Αμερικανοί τοπιογράφοι του 21ου αιώνα. Οι σύγχρονοι Ρώσοι καλλιτέχνες αξίζουν μια πιο προσεκτική ματιά

Η μεγαλειώδης και ποικιλόμορφη ρωσική ζωγραφική πάντα ευχαριστεί το κοινό με την ασυνέπεια και την τελειότητα των μορφών τέχνης. Αυτή είναι η ιδιαιτερότητα των έργων διάσημων δασκάλων της τέχνης. Πάντα εξέπληξαν με την ασυνήθιστη προσέγγισή τους στη δουλειά, την ευλαβική στάση απέναντι στα συναισθήματα και τις αισθήσεις κάθε ατόμου. Ίσως αυτός είναι ο λόγος που οι Ρώσοι καλλιτέχνες απεικόνιζαν τόσο συχνά συνθέσεις πορτρέτων που συνδύαζαν ζωντανά συναισθηματικές εικόνες και επικά ήρεμα μοτίβα. Δεν είναι περίεργο που ο Μαξίμ Γκόρκι είπε κάποτε ότι ένας καλλιτέχνης είναι η καρδιά της χώρας του, η φωνή ολόκληρης της εποχής. Πράγματι, οι μεγαλοπρεπείς και κομψοί πίνακες ζωγραφικής των Ρώσων καλλιτεχνών μεταφέρουν έντονα την έμπνευση της εποχής τους. Όπως οι φιλοδοξίες του διάσημου συγγραφέα Anton Chekhov, πολλοί προσπάθησαν να φέρουν στους ρωσικούς πίνακες τη μοναδική γεύση του λαού τους, καθώς και το άσβεστο όνειρο της ομορφιάς. Είναι δύσκολο να υποτιμήσουμε τους εξαιρετικούς καμβάδες αυτών των δασκάλων της μεγαλειώδους τέχνης, γιατί κάτω από το πινέλο τους γεννήθηκαν πραγματικά εξαιρετικά έργα διαφόρων ειδών. Ακαδημαϊκή ζωγραφική, πορτρέτο, ιστορική ζωγραφική, τοπίο, έργα ρομαντισμού, μοντερνισμού ή συμβολισμού - όλα αυτά εξακολουθούν να φέρνουν χαρά και έμπνευση στους θεατές τους. Όλοι βρίσκουν σε αυτά κάτι περισσότερο από πολύχρωμα χρώματα, χαριτωμένες γραμμές και αμίμητα είδη παγκόσμιας τέχνης. Ίσως μια τέτοια αφθονία μορφών και εικόνων που εκπλήσσει η ρωσική ζωγραφική συνδέεται με τις τεράστιες δυνατότητες του γύρω κόσμου των καλλιτεχνών. Ο Levitan είπε επίσης ότι σε κάθε νότα πλούσιας φύσης υπάρχει μια μαγευτική και ασυνήθιστη παλέτα χρωμάτων. Με μια τέτοια αρχή εμφανίζεται μια υπέροχη έκταση για το πινέλο του καλλιτέχνη. Ως εκ τούτου, όλοι οι ρωσικοί πίνακες διακρίνονται από την εξαιρετική σοβαρότητα και την ελκυστική ομορφιά τους, από την οποία είναι τόσο δύσκολο να ξεφύγεις.

Η ρωσική ζωγραφική δικαίως διακρίνεται από την παγκόσμια τέχνη. Γεγονός είναι ότι μέχρι τον δέκατο έβδομο αιώνα, η εγχώρια ζωγραφική συνδέθηκε αποκλειστικά με ένα θρησκευτικό θέμα. Η κατάσταση άλλαξε με την έλευση στην εξουσία του τσάρου-μεταρρυθμιστή - Πέτρου του Μεγάλου. Χάρη στις μεταρρυθμίσεις του, οι Ρώσοι δάσκαλοι άρχισαν να ασχολούνται με την κοσμική ζωγραφική και η ζωγραφική των εικόνων διαχωρίστηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση. Ο δέκατος έβδομος αιώνας είναι η εποχή τέτοιων καλλιτεχνών όπως ο Simon Ushakov και ο Iosif Vladimirov. Στη συνέχεια, στον κόσμο της ρωσικής τέχνης, το πορτρέτο γεννήθηκε και έγινε γρήγορα δημοφιλές. Τον δέκατο όγδοο αιώνα, εμφανίστηκαν οι πρώτοι καλλιτέχνες που πέρασαν από την προσωπογραφία στη ζωγραφική τοπίου. Η έντονη συμπάθεια των δασκάλων για τα χειμερινά πανοράματα είναι αισθητή. Ο δέκατος όγδοος αιώνας θυμήθηκε επίσης για τη γέννηση της καθημερινής ζωγραφικής. Τον δέκατο ένατο αιώνα, τρεις τάσεις κέρδισαν δημοτικότητα στη Ρωσία: ρομαντισμός, ρεαλισμός και κλασικισμός. Όπως και πριν, οι Ρώσοι καλλιτέχνες συνέχισαν να στρέφονται στο είδος του πορτρέτου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν παγκοσμίου φήμης πορτρέτα και αυτοπροσωπογραφίες του O. Kiprensky και του V. Tropinin. Στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα, οι καλλιτέχνες απεικονίζουν όλο και πιο συχνά τον απλό ρωσικό λαό στην καταπιεσμένη του κατάσταση. Ο ρεαλισμός γίνεται η κεντρική τάση της ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν οι Περιπλανώμενοι, απεικονίζοντας μόνο την πραγματική, πραγματική ζωή. Λοιπόν, ο εικοστός αιώνας είναι, φυσικά, η πρωτοπορία. Οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής επηρέασαν σημαντικά τόσο τους οπαδούς τους στη Ρωσία όσο και σε όλο τον κόσμο. Οι πίνακές τους έγιναν οι πρόδρομοι της αφαίρεσης. Η ρωσική ζωγραφική είναι ένας τεράστιος υπέροχος κόσμος ταλαντούχων καλλιτεχνών που δόξασαν τη Ρωσία με τις δημιουργίες τους

Η βαθμολογία των πιο ακριβών έργων ζωντανών καλλιτεχνών είναι μια κατασκευή που μιλάει για το ρόλο και τη θέση του καλλιτέχνη στην ιστορία της τέχνης πολύ λιγότερο από ό, τι για την ηλικία και την υγεία

Οι κανόνες για τη σύνταξη της βαθμολογίας μας είναι απλοί: πρώτον, λαμβάνονται υπόψη μόνο οι συναλλαγές με έργα ζωντανών συγγραφέων. Δεύτερον, λαμβάνονται υπόψη μόνο οι δημόσιες δημοπρασίες. και τρίτον, τηρείται ο κανόνας "ένας καλλιτέχνης - ένα έργο" (αν δύο δίσκοι ανήκουν στον Jones στη βαθμολογία των έργων, τότε μένει μόνο ο πιο ακριβός και οι υπόλοιποι δεν λαμβάνονται υπόψη). Η κατάταξη πραγματοποιείται σε δολάρια (με τη συναλλαγματική ισοτιμία την ημερομηνία πώλησης).

1. Κουνέλι JEFF KOONS. 1986. 91,075 εκατομμύρια δολάρια

Όσο περισσότερο παρακολουθείς την καριέρα του Τζεφ Κουνς (1955) σε δημοπρασίες, τόσο περισσότερο πείθεσαι ότι τίποτα δεν είναι αδύνατο για την ποπ αρτ. Μπορείτε να θαυμάσετε τα γλυπτά του Koons με τη μορφή παιχνιδιών με μπαλόνια ή μπορείτε να τα θεωρήσετε κιτς και κακόγουστο - δικαίωμά σας. Ένα πράγμα δεν μπορεί να αρνηθεί κανείς: οι εγκαταστάσεις του Jeff Koons κοστίζουν τρελά χρήματα.

Ο Τζεφ Κουνς ξεκίνησε το ταξίδι του στη φήμη ως ο πιο επιτυχημένος εν ζωή καλλιτέχνης στον κόσμο το 2007, όταν η γιγάντια μεταλλική του εγκατάσταση Hanging Heart αγοράστηκε για 23,6 εκατομμύρια δολάρια στον οίκο Sotheby's. Το έργο αγοράστηκε από την γκαλερί Larry Gagosian που εκπροσωπεί τον Koons Τύπου ότι ήταν προς το συμφέρον του Ουκρανού δισεκατομμυριούχου Viktor Pinchuk.) Η γκαλερί απέκτησε όχι απλώς μια εγκατάσταση, αλλά, στην πραγματικότητα, ένα έργο τέχνης κοσμήματος. 2,7 m ζυγίζει 1.600 kg), αλλά έχει παρόμοιο σκοπό. Πάνω από έξι Μισή χιλιάδες ώρες δαπανήθηκαν για την παραγωγή μιας σύνθεσης με μια καρδιά καλυμμένη με δέκα στρώσεις χρώματος, με αποτέλεσμα να πληρωθούν γιγαντιαία χρήματα για τη θεαματική «διακόσμηση».

Ακολούθησε η πώληση του Purple Balloon Flower για 12,92 εκατομμύρια £ (25,8 εκατομμύρια δολάρια) στον οίκο Christie's του Λονδίνου στις 30 Ιουνίου 2008. Είναι ενδιαφέρον ότι επτά χρόνια νωρίτερα, οι προηγούμενοι ιδιοκτήτες του "Flower" αγόρασαν το έργο για 1,1 εκατομμύρια δολάρια. Είναι εύκολο να υπολογίσουμε ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου η τιμή του στην αγορά έχει αυξηθεί σχεδόν κατά 25 φορές.

Η ύφεση στην αγορά τέχνης το 2008-2009 έδωσε στους σκεπτικιστές αφορμή να συκοφαντούν ότι η μόδα για τον Κουν έχει παρέλθει. Έκαναν όμως λάθος: μαζί με την αγορά τέχνης, αναπτερώθηκε και το ενδιαφέρον για τα έργα του Κουνς. Ο διάδοχος του Άντι Γουόρχολ στο θρόνο του βασιλιά της ποπ αρτ ενημέρωσε τα προσωπικά του καλύτερα τον Νοέμβριο του 2012 με την πώληση στον οίκο Christie's ενός πολύχρωμου γλυπτού "Tulips" από τη σειρά "Triumph" για 33,7 εκατομμύρια δολάρια, συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας.

Όμως οι «Τουλίπες» ήταν «λουλούδια» με την κυριολεκτική και μεταφορική έννοια. Μόλις ένα χρόνο αργότερα, τον Νοέμβριο του 2013, ακολούθησε η πώληση του γλυπτού από ανοξείδωτο ατσάλι με μπαλόνι σκύλου (πορτοκαλί): η τιμή του σφυριού έφτασε τα 58,4 εκατομμύρια δολάρια! Ένα υπέροχο ποσό για έναν ζωντανό καλλιτέχνη. Το έργο ενός σύγχρονου συγγραφέα πουλήθηκε στην τιμή ενός πίνακα του Βαν Γκογκ ή του Πικάσο. Αυτά ήταν τα μούρα...

Με αυτό το αποτέλεσμα, ο Κουνς βασίλεψε στην κορυφή της κατάταξης των εν ζωή καλλιτεχνών για αρκετά χρόνια. Τον Νοέμβριο του 2018, τον ξεπέρασε για λίγο ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ (δείτε τη δεύτερη θέση στην κατάταξή μας). Αλλά μόλις έξι μήνες αργότερα, όλα επέστρεψαν στο φυσιολογικό: στις 15 Μαΐου 2019, στη Νέα Υόρκη, στη δημοπρασία μεταπολεμικής και σύγχρονης τέχνης, ο Christie's έβγαλε προς πώληση ένα γλυπτό για τον Koons το 1986 - ένα ασημένιο "Κουνέλι". κατασκευασμένο από ανοξείδωτο χάλυβα, που μιμείται ένα μπαλόνι παρόμοιου σχήματος.

Συνολικά, ο Koons δημιούργησε 3 τέτοια γλυπτά συν ένα αντίγραφο του συγγραφέα. Η δημοπρασία περιλάμβανε ένα αντίγραφο του "Rabbit" νούμερο 2 - από τη συλλογή του καλτ εκδότη Cy Newhouse, συνιδιοκτήτη του εκδοτικού οίκου Conde Nast (περιοδικά Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ κ.λπ.). Το Silver "Rabbit" αγοράστηκε από τον "πατέρα της αίγλης" Cy Newhouse το 1992 για ένα εντυπωσιακό ποσό για τα πρότυπα εκείνων των ετών - 1 εκατομμύριο δολάρια. Μετά από 27 χρόνια στον αγώνα 10 μειοδότη, η τιμή του σφυριού του γλυπτού ήταν 80 φορές υψηλότερη από την προηγούμενη τιμή πώλησης. Και με την προμήθεια του Buyer's Premium, το τελικό αποτέλεσμα ήταν ένα ρεκόρ 91,075 εκατομμυρίων δολαρίων για όλους τους εν ζωή καλλιτέχνες.

2. DAVID HOKNEY Πορτρέτο του καλλιτέχνη. Πισίνα με δύο φιγούρες. 1972. 90.312.500 $

Ο David Hockney (1937) είναι ένας από τους σημαντικότερους Βρετανούς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα. Το 2011, ο Ντέιβιντ Χόκνεϊ ψηφίστηκε ως ο Βρετανός καλλιτέχνης με τη μεγαλύτερη επιρροή όλων των εποχών σε έρευνα χιλιάδων επαγγελματιών Βρετανών ζωγράφων και γλυπτών. Ταυτόχρονα, ο Χόκνεϊ παρέκαμψε δασκάλους όπως ο Γουίλιαμ Τέρνερ και ο Φράνσις Μπέικον. Το έργο του, κατά κανόνα, αποδίδεται στην ποπ αρτ, αν και στα πρώτα του έργα έλκεται περισσότερο προς τον εξπρεσιονισμό στο πνεύμα του Φράνσις Μπέικον.

Γεννήθηκε και μεγάλωσε ο David Hockney στην Αγγλία του Yorkshire. Η μητέρα του μελλοντικού καλλιτέχνη κράτησε την οικογένεια σε πουριτανική αυστηρότητα και ο πατέρας του, ένας απλός λογιστής που σχεδίαζε λίγο σε ερασιτεχνικό επίπεδο, ενθάρρυνε τον γιο του να ζωγραφίσει. Στις αρχές των είκοσί του, ο Ντέιβιντ μετακόμισε στην Καλιφόρνια, όπου έζησε συνολικά για περίπου τρεις δεκαετίες. Έχει ακόμα δύο εργαστήρια εκεί. Ο Χόκνεϊ έκανε τους ήρωες των έργων του τους ντόπιους πλούσιους, τις βίλες τους, τις πισίνες, τους χλοοτάπητες λουσμένους στον ήλιο της Καλιφόρνια. Ένα από τα πιο διάσημα έργα του της αμερικανικής περιόδου - ο πίνακας "Splash" - είναι μια εικόνα μιας δέσμης σπρέι που αναδύεται από την πισίνα αφού ένα άτομο πήδηξε στο νερό. Για να απεικονίσει αυτό το δεμάτι, «ζώντας» όχι περισσότερο από δύο δευτερόλεπτα, ο Χόκνεϊ εργάστηκε για δύο εβδομάδες. Παρεμπιπτόντως, αυτός ο πίνακας πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για 5,4 εκατομμύρια δολάρια το 2006 και για κάποιο διάστημα θεωρήθηκε το πιο ακριβό έργο του.

Ο Hockney (1937) είναι ήδη στα ογδόντα του, αλλά εξακολουθεί να εργάζεται και μάλιστα εφευρίσκει νέες καλλιτεχνικές τεχνικές χρησιμοποιώντας τεχνικές καινοτομίες. Κάποτε σκέφτηκε να φτιάξει τεράστια κολάζ από εικόνες Polaroid, τύπωσε τα έργα του σε μηχανές φαξ και σήμερα ο καλλιτέχνης κατακτά με ενθουσιασμό το σχέδιο στο iPad. Οι πίνακες που σχεδιάζονται στο tablet παίρνουν τη θέση που τους αξίζει στις εκθέσεις του.

Το 2005, ο Χόκνεϊ επέστρεψε τελικά από τις Ηνωμένες Πολιτείες στην Αγγλία. Τώρα ζωγραφίζει στο ύπαιθρο και στο στούντιο τεράστια (συχνά αποτελούμενα από πολλά μέρη) τοπία τοπικών δασών και χερσαίων εκτάσεων. Σύμφωνα με τον Χόκνεϊ, στα 30 του χρόνια στην Καλιφόρνια, έχει γίνει τόσο ασυνήθιστος στην απλή αλλαγή των εποχών που πραγματικά τον συναρπάζει και τον συναρπάζει. Ολόκληροι κύκλοι των πρόσφατων έργων του είναι αφιερωμένοι, για παράδειγμα, στο ίδιο τοπίο σε διαφορετικές εποχές του χρόνου.

Το 2018, οι πίνακες του Hockney έσπασαν το όριο των 10 εκατομμυρίων δολαρίων αρκετές φορές. Και στις 15 Νοεμβρίου 2018, καταγράφηκε στον οίκο Christie's ένα νέο απόλυτο ρεκόρ για το έργο ενός ζωντανού καλλιτέχνη - 90.312.500 $ για τον πίνακα "Πορτρέτο του καλλιτέχνη (Πισίνα με δύο φιγούρες)".

3. GERHARD RICHTER Αφηρημένη ζωγραφική. 1986. 46,3 εκατομμύρια δολάρια

Κλασικό ζωντανό Γκέρχαρντ Ρίχτερ (1932)κατατάσσεται δεύτερη στην κατάταξή μας. Ο Γερμανός καλλιτέχνης ήταν ο ηγέτης μεταξύ των εν ζωή συναδέλφων του μέχρι που χτύπησε το 58 εκατομμυριοστό ρεκόρ του Τζεφ Κουνς. Αλλά είναι απίθανο αυτή η περίσταση να κλονίσει την ήδη σιδερένια εξουσία του Ρίχτερ στην αγορά τέχνης. Σύμφωνα με τα αποτελέσματα του 2012, ο ετήσιος τζίρος της δημοπρασίας του Γερμανού καλλιτέχνη είναι δεύτερος μόνο σε αυτούς του Andy Warhol και του Pablo Picasso.

Για πολλά χρόνια, τίποτα δεν προμήνυε την επιτυχία που έπεσε στα Ρίχτερ τώρα. Για δεκαετίες, ο καλλιτέχνης κατείχε μια μέτρια θέση στην αγορά της σύγχρονης τέχνης και δεν φιλοδοξούσε καθόλου να αποκτήσει φήμη. Μπορούμε να πούμε ότι η φήμη τον ξεπέρασε από μόνη της. Η αφετηρία θεωρείται από πολλούς η αγορά του Μουσείου MoMA της Νέας Υόρκης το 1995 της σειράς του Richter στις 18 Οκτωβρίου 1977. Το Αμερικανικό Μουσείο πλήρωσε 3 εκατομμύρια δολάρια για 15 πίνακες σε κλίμακα του γκρι και σύντομα άρχισε να σκέφτεται να διοργανώσει μια πλήρη αναδρομική έκθεση του Γερμανού καλλιτέχνη. Η μεγαλειώδης έκθεση άνοιξε έξι χρόνια αργότερα, το 2001, και έκτοτε το ενδιαφέρον για το έργο του Ρίχτερ έχει αυξηθεί αλματωδώς. Από το 2004 έως το 2008, η τιμή των έργων του τριπλασιάστηκε. Το 2010, τα έργα του Ρίχτερ έχουν ήδη αποφέρει 76,9 εκατομμύρια δολάρια, το 2011, σύμφωνα με την ιστοσελίδα Artnet, τα έργα του Ρίχτερ σε δημοπρασία κέρδισαν συνολικά 200 εκατομμύρια δολάρια και το 2012 (σύμφωνα με το Artprice) - 262,7 εκατομμύρια δολάρια - περισσότερα από τα έργα οποιουδήποτε άλλου άλλος ζωντανός καλλιτέχνης.

Ενώ, για παράδειγμα, με τον Jasper Johns, η συντριπτική επιτυχία στη δημοπρασία συνοδεύει κυρίως μόνο πρώιμα έργα, ένας τόσο έντονος διαχωρισμός δεν είναι τυπικός για τα έργα του Richter: η ζήτηση είναι εξίσου σταθερή για πράγματα από διαφορετικές δημιουργικές περιόδους, από τα οποία υπήρχαν πολλά στο Richter. καριέρα. Τα τελευταία εξήντα χρόνια, αυτός ο καλλιτέχνης έχει δοκιμάσει τον εαυτό του σε όλα σχεδόν τα παραδοσιακά είδη ζωγραφικής - πορτρέτο, τοπίο, μαρίνα, γυμνό, νεκρή φύση και, φυσικά, αφαίρεση.

Η ιστορία των δίσκων δημοπρασίας του Ρίχτερ ξεκίνησε με μια σειρά νεκρών φύσεων «Κεριά». 27 φωτορεαλιστικές εικόνες κεριών στις αρχές της δεκαετίας του 1980, την εποχή που γράφτηκαν, κόστιζαν μόνο 15.000 γερμανικά μάρκα (5.800 δολάρια) ανά έργο. Αλλά και πάλι κανείς δεν αγόρασε Candles στην πρώτη τους έκθεση στην γκαλερί Max Hetzler στη Στουτγάρδη. Τότε το θέμα των πινάκων ονομαζόταν παλιομοδίτικο. Σήμερα τα «Κεριά» θεωρούνται έργα για όλες τις εποχές. Και κοστίζουν εκατομμύρια δολάρια.

Τον Φεβρουάριο του 2008 "Κερί",γράφτηκε το 1983, αγοράστηκε απροσδόκητα για £ 7,97 εκατομμύρια (16 εκατομμύρια δολάρια). Αυτό το προσωπικό ρεκόρ έμεινε για τρεισήμισι χρόνια. Επειτα τον Οκτώβριο του 2011άλλο ένα "Κερί" (1982)βγήκε στο σφυρί στον Christie's ήδη για £ 10,46 εκατομμύρια (16,48 εκατομμύρια δολάρια). Με αυτό το ρεκόρ, ο Gerhard Richter μπήκε για πρώτη φορά στους τρεις πιο επιτυχημένους εν ζωή καλλιτέχνες, παίρνοντας τη θέση του πίσω από τους Jasper Johns και Jeff Koons.

Στη συνέχεια ξεκίνησε η νικηφόρα πομπή των «Αφηρημένης Ζωγραφικής» του Ρίχτερ. Ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει τέτοια έργα με μια μοναδική τεχνική του συγγραφέα: εφαρμόζει ένα μείγμα απλών χρωμάτων σε ανοιχτόχρωμο φόντο και στη συνέχεια τα αλείφει στον καμβά με μια μακριά ξύστρα στο μέγεθος ενός προφυλακτήρα αυτοκινήτου. Αυτό έχει ως αποτέλεσμα περίπλοκες χρωματικές μεταβάσεις, κηλίδες και ρίγες. Η εξέταση της επιφάνειας των «Αφηρημένων Πίνακών» του μοιάζει με ανασκαφές: πάνω τους ίχνη διαφόρων «μορφών» φαίνονται μέσα από τα κενά πολυάριθμων πολύχρωμων στρωμάτων.

