Romantizamumjetnici romantičarske škole. Što je romantizam? Doba romantizma

1.1 Glavne značajke romantizma

Romantizam - (francuski romantisme, od srednjovjekovnog francuskog romant - roman) - pravac u umjetnosti, formiran unutar općeg književnog pokreta na prijelazu iz 18. u 19. stoljeće. u Njemačkoj. Rasprostranjena je u svim zemljama Europe i Amerike. Najviši vrhunac romantizma pada na prvu četvrtinu 19. stoljeća.

Francuska riječ romantisme potječe iz španjolske romantike (u srednjem vijeku su se tako zvale španjolske romanse, a zatim viteške romanse), engleske romantike koja je prešla u 18. stoljeće. u romantique i onda u značenju "čudan", "fantastičan", "slikovit". Početkom XIX stoljeća. romantizam postaje oznaka novog smjera, suprotnog klasicizmu.

Ulazeći u antitezu "klasicizam" - "romantizam", pravac je pretpostavljao suprotstavljanje klasicističkog zahtjeva pravila romantičnoj slobodi od pravila. Središte umjetničkog sustava romantizma je pojedinac, a njegov glavni sukob je između pojedinca i društva. Odlučujući preduvjet za razvoj romantizma bili su događaji Francuske revolucije. Pojava romantizma povezana je s antiprosvjetiteljskim pokretom, čiji uzroci leže u razočaranju u civilizaciju, u društveni, industrijski, politički i znanstveni napredak, što je rezultiralo novim kontrastima i proturječjima, nivelacijom i duhovnom devastacijom pojedinca.

Prosvjetiteljstvo je propovijedalo novo društvo kao "najprirodnije" i "razumnije". Najbolji umovi Europe utemeljili su i nagovijestili ovo društvo budućnosti, no stvarnost se pokazala izvan kontrole "razuma", budućnost - nepredvidiva, iracionalna, a suvremeni društveni poredak počeo je ugrožavati prirodu čovjeka i njegovu prirodu. osobna sloboda. Odbacivanje ovog društva, protest protiv nedostatka duhovnosti i sebičnosti odražava se već u sentimentalizmu i predromantizmu. Romantizam to odbacivanje najoštrije izražava. Romantizam se prosvjetiteljstvu suprotstavio i na verbalnoj razini: jezik romantičarskih djela, nastojeći biti prirodan, "jednostavan", pristupačan svim čitateljima, bio je nešto suprotno klasici sa svojom plemenitom, "uzvišenom" tematikom, tipičnom npr. za klasičnu tragediju.

Kod kasnijih zapadnoeuropskih romantičara pesimizam u odnosu prema društvu dobiva kozmičke razmjere, postaje "bolest stoljeća". Junake mnogih romantičnih djela karakteriziraju raspoloženja beznađa, očaja, koja dobivaju univerzalni karakter. Savršenstvo je zauvijek izgubljeno, svijetom vlada zlo, drevni kaos uskrsava. Tema "strašnog svijeta", karakteristična za svu romantičnu književnost, najjasnije je utjelovljena u takozvanom "crnačkom žanru" (u predromantičnom "gotičkom romanu" - A. Radcliffe, C. Maturin, u " drama rocka", ili "tragedija rocka", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), kao i u djelima Byrona, C. Brentana, E. T. A. Hoffmanna, E. Poea i N. Hawthornea.

Istodobno, romantizam se temelji na idejama koje osporavaju “strašni svijet” – prije svega na idejama slobode. Razočaranje romantizmom je razočaranje u stvarnost, ali napredak i civilizacija samo su jedna strana toga. Odbacivanje ovostranog, nedostatak vjere u mogućnosti civilizacije daje drugi put, put ka idealnom, ka vječnom, ka apsolutu. Ovaj put mora riješiti sve proturječnosti, potpuno promijeniti život. To je put do savršenstva, „do cilja, čije objašnjenje treba tražiti s onu stranu vidljivog“ (A. De Vigny). Za neke romantičare svijetom dominiraju neshvatljive i tajanstvene sile, kojima se treba pokoravati i ne pokušavati promijeniti sudbinu (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Za druge je "globalno zlo" ​​izazvalo protest, zahtijevalo osvetu, borbu (rani A. S. Puškin). Zajedničko im je bilo to što su svi u čovjeku vidjeli jedinstvenu cjelinu, čija se zadaća uopće ne svodi na rješavanje običnih problema. Naprotiv, ne niječući svakodnevicu, romantičari su nastojali odgonetnuti misterij ljudske egzistencije, okrećući se prirodi, vjerujući svojim vjerskim i poetskim osjećajima.

Romantični junak je složena, strastvena osoba, čiji je unutarnji svijet neobično dubok, beskrajan; to je cijeli svemir pun proturječja. Romantičare su zanimale sve strasti, i visoke i niske, koje su bile suprotstavljene jedna drugoj. Visoka strast - ljubav u svim njenim manifestacijama, niska - pohlepa, ambicija, zavist. Niska materijalna praksa romantike bila je suprotstavljena životu duha, osobito religiji, umjetnosti i filozofiji. Zanimanje za snažne i žive osjećaje, sveprožimajuće strasti, za tajne pokrete duše karakteristične su osobine romantizma.

O romantici se može govoriti kao o posebnom tipu osobnosti - osobi jakih strasti i visokih težnji, nespojivoj sa svakodnevnim svijetom. Iznimne okolnosti prate ovu prirodu. Fantastika, narodna glazba, poezija, legende postaju privlačne romantičarima - sve ono što se stoljeće i pol smatralo sporednim žanrovima, nevrijednim pažnje. Romantizam karakterizira tvrdnja slobode, suvereniteta pojedinca, povećana pozornost na pojedinca, jedinstvenog u čovjeku, kult pojedinca. Povjerenje u vlastitu vrijednost osobe pretvara se u protest protiv sudbine povijesti. Često junak romantičnog djela postaje umjetnik koji je sposoban kreativno percipirati stvarnost. Klasična "imitacija prirode" suprotstavljena je kreativnoj energiji umjetnika koji transformira stvarnost. Stvara svoj, poseban svijet, ljepši i stvarniji od empirijski percipirane stvarnosti. Upravo je kreativnost smisao postojanja, ona predstavlja najvišu vrijednost svemira. Romantičari su strastveno branili stvaralačku slobodu umjetnika, njegovu maštu, smatrajući da se genij umjetnika ne pokorava pravilima, već ih stvara.

Romantičari su bili okrenuti različitim povijesnim razdobljima, privlačila ih je njihova originalnost, privlačile su ih egzotične i tajanstvene zemlje i prilike. Zanimanje za povijest postalo je jedno od trajnih osvajanja umjetničkog sustava romantizma. Izrazio se u stvaranju žanra povijesnog romana, čiji je utemeljitelj W. Scott, i općenito romana, koji je stekao vodeće mjesto u razmatranom dobu. Romantičari točno i precizno reproduciraju povijesne detalje, pozadinu, boju određenog doba, ali romantični likovi dani su izvan povijesti, oni su, u pravilu, iznad okolnosti i ne ovise o njima. Romantičari su istodobno roman doživljavali kao sredstvo shvaćanja povijesti, a iz povijesti su išli prodirati u tajne psihologije, a time i suvremenosti. Zanimanje za povijest ogledalo se i u djelima povjesničara francuske romantičarske škole (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

Upravo u doba romantizma događa se otkrivanje kulture srednjeg vijeka, a divljenje antici, karakteristično za prošlo doba, također ne slabi krajem XVIII - početka. 19. stoljeća Raznolikost nacionalnih, povijesnih, individualnih obilježja imala je i filozofsko značenje: bogatstvo jedne svjetske cjeline sastoji se od ukupnosti tih pojedinačnih obilježja, a proučavanje povijesti svakoga naroda zasebno omogućuje praćenje, riječima: Burkea, neprekinuti život kroz nove generacije koje slijede jedna za drugom.

Doba romantizma obilježeno je procvatom književnosti, čija je jedna od prepoznatljivih značajki bila strast prema društvenim i političkim problemima. Pokušavajući shvatiti ulogu čovjeka u povijesnim zbivanjima, romantičarski pisci težili su točnosti, konkretnosti i pouzdanosti. Istodobno, radnja njihovih djela često se odvija u okruženju neobičnom za Europljanina - na primjer, na Istoku iu Americi, ili, za Ruse, na Kavkazu ili na Krimu. Dakle, romantičari su pretežno liričari i pjesnici prirode, pa stoga u njihovom stvaralaštvu (ali kao i kod mnogih prozaika) značajno mjesto zauzima pejzaž – prije svega more, planine, nebo, olujne stihije. , s kojim je junak povezan složenim odnosima. Priroda može biti slična strastvenoj prirodi romantičnog junaka, ali mu se može i oduprijeti, pokazati se kao neprijateljska sila s kojom je prisiljen boriti se.

Neobične i žive slike prirode, života, života i običaja dalekih zemalja i naroda nadahnjivale su i romantičare. Tražili su značajke koje čine temeljnu osnovu nacionalnog duha. Nacionalni identitet očituje se prvenstveno u usmenoj narodnoj umjetnosti. Otuda interes za folklor, obrada folklornih djela, stvaranje vlastitih djela na temelju narodnog stvaralaštva.

Razvoj žanrova povijesnog romana, fantastične priče, lirsko-epske pjesme, balade zasluga je romantičara. Njihova se inovativnost očitovala i u lirici, osobito u upotrebi polisemije riječi, razvoju asocijativnosti, metaforičnosti, otkrićima na području versifikacije, metra i ritma.

Romantizam karakterizira sinteza rodova i žanrova, njihovo međusobno prožimanje. Romantični umjetnički sustav temeljio se na sintezi umjetnosti, filozofije i religije. Na primjer, za takvog mislioca kao što je Herder, lingvistička istraživanja, filozofske doktrine i bilješke s putovanja služe kao potraga za putovima revolucionarne obnove kulture. Velik dio postignuća romantizma naslijedio je realizam devetnaestog stoljeća. - sklonost fantastici, groteski, mješavini visokog i niskog, tragičnog i komičnog, otkrivanje "subjektivnog čovjeka".

U doba romantizma ne doživljava procvat samo književnost, već i mnoge znanosti: sociologija, povijest, političke znanosti, kemija, biologija, evolucijska doktrina, filozofija (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, prirodna filozofija, bit koji se svodi na činjenicu da je priroda – jedna od odjeće Boga, "živa odjeća Božanstva").

Romantizam je kulturni fenomen u Europi i Americi. U različitim zemljama njegova je sudbina imala svoje karakteristike.

1.2 Romantizam u Rusiji

Početkom drugog desetljeća 19. stoljeća romantizam zauzima ključno mjesto u ruskoj umjetnosti, otkrivajući više ili manje potpuni njezin nacionalni identitet. Krajnje je riskantno tu originalnost svesti na neku značajku ili čak zbroj značajki; ono što imamo pred sobom prije je smjer procesa, kao i njegov tempo, njegovu usiljenost - usporedimo li ruski romantizam sa starijim "romantizmima" europskih književnosti.

Taj forsirani razvoj promatrali smo već u prapovijesti ruskog romantizma – u posljednjem desetljeću 18. stoljeća. - u prvim godinama 19. stoljeća, kada dolazi do neobično tijesnog prožimanja predromantičarskih i sentimentalnih tendencija s tendencijama klasicizma.

Precjenjivanje razuma, hipertrofija osjećajnosti, kult prirode i prirodnog čovjeka, elegična melankolija i epikureizam spajali su se s elementima sustavnosti i racionalnosti, što je posebno došlo do izražaja na području poetike. Usavršili su se stilovi i žanrovi (uglavnom naporima Karamzina i njegovih sljedbenika), vodila se borba protiv pretjerane metafore i kićenosti govora radi njegove "harmonijske točnosti" (Puškinova definicija posebnosti škole koju je utemeljio Žukovski i Batjuškov).

Brzina razvoja ostavila je traga na zrelijem stupnju ruskog romantizma. Gustoća umjetničke evolucije također objašnjava činjenicu da je u ruskom romantizmu teško prepoznati jasne kronološke faze. Književni povjesničari dijele ruski romantizam na sljedeća razdoblja: početno razdoblje (1801. - 1815.), razdoblje zrelosti (1816. - 1825.) i razdoblje njegova poslijeoktobarskog razvoja. Ovo je primjerna shema, jer. barem dva od tih razdoblja (prvo i treće) kvalitativno su heterogena i nemaju barem ono relativno jedinstvo načela kakvo je razlikovalo, primjerice, razdoblja jenskog i heidelberškog romantizma u Njemačkoj.

Romantičarski pokret u zapadnoj Europi - osobito u njemačkoj književnosti - započeo je u znaku dovršenosti i cjelovitosti. Sve što je bilo razjedinjeno težilo je sintezi: i u prirodnoj filozofiji, i u sociologiji, i u teoriji spoznaje, i u psihologiji - osobnoj i društvenoj, i, naravno, u umjetničkoj misli, koja je objedinila sve te porive i, takoreći, , dao im novi život..

Čovjek se nastojao stopiti s prirodom; osobnost, pojedinac - s cjelinom, s narodom; intuitivno znanje - s logičkim; podsvjesni elementi ljudskog duha – s najvišim sferama refleksije i razuma. Premda se odnos suprotnih momenata na trenutke činio suprotstavljenim, težnja ka sjedinjavanju iznjedrila je poseban emocionalni spektar romantizma, šarolik i šarolik, s prevlašću jarkog, durskog tona.

Tek je postupno konfliktna priroda elemenata prerasla u njihovu antinomiju; ideja o željenoj sintezi rasplinula se u ideji otuđenja i sučeljavanja, optimistično dursko raspoloženje ustupilo je mjesto osjećaju razočaranja i pesimizma.

Ruski romantizam poznaje obje faze procesa - i početnu i završnu; međutim, time je prisilio opći pokret. Konačni oblici pojavili su se prije nego što su početni oblici procvjetali; srednji su se zgužvali ili otpali. Na pozadini zapadnoeuropskih književnosti ruski romantizam izgledao je istodobno i manje i više romantičan: bio im je inferioran u bogatstvu, razgranatosti, širini ukupne slike, ali nadmašen u sigurnosti nekih konačnih rezultata.

Najvažniji društveno-politički čimbenik koji je utjecao na formiranje romantizma je dekabrizam. Prelamanje dekabrističke ideologije u plan umjetničkog stvaralaštva iznimno je složen i dugotrajan proces. Nemojmo, međutim, izgubiti iz vida da je ono dobilo upravo umjetnički izraz; da su se dekabristički porivi zaodjenuli u sasvim konkretne književne oblike.

Često se "književni dekabrizam" poistovjećivao s određenim imperativom izvan umjetničkog stvaralaštva, kada su sva umjetnička sredstva podređena izvanknjiževnom cilju, koji pak proizlazi iz dekabrističke ideologije. Taj cilj, taj "zadatak" navodno je niveliran ili čak potisnut u stranu "znacima sloga ili žanrovskim znakovima". U stvarnosti je sve bilo mnogo kompliciranije.

Specifičnost ruskog romantizma jasno je vidljiva u lirici ovoga vremena, tj. u lirskom odnosu prema svijetu, u glavnom tonu i perspektivi autorske pozicije, u onome što se obično naziva "slikom autora". Pogledajmo rusku poeziju s ove točke gledišta, kako bismo stvorili barem površnu ideju o njezinoj raznolikosti i jedinstvu.

Ruska romantična poezija otkrila je prilično širok raspon "slika autora", ponekad se približavajući, ponekad, naprotiv, polemizirajući i kontrastirajući jedni s drugima. Ali uvijek je "slika autora" takva kondenzacija emocija, raspoloženja, misli ili svakodnevnih i biografskih detalja ("odlomci" autorove linije alijenacije, potpunije predstavljene u pjesmi, dospjeli su u lirsko djelo) , što slijedi iz suprotnosti prema okolini. Pokidana je veza između pojedinca i cjeline. Duh konfrontacije i nesklada lebdi nad autoričinom pojavom čak i kada se sama po sebi čini nekomplicirano jasnom i cjelovitom.

