ihrer Bewegung um ein Vielfaches verstärkt.

Er verwendete Symbolik in seinen Werken und PabloPicasso(1881 - 1973). Die Sujets seiner Stillleben waren oft Musikinstrumente. Vielleicht liegt das an der Raffinesse ihrer Formen oder vielleicht an dem Wunsch, Malerei und Musik zu synthetisieren.

Stillleben (französisch „naturemorte“ – tote Natur) ist ein Genre, dessen charakteristisches Merkmal die Darstellung von Haushaltsgegenständen, Lebensmitteln, Blumen usw. ist.

Künstlerische und kreative Aufgabe

· Wählen Sie Werke aus – musikalischer, poetischer oder bildender Kunst –, die in der Sprache der Zeichen und Symbole von jedem Ereignis in Ihrem Leben erzählen, von dem, was in Ihrer Erinnerung Spuren hinterlassen hat.

Glauben Sie, dass es sich hierbei um Zeichen oder Symbole handelt? Versuchen Sie, sie zunächst als Zeichen und dann als Symbole zu interpretieren.

· Hören Sie sich einige Musikkompositionen an und schauen Sie sich die Gemälde von W. Van Gogh und P. Picasso an.

Künstlerische Botschaft der Vorfahren

Mythen (griechisch mthos – Legende) sind mündliche Überlieferungen über Götter, Geister und Helden. Der Mythos erzählte vom Ursprung des Universums und des Menschen, vom Ursprung von Leben und Tod und erfüllte die Funktionen von Religion, Ideologie, Philosophie, Geschichte und Wissenschaft.

Kunsthandwerkliche Werke aus der Antike erzählen von den Vorstellungen der Menschen über den Aufbau der Welt und ihren Platz darin. Dann vereinten sie sich im Kopf einer Person Mythos- Bild - Ritual, t. e. Wort - Bild - Aktion.Erstellen und die Verwendung des Bildes war ein Akt, der Mythos und Ritual verband. Dabei spielte die Wiederholung von Elementen eine wichtige Rolle, die sich später in der traditionellen Kunst aller Völker der Welt manifestierte.

Die Welt des Menschen war in den sie umgebenden irdischen Raum und drängende Lebensprobleme eingeschlossen. Komplexe Konzepte im Zusammenhang mit der Jagd im Paläolithikum wurden durch einfache Zeichen-Symbole gekennzeichnet. So drückten die ältesten Menschen ihre Vision des Weltbildes aus, das sich in ihren Köpfen entwickelt hatte.

Die Rituale ermöglichten es den alten Menschen, auf spielerische Weise Situationen zu erleben, mit denen jeder von ihnen in der Realität konfrontiert werden könnte. Hierbei handelt es sich um eine Art Verhaltensmuster, die in künstlerischer Form zum Ausdruck kommen. Die Teilnehmer des Ritus und Rituals lernten durch die Beherrschung verschiedener Rollen, die Welt kreativ wahrzunehmen.

Musikalische Kunst hat mehrere Quellen.

Folklore- wörtlich „Volksweisheit“ – ein figuratives Modell der Welt, das den Reichtum des spirituellen Lebens der Menschen widerspiegelt. Die frühesten rituellen Lieder entstanden aus der Handlung, dem Rhythmus der Bewegungen, aus Ausrufen und der Intonation der Sprache. Instrumentalformen entstanden aus dem Musizieren, basierend auf den Eigenschaften des Instruments selbst, in Kombination mit für die Menschen charakteristischen Liedintonationen.