9 Νοεμβρίου 2011στη δημοπρασία μοντέρνας και μεταπολεμικής τέχνης Sotheby's μεγάλης κλίμακας "Αφηρημένη ζωγραφική (849-3)"Το 1997 βγήκε στο σφυρί για $20,8 εκατομμύρια (£13,2 εκατομμύρια). Και έξι μήνες μετά, 8 Μαΐου 2012σε δημοπρασία μεταπολεμικής και σύγχρονης τέχνης Christie's στη Νέα Υόρκη "Αφηρημένη ζωγραφική (798-3)"Το 1993 πήγε για ρεκόρ 21,8 εκατομμύρια δολάρια(συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας). Πέντε μήνες αργότερα - και πάλι ρεκόρ: "Αφηρημένη ζωγραφική (809-4)"από τη συλλογή του ροκ μουσικού Eric Clapton στις 12 Οκτωβρίου 2012 στους Sotheby's στο Λονδίνο βγήκε στο σφυρί για £ 21,3 εκατομμύρια (34,2 εκατομμύρια δολάρια). Το φράγμα των 30 εκατομμυρίων το πήρε ο Ρίχτερ με τόση ευκολία, σαν να μην επρόκειτο για μοντέρνα ζωγραφική, αλλά για αριστουργήματα που είναι ήδη εκατό ετών - όχι λιγότερο. Αν και στην περίπτωση του Ρίχτερ φαίνεται ότι η ένταξη στο πάνθεον του «μεγάλου» έγινε ήδη κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη. Οι γερμανικές τιμές συνεχίζουν να ανεβαίνουν.

Ο επόμενος δίσκος του Ρίχτερ ανήκε σε ένα φωτορεαλιστικό έργο - ένα τοπίο "Πλατεία Καθεδρικού Ναού, Μιλάνο (Domlatz, Mailand)" 1968. Το έργο πουλήθηκε για 37,1 εκατστη δημοπρασία του Sotheby's 14 Μαΐου 2013. Η θέα της πιο όμορφης πλατείας ζωγραφίστηκε από Γερμανό καλλιτέχνη το 1968 κατόπιν παραγγελίας της Siemens Electro, ειδικά για το γραφείο της εταιρείας στο Μιλάνο. Την εποχή της συγγραφής του, ήταν το μεγαλύτερο εικονιστικό έργο του Ρίχτερ (σχεδόν τρία επί τρία μέτρα σε μέγεθος).

Το ρεκόρ της πλατείας του καθεδρικού ναού έμεινε για σχεδόν δύο χρόνια, μέχρι 10 Φεβρουαρίου 2015δεν τον διέκοψε "Αφηρημένη ζωγραφική" ( 1986): η τιμή του σφυριού έφτασε τις £ 30,389 εκατομμύρια (46,3 εκατομμύρια δολάρια). Ο Αφηρημένος Πίνακας 300,5 × 250,5 εκ., που τέθηκε σε δημοπρασία στον οίκο Sotheby's, είναι ένα από τα πρώτα έργα μεγάλης κλίμακας του Ρίχτερ στην τεχνική του ειδικού συγγραφέα του να ξύνει στρώματα μπογιάς. Την τελευταία φορά το 1999, αυτός ο «Αφηρημένος Πίνακας» αγοράστηκε σε δημοπρασία για 607 χιλιάδες δολάρια (από φέτος μέχρι την τρέχουσα πώληση, το έργο εκτέθηκε στο Μουσείο Λούντβιχ στην Κολωνία). Στη δημοπρασία της 10ης Φεβρουαρίου 2015, ένας Αμερικανός πελάτης σε βήματα δημοπρασίας 2 εκατομμυρίων λιρών έφτασε στην τιμή του σφυριού των 46,3 εκατομμυρίων δολαρίων, δηλαδή από το 1999, το έργο έχει αυξηθεί σε τιμή πάνω από 76 φορές!

4. Tsui Zhuzhuo «Μεγάλα χιονισμένα βουνά». 2013. 39,577 εκατομμύρια δολάρια

Για πολύ καιρό δεν παρακολουθούσαμε στενά την εξέλιξη της κατάστασης στην κινεζική αγορά τέχνης, μη θέλοντας να υπερφορτώνουμε τους αναγνώστες μας με υπερβολικό όγκο πληροφοριών για την τέχνη «όχι μας». Με εξαίρεση τον αντιφρονούντα Ai Weiwei, ο οποίος δεν είναι ούτε τόσο ακριβός όσο ένας ηχηρός καλλιτέχνης, οι Κινέζοι συγγραφείς μας φάνηκαν πάρα πολλοί και μακριά από εμάς για να εμβαθύνουμε στο τι συνέβαινε στην αγορά τους εκεί. Αλλά τα στατιστικά, όπως λένε, είναι μια σοβαρή κυρία, και αν μιλάμε για τους πιο επιτυχημένους εν ζωή συγγραφείς στον κόσμο, τότε δεν μπορούμε να κάνουμε χωρίς μια ιστορία για τους εξαιρετικούς εκπροσώπους της σύγχρονης τέχνης της Ουράνιας Αυτοκρατορίας.

Ας ξεκινήσουμε με έναν Κινέζο καλλιτέχνη Cui Ruzhuo. Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε το 1944 στο Πεκίνο και έζησε στις ΗΠΑ από το 1981 έως το 1996. Μετά την επιστροφή του στην Κίνα, άρχισε να διδάσκει στην Εθνική Ακαδημία Τεχνών. Ο Cui Ruzhuo ερμηνεύει εκ νέου το παραδοσιακό κινέζικο στυλ ζωγραφικής με μελάνι και δημιουργεί τους τεράστιους καμβάδες κυλίνδρων που Κινέζοι επιχειρηματίες και αξιωματούχοι αγαπούν να παρουσιάζουν ως δώρα ο ένας στον άλλο. Στη Δύση, πολύ λίγα είναι γνωστά γι 'αυτόν, αν και πολλοί πρέπει να θυμούνται την ιστορία του ειλητάρου των 3,7 εκατομμυρίων δολαρίων που πέταξαν κατά λάθος, θεωρώντας το σκουπίδια, από τις καθαρίστριες ενός ξενοδοχείου στο Χονγκ Κονγκ. Λοιπόν - ήταν ο κύλινδρος του Cui Ruzhuo.

Ο Cui Ruzhuo είναι στα 70 του και η αγορά για τη δουλειά του ανθεί. Πάνω από 60 έργα αυτού του καλλιτέχνη έχουν ξεπεράσει το όριο του 1 εκατομμυρίου δολαρίων. Ωστόσο, τα έργα του μέχρι στιγμής έχουν πετύχει μόνο σε δημοπρασίες της Κίνας. Οι δίσκοι του Cui Ruzhuo είναι πραγματικά εντυπωσιακοί. Πρώτα το "Τοπίο στο χιόνι"στη δημοπρασία Poly στο Χονγκ Κονγκ 7 Απριλίου 2014έφτασε σε τιμή σφυριού 184 εκατομμυρίων δολαρίων HK ( 23,7 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ).

Ακριβώς ένα χρόνο μετά 6 Απριλίου 2015σε μια ειδική δημοπρασία Poly στο Χονγκ Κονγκ αφιερωμένη αποκλειστικά στο έργο του Cui Ruzhuo, μια σειρά "Το υπέροχο χιονισμένο τοπίο του ορεινού Jiangnan"(Το Jiangnan είναι μια ιστορική περιοχή στην Κίνα, που καταλαμβάνει τη δεξιά όχθη του κάτω ρου του Yangtze.) οκτώ τοπίων με μελάνι σε χαρτί έφτασε σε τιμή σφυρί 236 εκατομμυρίων δολαρίων HK ( 30,444 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ).

Ένα χρόνο αργότερα, η ιστορία επαναλήφθηκε ξανά: στη σόλο δημοπρασία του Cui Ruzhuo, που πραγματοποιήθηκε από την Poly Auctions στο Χονγκ Κονγκ 4 Απριλίου 2016πολύπτυχο σε έξι μέρη "Μεγάλα Χιονισμένα Βουνά"Η τιμή του σφυριού το 2013 (συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας του οίκου δημοπρασιών) έφτασε τα 306 εκατομμύρια δολάρια HK (39,577 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ). Μέχρι στιγμής, αυτό είναι ένα απόλυτο ρεκόρ μεταξύ των εν ζωή καλλιτεχνών της Ασίας.

Σύμφωνα με τον έμπορο έργων τέχνης Johnson Chan, ο οποίος εργάζεται με την κινεζική σύγχρονη τέχνη εδώ και 30 χρόνια, υπάρχει μια άνευ όρων επιθυμία να αυξηθούν οι τιμές για τα έργα αυτού του συγγραφέα, αλλά όλα αυτά συμβαίνουν σε ένα επίπεδο τιμών όπου οι έμπειροι συλλέκτες είναι απίθανο να θέλουν να αγοράσω κάτι. «Οι Κινέζοι θέλουν να αυξήσουν τη βαθμολογία των καλλιτεχνών τους διογκώνοντας τις τιμές για τη δουλειά τους σε μεγάλες διεθνείς δημοπρασίες όπως αυτή που διοργανώνει η Poly στο Χονγκ Κονγκ, αλλά δεν υπάρχει αμφιβολία ότι αυτές οι αξιολογήσεις είναι εντελώς κατασκευασμένες», σχολιάζει ο Johnson Chang στο Cui Ruzhuo's. τελευταίο ρεκόρ.

Αυτή, φυσικά, είναι μόνο η γνώμη ενός και μόνο αντιπροσώπου και έχουμε ένα πραγματικό ρεκόρ καταγεγραμμένο σε όλες τις βάσεις δεδομένων. Ας τον λάβουμε λοιπόν υπόψη μας. Ο ίδιος ο Cui Ruzhuo, αν κρίνουμε από τις δηλώσεις του, απέχει πολύ από τη σεμνότητα του Gerhard Richter όσον αφορά την επιτυχία του στη δημοπρασία. Φαίνεται ότι αυτός ο αγώνας για τα ρεκόρ τον συνεπαίρνει σοβαρά. «Ελπίζω ότι τα επόμενα 5-10 χρόνια οι τιμές για τα έργα μου θα ξεπεράσουν τις τιμές για τα έργα δυτικών δασκάλων όπως ο Πικάσο και ο Βαν Γκογκ. Αυτό είναι το κινέζικο όνειρο», λέει ο Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Σημαία. 1983. 36 εκατομμύρια δολάρια

Η τρίτη θέση στην κατάταξη των εν ζωή καλλιτεχνών ανήκει σε Αμερικανό Στον Τζάσπερ Τζονς (1930). Η τρέχουσα τιμή ρεκόρ για το έργο του Τζόουνς είναι $ 36 εκατ. Τόσο πολύ πληρωμένο για το διάσημό του "Σημαία"στη δημοπρασία του Christie's 12 Νοεμβρίου 2014.

Μια σειρά από πίνακες «σημαία», που ξεκίνησε ο Τζόουνς στα μέσα της δεκαετίας του 1950, αμέσως μετά την επιστροφή του καλλιτέχνη από το στρατό, έγινε ένας από τους κεντρικούς στη δουλειά του. Ακόμα και στα νιάτα του, ο καλλιτέχνης ενδιαφερόταν για την ιδέα ενός έτοιμου, τη μετατροπή ενός καθημερινού αντικειμένου σε έργο τέχνης. Ωστόσο, οι σημαίες του Τζόουνς δεν ήταν αληθινές, ήταν ζωγραφισμένες με λάδι σε καμβά. Έτσι, ένα έργο τέχνης απέκτησε τις ιδιότητες ενός πράγματος από τη συνηθισμένη ζωή, ήταν ταυτόχρονα η εικόνα της σημαίας και η ίδια η σημαία. Μια σειρά έργων με σημαίες έφεραν στον Jasper Johns παγκόσμια φήμη. Αλλά όχι λιγότερο δημοφιλή είναι τα αφηρημένα έργα του. Για πολλά χρόνια, η λίστα με τα πιο ακριβά έργα, που καταρτίστηκε σύμφωνα με τους παραπάνω κανόνες, είχε επικεφαλής μια περίληψη "Λάθος εκκίνηση". Μέχρι το 2007, αυτός ο πολύ φωτεινός και διακοσμητικός καμβάς, ζωγραφισμένος από τον Τζόουνς το 1959, θεωρούνταν ο ιδιοκτήτης μιας πρακτικά απρόσιτης τιμής για έναν ζωντανό καλλιτέχνη (αν και κλασικό ζωής) - $ 17 εκατομμύρια. Τόσο το χρυσοπλήρωσαν για την αγορά τέχνης 1988.

Είναι ενδιαφέρον ότι η εμπειρία του Jasper Johns ως κάτοχος του ρεκόρ δεν ήταν συνεχής. Το 1989, τον διέκοψε η δουλειά του συναδέλφου του Willem de Kooning: η δίμετρη αφαίρεση "Mixing" πουλήθηκε στον Sotheby's για 20,7 εκατομμύρια δολάρια. Ο Jasper Johns έπρεπε να μετακομίσει. Αλλά μετά από 8 χρόνια, το 1997, ο de Kooning πέθανε , και " False start "Ο Jones πήρε ξανά την πρώτη γραμμή της βαθμολογίας δημοπρασιών ζωντανών καλλιτεχνών για σχεδόν 10 χρόνια.

Όμως το 2007 όλα άλλαξαν. Ο δίσκος False Start επισκιάστηκε για πρώτη φορά από τη δουλειά των νεαρών και φιλόδοξων Damien Hirst και Jeff Koons. Στη συνέχεια, σημειώθηκε μια πώληση ρεκόρ για 33,6 εκατομμύρια δολάρια του πίνακα "The Sleeping Benefit Inspector" του Lusien Freud (τώρα αποθανόντος και επομένως δεν συμμετέχει σε αυτή τη βαθμολογία). Τότε άρχισαν οι δίσκοι του Γκέρχαρντ Ρίχτερ. Σε γενικές γραμμές, μέχρι στιγμής με τρέχον ρεκόρ 36 εκατομμυρίων, ο Jasper Johns, ένας από τους δεξιοτέχνες της αμερικανικής μεταπολεμικής τέχνης, που εργάζεται στη διασταύρωση του νεο-ντανταϊσμού, του αφηρημένου εξπρεσιονισμού και της ποπ αρτ, βρίσκεται στην τιμητική τρίτη θέση.

6. ED RUSHAY Σπάσιμο. 1963. 30,4 εκατομμύρια δολάρια

Η ξαφνική επιτυχία του πίνακα "Smash" ενός Αμερικανού καλλιτέχνη Edward Ruscha (γεν. 1937)σε δημοπρασία Christie's 12 Νοεμβρίου 2014έφερε αυτόν τον συγγραφέα στον αριθμό των πιο ακριβών εν ζωή καλλιτεχνών. Η προηγούμενη τιμή ρεκόρ για το έργο του Ed Ruscha (συχνά το όνομα Ruscha προφέρεται στα ρωσικά ως "Rusha", αλλά η σωστή προφορά είναι Ruscha) ήταν "μόνο" 6,98 εκατομμύρια δολάρια: αυτό είναι το ποσό που πλήρωσαν για τον καμβά του "Burning gas σταθμό» το 2007. Επτά χρόνια μετά το δικό του Σπάσιμομε εκτίμηση 15–20 εκατομμυρίων δολαρίων, έφτασε στην τιμή του σφυριού 30,4 εκατομμύρια δολάρια. Είναι προφανές ότι η αγορά για τα έργα αυτού του συγγραφέα έχει φτάσει σε ένα νέο επίπεδο - δεν είναι καθόλου τυχαίο που ο Μπαράκ Ομπάμα κοσμεί τον Λευκό Οίκο με τα έργα του και ο ίδιος ο Λάρι Γκαγκοσιάν τον εκθέτει στις γκαλερί του.

Ο Ed Ruscha δεν φιλοδοξούσε ποτέ τη μεταπολεμική Νέα Υόρκη με την τρέλα της για τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό. Αντίθετα, για περισσότερα από 40 χρόνια, αναζήτησε έμπνευση στην Καλιφόρνια, όπου μετακόμισε από τη Νεμπράσκα σε ηλικία 18 ετών. Ο καλλιτέχνης στάθηκε στις απαρχές μιας νέας τάσης στην τέχνη, που ονομάζεται pop art. Μαζί με τους Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud και άλλους τραγουδιστές της λαϊκής κουλτούρας, ο Edward Ruscha συμμετείχε στην έκθεση New Image of Ordinary Things του Μουσείου Pasadena το 1962, η οποία έγινε η πρώτη μουσειακή έκθεση της αμερικανικής ποπ αρτ. Ωστόσο, στον ίδιο τον Ed Ruscha δεν αρέσει όταν το έργο του αποδίδεται στην ποπ αρτ, στον εννοιολογισμό ή σε κάποια άλλη τάση στην τέχνη.

Το μοναδικό του στυλ ονομάζεται «ζωγραφική κειμένου». Από τα τέλη της δεκαετίας του 1950, ο Ed Ruscha άρχισε να ζωγραφίζει λέξεις. Όπως για τον Γουόρχολ μια κονσέρβα σούπα έγινε έργο τέχνης, για τον Εντ Ρούσα, συνηθισμένες λέξεις και φράσεις, βγαλμένες είτε από διαφημιστική πινακίδα ή συσκευασία σε σούπερ μάρκετ, είτε από τους τίτλους μιας ταινίας (το Χόλιγουντ ήταν πάντα στο πλευρό της Ρούσα, και σε αντίθεση με πολλούς από τους συναδέλφους του καλλιτέχνες, ο Rushey σεβόταν το «εργοστάσιο των ονείρων»). Οι λέξεις στους καμβάδες του αποκτούν ιδιότητες τρισδιάστατων αντικειμένων, αυτές είναι πραγματικές νεκρές φύσεις φτιαγμένες από λέξεις. Κοιτάζοντας τους καμβάδες του, το πρώτο πράγμα που έρχεται στο μυαλό είναι η οπτική και ηχητική αντίληψη της σχεδιασμένης λέξης, και μόνο μετά από αυτό - το σημασιολογικό νόημα. Το τελευταίο, κατά κανόνα, δεν μπορεί να αποκρυπτογραφηθεί με σαφήνεια. οι λέξεις και οι φράσεις που επέλεξε ο Ruscha μπορούν να ερμηνευτούν με διαφορετικούς τρόπους. Η ίδια φωτεινή κίτρινη λέξη "Smash" σε βαθύ μπλε φόντο μπορεί να εκληφθεί ως μια επιθετική έκκληση για να συνθλίψετε κάτι ή κάποιον να σπάσετε. ως ένα μοναχικό επίθετο που έχει αφαιρεθεί από τα συμφραζόμενα (μέρος κάποιου τίτλου εφημερίδων, για παράδειγμα), ή απλώς ως μια λέξη που αλιεύεται σε ένα αστικό ρεύμα οπτικών εικόνων. Ο Ed Ruscha απολαμβάνει αυτή την αβεβαιότητα. «Πάντα είχα έναν βαθύ σεβασμό για περίεργα, ανεξήγητα πράγματα… Οι εξηγήσεις, κατά μία έννοια, σκοτώνουν ένα πράγμα», είπε σε μια συνέντευξη.

7. ΧΡΙΣΤΟΦΟΡ ΜΑΛΛΙ Χωρίς τίτλο (RIOT). 1990. 29,93 εκατομμύρια δολάρια

Αμερικανός καλλιτέχνης Κρίστοφερ ΓουλΤο (1955) μπήκε για πρώτη φορά στην κατάταξη των ζωντανών καλλιτεχνών το 2013 - μετά την πώληση του Apocalypse Now για 26,5 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό το ρεκόρ τον έφερε αμέσως στο ίδιο επίπεδο με τους Jasper Johns και Gerhard Richter. Το ποσό αυτής της ιστορικής συναλλαγής -πάνω από 20 εκατομμύρια δολάρια- εξέπληξε πολλούς, αφού πριν από αυτήν οι τιμές για τα έργα του καλλιτέχνη δεν ξεπερνούσαν τα 8 εκατομμύρια δολάρια. Ωστόσο, η ταχεία ανάπτυξη της αγοράς για τα έργα του Christopher Wool ήταν ήδη εμφανής εκείνη την εποχή. : Το ιστορικό του καλλιτέχνη περιελάμβανε 48 συναλλαγές δημοπρασίας αξίας άνω του 1 εκατομμυρίου δολαρίων, και 22 από αυτές (σχεδόν οι μισές) πραγματοποιήθηκαν το 2013. Δύο χρόνια αργότερα, ο αριθμός των έργων του Chris Wool, πούλησε πάνω από 1 εκατομμύριο δολάρια, έφτασε τα 70 και ένα νέο προσωπικό ρεκόρ δεν άργησε να έρθει. σε δημοπρασία Έργο των Sotheby's 12 Μαΐου 2015 "Untitled (RIOT)"πωλήθηκε για $ 29,93 εκατσυμπεριλαμβανομένου του Buyer's Premium.

Ο Christopher Wool είναι περισσότερο γνωστός για τα μαύρα γράμματα μεγάλης κλίμακας σε λευκά φύλλα αλουμινίου. Είναι αυτοί που, κατά κανόνα, κάνουν ρεκόρ σε δημοπρασίες. Όλα αυτά είναι πράγματα από τα τέλη της δεκαετίας του 1980 και τις αρχές της δεκαετίας του 1990. Όπως λέει ο μύθος, ένα βράδυ ο Wool περπατούσε στη Νέα Υόρκη το βράδυ και ξαφνικά είδε γκράφιτι με μαύρα γράμματα σε ένα νέο λευκό φορτηγό - τις λέξεις sex και luv. Αυτό το θέαμα τον εντυπωσίασε τόσο πολύ που επέστρεψε αμέσως στο στούντιο και έγραψε τη δική του εκδοχή με τα ίδια λόγια. Η χρονιά ήταν το 1987 και η περαιτέρω αναζήτηση του καλλιτέχνη για λέξεις και φράσεις για τα «κυριολεκτικά» έργα του αντικατοπτρίζει το αντιφατικό πνεύμα αυτής της εποχής. Αυτή είναι η κλήση "πουλήστε το σπίτι, πουλήστε το αυτοκίνητο, πουλήστε τα παιδιά", που πήρε ο Wool από την ταινία "Apocalypse Now" και η λέξη "FOOL" ("ανόητος") με κεφαλαία γράμματα και η λέξη "RIOT" («εξέγερση»), που συναντάται συχνά σε πρωτοσέλιδα εφημερίδων της εποχής.

Λέξεις και φράσεις Το μαλλί εφαρμόζεται σε φύλλα αλουμινίου χρησιμοποιώντας στένσιλ με αλκυδικά ή σμάλτα χρώματα, αφήνοντας σκόπιμα ραβδώσεις, σημάδια στένσιλ και άλλα στοιχεία της δημιουργικής διαδικασίας. Ο καλλιτέχνης χώρισε τις λέξεις έτσι ώστε ο θεατής να μην καταλάβει αμέσως το νόημα. Στην αρχή, βλέπετε μόνο ένα σύμπλεγμα γραμμάτων, δηλαδή αντιλαμβάνεστε τη λέξη ως οπτικό αντικείμενο και μόνο μετά διαβάζετε και αποκρυπτογραφείτε το νόημα της φράσης ή της λέξης. Ο Wool χρησιμοποίησε μια γραμματοσειρά που χρησιμοποιήθηκε από τον αμερικανικό στρατό μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο, η οποία ενισχύει την εντύπωση μιας παραγγελίας, μιας οδηγίας, ενός σλόγκαν. Αυτά τα έργα «γράμματα» γίνονται αντιληπτά ως μέρος του αστικού τοπίου, ως παράνομα γκράφιτι που έχουν παραβιάσει την καθαριότητα της επιφάνειας κάποιου αντικειμένου του δρόμου. Αυτή η σειρά έργων του Christopher Wool αναγνωρίζεται ως μια από τις κορυφές της γλωσσικής αφαίρεσης και ως εκ τούτου εκτιμάται ιδιαίτερα από τους λάτρεις της σύγχρονης τέχνης.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 εκατομμύρια δολάρια

Βρετανοί Πίτερ Ντόιγκ(1959), αν και ανήκει στη γενιά των μεταμοντερνιστών Koons και Hirst, επέλεξε για τον εαυτό του ένα εντελώς παραδοσιακό είδος τοπίου, το οποίο για πολύ καιρό δεν ήταν υπέρ των προχωρημένων καλλιτεχνών. Με το έργο του, ο Peter Doig αναβιώνει το ενδιαφέρον του κοινού για την παραστατική ζωγραφική. Το έργο του εκτιμάται ιδιαίτερα τόσο από κριτικούς όσο και από μη ειδικούς, και απόδειξη αυτού είναι η ραγδαία αύξηση των τιμών για τα έργα του. Αν στις αρχές της δεκαετίας του 1990 τα τοπία του κόστιζαν πολλές χιλιάδες δολάρια, τώρα ο λογαριασμός πηγαίνει σε εκατομμύρια.