Predromantizam je u osnovi poznavao dva oblika izražavanja sukoba u lirici, koja se mogu nazvati lirskim oprekama - elegični i epikurejski oblik. Romantičarska ih je poezija razvila u niz složenijih, dubljih i individualno diferenciranih.

No, ma koliko su navedene forme same po sebi važne, one, dakako, ne iscrpljuju sve bogatstvo ruskog romantizma.

Romantizam u likovnim umjetnostima uglavnom se temeljio na idejama filozofa i pisaca. U slikarstvu, kao i u drugim oblicima umjetnosti, romantičare je privlačilo sve neobično, nepoznato, bilo da se radi o dalekim zemljama sa svojim egzotičnim običajima i nošnjama (Delacroix), svijetu mističnih vizija (Blake, Friedrich, prerafaeliti) i magičnih. snovi (Runge) ili sumorne dubine podsvijesti (Goya, Fusli). Izvor inspiracije za mnoge umjetnike bila je umjetnička baština prošlosti: starog istoka, srednjeg vijeka i protorenesanse (nazarećani, prerafaeliti).

Za razliku od klasicizma, koji je veličao bistru snagu uma, romantičari su opjevali strastvene, burne osjećaje koji zahvaćaju cijelog čovjeka. Najraniji odgovori na nove trendove bili su portreti i pejzaži, koji postaju omiljeni žanrovi romantičnog slikarstva.

zenit portretni žanr bila povezana sa zanimanjem romantičara za svijetlu ljudsku individualnost, ljepotu i bogatstvo njezina duhovnog svijeta. Život ljudskog duha prevladava u romantičnom portretu nad zanimanjem za fizičku ljepotu, za senzualnu plastičnost slike.

U romantičnom portretu (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) uvijek se otkriva jedinstvenost svake osobe, prenosi se dinamika, intenzivno otkucaje unutarnjeg života, buntovna strast.

Romantičare također zanima tragedija slomljene duše: mentalno bolesni ljudi često postaju junaci djela (Gericault "Lud, ovisan o kockanju", "Kradljivac djece", "Lud, zamišljajući sebe zapovjednikom").

Scenografija zamišljen od romantičara kao utjelovljenje duše svemira; priroda se, kao i ljudska duša, pojavljuje u dinamici, stalnoj promjenjivosti. Uređene i oplemenjene pejzaže karakteristične za klasicizam zamijenile su slike spontane, neposlušne, snažne, promjenjive prirode, koja odgovara zbrci osjećaja romantičarskih junaka. Romantičari su posebno voljeli pisati oluje, grmljavine, vulkanske erupcije, potrese, brodolome koji su mogli snažno emocionalno djelovati na gledatelja (Gericault, Friedrich, Turner).

Poetizacija noći, karakteristična za romantizam – začudnog, nadrealnog svijeta koji živi po vlastitim zakonima – dovela je do procvata “noćnog žanra” koji postaje omiljen u romantičarskom slikarstvu, posebice među njemačkim umjetnicima.

Jedna od prvih zemalja u likovnoj umjetnosti u kojoj se razvio romantizam bila jeNjemačka .

Zamjetan utjecaj na razvoj žanra romantičnog pejzaža imao je kreativnostCaspar David Friedrich (1774-1840). U njegovoj umjetničkoj baštini dominiraju krajolici s prikazima planinskih vrhova, šuma, mora, morske obale, kao i ruševine starih katedrala, napuštenih opatija, samostana (“Križ u planinama”, “Katedrala”, “Opatija među hrastovima”). ”). Obično imaju osjećaj nepromjenjive tuge od svijesti o tragičnom gubitku osobe u svijetu.

Umjetnik je volio ona stanja prirode koja najviše odgovaraju njezinoj romantičnoj percepciji: rano jutro, večernji zalazak sunca, izlazak mjeseca (“Dvoje promatraju mjesec”, “Monaško groblje”, “Pejzaž s dugom”, “Izlazak mjeseca nad morem”, “Krajolik s dugom”). Kamenje od krede na otoku Rügen”, “Na jedrilici”, “Luka noću”).

Stalni likovi njegovih djela su usamljeni sanjari, uronjeni u kontemplaciju prirode. Gledajući u nepregledne daljine i beskrajne visine, pridružuju se vječnim tajnama svemira, odnose se u prekrasni svijet snova. Friedrich prenosi ovaj čudesni svijet uz pomoć magično blistave svjetlosti.- zračeći solarni ili tajanstveni lunarni.

Friedrichov rad bio je predmet divljenja njegovih suvremenika, uključujući I. W. Goethe i W. A. Zhukovsky, zahvaljujući kojem je mnoge njegove slike nabavila Rusija.

Slikar, grafičar, pjesnik i teoretičar umjetnostiFilip Otto Runge (1777-1810), uglavnom se posvetio portretnom žanru. U svojim je djelima poetizirao slike običnih ljudi, često i svojih najmilijih (“Nas troje” – autoportret s nevjestom i bratom, nije sačuvan; “Djeca obitelji Hülzenbeck”, “Portret sv. umjetnikovi roditelji”, “Autoportret”). Rungeova duboka religioznost izražena je u slikama kao što su "Krist na obalama Tiberijadskog jezera" i "Odmor na bijegu u Egipat" (nedovršeno). Umjetnik je svoja razmišljanja o umjetnosti sažeo u teoretskoj raspravi "Sfera boja".

Želja za oživljavanjem vjerskih i moralnih temelja u njemačkoj umjetnosti povezana je s stvaralačkom djelatnošću umjetnika Nazaretska škola (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. von Cornelius). Ujedinivši se u svojevrsno vjersko bratstvo (“Unija sv. Luke”), “Nazareni” su u Rimu živjeli po uzoru na samostansku zajednicu i slikali slike na vjerske teme. Kao uzor za svoja kreativna traženja smatrali su talijansko i njemačko slikarstvo.XIV - XVstoljeća (Perugino, rani Rafael, A. Durer, H. Holbein Mlađi, L.Cranach). Na slici "Trijumf religije u umjetnosti" Overbeck izravno oponaša Rafaelovu "Atensku školu", a Kornelije u "Jahačima apokalipse" - Durerovu istoimenu gravuru.

Članovi bratstva glavnim vrlinama umjetnika smatrali su duhovnu čistoću i iskrenu vjeru, vjerujući da je "samo Biblija učinila Rafaela genijem". Provodeći samotni život u ćelijama napuštenog samostana, svoju su službu umjetnosti uzdigli u kategoriju duhovne službe.

"Nazareni" su težili velikim monumentalnim oblicima, pokušavali su utjeloviti visoke ideale uz pomoć novo oživljene tehnike freske. Neke od slika su izveli zajedno.

U 1820-im i 30-im godinama članovi bratovštine raspršili su se diljem Njemačke, dobivši vodeća mjesta na raznim umjetničkim akademijama. Samo je Overbeck do smrti živio u Italiji, ne mijenjajući svoja umjetnička načela. Najbolje tradicije "nazarena" dugo su se čuvale u povijesnom slikarstvu. Njihova ideološka i moralna potraga imala je utjecaja na engleske prerafaelite, kao i na rad takvih majstora kao što su Schwind i Spitzweg.

Moritz Schwind (1804.-1871.), porijeklom Austrijanac, radio u Münchenu. U štafelajnim djelima uglavnom prikazuje izgled i život drevnih njemačkih pokrajinskih gradova s ​​njihovim stanovnicima. Rađena je s velikom poezijom i lirizmom, s ljubavlju prema svojim likovima.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Münchenski slikar, grafičar, briljantan crtač, karikaturist, također ne bez sentimentalnosti, ali s puno humora govori o urbanom životu ("Jadni pjesnik", "Jutarnja kava").

Schwind i Spitzweg obično se povezuju s trendom u njemačkoj kulturi poznatim kao bidermajer.bidermajer - ovo je jedan od najpopularnijih stilova epohe (prvenstveno u području svakodnevnog života, ali i u umjetnosti) . U prvi plan je stavio građane, prosječnog čovjeka s ulice. Središnja tema bidermajerskog slikarstva bila je svakodnevica čovjeka koja je protjecala u uskoj vezi s domom i obitelji. Zanimanje bidermajera ne za prošlost, već za sadašnjost, ne za veliko, već za malo, pridonijelo je formiranju realističkog pravca u slikarstvu.

Francuska romantična škola

Najdosljednija škola romantizma u slikarstvu razvila se u Francuskoj. Nastao je kao opozicija klasicizmu, degenerirao se u hladni, racionalni akademizam i iznio takve velike majstore koji su odredili dominantan utjecaj francuske škole za cijelo 19. stoljeće.

Francuski romantičarski umjetnici gravitirali su zapletima punim dramatike i patetike, unutarnje napetosti, daleko od “mutne svakodnevice”. Utjelovljujući ih, reformirali su slikovna i izražajna sredstva:

Uz ime su povezani prvi briljantni uspjesi romantizma u francuskom slikarstvuTheodora Géricault (1791-1824), koji je prije drugih uspio izraziti čisto romantičarski osjećaj sukoba svijeta. Već u njegovim prvim djelima uočava se želja za prikazom dramatičnih događaja našeg vremena. Tako su, na primjer, slike "Časnik konjanika u napadu" i "Ranjeni kirasir" odražavale romantiku napoleonskog doba.

Gericaultova slika "Splav Meduze", posvećena nedavnom događaju modernog života - smrti putničkog broda zbog krivnje brodarske tvrtke, imala je ogroman odjek. . Géricault je izradio gigantsko platno veličine 7×5 m koje prikazuje trenutak kada ljudi na rubu smrti ugledaju brod spasa na horizontu. Ekstremna napetost naglašena je oštrom, sumornom shemom boja, dijagonalnom kompozicijom. Ova je slika postala simbol moderne Géricault France koja je, poput ljudi koji bježe od brodoloma, iskusila i nadu i očaj.

Temu svoje posljednje velike slike - "Utrka u Epsomu" - umjetnik je pronašao u Engleskoj. Prikazuje konje koji lete poput ptica (Géricaultova omiljena slika, koji je kao tinejdžer postao izvrstan jahač). Dojam brzine pojačan je određenom tehnikom: konji i džokeji ispisani su vrlo pažljivo, a pozadina je široka.

Nakon Géricaultove smrti (umro je tragično, u naponu snage i talenta), njegov mladi prijatelj postao je priznati poglavar francuskih romantičara.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix je bio svestrano nadaren, posjedovao je glazbeni i književni talent. Njegovi dnevnici, članci o umjetnicima najzanimljiviji su dokumenti tog doba. Njegovo teoretsko proučavanje zakona boja imalo je velik utjecaj na buduće impresioniste, a posebno na W. Van Gogha.

Delacroixova prva slika koja mu je donijela slavu bila je "Dante i Vergilije" ("Danteov brod"), napisana na zapletu "Božanstvene komedije". Pogodila je svoje suvremenike strastvenim patosom, snagom sumorne boje.

Vrhunac umjetnikova stvaralaštva bila je "Sloboda na barikadama" ("Sloboda predvodi narod"). Vjerodostojnost stvarne činjenice (slika je nastala u jeku Srpanjske revolucije 1830. u Francuskoj) ovdje se spaja s romantičnim snom o slobodi i simbolikom slika. Lijepa mlada žena postaje simbol revolucionarne Francuske.

Odgovor na moderne događaje bila je ranija slika "Masakr na Hiosu", posvećena borbi grčkog naroda protiv turske vlasti. .

Posjetivši Maroko, Delacroix je otkrio egzotični svijet arapskog istoka, kojemu je posvetio mnoge slike i skice. U "Ženama Alžira" svijet muslimanskog harema prvi je put predstavljen europskoj publici.

Umjetnik je također stvorio niz portreta predstavnika kreativne inteligencije, od kojih su mnogi bili njegovi prijatelji (portreti N. Paganinija, F. Chopina, G. Berlioza itd.)

U kasnijem razdoblju stvaralaštva Delacroix gravitira povijesnim temama, djeluje kao muralist (murali u Zastupničkom domu, Senatu) i kao grafičar (ilustracije za djela Shakespearea, Goethea, Byrona).

Imena engleskih slikara epohe romantizma - R. Benington, J. Constable, W. Turner - povezana su s pejzažnim žanrom. Na ovim prostorima doista su otvorili novu stranicu: zavičajna je priroda u njihovu radu našla tako širok i s ljubavlju odraz kakav u to vrijeme nije poznavala nijedna zemlja.

John Constable (1776-1837) jedan od prvih u povijesti europskog pejzaža počeo je slikati skice potpuno iz prirode, okrećući se neposrednom promatranju prirode. Njegove slike su motivski jednostavne: sela, farme, crkve, pojas rijeke ili morske plaže: Haycart, dolina Detham, katedrala u Salisburyju iz biskupskog vrta. Djela Constablea poslužila su kao poticaj za razvoj realističnog krajolika u Francuskoj.

William Turner (1775-1851) - marinski slikar . Privlačilo ga je olujno more, pljuskovi, grmljavine, poplave, tornada: “Posljednje putovanje broda “Courageous”, “Oluja nad Piazzettom. Odvažna koloristička traženja, rijetki svjetlosni efekti ponekad pretvaraju njegove slike u blistave fantazmagorične spektakle: “Požar londonskog parlamenta”, “Snježna oluja. Brod napušta luku i daje signale za pomoć, udarajući u plitku vodu. .

Turner posjeduje prvu sliku parne lokomotive koja vozi po tračnicama - simbola industrijalizacije. U Kiši, pari i brzini, parna lokomotiva juri Temzom kroz maglovitu kišnu izmaglicu. Čini se da se svi materijalni objekti stapaju u sliku fatamorgane, koja savršeno prenosi osjećaj brzine.

Turnerova jedinstvena studija o efektima svjetla i boja u mnogočemu je anticipirala otkrića francuskih impresionističkih slikara.

Godine 1848. u Engleskoj je nastaoPrerafaelitsko bratstvo (od lat. prae - “prije” i Rafael), koja je ujedinila umjetnike koji ne prihvaćaju suvremeno društvo i umjetnost akademske škole. Svoj ideal vidjeli su u umjetnosti srednjeg vijeka i rane renesanse (otuda naziv). Glavni članovi bratstva -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Ti su umjetnici u svojim ranim radovima umjesto potpisa koristili kraticu RV. .

S romantičarima prerafaelita bila je povezana ljubav prema antici. Okrenuli su se biblijskim temama (“Svjetlo svijeta” i “Nevjerni pastir” W. H. Hunta; “Djetinjstvo Marijino” i “Navještenje” D. G. Rossettija), zapletima iz povijesti srednjeg vijeka i dramama W. Shakespearea (“Ofelija” od Millaisa ).

Kako bi slikali ljudske figure i predmete u njihovoj prirodnoj veličini, prerafaeliti su povećali veličinu platna, skice krajolika izrađivale su se iz prirode. Likovi na njihovim slikama imali su prototipove među stvarnim ljudima. Primjerice, D. G. Rossetti portretirao je svoju voljenu Elizabeth Siddal u gotovo svim svojim djelima, nastavljajući, poput srednjovjekovnog viteza, ostati vjeran svojoj voljenoj i nakon njezine prerane smrti (“Plava svilena haljina”, 1866.).

Ideolog prerafaelita bio jeJohn Ruskin (1819-1900) - engleski pisac, kritičar umjetnosti i teoretičar umjetnosti, autor poznate serije knjiga "Moderni umjetnici".

