100 διάσημοι πίνακες. Οι πιο διάσημοι και σημαντικοί πίνακες του κόσμου για την ιστορία της τέχνης

Υπέροχα έργα τέχνης από τα χέρια μεγάλων δασκάλων μπορούν να εκπλήξουν ακόμη και ανθρώπους για τους οποίους η τέχνη σημαίνει λίγα. Γι' αυτό τα παγκοσμίου φήμης μουσεία συγκαταλέγονται στα πιο δημοφιλή αξιοθέατα, προσελκύοντας εκατομμύρια επισκέπτες ετησίως.

Για να ξεχωρίσει από τον τεράστιο αριθμό έργων ζωγραφικής που γράφτηκαν σε όλη την ιστορία της τέχνης, ο καλλιτέχνης χρειάζεται όχι μόνο ταλέντο, αλλά και την ικανότητα να εκφράσει μια μοναδική πλοκή με ασυνήθιστο και πολύ σχετικό για την εποχή του τρόπο.

Οι πίνακες που παρουσιάζονται παρακάτω μιλούν δυνατά όχι μόνο για το ταλέντο των συγγραφέων τους, αλλά και για τις πολυάριθμες πολιτιστικές τάσεις που εμφανίστηκαν και εξαφανίστηκαν, και για τα σημαντικότερα ιστορικά γεγονότα που πάντα αντανακλώνονταν στην τέχνη.

"Γέννηση της Αφροδίτης"

Αυτός ο πίνακας, ζωγραφισμένος από τον μεγάλο δάσκαλο της Αναγέννησης Sandro Botticelli, απεικονίζει τη στιγμή που η όμορφη Αφροδίτη εμφανίζεται από τον αφρό της θάλασσας. Μια από τις πιο συναρπαστικές πτυχές του πίνακα είναι η σεμνή πόζα της θεάς και το απλό αλλά όμορφο πρόσωπό της.

"Οι σκύλοι παίζουν πόκερ"

Ζωγραφισμένη από τον Cassius Coolidge το 1903, αυτή η σειρά από 16 πίνακες απεικονίζει σκύλους συγκεντρωμένους γύρω από έναν καφέ ή ένα τραπέζι τζόγου να παίζουν πόκερ. Πολλοί κριτικοί αναγνωρίζουν αυτούς τους πίνακες ως την κανονική απεικόνιση των Αμερικανών της εποχής.

Πορτρέτο της Μαντάμ Ρεκαμιέ

Ζωγραφισμένο από τον Jacques-Louis David, αυτό το πορτρέτο απεικονίζει έναν λαμπερό κοινωνικό σε ένα αντίθετα μινιμαλιστικό και απλό σκηνικό, ντυμένο με ένα απλό αμάνικο λευκό φόρεμα. Αυτό είναι ένα ζωντανό παράδειγμα νεοκλασικισμού στην τέχνη πορτρέτων.

№5

Αυτός ο διάσημος πίνακας του Τζάκσον Πόλοκ είναι το πιο εμβληματικό έργο του, που απεικονίζει ζωντανά όλο το χάος που μαινόταν στην ψυχή και το μυαλό του Πόλοκ. Αυτό είναι ένα από τα πιο ακριβά έργα που πουλήθηκε ποτέ από Αμερικανό καλλιτέχνη.

"Γιος του ανθρώπου"

Το «The Son of Man» του Ρενέ Μαγκρίτ είναι ένα είδος αυτοπροσωπογραφίας που απεικονίζει τον ίδιο τον καλλιτέχνη με μαύρο κοστούμι, αλλά με ένα μήλο αντί για πρόσωπο.

"Number 1" ("Royal Red and Blue")

Αυτό το αρκετά πρόσφατο κομμάτι του Mark Rothko δεν είναι τίποτα άλλο από πινελιές τριών διαφορετικών αποχρώσεων σε έναν χειροποίητο καμβά. Αυτή τη στιγμή ο πίνακας εκτίθεται στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο.

"Σφαγή των Αθώων"

Βασισμένος στη βιβλική ιστορία της σφαγής αθώων μωρών στη Βηθλεέμ, ο Peter Paul Rubens δημιούργησε αυτόν τον μακάβριο και βάναυσο πίνακα που αγγίζει τα συναισθήματα όλων όσοι τον κοιτάζουν.

"Ένα κυριακάτικο απόγευμα στο νησί Grande Jatte"

Δημιουργημένος από τον Georges Seurat, αυτός ο μοναδικός και πολύ δημοφιλής πίνακας απεικονίζει τη χαλαρή ατμόσφαιρα ενός Σαββατοκύριακου σε μια μεγάλη πόλη. Μια τέτοια ζωγραφική είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα πουαντιλισμού, που συνδυάζει πολλές κουκκίδες σε ένα σύνολο.

"Χορός"

Ο "Χορός" του Henri Matisse είναι ένα παράδειγμα ενός στυλ που ονομάζεται Φωβισμός, το οποίο χαρακτηρίζεται από φωτεινά, σχεδόν αφύσικα χρώματα και σχήματα και υψηλή δυναμική.

"Αμερικάνικο γκόθικ"

Το «American Gothic» είναι ένα έργο τέχνης που συμβολίζει τέλεια την εικόνα των Αμερικανών κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Γκραντ Γουντ απεικόνιζε ένα αυστηρό, προφανώς θρησκευόμενο ζευγάρι να στέκεται μπροστά σε ένα απλό σπίτι με γοτθικά παράθυρα.

"Flower Loader"

Αυτός ο πίνακας του πιο δημοφιλούς Μεξικανού ζωγράφου του 20ου αιώνα, του Ντιέγκο Ριβέρα, απεικονίζει έναν άνδρα που δύσκολα αντέχει ένα καλάθι υπερφορτωμένο με φωτεινά τροπικά λουλούδια στην πλάτη του.

"Η μητέρα του Γουίστλερ"

Γνωστός και ως Arrangement in Grey and Black.The Artist's Mother, αυτός είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Αμερικανού καλλιτέχνη James Whistler. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Γουίστλερ απεικόνισε τη μητέρα του να κάθεται σε μια καρέκλα πάνω σε έναν γκρίζο τοίχο. Ο πίνακας χρησιμοποιεί μόνο μαύρες και γκρι αποχρώσεις.

"Η Εμμονή της Μνήμης"

Πρόκειται για ένα cult έργο του όχι λιγότερο καλτ Σαλβαδόρ Νταλί, του παγκοσμίου φήμης Ισπανού σουρεαλιστή που έφερε αυτό το κίνημα στο προσκήνιο της τέχνης.

Πορτρέτο της Ντόρα Μάαρ

Ο Πάμπλο Πικάσο είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς και σημαντικούς Ισπανούς ζωγράφους. Είναι ο ιδρυτής του εντυπωσιακού στυλ εκείνης της εποχής, που ονομαζόταν κυβισμός, που επιδιώκει να διαλύσει οποιοδήποτε αντικείμενο και να το μεταφέρει με καθαρά γεωμετρικά σχήματα. Αυτός ο πίνακας είναι το πρώτο πορτρέτο σε κυβιστικό στυλ.

"Πορτρέτο ενός καλλιτέχνη χωρίς γένια"

Αυτός ο πίνακας του Βαν Γκογκ είναι αυτοπροσωπογραφία και μοναδικός, γιατί απεικονίζει τον ζωγράφο χωρίς τη συνηθισμένη γενειάδα. Επιπλέον, αυτός είναι ένας από τους λίγους πίνακες του Βαν Γκογκ που έχουν πουληθεί σε ιδιωτικές συλλογές.

"Night Cafe Terrace"

Ζωγραφισμένος από τον Vincent van Gogh, αυτός ο πίνακας απεικονίζει ένα οικείο θέαμα με έναν εντελώς νέο τρόπο, χρησιμοποιώντας εκπληκτικά ζωντανά χρώματα και ασυνήθιστα σχήματα.

"Σύνθεση VIII"

Ο Wassily Kandinsky αναγνωρίζεται ως ο ιδρυτής της αφηρημένης τέχνης - ενός στυλ που χρησιμοποιεί μορφές και σύμβολα αντί για οικεία αντικείμενα και ανθρώπους. Το "Composition VIII" είναι ένας από τους πρώτους πίνακες του καλλιτέχνη, που φιλοτεχνήθηκε αποκλειστικά σε αυτό το στυλ.

"Φιλί"

Ένα από τα πρώτα έργα τέχνης σε στυλ αρ νουβό, αυτός ο πίνακας είναι σχεδόν εξ ολοκλήρου κατασκευασμένος σε χρυσούς τόνους. Ο πίνακας του Gustav Klimt είναι ένα από τα πιο εντυπωσιακά έργα στυλ.

"Μπάλα στο Moulin de la Galette"

Ο πίνακας του Pierre Auguste Renoir είναι μια ζωντανή και δυναμική απεικόνιση της ζωής της πόλης. Επιπλέον, είναι ένας από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο.

"Ολυμπία"

Στην Ολυμπία, ο Édouard Manet δημιούργησε μια πραγματική διαμάχη, σχεδόν σκάνδαλο, αφού μια γυμνή γυναίκα με βλέμμα είναι ξεκάθαρα ερωμένη, που δεν καλύπτεται από τους μύθους της κλασικής περιόδου. Αυτό είναι ένα από τα πρώτα έργα στο στυλ του ρεαλισμού.

«Τρίτη Μαΐου 1808 στη Μαδρίτη»

Σε αυτό το έργο, ο Francisco Goya απεικόνισε την επίθεση του Ναπολέοντα στους Ισπανούς. Αυτός είναι ένας από τους πρώτους ισπανικούς πίνακες που απεικονίζουν τον πόλεμο με αρνητικό πρίσμα.

"Las Meninas"

Ο πιο διάσημος πίνακας του Ντιέγκο Βελάσκεθ απεικονίζει την πεντάχρονη Ινφάντα Μαργκερίτα μπροστά σε ένα πορτρέτο των γονιών της που ζωγράφισε ο Βελάσκεθ.

"Πορτρέτο του Αρνολφίνι"

Αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα παλαιότερα έργα ζωγραφικής. Ζωγραφίστηκε από τον Jan van Eyck και απεικονίζει τον Ιταλό επιχειρηματία Τζιοβάνι Αρνολφίνι και την έγκυο σύζυγό του στο σπίτι τους στη Μπριζ.

"Κραυγή"

Ένας πίνακας του Νορβηγού καλλιτέχνη Έντβαρντ Μουνκ απεικονίζει το πρόσωπο ενός άνδρα παραμορφωμένο από φόβο απέναντι σε έναν κατακόκκινο ουρανό. Το τοπίο στο βάθος προσθέτει μια σκοτεινή γοητεία σε αυτόν τον πίνακα. Επιπλέον, το The Scream είναι ένας από τους πρώτους εξπρεσιονιστικούς πίνακες όπου ο ρεαλισμός περιορίζεται στο ελάχιστο για να επιτραπεί περισσότερη ελευθερία στο συναίσθημα.

"Του νερού"

Τα νούφαρα, του Claude Monet, είναι μέρος μιας σειράς 250 πινάκων που απεικονίζουν στοιχεία του κήπου του ίδιου του καλλιτέχνη. Αυτοί οι πίνακες εκτίθενται σε διάφορα μουσεία τέχνης σε όλο τον κόσμο.

"Starlight Night"

Η «Έναστρη Νύχτα» του Βαν Γκογκ είναι μια από τις πιο διάσημες εικόνες στη σύγχρονη κουλτούρα. Αυτή τη στιγμή εκτίθεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη.

"Πτώση του Ίκαρου"

Αυτός ο πίνακας, ζωγραφισμένος από τον Ολλανδό καλλιτέχνη Pieter Brueghel, δείχνει την αδιαφορία ενός ατόμου για τα βάσανα των συνανθρώπων του. Ένα έντονο κοινωνικό θέμα παρουσιάζεται εδώ με έναν μάλλον απλό τρόπο, χρησιμοποιώντας την εικόνα του Ίκαρου που πνίγεται κάτω από το νερό και των ανθρώπων που αγνοούν τα βάσανά του.

"Η δημιουργία του Αδάμ"

Η Δημιουργία του Αδάμ είναι μια από τις πολλές υπέροχες τοιχογραφίες του Μιχαήλ Άγγελου που κοσμούν την οροφή της Καπέλα Σιξτίνα στο Παλάτι του Βατικανού. Απεικονίζει τη δημιουργία του Αδάμ. Εκτός από την απεικόνιση ιδανικών ανθρώπινων μορφών, η τοιχογραφία είναι μια από τις πρώτες απόπειρες απεικόνισης του Θεού στην ιστορία της τέχνης.

"Το τελευταίο δείπνο"

Αυτή η τοιχογραφία του μεγάλου Λεονάρντο απεικονίζει το τελευταίο δείπνο του Ιησού πριν από την προδοσία, τη σύλληψη και τον θάνατό του. Εκτός από τη σύνθεση, τη μορφή και το χρώμα, η συζήτηση αυτής της τοιχογραφίας είναι γεμάτη με θεωρίες για κρυμμένα σύμβολα και την παρουσία της Μαρίας Μαγδαληνής δίπλα στον Ιησού.

