Verständnis von Penderecki. Musik mit polnischem Akzent Warum änderte sich später alles?

Das Festival zum 85. Geburtstag von Krzysztof Penderecki brachte acht Tage lang und elf Konzerte lang Dutzende Musiker – Instrumentalisten, Sänger und Dirigenten aus aller Welt – in der Nationalphilharmonie in Warschau zusammen. Unter ihnen waren diejenigen, die die Werke des polnischen Klassikers der modernen Musik schon lange kannten, und diejenigen, die sie erst kürzlich kennengelernt hatten. Neben den Meistern standen junge Künstler, die gerade erst den Weg der großen Kunst beschritten – Pendereckis Musik ist so beschaffen, dass sie neue Aufführungsressourcen wie Luft braucht. Von besonderer Lebenskraft ist es erfüllt, wenn es in die Hände der Jugend fällt mit ihrer Neugier, ihrem Mut, ihrer Gier nach Anerkennung, ihrem Durst, über die Grenzen der Musik hinauszuschauen, um zu sehen, was der Komponist selbst gesehen und verstanden hat. Ein Teil der Naivität, der nicht mit Lebenserfahrung überladen ist, kann im Zusammenstoß mit den dichten Schichten der Atmosphäre der Werke des wichtigsten polnischen Avantgarde-Künstlers unerwartete Klang- und semantische Lösungen liefern.

Ein Beweis für Pendereckis Liebe zu jungen Menschen ist das neu gegründete Penderecki-Klaviertrio aus drei jungen Solisten. Die Musik von Pan Krzysztof wird schon seit langem gespielt, es hat sich eine gewisse Aufführungstradition entwickelt, gleichzeitig ist diese Musik auch in ihrer Struktur offen, es dauert noch lange, bis sie zu einem Denkmal wird. Und der Komponist selbst verhehlt nicht, dass er sich nur über neue, kühne Interpretationen seiner Meisterwerke freut. Krzysztof Penderecki ist bei aller Beeindruckung der Jubiläumsfigur und mit seinem ehrwürdigen Professorenauftritt unglaublich kommunikativ, aphoristisch im Dialog, scherzt gerne und vermittelt den Eindruck eines Menschen, der eine kindliche Einstellung zur Welt behält – das hört er nie auf überrascht sein.

Anhand von Pendereckis Werken kann man die Geschichte Polens und der Welt studieren: Sein Vermächtnis besteht in den meisten Fällen aus Widmungen, aber auch wenn das Stück keinen bestimmten Adressaten hat, verraten die Entstehungsdaten und die Musik, was passiert ist. Das Festival hat gezeigt, dass die Musik von Pan Krzysztof – insbesondere aus der frühen und mittleren Schaffensperiode – noch immer ungewohnt ist und sich keine Klischees der Wahrnehmung angeeignet hat. Ja, und die Kompositionen späterer Schaffensperioden mit einer Fülle scheinbar vertrauter romantischer Intonationen klingen heute mit immer mehr Fragen. Selbst Musikwissenschaftler verfügen noch nicht über ein verlässliches Wörterbuch und haben noch keine stabilen Begriffe gefunden, um viele der Klangentdeckungen zu erklären, für die der Komponist in den 1960er- und 1980er-Jahren besonders großzügig war. Das Schicksal von Pendereckis Kompositionen verlief so glücklich, dass die überwiegende Mehrheit ihrer Uraufführungen an große Musiker ging. Das erste Violinkonzert von 1977 wurde Isaac Stern gewidmet und von ihm aufgeführt, das zweite wurde für Anne-Sophie Mutter geschrieben, das zweite Cellokonzert war für Mstislav Rostropovich und das Winter Road Concerto für Horn und Orchester wurde für Radovan Vlatkovich geschrieben.

Vor Penderecki gab es in der Geschichte der modernen polnischen Musik Witold Lutoslawski, dessen Stil sich durch rätselhafte höhere Mathematik, phänomenale Präzision und extreme, pedantisch-chirurgische Berechnung bei der Wahl der Ausdrucksmittel auszeichnete. Es war, als würde Chopin darin sprechen, allerdings unter den Bedingungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Pendereckis Musik zeichnet sich durch einen völlig anderen Maßstab und Umfang aus: Sie hat nicht die Intimität Chopins, aber es werden erhöhte Anforderungen an die Interpreten gestellt, denn „Pan Professor“, wie der Autor von „Die sieben Tore Jerusalems“ oft genannt wird, ist ein großer Kenner der Möglichkeiten von Sinfonieorchesterinstrumenten.