Το έργο του Doig αναφέρεται συχνά ως μαγικός ρεαλισμός. Βασισμένος σε πραγματικά τοπία, δημιουργεί φανταστικές, μυστηριώδεις και συχνά ζοφερές εικόνες. Στον καλλιτέχνη αρέσει να απεικονίζει αντικείμενα που έχουν εγκαταλειφθεί από τους ανθρώπους: ένα ερειπωμένο κτίριο που έχτισε ο Le Corbusier στη μέση ενός δάσους ή ένα άδειο λευκό κανό στην επιφάνεια μιας δασικής λίμνης. Εκτός από τη φύση και τη φαντασία, ο Doig εμπνέεται από ταινίες τρόμου, παλιές καρτ ποστάλ, φωτογραφίες, ερασιτεχνικά βίντεο κ.λπ. Οι πίνακες του Doig είναι πολύχρωμοι, περίπλοκοι, διακοσμητικοί και όχι προκλητικοί. Είναι ωραίο να έχεις έναν τέτοιο πίνακα. Η χαμηλή παραγωγικότητα του συγγραφέα τροφοδοτεί επίσης το ενδιαφέρον των συλλεκτών: ο καλλιτέχνης που ζει στο Τρινιντάντ δεν δημιουργεί περισσότερους από δώδεκα πίνακες το χρόνο.

Στις αρχές της δεκαετίας του 2000, μεμονωμένα τοπία του καλλιτέχνη πωλήθηκαν για αρκετές εκατοντάδες χιλιάδες δολάρια. Παράλληλα, το έργο του Doig συμπεριλήφθηκε στην γκαλερί Saatchi, στην Biennale στο Whitney Museum και στη συλλογή MoMA. Το 2006, ο πήχης της δημοπρασίας του 1 εκατομμυρίου δολαρίων ξεπεράστηκε. Και τον επόμενο χρόνο, έγινε μια απροσδόκητη σημαντική ανακάλυψη: το έργο "White Canoe", που προσφέρθηκε στον Sotheby's στις 7 Φεβρουαρίου 2007 με εκτίμηση 0,8–1,2 εκατομμυρίων δολαρίων, ξεπέρασε την προκαταρκτική εκτίμηση πέντε φορές και πουλήθηκε για 5,7 εκατομμύρια £ (11,3 εκατομμύρια δολάρια). Τότε ήταν τιμή ρεκόρ για το έργο ενός ζωντανού Ευρωπαίου καλλιτέχνη.

Το 2008, ο Doig πραγματοποίησε ατομικές εκθέσεις στην Tate Gallery και στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Παρίσι. Οι τιμές πολλών εκατομμυρίων δολαρίων για το έργο του Doig έχουν γίνει ο κανόνας. Το προσωπικό αρχείο του Peter Doig έχει πρόσφατα ενημερωθεί αρκετές φορές το χρόνο - έχουμε μόνο χρόνο να αλλάξουμε την εικόνα και τη θέση αυτού του καλλιτέχνη στην κατάταξη των ζωντανών συγγραφέων μας.

Το πιο ακριβό έργο του Peter Doig μέχρι σήμερα είναι το χιονοτοπίο Rosedale του 1991. Είναι ενδιαφέρον ότι το ρεκόρ δεν σημειώθηκε στον οίκο Sotheby's ή Christie's, αλλά στη δημοπρασία σύγχρονης τέχνης Phillips. Αυτό συνέβη στις 18 Μαΐου 2017. Μια θέα στο χιονισμένο Rosedale, μια από τις γειτονιές του Τορόντο, πουλήθηκε σε έναν αγοραστή τηλεφώνου για 28,81 εκατομμύρια δολάρια, περίπου 3 εκατομμύρια δολάρια από το προηγούμενο ρεκόρ (25,9 εκατομμύρια δολάρια για το «Swallowed in the Mire»). Ο πίνακας "Rosedale" συμμετείχε στη βασική έκθεση του Doig στην γκαλερί Whitechapel στο Λονδίνο το 1998, και γενικά αυτό το έργο ήταν φρέσκο ​​για την αγορά, και ως εκ τούτου η τιμή ρεκόρ αξίζει.

9. FRANK STELLA Ακρωτήρι πεύκα. 1959. 28 εκατομμύρια δολάρια

Ο Frank Stella είναι ένας λαμπρός εκπρόσωπος της μετα-ζωγραφικής αφαίρεσης και του μινιμαλισμού στην τέχνη. Σε ένα ορισμένο στάδιο, αναφέρεται ως στυλ ζωγραφικής με σκληρές άκρες. Αρχικά, η Στέλλα αντιπαραβάλλει την αυστηρή γεωμετρία, την ασκητική μονοχρωμία και τη δομικότητα των έργων του με τον αυθορμητισμό και την τυχαιότητα των καμβάδων αφηρημένων εξπρεσιονιστών όπως ο Τζάκσον Πόλοκ.

Στα τέλη της δεκαετίας του 1950, ο καλλιτέχνης εντοπίστηκε από τον διάσημο γκαλερίστα Leo Castelli και βραβεύτηκε για πρώτη φορά σε έκθεση. Πάνω του παρουσίασε τους λεγόμενους «Μαύρους Πίνακες» - καμβάδες ζωγραφισμένους με παράλληλες μαύρες γραμμές με λεπτά κενά άβαφου καμβά ανάμεσά τους. Οι γραμμές σχηματίζονται σε γεωμετρικά σχήματα, που θυμίζουν κάπως οπτικές ψευδαισθήσεις, οι ίδιες οι εικόνες που τρεμοπαίζουν, κινούνται, στρίβουν, δημιουργούν μια αίσθηση βαθύ διαστήματος αν τις κοιτάξεις για πολλή ώρα. Ο Στέλλα συνέχισε το θέμα των παράλληλων γραμμών με λεπτές διαχωριστικές λωρίδες στα έργα του για αλουμίνιο και χαλκό. Άλλαξαν τα χρώματα, η ζωγραφική βάση ακόμα και το σχήμα των πινάκων (μεταξύ άλλων ξεχωρίζουν έργα στο σχήμα των γραμμάτων U, T, L). Αλλά η κύρια αρχή της ζωγραφικής του συνίστατο ακόμα στη σαφήνεια του περιγράμματος, τη μνημειακότητα, την απλή μορφή, τη μονόχρωμη. Τις επόμενες δεκαετίες, η Στέλλα απομακρύνθηκε από μια τέτοια γεωμετρική ζωγραφική προς ομαλές, φυσικές φόρμες και γραμμές, και από τους μονόχρωμους πίνακες σε φωτεινές και ποικίλες χρωματικές μεταβάσεις. Στη δεκαετία του 1970, η Στέλλα γοητεύτηκε από τα τεράστια σχέδια που χρησιμοποιούσαν για τη ζωγραφική των πλοίων. Ο καλλιτέχνης τα χρησιμοποίησε για τεράστιους πίνακες με στοιχεία συναρμολόγησης - συμπεριέλαβε στα έργα του κομμάτια από χαλύβδινους σωλήνες ή συρμάτινο πλέγμα.

Στις πρώτες συνεντεύξεις του, ο Frank Stella μιλάει ειλικρινά για τα νοήματα που δίνονται στο έργο του ή μάλλον για την απουσία τους: «Ό,τι βλέπεις είναι αυτό που βλέπεις». Ο πίνακας είναι ένα αντικείμενο από μόνο του, όχι μια αναπαραγωγή τίποτε. «Είναι μια επίπεδη επιφάνεια με μπογιά και τίποτα άλλο», είπε η Στέλλα.

Λοιπόν, με την υπογραφή του Frank Stella, αυτή η «επιφάνεια με μπογιά» θα μπορούσε να αξίζει εκατομμύρια δολάρια σήμερα. Για πρώτη φορά στην κατάταξη των ζωντανών καλλιτεχνών, ο Frank Stella πήρε το 2015 με την πώληση του Delaware Crossing (1961) για 13,69 εκατομμύρια δολάρια, συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας.

Τέσσερα χρόνια αργότερα, στις 15 Μαΐου 2019, σημειώθηκε νέο ρεκόρ από το πρώιμο (1959) έργο «Cape of Pines»: η τιμή του σφυριού ήταν πάνω από 28 εκατομμύρια δολάρια, συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας. Αυτός είναι ένας από τους 29 «μαύρους πίνακες» - αυτούς με τους οποίους έκανε το ντεμπούτο του η Στέλλα στην πρώτη του έκθεση στη Νέα Υόρκη. Ο απόφοιτος του Πανεπιστημίου του Πρίνστον, Φρανκ Στέλλα, ήταν τότε 23 ετών. Συχνά δεν είχε αρκετά χρήματα για λαδομπογιές για καλλιτέχνες. Ο νεαρός καλλιτέχνης έκανε το φεγγαρόφωτο ως επισκευή, του άρεσαν πολύ τα καθαρά χρώματα της μπογιάς και τότε προέκυψε η ιδέα να δουλέψει με αυτό το χρώμα σε καμβά. Με μαύρο σμάλτο, η Στέλλα ζωγραφίζει παράλληλες ρίγες, αφήνοντας ανάμεσά τους λεπτές γραμμές χωρίς ασταρωμένο καμβά. Επιπλέον, γράφει χωρίς χάρακες, με το μάτι, χωρίς προκαταρκτικό σκίτσο. Η Στέλλα δεν ήξερε ποτέ ακριβώς πόσες μαύρες γραμμές θα εμφανίζονταν σε έναν συγκεκριμένο πίνακα. Για παράδειγμα, στον πίνακα "Cape of Pines", υπάρχουν 35. Ο τίτλος του έργου αναφέρεται στο όνομα του ακρωτηρίου στον κόλπο της Μασαχουσέτης - Point of pines. Στις αρχές του 20ου αιώνα διέθετε μεγάλο λούνα παρκ και σήμερα είναι μια από τις συνοικίες της πόλης Revere.

10. YOSHITOMO NARA Μαχαίρι πίσω από την πλάτη. 2000. 24,95 εκατομμύρια δολάρια

Ο Yoshitomo Nara (1959) είναι μια από τις βασικές προσωπικότητες της ιαπωνικής νεο-ποπ τέχνης. Ιάπωνες - γιατί, παρά την παγκόσμια φήμη και τα πολλά χρόνια εργασίας στο εξωτερικό, το έργο του εξακολουθεί να διακρίνεται από μια έντονη εθνική ταυτότητα. Οι αγαπημένοι χαρακτήρες της Nara είναι κορίτσια και σκυλιά στο στυλ των ιαπωνικών manga και anime κόμικς. Οι εικόνες που εφηύρε για πολλά χρόνια έχουν «πάνε στους ανθρώπους»: είναι τυπωμένες σε μπλουζάκια, αναμνηστικά και διάφορα «εμπόρευμα» φτιάχνονται με αυτές. Γεννημένος σε μια φτωχή οικογένεια, μακριά από την πρωτεύουσα, όχι μόνο τον αγαπούν για το ταλέντο του, αλλά τον εκτιμούν και ως άνθρωπο που έχει φτιάξει τον εαυτό του. Ο καλλιτέχνης δουλεύει γρήγορα και εκφραστικά. Είναι γνωστό ότι μερικά από τα αριστουργήματά του ολοκληρώθηκαν κυριολεκτικά μέσα σε μια νύχτα. Οι πίνακες και τα γλυπτά του Yoshitomo Nara, κατά κανόνα, είναι πολύ συνοπτικοί και μάλιστα φειδωλοί σε εκφραστικά μέσα, αλλά φέρουν πάντα μια ισχυρή συναισθηματική φόρτιση. Τα έφηβα κορίτσια στο Nara συχνά βλέπουν τον θεατή με ένα άγριο στραβισμό. Στα μάτια τους - αναίδεια, πρόκληση και επιθετικότητα. Στα χέρια - μετά ένα μαχαίρι, μετά ένα τσιγάρο. Υπάρχει η άποψη ότι οι απεικονιζόμενες διαστροφές συμπεριφοράς είναι μια αντίδραση στην καταπιεστική δημόσια ηθική, στα διάφορα ταμπού και στις αρχές της εκπαίδευσης που υιοθέτησαν οι Ιάπωνες. Σχεδόν μεσαιωνική σοβαρότητα και ντροπή οδηγούν τα προβλήματα στο εσωτερικό, δημιουργούν το έδαφος για μια καθυστερημένη συναισθηματική έκρηξη. Το "μαχαίρι πίσω από την πλάτη" αντικατοπτρίζει απλά μια από τις κύριες ιδέες του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο υπάρχει ένα βλέμμα μίσους για ένα κορίτσι, και ένα χέρι απειλητικά τυλιγμένο πίσω από την πλάτη της. Μέχρι το 2019, οι πίνακες και τα γλυπτά του Yoshitomo Nara έχουν ήδη ξεπεράσει το όριο του εκατομμυρίου ή ακόμα και πολλά εκατομμύρια περισσότερες από μία φορές. Αλλά είκοσι εκατομμύρια - για πρώτη φορά. Η Nara είναι ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες με ιαπωνική καταγωγή. Και τώρα το πιο ακριβό των ζωντανών. Στις 6 Οκτωβρίου 2109, στον οίκο Sotheby's στο Χονγκ Κονγκ, πήρε αυτόν τον τίτλο από τον Takashi Murakami και ξεπέρασε αισθητά τον 90χρονο avant-garde καλλιτέχνη Yayoi Kusama (οι μέγιστες τιμές δημοπρασίας για τους πίνακές της πλησιάζουν ήδη τα 9 εκατομμύρια δολάρια).

11. ZENG FANZHI Το τελευταίο δείπνο. 2001. 23,3 εκατομμύρια δολάρια

Στο Sotheby's του Χονγκ Κονγκ 5 Οκτωβρίου 2013καμβάς κλίμακας έτους "Το τελευταίο δείπνο"Καλλιτέχνης από το Πεκίνο Zeng Fanzhi (1964)πωλήθηκε για ποσό ρεκόρ 160 εκατομμυρίων δολαρίων Χονγκ Κονγκ - 23,3 εκατομμύρια δολάριαΗΠΑ. Το τελικό κόστος του έργου του Fanzhi, που γράφτηκε, φυσικά, υπό την επιρροή του Leonardo da Vinci, αποδείχθηκε ότι ήταν διπλάσιο από την προκαταρκτική εκτίμηση των περίπου 10 εκατομμυρίων δολαρίων. Το προηγούμενο ρεκόρ τιμής του Zeng Fanzhi ήταν $ 9,6 εκατπληρώθηκε στη δημοπρασία του Christie's στο Χονγκ Κονγκ τον Μάιο του 2008 για το έργο Σειρά μάσκας. 1996 Αρ. 6".

Το "The Last Supper" είναι ο μεγαλύτερος (2,2 × 4 μέτρα) πίνακας του Fanzhi στη σειρά "Masks", που καλύπτει την περίοδο από το 1994 έως το 2001. Ο κύκλος είναι αφιερωμένος στην εξέλιξη της κινεζικής κοινωνίας υπό την επίδραση των οικονομικών μεταρρυθμίσεων. Η εισαγωγή στοιχείων της οικονομίας της αγοράς από την κυβέρνηση της ΛΔΚ οδήγησε στην αστικοποίηση και τη διάσπαση των Κινέζων. Το Fanzhi απεικονίζει τους κατοίκους των σύγχρονων κινεζικών πόλεων, που πρέπει να παλέψουν για μια θέση στον ήλιο. Η γνωστή σύνθεση της τοιχογραφίας του Λεονάρντο στην ανάγνωση του Fanzhi αποκτά εντελώς διαφορετικό νόημα: η σκηνή μεταφέρεται από την Ιερουσαλήμ στην τάξη ενός κινεζικού σχολείου με τυπικούς ιερογλυφικούς πίνακες στους τοίχους. Ο «Χριστός» και οι «απόστολοι» έχουν μετατραπεί σε πρωτοπόρους με κόκκινες γραβάτες και μόνο ο «Ιούδας» φοράει χρυσή γραβάτα - αυτή είναι μια μεταφορά για τον δυτικό καπιταλισμό, που διεισδύει και καταστρέφει τον συνήθη τρόπο ζωής σε μια σοσιαλιστική χώρα.

Τα έργα του Zeng Fanzhi είναι στυλιστικά κοντά στον ευρωπαϊκό εξπρεσιονισμό και είναι εξίσου δραματικά. Αλλά ταυτόχρονα είναι γεμάτα κινεζικά σύμβολα και ιδιαιτερότητες. Αυτή η ευελιξία προσελκύει τόσο Κινέζους όσο και Δυτικούς συλλέκτες στο έργο του καλλιτέχνη. Άμεση επιβεβαίωση αυτού είναι η προέλευση του Μυστικού Δείπνου: το έργο βγήκε σε δημοπρασία από τον διάσημο συλλέκτη της κινεζικής πρωτοπορίας της δεκαετίας του 1980 και των αρχών της δεκαετίας του 1990, τον Βέλγο βαρόνο Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Γέφυρα. 1980. 20,6 εκατομμύρια δολάρια

σε δημοπρασία Christie's 13 Μαΐου 2015αφηρημένη εργασία "Γέφυρα" 85χρονος Αμερικανός καλλιτέχνης Ρόμπερτ Ράιμαν(Ρόμπερτ Ράιμαν) πουλήθηκε για 20,6 εκατομμύρια δολάριαλαμβάνοντας υπόψη την προμήθεια - διπλάσια ακριβότερη από τη χαμηλότερη εκτίμηση.

Ρόμπερτ Ράιμαν(1930) δεν κατάλαβε αμέσως ότι ήθελε να γίνει καλλιτέχνης. Σε ηλικία 23 ετών μετακόμισε στη Νέα Υόρκη από το Νάσβιλ του Τενεσί, θέλοντας να γίνει σαξοφωνίστας της τζαζ. Στο μεταξύ, δεν έγινε διάσημος μουσικός, έπρεπε να κερδίσει επιπλέον χρήματα ως φύλακας στο MoMA, όπου γνώρισε τον Saul LeWitt και τον Dan Flavin. Ο πρώτος εργάστηκε στο μουσείο ως νυχτερινή γραμματέας και ο δεύτερος ως φύλακας και χειριστής ανελκυστήρων. Εμπνευσμένος από τα έργα των αφηρημένων εξπρεσιονιστών που είδε στο MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock και Newman - ο Robert Ryman άρχισε να ζωγραφίζει το 1955.

Ο Ryman αναφέρεται συχνά ως μινιμαλιστής, αλλά προτιμά να τον αποκαλούν «ρεαλιστή» γιατί δεν τον ενδιαφέρει να δημιουργεί ψευδαισθήσεις, δείχνει μόνο τις ιδιότητες των υλικών που χρησιμοποιεί. Τα περισσότερα έργα του είναι ζωγραφισμένα με χρώματα όλων των πιθανών αποχρώσεων του λευκού (από γκριζωπό ή κιτρινωπό έως εκτυφλωτικό λευκό) με βάση ένα λακωνικό τετράγωνο σχήμα. Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, ο Robert Ryman δοκίμασε πολλά υλικά και τεχνικές: ζωγράφιζε με λάδια, ακρυλικά, καζεΐνη, σμάλτο, παστέλ, γκουάς κ.λπ. σε καμβά, ατσάλι, πλεξιγκλάς, αλουμίνιο, χαρτί, κυματοειδές χαρτόνι, βινύλιο, ταπετσαρία κ.λπ. Ο φίλος του, επαγγελματίας συντηρητής, ο Όριν Ράιλι, τον συμβούλεψε για την καυστικότητα των υλικών που σκέφτηκε να χρησιμοποιήσει. Όπως είπε κάποτε ένας καλλιτέχνης, «Δεν έχω ποτέ ερώτηση Τιγράψε, το κύριο πράγμα - Πωςγράφω". Είναι όλα σχετικά με την υφή, τη φύση των πινελιών, το όριο μεταξύ της πολύχρωμης επιφάνειας και των άκρων της βάσης, καθώς και τη σχέση μεταξύ του έργου και του τοίχου. Από το 1975, ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό της δουλειάς του είναι τα φωτιστικά, τα οποία σχεδιάζει ο ίδιος ο Ryman και τα αφήνει επίτηδες ορατά, δίνοντας έμφαση στο έργο του «τόσο αληθινά όσο αληθινά είναι και οι τοίχοι στους οποίους κρέμονται». Ο Ράιμαν προτιμά να δίνει στα έργα «ονόματα» παρά «τίτλους». Το "όνομα" είναι αυτό που βοηθά στη διάκριση ενός έργου από το άλλο, και ο Ryman συχνά ονομάζει τα έργα του από μάρκες χρωμάτων, εταιρείες κ.λπ., και ο "τίτλος" διεκδικεί κάποιου είδους νύξεις και βαθιά κρυμμένα νοήματα, η παρουσία των οποίων στο έργα που ο καλλιτέχνης αρνείται τακτικά. Δεν έχει σημασία τίποτα άλλο εκτός από το υλικό και την τεχνική.

13. Damien Hirst Νυσταγμένη άνοιξη. 2002. 19,2 εκατομμύρια δολάρια

Άγγλος καλλιτέχνης To Damien Hirst (1965)έμελλε να είναι ο πρώτος που θα πάρει την πρώτη θέση σε αυτή τη βαθμολογία σε μια διαμάχη με τον ζωντανό κλασικό Jasper Johns. Το ήδη αναφερθέν έργο «False Start» θα μπορούσε να παραμείνει αβύθιστος ηγέτης για μεγάλο χρονικό διάστημα αν 21 Ιουνίου 2007εγκατάσταση εκείνη την εποχή ο 42χρονος Χιρστ "Sleepy Spring"(2002) δεν πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για £ 9,76 εκατ., δηλαδή για 19,2 εκατ. δολάρια. Το έργο, παρεμπιπτόντως, έχει μια μάλλον ασυνήθιστη μορφή. Από τη μία, πρόκειται για μια βιτρίνα με ομοιώματα χαπιών (6.136 χάπια), στην πραγματικότητα, μια κλασική εγκατάσταση. Και από την άλλη, αυτή η βιτρίνα είναι επίπεδη (βάθους 10 cm), μπαίνει σε πλαίσιο και κρεμιέται στον τοίχο σαν πάνελ πλάσματος, παρέχοντας έτσι πλήρως την άνεση της κατοχής που είναι εγγενής στους πίνακες. Το 2002, η αδερφή της εγκατάστασης, Sleepy Winter, πουλήθηκε για 7,4 εκατομμύρια δολάρια, περισσότερο από τη μισή τιμή. Κάποιος «εξήγησε» τη διαφορά στην τιμή με το ότι τα tablet είναι πιο ξεθωριασμένα τον χειμώνα. Αλλά είναι σαφές ότι αυτή η εξήγηση είναι απολύτως αβάσιμη, επειδή ο μηχανισμός τιμολόγησης για τέτοια πράγματα δεν συνδέεται πλέον με το διακοσμητικό τους αποτέλεσμα.