"Γκουέρνικα"

Η «Γκουέρνικα» του Πικάσο απεικονίζει την έκρηξη της ομώνυμης ισπανικής πόλης κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου. Αυτή είναι μια ασπρόμαυρη εικόνα, που απεικονίζει αρνητικά τον φασισμό, τον ναζισμό και τις ιδέες τους.

"Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σκουλαρίκι"

Αυτός ο πίνακας του Johannes Vermeer αναφέρεται συχνά ως η ολλανδική Μόνα Λίζα, όχι μόνο λόγω της εξαιρετικής δημοτικότητάς του, αλλά και επειδή η έκφραση στο πρόσωπο του κοριτσιού είναι δύσκολο να αποτυπωθεί και να εξηγηθεί.

«Αποκεφαλισμός του Ιωάννη του Βαπτιστή»

Ο πίνακας του Καραβάτζιο απεικονίζει πολύ ρεαλιστικά τη στιγμή της δολοφονίας του Ιωάννη του Βαπτιστή στη φυλακή. Το μισοσκόταδο του πίνακα και οι εκφράσεις του προσώπου των χαρακτήρων του τον καθιστούν ένα πραγματικό κλασικό αριστούργημα.

"The night Watch"

Το Night Watch είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Rembrandt. Απεικονίζει ένα ομαδικό πορτρέτο ενός λόχου τουφεκιού με επικεφαλής τους αξιωματικούς του. Μια μοναδική πτυχή του πίνακα είναι το μισοσκόταδο, που δίνει την εντύπωση μιας νυχτερινής σκηνής.

"Σχολείο Αθηνών"

Ζωγραφισμένη από τον Ραφαήλ στην πρώιμη ρωμαϊκή περίοδο του, αυτή η τοιχογραφία απεικονίζει διάσημους Έλληνες φιλοσόφους όπως ο Πλάτωνας, ο Αριστοτέλης, ο Ευκλείδης, ο Σωκράτης, ο Πυθαγόρας και άλλοι. Πολλοί φιλόσοφοι απεικονίζονται ως σύγχρονοι του Ραφαήλ, για παράδειγμα, Πλάτωνας - Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ηράκλειτος - Μιχαήλ Άγγελος, Ευκλείδης - Μπραμάντης.

"Μόνα Λίζα"

Πιθανώς ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο είναι η Τζοκόντα του Λεονάρντο ντα Βίντσι, πιο γνωστή ως Μόνα Λίζα. Αυτός ο καμβάς είναι ένα πορτρέτο της κυρίας Gherardini, η οποία τραβάει την προσοχή με μια μυστηριώδη έκφραση στο πρόσωπό της.

Ο Λεονάρντο ντι σερ Πιέρο ντα Βίντσι (15 Απριλίου 1452 – 2 Μαΐου 1519) ήταν διάσημος Ιταλός ζωγράφος, αρχιτέκτονας, φιλόσοφος, μουσικός, συγγραφέας, εξερευνητής, μαθηματικός, μηχανικός, ανατόμος, εφευρέτης και γεωλόγος. Γνωστός για τους πίνακές του, οι πιο διάσημοι από τους οποίους είναι ο Μυστικός Δείπνος και η Μόνα Λίζα, καθώς και πολλές εφευρέσεις που ήταν πολύ μπροστά από την εποχή τους, αλλά παρέμειναν μόνο στα χαρτιά. Επιπλέον, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη της ανατομίας, της αστρονομίας και της τεχνολογίας.

Ο Ραφαέλ Σάντι (28 Μαρτίου 1483 – 6 Απριλίου 1520) ήταν σπουδαίος Ιταλός ζωγράφος και αρχιτέκτονας που δραστηριοποιήθηκε κατά την Αναγέννηση, καλύπτοντας την περίοδο από τα τέλη του 15ου αιώνα έως τα πρώτα χρόνια του 16ου αιώνα. Παραδοσιακά, ο Ραφαήλ θεωρείται ένας από τους τρεις μεγάλους δασκάλους αυτής της περιόδου, μαζί με τον Μικελάντζελο και τον Λεονάρντο ντα Βίντσι. Πολλά από τα έργα του βρίσκονται στο Αποστολικό Παλάτι στο Βατικανό, σε μια αίθουσα που ονομάζεται Στάνζα του Ραφαήλ. Μεταξύ άλλων, εδώ είναι το πιο διάσημο έργο του - «Η Σχολή των Αθηνών».

Ο Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (6 Ιουνίου 1599 - 6 Αυγούστου 1660) ήταν Ισπανός ζωγράφος, προσωπογράφος, αυλικός ζωγράφος του βασιλιά Φιλίππου Δ', ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της χρυσής εποχής της ισπανικής ζωγραφικής. Εκτός από πολυάριθμους πίνακες που απεικονίζουν ιστορικές και πολιτιστικές σκηνές από το παρελθόν, ζωγράφισε πολλά πορτρέτα της ισπανικής βασιλικής οικογένειας, καθώς και άλλων διάσημων ευρωπαϊκών προσωπικοτήτων. Το πιο διάσημο έργο του Βελάσκεθ είναι ο πίνακας "La Meninas" (ή "Οικογένεια του Φιλίππου Δ') του 1656, που βρίσκεται στο Μουσείο Πράδο της Μαδρίτης.

Ο Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz and Picasso (25 Οκτωβρίου 1881 - 8 Απριλίου 1973) είναι ένας παγκοσμίου φήμης καλλιτέχνης και γλύπτης του Ισπανού σκηνοθέτη, του ιδρυτή. τέχνες - κυβισμός. Θεωρείται ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες που επηρέασαν την ανάπτυξη των καλών τεχνών τον 20ο αιώνα. Experts, αναγνωρίστηκε ως ο καλύτερος καλλιτέχνης μεταξύ όσων έχουν ζήσει τα τελευταία 100 χρόνια, καθώς και ο πιο «ακριβός» στον κόσμο. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Πικάσο δημιούργησε περίπου 20 χιλιάδες έργα (σύμφωνα με άλλες πηγές, 80 χιλιάδες).

Ο Βίνσεντ Βίλεμ βαν Γκογκ (30 Μαρτίου 1853 – 29 Ιουλίου 1890) ήταν διάσημος Ολλανδός ζωγράφος που απέκτησε φήμη μόνο μετά τον θάνατό του. Σύμφωνα με πολλούς ειδικούς, ο Βαν Γκογκ είναι ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες στην ιστορία της ευρωπαϊκής τέχνης, καθώς και ένας από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του μετα-ιμπρεσιονισμού. Συγγραφέας περισσότερων από 2.100 έργων τέχνης, μεταξύ των οποίων 870 πίνακες ζωγραφικής, 1.000 σχέδια και 133 σκίτσα. Οι πολυάριθμες αυτοπροσωπογραφίες, τα τοπία και τα πορτρέτα του είναι από τα πιο αναγνωρίσιμα και ακριβά έργα τέχνης στον κόσμο. Το πιο διάσημο έργο του Βίνσεντ βαν Γκογκ, ίσως, θεωρείται μια σειρά από πίνακες που ονομάζονται «Ηλιοτρόπια».

Ο Michelangelo Buonarroti (6 Μαρτίου 1475 - 18 Φεβρουαρίου 1564) είναι ένας παγκοσμίου φήμης Ιταλός γλύπτης, καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, ποιητής και στοχαστής που άφησε ανεξίτηλο το αποτύπωμά του σε ολόκληρο τον παγκόσμιο πολιτισμό. Το πιο διάσημο έργο του καλλιτέχνη, ίσως, είναι οι τοιχογραφίες στην οροφή της Καπέλα Σιξτίνα. Από τα γλυπτά του, τα πιο γνωστά είναι το «Pieta» («Θρήνος του Χριστού») και το «David». Από τα έργα αρχιτεκτονικής - ο σχεδιασμός του τρούλου της Βασιλικής του Αγίου Πέτρου. Είναι ενδιαφέρον ότι ο Μιχαήλ Άγγελος έγινε ο πρώτος εκπρόσωπος της δυτικοευρωπαϊκής τέχνης, του οποίου η βιογραφία γράφτηκε κατά τη διάρκεια της ζωής του.

Στην τέταρτη θέση στην κατάταξη των πιο διάσημων καλλιτεχνών στον κόσμο βρίσκεται ο Masaccio (21 Δεκεμβρίου 1401-1428) - ένας σπουδαίος Ιταλός καλλιτέχνης που είχε τεράστιο αντίκτυπο σε άλλους δασκάλους. Ο Masaccio έζησε μια πολύ σύντομη ζωή, επομένως υπάρχουν λίγα βιογραφικά στοιχεία για αυτόν. Μόνο τέσσερις από τις τοιχογραφίες του σώθηκαν, οι οποίες, χωρίς αμφιβολία, είναι έργο του Masaccio. Άλλα πιστεύεται ότι έχουν καταστραφεί. Το πιο διάσημο έργο του Masaccio είναι η τοιχογραφία Trinity στην εκκλησία της Santa Maria Novella στη Φλωρεντία της Ιταλίας.

Ο Peter Paul Rubens (28 Ιουνίου 1577 – 30 Μαΐου 1640) ήταν Φλαμανδός (Νοτιοολλανδικός) ζωγράφος, ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες της εποχής του μπαρόκ, γνωστός για το υπερβολικό του στυλ. Θεωρείται ο πιο ευέλικτος καλλιτέχνης της εποχής του. Στα έργα του, ο Ρούμπενς τόνισε και ενσάρκωσε τη ζωτικότητα και τον αισθησιασμό του χρώματος. Ζωγράφισε πολυάριθμα πορτρέτα, τοπία και ιστορικούς πίνακες με μυθολογικά, θρησκευτικά και αλληγορικά θέματα. Το πιο διάσημο έργο του Ρούμπενς είναι το τρίπτυχο «Κάθοδος από τον Σταυρό» που γράφτηκε την περίοδο από το 1610 έως το 1614 και έφερε στον καλλιτέχνη παγκόσμια φήμη.

Ο Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 Σεπτεμβρίου 1571 – 18 Ιουλίου 1610) ήταν σπουδαίος Ιταλός καλλιτέχνης της πρώιμης μπαρόκ περιόδου, ο ιδρυτής της ευρωπαϊκής ρεαλιστικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα. Στα έργα του, ο Καραβάτζιο χρησιμοποίησε επιδέξια τις αντιθέσεις φωτός και σκιάς, εστιάζοντας στις λεπτομέρειες. Συχνά απεικόνιζαν απλούς Ρωμαίους, ανθρώπους από τους δρόμους και τις αγορές με εικόνες αγίων και Μαντόνας. Παραδείγματα είναι «Ο Ευαγγελιστής Ματθαίος», «Βάκχος», «Μετατροπή του Σαούλ» κ.λπ. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του καλλιτέχνη είναι ο «Λαούτος» (1595), τον οποίο ο Καραβάτζιο χαρακτήρισε το πιο επιτυχημένο έργο ζωγραφικής για αυτόν. .

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) είναι ένας διάσημος Ολλανδός ζωγράφος και χαράκτης, ο οποίος θεωρείται ο μεγαλύτερος και πιο διάσημος καλλιτέχνης στον κόσμο. Συγγραφέας περίπου 600 πινάκων, 300 χαρακτικών και 2 χιλιάδων σχεδίων. Χαρακτηριστικό του χαρακτηριστικό είναι ένα αριστοτεχνικό παιχνίδι με εφέ φωτός και βαθιές σκιές. Το πιο διάσημο έργο του Ρέμπραντ είναι ο τετράμετρος πίνακας «Night Watch», που γράφτηκε το 1642 και τώρα φυλάσσεται στο Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ.

100 υπέροχοι πίνακες (Μέρος 1)

Οι μεγάλοι καμβάδες είναι πάντα ο καθρέφτης του χρόνου, με όποια σύνθετη αλληγορική μορφή κι αν τους ντύσει ο καλλιτέχνης. Δεν είναι κάθε εικόνα σαφής στον θεατή με την πρώτη ματιά, μερικές από αυτές απαιτούν ιδιαίτερη προσοχή, προβληματισμό, συγκεκριμένη προετοιμασία και γνώση.

Στον ιστότοπό μας δεν θέλουμε μόνο να μιλήσουμε για τα πιο διάσημα έργα παγκόσμιας τέχνης, αλλά να παρέχουμε την ευκαιρία σε όλους να παραγγείλουν μια αναπαραγωγή υψηλής ποιότητας σε φυσικό καμβά ενός αγαπημένου αριστουργήματος.

Γιαν βαν Άικ(1390-1441) θεωρείται ο μεγαλύτερος Ολλανδός ζωγράφος του 15ου αιώνα, ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για τη ρεαλιστική παράδοση στη ζωγραφική του βωμού. Καταγόμενος από μια μικρή ολλανδική πόλη στον ποταμό Meuse, το 1422, ήδη σεβαστός δάσκαλος, τέθηκε στην υπηρεσία του κόμη Ιωάννη της Βαυαρίας και μέχρι το 1424 συμμετείχε στη διακόσμηση του παλατιού του κόμη στη Χάγη. Το 1425, ο Βαν Άικ μετακόμισε στη Λιλ, όπου έγινε ο αυλικός ζωγράφος του Δούκα της Βουργουνδίας, Φιλίππου Γ' του Καλού. Στην αυλή του δούκα, που εκτιμούσε πολύ τον καλλιτέχνη, όχι μόνο ζωγράφιζε, αλλά πραγματοποίησε και πολλές διπλωματικές αποστολές, ταξιδεύοντας επανειλημμένα στην Ισπανία και την Πορτογαλία.