KirchenkunstChristen Die Melodien, auf denen der Kreis der kirchlichen Riten aufbaute, wurden als „von Gott inspirierter Gesang“ komponiert, und die Ikonen, Fresken und der Gottesdienst selbst, der außerhalb des Gesamtkunstwerks des Tempels nicht vorstellbar war, schufen eine gewisse Distanz zwischen dem Irdischen und dem Himmlischen : das Vertraute, Alltägliche, Sinnliche und Ideale, Erhabene, Spirituelle. Die gesamte weitere Entwicklung der Kunst in Europa im zweiten Jahrtausend verlief als Konvergenz von Geistigem und Weltlichem, Beruflichem und Volkstemperiertem. Als Ergebnis dieser Interaktion entstand die reichste klassische Kunst, die sich nicht nur nicht erschöpfte, sondern auch lernte, die Realität in ihrer ganzen Vielfalt widerzuspiegeln. Kunst ist die spirituelle Erfahrung von Generationen, die die Menschheit gesammelt hat – Menschen des 21. Jahrhunderts. als Teil des Lebens wahrgenommen. Deshalb gibt es in den Werken verschiedener Künste so viele Zitate, Appelle, Nachahmungen dessen, was früher geschaffen wurde. Es besteht ein lebendiger Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und Kunst, die bereits zu einem universellen Wert geworden ist.

Ritual - Handlungen, die von einem Priester, Heilern, Vertretern der Kirche, dem Besitzer oder der Herrin des Hauses durchgeführt werden, insbesondere: das Ritual der Einweihung in Krieger, das Bestattungsritual, religiöse Rituale der Kommunion, die Weihe des Hauses, magische Rituale . Bei allen Ritualen wird die Reihenfolge der Aussprache des Textes und die Reihenfolge der Handlungen strikt eingehalten.

Ritus – eine detaillierte symbolische Handlung, die im Gegensatz zu einem Ritual ein komplexeres Szenario hat, zum Beispiel der Taufritus. Grundsätzlich sind Rituale den Jahreszeiten und wirtschaftlichen Aktivitäten gewidmet

Im Volksritus gibt es nichts Offizielles: Alles darin stammt aus einer traditionellen Spielhandlung, also aus dem Leben selbst. Der Ritus kann von Liedern, Reigentänzen, Verkleidungen, Wahrsagerei und Theatralisierung begleitet werden.

Betrachten Sie die Bilder der Schneewittchens in Reproduktionen von Gemälden von I. Bilibin, V. Vasnetsov und anderen. Hören Sie, wie das Bild der Schneewittchens in der Musik von N. Rimsky-Korsakov, P. Tschaikowsky verkörpert wird. Welche Merkmale dieses Bildes sind heidnischen Überzeugungen und Ritualen entlehnt?

Künstlerische und kreative Aufgabe

Entwickeln Sie ein Drehbuch für einen der Nationalfeiertage: Herbst, Weihnachten, Maslenitsa usw. Listen Sie die Zeichen-Symbole auf, die die Bedeutung und den Inhalt jedes einzelnen Feiertags offenbaren.

Gespräch mit einem Zeitgenossen

Ein Künstler, Komponist oder Schriftsteller erschafft seine Werke in der Hoffnung, dass sie für die Menschen von Interesse sind. Die Kunstgeschichte kennt viele Beispiele dafür, wie ein Künstler seine Zeitgenossen und Nachkommen mit einem leidenschaftlichen Appell an Besonnenheit, Güte und Gerechtigkeit ansprach.

Großer russischer Ikonenmaler AndrejRubljow(ca. 1340/1350 - 1430) hinterließ den Menschen eine wunderbare Dreifaltigkeitsikone, deren Ruhm auf der ganzen Welt donnert.

Eine lehrreiche und sogar lustige Geschichte ereignete sich mit dem Gemälde „Westminster Abbey“ eines französischen Impressionisten ClaudeMonet (1840-1926).

Betrachten Sie malerische Landschaften. Erklären Sie, wie die Merkmale Farbe, Farbe, Rhythmus und Komposition dazu beitragen, verschiedene Naturbilder zu erstellen, die auf diesen Leinwänden festgehalten werden.
Wie verstehen Sie die Worte des russischen Dichters I. Bunin?