Το 2007, πολλοί αναγνώρισαν τον Hirst ως τον συγγραφέα του πιο ακριβού έργου μεταξύ των εν ζωή καλλιτεχνών. Το ερώτημα όμως είναι από την κατηγορία του «ανάλογα με τον τρόπο μέτρησης». Γεγονός είναι ότι ο Hurst πουλήθηκε για ακριβές λίρες και ο Jones για δολάρια που τώρα έχουν πέσει σε τιμή, και μάλιστα πριν από είκοσι χρόνια. Αλλά ακόμα κι αν μετρήσουμε στην ονομαστική αξία, χωρίς να λάβουμε υπόψη τον πληθωρισμό 20 ετών, τότε η δουλειά του Χιρστ ήταν πιο ακριβή σε δολάρια και του Τζόουνς σε λίρες. Η κατάσταση ήταν οριακή και ο καθένας ήταν ελεύθερος να αποφασίσει ποιον θα θεωρούσε το πιο ακριβό. Αλλά ο Χερστ άντεξε στην πρώτη θέση όχι τόσο πολύ. Το ίδιο 2007 εκτοπίστηκε από την πρώτη θέση από τον Κουνς με το «Hanging Heart».

Ακριβώς την παραμονή της παγκόσμιας πτώσης των τιμών για τη σύγχρονη τέχνη, ο Hirst ανέλαβε ένα πρωτοφανές εγχείρημα για έναν νεαρό καλλιτέχνη - μια σόλο δημοπρασία των έργων του, η οποία πραγματοποιήθηκε στις 15 Σεπτεμβρίου 2008 στο Λονδίνο. Η είδηση ​​της χρεοκοπίας της Lehman Brothers που ανακοινώθηκε την προηγούμενη μέρα δεν χάλασε την όρεξη των λάτρεις της σύγχρονης τέχνης: από τα 223 έργα που προσφέρονται από τον Sotheby's, μόνο πέντε δεν βρήκαν νέους ιδιοκτήτες (ένας από τους αγοραστές, παρεμπιπτόντως, ήταν ο Viktor Pinchuk ). Δουλειά "Χρυσός Ταύρος"- ένα τεράστιο ομοίωμα ταύρου σε φορμαλδεΰδη, στεφανωμένο με χρυσό δίσκο, - έφερε 10,3 εκατομμύρια £ (18,6 εκατομμύρια δολάρια). Αυτό είναι το καλύτερο αποτέλεσμα του Hurst εάν μετρηθεί σε λίρες (στο νόμισμα στο οποίο έγινε η συμφωνία). Ωστόσο, κατατάσσουμε σε δολάρια, οπότε (να μας συγχωρέσει ο Χρυσός Μοσχάρι) θα θεωρήσουμε ότι η καλύτερη πώληση του Hirst είναι η Sleepy Spring.

Από το 2008, ο Hurst δεν είχε πωλήσεις των Sleepy Spring και Golden Calf. Φρέσκα ρεκόρ της δεκαετίας του 2010 - για το έργο των Richter, Jones, Fanzhi, Wool και Koons - έφεραν τον Damien στην έκτη γραμμή της βαθμολογίας μας. Ας μην κάνουμε όμως μια κατηγορηματική κρίση για την παρακμή της εποχής Χιρστ. Σύμφωνα με αναλυτές, ο Hurst ως «σούπερ σταρ» έχει ήδη μείνει στην ιστορία, πράγμα που σημαίνει ότι θα το αγοράζουν για πολύ καιρό. Ωστόσο, η μεγαλύτερη αξία στο μέλλον προβλέπεται για έργα που δημιουργήθηκαν στην πιο καινοτόμο περίοδο της καριέρας του, δηλαδή τη δεκαετία του 1990.

14. Maurizio Cattelan Αυτόν. 2001. 17,19 εκατομμύρια δολάρια

Ο Ιταλός Maurizio Cattelan (1960) ήρθε στην τέχνη αφού εργάστηκε ως φύλακας, μάγειρας, κηπουρός και σχεδιαστής επίπλων. Ο αυτοδίδακτος συγγραφέας έχει γίνει παγκοσμίως γνωστός για τα ειρωνικά γλυπτά και τις εγκαταστάσεις του. Έριξε έναν μετεωρίτη στον Πάπα, μετέτρεψε τη γυναίκα ενός πελάτη σε κυνηγετικό τρόπαιο, τρύπωσε στο πάτωμα ενός Μουσείου Old Masters, σήκωσε ένα τεράστιο μεσαίο δάχτυλο στο χρηματιστήριο του Μιλάνου, έφερε έναν ζωντανό γάιδαρο στην έκθεση Frieze . Στο εγγύς μέλλον, ο Cattelan υπόσχεται να εγκαταστήσει μια χρυσή τουαλέτα στο Μουσείο Guggenheim. Στο τέλος, οι γελοιότητες του Maurizio Cattelan αναγνωρίστηκαν ευρέως στον κόσμο της τέχνης: είναι προσκεκλημένος στη Μπιενάλε της Βενετίας (η εγκατάσταση "Άλλοι" το 2011 - ένα κοπάδι δύο χιλιάδων περιστεριών που κοιτάζουν απειλητικά από όλους τους σωλήνες και τα δοκάρια στα πλήθη των επισκεπτών περνώντας παρακάτω), κανόνισε να έχει μια αναδρομική έκθεση στο Μουσείο Guggenheim της Νέας Υόρκης (Νοέμβριος 2011) και, τέλος, πληρώνονται πολλά χρήματα για τα γλυπτά του.

Από το 2010, το πιο ακριβό έργο του Maurizio Cattelan είναι ένα κέρινο γλυπτό ενός άνδρα που κοιτάζει έξω από μια τρύπα στο πάτωμα, εξωτερικά παρόμοιο με τον ίδιο τον καλλιτέχνη ("Untitled", 2001). Αυτό το γλυπτό-εγκατάσταση, που υπάρχει σε ποσότητα τριών αντιτύπων συν το αντίγραφο του συγγραφέα, παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο Μουσείο Boijmans van Beuningen στο Ρότερνταμ. Τότε αυτός ο άτακτος χαρακτήρας κοίταξε έξω από μια τρύπα στο πάτωμα της αίθουσας με πίνακες Ολλανδών ζωγράφων του 18ου και 19ου αιώνα. Ο Maurizio Cattellan σε αυτό το έργο συσχετίζεται με έναν τολμηρό εγκληματία που εισβάλλει στον ιερό χώρο της αίθουσας του μουσείου με πίνακες μεγάλων δασκάλων. Έτσι, θέλει να στερήσει την τέχνη από το φωτοστέφανο της αγιότητας που της δίνουν οι τοίχοι των μουσείων. Το έργο, για χάρη της έκθεσης του οποίου κάθε φορά που πρέπει να κάνεις τρύπες στο πάτωμα, πουλήθηκε για 7,922 εκατομμύρια δολάρια στον οίκο Sotheby's.

Το ρεκόρ έμεινε μέχρι τις 8 Μαΐου 2016, όταν το ακόμα πιο προκλητικό έργο του Cattelan, Him, που απεικονίζει έναν γονατισμένο Χίτλερ, βγήκε στο σφυρί για 17,189 εκατομμύρια δολάρια.Το πράγμα είναι περίεργο. Το όνομα είναι περίεργο. Η επιλογή χαρακτήρων είναι επικίνδυνη. Όπως όλα τα άλλα με τον Cattelan. Τι σημαίνει Αυτός; «Του» ή «Η κολασμένη μεγαλειότητά του»; Είναι σαφές ότι σίγουρα δεν μιλάμε για ψαλμωδία της εικόνας του Φύρερ. Σε αυτό το έργο, ο Χίτλερ εμφανίζεται μάλλον σε μια ανήμπορη, αξιολύπητη μορφή. Και παράλογα - η ενσάρκωση του Σατανά γίνεται στο μέγεθος ενός παιδιού, ντυμένο με στολή μαθητή και γονατιστό με μια ταπεινή έκφραση στο πρόσωπό του. Για τον Cattelan, αυτή η εικόνα είναι μια πρόσκληση για προβληματισμό σχετικά με τη φύση του απόλυτου κακού και ένας τρόπος για να απαλλαγούμε από τους φόβους. Παρεμπιπτόντως, το γλυπτό «Αυτός» είναι πολύ γνωστό στο δυτικό κοινό. Τα αδέρφια της στη σειρά έχουν εκτεθεί περισσότερες από 10 φορές σε κορυφαία μουσεία σε όλο τον κόσμο, συμπεριλαμβανομένου του Κέντρου Πομπιντού και του Μουσείου Solomon Guggenheim.

15. MARC GROTJAN Χωρίς τίτλο (S III Released to France Face 43.14). 2011. 16,8 εκατομμύρια δολάρια

Στις 17 Μαΐου 2017, ένας από τους πιο δυνατούς πίνακες του Mark Grotjan που τέθηκε ποτέ σε δημοπρασία εμφανίστηκε στη βραδινή δημοπρασία του Christie's στη Νέα Υόρκη. Ο πίνακας "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" εκτέθηκε από τον Παριζιάνο συλλέκτη Patrick Seguin με εκτίμηση 13-16 εκατομμυρίων δολαρίων και δεδομένου ότι η πώληση της παρτίδας ήταν εγγυημένη από τρίτο μέρος, κανείς δεν εξεπλάγη ιδιαίτερα με την καθιέρωση νέου προσωπικού ρεκόρ δημοπρασίας από τον 49χρονο καλλιτέχνη . Η τιμή του σφυριού των 14,75 εκατομμυρίων δολαρίων (16,8 εκατομμύρια δολάρια με το Buyer's Premium) ξεπέρασε το προηγούμενο ρεκόρ δημοπρασίας του Grotjan κατά περισσότερα από 10 εκατομμύρια δολάρια, βάζοντάς τον στη λέσχη των ζωντανών καλλιτεχνών των οποίων το έργο πωλείται για οκτώ νούμερα. Επταψήφια ίδια αποτελέσματα (πωλήσεις πάνω από 1 εκατομμύριο δολάρια, αλλά όχι πάνω από 10 εκατομμύρια δολάρια) στον κουμπαρά της δημοπρασίας Mark Grotyan για περίπου τριάντα.

Ο Mark Grotjan (1968), στο έργο του οποίου οι ειδικοί βλέπουν την επιρροή του μοντερνισμού, του αφηρημένου μινιμαλισμού, της ποπ και της op art, ήρθε στην εταιρική του ταυτότητα στα μέσα της δεκαετίας του 1990, αφού μετακόμισε με τον φίλο του Brent Peterson στο Λος Άντζελες και άνοιξε μια γκαλερί εκεί. «Δωμάτιο 702». Όπως θυμάται ο ίδιος ο καλλιτέχνης, εκείνη την εποχή άρχισε να σκέφτεται τι ήταν πρώτο για αυτόν στην τέχνη. Έψαχνε το κίνητρο με το οποίο θα μπορούσε να πειραματιστεί. Και συνειδητοποίησα ότι τον ενδιέφερε πάντα η γραμμή και το χρώμα. Πειράματα στο πνεύμα του ραγιονισμού και του μινιμαλισμού με γραμμική προοπτική, πολυάριθμα σημεία φυγής και πολύχρωμα αφηρημένα τριγωνικά σχήματα έφεραν τελικά στον Grotjan παγκόσμια φήμη.

Από αφηρημένα, πολύχρωμα τοπία με πολλαπλούς ορίζοντες και σημεία φυγής, κατέληξε σε τριγωνικά σχήματα που θυμίζουν φτερά πεταλούδας. Πίνακες του Grotjan 2001–2007 Το λένε «Πεταλούδες». Σήμερα, η μετακίνηση του σημείου φυγής ή η χρήση πολλών σημείων φυγής ταυτόχρονα, σε απόσταση μεταξύ τους στο διάστημα, θεωρείται μια από τις πιο ισχυρές τεχνικές του καλλιτέχνη.

Η επόμενη μεγάλη σειρά έργων ονομαζόταν «Πρόσωπα». στις αφηρημένες γραμμές αυτής της σειράς μπορεί κανείς να μαντέψει τα χαρακτηριστικά ενός ανθρώπινου προσώπου, απλοποιημένα σε κατάσταση μάσκας στο πνεύμα του Matisse, Jawlensky ή Brancusi. Μιλώντας για την απόλυτη απλοποίηση και σχηματοποίηση των μορφών, για τη συνθετική λύση των έργων ζωγραφικής, όταν τα διάσπαρτα περιγράμματα των ματιών και του στόματος φαίνονται να μας κοιτούν από το αλσύλλιο, οι ερευνητές σημειώνουν τη σύνδεση των προσώπων του Grotjan με την τέχνη του πρωτόγονου φυλές της Αφρικής και της Ωκεανίας, ενώ στον ίδιο τον καλλιτέχνη απλώς «αρέσει τα μάτια της εικόνας που κοιτάζουν έξω από τη ζούγκλα. Μερικές φορές φανταζόμουν τα πρόσωπα των μπαμπουίνων ή των πιθήκων. Δεν μπορώ να πω ότι επηρεάστηκα συνειδητά ή υποσυνείδητα από την πρωτόγονη αφρικανική τέχνη, μάλλον επηρεάστηκα από καλλιτέχνες που επηρεάστηκαν από αυτήν. Ο Πικάσο είναι το πιο προφανές παράδειγμα».

Τα έργα της σειράς «Faces» ονομάζονται brutal και κομψά, ευχάριστα στο μάτι και ευχάριστα στο μυαλό. Με την πάροδο του χρόνου, η υφή αυτών των έργων αλλάζει επίσης: για να δημιουργήσει το αποτέλεσμα ενός εσωτερικού χώρου, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί μεγάλες πινελιές παχιάς μπογιάς, ακόμη και πιτσιλίσματα τύπου Pollock, αλλά η επιφάνεια του πίνακα είναι ισοπεδωμένη έτσι ώστε, μετά από προσεκτικότερη εξέταση, φαίνεται εντελώς επίπεδη. Ο πίνακας που σημειώνει δημοπρασία χωρίς τίτλο (S III Released to France Face 43.14) ανήκει σε αυτή τη διάσημη σειρά του Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Ο μοναχικός μου καουμπόη. $15,16 εκατομμύρια

Ιαπωνικά Takashi Murakami (1962)μπήκε στη βαθμολογία μας με τη γλυπτική "Ο μοναχικός μου καουμπόη", πωλήθηκε στον οίκο Sotheby's τον Μάιο του 2008 για $ 15,16 εκατ. Με αυτή την πώληση, ο Takashi Murakami θεωρούνταν για καιρό ο πιο επιτυχημένος εν ζωή Ασιάτης καλλιτέχνης - μέχρι που επισκιάστηκε από την πώληση του Μυστικού Δείπνου του Zeng Fanzhi.

Ο Takashi Murakami εργάζεται ως καλλιτέχνης, γλύπτης, σχεδιαστής μόδας και animator. Ο Μουρακάμι ήθελε να πάρει κάτι πραγματικά ιαπωνικό ως βάση της δουλειάς του, χωρίς γουέστερν ή άλλους δανεισμούς. Στα φοιτητικά του χρόνια, γοητεύτηκε από την παραδοσιακή ιαπωνική τέχνη του nihonga, αργότερα αντικαταστάθηκε από τη δημοφιλή τέχνη του anime και του manga. Έτσι γεννήθηκε ο ψυχεδελικός Mr DOB, σχέδια από χαμογελαστά λουλούδια και λαμπερά, λαμπερά γλυπτά από υαλοβάμβακα, σαν να είχαν μόλις βγει από τις σελίδες των ιαπωνικών κόμικς. Κάποιοι θεωρούν την τέχνη του Μουρακάμι fast food και ενσάρκωση της χυδαιότητας, άλλοι αποκαλούν τον καλλιτέχνη τον Ιάπωνα Andy Warhol - και στις τάξεις του τελευταίου, όπως βλέπουμε, υπάρχουν πολλοί πολύ πλούσιοι άνθρωποι.

Ο Μουρακάμι δανείστηκε το όνομα για το γλυπτό του από το The Lonely Cowboys (1968) του Andy Warhol, το οποίο οι Ιάπωνες, όπως παραδέχτηκε ο ίδιος, δεν είχαν δει ποτέ, αλλά του άρεσε πολύ ο συνδυασμός των λέξεων. Ο Μουρακάμι με ένα γλυπτό ευχαρίστησε τους θαυμαστές των ερωτικών ιαπωνικών κόμικς και τους γέλασε. Αυξημένο σε μέγεθος, και επιπλέον, επίσης τρισδιάστατο, ο ήρωας των anime μετατρέπεται σε φετίχ μαζικής κουλτούρας. Αυτή η καλλιτεχνική δήλωση είναι αρκετά στο πνεύμα της κλασικής δυτικής ποπ αρτ (θυμηθείτε το σετ επίπλων του Allen Jones ή του Pink Panther του Koons), αλλά με μια εθνική ανατροπή.

17. KAWS. Άλμπουμ KAWS. 2005. 14.784.505 $

Το KAWS είναι το ψευδώνυμο του Αμερικανού καλλιτέχνη Brian Donelly από το New Jersey. Είναι ο νεότερος συμμετέχων στη βαθμολογία μας, γεννημένος το 1974. Η Donelly ξεκίνησε ως animator στη Disney (σχεδιάζοντας φόντο για το καρτούν "101 Dalmatians" και άλλα). Από μικρός με ενδιέφερε το γκράφιτι. Στην αρχή, το χαρακτηριστικό του σχέδιο ήταν ένα κρανίο με "Χ" στη θέση των κόγχων των ματιών. Το έργο του νεαρού συγγραφέα έχει αγαπηθεί από ανθρώπους του θεάματος και ανθρώπους από τη βιομηχανία της μόδας: έκανε το εξώφυλλο για το άλμπουμ του Kanye West, κυκλοφόρησε συνεργασίες για τις Nike, Comme des Garçons και Uniqlo. Με την πάροδο του χρόνου, η KAWS έχει γίνει μια πολύ γνωστή φιγούρα στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης. Το επώνυμο ειδώλιο του Μίκυ Μάους έχει βρει το δρόμο του σε μουσεία, δημόσιους χώρους και ιδιωτικές συλλογές. Μόλις η KAWS κυκλοφόρησε ένα περιορισμένης έκδοσης παιχνίδι βινυλίου με την επωνυμία My Plastic Heart, και ξαφνικά έγιναν αντικείμενο υψηλού συλλεκτικού ενδιαφέροντος. Ένας από τους παθιασμένους συλλέκτες αυτών των «παιχνιδιών» είναι ο ιδρυτής του Black Star, ράπερ Timati: συγκέντρωσε σχεδόν πλήρως ολόκληρη τη σειρά των «Cavs Companions».

Το έργο του KAWS σημείωσε ρεκόρ για το έργο ενός καλλιτέχνη - 14,7 εκατομμύρια δολάρια - στη δημοπρασία του Sotheby's στο Χονγκ Κονγκ την 1η Απριλίου 2019. Ήταν στη συλλογή του Ιάπωνα σχεδιαστή μόδας Nigo. Ο μετρικός καμβάς The KAWS Album είναι ένας φόρος τιμής στο εξώφυλλο του διάσημου άλμπουμ των Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" το 1967. Μόνο που αντί για ανθρώπους, έχει Kimpsons - στυλιζαρισμένους χαρακτήρες από τη σειρά κινουμένων σχεδίων Simpsons με "Χ" αντί για μάτια.

18. ΤΖΙΝ ΣΑΝ Νύφη Τατζίκ. 1983. 13,89 εκατομμύρια δολάρια

Μεταξύ των σχετικά νέων και σύγχρονων Κινέζων καλλιτεχνών, που όλοι ανήκουν στο λεγόμενο «νέο κύμα» του τέλους της δεκαετίας του 1980 στην κινεζική τέχνη, η βαθμολογία μας περιελάμβανε εντελώς απροσδόκητα έναν εκπρόσωπο μιας εντελώς διαφορετικής γενιάς και μιας διαφορετικής σχολής. Ο Jin Shan (Jin Shangyi), ο οποίος είναι πλέον άνω των 80 ετών, ανήκει στους λαμπρούς εκπροσώπους της πρώτης γενιάς καλλιτεχνών στην κομμουνιστική Κίνα. Οι απόψεις αυτής της ομάδας καλλιτεχνών διαμορφώθηκαν σε μεγάλο βαθμό υπό την επιρροή του πλησιέστερου κομμουνιστικού συμμάχου - της ΕΣΣΔ.

Η επίσημη σοβιετική τέχνη, ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός, η ελαιογραφία, που ήταν ακόμα ασυνήθιστη για την Κίνα (σε αντίθεση με την παραδοσιακή κινεζική ζωγραφική με μελάνι) τη δεκαετία του 1950, ήταν στο αποκορύφωμα της δημοτικότητας και ο Σοβιετικός καλλιτέχνης Konstantin ήρθε στο Πανεπιστήμιο Τέχνης του Πεκίνου για τρία χρόνια ( από το 1954 έως το 1957) για να διδάξει τον Methodievich Maksimov. Ο Jin Shani, ο οποίος εκείνη την εποχή ήταν ο νεότερος στην ομάδα, μπήκε στην τάξη του. Ο καλλιτέχνης θυμόταν πάντα τον δάσκαλό του με μεγάλη ζεστασιά, λέγοντας ότι ήταν ο Μαξίμοφ που του έμαθε να κατανοεί και να απεικονίζει σωστά το μοντέλο. Ο K. M. Maksimov ανέδειξε έναν ολόκληρο γαλαξία Κινέζων ρεαλιστών, τώρα κλασικών.

Στο έργο του Jin Shan μπορεί κανείς να νιώσει την επιρροή τόσο του σοβιετικού «σκληρού στυλ» όσο και της ευρωπαϊκής σχολής ζωγραφικής. Ο καλλιτέχνης αφιέρωσε πολύ χρόνο στη μελέτη της κληρονομιάς της Αναγέννησης και του κλασικισμού, ενώ θεώρησε απαραίτητο να διατηρήσει το κινέζικο πνεύμα στα έργα του. Ο πίνακας «Τατζίκικη Νύφη», ζωγραφισμένος το 1983, θεωρείται ένα παγκοσμίως αναγνωρισμένο αριστούργημα, ένα νέο ορόσημο στο έργο του Τζιν Σαν. Ήταν αυτή που παρουσιάστηκε στη δημοπρασία China Guardian τον Νοέμβριο του 2013 και πούλησε αρκετές φορές πιο ακριβά από την εκτίμηση - για 13,89 εκατομμύρια δολάρια, συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας.

19. BANKSY Η σάπια Βουλή. 2008. 12,14 εκατομμύρια δολάρια

Οι τοιχογραφίες που έφεραν την ετικέτα Banksy άρχισαν να εμφανίζονται στους τοίχους των πόλεων (πρώτα στο Ηνωμένο Βασίλειο και στη συνέχεια σε όλο τον κόσμο) στα τέλη της δεκαετίας του 1990. Τα φιλοσοφικά και ταυτόχρονα αιχμηρά γκράφιτι του ήταν αφιερωμένα στα προβλήματα της επίθεσης του κράτους στις ελευθερίες των πολιτών, στα εγκλήματα κατά του περιβάλλοντος, στην ανεύθυνη κατανάλωση και στην απανθρωπιά του συστήματος παράνομης μετανάστευσης. Με τον καιρό, οι «κατηγορίες» του τείχους του Banksy απέκτησαν πρωτοφανή δημοτικότητα στα μέσα ενημέρωσης. Στην πραγματικότητα, έγινε ένας από τους κύριους εκφραστές της κοινής γνώμης που καταδίκαζε την υποκρισία των κρατών και των εταιρειών, παράγοντας αυξανόμενη αδικία στο καπιταλιστικό σύστημα.

Η σημασία του Banksy, η αίσθηση του «νεύρου του χρόνου» και η ακρίβεια των μεταφορών του εκτιμήθηκαν όχι μόνο από το κοινό, αλλά και από τους συλλέκτες. Τη δεκαετία του 2010 δόθηκαν εκατοντάδες χιλιάδες ή και περισσότερα από ένα εκατομμύριο δολάρια για τα έργα του. Έφτασε στο σημείο το γκράφιτι του Banksy να γκρεμιστεί και να κλαπεί μαζί με κομμάτια από τοίχους.