Το 1431, ο Βαν Άικ μετακόμισε στη Μπριζ, όπου έζησε μέχρι το τέλος των ημερών του, εκτελώντας έργα τόσο ως ζωγράφος της αυλής όσο και ως καλλιτέχνης της πόλης. Ο μεγαλύτερος αριθμός έργων που μας έχει φθάσει γράφτηκε από τον δάσκαλο σε μια εποχή που βρισκόταν στην υπηρεσία του Δούκα της Βουργουνδίας.

Ένα από τα πιο διάσημα έργα του Van Eyck, το Portrait of the Arnolfinis, βρίσκεται στη συλλογή της Εθνικής Πινακοθήκης του Λονδίνου. Στην εικόνα που απεικονίζει την τελετή γάμου δύο πλούσιων νέων, ο καλλιτέχνης βρήκε μια θέση για πολλά σύμβολα - για παράδειγμα, για έναν σκύλο που βρίσκεται στα πόδια του νεόνυμφου, σύμβολο πίστης. Σε έναν στρογγυλό καθρέφτη κρεμασμένο στον τοίχο στα βάθη της σύνθεσης καθρεφτίζονται δύο άνθρωποι -προφανώς οι μάρτυρες του γάμου. Σε ένα από αυτά, ο καλλιτέχνης απεικόνισε τον εαυτό του, όπως λέει η επιγραφή πάνω από τον καθρέφτη. Ο καλλιτέχνης παρουσίασε τους νεόνυμφους σε πλήρη ανάπτυξη. Ο ζωγράφος απεικονίζει με αγάπη πράγματα γύρω από τους νεόνυμφους. Αυτά τα αντικείμενα λένε πολλά για τον τρόπο ζωής των ιδιοκτητών τους, δίνοντας έμφαση στις αρετές τους - οικονομία, σεμνότητα, αγάπη για την τάξη.

Το περιεχόμενο του πίνακα που περιγράφεται παραπάνω είναι μόνο η πιο κοινή εκδοχή, αλλά για ορισμένους ερευνητές, μια άλλη είναι ελκυστική: Πρόκειται για μια αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη. Πίσω στο 1934, ο γνωστός Αυστριακός κριτικός τέχνης Erwin Panofsky πρότεινε ότι ο πίνακας δεν απεικονίζει έναν γάμο, αλλά έναν αρραβώνα. Επιπλέον, διαπιστώθηκε ότι ο Τζιοβάνι Αρνολφίνι και η σύζυγός του δεν υπήρχαν και η γυναίκα που απεικονίζεται στην εικόνα περιμένει ξεκάθαρα την προσθήκη της οικογένειας. Και η Μαργαρίτα βαν Άικ (η αδερφή του καλλιτέχνη) στις 30 Ιουνίου 1434 γέννησε Ενας γιος.

Ποιος είναι λοιπόν ο ήρωας της εικόνας; Ή μήπως είναι όντως μια οικογενειακή σκηνή και καθόλου προσαρμοσμένο πορτρέτο; Το ερώτημα παραμένει ανοιχτό...

Ο Van Eyck εισάγει τον θεατή στην ιδιωτικότητα των ανθρώπων, δείχνοντας την ομορφιά της καθημερινότητας. Με αυτόν τον τρόπο, άνοιξε νέες, ρεαλιστικές δυνατότητες καλών τεχνών, οι οποίες πραγματοποιήθηκαν πλήρως μόλις τον 17ο αιώνα, όταν δημιουργήθηκαν πολλοί παρόμοιοι πίνακες στην Ολλανδία.

Αυτή η σπουδαιότερη δημιουργία του καλλιτέχνη, όπως και η «Άνοιξη» του, για περισσότερα από τριακόσια χρόνια ήταν σε βαθιά λήθη στην ήσυχη βίλα του Castello στην περιοχή της Φλωρεντίας. Η εικόνα έγινε αντιληπτή μόνο στα μέσα του περασμένου αιώνα, όταν οι προ-ραφαηλίτες ζωγράφοι Milles και Rossetti ανακάλυψαν ξανά τον Botticelli ως ένα από τα σπανιότερα ταλέντα της Ιταλίας του 15ου αιώνα.

Η Γέννηση της Αφροδίτης γράφτηκε για τον Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, ξάδερφο του Lorenzo του Μεγαλοπρεπούς και σημαντικότερο προστάτη του Botticelli. Η Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του, κυβερνήθηκε από την ισχυρή οικογένεια των Μεδίκων. Η πλοκή της εικόνας συνδέεται με την κουλτούρα της αυλής του Lorenzo Medici, εμποτισμένη με τη φιλοσοφία του νεοπλατωνισμού. Αυτή τη φορά με τις στροφές του Poliziano και τα σονέτα του Lorenzo the Magnificent, η εποχή των τουρνουά και των καρναβαλικών πομπών ήταν η εποχή της ακμής του Botticelli.

Στο The Birth, ο Sandro Botticelli απεικόνισε την εικόνα της Αφροδίτης Ουρανίας - της ουράνιας Αφροδίτης, της κόρης του Ουρανού, που γεννήθηκε από τη θάλασσα χωρίς μητέρα. Η εικόνα απαθανατίζει όχι τόσο την ίδια τη γέννηση, αλλά τη στιγμή που ακολούθησε όταν, ορμώμενη από την ανάσα των μεγαλοφυιών του αέρα, η Αφροδίτη φτάνει στην ακτή της επαγγελίας. Την ομορφιά της γυμνής φιγούρας στεφανώνει η νύμφη Όρα, που είναι η ενσάρκωση της φύσης, είναι έτοιμη να την καλύψει με μανδύα. Η Ώρα είναι ένα από τα τρία βουνά, οι νύμφες των εποχών. Αυτό το βουνό, αν κρίνουμε από τα λουλούδια που καλύπτουν τα ρούχα της, πατρονάρει εκείνη την εποχή του χρόνου που η δύναμη της Αφροδίτης φτάνει στο αποκορύφωμά της. Ίσως αυτή η εικόνα του καλλιτέχνη να ήταν εμπνευσμένη από έναν από τους ομηρικούς ύμνους, ο οποίος περιγράφει πώς ο Ζέφυρος, ο θεός του δυτικού ανέμου, έφερε την Αφροδίτη στο νησί της Κύπρου, όπου την αποδέχθηκαν τα Βουνά.

Σύμφωνα με τον κύκλο του Lorenzo Medici, η Αφροδίτη, η θεά του έρωτα, είναι και η θεά της ανθρωπότητας. Είναι αυτή που διδάσκει στους ανθρώπους λογική, ανδρεία, είναι η μητέρα της Αρμονίας, που γεννήθηκε από την ένωση ύλης και πνεύματος, φύσης και ιδεών, αγάπης και ψυχής.

Ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο, η Μόνα Λίζα, του Λεονάρντο ντα Βίντσι, βρίσκεται στο Λούβρο.

Η Μόνα Λίζα δημιουργήθηκε μεταξύ 1503 και 1506 και ολοκληρώθηκε το 1510. Δεν είναι ακόμη σαφές ποιος ακριβώς πόζαρε για τον μεγάλο δάσκαλο. Ο καλλιτέχνης έλαβε παραγγελία για τον πίνακα από τον Francesco del Giocondo, έναν έμπορο μεταξιού από τη Φλωρεντία, και οι περισσότεροι ιστορικοί και ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι το πορτρέτο απεικονίζει τη Lisa Gherardini, τη σύζυγο του Giocondo, η οποία παρήγγειλε το πορτρέτο προς τιμήν της γέννησης του δεύτερου γιου τους. γεννήθηκε τον Δεκέμβριο του 1502. Παρόλα αυτά, εδώ και 500 χρόνια, οι διαφωνίες δεν έχουν υποχωρήσει για το ποιος πραγματικά απεικονίζεται σε αυτόν τον διάσημο πίνακα.

Η λέξη "Mona" είναι πιθανότατα μια συντομευμένη μορφή του "monna" ή "mia donna", δηλαδή "milady" ή "madame". Στα γαλλικά ονομάζεται "La Joconde", και στα ιταλικά - "La Gioconda" (εύθυμο), αλλά αυτό είναι μόνο ένα παιχνίδι με τις λέξεις, μια σύμπτωση με το όνομα αυτού που χρησίμευσε ως πρωτότυπο της εικόνας.

Το πορτρέτο είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα της αγαπημένης τεχνικής του Leonard, του λεγόμενου sfumato - «smoky chiaroscuro», ένα απαλό ημίφωτο με απαλό εύρος τόνων που φαίνεται να λερώνονται ελαφρώς και να μεταβαίνουν ομαλά από το ένα στο άλλο. Ταυτόχρονα, ο Λεονάρντο σημαδεύει τις γωνίες του στόματος και των ματιών με τέτοια ακρίβεια και χάρη που η εικόνα αποκτά μια πραγματικά φανταστική ποιότητα.

Ορισμένοι ερευνητές υποστηρίζουν ότι η εικόνα είναι μια αυτοπροσωπογραφία του ίδιου του Λεονάρντο, ο οποίος έδωσε στην εμφάνισή του θηλυκά χαρακτηριστικά ή ακόμη και χαρακτηριστικά ενός ερμαφρόδιτου. Και πράγματι, αν η εικόνα της Μόνα Λίζα για να αφαιρέσει τα μαλλιά, θα έχετε ένα περίεργο πρόσωπο χωρίς φύλο. Αυτή η υπόθεση επιβεβαιώθηκε από την εργασία που έγινε από ανεξάρτητους ερευνητές - Lillian Schwartz από το εργαστήριο Bell Labs και Digby Quest από την κλινική Maudsley στο Λονδίνο, οι οποίοι επιβεβαίωσαν την υπόθεση ότι ο Leonardo θα μπορούσε να απεικονίσει τον εαυτό του στην εικόνα της Mona Lisa. Χρησιμοποιώντας ειδικά προγράμματα υπολογιστή, οι ερευνητές συνέκριναν τη Μόνα Λίζα και την αυτοπροσωπογραφία του Λεονάρντο, που έγινε όταν ήταν ήδη σε σεβαστή ηλικία. Το αποτέλεσμα είναι εκπληκτικό. Η "Μόνα Λίζα" αποδείχθηκε ότι ήταν σχεδόν καθρέφτης του προσώπου του μεγάλου δασκάλου. Σχεδόν όλα τα χαρακτηριστικά του προσώπου ταίριαζαν τέλεια, συμπεριλαμβανομένης της άκρης της μύτης, των χειλιών και των ματιών.

Το 1911, η Μόνα Λίζα εκλάπη από το Λούβρο από τον Ιταλό Vincenzo Perugia, ο οποίος εργαζόταν ως ξυλουργός στο μουσείο. Απλώς μετέφερε τον πίνακα έξω από τη γκαλερί, κρύβοντάς τον κάτω από τα ρούχα του. Ο διάσημος πίνακας βρέθηκε μόλις το 1913, όταν ο απαγωγέας προσπάθησε να τον πουλήσει σε έναν συγκεκριμένο συλλέκτη. Πριν από αυτό, το αριστούργημα του Λεονάρντο φυλάσσονταν σε μια βαλίτσα με διπλό πάτο. Ο δράστης εξήγησε τι είχε κάνει λέγοντας ότι ήθελε να επιστρέψει στην Ιταλία έναν πίνακα που είχε εξαχθεί παράνομα από τον Ναπολέοντα Βοναπάρτη.