Djelo prerafaelita značajno je utjecalo na mnoge umjetnike i postalo vjesnik simbolizma u književnosti (W. Pater, O. Wilde) i likovnoj umjetnosti (O. Beardsley, G. Moreau i dr.).

nadimak "Nazarećani" možda potječe od imena grada Nazareta u Galileji, gdje je rođen Isus Krist. Prema drugoj verziji, nastao je po analogiji s imenom drevne židovske vjerske zajednice nazireja. Također je moguće da je naziv grupe nastao od tradicionalnog naziva frizure “Alla Nazarena”, uobičajene u srednjem vijeku i poznate s autoportreta A. Dürera: način nošenja duge kose, razdijeljene na razdjeljak. sredini, ponovno je uveo Overbeck.

bidermajer(njemački "hrabri Meyer", filistar) - prezime izmišljenog lika iz zbirke poezije njemačkog pjesnika Ludwiga Eichrodta. Eichrodt je stvorio parodiju na stvarnu osobu - Samuela Friedricha Sautera, starog učitelja koji je pisao naivnu poeziju. Eichrodt je u svojoj karikaturi istaknuo filistarsku primitivnost bidermajerskog mišljenja, koje je postalo svojevrsni parodijski simbol epohe.široki potezi crne, smeđe i zelenkaste boje prenose bijes oluje. Gledateljev pogled kao da je u središtu vrtloga, brod kao da je igračka valova i vjetra.

Početak XIX stoljeća - vrijeme kulturnog i duhovnog uspona u Rusiji. Ako je u gospodarskom i društveno-političkom razvoju Rusija zaostajala za naprednim europskim državama, onda je u kulturnim dostignućima ne samo držala korak s njima, nego ih je često i prestigla. Razvoj ruske kulture u prvoj polovici 19. stoljeća temeljio se na preobrazbama prethodnog vremena. Prodiranje elemenata kapitalističkih odnosa u gospodarstvo povećalo je potrebu za pismenim i obrazovanim ljudima. Gradovi su postali glavna kulturna središta.

Novi društveni slojevi uvučeni su u društvene procese. Kultura se razvijala u pozadini sve veće nacionalne samosvijesti ruskog naroda i, u tom pogledu, imala je izražen nacionalni karakter. Imao je značajan utjecaj na književnost, kazalište, glazbu, likovnu umjetnost Domovinski rat 1812što je u neviđenom stupnju ubrzalo rast nacionalne samosvijesti ruskog naroda, njegovu konsolidaciju. Došlo je do zbližavanja s ruskim narodom drugih naroda Rusije.

Početak 19. stoljeća s pravom se naziva zlatnim dobom ruskog slikarstva. Tada su ruski umjetnici dostigli razinu umijeća koja je njihova djela stavila u rang s najboljim primjerima europske umjetnosti.

Tri imena otvaraju rusko slikarstvo 19. stoljeća - Kiprenski , Tropinin , Venetsianov. Svatko ima različito podrijetlo: nezakoniti posjednik, kmet i potomak trgovca. Svatko ima svoju stvaralačku težnju - romantičar, realist i "seoski liričar".

Unatoč svojoj ranoj strasti prema povijesnom slikarstvu, Kiprenski je poznat prvenstveno kao izvanredan portretist. Možemo reći da je početkom XIX.st. postao je prvi ruski portretist. Stari majstori, koji su se proslavili u 18. stoljeću, više mu se nisu mogli natjecati: Rokotov je umro 1808., Levitsky, koji ga je nadživio 14 godina, nije više slikao zbog bolesti očiju, a Borovikovsky, koji nije poživio nekoliko godina. mjeseci prije ustanka dekabrista, radio je vrlo malo.

Kiprenski je imao sreću da postane umjetnički kroničar svoga vremena. "Povijest u licima" mogu se smatrati njegovim portretima, koji prikazuju mnoge sudionike tih povijesnih događaja, čiji je bio suvremenik: heroji rata 1812., predstavnici dekabrističkog pokreta. Dobro nam je došla tehnika crtanja olovkom čijoj se obuci na Umjetničkoj akademiji posvećivala velika pažnja. Kiprenski je stvorio, u biti, novi žanr - slikovni portret.

Kiprenski je stvorio mnoge portrete ličnosti ruske kulture, a među njima je, naravno, najpoznatiji Puškinov. Bilo je naručeno Delviga, licejski prijatelj pjesnika, 1827. Suvremenici su primijetili nevjerojatnu sličnost portreta s izvornikom. Sliku pjesnika umjetnik je oslobodio svakodnevnih značajki koje su svojstvene Puškinovom portretu Tropinina, naslikanom iste godine. Aleksandra Sergejeviča umjetnik je zarobio u trenutku inspiracije, kada ga je posjetila pjesnička muza.

Smrt je zatekla umjetnika tijekom njegovog drugog putovanja u Italiju. Posljednjih godina slavnom slikaru mnogo toga nije polazilo za rukom. Počeo je kreativni pad. Neposredno prije smrti, njegov život zasjenio je tragičan događaj: prema suvremenicima, umjetnik je lažno optužen za ubojstvo i bojao se napustiti kuću. Ni ženidba s talijanskim učenikom nije mu uljepšala posljednje dane.

Malo tko je oplakivao ruskog slikara koji je preminuo u tuđini. Među rijetkima koji su istinski shvatili kakvog je gospodara izgubila nacionalna kultura bio je umjetnik Aleksandar Ivanov, koji je u to vrijeme boravio u Italiji. U tim tužnim danima zapisao je: Kiprenski je "prvi objavio rusko ime u Europi".

Tropinin je ušao u povijest ruske umjetnosti kao izvanredan portretist. Rekao je: "Portret osobe slika se za uspomenu na ljude koji su mu bliski, koji ga vole." Prema suvremenicima, Tropinin je naslikao oko 3000 portreta. Je li to tako, teško je reći. U jednoj od knjiga o umjetniku nalazi se popis od 212 točno identificiranih lica koje je Tropinin portretirao. Također ima mnogo radova pod nazivom "Portret nepoznatog (nepoznatog)". Tropinjinu su pozirali državni dostojanstvenici, plemići, ratnici, poslovni ljudi, sitni činovnici, kmetovi, intelektualci i predstavnici ruske kulture. Među njima: povjesničar Karamzin, pisac Zagoskin, likovni kritičar Odoevsky, slikari Bryullov i Aivazovski, kipar Vitali, arhitekt Gilardi, skladatelj Alyabyev, glumci Shchepkin i Mo-chalov, dramaturg Sukhovo-Kobylin.

Jedno od najboljih Tropininovih djela je portret njegova sina. Moram reći da je jedno od "otkrića" ruske umjetnosti XIX stoljeća. nalazio se portret djeteta. U srednjem vijeku na dijete se gledalo kao na malu odraslu osobu koja još nije odrasla. Djeca su čak bila odjevena u odjeću koja se nije razlikovala od odraslih: sredinom 18. stoljeća. djevojke su nosile uske korzete i široke suknje s fijmama. Tek početkom XIX stoljeća. vidjeli su dijete u djetetu. Među prvima su to učinili umjetnici. U portretu Tropinina ima puno jednostavnosti i prirodnosti. Dječak ne pozira. Zainteresiran nečim, okrenuo se na trenutak: usta su mu bila razdvojena, oči su mu sijevale. Izgled djeteta je iznenađujuće šarmantan i poetičan. Zlatna raščupana kosa, otvoreno, djetinjasto punačko lice, živahan pogled inteligentnih očiju. Osjeti se s kakvom je ljubavlju umjetnik slikao portret svoga sina.

Tropinin je dva puta napisao autoportrete. Na jednom kasnijem, datiranom 1846., umjetnik ima 70 godina. Sebe je prikazao s paletom i kistovima u rukama, oslonjen na mastabl - poseban štap kojim se služe slikari. Iza njega je veličanstvena panorama Kremlja. Tropinin je u mladosti posjedovao herojsku snagu i dobro raspoloženje. Sudeći prema autoportretu, zadržao je snagu tijela iu starosti. Zaobljeno lice s naočalama zrači dobrom prirodom. Umjetnik je umro 10 godina kasnije, ali njegova je slika ostala u sjećanju njegovih potomaka - veliki, ljubazan čovjek koji je svojim talentom obogatio rusku umjetnost.

Venetsianov je otkrio seljačku temu u ruskom slikarstvu. Bio je prvi među ruskim umjetnicima koji je na svojim platnima prikazao ljepotu svoje rodne prirode. Žanr pejzaža nije bio omiljen na Umjetničkoj akademiji. Zauzeo je pretposljednje mjesto po važnosti, ostavivši za sobom još podliju – svakodnevicu. Tek su rijetki majstori slikali prirodu, preferirajući talijanske ili imaginarne pejzaže.

U mnogim Venetsianovljevim djelima priroda i čovjek su neodvojivi. Povezani su jednako kao i seljak sa zemljom, njezinim darovima. Njegova najpoznatija djela - "Sjenokoša", "Na oranicama. Proljeće", "Na žetvi. Ljeto" - umjetnik stvara 20-ih godina. Bio je to vrhunac njegove kreativnosti. Nitko u ruskoj umjetnosti nije uspio prikazati seljački život i rad seljaka s takvom ljubavlju i tako poetično kao Venetsianov. Na slici "Na oranici. Proljeće" žena drlja polje. Ovaj naporan, iscrpljujući rad izgleda uzvišeno na Venetsianovljevom platnu: seljanka u elegantnom sarafanu i kokošniku. S lijepim licem i gipkim tijelom, podsjeća na antičku božicu. Vodeći za uzde dva poslušna konja upregnuta u drljaču, ona ne hoda, već kao da lebdi nad poljem. Život okolo teče mirno, odmjereno, mirno. Rijetko drveće se zeleni, bijeli oblaci plove nebom, polje se čini beskrajnim, na rubu kojeg sjedi beba čekajući svoju majku.

Slika "U žetvi. Ljeto" kao da nastavlja prethodnu. Žetva je zrela, polja su klasje zlatne strnine - vrijeme je žetve. U prvom planu, odloživši srp, seljanka doji dijete. Nebo, polje, ljudi koji na njemu rade neodvojivi su za umjetnika. Ali ipak, glavni predmet njegove pažnje uvijek je osoba.

Venetsianov stvorio cijelu galeriju portreta seljaka. To je bilo novo za rusko slikarstvo. U XVIII stoljeću. ljudi iz naroda, a još više kmetovi, malo su zanimali umjetnike. Prema povjesničarima umjetnosti, Venetsianov je prvi u povijesti ruskog slikarstva "uhvatio i rekreirao ruski narodni tip". "Kosci", "Djevojka s razlicima", "Djevojka s teletom", "Uspavani pastir" prekrasne su slike seljaka koje je ovjekovječio Venetsianov. Posebno mjesto u umjetnikovom stvaralaštvu zauzimaju portreti seljačke djece. Kako je dobar "Zakharka" - dječak velikih očiju, prćastog nosa i velikih usana sa sjekirom na ramenu! Čini se da Zakharka personificira energičnu seljačku prirodu, naviknutu na rad od djetinjstva.

Aleksej Gavrilovič ostavio je dobro sjećanje na sebe ne samo kao umjetnika, već i kao izvanrednog učitelja. U jednom od svojih posjeta Sankt Peterburgu uzeo je za učenika jednog umjetnika početnika, pa drugog, trećeg... Tako je nastala cijela umjetnička škola koja je ušla u povijest umjetnosti pod imenom venecijanska. Za četvrt stoljeća kroz njega je prošlo oko 70 nadarenih mladića. Venetsianov je pokušao otkupiti kmetove umjetnike iz zarobljeništva i bio je vrlo zabrinut ako to ne uspije. Najtalentiraniji od njegovih učenika - Grigorij Soroka - nikada nije dobio slobodu od svog zemljoposjednika. Doživio je ukidanje kmetstva, ali je, doveden do očaja svemoći bivšeg vlasnika, počinio samoubojstvo.

Mnogi Venetsianovljevi studenti živjeli su u njegovoj kući uz punu plaću. Shvatili su tajne venecijanskog slikarstva: čvrsto pridržavanje zakona perspektive, pozornost prema prirodi. Među njegovim učenicima bilo je mnogo talentiranih majstora koji su ostavili zapažen trag u ruskoj umjetnosti: Grigorij Soroka, Aleksej Tiranov, Aleksandar Aleksejev, Nikifor Krilov. "Venecijanci" - s ljubavlju su nazivali svoje ljubimce.

Stoga se može tvrditi da je u prvoj trećini 19. stoljeća došlo do naglog uspona kulturnog razvoja Rusije i to se vrijeme naziva zlatnim dobom ruskog slikarstva.

Ruski umjetnici dostigli su razinu umijeća koja njihova djela stavlja u rang s najboljim primjerima europske umjetnosti.

Glorifikacija podviga naroda, ideja o njihovom duhovnom buđenju, osuda pošasti feudalne Rusije - to su glavne teme likovne umjetnosti 19. stoljeća.

U portretu su osobito izražene značajke romantizma - neovisnost ljudske osobnosti, njezina individualnost, sloboda izražavanja osjećaja.

Stvoreni su mnogi portreti likova ruske kulture, dječji portret. Seljačka tema, krajolik, koji je pokazao ljepotu domaće prirode, dolazi u modu.

Sažetak ispita

Predmet: "Romantizam kao smjer u umjetnosti".

Izvedena učenik 11 "B" razreda SŠ br.3

Boiprav Anna

Svjetski učitelj umjetnosti

kulture Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Uvod

2. Uzroci romantizma

3. Glavna obilježja romantizma

4. romantični junak

5. Romantizam u Rusiji

a) Književnost

b) Slikanje

c) Glazba

6. Zapadnoeuropski romantizam

slika

b) Glazba

7. Zaključak

8. Literatura

1. UVOD

Ako pogledate u rječnik ruskog jezika, možete pronaći nekoliko značenja riječi "romantizam": 1. Trend u književnosti i umjetnosti prve četvrtine 19. stoljeća, karakteriziran idealizacijom prošlosti, izolacijom od stvarnosti, kulta ličnosti i čovjeka. 2. Pravac u književnosti i umjetnosti, prožet optimizmom i željom da se živim slikama prikaže visoka svrha čovjeka. 3. Stanje duha prožeto idealizacijom stvarnosti, snena kontemplacija.

Kao što je vidljivo iz definicije, romantizam je pojava koja se ne očituje samo u umjetnosti, već iu ponašanju, odijevanju, stilu života, psihologiji ljudi te se javlja u kritičnim trenucima života, pa je tema romantizma aktualna i danas. . Živimo na prijelazu stoljeća, u prijelaznom smo razdoblju. S tim u vezi, u društvu postoji nevjerica u budućnost, nepovjerenje u ideale, postoji želja da se pobjegne od okolne stvarnosti u svijet vlastitih iskustava i istovremeno ga shvati. Upravo su te značajke karakteristične za romantičnu umjetnost. Zato sam za istraživanje odabrala temu “Romantizam kao smjer u umjetnosti”.

Romantizam je vrlo velik sloj različitih vrsta umjetnosti. Svrha mog rada je pratiti uvjete za nastanak i uzroke nastanka romantizma u različitim zemljama, istražiti razvoj romantizma u umjetničkim oblicima kao što su književnost, slikarstvo i glazba te ih usporediti. Glavni zadatak bio mi je istaknuti glavne značajke romantizma, karakteristične za sve vrste umjetnosti, utvrditi kakav je utjecaj romantizam imao na razvoj drugih pravaca u umjetnosti.

U razvoju teme koristio sam udžbenike o umjetnosti, autora kao što su Filimonova, Vorotnikov i drugi, enciklopedijske publikacije, monografije posvećene raznim autorima ere romantizma, biografske materijale autora kao što su Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova i drugi.

2. RAZLOZI NASTANKA ROMANTIZMA

Što smo bliži modernosti, to su vremenski rasponi dominacije jednog ili drugog stila sve kraći. Vremensko razdoblje kraj 18. – 1. trećina 19. stoljeća. smatra se dobom romantizma (od franc. Romantique; nešto tajanstveno, čudno, nestvarno)

Što je utjecalo na nastanak novog stila?

To su tri glavna događaja: Velika Francuska revolucija, Napoleonovi ratovi, uspon narodnooslobodilačkog pokreta u Europi.

Grmljavina Pariza odjeknula je diljem Europe. Slogan "Sloboda, jednakost, bratstvo!" imao je ogromnu privlačnost za sve europske narode. S formiranjem buržoaskih društava, radnička klasa je počela djelovati protiv feudalnog sustava kao samostalna sila. Suprotstavljena borba triju klasa - plemstva, buržoazije i proletarijata - činila je osnovu povijesnog razvoja 19. stoljeća.