Die Programme der Abende wurden unter der sorgfältigen Anleitung von Krzysztofs Frau, Frau Elzbieta Penderecka, zusammengestellt, hinter der der Komponist wie hinter einer Steinmauer steht. Pani Penderecka kann jede Frage beantworten, wo, wann und von wem diese oder jene Arbeit ihres Mannes ausgeführt wurde. Einer der Abende bestand aus Werken aus dieser berühmtesten Avantgarde-Periode: der Ersten Symphonie (1973), dem Capriccio für Violine und Orchester (1967) sowie dem Ersten Violinkonzert (1977) und Emanations (1958). Die vier Werke wurden jeweils an vier verschiedene Dirigenten übergeben, ebenso wie das Capriccio und das Konzert an zwei verschiedene Solisten gingen. Dieses Prinzip des Auftritts verschiedener Solisten, Dirigenten und Orchester bereicherte übrigens sowohl die Spielpalette des Festivals als auch die Musik selbst.

Es war ein Eintauchen in das Labor des Komponisten auf der intensiven Suche nach neuen Ausdrucksmitteln für die damalige Zeit. Der Geige wurden Klänge aus allen möglichen Zonen entlockt – von Melodie bis Perkussion, von Rasseln und Pfeifen bis hin zu herzzerreißendem Stöhnen. Das Nationalorchester des Polnischen Rundfunks in Katowice hat diese Herausforderung meisterhaft gemeistert. Der Komponist schickte Geiger auf extreme Prüfungen, da er erkannte, dass die Geige als Hauptausdruck der menschlichen Individualität allem standhalten kann. Der Komponist schien wie ein Alchemist das Unmögliche in Metamorphosen mit Klang zu suchen und zu finden und die Grenzzustände – von fest über flüssig und gasförmig – freizulegen. Die polnische Geigerin Patricia Pekutowska zeigte phänomenale Zurückhaltung, als sie den emotional und technisch überzogenen, wild kapriziösen Teil des Capriccio spielte.

Bei einer Messe zu Ehren von Krzysztof Penderecki in der St.-Januar-Kathedrale

Das Programm der Kantaten-Oratorien-Musik umfasste zwei Hymnen – St. Daniel und St. Wojciech, die 1997 zum 850. Jahrestag von Moskau und zum 1000. Jahrestag von Danzig erschienen, sowie das grandiose Credo aus dem Jahr 1998. Der Dirigent Maximiano Valdes gab nach der Aufführung dieser schweren, wie das Kreuz Christi wirkenden Komposition zu, dass es formal, ohne persönliche Eingewöhnung in die Philosophie der Credo-Klänge, einfach unmöglich ist, diese Partitur vorzubereiten. Er nannte diese Erfahrung „Epiphania“, das Verständnis der Natur Gottes, die sich in ihrer ganzen Fülle offenbart. Drei Chöre – der Warschauer Knabenchor, der Podlasie Opera and Philharmonic Choir und der K. Szymanowski Philharmonic Choir in Krakau – und das Polnische Rundfunkorchester haben zusammen mit fünf Sängern nicht nur „ein Fresko im planetarischen Maßstab geschaffen“, sondern auch daran beteiligt Die Zuhörer werden mit aller Kraft in dieses kraftvolle, einfühlsame Erlebnis eingebunden. Insbesondere durch das Ausmaß dieser Leinwand schien Penderecki zu beweisen, wie niedergeschlagen ein Mensch war, wie schnell er die Lösung komplexer Probleme des Universums zugunsten von Trost und angenehmen kleinen Dingen aufgab, die die Wachsamkeit trübten und die Intensität spiritueller Suche stoppten.

Bei diesem Festival waren sogar zufällige Begegnungen hilfreich, um das Penderecki-Phänomen zu verstehen. Und als nach einer langen, endlos andauernden „koreanischen“ Symphonie plötzlich die Regisseurin Agnieszka Holland in der Garderobe auftauchte, wurde sofort klar, dass Penderecki ein sehr filmischer Komponist ist, der in unterschiedlich großen Einstellungen, Montagen, „Serialität“ denkt. im Sinne der Serialität. Am magischsten und herzlichsten erwies sich jedoch das Konzert zum Geburtstag des Maestros, als bei der Messe zum 85. Geburtstag des Komponisten in der St.-Januar-Kathedrale seine Missa brevis vom polnischen Kammerchor Schola Cantorum Gedanensis unter der Leitung von aufgeführt wurde Jan Lukaszewski. Es war so viel Reinheit, himmlisches Licht, Hoffnung, Liebe und Strahlkraft in ihr, und als die Glocke läutete, wurde klar, wie viel diese Stimme in den Partituren des Komponisten bedeutete und noch immer bedeutet, der einen Menschen in seinem Moment trifft Geburt, freut sich mit ihm über die Feiertage und begleitet Sie auf Ihrer letzten Reise.