Από τους μεγάλους καλλιτέχνες του Robert Cumming:
«Κοινώς γνωστός ως «Αφροδίτη της Δρέσδης», αυτός ο πίνακας ήταν εξαιρετικά πρωτότυπος, απαράμιλλος στην τέχνη της κλασικής αρχαιότητας. Το έργο καταδεικνύει το ενδιαφέρον του καλλιτέχνη για ένα νέο ιδανικό ομορφιάς, όπου η ποιητική διάθεση υπερισχύει του ορθολογικού περιεχομένου.
Αυτό το ξαπλωμένο γυμνό έχει γίνει μια από τις πιο δημοφιλείς εικόνες της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Η Giorgione απεικονίζει μια φιγούρα να κοιμάται κάτω από ένα δέντρο με κλειστά μάτια, βυθισμένη στα όνειρα και χωρίς να γνωρίζει ότι την παρακολουθούν. Σχεδόν όλες οι μεταγενέστερες παραλλαγές σε αυτό το θέμα την απεικονίζουν ξύπνια. Συγκεκριμένα, ο Μανέ στο «Olympia» του απεικόνισε την «Αφροδίτη» να προσφέρει σεξουαλικές υπηρεσίες.
Οι απαλές αποχρώσεις και τα στρογγυλεμένα σχήματα της Αφροδίτης μιλούν για την επιρροή του Λεονάρντο ντα Βίντσι, η οποία φαίνεται και στη λύση των πτυχών των κουρτινών. Η «Αφροδίτη της Δρέσδης» γράφτηκε σε μια δεκαετία στη «Μόνα Λίζα» - και οι δύο αμέσως προκάλεσαν πολλές αντιγραφές και μιμήσεις.
Το επιδέξια αποδοθέν chiaroscuro και οι ανταύγειες σε πολυτελή κουρτίνα καταδεικνύουν τη μαεστρία του Giorgione στις τεχνικές ελαιογραφίας.
Τα λεία περιγράμματα του σώματος ενισχύουν την αίσθηση του βαθύ ύπνου και, σαν να λέγαμε, σας προσκαλούν να χαϊδέψετε τη φιγούρα με τα μάτια σας.
Η ερωτική φύση της εικόνας δείχνει ότι ο πίνακας ανατέθηκε για ένα ιδιωτικό υπνοδωμάτιο.
Οι ακτίνες Χ και τα αρχεία των αναστηλωτών του 19ου αιώνα δείχνουν ότι ο Giorgione απεικόνιζε αρχικά (ή επρόκειτο να απεικονίσει) τη μορφή του Έρως στη δεξιά πλευρά του καμβά.
Σύμφωνα με φήμες, ο Τζορτζιόνε δεν πρόλαβε να τελειώσει τον πίνακα όσο ζούσε και είναι γενικά αποδεκτό ότι η εντολή για την ολοκλήρωση του τοπίου δόθηκε στον Τιτσιάν. Το «στρωμένο» τοπίο και οι μπλε λόφοι στον ορίζοντα είναι χαρακτηριστικά του πρώιμου στυλ του Τιτσιάνο. Ο πρόωρος θάνατος ενός αντιπάλου συνέβαλε στην άνοδο του αστεριού του Τιτσιάνο».

Ο I. Bosch αποδείχθηκε ένας πολύ δύσκολος καλλιτέχνης, ακόμη και τώρα δεν υπάρχει καθιερωμένη άποψη για την ερμηνεία πλοκών και μεμονωμένων εικόνων των έργων του.
Για τους μεσαιωνικούς καλλιτέχνες (όπως και για τους θεατές τους), όλα τα αντικείμενα και τα φαινόμενα είχαν συμβολική σημασία, κάθε αντικείμενο έλαβε τη συμβολική του ερμηνεία με βάση τα κείμενα της Βίβλου. Έτσι, για παράδειγμα, με βάση τη φράση: «Ο Λόγος του Θεού είναι δυνατός σαν λιοντάρι», το λιοντάρι θεωρήθηκε σύμβολο της παντοδυναμίας της χριστιανικής πίστης, επειδή οι φιγούρες των λιονταριών κοσμούν τις πύλες πολλών ρωμανικών καθεδρικών ναών στη Γαλλία , και στην Ιταλία, γλύπτες του 13ου-14ου αιώνα τοποθέτησαν λιοντάρια στους πρόποδες των άμβωνων των εκκλησιών. Το έργο του Bosch, ίσως, είναι επίσης δύσκολο για άμεση αντίληψη στην εποχή μας, επειδή ο καλλιτέχνης, εκτός από τα παραδοσιακά μεσαιωνικά σύμβολα (γνωστά σε όλους), χρησιμοποίησε και άλλα σύμβολα - λιγότερο μελετημένα και δύσκολο να αποκρυπτογραφηθούν.
Η καλλιτεχνική γλώσσα του Bosch δεν χωρούσε ποτέ πλήρως σε μεσαιωνικές συμβολικές ερμηνείες. Ο καλλιτέχνης συχνά χρησιμοποιούσε ορισμένα σύμβολα με έννοια αντίθετη από τη γενικά αποδεκτή, και επίσης εφηύρε νέα σύμβολα. Ίσως γι' αυτό τον αποκαλούσαν «ζοφερή συγγραφέα επιστημονικής φαντασίας», «επίτιμο καθηγητή των εφιαλτών», αλλά οι σύγχρονοι σουρεαλιστές έβλεπαν στην Bosch τον πνευματικό τους πατέρα και πρόδρομο. Εδώ είναι μια τέτοια σκηνή. Ένα ερωτευμένο ζευγάρι απομονώθηκε σε μια διάφανη φούσκα. Λίγο πιο πάνω, ένας νεαρός αγκαλιάζει μια τεράστια κουκουβάγια, στα δεξιά της φούσκας στη μέση της πισίνας, στο νερό, ένας άλλος άντρας στέκεται στο κεφάλι του, με τα πόδια ανοιχτά, ανάμεσα στην οποία τα πουλιά έχουν φτιάξει μια φωλιά. Όχι μακριά του, ένας νεαρός άνδρας, που γέρνει έξω με την αγαπημένη του από ένα ροζ κούφιο μήλο, ταΐζει ένα τερατώδες τσαμπί σταφύλια σε ανθρώπους που στέκονται μέχρι το λαιμό τους στο νερό. Αυτός είναι ο «Κήπος των Επίγειων Απολαύσεων» - ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Ιερώνυμου Μπος.
Ο Ιερώνυμος Μπος δημιούργησε το τρίπτυχό του «Κήπος των Επίγειων Απολαύσεων» ή «Κήπος των Απολαύσεων» (συχνά αποκαλείται το πιο «Bosch» έργο) το 1503 και σε αυτό εκδηλώθηκε πλήρως το περίεργο όραμά του για τον κόσμο. Το όνομα του πίνακα είχε ήδη δοθεί στη σύγχρονη λογοτεχνία και στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα, όταν περιήλθε στην κατοχή του βασιλιά Φιλίππου Β', ονομάστηκε "Η ποικιλομορφία του κόσμου", τον 17ο αιώνα είχε το όνομα «Manity and Glory».
Ο παράδεισος απεικονίζεται στην αριστερή πλευρά αυτού του τρίπτυχου, η κόλαση απεικονίζεται στα δεξιά και μια εικόνα της γήινης ύπαρξης τοποθετήθηκε ανάμεσά τους. Η αριστερή πλευρά του Κήπου των Απολαύσεων απεικονίζει τη σκηνή της Δημιουργίας της Εύας και ο ίδιος ο Παράδεισος λάμπει και λαμπυρίζει με φωτεινά, αστραφτερά χρώματα. Με φόντο ένα φανταστικό τοπίο του Παραδείσου. γεμάτος με ποικιλία ζώων και φυτών, ο δάσκαλος δείχνει τον αφυπνιζόμενο Αδάμ Αδάμ, που μόλις ξύπνησε, σηκώνεται από το έδαφος και κοιτάζει έκπληκτος την Εύα, την οποία του δείχνει ο Θεός. Ο γνωστός ιστορικός τέχνης C. de Tolnay σημειώνει ότι το έκπληκτο βλέμμα που ρίχνει ο Αδάμ στην πρώτη γυναίκα είναι ήδη ένα βήμα στο δρόμο προς την αμαρτία. Και η Εύα, που βγήκε από τα πλευρά του Αδάμ, δεν είναι απλώς μια γυναίκα, αλλά και ένα όργανο αποπλάνησης. Η αντίφαση μεταξύ ενός ήρεμου και αναμάρτητου άνδρα και μιας γυναίκας που φέρει τους σπόρους της αμαρτίας στον εαυτό της αναπαράγεται στη φύση γύρω τους. Ένας φοίνικας που μεγαλώνει σε ένα μυστηριώδη πορτοκαλί βράχο είναι διαγώνια απέναντι από έναν ανθισμένο φοίνικα. Αρκετά περιστατικά ρίχνουν μια σκοτεινή σκιά στην ειρηνική ζωή των ζώων: ένα λιοντάρι καταβροχθίζει ένα ελάφι, ένα αγριογούρουνο κυνηγά ένα μυστηριώδες θηρίο. Και πάνω απ' όλα υψώνεται η Πηγή της Ζωής, ένα υβρίδιο φυτού και μαρμάρινου βράχου, μια πανύψηλη γοτθική κατασκευή πάνω στις σκούρες μπλε πέτρες ενός μικρού νησιού. Στην κορυφή του υπάρχει ακόμα ένα ελάχιστα αισθητό μισοφέγγαρο, αλλά ήδη από μέσα κρυφοκοιτάζει, σαν σκουλήκι, μια κουκουβάγια - ένας αγγελιοφόρος της ατυχίας.
Το κεντρικό τμήμα του τρίπτυχου - ο ίδιος ο «Κήπος των Επίγειων Απολαύσεων» - απεικονίζει ένα μεγαλειώδες τοπίο καλυμμένο με γυμνές φιγούρες ανδρών και γυναικών. σύνθεση του «Κήπου των Επίγειων Απολαύσεων». τρία πλάνα: στο πρώτο πλάνο, εμφανίζονται «διάφορες χαρές», η δεύτερη καταλαμβάνεται από μια ιππασία πολλών αναβατών που καβαλούν διάφορα ζώα, η τρίτη (πιο μακριά) στέφεται με γαλάζιο ουρανό. , όπου οι άνθρωποι πετούν με φτερωτά ψάρια και με τη βοήθεια των δικών τους φτερών Φαίνεται ότι στο φόντο ένα τέτοιο τοπίο δεν μπορεί να είναι τίποτα πιο αγνό από τα ερωτικά παιχνίδια των ανθρώπινων ζευγαριών. μια ψυχοπαθολογική ανάλυση του έργου του I. Bosch), τα βιβλία ονείρων εκείνης της εποχής αποκαλύπτουν το αληθινό νόημα αυτών των γήινων απολαύσεων: κεράσια, φράουλες, φράουλες και σταφύλια, τρώγονται με τέτοια χαρά από τους ανθρώπους, συμβολίζουν την αμαρτωλή σεξουαλικότητα, χωρίς το φως της θείας αγάπης ; Το apple-boat στο οποίο αποσύρονται οι ερωτευμένοι έχει σχήμα γυναικείου στήθους. τα πουλιά γίνονται η προσωποποίηση του πόθου και της εξαχρείωσης, το ψάρι είναι σύμβολο της ανήσυχης λαγνείας, το κέλυφος είναι η θηλυκή αρχή.
Στο κάτω μέρος της εικόνας, ένας νεαρός άνδρας αγκάλιασε μια τεράστια φράουλα. Το νόημα αυτής της εικόνας θα γίνει σαφές σε εμάς αν θυμηθούμε ότι στη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη οι φράουλες χρησίμευαν ως σύμβολο αγνότητας και παρθενίας. Η σκηνή με ένα τσαμπί σταφύλια στην πισίνα είναι ένα μυστήριο και ένας γιγάντιος πελεκάνος, που μαζεύει ένα κεράσι (σύμβολο αισθησιασμού) στο μακρύ ράμφος του, πειράζει μαζί του ανθρώπους που κάθονται στο μπουμπούκι ενός φανταστικού λουλουδιού. Ο ίδιος ο πελεκάνος συμβολίζει την αγάπη για τον πλησίον. Ο καλλιτέχνης συχνά δίνει στα σύμβολα της χριστιανικής τέχνης έναν συγκεκριμένο αισθησιακό ήχο, μειώνοντάς τα στο υλικό και στο σωματικό επίπεδο.
Ο Ιερώνυμος Μπος δημιουργεί έναν καταπληκτικό κόσμο εφήμερων επιθυμιών και αισθησιακών απολαύσεων: η αλόη σκάβει σε γυμνή σάρκα, το κοράλλι πιάνει γερά τα σώματα, το κοχύλι κλείνει και μετατρέπει το ερωτευμένο ζευγάρι σε αιχμαλώτους του. Στον Πύργο της Μοιχείας, που υψώνεται από τη Λίμνη του Πόθου και του οποίου οι κιτρινοπορτοκαλί τοίχοι αστράφτουν σαν κρύσταλλο, οι απατημένοι σύζυγοι κοιμούνται ανάμεσα στα κέρατα. Η ατσάλινη γυάλινη σφαίρα στην οποία οι ερωτευμένοι επιδίδονται σε χάδια, ξεπερνιέται από μια κορώνα σε σχήμα μισοφέγγαρου και ροζ μαρμάρινα κέρατα. Η σφαίρα και η γυάλινη καμπάνα που στεγάζει τους τρεις αμαρτωλούς εικονογραφούν την ολλανδική παροιμία. «Ευτυχία και ποτήρι – πόσο βραχύβια είναι!» Και είναι επίσης σύμβολα της αιρετικής φύσης της αμαρτίας και των κινδύνων που αυτή επιφέρει στον κόσμο.
Η δεξιά πτέρυγα του τρίπτυχου - η Κόλαση - είναι σκοτεινή, ζοφερή, ανησυχητική, με ξεχωριστές λάμψεις φωτός που διαπερνούν το σκοτάδι της νύχτας και με αμαρτωλούς που βασανίζονται από κάποιο είδος γιγάντια μουσικά όργανα. Στο κέντρο της Κόλασης βρίσκεται μια τεράστια φιγούρα του Σατανά, αυτός είναι ένα είδος «οδηγού» μέσα από την Κόλαση - ο κύριος «αφηγητής» με ένα θανατηφόρο χλωμό πρόσωπο και ένα ειρωνικό χαμόγελο σε λεπτά χείλη. Τα πόδια του είναι κούφιοι κορμοί δέντρων και στηρίζονται σε δύο πλοία. Το σώμα του Σατανά είναι ένα ανοιχτό τσόφλι αυγού, στο χείλος του καπέλου του, δαίμονες και μάγισσες είτε περπατούν είτε χορεύουν με αμαρτωλές ψυχές… Ή οδηγούν ανθρώπους ένοχους για αφύσικη αμαρτία γύρω από μια τεράστια γκάιντα (σύμβολο της ανδρικής αρχής). Ο κυβερνήτης της κόλασης, η τιμωρία επέρχεται αμαρτίες: σταύρωσαν έναν αμαρτωλό, τρυπώντας τον με χορδές άρπας. Δίπλα του, ένας κοκκινόμαχος δαίμονας διευθύνει μια πρόβα μιας κολασμένης ορχήστρας από νότες γραμμένες στους γλουτούς ενός άλλου αμαρτωλού. Ένας δαίμονας κάθεται σε ένα παιδικό καρεκλάκι, τιμωρώντας τους λαίμαργους και τους λαίμαργους. Έβαλε τα πόδια του σε κανάτες μπύρας και στο κεφάλι του πουλιού του βάζουν ένα καπέλο. Και τιμωρεί τους αμαρτωλούς καταβροχθίζοντάς τους.
Η πύλη της Κόλασης αντιπροσωπεύει το τρίτο στάδιο της πτώσης, όταν η ίδια η γη μετατράπηκε σε κόλαση. Αντικείμενα που προηγουμένως υπηρέτησαν την αμαρτία έχουν γίνει πλέον όργανα τιμωρίας. Αυτές οι χίμαιρες της κακής συνείδησης έχουν όλες τις συγκεκριμένες έννοιες των σεξουαλικών συμβόλων των ονείρων. Ο λαγός (στην εικόνα υπερβαίνει το μέγεθος ενός ατόμου) στον Χριστιανισμό ήταν σύμβολο της αθανασίας της ψυχής. Στη Bosch, παίζει το κόρνα και χαμηλώνει το κεφάλι του αμαρτωλού στη φωτιά της κολάσεως. Τα γιγάντια αυτιά χρησιμεύουν ως οιωνός ατυχίας. Ένα τεράστιο κλειδί, στερεωμένο στο στέλεχος από έναν μοναχό, προδίδει την επιθυμία του τελευταίου για γάμο, κάτι που είναι απαγορευμένο για τα μέλη του κλήρου. Μέσα στο τέρας υπάρχει μια ταβέρνα, πάνω από την οποία κυματίζει ένα πανό - η ίδια γκάιντα. Σε κάποια απόσταση, ένας άντρας κάθεται σε μια κατάσταση μελαγχολίας, γέρνει πάνω από το χάος. Αν δείτε τα χαρακτηριστικά του ίδιου του Hieronymus Bosch σε αυτό, τότε ολόκληρη η εικόνα μπορεί να εμφανιστεί ενώπιον του θεατή με διαφορετικό πρίσμα: ο ίδιος ο καλλιτέχνης εφηύρε αυτόν τον εφιάλτη, όλη αυτή η αγωνία και το μαρτύριο διαπράττονται στην ψυχή του. Ορισμένοι ιστορικοί τέχνης επιμένουν σε αυτό, για παράδειγμα, ο Charles de Tolnay, που ήδη αναφέρθηκε. Ωστόσο, ο Μπος ήταν ένα βαθιά θρησκευόμενο άτομο και δεν μπορούσε καν να σκεφτεί να τοποθετηθεί στην Κόλαση. Πιθανότατα, ο καλλιτέχνης πρέπει να αναζητηθεί ανάμεσα σε εκείνες τις εικόνες που φέρουν Φως και Καλοσύνη στους πίνακές του, όχι χωρίς λόγο ανήκε στην Αδελφότητα της Παναγίας.
Για τους συγχρόνους μας, οι ενέργειες των χαρακτήρων του The Garden of Delights είναι σε μεγάλο βαθμό ακατανόητες, αλλά για τους συγχρόνους της Bosch (όπως ήδη αναφέρθηκε παραπάνω), ήταν γεμάτες με βαθύ συμβολικό νόημα. Οι πίνακές του (συμπεριλαμβανομένου του Κήπου των Επίγειων Απολαύσεων) συχνά τρομάζουν τον θεατή με την αφύσικη συμβατότητα ανθρώπου και ζώου, ζωντανού και νεκρού σε έναν χαρακτήρα, και ταυτόχρονα μπορούν να διασκεδάσουν. Οι χαρακτήρες του μοιάζουν με τις εφιαλτικές εικόνες της Αποκάλυψης και ταυτόχρονα - με τους χαρούμενους διαβόλους του καρναβαλιού. Ωστόσο, με όλες τις πολλές ερμηνείες της έννοιας του Κήπου των Επίγειων Απολαύσεων, καμία από αυτές δεν μπορεί
καλύπτουν πλήρως όλες τις εικόνες της εικόνας.