Sudbina Napoleona i njegova uloga u europskoj povijesti dva desetljeća, 1796.-1815., zaokupljala je umove suvremenika. “Vladar misli” – o njemu je govorio A.S. Puškina.

Za Francusku su to bile godine veličine i slave, iako po cijenu života tisuća Francuza. Italija je Napoleona vidjela kao svog osloboditelja. Poljaci su u njega polagali velike nade.

Napoleon je djelovao kao osvajač djelujući u interesu francuske buržoazije. Za europske monarhe on nije bio samo vojni protivnik, već i predstavnik stranog svijeta buržoazije. Mrzili su ga. Početkom Napoleonovih ratova u njegovoj “Velikoj vojsci” bilo je dosta izravnih sudionika revolucije.

Osobnost samog Napoleona također je bila fenomenalna. Mladić Lermontov odgovorio je na desetu godišnjicu Napoleonove smrti:

On je stranac svijetu. Sve u vezi s njim bila je misterija.

Dan uzvišenja - a pad sata!

Ova misterija posebno je privlačila pozornost romantičara.

U vezi s Napoleonskim ratovima i sazrijevanjem nacionalne samosvijesti, ovo razdoblje karakterizira uspon narodnooslobodilačkog pokreta. Njemačka, Austrija, Španjolska borile su se protiv napoleonske okupacije, Italija - protiv austrijskog jarma, Grčka - protiv Turske, u Poljskoj su se borile protiv ruskog carizma, Irska - protiv Britanaca.

Pred očima jedne generacije dogodile su se zapanjujuće promjene.

U Francuskoj je najviše kipjelo: burna peta obljetnica Francuske revolucije, Robespierreov uspon i pad, Napoleonovi pohodi, Napoleonova prva abdikacija, njegov povratak s otoka Elbe ("sto dana") i konačni

poraz kod Waterlooa, sumorna 15. obljetnica režima restauracije, Srpanjska revolucija 1860., Veljača revolucija 1848. u Parizu, koja je izazvala revolucionarni val u drugim zemljama.

U Engleskoj, kao rezultat industrijske revolucije u drugoj polovici XIX. uspostavljena je strojna proizvodnja i kapitalistički odnosi. Parlamentarna reforma iz 1832. otvorila je buržoaziji put do državne vlasti.

U zemljama Njemačke i Austrije vlast su zadržali feudalni vladari. Nakon pada Napoleona oštro su se obračunali s oporbom. Ali čak i na njemačkom tlu, parna lokomotiva, donesena iz Engleske 1831., postala je čimbenik buržoaskog napretka.

Industrijske revolucije, političke revolucije promijenile su lice Europe. “Buržoazija je u manje od stotinu godina svoje klasne dominacije stvorila brojnije i grandioznije proizvodne snage nego sve prethodne generacije zajedno”, napisali su njemački znanstvenici Marx i Engels 1848. godine.

Dakle, Velika Francuska revolucija (1789.-1794.) označila je posebnu prekretnicu koja je odvojila novu eru od doba prosvjetiteljstva. Ne samo da su se promijenili oblici države, socijalna struktura društva, poredak klasa. Uzdrman je cijeli sustav ideja, stoljećima osvijetljen. Prosvjetitelji su ideološki pripremali revoluciju. Ali nisu mogli predvidjeti sve njegove posljedice. “Kraljevstvo razuma” se nije dogodilo. Revolucija, koja je proglasila slobodu pojedinca, iznjedrila je buržoaski poredak, duh sticanja i sebičnosti. Takva je bila povijesna osnova za razvoj umjetničke kulture, koja je postavila novi smjer - romantizam.

3. GLAVNE ZNAČAJKE ROMANTIZMA

Romantizam kao metoda i pravac u umjetničkoj kulturi bio je složen i kontroverzan fenomen. U svakoj zemlji imao je svijetli nacionalni izraz. U književnosti, glazbi, slikarstvu i kazalištu nije lako pronaći obilježja koja spajaju Chateaubrianda i Delacroixa, Mickiewicza i Chopina, Lermontova i Kiprenskog.

Romantičari su zauzimali različite društvene i političke položaje u društvu. Svi su se pobunili protiv rezultata buržoaske revolucije, ali su se pobunili na različite načine, jer je svaki imao svoj ideal. Ali uza sva brojna lica i raznolikosti, romantizam ima stabilna obilježja.

Razočaranje u moderno doba iznjedrilo je poseban zanimanje za prošlost: do predburžoaskih društvenih formacija, do patrijarhalne antike. Mnoge romantičare karakterizirala je ideja da je slikovita egzotika zemalja juga i istoka - Italije, Španjolske, Grčke, Turske - poetski kontrast dosadnoj buržoaskoj svakodnevici. U tim zemljama, tada još malo zahvaćenim civilizacijom, romantičari su tražili svijetle, snažne likove, originalan, živopisan način života. Zanimanje za nacionalnu prošlost iznjedrilo je mnoštvo povijesnih djela.

U nastojanju da se nekako izdignu iznad proze bića, da oslobode raznolike sposobnosti pojedinca, da se u konačnici samoostvare u stvaralaštvu, romantičari su se suprotstavljali formalizaciji umjetnosti i pravocrtnom i promišljenom pristupu njoj, karakterističnom za klasicizam. Svi su došli iz negiranje prosvjetiteljstva i racionalističkih kanona klasicizma,što je sputavalo stvaralačku inicijativu umjetnika.I ako klasicizam ne dijeli sve pravocrtno, na dobro i loše, na crno i bijelo, onda romantizam ne dijeli ništa pravocrtno. Klasicizam je sustav, ali romantizam nije. Romantizam je unaprijedio napredak modernog doba od klasicizma do sentimentalizma, koji prikazuje unutarnji život čovjeka u skladu s ogromnim svijetom. A romantizam suprotstavlja harmoniju unutarnjem svijetu. S romantizmom se počinje javljati pravi psihologizam.

Glavna zadaća romantizma bila je slika unutarnjeg svijeta, duhovni život, a to bi se moglo učiniti na materijalu priča, mistike itd. Trebalo je pokazati paradoksalnost tog unutarnjeg života, njegovu iracionalnost.

Romantičari su u svojoj mašti preobražavali neuglednu stvarnost ili odlazili u svijet svojih iskustava. Jaz između sna i jave, suprotnost lijepe fikcije objektivnoj stvarnosti, leži u središtu čitavog romantičarskog pokreta.

Romantizam prvi put postavlja problem umjetničkog jezika. “Umjetnost je jezik vrlo različite vrste od prirode; ali također sadrži istu čudesnu moć koja jednako tajno i neshvatljivo utječe na ljudsku dušu” (Wackenroder i Tieck). Umjetnik je tumač jezika prirode, posrednik između svijeta duha i ljudi. “Zahvaljujući umjetnicima, čovječanstvo se pojavljuje kao cjelovita individualnost. Umjetnici kroz suvremenost spajaju svijet prošlosti sa svijetom budućnosti. Oni su najviši duhovni organ u kojem se međusobno susreću životne snage njihove vanjske ljudskosti i gdje se prije svega očituje unutarnja ljudskost” (F. Schlegel).

Međutim, romantizam nije bio homogen pravac: njegov ideološki razvoj išao je u različitim smjerovima. Među romantičarima su bili reakcionarni pisci, pristaše starog režima, koji su pjevali feudalnu monarhiju i kršćanstvo. S druge strane, romantičari progresivnih nazora izražavali su demokratski protest protiv feudalnog i svih vrsta ugnjetavanja, utjelovljivali revolucionarni poriv naroda za boljom budućnošću.

Romantizam je ostavio cijelo jedno doba u svjetskoj umjetničkoj kulturi, njegovi predstavnici bili su: u književnosti V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz i dr.; u likovnoj umjetnosti E. Delacroixa, T. Gericaulta, F. Rungea, J. Constablea, W. Turnera, O. Kiprenskog i dr.; u glazbi F. Schuberta, R. Wagnera, G. Berlioza, N. Paganinija, F. Liszta, F. Chopina i dr. Otkrivali su i razvijali nove žanrove, posvećivali veliku pozornost sudbini ljudske osobnosti, otkrivali dijalektika dobra i zla, majstorski razotkrivene ljudske strasti itd.

Umjetničke forme su se više-manje izjednačile u svom značenju i proizvele veličanstvena umjetnička djela, iako su romantičari glazbi davali prednost na ljestvici umjetnosti.

4. ROMANTIČNI JUNAK

Tko je romantični junak i kakav je?

Ovo je individualist. Nadčovjek koji je proživio dvije faze: prije sudara sa stvarnošću živi u ‘ružičastom’ stanju, opsjednut je željom za postignućem, promjenom svijeta; nakon sudara sa stvarnošću, ovaj svijet nastavlja smatrati i vulgarnim i dosadnim, ali ne postaje skeptik, pesimist. S jasnim razumijevanjem da se ništa ne može promijeniti, želja za podvigom degenerira se u želju za opasnošću.

Romantičari su svakoj sitnici, svakoj konkretnoj činjenici, svemu pojedinačnom mogli dati vječnu, trajnu vrijednost. Joseph de Maistre naziva ga "putevima Providnosti", Germaine de Stael - "plodnim grudima besmrtnog svemira". Chateaubriand u "Geniju kršćanstva", u knjizi posvećenoj povijesti, izravno ukazuje na Boga kao početak povijesnog vremena. Društvo se pojavljuje kao nepokolebljiva veza, "nit života koja nas povezuje s našim precima i koju moramo produžiti na svoje potomke". Samo srce čovjeka, a ne razum, može razumjeti i čuti glas Stvoritelja, kroz ljepotu prirode, kroz duboke osjećaje. Priroda je božanska, ona je izvor harmonije i kreativnih snaga, njezine metafore romantičari često prenose u politički leksikon. Za romantičare stablo postaje simbol obitelji, spontanog razvoja, percepcije sokova rodne zemlje, simbol nacionalnog jedinstva. Što je narav osobe nevinija i osjetljivija, to lakše čuje Božji glas. Dijete, žena, plemenita mladost češće od drugih vide besmrtnost duše i vrijednost vječnog života. Žeđ romantičara za blaženstvom nije ograničena na idealističku želju za Kraljevstvom Božjim nakon smrti.

Osim mistične ljubavi prema Bogu, čovjeku je potrebna prava, zemaljska ljubav. Ne mogavši ​​posjedovati predmet svoje strasti, romantični junak postao je vječni mučenik, osuđen čekati susret sa svojom voljenom u zagrobnom životu, "jer je velika ljubav vrijedna besmrtnosti kad je čovjeka koštala života."

Posebno mjesto u stvaralaštvu romantičara zauzima problem razvoja i obrazovanja pojedinca. Djetinjstvo je lišeno zakona, njegovi trenutni porivi krše javni moral, pokoravajući se vlastitim pravilima dječje igre. Kod odrasle osobe slične reakcije dovode do smrti, do osude duše. U potrazi za nebeskim kraljevstvom, osoba mora shvatiti zakone dužnosti i morala, tek tada se može nadati vječnom životu. Budući da romantičarima dužnost nalaže njihova želja za dobivanjem vječnog života, ispunjenje dužnosti daje osobnu sreću u njezinoj najdubljoj i najsnažnijoj manifestaciji. Moralnoj dužnosti pridodaje se dužnost dubokih osjećaja i uzvišenih interesa. Ne miješajući zasluge različitih spolova, romantičari zagovaraju jednakost duhovnog razvoja muškaraca i žena. Na isti način, ljubav prema Bogu i njegovim institucijama nalaže građansku dužnost. Osobna težnja nalazi svoj završetak u zajedničkoj stvari, u težnji cijele nacije, cijelog čovječanstva, cijelog svijeta.

Svaka kultura ima svog romantičnog junaka, ali Byron je u svom djelu Charld Harold dao tipičan prikaz romantičnog junaka. Navukao je masku svog junaka (kaže da između junaka i autora nema distance) i uspio se povinovati romantičarskom kanonu.

Sva romantična djela karakteriziraju karakteristične značajke:

Prvo, u svakom romantičnom djelu ne postoji distanca između junaka i autora.

Drugo, autor junaka ne osuđuje, ali čak i ako se nešto loše kaže o njemu, radnja je izgrađena na način da junak nije kriv. Zaplet je u romantičnom djelu obično romantičan. Romantičari također grade poseban odnos prema prirodi, vole oluje, grmljavine, kataklizme.

5. ROMANTIZAM U RUSIJI.

Romantizam u Rusiji razlikovao se od zapadnoeuropskog u korist drugačijeg povijesnog okruženja i drugačije kulturne tradicije. Francuska revolucija ne može se ubrojiti kao jedan od uzroka njezina nastanka; vrlo uzak krug ljudi polagao je nade u promjene u njezinu tijeku. A rezultati revolucije bili su potpuno razočaravajući. Pitanje kapitalizma u Rusiji početkom 19. stoljeća. nije stajao. Dakle, nije postojao takav razlog. Pravi razlog bio je Domovinski rat 1812. u kojem se očitovala sva snaga narodne inicijative. Ali nakon rata narod nije dobio volju. Najbolje plemstvo, nezadovoljno stvarnošću, izašlo je u prosincu 1825. na Senatski trg. Taj je čin ostavio traga i na stvaralačkoj inteligenciji. Burne poratne godine postale su okruženje u kojem se formirao ruski romantizam.

Romantizam, a štoviše, naš, ruski, razvio se i ukalupio u naše izvorne oblike, romantizam nije bio obična književna, nego životna pojava, cijelo jedno doba moralnog razvoja, doba koje je imalo svoju posebnu boju, vršilo poseban pogled u životu ... Neka je romantičarski trend došao izvana, iz zapadnog života i zapadnih književnosti, on je u ruskoj prirodi našao tlo spremno za svoje opažanje, i stoga se odrazio u potpuno originalnim pojavama, kao što je pjesnik i kritičar Apollon Grigoriev ocijenili - riječ je o jedinstvenom kulturnom fenomenu, a njegova karakterizacija pokazuje suštinsku kompleksnost romantizma iz čijih je utroba mladi Gogolj izašao i s kojim je bio vezan ne samo na početku svoje spisateljske karijere, nego i kroz cijeli život.

Apolon Grigorjev točno je odredio narav utjecaja romantičarske škole na književnost i život, pa tako i na prozu toga vremena: nije riječ o jednostavnom utjecaju ili posuđivanju, nego o karakterističnom i snažnom životnom i književnom smjeru koji je dao sasvim originalne pojave u mladoj ruskoj književnosti.

a) Književnost

Ruski romantizam obično se dijeli na nekoliko razdoblja: početno (1801.-1815.), zrelo (1815.-1825.) i razdoblje postdekabrističkog razvoja. Međutim, u odnosu na početno razdoblje, upečatljiva je konvencionalnost ove sheme. Jer praskozorje ruskog romantizma povezuje se s imenima Žukovskog i Batjuškova, pjesnika čije je djelo i svjetonazor teško staviti uz rame i usporediti unutar istog razdoblja, toliko su im različiti ciljevi, težnje i temperamenti. U pjesmama oba pjesnika i dalje se osjeća moćni utjecaj prošlosti, doba sentimentalizma, ali ako je Žukovski još uvijek duboko ukorijenjen u njemu, onda je Batjuškov mnogo bliži novim trendovima.

Belinski je s pravom primijetio da rad Žukovskog karakteriziraju "žalbe na nesavršene nade koje nisu imale imena, tuga za izgubljenom srećom, koja se Bog zna u čemu sastojala". Doista, u osobi Žukovskoga romantizam je još činio svoje prve stidljive korake, odajući danak sentimentalnoj i melankoličnoj čežnji, nejasnoj, jedva primjetnoj žudnji srca, jednom riječju, onom složenom skupu osjećaja koji je u ruskoj kritici bio nazvan "romantizam srednjeg vijeka".

Potpuno drugačija atmosfera vlada u Batjuškovoj poeziji: radost postojanja, iskrena senzualnost, himna užitku.