Über das Unveränderliche in der Musik

Der Begriff „gute Musik“ bedeutet heute genau das Gleiche wie zuvor.

(K. Penderecki, Komponist)

Egal wie treffend die Musik den Zeitgeist ausdrückt, egal wie neue, originelle Ideen ihre Sprache anstrebt, es gibt immer noch etwas, von dem sie sich naturgemäß nicht trennen kann. Dieses „Etwas“ ist sowohl in seinem Inhalt als auch in der Komposition und in den Merkmalen der Form vorhanden, die wir mit Hilfe des Ausdrucks „Musiksprache“ definieren. Es handelt sich um eine künstlerische Wirkung, die beim Zuhörer ein echtes ästhetisches Erlebnis hervorruft. Eine solche Wirkung entsteht durch einen Appell an menschliche Gedanken und Gefühle, an Bilder der umgebenden Welt, die immer lebendig und attraktiv sind.

Jede echte Musik, egal wie komplex sie auch sein mag, lehnt niemals das ab, was sie inspiriert: Dies ist der Mensch in all seiner Komplexität, das Leben mit seinen Prüfungen und Freuden, die Natur und vieles mehr, das Gegenstand des Interesses der Kunst war jederzeit.

Vielleicht findet man deshalb im Werk desselben Komponisten sehr unterschiedliche Musik – von verstörend und sogar tragisch bis hin zu hell und fröhlich. Ein moderner Komponist, wie ein Komponist jeder Epoche, kann in seinen Werken immer noch Bilder der Zerstörung verkörpern und gleichzeitig schöne, erhabene Melodien schaffen.

Wenden wir uns daher noch einmal der Musik von Boris Tschaikowsky zu – diesmal seinem Konzert für Klarinette und Orchester.

Boris Tschaikowsky. Konzert für Klarinette und Kammerorchester, Teil I

Diese Musik verkörpert die wichtigsten Merkmale des künstlerischen Stils des Komponisten, seine figurative Welt, geprägt von der Schönheit der Melodie, dem russischen Charakter der Themen – gemächlich, eindringlich lyrisch. Solche Musik entführt den Zuhörer in die Welt natürlicher, lebendiger Gefühle und Stimmungen. Es ist diese Eigenschaft der Musik, die den tiefen Glauben des Komponisten an die moralische Reinheit des Menschen, sein natürliches Verlangen nach Harmonie und Schönheit sowie die Tatsache zum Ausdruck bringt, dass traditionelle menschliche Werte auch heute noch nicht an Bedeutung verlieren.

Aus Rezensionen der Werke von B. Tschaikowsky

„Indem der Komponist durch sein großes Herz die aufregenden künstlerischen Probleme unserer Zeit, menschliche Sorgen und Freuden, emotionale Erfahrungen weitergab, konnte er aufrichtig und tiefgründig das Wichtigste über die Welt um ihn herum sagen. Und vielleicht ist es gerade diese Eigenschaft seines Schaffens, die uns so sehr anzieht, fasziniert und uns immer wieder zu seinen Kompositionen zurückkehren lässt“ (Yu. Serov, Pianist).

„Es gibt einem das Gefühl, in eine Art reiche Welt gefallen zu sein, reich an Details, wie reich die Natur sein kann, wie reich die Meeresküste sein kann … Eher nicht die Meeresküste, sondern einfach das Ufer des.“ Russischer Fluss, Seeufer, bewachsenes Schilf, auf dem Schwäne oder Enten schwimmen und Blätter rascheln. Es gibt eine Art Glück in der Musik“ (A. Mitta, Filmregisseur).

Der Wunsch, die natürlichen Grundlagen der Kunst zu verstehen, ist nicht nur für die Musik charakteristisch, sondern auch für andere Arten künstlerischer Tätigkeit – Poesie, Prosa, Malerei. Damit versuchen die Künstler, solchen Trends der Zeit zu widerstehen, in denen es vor allem um praktische Dinge wie Autos oder elektronische Geräte geht.