Σε μια εποχή προηγμένης ψηφιακής επιτήρησης, ο Banksy καταφέρνει ακόμα να παραμείνει ανώνυμος. Υπάρχει μια εκδοχή ότι αυτό δεν είναι πλέον ένα άτομο, αλλά μια ομάδα πολλών καλλιτεχνών, με επικεφαλής μια ταλαντούχα γυναίκα. Αυτό θα εξηγούσε πολλά. Και η εξωτερική ανομοιότητα των συγγραφέων που πιάνονται στους φακούς των καμερών των μαρτύρων και η απρόσωπη μέθοδος εφαρμογής στένσιλ (δίνει υψηλή ταχύτητα και δεν απαιτεί την άμεση συμμετοχή του συγγραφέα) και ο συγκινητικός ρομαντισμός των θεμάτων των έργων ζωγραφικής (μπάλες, νιφάδες χιονιού κ.λπ.). Όπως και να έχει, οι άνθρωποι του έργου Banksy, συμπεριλαμβανομένων των βοηθών του, ξέρουν πώς να κρατούν το στόμα τους κλειστό.

Το 2019, το πιο ακριβό έργο του Banksy έγινε απροσδόκητα ένας καμβάς τεσσάρων μέτρων Το Devolved Κοινοβούλιο («υποβαθμισμένο», «σε φθορά» ή «εξουσιοδοτημένο» Κοινοβούλιο). Οι χιμπατζήδες που μαλώνουν στη Βουλή των Κοινοτήτων φαίνεται να κοροϊδεύουν το κοινό τη χρονιά του σκανδαλώδους Brexit. Προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι ο πίνακας ζωγραφίστηκε 10 χρόνια πριν από αυτή την ιστορική καμπή, και ως εκ τούτου κάποιος τον θεωρεί προφητικό. Σε μια δημοπρασία του Sotheby's στις 3 Οκτωβρίου 2019, ένας άγνωστος αγοραστής αγόρασε το λάδι για 12.143.000 δολάρια σε μια σκληρή προσφορά - έξι φορές την τιμή της προκαταρκτικής εκτίμησης.

20. JOHN CURREN «Γλυκό και απλό». 1999. 12,007 εκατομμύρια δολάρια

Αμερικανός καλλιτέχνης John Curran (1962)γνωστός για τους σατιρικούς παραστατικούς πίνακές του με προκλητικά σεξουαλικά και κοινωνικά θέματα. Το έργο του Curren καταφέρνει να συνδυάζει τις τεχνικές ζωγραφικής των παλιών δασκάλων (ιδιαίτερα του Lucas Cranach the Elder και των μανιεριστών) και τη φωτογραφία μόδας από γυαλιστερά περιοδικά. Επιτυγχάνοντας πιο γκροτέσκο, η Karren συχνά παραμορφώνει τις αναλογίες του ανθρώπινου σώματος, μεγεθύνει ή μειώνει τα επιμέρους μέρη του, απεικονίζει ήρωες σε σπασμένες, καλοσυνάτες πόζες.

Το Curren ξεκίνησε το 1989 με πορτρέτα κοριτσιών που ξανασχεδιάστηκαν από ένα σχολικό άλμπουμ. Συνέχισε στις αρχές της δεκαετίας του 1990 με φωτογραφίες με στήθος καλλονών εμπνευσμένες από φωτογραφίες από το Cosmopolitan και το Playboy. Το 1992, εμφανίστηκαν πορτρέτα πλούσιων ηλικιωμένων κυριών. και το 1994, ο Curren παντρεύτηκε τη γλύπτρια Rachel Feinstein, η οποία έγινε η κύρια μούσα και μοντέλο του για πολλά χρόνια. Στα τέλη της δεκαετίας του 1990, η τεχνική ικανότητα του Currin, σε συνδυασμό με το κιτς και το γκροτέσκο των πινάκων του, του έφεραν δημοτικότητα. Το 2003, ο Larry Gagosian ανέλαβε την προώθηση του καλλιτέχνη και αν ένας τέτοιος έμπορος όπως ο Gagosian αναλάβει τον συγγραφέα, τότε η επιτυχία είναι εγγυημένη. Το 2004, μια αναδρομική έκθεση του John Curran πραγματοποιήθηκε στο Whitney Museum.

Περίπου αυτή την εποχή, το έργο του άρχισε να πωλείται για εξαψήφια. Το τρέχον ρεκόρ για έναν πίνακα του John Curran ανήκει στο Sweet and Simple, που πωλήθηκε στις 15 Νοεμβρίου 2016 στον οίκο Christie's για 12 εκατομμύρια δολάρια. Τώρα πάνω από 50, αυτό είναι σίγουρα μια σημαντική εξέλιξη στην καριέρα του. Το προηγούμενο ρεκόρ του το 2008 ήταν 5,5 εκατομμύρια δολάρια (που πληρώθηκε, παρεμπιπτόντως, για το ίδιο έργο "Cute and Simple").

21. BRICE MARDEN Οι Παρακολούθησαν. 1996–1999 $10,917 εκατομμύρια

Ένας άλλος ζωντανός Αμερικανός αφηρημένος καλλιτέχνης στην κατάταξή μας είναι ο Bryce Marden (1938). Τα έργα του Marden στο στυλ του μινιμαλισμού και από τα τέλη της δεκαετίας του 1980 - χειρονομιακή ζωγραφική, διακρίνονται από μια μοναδική, ελαφρώς σιωπηλή παλέτα του συγγραφέα. Οι χρωματικοί συνδυασμοί στα έργα του Marden είναι εμπνευσμένοι από τα ταξίδια του σε όλο τον κόσμο - Ελλάδα, Ινδία, Ταϊλάνδη, Σρι Λάνκα. Μεταξύ των συγγραφέων που επηρέασαν τον σχηματισμό του Marden είναι ο Τζάκσον Πόλοκ (στις αρχές της δεκαετίας του 1960 ο Μάρντεν εργαζόταν ως φύλακας στο Εβραϊκό Μουσείο, όπου παρακολούθησε προσωπικά τα «σταλάγματα» του Πόλοκ), ο Αλμπέρτο ​​Τζιακομέτι (γνώρισε το έργο του στο Παρίσι) και Robert Rauschenberg (κάποια στιγμή που ο Marden δούλευε ως βοηθός του). Το πρώτο στάδιο της δουλειάς του Marden είναι αφιερωμένο σε κλασικούς μινιμαλιστικούς καμβάδες, που αποτελούνται από χρωματιστά ορθογώνια μπλοκ (οριζόντια ή κάθετα). Σε αντίθεση με πολλούς άλλους μινιμαλιστές, που αναζητούσαν την ιδανική ποιότητα των έργων, σαν να ήταν τυπωμένα από μηχανή, και όχι ζωγραφισμένα από άτομο, ο Marden διατήρησε ίχνη του έργου του καλλιτέχνη, συνδυάζοντας διαφορετικά υλικά (κερί και λαδομπογιές). Από τα μέσα της δεκαετίας του 1980, υπό την επίδραση της ανατολίτικης καλλιγραφίας, η γεωμετρική αφαίρεση έχει αντικατασταθεί από γραμμές που μοιάζουν με μαιάνδρους, το φόντο των οποίων ήταν τα ίδια μονόχρωμα χρωματικά πεδία. Ένα από αυτά τα έργα "μαιάνδρου" - "The Attended" - πουλήθηκε στη δημοπρασία του Sotheby's τον Νοέμβριο του 2013 για 10,917 εκατομμύρια δολάρια, συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 Δεκεμβρίου 1959. $10,6 εκατομμύρια

23. ZHANG XIAOGANG Αιώνια αγάπη. 10,2 εκατομμύρια δολάρια

Ένας άλλος εκπρόσωπος της κινεζικής σύγχρονης τέχνης είναι ένας συμβολιστής και σουρεαλιστής Zhang Xiaogang (1958). Στο Sotheby's του Χονγκ Κονγκ 3 Απριλίου 2011, όπου πουλήθηκε η κινεζική πρωτοπορία από τη συλλογή του Βέλγου βαρόνου Guy Ullens, ένα τρίπτυχο του Zhang Xiaogang "Αιώνια αγάπη"πωλήθηκε για $ 10,2 εκατ. Εκείνη την εποχή, ήταν ρεκόρ όχι μόνο για τον καλλιτέχνη, αλλά για ολόκληρη την κινεζική σύγχρονη τέχνη. Λέγεται ότι το έργο του Xiaogang αγόρασε η σύζυγος του δισεκατομμυριούχου Wang Wei, η οποία πρόκειται να ανοίξει το δικό της μουσείο.

Ο Zhang Xiaogang, ο οποίος είναι λάτρης του μυστικισμού και της ανατολικής φιλοσοφίας, έγραψε την ιστορία του "Eternal Love" σε τρία μέρη - ζωή, θάνατος και αναγέννηση. Αυτό το τρίπτυχο παρουσιάστηκε στην εμβληματική έκθεση Κίνας/Αβανγκάρντ το 1989 στο Εθνικό Μουσείο Τέχνης. Επίσης το 1989, οι φοιτητικές διαδηλώσεις κατεστάλησαν βάναυσα στην πλατεία Τιενανμέν από τον στρατό. Μετά από αυτό το τραγικό γεγονός, οι βίδες άρχισαν να σφίγγουν - η έκθεση στο Εθνικό Μουσείο διαλύθηκε, πολλοί καλλιτέχνες μετανάστευσαν. Σε απάντηση στον σοσιαλιστικό ρεαλισμό που επιβλήθηκε από ψηλά, προέκυψε μια κατεύθυνση κυνικού ρεαλισμού, ένας από τους κύριους εκπροσώπους του οποίου ήταν ο Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Αβοήθητος Χένρι Μουρ. 1967. 9,9 εκατομμύρια δολάρια

Αμερικανός Bruce Nauman (1941), ο νικητής του κύριου βραβείου της 48ης Μπιενάλε της Βενετίας (1999), έχει περάσει από καιρό στο δίσκο του. Ο Nauman ξεκίνησε την καριέρα του τη δεκαετία του εξήντα. Οι γνώστες τον αποκαλούν, μαζί με τον Andy Warhol και τον Joseph Beuys, μια από τις πιο σημαίνουσες προσωπικότητες στην τέχνη του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα. Ωστόσο, η πλούσια πνευματικότητα και η απόλυτη μη διακοσμητικότητα ορισμένων έργων του εμπόδισαν προφανώς τη γρήγορη αναγνώριση και επιτυχία του στο ευρύ κοινό. Ο Nauman πειραματίζεται συχνά με τη γλώσσα, ανακαλύπτοντας απροσδόκητα νοήματα γνωστών φράσεων. Οι λέξεις γίνονται οι κεντρικοί χαρακτήρες πολλών από τα έργα του, συμπεριλαμβανομένων ψευδοπινακίδων και πάνελ νέον. Ο ίδιος ο Nauman αυτοαποκαλείται γλύπτης, αν και τα τελευταία σαράντα χρόνια έχει δοκιμάσει τον εαυτό του σε εντελώς διαφορετικά είδη - γλυπτική, φωτογραφία, video art, παραστάσεις, γραφικά. Στις αρχές της δεκαετίας του 1990, ο Larry Gagosian είπε τα προφητικά λόγια: «Η πραγματική αξία του έργου του Naumann δεν έχει ακόμη συνειδητοποιηθεί». Και έτσι έγινε: 17 Μαΐου 2001στο Christie's του Naumann το 1967 "Αβοήθητος Χένρι Μουρ (πίσω όψη)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) σημείωσε νέο ρεκόρ στο μεταπολεμικό κομμάτι της τέχνης. Ένα εκμαγείο από τα χέρια του Naumann δεμένα πίσω από την πλάτη του, από γύψο και κερί, βγήκε στο σφυρί για $ 9,9 εκατστη συλλογή του Γάλλου μεγιστάνα Francois Pinault (σύμφωνα με άλλες πηγές, της Αμερικανίδας Phyllis Wattis). Η εκτίμηση του έργου ήταν μόνο 2-3 εκατομμύρια δολάρια, οπότε το αποτέλεσμα ήταν μια πραγματική έκπληξη για όλους.

Πριν από αυτή τη θρυλική πώληση, μόνο δύο από τα έργα του Naumann είχαν ξεπεράσει το όριο των εκατομμυρίων δολαρίων. Και σε όλη τη μέχρι τώρα καριέρα του σε δημοπρασίες, μόνο έξι έργα, εκτός από το "Henry Moore...", έχουν πάει για επταψήφιο αριθμό, αλλά τα αποτελέσματά τους και πάλι δεν μπορούν να συγκριθούν με εννέα εκατομμύρια.

Το "Helpless Henry Moore" είναι ένα από τη σειρά πολεμικών έργων του Naumann σχετικά με τη φιγούρα του Henry Moore (1898–1986), ενός Βρετανού καλλιτέχνη που θεωρήθηκε από τους μεγαλύτερους γλύπτες του 20ου αιώνα στη δεκαετία του '60. Στη συνέχεια, νέοι συγγραφείς, που βρέθηκαν στη σκιά ενός αναγνωρισμένου δασκάλου, του επιτέθηκαν με σφοδρή κριτική. Το έργο του Naumann είναι μια απάντηση σε αυτή την κριτική και ταυτόχρονα ένας προβληματισμός για το θέμα της δημιουργικότητας. Ο τίτλος του έργου γίνεται λογοπαίγνιο, καθώς συνδέει δύο έννοιες της αγγλικής λέξης δεσμευμένο - δεσμευμένο (με την κυριολεκτική έννοια) και καταδικασμένο σε μια ορισμένη μοίρα.

Προσοχή! Όλα τα υλικά του ιστότοπου και η βάση δεδομένων των αποτελεσμάτων δημοπρασιών του ιστότοπου, συμπεριλαμβανομένων των εικονογραφημένων πληροφοριών αναφοράς για έργα που πωλούνται σε δημοπρασίες, προορίζονται για χρήση αποκλειστικά σύμφωνα με το άρθρο. 1274 του Αστικού Κώδικα της Ρωσικής Ομοσπονδίας. Δεν επιτρέπεται η χρήση για εμπορικούς σκοπούς ή κατά παράβαση των κανόνων που καθορίζονται από τον Αστικό Κώδικα της Ρωσικής Ομοσπονδίας. ο ιστότοπος δεν ευθύνεται για το περιεχόμενο των υλικών που υποβάλλονται από τρίτους. Σε περίπτωση παραβίασης των δικαιωμάτων τρίτων, η διαχείριση του ιστότοπου διατηρεί το δικαίωμα να τα αφαιρέσει από τον ιστότοπο και από τη βάση δεδομένων κατόπιν αιτήματος του εξουσιοδοτημένου φορέα.

Εφημερίδα τέχνης Ρωσίαπαρουσιάζει μια βαθμολογία: οι πιο ακριβοί εν ζωή καλλιτέχνες της Ρωσίας. Εάν εξακολουθείτε να είστε σίγουροι ότι δεν υπήρχαν Ρώσοι καλλιτέχνες στο δυτικό κλουβί και δεν υπάρχει, είμαστε έτοιμοι να το διαφωνήσουμε. Η γλώσσα των αριθμών.

Οι συνθήκες ήταν απλές: καθένας από τους ζωντανούς καλλιτέχνες μπορούσε να εκπροσωπηθεί μόνο από ένα, το πιο ακριβό έργο του. Κατά τη σύνταξη της βαθμολογίας λήφθηκαν υπόψη όχι μόνο τα αποτελέσματα των δημοπρασιών, αλλά και οι ιδιωτικές πωλήσεις με το υψηλότερο προφίλ. Οι συντάκτες της βαθμολογίας καθοδηγήθηκαν από την αρχή "αν κάτι πουλάει δυνατά, τότε κάποιος το χρειάζεται", και επομένως εκτίμησαν τη δουλειά των εμπόρων και των υπευθύνων τύπου των καλλιτεχνών που έφεραν ρεκόρ ιδιωτικών πωλήσεων στο κοινό. Σημαντική σημείωση: η αξιολόγηση βασίζεται αποκλειστικά σε οικονομικούς δείκτες. αν βασιζόταν στην εκθεσιακή δραστηριότητα των καλλιτεχνών, θα φαινόταν λίγο διαφορετικό. Οι πόροι χρησίμευσαν ως εξωτερικές πηγές για αναλυτικά στοιχεία Artnet.com, Artprice.com, Skatepress.comΚαι Artinvestment.ru.

Το δολάριο ΗΠΑ επιλέχθηκε ως το νόμισμα της παγκόσμιας αξιολόγησης και η βρετανική λίρα στερλίνα ελήφθη ως το ισοδύναμο των πωλήσεων των Ρώσων καλλιτεχνών (καθώς το 90% των εγχώριων πωλήσεων πραγματοποιήθηκε στο Λονδίνο σε αυτό το νόμισμα). Το υπόλοιπο 10% των έργων που πωλήθηκαν σε δολάρια ΗΠΑ και ευρώ υπολογίστηκαν εκ νέου με τη συναλλαγματική ισοτιμία τη στιγμή της συναλλαγής, με αποτέλεσμα ορισμένες θέσεις να αλλάξουν θέση. Εκτός από το πραγματικό κόστος του έργου, συλλέχθηκαν δεδομένα για τη συνολική κεφαλαιοποίηση των καλλιτεχνών (ο αριθμός των κορυφαίων έργων που πωλήθηκαν σε δημοπρασία για όλα τα χρόνια), για τη θέση ενός σύγχρονου καλλιτέχνη στην κατάταξη των καλλιτεχνών όλων των εποχών, τη θέση του πιο ακριβού έργου ενός συμμετέχοντα μεταξύ όλων των πωληθέντων έργων άλλων συγγραφέων, καθώς και σχετικά με την εθνικότητα και τη χώρα διαμονής. Σημαντικές πληροφορίες περιέχονται και στα στατιστικά των επαναλαμβανόμενων πωλήσεων κάθε καλλιτέχνη ως αντικειμενικός δείκτης επένδυσης
ελκυστικότητα.

Πέρυσι, το 2013, άλλαξε σημαντικά οι θέσεις των σύγχρονων καλλιτεχνών στη διεθνή κατάταξη πωλήσεων. Από τα κορυφαία 50 πιο ακριβά έργα τέχνης, 16 μοντέρνα πουλήθηκαν την περασμένη σεζόν - αριθμός ρεκόρ (για σύγκριση, 17 έργα πουλήθηκαν από το 2010 έως το 2012, μόνο μία πώληση πέφτει στον εικοστό αιώνα). Η ζήτηση για ζωντανούς καλλιτέχνες είναι εν μέρει ταυτόσημη με τη ζήτηση για όλη τη σύγχρονη τέχνη, εν μέρει με την κυνική αντίληψη ότι η κεφαλαιοποίηση των περιουσιακών στοιχείων μετά το θάνατό τους θα αυξάνεται συνεχώς.

Μεταξύ των Ρώσων συμμετεχόντων, οι πιο σεβαστοί ήταν οι αδελφοί ΣεργκέιΚαι Alexey Tkachevy(γεν. 1922 και 1925), ο νεότερος - Ανατόλι Οσμόλοφσκι(γεν. 1969). Το ερώτημα είναι ποιος θα είναι ο νέος Jean-Michel Basquiatενώ είναι ανοιχτό. Σαφείς κατηγορίες αγοραστών είναι ορατές στις πωλήσεις των καλλιτεχνών μας: οι ηγέτες αγοράζονται από ξένους συλλέκτες και Ρώσους ολιγάρχες, θέσεις από τη 10η έως την 30η παρέχονται από μετανάστες συλλέκτες και το κάτω μέρος των κορυφαίων 50 είναι το μέλλον μας, νέοι συλλέκτες με " νέα » χρήματα.

1. Ilya Kabakov
Φαίνεται ότι γενικά ο κύριος Ρώσος καλλιτέχνης (πράγμα που δεν εμποδίζει τον Kabakov, ο οποίος γεννήθηκε στο Dnepropetrovsk, να ζωγραφίσει Ουκρανός), ο ιδρυτής του εννοιολογισμού της Μόσχας (ένας από αυτούς), ο συγγραφέας του όρου και της πρακτικής του «συνολικού εγκατάσταση". Από το 1988 ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη. Δουλεύει σε συνεργασία με τη σύζυγό του, Emilia Kabakov, γι' αυτό και ο τίτλος πρέπει να μοιάζει με το "Ilya and Emilia Kabakov", αλλά αφού ο Ilya Iosifovich έγινε γνωστός νωρίτερα από τον Ilya και την Emilia, ας μείνει έτσι. Έργα βρίσκονται στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ, στο Ρωσικό Μουσείο, στο Ερμιτάζ, MoMA, Kolodzei Art Foundation(ΗΠΑ), κ.λπ.
Έτος γέννησης: 1933
Προϊόν: "Σκαθάρι". 1982
Ημερομηνία πώλησης: 28.02.2008
Τιμή (GBP) 1: 2.932.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 10.686.000
Κάθισμα: 1
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 117.429
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 12

2. Έρικ Μπουλάτοφ
Χρησιμοποιώντας τεχνικές που αργότερα θα ονομάζονταν Sots Art, συνδύασε την παραστατική ζωγραφική με το κείμενο στα έργα του. Στη σοβιετική εποχή, ένας επιτυχημένος εικονογράφος παιδικών βιβλίων. Από το 1989 ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη, από το 1992 στο Παρίσι. Ο πρώτος Ρώσος καλλιτέχνης με ατομική έκθεση στο Κέντρο Πομπιντού. Τα έργα φυλάσσονται στις συλλογές της Πινακοθήκης Τρετιακόφ, του Ρωσικού Μουσείου, του Κέντρου Πομπιντού, του Μουσείου Λούντβιχ στην Κολωνία κ.λπ., περιλαμβάνονται στις συλλογές του Ιδρύματος Dina Verny, Victor Bondarenko, Vyacheslav Kantor, Ekaterina και Vladimir Semenikhin, Igor Tsukanov.
Έτος γέννησης: 1933
Έργο τέχνης: «Δόξα στο ΚΚΣΕ». 1975
Ημερομηνία πώλησης: 28.02.2008
Τιμή (GBP) 1: 1.084.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 8.802.000
Θέση: 2
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 163.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 11

3. Vitaly Komar και Alexander Melamid
Οι δημιουργοί του Sots Art - μια σκληρή τάση στην ανεπίσημη τέχνη, παρωδώντας τα σύμβολα και τις τεχνικές της επίσημης εξουσίας. Ζουν στη Νέα Υόρκη από το 1978. Μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του 2000 δούλευαν σε ζευγάρια. Ως έργο τέχνης, οργάνωσαν την «πώληση ψυχών» διάσημων καλλιτεχνών μέσω δημοπρασίας (ψυχ Άντυ Γουόρχολέκτοτε ανήκει στον καλλιτέχνη της Μόσχας Αλένα Κίρτσοβα). Έργα βρίσκονται στις συλλογές του MoMA, του Μουσείου Guggenheim, του Metropolitan Museum of Art, του Λούβρου, στις συλλογές Shalva Breus, Daria ZhukovaΚαι Ρομάν Αμπράμοβιτςκαι τα λοιπά.
Έτος γέννησης: 1943, 1945
Έργο: «Συνάντηση Σολζενίτσιν και Μπολ στη ντάκα του Ροστροπόβιτς». 1972
Ημερομηνία πώλησης: 23.04.2010
Τιμή (GBP) 1: 657 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 3.014.000
Θέση: 7
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 75.350
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 3