Žukovski se s pravom smatra istaknutim predstavnikom ruskog estetskog humanizma. Stranac jakim strastima, samozadovoljni i krotki Žukovski bio je pod primjetnim utjecajem ideja Rousseaua i njemačkih romantičara. Slijedeći ih, veliku važnost pridavao je estetskoj strani u vjeri, moralu i društvenim odnosima. Umjetnost je od Žukovskog dobila religiozno značenje, on je u umjetnosti nastojao vidjeti "otkrivenje" viših istina, ona je za njega bila "sveta". Za njemačke romantičare tipično je poistovjećivanje poezije i vjere. Isto nalazimo i kod Žukovskog, koji je napisao: "Poezija je Bog u svetim snovima zemlje." U njemačkom romantizmu posebno mu je bila bliska privlačnost prema onom onostranom, prema “noćnoj strani duše”, prema onom “neiskazivom” u prirodi i čovjeku. Priroda je u poeziji Žukovskog okružena tajanstvenošću, njegovi pejzaži su sablasni i gotovo nestvarni, poput odraza u vodi:

Kako se tamjan stapa sa svježinom biljaka!

Kako je slatko u tišini na obali prskanja mlaznica!

Kako je tih vjetar sljeza na vodama

I savitljiva vrba leprša!

Osjetljiva, nježna i sanjiva duša Žukovskog kao da se slatko smrzne na pragu "ove tajanstvene svjetlosti". Pjesnik, prema prikladnom izrazu Belinskog, "voli i golubuje svoju patnju", ali ta patnja ne bode njegovo srce okrutnim ranama, jer čak iu tjeskobi i tuzi njegov je unutarnji život tih i spokojan. Stoga, kada u poruci Batjuškovu, "sinu blaženstva i zabave", epikurejskog pjesnika naziva "srodnim Muzi", teško je povjerovati u tu vezu. Umjesto toga, vjerujemo čestitom Žukovskom, koji pjevaču zemaljskih užitaka prijateljski savjetuje: "Odbaci sladostrasnost, snovi su kobni!"

Batjuškov je lik u svemu suprotan Žukovskom. Bio je čovjek jakih strasti, a njegov stvaralački život prekinut je 35 godina ranije od njegove fizičke egzistencije: kao vrlo mlad survao se u ponor ludila. S jednakom snagom i strašću posvetio se i radostima i tugama: u životu, kao iu njegovu poetskom shvaćanju, njemu je - za razliku od Žukovskog - bila strana "zlatna sredina". Iako njegovu poeziju karakterizira i pohvala čistom prijateljstvu, radosti "skromnog kutka", njegova idila nipošto nije skromna i tiha, jer je Batjuškov ne može zamisliti bez tromog blaženstva strastvenih užitaka i opijenosti životom. Ponekad je pjesnik toliko zanesen čulnim radostima da je spreman bezobzirno odbaciti tlačiteljsku mudrost nauke:

Je li u istine tužne

Sumorni stoici i dosadni mudraci,

Sjedeći u pogrebnim haljinama,

Između ruševina i lijesova

Hoćemo li pronaći slast našeg života?

Od njih vidim radost

Leti kao leptir s trnja.

Za njih nema draži u čarima prirode,

Djevojke im ne pjevaju, ispreplićući se u kolu;

Za njih, kao za slijepe,

Proljeće bez radosti i ljeto bez cvijeća.

U njegovim pjesmama rijetko zvuči istinska tragedija. Tek pri kraju stvaralačkog vijeka, kada je počeo pokazivati ​​znakove duševne bolesti, pod diktatom je snimljena jedna od njegovih posljednjih pjesama u kojoj jasno zvuče motivi uzaludnosti ovozemaljskog postojanja:

Sjećaš li se što si rekao

Opraštaš se od života, sijedi Melkisedek?

Čovjek je rođen kao rob

Leći će kao rob u grob,

A smrt će mu teško reći

Zašto je hodao dolinom čudesnih suza,

Patila, plakala, podnosila,

U Rusiji se romantizam kao književni pravac razvio do dvadesetih godina devetnaestog stoljeća. Njegovo podrijetlo bili su pjesnici, prozaisti, književnici, a oni su stvorili ruski romantizam, koji se od "zapadnoeuropskog" razlikovao po nacionalnom, izvornom karakteru. Ruski romantizam razvili su pjesnici prve polovice devetnaestog stoljeća, a svaki je pjesnik donio nešto novo. Ruski romantizam bio je široko razvijen, stekao je karakteristična obilježja i postao samostalan pravac u književnosti. U "Ruslanu i Ljudmili" A.S. Puškina postoje stihovi: "Tamo je ruski duh, tamo miriše na Rusiju." Isto se može reći i za ruski romantizam. Junaci romantičarskih djela su pjesničke duše koje teže "visokom" i lijepom. Ali postoji neprijateljski svijet koji vam ne dopušta da osjetite slobodu, što ove duše čini neshvatljivima. Grub je ovaj svijet, pa pjesnička duša bježi u drugi, gdje je ideal, teži za “vječnim”. Romantizam se temelji na tom sukobu. Ali pjesnici su drugačije reagirali na ovu situaciju. Žukovski, Puškin, Lermontov, polazeći od jedne stvari, na različite načine grade odnos svojih junaka i svijeta oko njih, stoga su njihovi junaci imali različite puteve do ideala.

Stvarnost je strašna, gruba, drska i sebična, u njoj nema mjesta za osjećaje, snove i želje pjesnika, njegovih junaka. „Istinski“ i vječni – na onom svijetu. Otuda koncept dva svijeta, pjesnik teži jednom od tih svjetova u potrazi za idealom.

Pozicija Žukovskog nije bila pozicija osobe koja je ušla u borbu s vanjskim svijetom, koji ga je izazivao. Bio je to put kroz jedinstvo s prirodom, put harmonije s prirodom, u vječnom i lijepom svijetu. Žukovski, po mišljenju mnogih istraživača (uključujući Yu.V. Manna), izražava svoje razumijevanje ovog procesa jedinstva u Neiskazivom. Jedinstvo je let duše. Ljepota koja te okružuje ispunjava tvoju dušu, u tebi je, i ti si u njoj, duša leti, ne postoji ni vrijeme ni prostor, ali ti postojiš u prirodi, i ovog trenutka živiš, želiš pjevati o ovoj ljepoti , ali ne postoje riječi kojima se izražava vaše stanje, postoji samo osjećaj harmonije. Ne smetaju vam ljudi oko vas, prozaične duše, više vam je otvoreno, slobodni ste.

Puškin i Ljermontov različito su pristupili ovom problemu romantizma. Nema sumnje da se utjecaj koji je Žukovski izvršio na Puškina nije mogao ne odraziti u djelu potonjeg. Rano Puškinovo stvaralaštvo karakterizira "građanski" romantizam. Pod utjecajem "Pjevača u taboru ruskih ratnika" Žukovskog i djela Gribojedova, Puškin piše ode "Slobodi", "Čadajevu". U posljednjem, on poziva:

"Prijatelju moj! Posvetimo svoje duše domovini s divnim poticajima ...". To je ista želja za idealom koju je imao Žukovski, samo Puškin shvaća ideal na svoj način, stoga je put do ideala za pjesnika drugačiji. On ne želi i ne može sam težiti idealu, pjesnik ga poziva. Puškin je drugačije gledao na stvarnost i ideal. Ne možete to nazvati pobunom, ovo je refleksija na buntovničke elemente. To se odrazilo u odi "More". To je snaga i moć mora, more je slobodno, doseglo je svoj ideal. Čovjek također mora postati slobodan, njegov duh mora biti slobodan.

Potraga za idealom glavno je obilježje romantizma. Očitovao se u radu Žukovskog, Puškina i Ljermontova. Sva tri pjesnika su tražila slobodu, ali su je tražili na različite načine, različito su je shvaćali. Žukovski je tražio slobodu koju je poslao "tvorac". Pronašavši harmoniju, osoba postaje slobodna. Za Puškina je bila važna sloboda duha, koja se trebala očitovati u čovjeku. Za Ljermontova je samo buntovni junak slobodan. Pobuna za slobodu, što može biti ljepše? Taj odnos prema idealu sačuvan je u ljubavnoj lirici pjesnika. Po mom mišljenju, ovaj odnos je rezultat vremena. Iako su svi radili gotovo u istom razdoblju, vrijeme njihova rada bilo je različito, događaji su se razvijali neobičnom brzinom. Na njihov odnos uvelike su utjecali i likovi pjesnika. Smireni Žukovski i buntovni Ljermontov potpuna su suprotnost. Ali ruski se romantizam razvio upravo zato što su naravi tih pjesnika bile različite. Uveli su nove pojmove, nove likove, nove ideale, dali cjelovitu sliku o tome što je sloboda, što je pravi život. Svaki od njih predstavlja svoj put do ideala, to je pravo izbora svakog pojedinca.

Sama pojava romantizma bila je vrlo uznemirujuća. Ljudska je individualnost sada stajala u središtu cijeloga svijeta. Ljudsko "ja" počelo se tumačiti kao osnova i smisao svega postojanja. Ljudski se život počeo smatrati umjetničkim djelom, umjetnošću. Romantizam je bio vrlo raširen u 19. stoljeću. Ali nisu svi pjesnici koji su sebe nazivali romantičarima prenijeli bit ovog trenda.

Sada, na kraju 20. stoljeća, romantičare prošloga stoljeća već po ovoj osnovi možemo svrstati u dvije skupine. Jedna i vjerojatno najopsežnija skupina je ona koja je ujedinila “formalne” romantičare. Teško ih je posumnjati u neiskrenost, naprotiv, vrlo precizno prenose svoje osjećaje. Među njima su Dmitrij Venevitinov (1805.-1827.) i Aleksandar Poležajev (1804.-1838.). Ovi su se pjesnici služili romantičarskim oblikom, smatrajući ga najprikladnijim za postizanje svog umjetničkog cilja. Dakle, D. Venevitinov piše:

Osjećam da gori u meni

Sveti plamen inspiracije

Ali duh lebdi prema mračnom cilju...

Hoću li naći pouzdanu liticu,

Gdje mogu odmoriti svoju čvrstu nogu?

Ovo je tipična romantična pjesma. Koristi se tradicionalnim romantičnim rječnikom - ovo je i "plamen nadahnuća" i "uzvišeni duh". Tako pjesnik opisuje svoje osjećaje. Ali ne više. Pjesnika vežu okviri romantizma, njegova “rečna pojava”. Sve je pojednostavljeno na neke marke.

Predstavnici druge skupine romantičara 19. stoljeća, naravno, bili su A. S. Puškin i M. Lermontov. Ti su pjesnici, naprotiv, ispunili romantičnu formu vlastitim sadržajem. Romantično razdoblje u životu A. Puškina bilo je kratko, pa ima malo romantičnih djela. “Kavkaski zarobljenik” (1820.-1821.) jedna je od najranijih romantičnih pjesama A.S. Puškina. Pred nama je klasična verzija romantičnog djela. Autor nam ne daje portret svog junaka, čak mu ne znamo ni ime. I to ne čudi - svi romantični junaci slični su jedni drugima. Mlade su, lijepe... i nesretne. Radnja djela također je klasično romantična. Ruski zarobljenik kod Čerkeza, mlada Čerkezkinja se zaljubljuje u njega i pomaže mu da pobjegne. Ali on beznadno voli drugu... Pjesma završava tragično - Čerkezinka se baca u vodu i umire, a Rus, oslobođen "fizičkog" zatočeništva, pada u drugo, bolnije zarobljeništvo - zarobljeništvo duše. Što znamo o herojevoj prošlosti?

Dug put vodi do Rusije...

.....................................

Gdje je prigrlio strašnu patnju,

Gdje je užurbani život uništen

Nada, radost i želja.

Došao je u stepu u potrazi za slobodom, pokušao je pobjeći od svog prošlog života. A sada, kad se činilo da je sreća tako blizu, opet je morao pobjeći. Ali gdje? Povratak u svijet gdje je "prigrlio strašnu patnju".

Otpadnik svjetla, prijatelj prirode,

Napustio je rodni kraj

I odleti u daleku zemlju

S vedrim duhom slobode.

Ali “duh slobode” ostao je samo duh. On će zauvijek proganjati romantičnog junaka. Još jedna romantična pjesma je "Cigani". U njemu autor ponovno ne daje čitatelju portret heroja, znamo samo njegovo ime - Aleko. Došao je u logor da upozna pravo zadovoljstvo, pravu slobodu. Zbog nje je napustio sve što ga je okruživalo. Je li bio slobodan i sretan? Čini se da Aleko voli, ali s tim osjećajem dolaze mu samo nesreća i prezir. Aleko, koji je toliko žudio za slobodom, nije mogao prepoznati volju u drugoj osobi. U ovoj se pjesmi očitovala još jedna od iznimno karakterističnih osobina svjetonazora romantičarskoga junaka – sebičnost i potpuna neusklađenost s vanjskim svijetom. Aleko nije kažnjen smrću, nego još gore - usamljenošću i raspravom. Bio je sam u svijetu iz kojeg je pobjegao, ali u drugom, tako poželjnom, opet je ostao sam.

Prije nego što je napisao Kavkaski zarobljenik, Puškin je jednom rekao: "Nisam sposoban biti junak romantične pjesme"; međutim, u isto vrijeme, 1820., Puškin je napisao svoju pjesmu "Ugasilo se svjetlo dana ...". U njemu možete pronaći sav vokabular svojstven romantizmu. To je i “zabačena obala”, i “sumorni ocean”, i “uzbuđenje i čežnja” koji muče autora. Refren se provlači kroz cijelu pjesmu:

Valaj poda mnom, smrknuti oceanu.

Prisutan je ne samo u opisu prirode, već iu opisu osjećaja junaka.

... Ali bivše srce rane,

Duboke rane ljubavi, ništa nije zacijelilo...

Buka, buka, poslušno jedro,

Briga ispod mene, tmurni more...

Odnosno, priroda postaje još jedan lik, još jedan lirski junak pjesme. Kasnije, 1824. godine, Puškin je napisao pjesmu "Moru". Romantični junak u njemu, kao iu "Svjetlo dana se ugasilo ...", ponovno je postao sam autor. Puškin ovdje spominje more kao tradicionalni simbol slobode. More je element, koji znači slobodu i sreću. Međutim, Puškin ovu pjesmu gradi neočekivano:

Čekao si, zvao si... Bio sam okovan;

Ovdje mi se duša rastrgala:

Očarana silnom strašću,

Ostao sam na obali...

Možemo reći da ova pjesma zaokružuje romantično razdoblje Puškinova života. Napisao ju je čovjek koji zna da nakon što postigne takozvanu "fizičku" slobodu, romantični junak ne postaje sretan.

U šumama, u pustinjama je tišina

Prenijet ću, pun tebe,

Tvoje stijene, tvoje uvale...

U to vrijeme Puškin dolazi do zaključka da istinska sloboda može postojati samo u čovjeku i samo ga ona može učiniti istinski sretnim.

Varijantu Byronova romantizma živio je i osjetio u svom djelu prvi u ruskoj kulturi Puškin, zatim Ljermontov. Puškin je imao dar za obraćanje pažnje na ljude, a ipak je najromantičnija od romantičnih pjesama u djelu velikog pjesnika i prozaika nedvojbeno Fontana Bakhchisarai.

Pjesma "Fontana Bakhchisaray" još samo nastavlja Puškinovo traženje u žanru romantične pjesme. A sigurno je da je to spriječila smrt velikog ruskog pisca.

Romantična tema u Puškinovom djelu dobila je dvije različite opcije: postoji herojski romantični junak ("zarobljenik", "razbojnik", "bjegunac"), koji se odlikuje snažnom voljom, koji je prošao kroz okrutni test nasilnih strasti, i postoji heroj patnik kod kojeg su suptilna emocionalna iskustva nespojiva s okrutnošću vanjskog svijeta (»izgnanik«, »zatočenik«). Pasivni početak u romantičnom liku sada je kod Puškina dobio žensko ruho. Bakhchisarayska fontana razvija upravo ovaj aspekt romantičnog junaka.