Was sind diese natürlichen Grundlagen?

Eine der Antworten findet sich im Gedicht „Ich bin zurückgekehrt ...“ von Rasul Gamzatov.

Ich kehrte nach hundert Jahren zurück,
Von der Dunkelheit auf diese Erde.
Er blinzelte, als er das Licht sah.
Ich habe meinen Planeten kaum wiedererkannt ...
Plötzlich höre ich: das Gras raschelt,
Lebendiges Wasser fließt im Bach.
„Ich liebe dich! ..“ – die Worte klingen
Und sie glänzen, nicht veraltet ...
Ein Jahrtausend ist vergangen.
Ich kehrte wieder zur Erde zurück.
Alles, woran ich mich erinnere, ist abgedeckt
Der Sand einer anderen Zeit.
Aber auch die Lichter der Sterne verblassen,
Im Wissen, dass bald die Sonne herauskommen wird.
Und Menschen - wie in unseren Tagen -
Verlieben und hassen...
Ich ging und kam wieder zurück
Die Ewigkeit hinter sich lassen.
Die Welt hat sich bis ins Mark verändert.
Er ist voller Neuheit.
Aber trotzdem – der Winter ist weiß.
Blumen auf den Wiesen funkeln schläfrig.
Liebe bleibt gleich.
Und der Streit blieb derselbe.

(Übersetzt von Y. Kozlovsky)

Fragen und Aufgaben:

1. Wie verstehen Sie die Worte des polnischen Komponisten K. Penderecki im Epigraph dieses Absatzes?
2. Warum findet man Ihrer Meinung nach in den Werken eines Komponisten unterschiedliche Themen, Gefühle und Stimmungen? Erklären Sie Ihre Antwort am Beispiel der Arbeit von B. Tschaikowsky.
3. Können Sie zustimmen, dass die Musik des Konzerts für Klarinette und Kammerorchester von B. Tschaikowsky die besten Traditionen der russischen Musik übernimmt? Worin drückt es sich aus? Was ist das Neue an dieser Musik?
4. Was würde mit der Kunst geschehen, wenn sie sich weigerte, die menschliche Welt zu verkörpern und nur Zeichen der Zeit, des technischen Fortschritts usw. widerspiegelte?
5. Was ist die Hauptidee, die in R. Gamzatovs Gedicht zum Ausdruck kommt? Welche Dinge hält der Dichter für vergänglich und welche für unveränderlich?