πρώην αρχείο Comar&Melamid Artstudio

4. Semyon Faibisovich
Ένας φωτορεαλιστής καλλιτέχνης που παραμένει ο πιο ακριβής ρεαλιστής ακόμα και τώρα, όταν η ζωγραφική γοητεύει λιγότερο τον Semyon Natanovich από τη δημοσιογραφία. Εκτέθηκε στο Malaya Gruzinskaya, όπου το 1985 έγινε αντιληπτός από εμπόρους και συλλέκτες της Νέας Υόρκης. Από το 1987 εκθέτει τακτικά στις ΗΠΑ και τη Δυτική Ευρώπη. Ενεργός υποστηρικτής της κατάργησης του νόμου για την προπαγάνδα της ομοφυλοφιλίας στη Ρωσία. Ζει και εργάζεται στη Μόσχα. Έργα βρίσκονται στις συλλογές της Γκαλερί Τρετιακόφ, του Σώματος της Φωτογραφίας της Μόσχας, μουσεία στη Γερμανία, την Πολωνία, τις ΗΠΑ, περιλαμβάνονται στις συλλογές Ντάρια ΖούκοβαΚαι Ρομάν Αμπράμοβιτς, Ιγκόρ Μάρκιν, Ιγκόρ
Τσουκάνοβα.
Έτος γέννησης: 1949
Σύνθεση: "Στρατιώτες" (από τη σειρά "Σταθμοί"). 1989
Ημερομηνία πώλησης: 13/10/2007
Τιμή (GBP) 1: 311.200
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 3.093.000
Θέση: 6
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 106.655
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 7

5. Γκριγκόρι (Γκρίσα) Μπρούσκιν
Ο πρωταγωνιστής της πρώτης και τελευταίας σοβιετικής δημοπρασίας Sotheby'sτο 1988, όπου το έργο του The Fundamental Lexicon έγινε η κορυφαία παρτίδα (£220.000). Μετά από πρόσκληση της γερμανικής κυβέρνησης, δημιούργησε ένα μνημειώδες τρίπτυχο για το ανακατασκευασμένο Ράιχσταγκ στο Βερολίνο. Νικητής του Βραβείου Kandinsky στην υποψηφιότητα "Project of the Year" για την έκθεση Ώρα Ηστο Μουσείο Τέχνης Πολυμέσων. Ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη και τη Μόσχα. Έργα βρίσκονται στις συλλογές της Πινακοθήκης Τρετιακόφ, του Ρωσικού Μουσείου, του Μουσείου Πούσκιν. A. S. Pushkin, το Μουσείο Ludwig στην Κολωνία, το MoMA, το Μουσείο Εβραϊκού Πολιτισμού (Νέα Υόρκη) κ.λπ., περιλαμβάνονται στις συλλογές της Βασίλισσας της Ισπανίας Σοφία, Petr Aven, Shalva Breus, Vladimir και Ekaterina Semenikhin, Milos Forman.
Έτος γέννησης: 1945
Έργο τέχνης: «Logii. Μέρος 1". 1987
Ημερομηνία πώλησης: 07.11.2000
Τιμή (GBP) 1: 424.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 720.000
Θέση: 15
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 24.828
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 5

6. Όλεγκ Τσέλκοφ
Ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες της δεκαετίας του '60, ο οποίος στη δεκαετία του 1960 ξεκίνησε και συνεχίζει έναν κύκλο ζωγραφικής που απεικονίζει τραχιά, σαν καλουπωμένα από πηλό, ανθρώπινα πρόσωπα (ή φιγούρες), ζωγραφισμένα με έντονα χρώματα ανιλίνης. Από το 1977 ζει στο Παρίσι. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της Πινακοθήκης Tretyakov, του Ρωσικού Μουσείου, του Ερμιτάζ, του Μουσείου Zimmerli του Πανεπιστημίου Rutgers κ.λπ., περιλαμβάνονται στις συλλογές Μιχαήλ Μπαρίσνικοφ, Άρθουρ Μίλερ, Ιγκόρ Τσουκάνοφ.Ανήκει η μεγαλύτερη ιδιωτική συλλογή έργων του Τσέλκοφ στη Ρωσία Evgeny Evtushenko.
Έτος γέννησης: 1934
Έργο τέχνης: "Αγόρι με μπαλόνια" 1957
Ημερομηνία πώλησης: 26.11.2008
Τιμή (GBP) 1: 238.406
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 4.232.000
Θέση: 5
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 53.570
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 14

7. Όσκαρ Ράμπιν
Ηγέτης της "ομάδας Lianozovo" (αντικομφορμιστές καλλιτέχνες της Μόσχας της δεκαετίας 1950-1960), διοργανωτής του σκανδαλώδους έκθεση μπουλντόζας 1974. Ήταν ο πρώτος στη Σοβιετική Ένωση που πούλησε έργα ιδιωτικά. Το 1978 του αφαιρέθηκε η σοβιετική υπηκοότητα. Ζει και εργάζεται στο Παρίσι. Το 2006 κέρδισε το Βραβείο Καινοτομίας για την προσφορά του στην τέχνη. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της Πινακοθήκης Tretyakov, του Ρωσικού Μουσείου, του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης της Μόσχας, του Μουσείου Zimmerli του Πανεπιστημίου Rutgers, περιλαμβάνονται στις συλλογές των Alexander Glezer, Vyacheslav Kantor, Alexander Kronik, Iveta και Tamaz Manasherov, Evgeny. Νούτοβιτς, Ασλάν Τσέχοεφ.
Έτος γέννησης: 1928
Έργο τέχνης: «Η πόλη και το φεγγάρι (Σοσιαλιστής
πόλη)". 1959
Ημερομηνία πώλησης: 15.04.2008
Τιμή (GBP) 1: 171.939
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 5.397.000
Θέση: 3
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 27.964
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 45

8. Ζουράμπ Τσερετέλη
Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της ήδη μνημειακής τέχνης. Ο συγγραφέας του μνημείου του Πέτρου Α στη Μόσχα και του μνημείου Το καλό νικά το Κακόμπροστά από το κτίριο του ΟΗΕ στη Νέα Υόρκη. Ιδρυτής του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης της Μόσχας, Πρόεδρος της Ρωσικής Ακαδημίας Τεχνών, δημιουργός της Πινακοθήκης Ζουράμπ Τσερετέλι, εργαζόμενος στην προαναφερθείσα ακαδημία. Γλυπτά του Ζουράμπ Τσερετέλι, εκτός από τη Ρωσία, κοσμούν τη Βραζιλία, τη Μεγάλη Βρετανία, τη Γεωργία, την Ισπανία, τη Λιθουανία, τις ΗΠΑ, τη Γαλλία και την Ιαπωνία.
Έτος γέννησης: 1934
Σύνθεση: "Το όνειρο του Άθω"
Ημερομηνία πώλησης: 01.12.2009
Τιμή (GBP) 1: 151 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 498.000
Θέση: 19
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 27.667
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 4

9. Βίκτορ Πιβοβάροφ
Ένας από τους ιδρυτές του εννοιολογισμού της Μόσχας. Όπως ο Kabakov, ο εφευρέτης του εννοιολογικού είδους άλμπουμ. όπως ο Kabakov, ο Bulatov και ο Oleg Vasilyev, είναι ένας επιτυχημένος εικονογράφος παιδικών βιβλίων που συνεργάστηκε με τα περιοδικά Murzilka και Funny Pictures. Από το 1982 ζει και εργάζεται στην Πράγα. Τα έργα βρίσκονται στις συλλογές της Πινακοθήκης Τρετιακόφ, του Ρωσικού Μουσείου, του Μουσείου Πούσκιν im. A. S. Pushkin, Ίδρυμα Τέχνης Kolodzei(ΗΠΑ), στις συλλογές των Vladimir και Ekaterina Semenikhin, Igor Tsukanov.
Έτος γέννησης: 1937
Έργο τέχνης: "Τρίπτυχο με ένα φίδι." 2000
Ημερομηνία πώλησης: 18/10/2008
Τιμή (GBP) 1: 145 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 482.000
Θέση: 20
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 17.852
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 6

10. Αλέξανδρος Μελαμίδης
Το μισό δημιουργικό tandem Komar — Μελαμίδη, διαλύθηκε το 2003. Μαζί με τον Vitaly Komar, συμμετέχοντα έκθεση μπουλντόζας(όπου πέθαναν Διπλή αυτοπροσωπογραφία, το ιδρυτικό έργο της Sots Art). Από το 1978 ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη. Δεν υπάρχουν πληροφορίες για το σε ποιες γνωστές συλλογές βρίσκονται τα έργα του Μελαμίδη, που δημιούργησε ανεξάρτητα.
Έτος γέννησης: 1945
Σύνθεση: Καρδινάλιος José Saraiva Martins. 2007
Ημερομηνία πώλησης: 18/10/2008
Τιμή (GBP) 1: 145 250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 145.000
Θέση: 36
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 145.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

11. Francisco Infante Arana
Ο ιδιοκτήτης, ίσως, της πιο βαριάς λίστας εκθέσεων μεταξύ Ρώσων καλλιτεχνών. Μέλος της ομάδας κινητιστών "Κίνηση", τη δεκαετία του 1970 βρήκε τη δική του εκδοχή φωτογραφικής απόδοσης, ή «τεχνούργημα» - γεωμετρικά σχήματα ενσωματωμένα στο φυσικό τοπίο.
Έτος γέννησης: 1943
Έργο τέχνης: «Χτίζοντας μια πινακίδα». 1984
Ημερομηνία πώλησης: 31.05.2006
Τιμή (GBP) 1: 142.400
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 572.000
Θέση: 17
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 22.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

12. Βλαντιμίρ Νεμούχιν
Μεταφυσικός. Κλασικό του δεύτερου κύματος της ρωσικής πρωτοπορίας, μέλος της «ομάδας Lianozovo», ένας από τους συμμετέχοντες στην Έκθεση Μπουλντόζας, επιμελητής (ή εμπνευστής) σημαντικών εκθέσεων της δεκαετίας του 1980, όταν ανεπίσημες Σοβιετικές
η τέχνη μόλις συνειδητοποιούσε τον εαυτό της.
Έτος γέννησης: 1925
Έργο τέχνης: "Ημιτελής Πασιέντζα". 1966
Ημερομηνία πώλησης: 26.04.2006
Τιμή (GBP) 1: 240.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 4.338.000
Θέση: 4
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 36.454
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 26

13. Βλαντιμίρ Γιανκιλέφσκι
Σουρεαλιστής, ένα από τα κύρια ονόματα της μεταπολεμικής ανεπίσημης τέχνης της Μόσχας, ο δημιουργός μνημειακών φιλοσοφικών πολυπτύχων.
Έτος γέννησης: 1938
Έργο τέχνης: «Τρίπτυχο Νο. 10. Ανατομία της ψυχής. II." 1970
Ημερομηνία πώλησης: 23.04.2010
Τιμή (GBP) 1: 133.250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 754.000
Θέση: 14
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 12.780
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 7

14. Alexander Vinogradov και Vladimir Dubossarsky
γραφικό έργο Πίνακες ζωγραφικής κατά παραγγελία, που ξεκίνησαν από αυτούς την απελπιστική δεκαετία του 1990 για τη ζωγραφική, έλαβε αυτό που του άξιζε τη δεκαετία του 2000. Το ντουέτο έγινε δημοφιλές στους συλλέκτες και ένας πίνακας κατέληξε στη συλλογή του Κέντρου Πομπιντού.
Έτος γέννησης: 1963, 1964
Έργο τέχνης: "Night fitness". 2004
Ημερομηνία πώλησης: 22.06.2007
Τιμή (GBP) 1: 132.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 1.378.000
Θέση: 11
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 26.500
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 4

15. Σεργκέι Βολκόφ
Ένας από τους ήρωες της τέχνης της περεστρόικα, γνωστός για τους εκφραστικούς πίνακες με στοχαστικές δηλώσεις. Συμμετέχοντας στη σοβιετική δημοπρασία Sotheby'sτο 1988.
Έτος γέννησης: 1956
Έργο τέχνης: «Διπλή όραση.
Τρίπτυχο"
Ημερομηνία πώλησης: 31.05.2007
Τιμή (GBP) 1: 132.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 777.000
Τόπος: 12
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 38.850
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 4

16. AES + F (Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridkes)
Τα έργα AES διακρίθηκαν από μια καλή παρουσίαση στην ατημέλητη δεκαετία του 1990, αυτό που θυμούνται. Τώρα φτιάχνουν μεγάλες τοιχογραφίες κινουμένων σχεδίων που μεταδίδονται σε δεκάδες οθόνες.
Έτος γέννησης: 1955, 1958, 1957, 1956
Σύνθεση: "Πολεμιστής Νο. 4"
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 120.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 305.000
Θέση: 27
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 30.500
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

17. Λεβ Ταμπένκιν
Γλύπτης και ζωγράφος με γλυπτική όραση, σαν να σμιλεύει τους χαρακτήρες του από πηλό.
Έτος γέννησης: 1952
Σύνθεση: Jazz Orchestra. 2004
Ημερομηνία πώλησης: 30.06.2008
Τιμή (GBP) 1: 117.650
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 263.000
Θέση: 28
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 26.300
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 7

18. Mikhail (Misha Shayevich) Brusilovsky
Σουρεαλιστής του Σβερντλόφσκ, συγγραφέας διφορούμενων αλληγοριών.
Έτος γέννησης: 1931
Έργο τέχνης: Ποδόσφαιρο. 1965
Ημερομηνία πώλησης: 28.11.2006
Τιμή (GBP) 1: 108.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 133.000
Θέση: 38
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 22.167
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

19. Όλγα Μπουλγκάκοβα
Μία από τις κύριες φιγούρες της διανοούμενης «καρναβαλικής» ζωγραφικής της εποχής του Μπρέζνιεφ. Αντεπιστέλλο μέλος
Ρωσική Ακαδημία Τεχνών.
Έτος γέννησης: 1951
Σύνθεση: «Dream of the red
πουλί." 1988
Ημερομηνία πώλησης: 22.11.2010
Τιμή (GBP) 1: 100.876
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 219.000
Θέση: 31
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 36.500
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

20. Αλεξάντερ Ιβάνοφ
Ένας αφηρημένος καλλιτέχνης που είναι κυρίως γνωστός ως επιχειρηματίας, συλλέκτης και δημιουργός του Μουσείου Faberge στο Baden-Baden (Γερμανία).
Έτος γέννησης: 1962
Σύνθεση: Αγάπη. 1996
Ημερομηνία πώλησης: 05/06/2013
Τιμή (GBP) 1: 97.250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 201.000
Θέση: 33
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 50.250
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

21. Ιβάν Τσούικοφ
Μια ανεξάρτητη πτέρυγα του εικονιστικού εννοιολογισμού της Μόσχας. Συγγραφέας μιας σειράς έργων ζωγραφικής-αντικειμένων Windows. Κάπως στη δεκαετία του 1960, έκαψε όλους τους πίνακες, γι' αυτό και οι γκαλερίσταδες είναι ακόμα λυπημένοι.
Έτος γέννησης: 1935
Έργο τέχνης: "Χωρίς τίτλο" 1986
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 96.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 1.545.000
Θέση: 10
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 36.786
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 8

22. Konstantin Zvezdochetov
Στα νιάτα του, μέλος της ομάδας Mukhomor, η οποία αυτοαποκαλούσε τον εαυτό της "πατέρες του" νέου κύματος "στη Σοβιετική Ένωση" -
με καλό λόγο? με την έναρξη της δημιουργικής ωριμότητας, ο συμμετέχων της Μπιενάλε της Βενετίας και του Κάσελ
documenta. Ερευνητής και γνώστης του οπτικού στη σοβιετική κουλτούρα βάσης.
Έτος γέννησης: 1958
Σύνθεση: "Perdo-K-62M"
Ημερομηνία πώλησης: 13.06.2008
Τιμή (GBP) 1: 92.446
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 430.000
Θέση: 22
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 22.632
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 2

23. Ναταλία Νεστερόβα
Ένα από τα κύρια αστέρια της τέχνης της στασιμότητας του Μπρέζνιεφ. Προτιμάται από συλλέκτες για το ανάγλυφο στυλ ζωγραφικής του.
Έτος γέννησης: 1944
Έργο τέχνης: «Ο Μέλνικ και ο δικός του
υιός". 1969
Ημερομηνία πώλησης: 15.06.2007
Τιμή (GBP) 1: 92.388
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 1.950.000
Θέση: 9
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 20.526
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 15

24. Μαξίμ Κάντορ
Ένας εξπρεσιονιστής ζωγράφος που έπαιξε στο ρωσικό περίπτερο στη Μπιενάλε της Βενετίας το 1997, καθώς και ένας δημοσιογράφος και συγγραφέας, συγγραφέας ενός φιλοσοφικού και σατυρικού μυθιστορήματος φροντιστήριο σχεδίασηςγια τα μέσα και τα έξω του ρωσικού καλλιτεχνικού κόσμου.
Έτος γέννησης: 1957
Έργο τέχνης: «Η Δομή της Δημοκρατίας». 2003
Ημερομηνία πώλησης: 18/10/2008
Τιμή (GBP) 1: 87.650
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 441.000
Θέση: 21
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 44.100
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 2

25. Andrey Sidersky
Δημιουργεί πίνακες στο στυλ της psi-art που εφευρέθηκε από τον ίδιο. Μετάφρασε στα ρωσικά τα έργα των Κάρλος Καστανέντα και Ρίτσαρντ Μπαχ.
Έτος γέννησης: 1960
Σύνθεση: "Τρίπτυχο"
Ημερομηνία πώλησης: 04.12.2009
Τιμή (GBP) 1: 90.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 102.000
Θέση: 42
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 51.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

26. Valery Koshlyakov
Γνωστό για πίνακες ζωγραφικής με αρχιτεκτονικά μοτίβα. Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του "Νότιου Ρωσικού κύματος". Συχνά χρησιμοποιεί χαρτόκουτα, σακούλες, κολλητική ταινία. Η πρώτη έκθεση με τη συμμετοχή του πραγματοποιήθηκε σε δημόσια τουαλέτα στο Rostov-on-Don το 1988.
Έτος γέννησης: 1962
Έργο τέχνης: Βερσαλλίες. 1993
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 72.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 346.000
Θέση: 26
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 21.625
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 8

27. Alexey Sundukov
Λακωνικοί, μολυβένιοι πίνακες για τις «μολυβένιες αηδίες» της καθημερινής ρωσικής ζωής.
Έτος γέννησης: 1952
Έργο τέχνης: "The Essence of Being". 1988
Ημερομηνία πώλησης: 23.04.2010
Τιμή (GBP) 1: 67.250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 255.000
Θέση: 29
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 25.500
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 1

28. Ιγκόρ Νόβικοφ
Ανήκει στη γενιά των αντικομφορμιστών καλλιτεχνών της Μόσχας στα τέλη της δεκαετίας του 1980.
Έτος γέννησης: 1961
Έργο τέχνης: «Πρωινό Κρεμλίνο, ή Μόσχα προς πώληση». 2009
Ημερομηνία πώλησης: 03.12.2010
Τιμή (GBP) 1: 62.092
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 397.000
Θέση: 24
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 15.880
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 3

29. Βαντίμ Ζαχάρωφ
Αρχειονόμος του Εννοιολογισμού της Μόσχας. Ο συγγραφέας θεαματικών εγκαταστάσεων με στοχαστικά θέματα, εκπροσώπησε τη Ρωσία στη Βενετία
μπιενάλε.
Έτος γέννησης: 1959
Έργο τέχνης: Μπαρόκ. 1986-1994
Ημερομηνία πώλησης: 18/10/2008
Τιμή (GBP) 1: 61.250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 243.000
Θέση: 30
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 20.250
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

30. Γιούρι Κράσνι
Συγγραφέας καλλιτεχνικών προγραμμάτων για παιδιά με ειδικές ανάγκες.
Έτος γέννησης: 1925
Σύνθεση: "Smoker"
Ημερομηνία πώλησης: 04.04.2008Τιμή (GBP)1: 59.055
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 89.000
Θέση: 44
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 11.125
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 8

31. Σεργκέι και Αλεξέι Τκάτσεφ
Κλασικοί του ύστερου σοβιετικού ιμπρεσιονισμού, μαθητές του Arkady Plastov, γνωστοί για τους πίνακές τους από τη ζωή του ρωσικού χωριού.
Έτος γέννησης: 1922, 1925
Έργο τέχνης: «Στο χωράφι». 1954
Ημερομηνία πώλησης: 01.12.2010
Τιμή (GBP) 1: 58.813
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 428.000
Θέση: 23
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 22.526
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 4

32. Svetlana Kopystyanskaya
Γνωστό για εγκαταστάσεις ζωγραφικής. Μετά τη δημοπρασία της Μόσχας Sotheby'sτο 1988 εργάζεται στο εξωτερικό.
Έτος γέννησης: 1950
Σύνθεση: "Seascape"
Ημερομηνία πώλησης: 13/10/2007
Τιμή (GBP) 1: 57.600
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 202.000
Θέση: 32
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 22.444
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 2

33. Μπόρις Ορλόφ
Γλύπτης κοντά στο Sots Art. Διάσημος για τη δουλειά του στο ειρωνικό «αυτοκρατορικό» στυλ και το αριστοτεχνικό ντύσιμο μπρούτζινων μπούστων και ανθοδεσμών.
Έτος γέννησης: 1941
Έργο τέχνης: Ναύτης. 1976
Ημερομηνία πώλησης: 17/10/2013
Τιμή (GBP) 1: 55.085
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 174.000
Θέση: 34
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 17.400
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 1

34. Βιάτσεσλαβ Καλίνιν
Ο συγγραφέας εκφραστικών έργων ζωγραφικής από τη ζωή των αστικών κατώτερων τάξεων και της ποτό μποέμ.
Έτος γέννησης: 1939
Έργο τέχνης: "Αυτοπροσωπογραφία με ανεμόπτερο"
Ημερομηνία πώλησης: 25.11.2012
Τιμή (GBP) 1: 54.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 766.000
Θέση: 13
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 12.767
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 24

35. Evgeny Semenov
Γνωστός για μια σειρά φωτογραφιών με ασθενείς με νόσο Down, που υποδύονται τους χαρακτήρες του γκόσπελ.
Έτος γέννησης: 1960
Σύνθεση: Καρδιά. 2009
Ημερομηνία πώλησης: 29.06.2009
Τιμή (GBP) 1: 49.250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 49.000
Θέση: 48
Μέσο κόστος εργασίας (GBP): 49.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

36. Γιούρι Κούπερ
Έγινε γνωστός για τους νοσταλγικούς πίνακές του με παλιά είδη σπιτιού. Θεατρικός συγγραφέας Δώδεκα πίνακες από τη ζωή του καλλιτέχνη, που ανέβηκε στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Α.Π. Τσέχοφ.
Έτος γέννησης: 1940
Έργο τέχνης: Παράθυρο. Οδός Dass, 56. 1978
Ημερομηνία πώλησης: 09.06.2010
Τιμή (GBP) 1: 49.250
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 157.000
Θέση: 35
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 2.754
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 14

37. Αλεξάντερ Κοσολάποφ
Ένας κοινωνικός καλλιτέχνης που το έργο του έχει γίνει στόχος κάθε είδους επιθέσεων. Κατά τη διάρκεια της έκθεσης Art Moscow 2005, ένα από τα έργα του καταστράφηκε από έναν φανατικό θρησκευόμενο με ένα σφυρί.
Έτος γέννησης: 1943
Έργο τέχνης: "Marlboro Malevich". 1987
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 48.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 510.000
Θέση: 18
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 15.938
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 1

38. Λεονίντ Σόκοφ
Κορυφαίος γλύπτης Sots Art που συνδύασε τη λαογραφία με την πολιτική. Ανάμεσα στα διάσημα έργα Συσκευή για τον προσδιορισμό της εθνικότητας από το σχήμα της μύτης.
Έτος γέννησης: 1941
Έργο τέχνης: "Η αρκούδα χτυπά ένα δρεπάνι με ένα σφυρί." 1996
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 48.500
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 352.000
Θέση: 25
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 13.538
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 7

39. Βλαντιμίρ Οβτσινίκοφ
Ένας από τους πατριάρχες της ανεπίσημης τέχνης στο Λένινγκραντ. Ορθόδοξη εκδοχή του Φερνάντο Μποτέρο.
Έτος γέννησης: 1941
Έργο τέχνης: "Angels and Railway Tracks" 1977
Ημερομηνία πώλησης: 17.04.2007
Τιμή (GBP) 1: 47.846
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 675.000
Θέση: 16
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 15.341
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