Nein, es ist nicht die Landschaft, die mich anzieht,

Der gierige Blick wird die Farben nicht bemerken,

Und was leuchtet in diesen Farben:

Liebe und Lebensfreude.

Wählen Sie Bild-, Literatur- und Musikwerke aus, die den emotionalen Reichtum der Welt offenbaren, und bereiten Sie ein Gespräch mit jüngeren Schülern über die Schönheit und Harmonie der umgebenden Natur vor.

Sehen Sie sich einen Film an – eine Verfilmung eines Werks russischer Klassiker. Welche Rolle spielt die Landschaft im Film?

Schreiben Sie Skizzen (literarisch oder bildlich), in denen Sie die Natur in verschiedenen emotionalen Zuständen (zu verschiedenen Tages- oder Jahreszeiten) darstellen.

Sichtbare Musik

Mit diesen Worten beschrieb er seine Eindrücke vom Gemälde von I. Levitan „Frühling. Big Water“, ein Kenner der russischen Malerei M. Alpatov:

P. Tschaikowsky

Achten Sie auf die Beinamen in der Bildbeschreibung. Warum hat der Autor musikalische Vergleiche verwendet?
Was zieht Komponisten und Künstler an der russischen Natur an?
Hören Sie Fragmente von Programmwerken von A. Vivaldi und P. Tschaikowsky. Welche Gefühle löst diese Musik in Ihnen aus?
Finden Sie in ihnen ähnliche und unterschiedliche Merkmale, Ausdrucksmittel, die die Haltung der Komponisten zur Natur vermitteln. Was unterscheidet russische Musik von italienischer?
Welche visuellen, literarischen Assoziationen wecken Sie bei dem Eindruck dieser Werke? Passen Sie den Text an die Musik an.
Hören Sie sich moderne Adaptionen klassischer Naturwerke an. Was bringen moderne Interpreten Neues in die Interpretation Ihnen bekannter Melodien ein?

Künstlerische und kreative Aufgabe

Der Mann im Spiegel der Kunst: Genreporträt

In „Selbstporträt“ Albrecht Dürer(1471-1528) kann man den Wunsch des Künstlers erahnen, einen idealisierten Helden zu finden. Die Bilder der Universalgenies des 16. Jahrhunderts, der Meister der Hochrenaissance – Leonardo da Vinci und Rafael Santi – verkörpern den Idealmenschen dieser Zeit.

Zu den berühmten Porträt-Meisterwerken dieser Zeit gehört der „Lautenspieler“. Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), in dem der Künstler ein Motiv aus dem realen Alltag entwickelt.

Ende des 16. Jahrhunderts im Werk des spanischen Künstlers ElGreco(1541 -1614) erscheint eine neue Art von Porträt, die die ungewöhnliche innere Konzentration eines Menschen, die Intensität seines spirituellen Lebens, das Eintauchen in seine eigene innere Welt vermittelt. Dazu nutzt der Künstler scharfe Lichtkontraste, originelle Farbgebung, ruckartige Bewegungen oder eingefrorene Posen. Die von ihm geprägten blassen, länglichen Gesichter mit riesigen dunklen, wie bodenlosen Augen zeichnen sich durch Spiritualität und einzigartige Schönheit aus.

F. Bush. Konzert.

Finden Sie auf den Doppelseiten des Lehrbuchs die Porträts, die im Text behandelt werden. Vergleichen Sie sie miteinander, identifizieren Sie Gemeinsamkeiten und Unterschiede. Geben Sie Ihre eigene Interpretation ihrer Bilder.
Welche Porträts werden Sie der traditionellen klassischen Richtung zuordnen und welche der abstrakten Kunst? Argumentieren Sie Ihre Meinung.
Vergleichen Sie die Sprache verschiedener Porträtrichtungen. Bestimmen Sie die Ausdruckskraft der Linien, die Farbe, den Rhythmus und die Zusammensetzung jeder einzelnen Linie.
Hören Sie Musikkompositionen. Wählen Sie für die Porträts diejenigen Werke aus, die mit den darauf eingeprägten Bildern übereinstimmen.