Αυτός ο βωμός είναι το τελευταίο από τα σημαντικότερα έργα του Ραφαήλ για το αγαπημένο του θέμα. Ακόμη και στην πρώιμη περίοδο της δημιουργικότητας, στράφηκε στην εικόνα της Μαντόνα και του Παιδιού, αναζητώντας κάθε φορά μια νέα προσέγγιση. Η κυρίαρχη φύση της ιδιοφυΐας του Ραφαήλ εκφράστηκε στην επιθυμία για μια θεότητα, για τη μεταμόρφωση του γήινου, του ανθρώπινου σε αιώνιο, θεϊκό.
Φαίνεται ότι η αυλαία μόλις χώρισε και ένα ουράνιο όραμα έχει ανοίξει στα μάτια των πιστών - η Παναγία να περπατά πάνω σε ένα σύννεφο με το μωρό Ιησού στην αγκαλιά της. Η Madonna κρατά με εμπιστοσύνη προσκολλημένη στον Ιησού της με μητρικό τρόπο, προσεκτικά και προσεκτικά. Η ιδιοφυΐα του Ραφαήλ φαινόταν να έχει περικλείσει το θεϊκό μωρό σε έναν μαγικό κύκλο που σχηματίζεται από το αριστερό χέρι της Παναγίας, το πέπλο που πέφτει και το δεξί χέρι του Ιησού. Το βλέμμα της, κατευθυνόμενο μέσα από τον θεατή, είναι γεμάτο από ανησυχητική προνοητικότητα για την τραγική μοίρα του γιου της. Το πρόσωπο της Madonna είναι η ενσάρκωση του αρχαίου ιδεώδους ομορφιάς σε συνδυασμό με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδεώδους.
Πάπας Σίξτος Β' μαρτύρησε το 258 μ.Χ και συγκαταλέγεται στους αγίους, ζητά από τη Μαρία μεσιτεία για όλους όσοι της προσεύχονται μπροστά στο θυσιαστήριο. Η στάση της Αγίας Βαρβάρας, το πρόσωπό της και τα καταβεβλημένα μάτια της εκφράζουν ταπεινοφροσύνη και ευλάβεια. Στο βάθος της εικόνας, στο βάθος, που μόλις διακρίνονται σε μια χρυσαφένια ομίχλη, τα πρόσωπα των αγγέλων μαντεύονται αόριστα, ενισχύοντας τη συνολική υπέροχη ατμόσφαιρα. Τα μάτια και οι χειρονομίες των δύο αγγέλων στο προσκήνιο είναι στραμμένα προς τη Μαντόνα. Η παρουσία αυτών των φτερωτών αγοριών, που θυμίζουν περισσότερο μυθολογικούς έρωτες, δίνει στον καμβά μια ιδιαίτερη ζεστασιά και ανθρωπιά.
Η «Σιξτίνα Μαντόνα» παραγγέλθηκε από τον Ραφαήλ το 1512 ως βωμός για το παρεκκλήσι της μονής του Αγίου Σίξτου στην Πιατσέντσα. Ο Πάπας Ιούλιος Β', τότε ακόμα καρδινάλιος, συγκέντρωσε χρήματα για την ανέγερση ενός παρεκκλησίου όπου φυλάσσονταν τα λείψανα του Αγίου Σίξτου και της Αγίας Βαρβάρας.
Στη Ρωσία, ειδικά στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, η «Σιξτίνα Μαντόνα» του Ραφαήλ ήταν πολύ σεβαστή, ενθουσιώδεις γραμμές διαφορετικών συγγραφέων και κριτικών όπως οι V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev είναι αφιερωμένες σε αυτήν. Ο Μπελίνσκι έγραψε από τη Δρέσδη στον Β. Π. Μπότκιν, μοιράζοντας μαζί του τις εντυπώσεις του για τη «Μαντόνα Σιξτίνα»: «Τι ευγένεια, τι χάρη του πινέλου! Δεν μπορείς να κοιτάξεις! Θυμήθηκα άθελά μου τον Πούσκιν: την ίδια αρχοντιά, την ίδια χάρη στην έκφραση, με την ίδια αυστηρότητα στο περίγραμμα! Δεν είναι περίεργο που ο Πούσκιν αγαπούσε τόσο πολύ τον Ραφαήλ: είναι συγγενής μαζί του από τη φύση του. Δύο μεγάλοι Ρώσοι συγγραφείς, ο Λ. Ν. Τολστόι και ο Φ. Μ. Ντοστογιέφσκι, είχαν στα γραφεία τους αναπαραγωγές της Σιξτίνας Μαντόνα. Η σύζυγος του Φ. Μ. Ντοστογιέφσκι έγραψε στο ημερολόγιό της: «Ο Φιόντορ Μιχαήλοβιτς έβαλε τα έργα του Ραφαήλ πάνω από όλα στη ζωγραφική και αναγνώρισε τη Σιξτίνα Μαντόνα ως το υψηλότερο έργο του».
Ο Carlo Maratti εξέφρασε την έκπληξή του για τον Raphael με αυτόν τον τρόπο: «Αν μου έδειχναν μια φωτογραφία του Raphael και δεν θα ήξερα τίποτα για αυτόν, αν μου έλεγαν ότι αυτό ήταν δημιούργημα ενός αγγέλου, θα το πίστευα».
Το μεγάλο μυαλό του Γκαίτε όχι μόνο εκτιμούσε τον Ραφαήλ, αλλά βρήκε και μια εύστοχη έκφραση για την εκτίμησή του: «Πάντα δημιουργούσε αυτό που οι άλλοι ονειρευόντουσαν μόνο να δημιουργήσουν».
Αυτό είναι αλήθεια, γιατί ο Ραφαήλ ενσάρκωσε στα έργα του όχι μόνο την επιθυμία για ένα ιδανικό, αλλά το ίδιο το ιδανικό που είναι διαθέσιμο σε έναν θνητό.

Από το βιβλίο «100 Υπέροχες Εικόνες» της Ιονίνας Ν.Α.:

Άουγκσμπουργκ, όπου εκείνη την εποχή συγκεντρώθηκε όλη η ισπανική αυλή και πολλοί Γερμανοί πρίγκιπες. Στο Άουγκσμπουργκ, ο Τιτσιάν ζωγράφισε ένα τεράστιο ιππικό πορτρέτο του Καρόλου Ε' το πρωί πριν από τη μάχη στην οποία ο μονάρχης κέρδισε μια από τις πιο λαμπρές του νίκες. Αυτό το πορτρέτο χτύπησε τους σύγχρονους του Τιτσιάνο με το απροσδόκητό του: ήταν παράξενο να βλέπεις τον αυτοκράτορα -έναν διακριτικό διπλωμάτη πολυθρόνας και μελαγχολικό- με τη μορφή ενός ιππότη και ενός ήρωα με ένα δόρυ στο χέρι, με υψωμένο γείσο, να καλπάζει μόνος ανάμεσα στα χωράφια. . Αλλά τέτοια ήταν η θέληση του μονάρχη.
Στη μάχη του Mühlberg, αυτός ο φανατικός του καθολικισμού φαινόταν να οδηγείται από κάποιο είδος έκστασης: δεν ηγήθηκε της μάχης από απόσταση, καθισμένος σε ένα φορείο υπό την προστασία των οχυρών. Έσπευσε μπροστά από τα στρατεύματά του για να επιτεθεί και μάλιστα διέσχισε την επικίνδυνη προχώρα του Έλβα, σέρνοντας μαζί του τους συνταγματάρχες του. Αυτή η αξιομνημόνευτη ημέρα και η μοναδική ηρωική πράξη του αυτοκράτορα υποτίθεται ότι απαθανατίστηκε από τον Τιτσιάνο. Το πορτρέτο δεν απεικονίζει τον ζοφερό, σιωπηλό και άρρωστο Κάρολο Ε', όπως λένε για αυτόν στις αφηγήσεις των συγχρόνων του. Αυτός δεν είναι ο Καρλ, που απεικονίστηκε από τον ίδιο Τιτσιάνο σε ένα πορτρέτο τώρα στην Πινακοθήκη του Μονάχου. Αυτό δεν είναι ένα άθλιο ερείπιο, ούτε ένας πονηρός πονηρός, ούτε ένας λυπημένος «κυβερνήτης του σύμπαντος», ούτε ο γιος της παράφρονης Ιωάννας και του υπέροχου Φίλιππου ... Αυτός είναι ο εγγονός του «τελευταίου ιππότη» - Μαξιμιλιανός, και επομένως Τιτσιάνο απεικονίζεται στο πορτρέτο μια ξεχωριστή λάμψη και όχι ένας ολόκληρος ψυχολογικός χαρακτήρας.
Ήταν εντυπωσιακό και το πιο τολμηρό από όλα τα έργα του Τιτσιάνο. Στην κοκκινωπή ομίχλη ενός ανοιξιάτικου πρωινού, μόνος σε μια απέραντη πεδιάδα που απλώνεται στους λόφους του Έλβα, ο αυτοκράτορας, ντυμένος με κυνηγητό και επιχρυσωμένο ατσάλι, με ένα υψωμένο μπλοκάρισμα πάνω από ένα χλωμό και αποφασιστικό πρόσωπο, καλπάζει έξω από το δάσος με ένα δόρυ στραμμένο προς τα εμπρός. Πόσο εντυπωσιακός και μεγαλοπρεπής φαίνεται ο αναβάτης! Μα πόσο τρομερά μοναχικός είναι σε αυτόν τον τομέα. Κι εκεί που όρμησε πάνω σ’ ένα άλογο που χορεύει όμορφα. Διοικώντας τους λαούς, τιμωρώντας τους απείθαρχους με φωτιά και σπαθί, καταρρίπτοντας αρμάδες στρατευμάτων στους εχθρούς, έναν άνθρωπο του οποίου ακόμη και η νωχελική χειρονομία μπορούσε να εξυψώσει ή να καταστρέψει - απεικονίζεται στο πορτρέτο κουρασμένος και μοναχικός.
Ο θεατής κοιτάζει το χαρακτηριστικό, με ισχυρή θέληση πρόσωπό του με ένα έντονα προεξέχον πηγούνι και ξαφνικά διακρίνει καθαρά στο βλέμμα του αυτοκράτορα μια διάχυτη θλίψη, κάποιο είδος εσωτερικής κόπωσης, που μεταδίδονται σε ολόκληρη τη φιγούρα του και φαίνονται ακόμη και στο μετρημένο τρέξιμο του ένα άλογο. Η εμφάνισή του δίνει την εντύπωση ενός κακού πνεύματος, και αυτό το όραμα ξαφνιάζει και τρομάζει. Ακόμα και τα χρώματα του πορτρέτου περιέχουν κάτι το πονηρό, το μαχητικό. Στο πρόσωπο του Καρόλου Ε', βλέπει κανείς κάτι τρομερό, «φάντασμα»: ένα στο χωράφι, ένα στον κόσμο, ένα με σπασμένη ψυχή. Έτσι κατάλαβε και απεικόνιζε τον αυτοκράτορα ο Τιτσιάνο. Ίσως ο ίδιος να μην είχε συνειδητοποιήσει ακόμη τη μεγάλη του κούραση και ο καλλιτέχνης του έδειξε τη δική του ψυχή - χωρίς στολισμό.
Ο Τιτσιάν σε αυτό το πορτρέτο δεν άφησε το πάθος του, το εύρος της επισημότητάς του να ξεδιπλωθεί, αλλά δεσμεύτηκε μέσα στα όρια των απαιτήσεων του πελάτη, αντιμετωπίζοντας την εργασία με μια σπάνια ψυχρότητα για τον εαυτό του. Ίσως γι' αυτό ορισμένοι ερευνητές σημειώνουν τόσο στο πορτρέτο όσο και στη στάση του αυτοκράτορα κάποια αφύσικοτητα, όπως στα μανεκέν στο οπλοστάσιο των παλαιών όπλων. Όμως η ψυχολογική διείσδυση του Τιτσιάνο έφτασε στο υψηλότερο όριο σε αυτό το πορτρέτο. Όσον αφορά την εμπιστοσύνη των καλλιτεχνικών τεχνικών, αυτό το πορτρέτο είναι εντυπωσιακό, ως προς την έκφραση του χαρακτήρα και του πνεύματος της εποχής - τίποτα δεν μπορεί να συγκριθεί με αυτό. Φαίνεται ότι η ίδια η Κλειώ, η μούσα της Ιστορίας, οδήγησε το χέρι του καλλιτέχνη εκείνες τις μέρες.

Περσέας - στην ελληνική μυθολογία, ο γιος της Δανάης, που υπέφερε από τον Δία όταν μετατράπηκε σε ένα ρεύμα χρυσής βροχής. Οι ηρωικές του πράξεις περιελάμβαναν τον αποκεφαλισμό της Μέδουσας, μιας από τις Γοργόνες με μαλλιά φιδιού, και τη σωτηρία της όμορφης Ανδρομέδας από ένα θαλάσσιο τέρας. Το τελευταίο θέμα είναι μια παράδοση που συναντάται συχνά εκτός των ιθαγενών. Ο Περσέας απεικονίζεται είτε ως τυπικός ήρωας της κλασικής αρχαιότητας, είτε ως πολεμιστής με πανοπλίες. Κρατάει ένα στρογγυλεμένο σπαθί - δώρο από τον Ερμή - και μια γυαλιστερή ασπίδα που του έδωσε η Μινέρβα, η προστάτιδα του.
Ο Οβίδιος στις Μεταμορφώσεις του αφηγείται πώς η Ανδρομέδα, κόρη ενός βασιλιά της Αιθιοπίας, αλυσοδέθηκε σε έναν βράχο στην ακτή ως θυσία σε ένα θαλάσσιο τέρας. Ο Περσέας, πετώντας στον ουρανό, την ερωτεύτηκε με την πρώτη ματιά. Έτρεξε κάτω στην ώρα του, σκότωσε το τέρας και απελευθέρωσε την Ανδρομέδα. Η εικόνα «Περσέας και Ανδρομέδα» δημιούργησε ο Ρούμπενς σε μια εποχή που το έργο του ήταν ιδιαίτερα συναισθηματικό και χαρούμενο. Με την τελειότητα της ζωγραφικής και την υψηλή ικανότητα εκτέλεσης, αυτό το έργο είναι ένα από τα αριστουργήματα του καλλιτέχνη. Και εδώ, για τον Ρούμπενς, το κύριο πράγμα για το οποίο γεννήθηκε ένα άτομο παραμένει: αγώνας, νίκη και αγάπη.

Ο Ρούμπενς δεν ενδιαφερόταν για το κατόρθωμα του ίδιου του Περσέα, όχι για τον αγώνα και την αντίσταση, αλλά για την αγαλλίαση για την ήδη επιτευχθείσα νίκη, όταν ακούστηκαν χαρούμενες κραυγές από την ακτή και όλοι επαίνεσαν τον πανίσχυρο ήρωα. Σε αυτή την εικόνα, ο Περσέας εμφανίζεται ως θριαμβευτής, η φτερωτή θεά Βικτώρια (Δόξα) με ένα κλαδί φοίνικα και ένα δάφνινο στεφάνι στα χέρια της στεφανώνει τον νικητή. Η αποθέωση του Περσέα γίνεται ο θρίαμβος της ζωής, που δεν επισκιάζεται πια από τίποτα, όμορφος και χαρούμενος. Και ο Ρούμπενς λύνει αυτό το καλλιτεχνικό έργο με τέτοια πληρότητα, με μια τέτοια σαγηνευτική δύναμη, που σχεδόν μέχρι τώρα δεν είχε συναντήσει. Η έντονη εσωτερική δυναμική κάθε γραμμής, κάθε μορφής, ο αυξανόμενος ρυθμός τους φτάνουν εδώ εξαιρετική εκφραστικότητα. Μια ακαταμάχητη δύναμη, που ξεσπά σαν ανεμοστρόβιλος, από κάπου έξω, δίνει σε όλη τη σύνθεση και τις στροβιλιστικές κινήσεις, σαν σε μια δίνη, μια ενιαία κατεύθυνση.

S.M. Sandomirsky

Ο Ρόμπερτ Γουάλας στο βιβλίο Ο κόσμος του Λεονάρντο, Μ., 1997 γράφει: «Από τα δύο προβλήματα που αντιμετώπιζαν οι συγγραφείς του Μυστικού Δείπνου για αιώνες, ο Λεονάρντο έλυσε το πρόβλημα της αναγνώρισης του Ιούδα με τη μεγαλύτερη ευκολία. Τοποθέτησε τον Ιούδα στην ίδια πλευρά του τραπεζιού με όλους τους άλλους, αλλά τον χώρισε ψυχολογικά από τους άλλους με μια μοναξιά που είναι πολύ πιο λευκή από τον απλό σωματικό χωρισμό. Θλιβερός και συγκεντρωμένος, ο Ιούδας αποκρούστηκε από τον Χριστό. Πάνω του, λες, μια πανάρχαια σφραγίδα ενοχής και μοναξιάς.
Ο Ιούδας κάθεται με όλους, σαν απόστολος στη σειρά των αποστόλων. Ο Χριστός είναι μοναχικός, γι' αυτό λυπάται, αλλά ποιος είναι ο λιγότερο μόνος είναι ο Ιούδας. Εξ ου και η σίγουρη δύναμή του. Και δεν είναι ένοχος, γιατί η κουβέντα στην εικόνα δεν είναι για προδοσία, αλλά για τη σωτηρία των ψυχών ανθρώπων που ενδιαφέρονται λιγότερο για αυτό.
Σκεφτείτε τους αποστόλους, αν και μετά από όσα ειπώθηκαν δεν αποφασίζουν πλέον τίποτα.

12 11 10 9 8 7 Χριστός 1 2 3 4 5 6
Βαρθολομαίος Ιωάννης Θωμάς Φίλιππος Ματθαίος
Peter Jacob Simeon
Ιούδας

1.Φόμα στην πόρτα σε ανοιχτόχρωμο φόντο. Το δεξί χέρι είναι συμπιεσμένο, ο δείκτης ψηλά: «Ο Θεός δεν θα επιτρέψει ένα τέτοιο έγκλημα».
2. Ο Ιακώβ κοιτάζει με τρόμο το αίμα της νέας διαθήκης που αναβλύζει από τον καρπό του. Τα ευρέως απλωμένα χέρια και χέρια συγκρατούν τα λόγια του Χριστού και προσπαθούν να προστατέψουν αυτούς που βρίσκονται πίσω του.
3. Ο Φίλιππος πιέζει τα δάχτυλά του στο στήθος του και μπροστά σε μια παράκληση: «Πιστέψτε με, είναι αδύνατο από την πλευρά μου».
4. Και τα δύο χέρια δέχονται τα λόγια του Χριστού και με μια ματιά ρωτούν τον 6ο: «Είναι δυνατόν αυτό που λέει».
5. Ο Συμεών δέχεται τα λόγια του Χριστού με τη δεξιά του παλάμη και ρωτά την 6η.
6. Ματθαίο, και οι δύο παλάμες είναι στραμμένες στον Χριστό, - επιστρέφει τα λόγια του πίσω: «Είναι αδύνατο!»
7. Γιάννης. Τα δάχτυλα είναι ενωμένα και ξαπλώνουν στο τραπέζι, δείχνοντας αγωνία, αδυναμία. Γλίστρησε απότομα προς τα αριστερά, με τα μάτια του κλειστά. Το κεφάλι ακουμπά αβοήθητο στον ώμο.
8. Πέτρος. Το αριστερό χέρι δέχεται τα λόγια του Χριστού και καθησυχάζει τον 7ο. Στο δεξί του χέρι είναι ένα μαχαίρι - είναι έτοιμος να σκοτώσει τον προδότη.
9. Ιούδας: σταθερή χαμηλή δύναμη, αυτοδικαίωση, αποφασιστικότητα, ενέργεια.
10. Ανυψωμένες παλάμες στο ύψος του στήθους: «Ποιος είναι ο προδότης;» Το βλέμμα του κοίταξε το μαχαίρι.
11. Δεξί χέρι στον ώμο του 10ου: συμφωνεί μαζί του. Αποδέχεται τα λόγια του Χριστού.
12. Ο Βαρθολομαίος σηκώθηκε αποφασιστικά και είναι έτοιμος να δράσει.
Γενικά, η σωστή ομάδα αποστόλων δεν επιτρέπει την προδοσία. ο αριστερός παραδέχεται μια τέτοια πιθανότητα και είναι αποφασισμένος να τιμωρήσει τον προδότη.
Στο πόσο πολύ ο Ιωάννης ταλαντεύτηκε προς τα αριστερά, ελευθερώνοντας εντελώς το παράθυρο - το φως της αλήθειας του Χριστού, και ο Θωμάς, όντας στο παράθυρο στο επίπεδο του Χριστού, αλλά βασιζόμενος όχι στον εαυτό του, αλλά στον Θεό. πώς πετάχτηκε ο 2ος απόστολος στα δεξιά, πώς οι υπόλοιποι μαθητές ανακατεύτηκαν, μπερδεύτηκαν, μπερδεύτηκαν, δίνουν τη σκέψη του Λεονάρντο ντα Βίντσι ότι οι ιδέες της θυσίας και της σωτηρίας, οι εντολές της νέας διαθήκης του Χριστού οι απόστολοι - αυτοί οι αδύναμοι άνθρωποι - δεν θα πραγματοποιηθούν και η θυσία του θα είναι μάταιη. Αυτός είναι ο λόγος της απελπισίας του Χριστού. Επιπλέον, ο ίδιος ο καλλιτέχνης αποτίει φόρο τιμής στην υψηλή φιλοδοξία και θυσία του επίγειου Θεού.