Zusätzliches Material für einen Musikunterricht zum Thema - Über das Unveränderliche in der Musik Material zur Durchführung eines Musikunterrichts nach dem Programm von T. Naumenko und V. Aleeva, Klasse 9. Der Begriff „gute Musik“ bedeutet heute genau das Gleiche wie zuvor. (K. Penderetsky, Komponist) Egal wie genau die Musik den Zeitgeist ausdrückt, egal wie neue, originelle Ideen ihre Sprache anstrebt, es gibt immer noch etwas, von dem sie sich von Natur aus nicht trennen kann. Dieses „Etwas“ ist sowohl in seinem Inhalt als auch in der Komposition und in den Merkmalen der Form vorhanden, die wir mit Hilfe des Ausdrucks „Musiksprache“ definieren. Es handelt sich um eine künstlerische Wirkung, die beim Zuhörer ein echtes ästhetisches Erlebnis hervorruft. Eine solche Wirkung entsteht durch einen Appell an menschliche Gedanken und Gefühle, an Bilder der umgebenden Welt, die immer lebendig und attraktiv sind. Konstantin Bogaevsky. Regenbogen Jede echte Musik, egal wie komplex sie auch sein mag, lehnt niemals das ab, was sie inspiriert: Dies ist ein Mensch in all seiner Komplexität und das Leben mit seinen Prüfungen und Freuden, die Natur und vieles mehr, was Gegenstand des Interesses der Kunst war jederzeit. Vielleicht ist das der Grund, warum man im Werk desselben Komponisten sehr unterschiedliche Musik finden kann, von verstörend und sogar tragisch bis hin zu hell und fröhlich. Ein moderner Komponist, wie ein Komponist jeder Epoche, kann in seinen Werken immer noch Bilder der Zerstörung verkörpern und gleichzeitig schöne, erhabene Melodien schaffen. Wenden wir uns daher noch einmal der Musik von Boris Tschaikowsky zu, diesmal seinem Konzert für Klarinette und Orchester. B. Tschaikowsky. Konzert für Klarinette und Kammerorchester, Teil I Diese Musik verkörpert die wichtigsten Merkmale des künstlerischen Stils des Komponisten, seine figurative Welt, geprägt von der Schönheit der Melodie, dem russischen Charakter gemächlicher, gefühlvoller lyrischer Themen. Solche Musik entführt den Zuhörer in die Welt natürlicher, lebendiger Gefühle und Stimmungen. Es ist diese Eigenschaft der Musik, die den tiefen Glauben des Komponisten an die moralische Reinheit des Menschen, sein natürliches Verlangen nach Harmonie und Schönheit sowie die Tatsache zum Ausdruck bringt, dass traditionelle menschliche Werte auch heute noch nicht an Bedeutung verlieren. Iwan Schischkin. Nowgorod. Pechersky-Kloster Aus Rezensionen der Werke von B. Tschaikowsky „Der Komponist ließ durch sein großes Herz die aufregenden künstlerischen Probleme unserer Zeit, menschliche Sorgen und Freuden, emotionale Erfahrungen durchgehen und konnte aufrichtig und tiefgründig das Wichtigste über die Welt um ihn herum sagen.“ ihn. Und vielleicht ist es gerade diese Eigenschaft seines Schaffens, die uns so sehr anzieht, fasziniert und uns immer wieder zu seinen Kompositionen zurückkehren lässt“ (Yu. Serov, Pianist). „Es gibt einem das Gefühl, dass man sich in einer Art reicher Welt befindet, reich an Details, wie reich die Natur sein kann, wie reich die Küste sein kann ... Eher nicht die Küste, sondern einfach das Ufer des Russen.“ Fluss, das mit Schilf bewachsene Ufer des Sees, auf dem Schwäne oder Enten schwimmen und Blätter rascheln. Es gibt eine Art Glück in der Musik“ (A. Mitta, Filmregisseur). Der Wunsch, die natürlichen Grundlagen der Kunst zu verstehen, ist nicht nur für die Musik charakteristisch, sondern auch für andere Arten künstlerischer Tätigkeit – Poesie, Prosa, Malerei. Damit versuchen die Künstler, solchen Trends der Zeit zu widerstehen, in denen es vor allem um praktische Dinge wie Autos oder elektronische Geräte geht. Wladimir Makowski. Marmelade kochen Was sind das für natürliche Grundlagen? Eine der Antworten findet sich im Gedicht „Ich bin zurückgekehrt ...“ von Rasul Gamzatov. Ich kehrte nach hundert Jahren aus der Dunkelheit in dieses Land zurück. Er blinzelte, als er das Licht sah. Ich habe meinen Planeten kaum wiedererkannt... Plötzlich höre ich: Gras raschelt, Lebendiges Wasser fließt im Bach. „Ich liebe dich! ...“ Worte erklingen und leuchten, ohne zu veralten ... Ein Jahrtausend ist vergangen. Ich kehrte wieder zur Erde zurück. Alles, woran ich mich erinnerte, war mit dem Sand einer anderen Zeit bedeckt. Aber auch die Lichter der Sterne verblassen, wohlwissend, dass bald die Sonne herauskommen wird. Und die Menschen verlieben sich wie in unseren Tagen und hassen ... Ich ging und kehrte wieder zurück und ließ die Ewigkeit hinter mir. Die Welt hat sich bis ins Mark verändert. Er ist voller Neuheit. Aber der Winter ist immer noch weiß. Blumen auf den Wiesen funkeln schläfrig. Liebe bleibt gleich. Und der Streit blieb derselbe. (Übersetzt von Y. Kozlovsky) Fragen und Aufgaben: Wie verstehen Sie die Worte des polnischen Komponisten K. Penderecki, die im Epigraph dieses Absatzes stehen? Warum findet man Ihrer Meinung nach in den Werken eines Komponisten unterschiedliche Themen, Gefühle und Stimmungen? Erklären Sie Ihre Antwort am Beispiel der Arbeit von B. Tschaikowsky. Können Sie zustimmen, dass die Musik des Konzerts für Klarinette und Kammerorchester von B. Tschaikowsky die besten Traditionen der russischen Musik übernimmt? Worin drückt es sich aus? Was ist das Neue an dieser Musik? Was würde mit der Kunst geschehen, wenn sie sich weigerte, die menschliche Welt zu verkörpern und nur Zeichen der Zeit, des technischen Fortschritts usw. widerspiegelte? Was ist die Hauptidee, die in R. Gamzatovs Gedicht zum Ausdruck kommt? Welche Dinge hält der Dichter für vergänglich und welche für dauerhaft? Quelle http://www.musicfantasy.ru/materials/oneizmennomvmuzyke