Künstlerische und kreative Aufgabe

Porträt in der Kunst Russlands.

In der Mitte des 18. Jahrhunderts. Das Porträt wird Teil des Alltags, verbunden mit Architektur, Möbeln, Utensilien, den Bewohnern der Wohnung selbst, ihren Kostümen, Gewohnheiten.

Sie ist längst verstorben – und diese Augen gibt es nicht mehr

Und es gibt kein Lächeln, das stillschweigend ausgedrückt wurde

Leiden ist der Schatten der Liebe und Denken ist der Schatten des Kummers.

Aber Borovikovsky hat ihre Schönheit gerettet.

Ein Teil ihrer Seele flog also nicht von uns weg.

Und es wird dieses Aussehen und diese Schönheit des Körpers geben

Um ihr gleichgültige Nachkommen anzulocken,

Ihn lehren zu lieben, zu leiden, zu vergeben, zu träumen ...

Liebe Malerei, Dichter! Nur ihr, der Einzigen, wurde die Seele eines veränderlichen Zeichens auf die Leinwand übertragen.

Erinnern Sie sich, wie Struyskaya uns aus der Dunkelheit der Vergangenheit, kaum in Satin gehüllt, aus dem Porträt von Rokotov wieder ansah?

Ihre Augen sind wie zwei Nebel, ein halbes Lächeln, ein halber Schrei. Ihre Augen sind wie zwei Täuschungen, bedeckt vom Nebel des Scheiterns.

Eine Kombination aus zwei Rätseln, halb Freude, halb Schrecken, ein Anfall wahnsinniger Zärtlichkeit, eine Vorahnung tödlicher Qualen.

Wenn die Dunkelheit kommt und der Sturm naht, flackern aus tiefstem Herzen ihre wunderschönen Augen.

N. Zabolotsky

Teilen Sie Ihre Eindrücke von Frauenporträts russischer Künstler.
Ausgewählte Musikstücke russischer Komponisten (Romanzen, Kammer- und Instrumentalmusik), die als Hintergrund verwendet werden können und zu einer tieferen Wahrnehmung der Porträtmalerei beitragen.
Vergleichen Sie die künstlerischen Merkmale der Porträts von Rokotov und Borovikovsky mit den Merkmalen des berühmten Porträts von Leonardo da Vinci „Gioconda“. Was haben sie gemeinsam, was unterscheidet sie?
Finden Sie Epitheta, Metaphern und Vergleiche im Text des Gedichts. Wie verbessern sie die Wahrnehmung des Bildes von A. Struiskaya?

Porträts unserer großartigen Landsleute

Das Porträtgenre nimmt im Werk des russischen Künstlers einen bedeutenden Platz ein EliaJefimowitsch Repin(1844-1930). Der Blick in die Porträtgalerie dieses Künstlers ermöglicht es dem modernen Betrachter, mehr über seine vielen kreativen Verbindungen zu Persönlichkeiten der russischen Wissenschaft, Kultur und Kunst zu erfahren – Wissenschaftlern, Schriftstellern, Malern, Musikern und Kunstmäzenen, die zum kulturellen Erbe Russlands beigetragen haben.