U "Kavkaskom zarobljeniku" sva je pažnja posvećena "zarobljeniku", a vrlo malo "Čerkezu", sada naprotiv - Kan Girej nije ništa više od nedramatičnog lika, i doista je glavni lik žena, čak dvije - Zarema i Maria. Rješenje dvojnosti junaka koje nalazimo u prethodnim pjesmama (kroz sliku okovane braće) Puškin koristi i ovdje: pasivni početak prikazan je u sučeljavanju dvaju likova - ljubomorne, strastveno zaljubljene Zareme i tužne , izgubljena nada i ljubav Marija. Oboje su dvije sukobljene strasti romantične prirode: razočaranje, malodušnost, beznađe i istodobno duhovni žar, intenzitet osjećaja; proturječje se u pjesmi razrješava tragično - ni Zaremi smrt Marije nije donijela sreću jer ih povezuju tajanstvene veze. Tako je u Braći razbojnicima smrt jednog od braće zauvijek zasjenila život onog drugog.

Međutim, B. V. Tomashevsky je ispravno primijetio, "lirska izoliranost pjesme također je odredila određenu oskudnost sadržaja ... Moralna pobjeda nad Zaremom ne vodi do daljnjih zaključaka i razmišljanja ... "Zatočenik Kavkaza" ima jasan nastavak u Puškinovo djelo: i Aleko i Eugene Onegin dopuštaju ... pitanja postavljena u prvoj južnoj pjesmi. “Fontana Bakhchisarai” nema takav nastavak ... "

Puškin je napipao i identificirao najosjetljiviju točku u romantičnom položaju osobe: on želi sve samo za sebe.

Lermontovljeva pjesma "Mtsyri" također ne odražava u potpunosti karakteristične značajke romantizma.

U ovoj pjesmi postoje dva romantična junaka, stoga, ako je ovo romantična pjesma, onda je vrlo osebujna: prvo, drugog junaka autor prenosi kroz epigraf; drugo, autor se ne povezuje s Mtsyrijem, junak rješava problem samovolje na svoj način, a Lermontov kroz cijelu pjesmu samo razmišlja o rješavanju tog problema. On ne osuđuje svog junaka, ali ga ni ne opravdava, ali zauzima određeni stav – razumijevanja. Ispada da se romantizam u ruskoj kulturi pretvara u refleksiju. Ispada romantizam u smislu realizma.

Može se reći da Puškin i Ljermontov nisu uspjeli postati romantičari (iako se Ljermontov jednom uspio povinovati romantičarskim zakonima – u drami Maskarada). Pjesnici su svojim eksperimentima pokazali da u Engleskoj položaj individualista može biti plodan, ali ne i u Rusiji. Iako Puškin i Ljermontov nisu uspjeli postati romantičari, utrli su put razvoju realizma. Godine 1825. objavljeno je prvo realističko djelo: “Boris Godunov”, zatim “Kapetanova kći”, “Evgenije Onjegin”, “Junak našeg vremena” i mnoga druga.

b) Slikanje

U likovnoj umjetnosti romantizam se najjasnije očitovao u slikarstvu i grafici, manje izražajno u kiparstvu i arhitekturi. Ruski slikari romantičari bili su istaknuti predstavnici romantizma u likovnim umjetnostima. U svojim platnima izražavali su duh ljubavi prema slobodi, aktivnog djelovanja, strastveno i temperamentno apelirali na manifestaciju humanizma. Svakodnevna platna ruskih slikara odlikuju se relevantnošću i psihologizmom, izrazom bez presedana. Produhovljeni, melankolični pejzaži opet su isti pokušaj romantičara da prodru u ljudski svijet, da pokažu kako čovjek živi i sanja u sublunarnom svijetu. Rusko romantično slikarstvo razlikovalo se od stranog. To je odredila povijesna situacija i tradicija.

Značajke ruskog romantičnog slikarstva:

Prosvjetiteljska ideologija je oslabila, ali nije propala, kao u Europi. Stoga romantizam nije bio izražen.

Romantizam se razvijao paralelno s klasicizmom, često se ispreplićući s njim.

Akademsko slikarstvo u Rusiji još se nije iscrpilo.

Romantizam u Rusiji nije bio stabilna pojava, romantičare je privlačio akademizam. Do sredine XIX stoljeća. romantična je tradicija gotovo zamrla.

Djela vezana uz romantizam počela su se pojavljivati ​​u Rusiji već 1790-ih (djela Feodosija Janenka "Putnici uhvaćeni u oluji" (1796.), "Autoportret u kacigi" (1792.). U njima je očit prototip - Salvator Rosa, vrlo popularan na prijelazu iz 18. u 19. stoljeće. Kasnije će utjecaj ovog proto-romantičarskog umjetnika biti primjetan u djelu Aleksandra Orlovskog. Pljačkaši, scene logorske vatre, bitke pratile su cijelu njegovu karijeru. Kao iu drugim zemljama , umjetnici ruskog romantizma unijeli su portrete, krajolike i žanr-scene u potpuno novi emocionalni ugođaj.

U Rusiji se romantizam počeo manifestirati prvo u portretno slikarstvo. U prvoj trećini 19. stoljeća uglavnom je izgubila kontakt s visokom aristokracijom. Značajno mjesto počeli su zauzimati portreti pjesnika, umjetnika, pokrovitelja umjetnosti, slika običnih seljaka. Taj je trend posebno bio izražen u radu O.A. Kiprenski (1782. - 1836.) i V.A. Tropinin (1776. - 1857.).

Vasilij Andrejevič Tropinin težio je živoj, ležernoj karakterizaciji osobe, izraženoj kroz njen portret. Portret sina (1818.), "Portret A. S. Puškina" (1827.), "Autoportret" (1846.) zadivljuju ne portretnom sličnošću s originalima, već neobično suptilnim prodorom u unutarnji svijet osobe.

Portret sina- Arsenia Tropinina jedan je od najboljih u majstorskom radu. Izvrsne, nježne zlatne boje koje podsjećaju na valersko slikarstvo XVIII. Međutim, u usporedbi s tipičnim dječjim portretom u romantizmu XVIII. ovdje je upečatljiv nepristran dizajn - ovo dijete pozira u vrlo maloj mjeri. Arsenijev pogled klizi pored gledatelja, ležerno je odjeven, kapija kao da se slučajno otvara. Nedostatak reprezentativnosti je u izuzetnoj fragmentiranosti kompozicije: glava ispunjava gotovo cijelu površinu platna, slika je odsječena do samih ključnih kostiju, pa je dječakovo lice automatski pomaknuto prema promatraču.

Izvanredno zanimljiva povijest stvaranja "Puškinov portret". Kao i obično, za prvo upoznavanje s Puškinom, Tropinin je došao u kuću Sobolevskog na igralištu za pse, gdje je pjesnik tada živio. Umjetnik ga je zatekao u svom uredu kako se petlja sa psićima. U isto vrijeme, očito, napisano je prema prvom dojmu, koji je Tropinin toliko cijenio, mala skica. Dugo je ostao izvan vidokruga svojih progonitelja. Tek gotovo stotinu godina kasnije, do 1914., objavio ju je P.M. Shchekotov, koji je napisao da od svih portreta Aleksandra Sergejeviča, on "najviše prenosi njegove crte ... pjesnikove plave oči ovdje su ispunjene posebnim sjajem, okret glave je brz, a crte lica su izražajne i pokretne . Bez sumnje, ovdje su uhvaćene prave crte Puškinova lica, koje pojedinačno susrećemo na jednom ili drugom portretu koji je došao do nas. Ostaje zagonetka,” dodaje Shchekotov, “zašto ova šarmantna skica nije dobila dužnu pažnju izdavača i poznavatelja pjesnika.” To se objašnjava samim kvalitetama male skice: u njoj nije bilo ni sjaja boja, ni ljepote poteza, ni majstorski napisanih "kružnih tokova". A Puškin ovdje nije popularni "vitia", nije "genij", već, prije svega, čovjek. I teško je podložno analizi zašto je tako veliki ljudski sadržaj sadržan u monokromatskoj sivkastozelenoj, maslinastoj skali, u žurnim, kao nasumičnim potezima kistom jedne gotovo neopisive etide. Pregledavajući u sjećanju sve Puškinove životne i kasnije portrete, ova se studija po snazi ​​ljudskosti može staviti samo uz lik Puškina, koji je izradio sovjetski kipar A. Matvejev. Ali to nije bio zadatak koji si je Tropinin postavio, to nije bio Puškin kakvog je njegov prijatelj želio vidjeti, iako je naredio da se pjesnik prikaže u jednostavnom, domaćem obliku.

Po umjetnikovoj ocjeni, Puškin je bio "car-pjesnik". Ali bio je i narodni pjesnik, bio je svoj i svima blizak. “Sličnost portreta s originalom je nevjerojatna”, napisao je Polevoj na kraju, iako je primijetio nedostatak “brzine pogleda” i “živog izraza lica”, koji mijenja i oživljava Puškina svakim novim dojmom. .

U portretu je sve promišljeno i provjereno do najsitnijih detalja, au isto vrijeme nema ničeg namjernog, ničeg što je umjetnik unio. Čak su i prstenovi koji krase pjesnikove prste istaknuti do te mjere da im je sam Puškin pridavao važnost u životu. Među slikovitim otkrićima Tropinjina, Puškinov portret zadivljuje zvučnošću svog raspona.

Tropinjinov romantizam ima izrazito izraženo sentimentalističko podrijetlo. Upravo je Tropinin bio začetnik žanra, pomalo idealiziranog portreta čovjeka iz naroda ("Čipkarica" ​​(1823.)). “I znalci i ne znalci”, piše Svinin o tome "Čipkarica" ​​-- naići na divljenje gledajući ovu sliku, koja doista spaja sve ljepote likovne umjetnosti: ugodnost kista, pravo, veselo osvjetljenje, boja je čista, prirodna, štoviše, ovaj portret otkriva dušu ljepotice i to lukav pogled pun znatiželje koji dobacuje nekome tko je u tom trenutku ušao. Ruke joj, gole do lakta, zastadoše s pogledom, stade posao, uzdah izleti iz djevičanskih grudi, pokrivenih maramom od muslina - a sve je to prikazano s takvom istinom i jednostavnošću da se ova slika može vrlo lako pogriješiti. za najuspješnije djelo slavnog Sna. Sekundarni predmeti, poput čipkanog jastuka i ručnika, aranžirani su s velikom umjetnošću i razrađeni do kraja...”

Početkom 19. stoljeća Tver je bio značajno kulturno središte Rusije. Svi istaknuti ljudi Moskve dolazili su ovdje na književne večeri. Ovdje je mladi Orest Kiprenski upoznao A. S. Puškina, čiji je portret, kasnije naslikan, postao biserom svjetske portretne umjetnosti, a A. S. Puškin će mu posvetiti pjesme u kojima će ga nazvati "miljenikom lake mode". Portret Puškina kistovi O. Kiprenskog živa su personifikacija pjesničkog genija. U odlučnom okretu glave, u snažno prekriženim rukama na prsima, cijela pjesnikova pojava otkriva osjećaj neovisnosti i slobode. O njemu je Puškin rekao: "Vidim sebe kao u ogledalu, ali ovo ogledalo mi laska." U radu na Puškinovom portretu Tropinjin i Kiprenski susreću se posljednji put, iako se taj susret ne događa osobno, već mnogo godina kasnije u povijesti umjetnosti, gdje se u pravilu pojavljuju dva portreta najvećeg ruskog pjesnika. uspoređuju se, nastaju istovremeno, ali na različitim mjestima - jedan u Moskvi. Drugi u Sankt Peterburgu. Sada je ovo susret majstora koji su jednako veliki po svom značaju za rusku umjetnost. Iako štovatelji Kiprenskog tvrde da su umjetničke prednosti na strani njegova romantičnog portreta, gdje je pjesnik predstavljen uronjen u vlastite misli, sam s muzom, narodnost i demokratičnost slike svakako su na strani Puškina Tropininskog.

Dakle, dva portreta odražavaju dva područja ruske umjetnosti, koncentrirana u dvije prijestolnice. A kasnije će kritičari pisati da je Tropinin za Moskvu bio ono što je Kiprenski bio za Petrograd.

Posebnost portreta Kiprenskog je da pokazuju duhovni šarm i unutarnju plemenitost osobe. Portret heroja, hrabrog i snažnog osjećaja, trebao je utjeloviti patos slobodoljubivih i patriotskih raspoloženja napredne ruske osobe.

ispred "Portret E.V. Davidova"(1809.) prikazuje lik časnika, koji izravno očituje izraz onog kulta snažne i hrabre ličnosti, tako tipičnog za romantizam tih godina. Fragmentarno prikazan krajolik, gdje se tračak svjetla bori s tamom, nagovještava duhovne tjeskobe junaka, ali na njegovom licu odraz je snene osjetljivosti. Kiprenski je tražio "ljudsko" u čovjeku, a ideal mu nije zamaglio osobne crte karaktera modela.

Portreti Kiprenskog, ako ih gledate umom, pokazuju duhovno i prirodno bogatstvo osobe, njegovu intelektualnu snagu. Da, imao je ideal skladne osobnosti, o čemu su govorili njegovi suvremenici, ali Kiprenski nije nastojao taj ideal doslovno projicirati na umjetničku sliku. U stvaranju umjetničke slike pošao je od prirode, kao da mjeri koliko je daleko ili blizu takvom idealu. Naime, mnogi od onih koje on prikazuje nalaze se na pragu ideala, usmjereni su prema njemu, dok je sam ideal, prema idejama romantičarske estetike, teško dostižan, a sva je romantičarska umjetnost samo put do njega.

Zapažajući proturječja u duši svojih junaka, prikazujući ih u tjeskobnim trenucima života, kad se mijenja sudbina, ruše stare ideje, odlazi mladost itd., Kiprenski kao da proživljava zajedno sa svojim uzorima. Otuda poseban angažman portretista u interpretaciji umjetničkih slika, što portretu daje intiman pečat.

U ranom razdoblju stvaralaštva u Kiprenskom nećete vidjeti lica zaražena skepticizmom, analizom koja nagriza dušu. To će doći kasnije, kada će romantično vrijeme preživjeti svoju jesen, ustupivši mjesto drugim raspoloženjima i osjećajima, kada se sruše nade u trijumf ideala harmonične ličnosti. Na svim portretima 1800-ih i portretima izvedenim u Tveru, Kiprenski pokazuje hrabar kist, lako i slobodno gradeći formu. Složenost tehnika, priroda figure mijenjala se od rada do rada.

Zanimljivo je da na licima njegovih junaka nećete vidjeti herojsko oduševljenje, naprotiv, većina lica je prilično tužna, prepuštaju se razmišljanjima. Čini se da su ti ljudi zabrinuti za sudbinu Rusije, više razmišljaju o budućnosti nego o sadašnjosti. U ženskim slikama koje predstavljaju žene, sestre sudionika značajnih događaja, Kiprenski također nije težio namjernom herojskom zanosu. Prevladava osjećaj lakoće, prirodnosti. Istovremeno, u svim portretima toliko je istinske plemenitosti duše. Ženske slike privlače svojim skromnim dostojanstvom, cjelovitošću prirode; u licima ljudi može se naslutiti radoznala misao, spremnost na asketizam. Te su se slike poklapale sa sazrijevanjem etičkih i estetskih ideja dekabrista. Njihova razmišljanja i težnje tada su dijelili mnogi (stvaranje tajnih društava s određenim društvenim i političkim programima pada na razdoblje 1816.-1821.), umjetnik je znao za njih, pa se može reći da su njegovi portreti sudionika događaja iz 1812-1814, slike seljaka , stvorene u istim godinama - svojevrsna umjetnička paralela s novonastalim konceptima dekabrizma.