40. Konstantin Khudyakov
Ο συγγραφέας έργων ζωγραφικής με θρησκευτικά θέματα. Τώρα εργάζεται στην τεχνική της ψηφιακής τέχνης.
Έτος γέννησης: 1945
Έργο τέχνης: Ο Μυστικός Δείπνος. 2007
Ημερομηνία πώλησης: 18.02.2011
Τιμή (GBP) 1: 46.850
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 97.000
Θέση: 43
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 32.333
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

41. Ερνστ Άγνωστος
Εικονίδιο του σοβιετικού αντικομφορμισμού - αφού εναντιώθηκε ανοιχτά στον Γενικό Γραμματέα Νικήτα Χρουστσόφ στο vernissage της θρυλικής έκθεσης αφιερωμένης στην 30ή επέτειο της Ένωσης Καλλιτεχνών της Μόσχας. Μετά από αυτό, έφτιαξε ένα μνημείο στον τάφο του Χρουστσόφ και ένα μνημείο μπροστά από την ευρωπαϊκή έδρα του ΟΗΕ.
Έτος γέννησης: 1925
Σύνθεση: "Χωρίς τίτλο"
Ημερομηνία πώλησης: 08.06.2010
Τιμή (GBP) 1: 46.850
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 2.931.000
Θέση: 8
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 24.839
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 13

42. Ανατόλι Οσμόλοφσκι
Μία από τις κύριες μορφές του ακτσιονισμού της Μόσχας στη δεκαετία του 1990, θεωρητικός της τέχνης, επιμελητής, εκδότης και επικεφαλής του ερευνητικού και εκπαιδευτικού προγράμματος του Ινστιτούτου Baza, νικητής του πρώτου βραβείου Kandinsky.
Έτος γέννησης: 1969
Σύνθεση: "Ψωμί" (από τη σειρά "Pagans"). 2009
Ημερομηνία πώλησης: 23.04.2010
Τιμή (GBP) 1: 46.850
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 83.000
Θέση: 46
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 11.857
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

43. Ντμίτρι Βρούμπελ
Φωτορεαλιστής ζωγράφος, γνωστός κυρίως για τον πίνακα που απεικονίζει τον Μπρέζνιεφ και τον Χόνεκερ να φιλιούνται (ή μάλλον χάρη στην αναπαραγωγή του συγγραφέα στο Τείχος του Βερολίνου).
Έτος γέννησης: 1960
Σύνθεση: «Αδελφικό φιλί (τρίπτυχο)». 1990
Ημερομηνία πώλησης: 25.11.2013
Τιμή (GBP) 1: 45.000

Θέση: 40
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 16.429
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 2

44. Λεονίντ Λαμ
Ο συγγραφέας εγκαταστάσεων που συνδύαζαν τα μοτίβα της ρωσικής πρωτοπορίας και τις σκηνές της σοβιετικής ζωής στη φυλακή. Ζει στην Αμερική. Στη δεκαετία του 1970, με ψευδείς κατηγορίες, πέρασε τρία χρόνια σε φυλακές και στρατόπεδα εργασίας.
Έτος γέννησης: 1928
Έργο τέχνης: "Apple II" (από τη σειρά "The Seventh Heaven"). 1974-1986
Ημερομηνία πώλησης: 16/12/2009
Τιμή (GBP) 1: 43.910
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 115.000
Θέση: 41
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 14.375
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

Γραφικές εγκαταστάσεις της Irina Nakhova της δεκαετίας του 1980 στο διαμέρισμά της μπορούν να διεκδικήσουν την πατρότητα στο «σύνολο.

45. Irina Nakhova
Μούσα του Εννοιολογισμού της Μόσχας. Νικητής του Βραβείου Kandinsky 2013 για το "Project of the Year". Το 2015 στην 56η Μπιενάλε της Βενετίας
θα εκπροσωπήσει τη Ρωσία.
Έτος γέννησης: 1955
Έργο τέχνης: Τρίπτυχο. 1983
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 38.900
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 85.000
Θέση: 45
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 17.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 1

46. ​​Κάτια Φιλίπποβα
Ένας πρωτοποριακός σχεδιαστής μόδας που έγινε γνωστός κατά τη διάρκεια της περεστρόικα. Διακοσμούσε τις βιτρίνες του παρισινού πολυκαταστήματος Galeries Lafayette, ήταν φίλος με τον Pierre Cardin.
Έτος γέννησης: 1958
"Έργο τέχνης: Marina Ladynina" (από τη σειρά "Russian Hollywood")
Ημερομηνία πώλησης: 12.03.2008
Τιμή (GBP) 1: 38.900
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 39.000
Θέση: 49
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 39.000
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

47. Μπόρις Ζαμπόροφ
Καλλιτέχνης του θεάτρου, εικονογράφος βιβλίων. Το 1980 μετανάστευσε στο Παρίσι, εργάστηκε στα κοστούμια για την Comedie Francaise.
Έτος γέννησης: 1935
Έργο τέχνης: «Επικοινωνιακός».1981
Ημερομηνία πώλησης: 30.10.2006
Τιμή (GBP) 1: 36.356
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 67.000
Θέση: 47
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 13.400
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 2

48. Ροστίσλαβ Λεμπέντεφ
Κλασικός κοινωνικός καλλιτέχνης, συνάδελφος (και γείτονας εργαστηρίου) του Boris Orlov και του Dmitry Prigov. Μεταμόρφωσε δημιουργικά την οπτική προπαγάνδα της σοβιετικής εποχής.
Έτος γέννησης: 1946
Έργο τέχνης: "Ρωσικό παραμύθι". 1949
Ημερομηνία πώλησης: 03.06.2008
Τιμή (GBP) 1: 34.000
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 122.000
Θέση: 39
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 24.400
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 2

49. Αντρέι Φιλίπποφ
Ανήκει στην εννοιολογική σχολή της Μόσχας. Ο συγγραφέας έργων ζωγραφικής και εγκαταστάσεων, που ενώνεται με το θέμα "Μόσχα - η Τρίτη Ρώμη". Από το 2009, μαζί με τον Γιούρι Άλμπερτ και τον Βίκτωρ Σκέρση, είναι μέλος του ομίλου Έρως.
Έτος γέννησης: 1959
Έργο τέχνης: «Επτά πόδια κάτω από την καρίνα». 1988
Ημερομηνία πώλησης: 31.05.2006
Τιμή (GBP) 1: 33.600
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 137.000
Θέση: 37
Μέσο κόστος ανά θέση εργασίας (GBP): 12.455
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: 3

50. Βλαντιμίρ Σινκάρεφ
Ο ιδρυτής και ιδεολόγος της ομάδας τέχνης του Λένινγκραντ Mitki, στο μυθιστόρημα του οποίου ο όρος Mitki χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά. Το μυθιστόρημα γράφτηκε από πλήξη ενώ δούλευε στο λεβητοστάσιο.
Έτος γέννησης: 1954
Έργο τέχνης: Πλατεία Λένιν Ι. 1999
Ημερομηνία πώλησης: 30.06.2008
Τιμή (GBP) 1: 32.450
Συνολική κεφαλαιοποίηση (GBP): 33.000
Θέση: 50
Μέσο κόστος ανά εργασία (GBP): 16.500
Αριθμός επαναλαμβανόμενων πωλήσεων: —

Πωλήσεις vs Εκθέσεις

Η αναγνώριση της αγοράς και η αναγνώριση της επαγγελματικής κοινότητας φαίνονται σε πολλά διαφορετικά πράγματα, αλλά ο διαχωρισμός σε «εμπορικούς» και «μη εμπορικούς» καλλιτέχνες είναι πολύ υπό όρους. Έτσι, από τους Ρώσους καλλιτέχνες που εκτέθηκαν τα τελευταία δέκα χρόνια στη Μπιενάλε Σύγχρονης Τέχνης της Βενετίας (και αυτό είναι το αποκορύφωμα της επαγγελματικής τους καριέρας), επτά ενότητες (αν μετρήσετε κατά άτομο, τότε 11 άτομα) μπήκαν στη βαθμολογία μας. Και οι 10 κορυφαίοι καλλιτέχνες από την κατάταξη είτε είχαν εκθέσει στην Μπιενάλε της Βενετίας στο παρελθόν, είτε είχαν ατομικές εκθέσεις σε μεγάλα μουσεία. Όσο για εκείνους τους υπέροχους δασκάλους που δεν συμπεριλήφθηκαν στην βαθμολογία, η απουσία τους ή οι όχι πολύ εξαιρετικές πωλήσεις εξηγούνται απλά και τετριμμένα. Οι συλλέκτες είναι συντηρητικοί και ακόμη και από τους πιο avant-garde καλλιτέχνες προτιμούν να αγοράζουν πίνακες (πίνακες, αντικείμενα ή φωτογραφίες που μοιάζουν με πίνακες ζωγραφικής) ή γλυπτά (ή αντικείμενα που μοιάζουν με γλυπτά). Δεν υπάρχουν παραστάσεις ρεκόρ ή γιγάντιες εγκαταστάσεις στην κατάταξή μας (οι εγκαταστάσεις αγοράζονται συνήθως από μουσεία, αλλά η τιμή εκεί είναι μουσείο, με έκπτωση). Γι' αυτό τέτοια αστέρια όπως Andrey Monastyrsky, Oleg Kulik, Pavel Pepperstein(μέχρι πρόσφατα έκανε κυρίως γραφικά και τα γραφικά είναι a priori φθηνότερα από τη ζωγραφική) ή π.χ. Νικολάι Πολίσκι, των οποίων τα μεγαλεπήβολα σχέδια δεν έχουν βρει ακόμη κατανοητούς συλλέκτες.

Επιπλέον, η αγορά είναι συντηρητική και επειδή η αναγνώριση εδώ έρχεται αργά - σημειώστε ότι στο top 10, όλοι οι καλλιτέχνες που γεννήθηκαν το 1950 και άνω. Δηλαδή, οι πολλά υποσχόμενοι συμμετέχοντες της Μπιενάλε έχουν ακόμη τα πάντα μπροστά τους.

Οι μεγάλες διεθνείς δημοπρασίες περιλαμβάνουν ολοένα και περισσότερο σύγχρονους Ρώσους καλλιτέχνες στις δημοπρασίες μεταπολεμικής και σύγχρονης τέχνης τους. Τον Φεβρουάριο του 2007, ο οίκος Sotheby's πραγματοποίησε την πρώτη και σχεδόν συγκλονιστική εξειδικευμένη δημοπρασία ρωσικής σύγχρονης τέχνης, η οποία έφερε 22 δίσκους δημοπρασίας. Η Artguide αποφάσισε να ανακαλύψει ποιος από τους σύγχρονους καλλιτέχνες μας συγκέντρωσε τα μεγαλύτερα ποσά σε διεθνείς δημοπρασίες και, έχοντας συγκεντρώσει τους 10 πιο ακριβούς εν ζωή Ρώσους καλλιτέχνες με βάση τα αποτελέσματα των πωλήσεων δημοπρασιών, ανακάλυψε μερικά περίεργα μοτίβα. Όλες οι τιμές πώλησης δίνονται σύμφωνα με τους οίκους δημοπρασιών, λαμβάνοντας υπόψη το ασφάλιστρο του αγοραστή.

Alexander Vinogradov και Vladimir Dubossarsky. Νυχτερινή γυμναστική. Θραύσμα. Ευγενική παραχώρηση των συγγραφέων (www.dubossarskyvinogradov.com)

Φυσικά, δεν υπάρχει αμφιβολία για το ποιος ακριβώς έγινε ο ηγέτης της κούρσας δημοπρασίας: το μεγαλειώδες "Beetle" του Ilya Kabakov, που πωλήθηκε τον Φεβρουάριο του 2008 στο Phillips de Pury για σχεδόν 3 εκατομμύρια λίρες, θυμάται πιθανότατα όλοι όσοι ενδιαφέρονται. στη σύγχρονη τέχνη. Μια αστεία παιδική ομοιοκαταληξία, το κείμενο της οποίας είναι γραμμένο σε ένα ξύλινο πάνελ με ένα σκαθάρι, απέκτησε ακόμη και μια στοχαστική χροιά στην ιστορία της τέχνης και στην ερμηνεία της αγοράς: «Το σκαθάρι μου ξεσπά, πηδάει, κελαηδάει, δεν θέλει να μπει μέσα η συλλογή μου» - αυτό σημαίνει μεταφορικά το πάθος ενός συλλέκτη σύγχρονης τέχνης, για αυτό το ίδιο εμπόριο σκαθαριών. (Ο στίχος που παρέθεσε ο Kabakov, που συνέθεσε ο αρχιτέκτονας A. Maslennikova, ερασιτέχνης ποιητής από το Voronezh, δημοσιεύτηκε στην παιδική συλλογή ποιημάτων, μετρώντας ρίμες και γρίφους μεταξύ καλοκαιριού και χειμώνα, που δημοσιεύτηκε το 1976 από τον εκδοτικό οίκο Παιδικής Λογοτεχνίας, και Ο Καμπάκοφ εικονογράφησε αυτό το βιβλίο Αλήθεια, εκείνο το σκαθάρι δεν ήταν στις ασπρόμαυρες εικονογραφήσεις του).

Θα πρέπει να προστεθεί ότι αν δεν κάναμε τους 10 πιο ακριβούς εν ζωή καλλιτέχνες, αλλά το top 10 των πιο ακριβών έργων τους, τότε οι πίνακες του Kabakov θα έπαιρναν τις τρεις πρώτες θέσεις σε αυτή τη λίστα. Δηλαδή, τα τρία πιο ακριβά έργα του εν ζωή Ρώσου καλλιτέχνη του ανήκουν - εκτός από το "Σκαθάρι" είναι το "Luxury Room" του 1981 (Phillips de Pury, Λονδίνο, 21 Ιουνίου 2007, 2,036 εκατομμύρια £) και το "Vacation Νο. 10" το 1987 (Phillips de Pury Λονδίνο, 14 Απριλίου 2011, £1,497 εκατ.). Συν τοις άλλοις, ο γενναιόδωρος Kabakov «έδωσε» άλλο ένα ρεκόρ στη δημοπρασία Dorotheum της Βιέννης - πριν από ένα χρόνο, στις 24 Νοεμβρίου 2011, ο πίνακας «Στο Πανεπιστήμιο» πήγε εκεί για 754,8 χιλιάδες ευρώ, και έγινε το πιο ακριβό έργο της σύγχρονης τέχνη πουλήθηκε ποτέ σε αυτή τη δημοπρασία.

Ο ασημένιος Ολυμπιονίκης, πιθανότατα, πολλοί θα ονομάσουν εύκολα - αυτός είναι ο Eric Bulatov, του οποίου ο καμβάς "Glory to the CPSU" πωλήθηκε για ένα ποσό ρεκόρ για τον καλλιτέχνη στην ίδια δημοπρασία Phillips de Pury με το "Beetle" του Kabakov.

Αλλά η τρίτη θέση του μη κομφορμιστή Yevgeny Chubarov, του οποίου το τελευταίο έργο "Untitled" πήγε τον Ιούνιο του 2007 στον Phillips de Pury για 720 χιλιάδες £, θα μπορούσε να ονομαστεί έκπληξη, αν όχι για το γεγονός ότι λίγους μήνες νωρίτερα, τον Φεβρουάριο την ίδια χρονιά, ο Τσουμπάροφ είχε ήδη κάνει θραύση στον οίκο Sotheby's στο Λονδίνο, σε μια εξειδικευμένη δημοπρασία ρωσικής σύγχρονης τέχνης, όπου το έργο του με το ίδιο όνομα (ή μάλλον χωρίς αυτό) πουλήθηκε για 288.000 £ (με ανώτατο όριο της εκτίμησης των £60.000), όχι μόνο ξεπερνώντας την υποτιθέμενη κορυφαία παρτίδα εκείνης της δημοπρασίας, τον πίνακα του Bulatov "Revolution - Perestroika" (τιμή πώλησης £198 χιλιάδες), αλλά και έγινε το πιο ακριβό έργο του εν ζωή Ρώσου καλλιτέχνη εκείνη την εποχή. Παρεμπιπτόντως, εδώ είναι η ειρωνεία των συναλλαγματικών διακυμάνσεων: τον Νοέμβριο του 2000, το πολύπτυχο του Grisha Bruskin πουλήθηκε στη Νέα Υόρκη για 424 χιλιάδες δολάρια, και στη συνέχεια σε λίρες στερλίνα ήταν 296,7 χιλιάδες £ και τον Φεβρουάριο του 2007, όταν εγκαταστάθηκε Το πρώτο ρεκόρ του Chubarov είναι ήδη μόνο £216,6 χιλιάδες.

Τα έργα των νικητών της τέταρτης θέσης Vitaly Komar και Alexander Melamid είναι συχνά και αρκετά επιτυχημένα σε δημοπρασίες της Δύσης, αν και οι εκτιμήσεις τους σπάνια ξεπερνούν τις £ 100.000. Το δεύτερο πιο ακριβό έργο του ντουέτου είναι το Συνέδριο της Γιάλτας. The Judgment of Paris "- πουλήθηκε στο Macdougall's το 2007 για £ 184,4 χιλιάδες. Αλλά πρέπει να σημειωθεί, φυσικά, ότι ο πίνακας που τους έφερε την τέταρτη θέση ανήκει σε μάλλον πρώιμα και σπάνια εμφανιζόμενα έργα σε δημοπρασίες και ότι εκτέθηκε σε 1976 στην πρώτη (και πολύ δυνατή) ξένη έκθεση Komar και Melamid στην γκαλερί Ronald Feldman στη Νέα Υόρκη.

Μετά τους Komar και Melamid, οι Oleg Vasiliev και Semyon Faibisovich κρατούν σταθερά ψηλά τον πήχη στις δημοπρασίες. Ο Βασίλιεφ ήταν τρίτος σε εκείνη την εξαιρετικά επιτυχημένη δημοπρασία του 2008 Phillips de Pury, η οποία έφερε ρεκόρ στους Ilya Kabakov και Erik Bulatov, ενώ ο Faibisovich ήταν τέταρτος. Στη συνέχεια, ο πίνακας του Βασίλιεφ "Παραλλαγή με θέμα το εξώφυλλο του περιοδικού Ogonyok" το 1980 πουλήθηκε για 356 χιλιάδες ₤ με εκτίμηση 120 χιλιάδες ₤ και «Μια άλλη ματιά στη Μαύρη Θάλασσα» του Φαϊμπίσοβιτς το 1986 - για 300,5 χιλιάδες £ με εκτίμηση 60.000-80.000 £. Τα έργα και των δύο καλλιτεχνών συχνά συγκεντρώνουν εξαψήφια ποσά σε δημοπρασία.

Είναι αλήθεια ότι δεν ήταν το ρεκόρ "Soldiers" που έφερε φήμη στον Faibisovich σε δημοπρασία, αλλά ο πίνακας "Beauty", που πωλήθηκε στον Sotheby's στις 12 Μαρτίου 2008 - αυτή ήταν η δεύτερη δημοπρασία σύγχρονης ρωσικής τέχνης του οίκου δημοπρασιών, εκτός από η δημοπρασία της Μόσχας το 1988. Ο πίνακας (το άλλο του όνομα είναι «The First of May») στη συνέχεια κόστισε 264 χιλιάδες £ με εκτίμηση 60-80 χιλιάδες £, μια πραγματική μάχη εκτυλίχθηκε μεταξύ των αγοραστών για αυτόν. Ένας άλλος πίνακας του Faibisovich «Σε δρόμο της Μόσχας» σε εκείνη τη δημοπρασία ξεπέρασε την εκτίμηση δύο φορές και πουλήθηκε για £126.000 το 2011-2012.

Περίπου το ίδιο μπορούμε να πούμε και για τον Όλεγκ Τσέλκοφ, ο οποίος είναι όγδοος στο top 10. Έχοντας βρει το στυλ και το θέμα του πριν από μισό αιώνα, ένας αναγνωρίσιμος και έγκυρος καλλιτέχνης, προμηθεύει τακτικά δημοπρασίες με τα φωσφορίζοντα στρογγυλά πρόσωπά του, τα οποία έχουν συνεχή επιτυχία. Ο δεύτερος πιο ακριβός πίνακας του Tselkov "Five Faces" πουλήθηκε τον Ιούνιο του 2007 στο MacDougall's για 223,1 χιλιάδες £, ο τρίτος, "Two with Beetles", - τον Νοέμβριο του ίδιου έτους στην ίδια δημοπρασία (ο MacDougall's πάντα βγήκε σε δημοπρασία αρκετά Tselkov διαφορετικό εύρος τιμών) για 202,4 χιλιάδες £.

Ο Grisha Bruskin είχε έναν ιδιαίτερο ρόλο στην ιστορία δημοπρασιών της ρωσικής σύγχρονης τέχνης από το 1988, από τη δημοπρασία της Μόσχας του Sotheby's με την επωνυμία Russian Avant-Garde και Σοβιετική Σύγχρονη Τέχνη, όπου το "Fundamental Lexicon" του πουλήθηκε για ένα εντυπωσιακό £ 220 χιλιάδες , 12 φορές υψηλότερη εκτίμηση. Το ίδιο περίπου, και ίσως ακόμη πιο συνταρακτικό, συνέβη και με το πολύπτυχο «Λόγοι. Μέρος Ι» το 2000 στον οίκο Christie's στη Νέα Υόρκη: το πολύπτυχο πωλήθηκε για 424.000 δολάρια, έχοντας ξεπεράσει το ανώτατο όριο της εκτίμησης κατά 21 (!) φορές – αυτό από μόνο του μπορεί να θεωρηθεί ένα είδος ρεκόρ. Πιθανότατα, αυτή η εξαιρετική αγορά οφείλεται κυρίως στη σημασία του ονόματος του Μπρούσκιν ως ήρωα της θρυλικής δημοπρασίας του Σόθμπις της Μόσχας, επειδή καμία άλλη δημοπρασία του Μπρούσκιν δεν πλησιάζει ούτε αυτά τα ποσά.

Η τιμή του Oscar Rabin δεν κυμαίνεται, αλλά αυξάνεται σταθερά και πολύ αισθητά, ειδικά για τα έργα της σοβιετικής περιόδου - όλα τα πιο ακριβά έργα αυτού του πλοιάρχου που πωλήθηκαν σε δημοπρασία ζωγραφίστηκαν στα τέλη της δεκαετίας του 1950 και στις αρχές της δεκαετίας του 1970. Αυτά είναι (εκτός από το δίσκο του "Socialist City") "Baths (Smell the κολόνια "Moscow", 1966, Sotheby's, Νέα Υόρκη, 17 Απριλίου 2007, $ 336 χιλιάδες) και "Violin in the Cemetery" (1969, Macdougall's, Λονδίνο , 27 Νοεμβρίου 2006, 168,46 £).

Η πρώτη δεκάδα κλείνει από εκπροσώπους της νεότερης γενιάς - Alexander Vinogradov και Vladimir Dubossarsky, των οποίων οι πιο ακριβοί πίνακες πουλήθηκαν στο Phillips de Pury (το δεύτερο πιο ακριβό είναι The Last Butterfly, 1997, Phillips de Pury, Νέα Υόρκη, 181.000 $). Αυτοί οι καλλιτέχνες, γενικά, συνεχίζουν μια τάση που είναι ξεκάθαρα ορατή στην κατάταξη των πιο ακριβών έργων ζωγραφικής εν ζωή καλλιτεχνών. Θα μιλήσουμε για αυτό λίγο χαμηλότερα, αλλά προς το παρόν, τέλος, εδώ είναι μια λίστα με τα πιο ακριβά έργα εν ζωή Ρώσων καλλιτεχνών.