Εκατοντάδες πίνακες βγαίνουν στο σφυρί σε ιδιωτικές συλλογές κάθε χρόνο. Οι συλλέκτες ξοδεύουν εκατομμύρια δολάρια για να τα προσθέσουν στις ιδιωτικές τους συλλογές. Οι πιο διάσημοι πίνακες δεν είναι πάντα οι πιο ακριβοί πίνακες. Οι πιο διάσημοι πίνακες του κόσμου ανήκουν σε παγκοσμίου φήμης μουσεία και με την κυριολεκτική έννοια της λέξης είναι ανεκτίμητοι. Ας ρίξουμε μια ματιά σε διάφορα μουσεία σε όλο τον κόσμο και ας δούμε αυτά τα διάσημα έργα.

"Γέννηση της Αφροδίτης"

Αυτός ο πίνακας ζωγραφίστηκε από τον μεγάλο καλλιτέχνη της Φλωρεντίας Sandro Botticelli το 1485-1487. Απεικονίζει τη θεά Αφροδίτη (στην ελληνική μυθολογία - Αφροδίτη), να αναδύεται από τον αφρό της θάλασσας. Σήμερα αυτός ο πίνακας εκτίθεται στο Μουσείο Ουφίτσι στη Φλωρεντία.

"Νούφαρα"

Για 43 χρόνια της ζωής του, ο Μονέ έζησε στο Giverny (μια μικρή πόλη 80 χλμ. από το Παρίσι), νοίκιασε ένα σπίτι από έναν Νορμανδό ιδιοκτήτη γης και αγόρασε ένα γειτονικό οικόπεδο στο οποίο βρισκόταν μια λίμνη. Στη συνέχεια, σε αυτόν τον ιστότοπο, ο καλλιτέχνης δημιούργησε δύο κήπους, ο ένας από τους οποίους ήταν πάνω στο νερό. Τα μοτίβα του υδάτινου κήπου κατέχουν σημαντική θέση στο έργο του καλλιτέχνη. Έργα από αυτή τη σειρά έχουν διασκορπιστεί σε μουσεία σε όλο τον κόσμο, ωστόσο, μια αξιοπρεπής ομάδα έργων παρουσιάζεται στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης. Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο.

"The night Watch"

Ολοκληρώθηκε το 1642, στο απόγειο της Ολλανδικής Χρυσής Εποχής, το The Night Watch είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Ολλανδού ζωγράφου Rembrandt van Rijn. Ο πίνακας δείχνει την απόδοση του λόχου τουφέκι του Λοχαγού Frans Banning Cock και του υπολοχαγού Willem van Ruytenbürg. Ο πίνακας εκτίθεται στο Rijksmuseum στο Άμστερνταμ.

"Κραυγή"

Αυτός ο πίνακας είναι από μια σειρά έργων του Νορβηγού εξπρεσιονιστή καλλιτέχνη Edvard Munch. Ο πίνακας απεικονίζει μια ταλαιπωρημένη φιγούρα σε έναν κατακόκκινο ουρανό. Ο Edvard Munch δημιούργησε πολλές παραλλαγές του The Scream. Η εικόνα που παρουσιάζεται ζωγραφίστηκε το 1893 και βρισκόταν στην Εθνική Πινακοθήκη της Νορβηγίας. Ωστόσο, το 1994 το έργο κλάπηκε, αλλά λίγους μήνες αργότερα βρέθηκε και επέστρεψε στο μουσείο.

"Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σκουλαρίκι"

Μερικές φορές αυτή η εικόνα ονομάζεται "Ολλανδική Μόνα Λίζα". Το «Κορίτσι με ένα μαργαριταρένιο σκουλαρίκι» ζωγραφίστηκε γύρω στο 1665 από τον Ολλανδό καλλιτέχνη Jan Vermeer.

Διαβάστε επίσης για τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο σε μια ειδική επιλογή.

"Γκουέρνικα"

Η «Γκουέρνικα» είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του Πάμπλο Πικάσο, που δείχνει την τραγωδία του πολέμου, τα δεινά που προκαλεί στους ανθρώπους, ιδιαίτερα στους αθώους πολίτες. Ο κύριος στόχος του Πικάσο, όταν δημιούργησε αυτό το έργο, ήταν να επιστήσει την προσοχή της παγκόσμιας κοινότητας στον βομβαρδισμό της βασκικής πόλης Guernica. Ο πίνακας ολοκληρώθηκε το 1937. Η Guernica εκτίθεται τώρα στο Μουσείο Reina Sofia στη Μαδρίτη.

"Η δημιουργία του Αδάμ"

Η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα, ζωγραφισμένη από τον Μιχαήλ Άγγελο μεταξύ 1508 και 1512, είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα της Υψηλής Αναγέννησης. Η Δημιουργία του Αδάμ είναι ένας από τους πιο διάσημους πίνακες όλων των εποχών. Επίσης αυτό το έργο έχει γίνει αντικείμενο αμέτρητων αναφορών και παρωδιών. Διαβάστε για άλλα πιο διάσημα έργα του Μιχαήλ Άγγελου σε ξεχωριστή επιλογή.

"Το τελευταίο δείπνο"

Ο Μυστικός Δείπνος φιλοτεχνήθηκε από τον Ιταλό καλλιτέχνη Λεονάρντο ντα Βίντσι. Ο πίνακας είναι ζωγραφισμένος στον πίσω τοίχο της τραπεζαρίας στο μοναστήρι της Santa Maria del Grazie στο Μιλάνο. Ο πίνακας απεικονίζει μια σκηνή στην οποία ο Ιησούς ανακοινώνει ότι ένας από τους δώδεκα αποστόλους του θα τον προδώσει. Ο Λεονάρντο άρχισε να εργάζεται για τον Μυστικό Δείπνο το 1495 και τον ολοκλήρωσε το 1498, αν και δεν δούλευε συνεχώς πάνω στον πίνακα.

"Starlight Night"

Η Έναστρη Νύχτα ζωγραφίστηκε από τον Ολλανδό καλλιτέχνη Βίνσεντ βαν Γκογκ. Παρά το γεγονός ότι σε όλη του τη ζωή ο καλλιτέχνης πούλησε μόνο ένα από τα έργα του, το πεδίο της δημιουργικής του δραστηριότητας είναι πολύ πλούσιο. Το Starry Night είναι ένα από τα πιο διάσημα έργα του. Απεικονίζει το χωριό Saint-Remy. Από το 1941, ο πίνακας βρίσκεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη.

"Μόνα Λίζα"

Ο πιο διάσημος πίνακας του κόσμου εξακολουθεί να θεωρείται η Μόνα Λίζα, η οποία ζωγραφίστηκε από τον Λεονάρντο ντα Βίντσι κατά την Αναγέννηση στη Φλωρεντία. Άρχισε να ζωγραφίζει αυτό το αριστούργημα το 1503 (1504) και το ολοκλήρωσε λίγο πριν το θάνατό του το 1519. Το 1911, η Μόνα Λίζα εκλάπη από τον υπάλληλο του Λούβρου Vincenzo Perugio, έναν Ιταλό πατριώτη που πίστευε ότι η Mona Lisa έπρεπε να επιστραφεί στην Ιταλία. Μετά από 2 χρόνια κράτησης του πίνακα στο σπίτι, ο Περούτζιο πιάστηκε να προσπαθεί να πουλήσει τον πίνακα στον διευθυντή της γκαλερί Ουφίτσι στη Φλωρεντία. Σήμερα η Μόνα Λίζα κρέμεται ξανά στο Λούβρο στο Παρίσι, όπου 6 εκατομμύρια άνθρωποι βλέπουν τον πίνακα κάθε χρόνο.

Πέμπτη, 08 Δεκεμβρίου 2016, 11:56 π.μ. + στο πληκτρολόγιο προσφοράς

Η βρετανική εφημερίδα The Timesκατατάσσονται Οι 200 ​​καλύτεροι καλλιτέχνεςπου έζησε από τις αρχές του 20ου αιώνα μέχρι σήμερα.

Ως αποτέλεσμα, σύμφωνα με βρετανούς αναγνώστες, την πρώτη θέσηκαταλαμβάνεται από τον μεγάλο Ισπανό καλλιτέχνη Πάμπλο Πικάσο.

Δεύτερη θέσηδίνεται στον μετα-ιμπρεσιονιστή Πωλ Σεζάν, ο τρίτος - ο ιδρυτής της αυστριακής Art Nouveau Γκούσταβ Κλιμτ. Την τελευταία γραμμή καταλαμβάνει ένας σύγχρονος Ιάπωνας καλλιτέχνης Hiroshi Sujimoto.

Γάλλοι καλλιτέχνες εμφανίζονται στην πρώτη δεκάδα Claude Monet, Henri Matisse, Marcel Duchampκαι Αμερικανός καλλιτέχνης Τζάκσον Πόλοκ.
Την πρώτη δεκάδα κλείνει ο θρύλος της ποπ αρτ Άντι Γουόρχολ, εκπρόσωπος της αφαίρεσης Willem de Kooningκαι διάσημος μοντερνιστής Piet Mondrian.
Είναι αδύνατο να μην παρατηρήσετε την υπερεκτίμηση της βαθμολογίας ορισμένων καλλιτεχνών και να αγνοήσετε άλλους, όχι λιγότερο ταλαντούχους. Οι συντάκτες των Times, συνοψίζοντας τα αποτελέσματα της έρευνας, είναι μπερδεμένοι: «Τι κάνει ο Martin Kippenberger στους 20 κορυφαίους; Γιατί βαθμολογείται υψηλότερα από τον Rothko, τον Schiele και τον Klee; Είναι ο Μουνκ (46ος) χειρότερος από τη Φρίντα Κάλο; Πιθανότατα, αυτό οφείλεται στην επιθυμία των γυναικών να τοποθετήσουν το ωραίο φύλο όσο πιο ψηλά γίνεται στην κατάταξη.

Από Ρώσους καλλιτέχνεςεμφανίζονται στην κατάταξη Βασιλικός Καντίνσκι(15ος), δημιουργός του Μαύρου Τετράγωνου «Καζιμίρ Μάλεβιτς(17η). 95 ο Ουκρανοαμερικανός καλλιτέχνης Alexander Αρχιπένκο. 135ος - ένας από τους ιδρυτές του κονστρουκτιβισμού Αλέξανδρος Ρονττσένκο. Περιλαμβάνεται επίσης στη λίστα Μαρκ Σαγκάλ-71η, και Βλαντιμίρ Τάτλιν- 145ο.

Εδώ 20 καλύτεροι καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, σύμφωνα με τους Βρετανούς φιλότεχνους

Οι είκοσι καλύτεροι καλλιτέχνες του ΧΧ και των αρχών του ΧΧΙ αιώνα

1. Πάμπλο Πικάσο

2. Paul Cezanne

3. Γκούσταβ Κλιμτ

4. Κλοντ Μονέ

5. Marcel Duchamp

6. Ανρί Ματίς

7. Τζάκσον Πόλοκ

8. Άντι Γουόρχολ

9. Willem de Kooning

10. Piet Mondrian

11. Paul Gauguin

12. Φράνσις Μπέικον

13. Ρόμπερτ Ράουσενμπεργκ

14. Ζορζ Μπρακ

15. Βασίλι Καντίνσκι

16. Constantin Brancusi

17. Καζιμίρ Μάλεβιτς

18. Jasper Johns

19. Φρίντα Κάλο

20. Μάρτιν Κιπενμπέργκερ
………………
Ναι, αν γινόταν μια τέτοια έρευνα στη χώρα μας, η λίστα θα ήταν εντελώς διαφορετική. Όπως και οι λίστες με τα καλύτερα λογοτεχνικά έργα - σε κάθε χώρα διαφέρουν σημαντικά.
Αλλά μέχρι στιγμής έχουμε μόνο αυτή τη λίστα, στην οποία δεν γνωρίζουμε πολλούς καλλιτέχνες.
Επομένως - εδώ είναι μια σύντομη ιστορία για τους πρώτους είκοσι καλλιτέχνες.
Μια πλήρης λίστα 200 καλύτεροι καλλιτέχνες του 20ου και των αρχών του 21ου αιώνα- στο τέλος της ανάρτησης.
...................
1.Πικάσο Πάμπλο- Ισπανός καλλιτέχνης, γραφίστας

8. Άντι Γουόρχολ(Το πραγματικό του όνομα - Andrew Warhola, Ράσιν. Andriy Vargola; 1928-1987) είναι Αμερικανός καλλιτέχνης και παραγωγός, ένα αξιόλογο πρόσωπο στην ιστορία της ποπ αρτ και της σύγχρονης τέχνης γενικότερα. Ιδρυτής της ιδεολογίας «homo universale».
Ο Γουόρχολ δημιούργησε αρκετούς πίνακες που έγιναν αίσθηση στον κόσμο της τέχνης. Το 1960, δημιούργησε σχέδια για κουτιά Coca-Cola, τα οποία του έφεραν φήμη ως καλλιτέχνη με ένα εξαιρετικό όραμα για την τέχνη. Και το 1960-1962, εμφανίστηκε ένας κύκλος έργων που απεικόνιζε κουτιά από τη σούπα του Κάμπελ.