Označen je svijetli pečat romantičnog ideala “Portret V.A. Žukovskog”(1816). Umjetnik je, stvarajući portret koji je naručio S. S. Uvarov, odlučio pokazati svojim suvremenicima ne samo sliku pjesnika, koji je bio dobro poznat u književnim krugovima, već i pokazati određeno razumijevanje osobnosti romantičnog pjesnika. Pred nama je tip pjesnika koji je izrazio filozofski i sanjarski smjer ruskog romantizma. Kiprenski je predstavio Žukovskog u trenutku kreativnog nadahnuća. Vjetar je raskuštrao pjesnikovu kosu, drveće uznemirujuće zapljuskuje svoje grane u noći, ruševine drevnih građevina jedva se naziru. Ovako bi trebao izgledati kreator romantičnih balada. Tamne boje pogoršavaju atmosferu tajanstvenosti. Po savjetu Uvarova, Kiprenski ne dovršava slikanje pojedinih fragmenata portreta, tako da "pretjerana cjelovitost" ne ugasi duh, temperament i emocionalnost.

Mnogo je portreta Kiprenski naslikao u Tveru. Štoviše, kad je slikao Ivana Petroviča Vulfa, veleposjednika iz Tvera, ganuto je gledao djevojku koja je stajala pred njim, svoju unuku, buduću Anu Petrovnu Kern, kojoj je posvećeno jedno od najzanimljivijih lirskih djela - A. S. Puškina. pjesma “Sjećam se divnog trenutka... Takva udruženja pjesnika, umjetnika, glazbenika postala su manifestacija novog trenda u umjetnosti - romantizma.

“Mladi vrtlar” (1817.) Kiprenskog, “Talijansko podne” (1827.) Bryullova, “Kosci” ili “Kosac” (1820-ih) Venetsianova djela su istog tipološkog niza.Usredotočena su na prirodu i napisana su jasnim korištenjem Međutim, zadaća svakoga od umjetnika - utjeloviti estetsko savršenstvo jednostavne prirode - dovela je do stanovite idealizacije pojava, odjeće, situacija radi stvaranja slike-metafore. Promatrajući život, prirodu, umjetnik je promišljao , poetizirajući vidljivo.U tom kvalitativno novom spoju prirode i mašte s iskustvom antičkih i renesansnih majstora nastaju slike koje do tada nije poznavala umjetnost, a jedno je od obilježja romantizma prve polovice 19. stoljeća. Metaforičnost, općenito svojstvena ovim djelima Venetsianova i Bryullova, bila je jedna od najvažnijih značajki romantike kada su ruski umjetnici još uvijek bili slabo upoznati sa zapadnoeuropskim romantičarskim portretom. "Portret oca (A. K. Schwalbe)"(1804.) napisao je Orest Kiprensky o umjetnosti, a posebno o žanru portreta.

Najznačajnija dostignuća ruskog romantizma su radovi u žanru portreta. Najsvjetliji i najbolji primjeri romantizma su iz ranog razdoblja. Davno prije svog putovanja u Italiju, 1816. godine, Kiprenski je, iznutra spreman na romantično utjelovljenje, novim očima vidio slike starih majstora. Tamne boje, svjetlom naglašene figure, žarke boje, intenzivna dramaturgija na njega su snažno djelovale. "Portret oca" nedvojbeno je nastao pod dojmom Rembrandta. Ali ruski umjetnik preuzeo je samo vanjske tehnike od velikog Nizozemca. "Portret oca" je potpuno samostalan rad, posjeduje svoju unutarnju energiju i snagu likovnog izražavanja. Posebnost pejzažnih portreta je živost njihove izvedbe. Nema tu slikovitosti – trenutni prijenos viđenog na papir stvara jedinstvenu svježinu grafičkog izraza. Stoga nam se ljudi prikazani na crtežima čine bliski i razumljivi.

Stranci su Kiprenskog nazivali ruskim Van Dyckom, njegovi portreti nalaze se u mnogim muzejima diljem svijeta. Nasljednik djela Levitskog i Borovikovskog, prethodnik L. Ivanova i K. Brjulova, Kiprenski je svojim djelom dao ruskoj umjetničkoj školi europsku slavu. Prema riječima Aleksandra Ivanova, "on je prvi donio rusko ime u Europu ...".

Pojačani interes za osobnost osobe, karakterističan za romantizam, predodredio je procvat portretnog žanra u prvoj polovici 19. stoljeća, gdje je autoportret postao dominantno obilježje. U pravilu, stvaranje autoportreta nije bila slučajna epizoda. Umjetnici su u više navrata pisali i crtali sami sebe, a ta su djela postala svojevrsni dnevnik koji odražava različita stanja duha i životne faze, a ujedno su i manifest upućen suvremenicima. autoportret nije bio prilagođeni žanr, umjetnik je pisao za sebe, i ovdje je, kao nikada prije, postao slobodan u samoizražavanju. U 18. stoljeću ruski su umjetnici rijetko slikali originalne slike, tek je romantizam, sa svojim kultom pojedinca, iznimnog, pridonio usponu ovog žanra. Raznolikost tipova autoportreta odražava percepciju umjetnika o sebi kao o bogatoj i višestranoj osobnosti. Ili se pojavljuju u uobičajenoj i prirodnoj ulozi stvaratelja (“Autoportret u baršunastoj beretki” A. G. Varneka, 1810.), zatim urone u prošlost, kao da je isprobavaju na sebi (“Autoportret u kacigi” i oklop” F. I. Yanenka, 1792), ili se, najčešće, pojavljuje bez ikakvih profesionalnih atributa, ističući značaj i samovrijednost svake osobe, oslobođene i otvorene prema svijetu, tražeći i hrleći, kao npr. F. A. Bruni i O. A. Orlovsky na autoportretima 1810-ih. Spremnost na dijalog i otvorenost, svojstvena figurativnom rješenju djela 1810-1820-ih, postupno se zamjenjuju umorom i razočaranjem, uronjenošću, povlačenjem u sebe ("Autoportret" M. I. Terebenjeva). Taj se trend odrazio na razvoj portretnog žanra u cjelini.

Pojavili su se autoportreti Kiprenskog, što je vrijedno pažnje, u kritičnim trenucima života, svjedočili su o usponu ili padu mentalne snage. Kroz svoju umjetnost umjetnik je sagledao sebe. Međutim, nije se, kao većina slikara, služio ogledalom; slikao se uglavnom po svojoj zamisli, želio je izraziti svoj duh, ali ne i izgled.

“Autoportret s četkama iza uha” izgrađen na odbijanju, i to izrazito demonstrativnom, u vanjskom veličanju slike, njezine klasične normativnosti i idealne konstrukcije. Crte lica ocrtane su približno, općenito. Bočno svjetlo pada na lice, ističući samo bočne crte. Zasebni odbljesci svjetlosti padaju na lik umjetnice, gase se na jedva vidljivoj draperiji, predstavljajući pozadinu portreta. Ovdje je sve podređeno izrazu života, osjećaja, raspoloženja. Ovo je pogled na romantičnu umjetnost kroz umjetnost autoportreta. Umjetnikova uključenost u tajne stvaralaštva dolazi do izražaja u tajanstvenom romantičnom "sfumatu 19. stoljeća". Osebujni zelenkasti ton stvara posebnu atmosferu umjetničkog svijeta u čijem je središtu sam umjetnik.

Gotovo istovremeno s ovim autoportretom, i napisan “Autoportret u ružičastoj maramici”, gdje je utjelovljena druga slika. Bez izravne naznake zanimanja slikara. Rekreirana je slika mladog čovjeka koji se osjeća opušteno, prirodno, slobodno. Slikovna površina platna fino je konstruirana. Umjetnikov kist pouzdano nanosi boju. Ostavljanje velikih i malih poteza. Kolorit je izvrsno razvijen, boje nisu svijetle, skladno se međusobno spajaju, osvjetljenje je mirno: svjetlost se nježno prelijeva na lice mladića, ocrtavajući njegove crte, bez nepotrebnog izraza i deformacije.

Drugi istaknuti slikar bio je Venetsianov. Godine 1811. dobio je titulu akademika Akademije, imenovan za "Autoportret" i "Portret K. I. Golovačevskog s tri učenika Akademije umjetnosti". To su izvanredni radovi.

Venetsianov se proglasio pravim majstorom u "Autoportret" 1811. Pisana je drugačije nego što su se slikali drugi umjetnici tog vremena - A. Orlovski, O. Kiprenski, E. Varnek, pa čak i kmet V. Tropinin. Svima je bilo uobičajeno zamišljati se u romantičnom oreolu, njihovi autoportreti bili su svojevrsni poetski obračuni s okolinom. Ekskluzivnost umjetničke prirode očitovala se u pozi, gestikulaciji, u izvanrednosti posebno koncipiranog kostima. U "Autoportretu" Venetsianova, istraživači primjećuju, prije svega, strog i intenzivan izraz zaposlene osobe ... Ispravna učinkovitost, koja se razlikuje od one razmetljive "umjetničke nemarnosti", koja je naznačena kućnim haljinama ili koketno prebacivali šešire drugih umjetnika. Venicianov se trezveno gleda. Umjetnost za njega nije nadahnuti impuls, već prije svega stvar koja zahtijeva koncentraciju i pažnju. Mala, gotovo jednobojna u koloritu maslinastih tonova, izuzetno precizno napisana, jednostavna je i složena u isto vrijeme. Ne privlačeći vanjskom stranom slike, zaustavlja se pogledom. Idealno tanki rubovi tankog zlatnog okvira naočala ne skrivaju, nego naglašavaju oštrinu pogleda, ne toliko usredotočenog na prirodu (umjetnik je sebe prikazao s paletom i kistom u rukama), koliko u dubine vlastitih misli. Veliko široko čelo, desna strana lica, obasjana izravnim svjetlom, i bijela prednjica košulje čine svijetli trokut, prije svega privlačeći pogled gledatelja, koji u sljedećem trenutku, prateći kretanje desnice ruka koja drži tanki kist klizi prema paleti. Valoviti pramenovi kose, sjajni okviri, labava kravata oko ovratnika, meka linija ramena i, konačno, široki polukrug palete čine pokretni sustav glatkih, tekućih linija unutar kojih se nalaze tri glavne točke : sitan odsjaj zjenica i oštar kraj prednje košulje, koji se gotovo zatvara paletom i kistom. Takav gotovo matematički proračun u konstrukciji kompozicije portreta daje slici djelomičnu unutarnju staloženost i daje razloga za pretpostavku da autor ima analitički um, sklon znanstvenom razmišljanju. U "Autoportretu" nema ni traga romantizmu, koji je tada bio tako čest u slikama samih umjetnika. Ovo je autoportret umjetnika-istraživača, umjetnika-mislioca i marljivog radnika.

Drugi posao - portret Golovačevskog- zamišljen kao svojevrsna sižejna kompozicija: starija generacija magistara Akademije u osobi starog inspektora daje upute rastućim talentima: slikaru (s fasciklom crteža. Arhitektu i kiparu. Ali Venetsianov nije dopusti makar i sjenku bilo kakve izvještačenosti ili didaktičnosti u ovoj slici: dobri starac Golovačevski prijateljski tumači tinejdžerima neku pročitanu stranicu u knjizi.Iskrenost izraza nalazi potporu u slikovitoj strukturi slike: njezina je prigušena, suptilno i lijepo usklađena šareni tonovi stvaraju dojam mira i ozbiljnosti.Lica su lijepo naslikana puna unutarnjeg značaja.Portret je bio jedan od najviših dometa ruskog portretnog slikarstva.

I u djelu Orlovskog iz 1800-ih pojavljuju se portretni radovi, uglavnom u obliku crteža. Do 1809. tako emocionalno bogat portretni list kao "Autoportret". Izveden sočnim slobodnim potezom sanguine i ugljena (s isticanjem kredom), "Autoportret" Orlovskog privlači svojom umjetničkom cjelovitošću, karakterizacijom slike i umijećem izvedbe. U isto vrijeme, to omogućuje razaznati neke osebujne aspekte umjetnosti Orlovskog. "Autoportret" Orlovskog, naravno, nema za cilj točno reproducirati tipičan izgled umjetnika tih godina. Pred nama - u mnogočemu namjerno. Pretjerana pojava "umjetnika", koji suprotstavlja svoje "ja" okolnoj stvarnosti, ne brine se za "pristojnost" svog izgleda: češalj i četka nisu dotakli njegovu bujnu kosu, na ramenu je rub karirani baloner odmah preko kućne košulje s otvorenim ovratnikom. Oštar okret glave s "tmurnim" pogledom ispod pomaknutih obrva, bliski rez portreta, u kojem je lice prikazano izbliza, kontrasti svjetla - sve je to usmjereno na postizanje glavnog učinka suprotstavljanja prikazane osobe okolini (a time i gledatelju).

Patos afirmacije individualnosti - jedna od najprogresivnijih značajki u umjetnosti tog vremena - čini glavni ideološki i emocionalni ton portreta, ali se pojavljuje u osebujnom aspektu koji se gotovo nikada ne nalazi u ruskoj umjetnosti tog razdoblja. Afirmacija osobnosti ne ide toliko otkrivanjem bogatstva njenog unutarnjeg svijeta, koliko vanjskim načinom odbacivanja svega što je oko nje. Slika u isto vrijeme, naravno, izgleda iscrpljeno, ograničeno.

Takva rješenja teško je pronaći u ruskoj portretnoj umjetnosti toga vremena, gdje su već sredinom 18. stoljeća glasno odzvanjali građanski i humanistički motivi, a osobnost čovjeka nije prekidala čvrste veze s okolinom. Sanjajući o boljem, demokratskom društvenom poretku, najbolji ljudi toga doba Rusije nipošto se nisu odvajali od stvarnosti, svjesno su odbacivali individualistički kult “osobne slobode” koji je cvjetao na tlu zapadne Europe, olabavljenom buržoaskom revolucijom. . To se jasno očitovalo kao odraz stvarnih čimbenika u ruskoj portretnoj umjetnosti. Treba samo usporediti "Autoportret" Orlovskog sa simultankom "Autoportret" Kiprenskog (npr. 1809.), tako da odmah upada u oči ozbiljna unutarnja razlika između dva portretista.

Kiprenski također "heroizira" čovjekovu osobnost, ali pokazuje njezine prave unutarnje vrijednosti. Na licu umjetnika, gledatelj razlikuje značajke snažnog uma, karaktera, moralne čistoće.

Cijeli izgled Kiprenskog prekriven je nevjerojatnom plemenitošću i ljudskošću. On je u stanju razlikovati "dobro" od "zla" u okolnom svijetu i, odbacujući drugo, voljeti i cijeniti prvo, voljeti i cijeniti ljude istomišljenika. Istovremeno, pred nama je, nedvojbeno, snažna individualnost, ponosna na svijest o vrijednosti svojih osobnih kvaliteta. Isti koncept portretne slike temelji se na dobro poznatom herojskom portretu D. Davidova Kiprenskog.

Orlovski, u usporedbi s Kiprenskim, kao i nekim drugim ruskim portretistima toga vremena, ograničenije, izravnije i vanjskije rješava sliku “jake osobnosti”, jasno se fokusirajući na umjetnost građanske Francuske. Kad pogledate njegov “Autoportret”, nehotice vam padaju na pamet portreti A. Groa, Gericaulta. Profil Orlovskog “Autoportret” iz 1810. godine, sa svojim kultom individualističke “unutarnje snage”, međutim, već je lišen oštre forme “skice” “Autoportreta” iz 1809. ili "Portret Duporta". U potonjem, Orlovsky, baš kao iu Autoportretu, koristi spektakularnu, "herojsku" pozu s oštrim, gotovo unakrsnim pokretima glave i ramena. Ističe nepravilnu strukturu Duportova lica, njegovu razbarušenu kosu, s ciljem stvaranja portretne slike koja je samodostatna u svom jedinstvenom, slučajnom karakteru.

„Pejzaž bi trebao biti portret“, napisao je K. N. Batjuškov. Većina umjetnika koji su se okrenuli žanru pridržavala se ove postavke u svom radu. pejzaž. Među očitim izuzecima, koji gravitiraju prema fantastičnom krajoliku, bili su A. O. Orlovsky ("Pogled na more", 1809.); A. G. Varnek (»Pogled u okolici Rima«, 1809.); P. V. Basin ("Nebo na zalasku u predgrađu Rima", "Večernji pejzaž", oboje - 1820-e). Stvarajući specifične tipove, zadržali su neposrednost osjeta, emocionalno bogatstvo, postižući monumentalni zvuk skladateljskim tehnikama.