Krzysztof Penderecki wurde am 23. November 1933 in der polnischen Kleinstadt Debice geboren. Die musikalischen Fähigkeiten des Jungen zeigten sich schon früh und der berühmte polnische Komponist Arthur Malyavsky begann in der Schule bei ihm zu studieren. Nach seinem Schulabschluss trat Krzysztof in die Jagiellonen-Universität in Krakau ein, verließ diese jedoch bald und begann an der Krakauer Musikakademie in der Klasse des Komponisten Stanislav Werchowytsch zu studieren. Dort begann er Musik zu komponieren.

Bis zum Ende seines Studiums gelang es dem jungen Komponisten, mehrere interessante Werke zu schaffen, von denen er drei – „Strophen“, „Emanationen“ und „Psalmen Davids“ – als Abschlussarbeit vorlegte. Diese Kompositionen von ihm erhielten nicht nur hohe Noten vom Auftrag, sondern gewannen 1959 auch die ersten drei Preise in einem vom Verband Polnischer Komponisten ausgeschriebenen Wettbewerb.

Bereits in seinen ersten Werken zeigte Penderecki, dass er sich mit traditionellen Musikgenres nicht zufrieden gab und begann, nicht nur deren Grenzen zu überschreiten, sondern auch nicht-traditionelle Kombinationen von Musikinstrumenten zu verwenden. So schrieb er die Kantate „Trenos“, die dem Gedenken an die Opfer der Bombardierung von Hiroshima gewidmet ist, für ein Ensemble von 53 Saiteninstrumenten. Darunter waren Geigen, Bratschen, Celli und Kontrabässe.

1962 erhielt Penderecki den Großen Preis eines Musikwettbewerbs in Westdeutschland und das Recht auf ein vierjähriges Praktikum an der Berliner Musikhochschule. Zu diesem Zeitpunkt hatte der Komponist bereits eine Reihe von Kompositionen für Streichinstrumente geschrieben, die seinen Namen noch bekannter machten. Dies sind insbesondere: „Polymorphia“ für 48 Violinen, „Canon“ für 52 Violinen und Pauken sowie Hauptwerke zu biblischen Texten – „Passion für Lukas“ und „Dies Ira“ (Jüngster Tag) – Oratorien zum Gedenken an die Opfer von Auschwitz.

Im Gegensatz zu Avantgarde-Künstlern, die unkonventionelle Rhythmen verwenden, kombiniert Penderecki frei eine Vielzahl musikalischer und nichtmusikalischer Klänge. Zunächst geht es um den Einsatz von Schlaginstrumenten. Sie helfen dem Komponisten, die Grenzen und den Klang traditioneller Musikgenres zu erweitern. So wurden seine Matinen zu einem Beispiel für eine unkonventionelle Lesart des kanonischen Textes. Nicht weniger bedeutsam ist die Komposition „De nattira sonoris“ (Klänge der Natur), in der der Komponist versucht, den Charme des Nachtwaldes mit Hilfe von Musik zu vermitteln.

In den späten 1960er Jahren wandte sich Penderecki dem Operngenre zu. Seine erste Oper – Der Teufel aus Loudun – entstand 1968 nach einer echten historischen Handlung – der Geschichte des Prozesses gegen den Priester Urbain Grandier, den die Mönche beschuldigten, vom Teufel besessen zu sein, woraufhin der unglückliche Mann vor Gericht gestellt wurde und hingerichtet. Diese Oper hat die Bühnen aller größten Theater der Welt durchlaufen. Es wurde als eine Art Requiem zum Gedenken an alle wahrgenommen, die für ihren Glauben starben.

Es folgten die Opern Black Mask und King Hugo. In ihnen kombiniert Penderecki auch frei Musik, Gesang und dramatische Handlung, einschließlich Schauspielermonologe, im musikalischen Gefüge der Werke.

Merkwürdig ist die Position des Komponisten selbst, der sich nicht zu den Avantgarde-Künstlern zählt und sagt, er habe nie mit der musikalischen Tradition gebrochen. Er führt seine Werke oft als Dirigent auf, da er glaubt, dass dies ein notwendiger Bestandteil der Komposition ist. „Beim Dirigieren versuche ich, meine Musik für den Dirigenten und die Musiker verständlicher zu machen. Deshalb füge ich während der Proben oft etwas Neues zur Partitur hinzu“, sagte er in einem Interview.