Τα 10 καλύτερα έργα εν ζωή Ρώσων καλλιτεχνών

1. Ilya Kabakov (γ. 1933). Εντομο. 1982. Ξύλο, σμάλτο. 226,5 x 148,5. Auction Phillips de Pury & Company, Λονδίνο, 28 Φεβρουαρίου 2008. Εκτίμηση £1,2-1,8 εκατομμύρια Τιμή πώλησης £2,93 εκατομμύρια.

2. Erik Bulatov (γ. 1933). Δόξα στο ΚΚΣΕ. 1975. Λάδι σε μουσαμά. 229,5 x 229. Auction Phillips de Pury & Company, Λονδίνο, 28 Φεβρουαρίου 2008. Εκτίμηση £500-700 χιλ. Τιμή πώλησης £1,084 εκατ.

3. Evgeny Chubarov (γ. 1934). Χωρίς τίτλο. 1994. Λάδι σε μουσαμά. 300 x 200. Δημοπρασία Phillips de Pury & Company, Λονδίνο, 22 Ιουνίου 2007. Εκτίμηση £100-150 χιλιάδες Τιμή πώλησης £720 χιλιάδες.

4. Vitaly Komar (γ. 1943) και Alexander Melamid (γ. 1945). Συνάντηση Σολζενίτσιν και Μπελ στη ντάκα του Ροστροπόβιτς. 1972. Καμβάς, λάδι, κολάζ, φύλλο χρυσού. 175 x 120. Δημοπρασία Phillips de Pury & Company, Λονδίνο, 23 Απριλίου 2010. Εκτίμηση £100-150 χιλιάδες Τιμή πώλησης £657,25 χιλιάδες.

5. Oleg Vasilyev (γ. 1931). Πριν το ηλιοβασίλεμα. 1990. Λάδι σε μουσαμά. 210 x 165. Δημοπρασία Sotheby's, Λονδίνο, 12 Μαρτίου 2008. Εκτίμηση £200-300 χιλιάδες Τιμή πώλησης £468,5 χιλιάδες.

6. Semyon Faibisovich (γ. 1949). Στρατιώτες. Από τη σειρά "Σταθμοί". 1989. Λάδι σε μουσαμά. 285,4 x 190,5. Auction Phillips de Pury & Company, Λονδίνο, 13 Οκτωβρίου 2007. Εκτίμηση £40-60 χιλιάδες Τιμή πώλησης £311,2 χιλιάδες.

8. Oleg Tselkov (γεν. 1934) Αγόρι με μπαλόνια. Καμβάς, λάδι. 103,5 x 68,5. Auction MacDougall's, Λονδίνο, 28 Νοεμβρίου 2008. Εκτίμηση £200-300 χιλιάδες Τιμή πώλησης £238,4 χιλιάδες.

9. Όσκαρ Ράμπιν (γεν. 1928) Πόλη και φεγγάρι (Σοσιαλιστική πόλη). 1959. Λάδι σε μουσαμά. 90 x 109. Δημοπρασία Sotheby's, Νέα Υόρκη, 15 Απριλίου 2008. Υπολογίστε $120-160 χιλιάδες Τιμή πώλησης $337 χιλιάδες (£171,4 σε ισοτιμία δολαρίου σε λίβρα τον Απρίλιο του 2008).

10. Alexander Vinogradov (γ. 1963) και Vladimir Dubossarsky (γεν. 1964). Νυχτερινή προπόνηση. 2004. Λάδι σε καμβά. 194,9 x 294,3. Auction Phillips de Pury & Company, Λονδίνο, 22 Ιουνίου 2007. Εκτίμηση £15-20 χιλιάδες Τιμή πώλησης £132 χιλιάδες.

Είναι γνωστό ότι οι τιμές δημοπρασίας είναι κάτι παράλογο και δεν μπορεί κανείς να κρίνει από αυτές τον πραγματικό ρόλο και τη σημασία του καλλιτέχνη στην καλλιτεχνική διαδικασία. Αλλά με βάση αυτά και τα top lots, μπορεί κανείς να κρίνει χονδρικά τις προτιμήσεις του συλλέκτη. Τι είναι? Δεν χρειάζεται να είστε ειδικός για να απαντήσετε σε αυτήν την ερώτηση. Είναι προφανείς. Πρώτον, όλοι οι καλλιτέχνες (εκτός ίσως από τον Alexander Vinogradov και τον Vladimir Dubossarsky) είναι «ζωντανοί κλασικοί» εδώ και χρόνια, και μάλιστα πολύ συμπαγείς. Δεύτερον, σχεδόν όλοι σημείωσαν ρεκόρ όχι από έργα των τελευταίων ετών, αλλά από πολύ προγενέστερα, δηλαδή, το μοτίβο "όσο πιο παλιό, τόσο καλύτερα" είναι επίσης σχετικό εδώ. Τρίτον, ανεξαιρέτως, όλα τα έργα από το top 10 είναι πίνακες καβαλέτο. Τέταρτον, όλα αυτά είναι μεγάλα και πολύ μεγάλα έργα ζωγραφικής. Λίγο πολύ «στάνταρ» από αυτή την άποψη μπορούν να θεωρηθούν μόνο το «The City and the Moon» του Oscar Rabin και το «Boy with Balloons» του Oleg Tselkov, όλα τα υπόλοιπα είναι σπουδαία σε ύψος (ούτε καν σε πλάτος) ανθρώπινη ανάπτυξη. Τέλος, για όλους αυτούς τους καλλιτέχνες, το θέμα του σοβιετικού (ιδιαίτερα του αντικομφορμιστικού) παρελθόντος είναι επίκαιρο με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, το οποίο σε πολλές περιπτώσεις τονίζεται στα έργα τους. Φαίνεται ότι οι συλλέκτες μας βιώνουν οξεία νοσταλγία για αυτό ακριβώς το σοβιετικό παρελθόν (είναι γνωστό ότι οι Ρώσοι συλλέκτες είναι αυτοί που αγοράζουν τη ρωσική τέχνη στη Δύση).

Νεότεροι από τους υπόλοιπους ηγέτες πωλήσεων δημοπρασιών, ο Alexander Vinogradov και ο Vladimir Dubossarsky προσπαθούν κάπως πεισματικά να ξεφύγουν από τους δεκάδες σκληρούς αντικομφορμιστές, αλλά αυτό είναι μόνο με την πρώτη ματιά. Στην πραγματικότητα, αν φανταστείτε ποιος από την επόμενη γενιά μετά τους Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkovy μπορεί να πληροί καλύτερα τα παραπάνω κριτήρια αγοράς (πίνακες καβαλέτο μεγάλου μεγέθους, ανακατασκευές σοβιετικών ειδών, μοτίβα και στυλ), τότε μάλλον θα αποδεικνύεται ότι είναι ο Vinogradov και ο Dubossarsky, άξιοι κληρονόμοι των δασκάλων των προηγούμενων δεκαετιών. Τουλάχιστον αν κρίνουμε από τις πωλήσεις σε δημοπρασία.

Αν νομίζετε ότι όλοι οι μεγάλοι καλλιτέχνες ανήκουν στο παρελθόν, τότε δεν έχετε ιδέα πόσο λάθος κάνετε. Σε αυτό το άρθρο, θα μάθετε για τους πιο διάσημους και ταλαντούχους καλλιτέχνες της εποχής μας. Και, πιστέψτε με, τα έργα τους θα μείνουν στη μνήμη σας όχι λιγότερο βαθιά από τα έργα του μαέστρου από περασμένες εποχές.

Βόιτσεχ Μπάμπσκι

Ο Wojciech Babski είναι ένας σύγχρονος Πολωνός καλλιτέχνης. Αποφοίτησε από το Πολυτεχνικό Ινστιτούτο της Σιλεσίας, αλλά συνδέθηκε με. Τον τελευταίο καιρό ζωγραφίζει κυρίως γυναίκες. Επικεντρώνεται στην εκδήλωση των συναισθημάτων, επιδιώκει να αποκτήσει το μεγαλύτερο δυνατό αποτέλεσμα με απλά μέσα.

Λατρεύει το χρώμα, αλλά χρησιμοποιεί συχνά αποχρώσεις του μαύρου και του γκρι για να πετύχει την καλύτερη εντύπωση. Δεν φοβάται να πειραματιστεί με νέες τεχνικές. Τον τελευταίο καιρό, κερδίζει ολοένα και μεγαλύτερη δημοτικότητα στο εξωτερικό, κυρίως στο Ηνωμένο Βασίλειο, όπου πουλά με επιτυχία τα έργα του, τα οποία βρίσκονται ήδη σε πολλές ιδιωτικές συλλογές. Εκτός από την τέχνη, ενδιαφέρεται για την κοσμολογία και τη φιλοσοφία. Ακούει τζαζ. Σήμερα ζει και εργάζεται στο Κατοβίτσε.

Γουόρεν Τσανγκ

Ο Warren Chang είναι ένας σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης. Γεννημένος το 1957 και μεγάλωσε στο Μοντερέι της Καλιφόρνια, αποφοίτησε με μέγιστο έπαινο από το Art Center College of Design στην Πασαντίνα το 1981 με πτυχίο Bachelor of Fine Arts στις Καλές Τέχνες. Για τις επόμενες δύο δεκαετίες, εργάστηκε ως εικονογράφος για διάφορες εταιρείες στην Καλιφόρνια και τη Νέα Υόρκη πριν ξεκινήσει την καριέρα του ως επαγγελματίας καλλιτέχνης το 2009.

Οι ρεαλιστικοί πίνακές του μπορούν να χωριστούν σε δύο κύριες κατηγορίες: βιογραφικούς πίνακες εσωτερικών χώρων και πίνακες που απεικονίζουν εργαζόμενους ανθρώπους. Το ενδιαφέρον του για αυτό το στυλ ζωγραφικής έχει τις ρίζες του στο έργο του ζωγράφου του 16ου αιώνα Γιαν Βερμέερ και εκτείνεται σε αντικείμενα, αυτοπροσωπογραφίες, πορτρέτα μελών της οικογένειας, φίλων, μαθητών, στούντιο, στην τάξη και στο σπίτι. Στόχος του είναι να δημιουργήσει διάθεση και συναίσθημα στους ρεαλιστικούς πίνακές του μέσω της χειραγώγησης του φωτός και της χρήσης σιωπηλών χρωμάτων.

Ο Τσανγκ έγινε διάσημος μετά τη μετάβαση στις παραδοσιακές εικαστικές τέχνες. Τα τελευταία 12 χρόνια, έχει κερδίσει πολλά βραβεία και τιμητικές διακρίσεις, με το πιο διάσημο να είναι το Master Signature από την Ένωση Ελαιοχρωματιστών της Αμερικής, τη μεγαλύτερη κοινότητα ελαιογραφίας στις Ηνωμένες Πολιτείες. Μόνο ένα άτομο από τα 50 τιμάται με την ευκαιρία να λάβει αυτό το βραβείο. Επί του παρόντος, ο Warren ζει στο Monterey και εργάζεται στο στούντιο του, ενώ διδάσκει επίσης (γνωστός ως ταλαντούχος δάσκαλος) στην Ακαδημία Τεχνών του Σαν Φρανσίσκο.

Αουρέλιο Μπρούνι

Ο Aurelio Bruni είναι Ιταλός καλλιτέχνης. Γεννήθηκε στο Μπλερ, 15 Οκτωβρίου 1955. Αποφοίτησε με πτυχίο σκηνογραφίας από το Art Institute στο Spoleto. Ως καλλιτέχνης, είναι αυτοδίδακτος, καθώς ανεξάρτητα «έχτισε το σπίτι της γνώσης» στα θεμέλια που τέθηκαν πίσω στο σχολείο. Άρχισε να ζωγραφίζει με λάδια σε ηλικία 19 ετών. Σήμερα ζει και εργάζεται στην Ούμπρια.

Η πρώιμη ζωγραφική του Μπρούνι έχει τις ρίζες του στον σουρεαλισμό, αλλά με την πάροδο του χρόνου αρχίζει να εστιάζει στην εγγύτητα του λυρικού ρομαντισμού και του συμβολισμού, ενισχύοντας αυτόν τον συνδυασμό με την εξαιρετική επιτήδευση και την αγνότητα των χαρακτήρων του. Τα έμψυχα και άψυχα αντικείμενα αποκτούν την ίδια αξιοπρέπεια και φαίνονται σχεδόν υπερρεαλιστικά, αλλά ταυτόχρονα, δεν κρύβονται πίσω από μια κουρτίνα, αλλά σας επιτρέπουν να δείτε την ουσία της ψυχής σας. Η ευελιξία και η εκλέπτυνση, ο αισθησιασμός και η μοναξιά, η στοχαστικότητα και η καρποφορία είναι το πνεύμα του Aurelio Bruni, που τρέφεται από το μεγαλείο της τέχνης και την αρμονία της μουσικής.

Αλέξανδρος Μπάλος

Ο Alkasandr Balos είναι ένας σύγχρονος Πολωνός καλλιτέχνης που ειδικεύεται στην ελαιογραφία. Γεννήθηκε το 1970 στο Gliwice της Πολωνίας, αλλά από το 1989 ζει και εργάζεται στις ΗΠΑ, στην πόλη Shasta της Καλιφόρνια.

Ως παιδί, σπούδασε τέχνη υπό την καθοδήγηση του πατέρα του Jan, ενός αυτοδίδακτου καλλιτέχνη και γλύπτη, έτσι από μικρή ηλικία, η καλλιτεχνική δραστηριότητα έλαβε την πλήρη υποστήριξη και από τους δύο γονείς. Το 1989, σε ηλικία δεκαοκτώ ετών, ο Μπάλος έφυγε από την Πολωνία για τις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου η δασκάλα του και καλλιτέχνης με μερική απασχόληση, Κάθι Γκαγλιάρντι, ενθάρρυνε τον Αλκασάντερ να εγγραφεί σε σχολή τέχνης. Στη συνέχεια ο Μπάλος έλαβε πλήρη υποτροφία στο Πανεπιστήμιο του Μιλγουόκι Ουισκόνσιν, όπου σπούδασε ζωγραφική με τον καθηγητή φιλοσοφίας Χάρι Ρόζιν.

Αφού ολοκλήρωσε τις σπουδές του το 1995 με πτυχίο, ο Μπάλος μετακόμισε στο Σικάγο για να σπουδάσει στη Σχολή Καλών Τεχνών, οι μέθοδοι της οποίας βασίζονται στο έργο του Jacques-Louis David. Ο παραστατικός ρεαλισμός και η προσωπογραφία αποτελούσαν το μεγαλύτερο μέρος του έργου του Μπάλου στη δεκαετία του '90 και στις αρχές του 2000. Σήμερα ο Μπάλος χρησιμοποιεί την ανθρώπινη φιγούρα για να αναδείξει τα χαρακτηριστικά και τις ελλείψεις της ανθρώπινης ύπαρξης, χωρίς να προσφέρει λύσεις.

Οι συνθέσεις πλοκής των έργων του προορίζονται να ερμηνευθούν ανεξάρτητα από τον θεατή, μόνο τότε οι καμβάδες θα αποκτήσουν το πραγματικό χρονικό και υποκειμενικό τους νόημα. Το 2005, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στη Βόρεια Καλιφόρνια.

Alyssa Monks

Η Alyssa Monks είναι μια σύγχρονη Αμερικανίδα καλλιτέχνης. Γεννήθηκε το 1977 στο Ridgewood του New Jersey. Ενδιαφέρθηκε για τη ζωγραφική όταν ήταν ακόμη παιδί. Παρακολούθησε το The New School στη Νέα Υόρκη και το Montclair State University και αποφοίτησε από το Boston College το 1999 με πτυχίο. Παράλληλα, σπούδασε ζωγραφική στην Ακαδημία Lorenzo Medici στη Φλωρεντία.

Στη συνέχεια συνέχισε τις σπουδές της στο πλαίσιο του προγράμματος για μεταπτυχιακό στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, στο Τμήμα Εικαστικής Τέχνης, αποφοιτώντας το 2001. Αποφοίτησε από το Fullerton College το 2006. Δίδαξε εν συντομία σε πανεπιστήμια και εκπαιδευτικά ιδρύματα σε όλη τη χώρα και δίδαξε ζωγραφική στην Ακαδημία Τέχνης της Νέας Υόρκης, καθώς και στο Πανεπιστήμιο Montclair State και στο Lyme Academy College of Art.

«Χρησιμοποιώντας φίλτρα όπως γυαλί, βινύλιο, νερό και ατμό, παραμορφώνω το ανθρώπινο σώμα. Αυτά τα φίλτρα σας επιτρέπουν να δημιουργήσετε μεγάλες περιοχές αφηρημένου σχεδιασμού, με νησίδες χρώματος να κρυφοκοιτάζουν μέσα τους - μέρη του ανθρώπινου σώματος.

Οι πίνακές μου αλλάζουν τη μοντέρνα ματιά στις ήδη καθιερωμένες, παραδοσιακές πόζες και χειρονομίες των γυναικών που κάνουν μπάνιο. Θα μπορούσαν να πουν σε έναν προσεκτικό θεατή πολλά για τέτοια φαινομενικά αυτονόητα πράγματα όπως τα οφέλη της κολύμβησης, του χορού και ούτω καθεξής. Οι χαρακτήρες μου πιέζονται πάνω στο τζάμι του παραθύρου της καμπίνας του ντους, παραμορφώνοντας το σώμα τους, συνειδητοποιώντας ότι έτσι επηρεάζουν τη διαβόητη ανδρική ματιά σε μια γυμνή γυναίκα. Παχιά στρώματα βαφής αναμειγνύονται μεταξύ τους για να μιμηθούν από μακριά το γυαλί, τον ατμό, το νερό και τη σάρκα. Από κοντά, όμως, γίνονται εμφανείς οι εκπληκτικές φυσικές ιδιότητες της λαδομπογιής. Πειραματιζόμενος με στρώματα μπογιάς και χρώματος, βρίσκω τη στιγμή που οι αφηρημένες πινελιές γίνονται κάτι άλλο.

Όταν άρχισα να ζωγραφίζω για πρώτη φορά το ανθρώπινο σώμα, γοητεύτηκα αμέσως και μάλιστα με εμμονή με αυτό και ένιωσα ότι έπρεπε να κάνω τους πίνακές μου όσο το δυνατόν πιο ρεαλιστικούς. «Δημοσιεύτηκα» τον ρεαλισμό μέχρι που άρχισε να ξετυλίγεται και να αποδομείται. Τώρα εξερευνώ τις δυνατότητες και τις δυνατότητες ενός στυλ ζωγραφικής όπου η αναπαραστατική ζωγραφική και η αφαίρεση συναντώνται – εάν και τα δύο στυλ μπορούν να συνυπάρχουν την ίδια χρονική στιγμή, θα το κάνω».

Αντόνιο Φινέλι

Ιταλός καλλιτέχνης - παρατηρητής του χρόνου” – Ο Antonio Finelli γεννήθηκε στις 23 Φεβρουαρίου 1985. Σήμερα ζει και εργάζεται στην Ιταλία μεταξύ Ρώμης και Campobasso. Έργα του έχουν εκτεθεί σε πολλές γκαλερί στην Ιταλία και στο εξωτερικό: Ρώμη, Φλωρεντία, Νοβάρα, Γένοβα, Παλέρμο, Κωνσταντινούπολη, Άγκυρα, Νέα Υόρκη και βρίσκονται επίσης σε ιδιωτικές και δημόσιες συλλογές.

Σχέδια με μολύβι" Παρατηρητής του χρόνουΟ Antonio Finelli μας στέλνει σε ένα αιώνιο ταξίδι στον εσωτερικό κόσμο της ανθρώπινης προσωρινότητας και στην αυστηρή ανάλυση αυτού του κόσμου που σχετίζεται με αυτόν, το κύριο στοιχείο του οποίου είναι το πέρασμα στο χρόνο και τα ίχνη που προκαλεί στο δέρμα.

Ο Finelli ζωγραφίζει πορτρέτα ανθρώπων οποιασδήποτε ηλικίας, φύλου και εθνικότητας, των οποίων οι εκφράσεις του προσώπου δείχνουν το πέρασμα στο χρόνο και ο καλλιτέχνης ελπίζει επίσης να βρει στοιχεία για την σκληρότητα του χρόνου στα σώματα των χαρακτήρων του. Ο Αντόνιο ορίζει τα έργα του με έναν γενικό τίτλο: «Αυτοπροσωπογραφία», γιατί στα σχέδια του με μολύβι όχι μόνο απεικονίζει ένα πρόσωπο, αλλά επιτρέπει στον θεατή να αναλογιστεί τα πραγματικά αποτελέσματα του χρόνου μέσα σε ένα άτομο.

Φλαμίνια Καρλόνι

Η Flaminia Carloni είναι μια 37χρονη Ιταλίδα καλλιτέχνης, κόρη διπλωμάτη. Έχει τρία παιδιά. Δώδεκα χρόνια έζησε στη Ρώμη, τρία χρόνια στην Αγγλία και τη Γαλλία. Έλαβε πτυχίο στην ιστορία της τέχνης από το BD School of Art. Στη συνέχεια έλαβε δίπλωμα στην ειδικότητα αναπαλαιωτή έργων τέχνης. Πριν βρει την κλήση της και αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη ζωγραφική, εργάστηκε ως δημοσιογράφος, χρωματιστής, σχεδιάστρια και ηθοποιός.

Το πάθος της Φλαμίνια για τη ζωγραφική προέκυψε από παιδί. Το κύριο μέσο της είναι το λάδι γιατί λατρεύει το “coiffer la pate” και παίζει επίσης με το υλικό. Έμαθε μια παρόμοια τεχνική στα έργα του καλλιτέχνη Pascal Torua. Η Flaminia εμπνέεται από τους μεγάλους δεξιοτέχνες της ζωγραφικής όπως οι Balthus, Hopper και François Legrand, καθώς και από διάφορα κινήματα τέχνης: street art, κινέζικο ρεαλισμό, σουρεαλισμό και αναγεννησιακό ρεαλισμό. Ο αγαπημένος της καλλιτέχνης είναι ο Καραβάτζιο. Όνειρό της είναι να ανακαλύψει τη θεραπευτική δύναμη της τέχνης.

Ντένις Τσερνόφ

Ο Denis Chernov είναι ένας ταλαντούχος Ουκρανός καλλιτέχνης, γεννημένος το 1978 στο Sambir, στην περιοχή Lviv, στην Ουκρανία. Μετά την αποφοίτησή του από το Kharkov Art College το 1998, έμεινε στο Kharkov, όπου ζει και εργάζεται σήμερα. Σπούδασε επίσης στην Κρατική Ακαδημία Σχεδίου και Τεχνών του Χάρκοβο, Τμήμα Γραφικών, αποφοίτησε το 2004.

Συμμετέχει τακτικά σε εκθέσεις τέχνης, αυτή τη στιγμή έχουν γίνει περισσότερες από εξήντα από αυτές, τόσο στην Ουκρανία όσο και στο εξωτερικό. Τα περισσότερα από τα έργα του Denis Chernov φυλάσσονται σε ιδιωτικές συλλογές στην Ουκρανία, τη Ρωσία, την Ιταλία, την Αγγλία, την Ισπανία, την Ελλάδα, τη Γαλλία, τις ΗΠΑ, τον Καναδά και την Ιαπωνία. Μερικά από τα έργα πουλήθηκαν στον οίκο Christie's.

Ο Denis εργάζεται σε ένα ευρύ φάσμα τεχνικών γραφικών και ζωγραφικής. Τα σχέδια με μολύβι είναι μια από τις αγαπημένες του μεθόδους ζωγραφικής, η λίστα με τα θέματα των σχεδίων του με μολύβι είναι επίσης πολύ διαφορετική, ζωγραφίζει τοπία, πορτρέτα, γυμνά, συνθέσεις ειδών, εικονογραφήσεις βιβλίων, λογοτεχνικές και ιστορικές ανακατασκευές και φαντασιώσεις.