Betrachten Sie Bilder von Menschen. Bestimmen Sie, zu welcher Zeit sie entstanden sind und welche Persönlichkeitsmerkmale (Aussehen, Charaktereigenschaften, Hobbys, soziale Zugehörigkeit usw.) die Künstler darin hervorheben wollten. Welche Ausdrucksmittel haben Ihnen dabei geholfen, das zu verstehen?
Hören Sie zwei Fragmente aus den Werken von A. Borodin – „Nocturne“ aus dem Streichquartett Nr. 2, eine Exposition der Symphonie Nr. 2 („Bogatyrskaya“). Welches dieser Fragmente passt zum Porträt des Komponisten? Finden Sie gemeinsame Ausdrucksmittel für Porträt und Musik.
Betrachten Sie das Porträt von A. Rubinstein. Erraten Sie, welche Ihnen bekannte Komposition er dirigiert.
Hören Sie sich die Einleitung zur Oper „Khovanshchina“ von M. Mussorgsky – „Morgendämmerung an der Moskwa“ an. Welche Merkmale der Entwicklung dieses musikalischen Bildes sollten vom ausführenden Dirigenten hervorgehoben werden?
Schauen Sie sich das Porträt des Schriftstellers L. Tolstoi an. Welchen emotionalen Zustand vermittelt der Künstler darin?
Lesen Sie einen Auszug aus L. Tolstois Roman „Krieg und Frieden“ (die Szene von Sonya und Natascha) als Dialog, nach Rollen sortiert. Welche Charaktereigenschaften der Heldinnen verrät die Autorin? Welcher der Bereiche der Gesellschaft im frühen 19. Jahrhundert? (Krieg? Frieden?) beschreibt?
Welches Wissen bereichert Ihre Bekanntschaft mit verschiedenen Kunstwerken – einem malerischen Porträt, einem literarischen Text?

Künstlerische und kreative Aufgabe

Zeichnen Sie Kostüm- und Bühnenskizzen und wählen Sie die Hintergrundmusik für diese Szene aus.

Wie entstand die Galerie?

Nah dran, wie eng!
Hör auf zu kaufen, - Alexander Stepanovich Kaminsky kniff schlau die Augen zusammen, der mit Sonya kam, um seine Verwandten zu besuchen.

Pawel Michailowitsch drehte sich um und warf ihm schweigend einen empörten Blick zu. Der Architekt lächelte als Antwort entwaffnend und riet ruhig und fröhlich:

Dann baue einen Raum.

Tretjakow verließ die Gemälde und schaute nach

Denkst du? Ich selbst denke schon. Es ist lange her, - sagte er nach einer Pause, - Werden Sie das Projekt übernehmen? ..

Es gibt nichts zu verschieben, Sasha. Es ist Zeit zu beginnen. Seien Sie einfach ein Freund, seien Sie vorsichtiger mit Birnen.

Lesen Sie einen Auszug aus N. Nenarokovs Buch „Ehrenbürger Moskaus“.
Betrachten Sie das Porträt von P. Tretjakow von I. Repin. Was ist Ihrer Meinung nach die Gemeinsamkeit der Bilder des Bildes und der Geschichte?

Musikalisches Porträt.

Es ist interessant, die Merkmale der Rekonstruktion des Menschenbildes in Literatur, bildender Kunst und Musik zu vergleichen.

Hören Sie Auszüge aus Werken verschiedener Komponisten: V.-A. Mozart und S. Prokofjew, A. Borodin und B. Tischtschenko, J. Bizet und R. Shchedrin, A. Schnittke und V. Kikta. Welche Art von Menschen haben Sie in der Musik „gesehen“? Welche Ausdrucksmittel geben Ihnen die Möglichkeit, die Charakterzüge der Helden und Charaktere darzustellen?

Machen Sie Skizzen von Porträts der Charaktere Ihrer Lieblingsmusikkompositionen und geben Sie ihnen eine verbale Beschreibung

Alexander Newski

Internetwettbewerb „Name Russlands – 2008“.