In seinen Kompositionen verwendet Penderecki in großem Umfang Melodien aus der europäischen Musik. So entstand auf der Grundlage traditioneller Melodien die Oper „Paradise Lost“ (basierend auf dem gleichnamigen Gedicht von J. Milton). Aber er zitiert sie nie direkt, sondern vermittelt sie immer auf seine eigene Art und Weise, da er davon überzeugt ist, dass die Möglichkeiten der Musik in unserer Zeit viel größer und vielfältiger sind als in der Vergangenheit.

Neben der Musik interessiert sich Krzysztof Penderecki auch für die Botanik. Seine ganze Freizeit verbringt er in seinem Garten, pflegt Bäume und züchtet Blumen. Doch auch hier lässt ihn die Musik nicht los. Er komponiert es überall: bei kreativen Treffen, im Unterricht mit Studenten, auf zahlreichen Reisen. So schrieb er beispielsweise die Melodie von „Canon“ – einer Chorsuite zum 300. Jahrestag des Baus des Mainzer Doms – in Krakau im Café „Yana Michalikova“. Der Komponist selbst sagt, dass er am liebsten nicht in der Stille des Büros, sondern unter Menschen arbeitet.

Der Erfolg des Komponisten ist vor allem der unermüdlichen Fürsorge für ihn und der Hilfe seiner Frau Elzbieta zu verdanken, die ihn von allen häuslichen Problemen befreit und gleichzeitig die Aufgaben eines Impresarios wahrnimmt und seine Konzerte und Aufführungen organisiert.

Gefilmt zu Ehren des 80. Geburtstags des Komponisten im Jahr 2013.

In der Premierendokumentation erzählt Krzysztof Penderecki, einer der größten Komponisten unserer Zeit und Dirigent, ausführlich seine Lebens- und Werkgeschichte, enthüllt einige Geheimnisse seiner Meisterschaft und teilt seine innersten Gedanken und Pläne für die Zukunft. Der Film enthält seltenes Archivmaterial und Dokumente, Fragmente von Konzerten und Proben sowie Interviews mit Andrzej Wajda, Jonny Greenwood, Janine Jansen, Julian Rachlin, Anne-Sophie Mutter und Elzbieta Penderecka.

Die Arbeit an dem Film erstreckte sich über einen langen Zeitraum und umfasste ein ganzes Lebensjahr des Komponisten, das die Zuschauer mit ihm „leben“ werden. Die meisten Dreharbeiten fanden im Landhaus des Komponisten und im einzigartigen Park in Lusławice statt, den er 40 Jahre lang geschaffen hat. Die meisten Pflanzen brachte er aus aller Welt mit, viele davon wurden geschmuggelt. „Ich liebe Bäume seit meiner frühen Kindheit sehr und habe immer davon geträumt, eines Tages einen großen Park zu haben. Im ersten Jahr habe ich 30 oder 40 Bäume gepflanzt, und dann ging die Rechnung auf Hunderte. Jetzt ist der Park angewachsen „30 Hektar groß und die Pflanzensammlung ist sehr groß – etwa 1700 Baum- und Straucharten“, sagt der Komponist. Penderecki ist nicht nur Sammler, er ist Dendrologe und fungiert auch als Designer. Letztlich hängt es nur von ihm ab, wie der Park in 20 oder 50 Jahren aussehen wird.

Der Park ist unter anderem mit einem großen, mit Sträuchern bepflanzten Labyrinth geschmückt. Und der Name des Films – „Krzysztof Penderecki. Der Weg durch das Labyrinth“ – ist kein Zufall. Es kodiert eine tiefe Bedeutung für den Komponisten. Das Labyrinth ist für ihn ein Symbol kreativer Suche: Wenn man nicht direkt zum Ziel gelangen kann, sondern aus einer Vielzahl von Möglichkeiten die einzig richtige auswählen und über die Ringstraße dorthin gelangen muss. Was auch immer Penderecki tat (sein Talent erstreckt sich auf viele künstlerische Bereiche, er ist Besitzer einer Sammlung bildender und angewandter Kunst, Besitzer einer wertvollen Bibliothek), er handelte immer auf seine eigene Weise: Er folgte nie der Mode, ließ sich nicht von ihr leiten die Meinung eines anderen, blieb aber sich selbst, seinem Geschmack und seinem Glauben treu.