Ο Γουόρχολένας από τους πρώτους που χρησιμοποίησαν την μεταξοτυπία και την μεταξοτυπία ως μέθοδο δημιουργίας πινάκων.
Ο Γουόρχολ δημιούργησε μια σειρά από πίνακες στους οποίους απεικόνιζε τα είδωλα της σύγχρονης κοινωνίας. Μεταξύ των σταρ που ζωγράφισε ο Άντι: η επαναλαμβανόμενη Μέριλιν Μονρό, η Ελίζαμπεθ Τέιλορ, οι Beatles, ο Μάικλ Τζάκσον, ο Λένιν και άλλοι. Αυτά τα σχέδια σε έντονα χρώματα έγιναν το σήμα κατατεθέν του Warhol. αναδημιουργώντας την ατμόσφαιρα της Αμερικής στη δεκαετία του '60.


Σύμφωνα με τους κριτικούς, αυτοί οι πίνακες αντανακλούσαν τη χυδαιότητα της κουλτούρας της μαζικής κατανάλωσης, τη νοοτροπία του δυτικού πολιτισμού. Ο Γουόρχολ θεωρείται από τους εκπροσώπους της ποπ αρτ και της εννοιολογικής τέχνης, όπως ο Ρόμπερτ Ράουσενμπεργκ, ο Τζάσπερ Τζονς και ο Ρόι Λίχτενσταϊν.Αυτή τη στιγμή οι τιμές για τους πίνακές του φτάνουν τα δεκάδες εκατομμύρια δολάρια. Μια ολόκληρη υποκουλτούρα έχει συγκεντρωθεί γύρω από τη φιγούρα του Warhol.

Το 2015, ο πίνακας πουλήθηκε στην Αρχή Μουσείων του Κατάρ για 300 εκατομμύρια δολάρια. 287\237\225

12. Φράνσις Μπέικον-(1909-1992) - Άγγλος καλλιτέχνης- εξπρεσιονιστής. Η ζωγραφική του Μπέικον είναι πάντα εκφραστική, είναι ένα είδος κραυγής που μεταφέρει την τραγικότητα της ύπαρξης. Το κύριο θέμα της δουλειάς του είναι το ανθρώπινο σώμα - παραμορφωμένο, επίμηκες, εγκλεισμένο σε γεωμετρικά σχήματα. Αρκετά έργα περιλαμβάνονται στη λίστα με τους πιο ακριβούς πίνακες.

Στις 14 Μαΐου 2008, το τρίπτυχο «Ορόσημο του 1976 του Κανονικού 20ου αιώνα» του Φράνσις Μπέικον πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για 86,3 εκατομμύρια δολάρια. Πωλήθηκε από την οικογένεια Muy, ιδιοκτήτες της παραγωγής κρασιού Château Pétrus, στον Ρώσο δισεκατομμυριούχο Roman Abramovich. Και ο ζωγράφος έλαβε τον τίτλο του πιο ακριβού μεταπολεμικού καλλιτέχνη και κατέλαβε την τρίτη θέση στην πρώτη δεκάδα των πιο ακριβών καλλιτεχνών στον κόσμο γενικά, δεύτερος μόνο μετά τον Πικάσο και τον Κλιμτ. 180\122\96

13.Ρόμπερτ Ράουσενμπεργκ(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) είναι Αμερικανός καλλιτέχνης. Εκπρόσωπος του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, και στη συνέχεια της εννοιολογικής τέχνης και της ποπ αρτ, στα έργα του έλκεται προς την τεχνική του κολάζ και του έτοιμου, χρησιμοποιημένου σκουπιδιού.
Όπως και άλλοι εκπρόσωποι της ποπ αρτ, προσπάθησε να εκφράσει το όραμά του για τον κόσμο με ασυνήθιστες, συγκλονιστικές μορφές. Για αυτό χρησιμοποιήθηκαν καμβάδες, κολάζ, εγκαταστάσεις.
Στις αρχές της δεκαετίας του '50, ο Rauschenberg πέρασε από τρία στάδια δημιουργίας έργων ζωγραφικής:
"Λευκή ζωγραφική" - μαύροι αριθμοί και μερικά σύμβολα απεικονίζονται σε λευκό φόντο.
"Black Painting" - κομμάτια εφημερίδων επικολλήθηκαν στον καμβά και όλα αυτά καλύφθηκαν με μαύρο σμάλτο.
"Red Painting" - αφηρημένοι καμβάδες σε κόκκινες αποχρώσεις, εν μέρει με αυτοκόλλητα από εφημερίδες, καρφιά, φωτογραφίες κ.λπ.
Το 1953, ο Rauschenberg έσβησε ένα σχέδιο του Willem de Kooning και το εξέθεσε με τον τίτλο "Erased De Kooning Drawing", θέτοντας το ερώτημα για τη φύση της τέχνης.

Από τα μέσα της δεκαετίας του '50, ο Rauschenberg δημιουργεί χωρικά αντικείμενα που ο ίδιος αποκαλεί "συνδυασμένους πίνακες", για παράδειγμα:
"Odalisque" (σατινέ μαξιλάρι, γεμιστό κοτόπουλο, φωτογραφίες και αναπαραγωγές)
"Κρεβάτι" - ένα κρεβάτι πασπαλισμένο με μπογιά και τοποθετημένο κάθετα ...


Στα τέλη της δεκαετίας του '50, κατέκτησε την τεχνική του frottage (το τρίψιμο που εισήχθη στην τέχνη από τον Max Ernst) για να μεταφέρει φωτογραφίες περιοδικών σε χαρτί. Ο Rauschenberg το χρησιμοποίησε για να δημιουργήσει έναν γραφικό κύκλο 34 εικονογραφήσεων για το Dante's Inferno σε στυλ ποπ αρτ. Το 1962 κατέκτησε την τεχνική της μεταξοτυπίας και δημιούργησε μια σειρά από μεγάλα έργα σε αυτήν. Ένας από τους πίνακες αυτής της σειράς δρόμο για τον παράδεισο» ( ουρανός δρόμος, 1964). Πάνω του, ποπ πολιτισμικά σύμβολα (για παράδειγμα, Αμερικανοί αστροναύτες) συνυπάρχουν με εικόνες του Ρούμπενς.

Ο Rauschenberg είναι κάτοχος πολλών βραβείων, μεταξύ των οποίων: το κύριο βραβείο στη Μπιενάλε της Βενετίας, το Grammy, το Εθνικό Μετάλλιο των ΗΠΑ, το Imperial Prize of Japan και άλλα.
Τις δεκαετίες του ’60 και του ’70 ο Ράουσενμπεργκ ασχολήθηκε με τον χώρο των παραστάσεων, των χάπενινγκ και άλλων θεατρικών δράσεων.

1 Πάμπλο Πικάσο 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Κλοντ Μονέ 20684
5 Marcel Duchamp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Τζάκσον Πόλοκ 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Willem de Kooning 17042
10 Piet Mondrian 17028
11 Paul Gauguin 17027
12 Φράνσις Μπέικον 17018
13 Robert Rauschenberg 16956
14 Ζωρζ Μπρακ 16788
15 Wassily Kandinsky 16055
16 Constantin Brancusi 14224
17 Kazimir Malevich 13609
18 Jasper Johns 12988
19 Φρίντα Κάλο 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee
22 Έγκον Σίλε
23 Ντόναλντ Τζαντ
24 Μπρους Νάουμαν
25 Alberto Giacometti
26 Σαλβαδόρ Νταλί
27 Ογκίστ Ροντέν
28 Mark Rothko
29 Έντουαρντ Χόπερ
30 Λούσιαν Φρόιντ
31 Ρίτσαρντ Σέρα
32 Ρενέ Μαγκρίτ
33 Ντέιβιντ Χόκνεϊ
34 Φίλιπ Γκαστόν
35 Gary Cartier-Bresson 8779
36 Pierre Bonnard
37 Jean-Michel Basquiat
38 Μαξ Ερνστ
39 Diane Arbus
40 Georgia O'Keefe
41 Cy Twombly
42 Μαξ Μπέκμαν
43 Μπάρνετ Νιούμαν
44 Τζόρτζιο ντε Κίρικο
45 Roy Lichtenstein 7441
46 Έντβαρντ Μουνκ
47 Pierre August Renoir
48 Men Ray
49 Χένρι Μουρ
50 Σίντι Σέρμαν
51 Τζεφ Κουνς
52 Τρέισι Εμίν
53 Damien Hirst
54 Yves Klein
55 Henry Russo
56 Chaim Soutine
57 Archil Gorki
58 Αμαντέο Μοντιλιάνι
59 Ουμπέρτο ​​Μποτσιόνι
60 Jean Dubuffet
61 Εύα Έσση
62 Edward Villard
63 Καρλ Αντρέ
64 Χουάν Γκρις
65 Λούτσιο Φοντάνα
66 Φραντς Κλάιν
67 Ντέιβιντ Σμιθ
68 Joseph Beuys
69 Alexander Calder
70 Λουίζ Μπουρζουά
71 Μαρκ Σαγκάλ
72 Γκέρχαρντ Ρίχτερ
73 Balthus
74 Joan Miro
75 Ερνστ Λούντβιχ Κίρχνερ
76 Φρανκ Στέλλα
77 Georg Baselitz
78 Francis Picabia
79 Τζένη Σαβίλ
80 Νταν Φλάβιν
81 Άλφρεντ Στίγκλιτς
82 Anselm Kiefer
83 Μάθιου Μπέρνεϋ
84 Ζωρζ Γκρος
85 Bernd and Hilla Becher
86 Sigmar Polke
87 Μπράις Μάρντεν
88 Maurizio Catellan
89 Saul Levitt
90 Chuck Close 2915
91 Έντουαρντ Γουέστον
92 Τζόζεφ Κορνέλ
93 Karel Appel
94 Μπρίτζετ Ράιλι
95 Alexander Archipenko
96 Άντονι Κάρο
97 Ρίτσαρντ Χάμιλτον
98 Κλίφορντ Στιλ
99 Luc Tuymans
100 τάξη Όλντενμπουργκ
101 Eduardo Luigi Paolozzi
102 Φρανκ Άουερμπαχ
103 Ντίνος και Τζέικ Τσάπμαν
104 Μαρλέν Ντούμας
105 Antona Tapies
106 Τζόρτζιο Μοράντι
107 Γουόκερ Έβανς
108 Ναν Γκόλντιν
109 Ρόμπερτ Φρανκ
Ζορζ Ρου 110
111 Αρπ Χανς
112 Αυγούστου Αποστολέας
113 James Rosenquist
114 Andreas Gursky
115 Eugene Atget
116 Τζεφ Γουόλ
117 Ellsworth Kelly
118 Μπιλ Μπραντ
119 Christo and Jean-Claude
120 Χάουαρντ Χότζκιν
121 Joseph Albers
122 Piero Manzoni
123 Agnes Martin
124 Anish Kapoor
125 L. S. Lowry
126 Robert Motherwell
127 Robert Delaunay
128 Στιούαρτ Ντέιβις
129 Ed Ruscha
130 Gilbert and George 2729
131 Στάνλεϊ Σπένσερ
132 Τζέιμς Ένσορ
133 Φέρναρντ Λέτζερ
134 Brassai (Gyula Halas)
135 Alexander Rodchenko
136 Ρόμπερτ Ράιμαν
137 Ed Reindhard
138 Χανς Μπέλμερ
139 Isa Genzken
140 Kees van Dongen
141 Weegee
142 Paula Rego
143 Τόμας Χαρτ Μπέντον
144 Χανς Χόφμαν
145 Βλαντιμίρ Τάτλιν
146 Odilon Redon
147 George Segal
148 Jörg Imendorff
149 Robert Smithson
150 Peter Doig 2324
151 Ed και Nancy Kienholz
152 Richard Prince
153 Ansel Adams
154 Nahum Gabo 2256
155 Ντιέγκο Ριβέρα 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nicola de Stael 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez-Torres 2228
160 Τζάκομο Μπάλα 2225
161 Ben Nicholson 2221
162 Anthony Gormley 2218
163 Lionel Feininger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Hermann Nietzsch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigli 2209
169 Kurt Schwitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Schnabel 2208
172 Raymond Duchamp-Villon 2208
173 Robert Gobert 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Diebenkorn 2207
176 Apex Katz 2207
177 Alighiero Boetti 2206
178 Godier-Brzeska Henri 2206
179 Laszlo Moholy-Nagy 2205
180 Jacques-Henri Lartigue 2205
181 Robert Morris 2205
182 Σάρα Λούκας 2204
183 Γιάννης Κουνέλλης 2204
184 Κρις Μπάρντεν 2204
185 Otto Dix 2203
186 David Bomberg 2203
187 Fischli & Weiss 2203
188 Αύγουστος Ιωάννης 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203 βαθμολογίες

αναφέρεται
Μου άρεσε: 5 χρήστες