Betrachten Sie Gemälde, ein Denkmal, eine Ikone, ein Bild der Alexander-Newski-Kloster, die Alexander Newski, dem Heiligen des russischen Landes, gewidmet ist. Was ist diese Person? Wie erscheint er uns? Mit welchen Charaktereigenschaften sind sie ausgestattet?
Welche Musik müsste das Bild eines Prinzen darstellen, um sich einen solchen Menschen vorzustellen? Argumentieren Sie Ihre Meinung.
Hören Sie Auszüge aus S. Prokofjews Kantate „Alexander Newski“ und schauen Sie sich Episoden aus S. Eisensteins gleichnamigem Film an. Mit welchen Mitteln ist es dem Regisseur und Komponisten gelungen, uns eine Vorstellung von der Figur und dem Aussehen des Protagonisten zu vermitteln?

Träger eines Komponisten in Literatur und Kino

Zu allen Zeiten verkörperten Maler, Komponisten und Schriftsteller in ihren Werken verschiedene Naturphänomene, die sie begeisterten. Boris Kustodiew. Herbst Camille Pissarro Obstgarten in Pontoise Ivan Shishkin Wald Entfernungen

Dank literarischer, musikalischer, bildnerischer Kunstwerke erscheint die Natur vor Lesern, Zuhörern, Zuschauern immer anders: majestätisch, traurig, zärtlich, jubelnd, trauernd, berührend. Ivan Aivazovsky Sturm auf der Nordsee Boris Kustodiev Winter Mikhail Vrubel Flieder. 1900

Alles in einem schmelzenden Dunst: Hügel, Wäldchen. Hier sind die Farben nicht grell und die Geräusche nicht grell. Hier sind die Flüsse langsam, die Seen sind neblig und alles entgeht einem flüchtigen Blick. Es reicht nicht, hier zu sehen, hier muss man genau hinschauen, damit das Herz mit klarer Liebe erfüllt ist. Hier reicht es nicht, zuzuhören, hier muss man genau hinhören, damit gemeinsam die Konsonanzen in die Seele strömen. Damit das transparente Wasser plötzlich den ganzen Charme der schüchternen russischen Natur widerspiegelt. N. Rylenkov Lesen Sie das Gedicht laut vor. Finden Sie die richtige Intonation, das richtige Tempo und die richtige Stimmdynamik, um den emotionalen Zustand zu vermitteln, der sich in diesem Werk widerspiegelt.

C. Monet. Westminster Abbey C. Monet. Kathedrale von Reims bei Sonnenaufgang Im 20. Jahrhundert. In der ausländischen bildenden Kunst entstand eine Richtung, die „Impressionismus“ (vom Französischen: Impressionismus) genannt wurde. Impressionistische Künstler versuchten, in ihren Gemälden flüchtige Eindrücke der realen Welt einzufangen.

Hören Sie Fragmente von Programmwerken von A. Vivaldi und P. Tschaikowsky. Welche Gefühle löst diese Musik in Ihnen aus? Finden Sie in ihnen ähnliche und unterschiedliche Merkmale, Ausdrucksmittel, die die Haltung der Komponisten zur Natur vermitteln. Was unterscheidet russische Musik von italienischer? Welche visuellen, literarischen Assoziationen wecken Sie bei dem Eindruck dieser Werke? Passen Sie den Text an die Musik an.

Hausaufgaben. Bereiten Sie eine Computerpräsentation zum Thema „Landschaft in Literatur, Musik, Malerei“ vor. Begründen Sie Ihre Wahl des Bildmaterials. ODER Wählen Sie Reproduktionen von Landschaftsgemälden aus. Schreiben Sie eine kurze Geschichte zu einem der Gemälde in Ihrem kreativen Notizbuch und finden Sie musikalische und literarische Beispiele dafür.

Referenzen G. P. Sergeeva, I. E. Kashekova E. D. Kritskaya Kunst 89 Klassen Lehrbuch für Bildungseinrichtungen Moskau „Aufklärung“ 2009 G. P. Sergeeva, I. E. Kashekova, E. D. Kritskaya. Programme von Bildungseinrichtungen Musikklassen 1-7, Kunstklassen 8-9 3. Auflage, überarbeitet Moskau, Prosveshchenie, 2010.