Musik ist für ihn die wichtigste Gelegenheit, sein Wort über die Welt und ihre Komplexität zu sagen und Verbindungen zur Vergangenheit herzustellen. Er komponierte immer das, was ihm gefiel, und nicht das, was akzeptiert wurde. In den 60er Jahren schuf er beispielsweise sehr avantgardistische Musik. Wie der Komponist selbst sagt, war es der Wunsch, sich selbst zu erobern, das Gelernte zu erobern und nach etwas Neuem zu suchen. Und 1966, als religiöse Musik verboten wurde, schrieb er die Lukas-Passion. „Dieses Werk“, erinnert sich Penderecki, „brach mit der Vorstellung der polnischen Regierung zusammen, dass es in einem sozialistischen Staat keinen Gott und keine geistliche Musik gäbe.“ Bis heute wurde seine neueste Idee – ein im wahrsten Sinne des Wortes auf freiem Feld gebauter Konzertsaal – von vielen als verrücktes Projekt bezeichnet. Doch der Komponist spricht mit besonderer Besorgnis von ihm, denn für ihn wurde er zur Verkörperung langjähriger Träume und Träume.

Penderecki befasst sich eingehend mit allem, was in seinem Leben passiert. Er überlässt seine Kompositionen nicht den Interpreten, beteiligt sich aber aktiv an den Proben: „Ich lasse dem Interpreten in meinen Werken keine Freiheiten, daher sind die Proben für mich sehr wichtig.“ Interpreten haben es manchmal schwer, aber eine so enge Zusammenarbeit hat einen Vorteil: Sie erhalten die einmalige Gelegenheit, persönlich mit dem Komponisten zu kommunizieren. „Er weiß genau, was er will. Das ist der Komponist, dem man eine Frage stellen und eine völlig zutreffende Antwort bekommen kann“, teilt die Geigerin Janine Jansen ihre Eindrücke von den gemeinsamen Proben mit Penderecki. Noch enger war die Zusammenarbeit Pendereckis mit Jonny Greenwood, dem Gitarristen von Radiohead. Greenwood war von Pendereckis Musik so inspiriert, dass er „in den Fußstapfen“ zweier seiner Kompositionen – „Lament for the Victims of Hiroshima“ und „Polymorphia“ – selbst Musik schreiben wollte. Während er an seinem Werk arbeitete, dachte er darüber nach, wie er Pendereckis zwei Leidenschaften – die Liebe zu Bäumen und die Musik – zusammenbringen könnte. Und es gelang ihm – auf einem Blatt Papier zeichnete Greenwood ein Blatt eines Baumes in einer horizontalen Ebene und überlagerte die Verzweigung der Blattadern mit einer Orchesterpartitur – so entstanden seine „48 Antworten auf Pendereckis Polymorphia“.

Die gemeinsame Arbeit des Komponisten mit Andrzej Wajda am Film „Katyn“ erwies sich als äußerst tiefgründig. Dafür gab es persönliche Gründe: Pendereckis Onkel und Vaidas Vater wurden in Katyn getötet. Penderecki erinnert sich, wie lange er diesen Plan hegte, der schließlich in Erfüllung ging: „Es war mein Projekt. Ich habe Vaida gezwungen, meine Musik mitzunehmen. Und in meiner Praxis ist das ein einzigartiger Fall: als ob Musik aus dem Nichts auftauchte, die genau dann einfiel.“ der Film."

Das kreative Leben von Penderecki ist in vollem Gange: Proben, Premieren, Festivals; allein für das Schreiben hat er sich auf 50 Jahre bemessen ... Ohne seine enorme innere Disziplin wäre das alles nicht möglich gewesen: „Jeder Mensch muss nach bestimmten Regeln leben und arbeiten. Ich zwinge mich zum Beispiel jeden Tag sehr früh aufzustehen.“ Tag, obwohl ich manchmal das Gefühl habe, einen Arbeitsplan für morgen, übermorgen, einen Monat lang nicht zu haben; ich mache keine Pause – in meinem Alter ist es nicht mehr möglich, sie zu erledigen, und das hatte ich immer und immer noch Ich habe mehr Ideen als Möglichkeiten, sie umzusetzen. Ich schreibe Musik, die sich an Menschen richtet, ehrlich und modern, die heute und nicht erst nach meinem Tod aufgeführt werden könnte.

Pressedienst des Fernsehsenders „Russia K“