Mladi Orlrovsky je u prirodi vidio samo titanske sile, koje nisu podložne ljudskoj volji, sposobne izazvati katastrofu, nesreću. Borba čovjeka s bijesnom morskom stihijom jedna je od omiljenih tema umjetnika njegova “buntovničkog” romantičnog razdoblja. To je postalo sadržaj njegovih crteža, akvarela i uljanih slika 1809.-1810. tragična scena prikazana je na slici "Brodolom"(1809(?)). U mrklom mraku koji je pao na tlo, među bijesnim valovima, ribari utopljenici bjesomučno se penju po obalnim stijenama o koje se razbio njihov brod. Održana u oštrim crvenim tonovima, boja pojačava osjećaj tjeskobe. Strašni su napadi moćnih valova, koji nagovještavaju oluju, a na drugoj slici - "Pokraj mora"(1809). Također igra veliku emocionalnu ulogu u olujnom nebu, koje zauzima veći dio kompozicije. Iako Orlovsky nije ovladao umjetnošću zračne perspektive, postupni prijelazi planova ovdje su riješeni skladnije i mekše. Boja je postala svjetlija. Lijepo se igraju na crvenkasto-smeđoj pozadini, crvene mrlje na odjeći ribara. Nemirna i tjeskobna morska stihija u akvarelu "Jedrilica"(oko 1812.). Pa čak i kada vjetar ne trese jedro i ne mreška površinu vode, kao u akvarelu “Morski pejzaž s brodovima”(oko 1810.) gledatelja ne napušta predosjećaj da će nakon zatišja uslijediti oluja.

Uz svu dramatičnost i emotivnost osjećaja, morski krajolici Orlovskog nisu toliko plod njegovih promatranja atmosferskih pojava, već rezultat izravnog oponašanja klasika umjetnosti. Konkretno, J. Vernet.

Krajolici S. F. Ščedrina imali su drugačiji karakter. Ispunjeni su skladom suživota čovjeka i prirode ("Terasa na obali mora. Cappuccini kraj Sorrenta", 1827.). Brojne vedute Napulja i okolice njegova kista uživale su izniman uspjeh i popularnost.

Stvaranje romantične slike Sankt Peterburga u ruskom slikarstvu povezuje se s radom M. N. Vorobjova. Na njegovim platnima grad se pojavio obavijen tajanstvenim petrogradskim maglama, mekom izmaglicom bijelih noći i atmosferom zasićenom morskom vlagom, gdje su obrisi zgrada izbrisani, a mjesečina upotpunjuje sakrament. Isti lirski početak razlikuje prikaze okolice Sankt Peterburga u njegovoj izvedbi ("Zalazak sunca u predgrađu Sankt Peterburga", 1832.). No, sjevernu prijestolnicu umjetnici su vidjeli iu drugačijem, dramatičnom duhu, kao arenu sudara i borbe prirodnih elemenata (V. E. Raev, Aleksandrov stup tijekom oluje, 1834.).

Briljantne slike I. K. Aivazovskog zorno su utjelovile romantične ideale opijenosti borbom i snagom prirodnih sila, izdržljivost ljudskog duha i sposobnost borbe do kraja. Ipak, veliko mjesto u majstorovoj baštini zauzimaju noćni morski pejzaži posvećeni određenim mjestima gdje oluja ustupa mjesto čaroliji noći, vremenu koje je, prema nazorima romantičara, ispunjeno tajanstvenim unutarnjim životom, i gdje je umjetnikova slikovna potraga usmjerena prema izvlačenju izvanrednih svjetlosnih efekata ("Pogled na Odesu u mjesečini", "Pogled na Carigrad u mjesečini", oboje - 1846.).

Temu prirodnih stihija i iznenađenog čovjeka, omiljenu temu romantičarske umjetnosti, različito su tumačili umjetnici 1800-1850-ih. Djela su nastala prema stvarnim događajima, ali smisao slika nije u njihovu objektivnom prepričavanju. Tipičan primjer je slika Petra Basina "Potres u Rocca di Papa blizu Rima"(1830). Posvećena je ne toliko opisu konkretnog događaja koliko prikazu straha i užasa osobe koja se suočava s pojavom stihije.

Svjetla ruskog slikarstva ovog doba bili su K. P. Bryullov (1799.-1852.) i A. A. Ivanov (1806. - 1858.). Ruski slikar i crtač K.P. Bryullov je, još kao student Akademije umjetnosti, savladao neusporedivu vještinu crtanja. Bryullovljev rad obično se dijeli na prije "Posljednjeg dana Pompeja" i poslije. Što je stvoreno prije ....?!

“Talijansko jutro” (1823.), “Ermilia s pastirima” (1824.) prema pjesmi Torquatta Tassa “Oslobođenje Jeruzalema”, “Talijansko podne” (“Talijanka u berbi grožđa”, 1827.), “Konjanica” ( 1830.), "Bathsheba" (1832.) - sve ove slike prožete su svijetlom, neprikrivenom radošću života. Takva su djela bila u skladu s ranim epikurejskim pjesmama Puškina, Batjuškova, Vjazemskog, Delviga. Stara manira, zasnovana na oponašanju velikih majstora, nije zadovoljila Brjullova, te je na otvorenom pisao “Talijansko jutro”, “Talijansko podne”, “Bat-Šebu”.

Radeći na portretu, Bryullov je naslikao samo glavu iz prirode. Sve ostalo često mu je diktirala mašta. Plod takve slobodne kreativne improvizacije je "Jahač". Glavna stvar u portretu je kontrast užarene, uzdignute životinje s natečenim nosnicama i svjetlucavim očima i graciozne jahačice koja mirno obuzdava mahnitu energiju konja (kroćenje životinja omiljena je tema klasičnih kipara, Bryullov ju je riješio u slikarstvu) .

U "bathsheba" umjetnik koristi biblijsku priču kao povod za prikaz nagog tijela na otvorenom i prenošenje igre svjetla i refleksa na svijetlu kožu. U "Bat-Šebi" je stvorio lik mlade žene, pune radosti i sreće. Nago tijelo blista i blista okruženo zelenilom maslina, odjećom trešnje, prozirnim rezervoarom. Meke elastične forme tijela lijepo su spojene s izbjeljivanjem tkanine i čokoladnom bojom Arapkinje koja poslužuje Bat-Šebu. Tekuće linije tijela, ribnjak i tkanine daju kompoziciji slike glatki ritam.

Slikarstvo je postalo nova riječ u slikarstvu "Posljednji dan Pompeja"(1827-1833). Učinila je ime umjetnika besmrtnim i vrlo slavnim za njegova života.

Njezin je zaplet, očito, odabran pod utjecajem njegova brata Aleksandra, koji je intenzivno proučavao pompejske ruševine. Ali razlozi za pisanje slike su dublji. Gogol je to primijetio, a Herzen je izravno rekao da su u Posljednjem danu Pompeja našli svoje mjesto, možda, nesvjesni odraz misli i osjećaja umjetnika, izazvanih porazom dekabrističkog ustanka u Rusiji. Ne bez razloga, među žrtve bijesne stihije u umirućim Pompejima, Bryullov je smjestio svoj autoportret i drugim likovima na slici dao crte svojih ruskih poznanika.

Talijanska pratnja Bryullova također je igrala ulogu, koja bi mu mogla reći o revolucionarnim olujama koje su prošli kroz zemlju Italije prethodnih godina, o tužnoj sudbini karbonara tijekom godina reakcije.

Grandiozna slika smrti Pompeja prožeta je duhom historicizma, prikazuje promjenu jednog povijesnog doba u drugo, potiskivanje drevnog poganstva i početak nove kršćanske vjere.

Umjetnik dramatično doživljava tijek povijesti, smjenu epoha kao šok za čovječanstvo. U središtu kompozicije žena koja je pala s kočije i smrskala se na smrt personificirala je, očito, smrt antičkog svijeta. Ali blizu tijela majke, umjetnik je stavio živu bebu. Prikazujući djecu i roditelje, mladića i staru majku, sinove i oronulog oca, umjetnik je prikazao stare generacije koje nestaju u povijesti i nove koje dolaze na njihovo mjesto. Rađanje nove ere na ruševinama starog svijeta koji se raspada prava je tema Bryullova slikarstva. Kakve god promjene povijest donijela, postojanje čovječanstva ne prestaje, a njegova žeđ za životom ostaje neugasiva. Ovo je glavna ideja Posljednjeg dana Pompeja. Ova slika je himna ljepoti čovječanstva, koja ostaje besmrtna u svim ciklusima povijesti.

Platno je bilo izloženo 1833. na Milanskoj umjetničkoj izložbi, izazvalo je niz oduševljenih odgovora. Istrošena Italija je osvojena. Brjullovljev učenik G. G. Gagarin svjedoči: “Ovo veliko djelo izazvalo je bezgranično oduševljenje u Italiji. Gradovi u kojima je slika bila izložena priređivali su umjetniku svečane dočeke, posvećivale su mu se pjesme, nosili su ga ulicama uz glazbu, cvijeće i baklje... Svugdje su ga primali s počastima kao poznatog, pobjedonosnog genija, svima razumljiv i cijenjen.

Engleski pisac Walter Scott (predstavnik romantične književnosti, poznat po svojim povijesnim romanima) proveo je sat vremena u Bryullovljevom ateljeu, o čemu je rekao da to nije slika, već cijela pjesma. Akademije umjetnosti u Milanu, Firenci, Bologni i Parmi izabrale su ruskog slikara za svog počasnog člana.

Bryullovljevo platno izazvalo je entuzijastične reakcije Puškina i Gogolja.

Vezuv se otvorio - dim je šiknuo u batini plamena

Široko razvijen poput bojne zastave.

Zemlja je zabrinuta - od teturajućih stupova

Padaju idoli!..

Puškin je napisao pod dojmom slike.

Počevši od Bryullova, povijesne prekretnice postale su glavna tema ruskog povijesnog slikarstva, prikazujući grandiozne narodne scene, gdje je svaka osoba sudionik povijesne drame, gdje nema glavnog i sporednog.

"Pompeji" pripadaju, općenito, klasicizmu. Umjetnik je na platnu vješto otkrio plastičnost ljudskog tijela. Sva duhovna kretanja ljudi prenio je Bryullov, prvenstveno jezikom plastike. Odvojene figure, date u olujnom pokretu, skupljaju se u uravnotežene, zaleđene skupine. Svjetlosni bljeskovi naglašavaju oblike tijela i ne stvaraju jake slikovne efekte. Međutim, kompozicija slike, koja ima snažan prodor u središtu u dubinu, prikazuje nesvakidašnji događaj iz života Pompeja, inspirirana je romantizmom.

Romantizam kao svjetonazor postojao je u Rusiji u svom prvom valu od kraja 18. stoljeća do 1850-ih. Crta romantičnog u ruskoj umjetnosti nije prestala 1850-ih. Temu stanja bića, koju su za umjetnost otkrili romantičari, kasnije su razvili umjetnici Plave ruže. Izravni nasljednici romantičara nesumnjivo su bili simbolisti. Romantične teme, motivi, izražajna sredstva ušli su u umjetnost različitih stilova, pravaca, kreativnih asocijacija. Romantični svjetonazor ili svjetonazor pokazao se jednim od najživljih, žilavih, plodnih.

Romantizam kao opći stav, karakterističan uglavnom za mlade ljude, kao težnja za idealom i stvaralačkom slobodom, još uvijek stalno živi u svjetskoj umjetnosti.

c) Glazba

Romantizam u svom najčišćem obliku fenomen je zapadnoeuropske umjetnosti. Ruska glazba 19. stoljeća. od Glinke do Čajkovskog spajale su se značajke klasicizma sa značajkama romantizma, vodeći je element svijetlo, izvorno nacionalno načelo. Romantizam u Rusiji dao je neočekivani uspon kada se činilo da je ovaj trend stvar prošlosti. Dva skladatelja 20. stoljeća, Skrjabin i Rahmanjinov, uskrsnuli su takva obilježja romantizma kao što su neobuzdani polet fantazije i duševnost stihova. Stoga je 19.st naziva doba klasične glazbe.

Vrijeme (1812., dekabristički ustanak, reakcije koje su uslijedile) ostavilo je traga na glazbi. Koji god žanr uzmemo - romansu, operu, balet, komornu glazbu - svugdje su ruski skladatelji rekli svoju novu riječ.

Glazba Rusije, sa svom svojom salonskom elegancijom i striktnim pridržavanjem tradicija profesionalnog instrumentalnog pisanja, uključujući sonatno-simfonijsko pisanje, temelji se na jedinstvenom modalnom koloritu i ritmičkoj strukturi ruskog folklora. Jedni se u velikoj mjeri oslanjaju na svakodnevnu pjesmu, drugi na izvorne oblike muziciranja, a treći na drevni modalitet staroruskih seljačkih načina.

Početak 19. stoljeća - ovo su godine prvog i svijetlog procvata romantičnog žanra. Skromni iskreni tekstovi i dalje zvuče i oduševljavaju slušatelje. Aleksandar Aleksandrovič Aljabjev (1787.-1851.). Napisao je romanse na stihove mnogih pjesnika, ali besmrtni su "Slavuj" na Delvigove stihove, "Zimska cesta", "Volim te" na Puškinove pjesme.

Aleksandar Jegorovič Varlamov (1801.-1848.) pisao glazbu za dramske predstave, no više ga poznajemo iz poznatih romansi “Crvena haljina”, “Ne budi me u zoru”, “Samotno jedro bijeli se”.

Aleksandar Ljvovič Guriljev (1803.-1858.)- skladatelj, pijanist, violinist i učitelj, posjeduje takve romanse kao “Zvono zvoni monotono”, “U zoru maglovite mladosti” i tako dalje.

Najistaknutije mjesto ovdje zauzimaju Glinkine romanse. Nitko drugi još nije postigao tako prirodan spoj glazbe s poezijom Puškina, Žukovskog.

Mihail Ivanovič Glinka (1804.-1857.)- Puškinov suvremenik (5 godina mlađi od Aleksandra Sergejeviča), klasik ruske književnosti, postao je utemeljitelj glazbene klasike. Njegov rad jedan je od vrhunaca ruske i svjetske glazbene kulture. U njemu je skladno spojeno bogatstvo narodne glazbe i najviši dometi skladateljskog umijeća. Glinkino duboko pučko realističko djelo odražavalo je snažan procvat ruske kulture u prvoj polovici 19. stoljeća, povezan s Domovinskim ratom 1812. i dekabrističkim pokretom. Svjetlost, životni karakter, harmonija oblika, ljepota izražajnih i melodičnih melodija, raznolikost, sjaj i suptilnost harmonija najvrjednije su kvalitete Glinkine glazbe. U poznatoj operi "Ivan Susanin"(1836.) dobio je briljantan izraz ideje narodnog patriotizma; Moralna veličina ruskog naroda veliča se i u operi bajke “ Ruslan i Ljudmila". Orkestralna djela Glinke: “Fantazijski valcer”, “Noć u Madridu” i pogotovo "Kamarinskaja",čine osnovu ruskog klasičnog simfonizma. Izvanredan po snazi ​​dramskog izraza i svjetlini obilježja glazbe za tragediju "Princ Kholmski". Glinkina vokalna lirika (romance “Sjećam se divnog trenutka”, “Sumnja”) nenadmašno je utjelovljenje ruske poezije u glazbi.

6. ZAPADNOEUROPSKI ROMANTIZAM

slika

Ako je Francuska bila rodonačelnica klasicizma, onda bi “kako bismo pronašli korijene ... romantične škole”, napisao je jedan od njegovih suvremenika, “trebali otići u Njemačku. Tu je rođena, a tamo su moderni talijanski i francuski romantičari oblikovali svoj ukus.

fragmentirano Njemačka nije poznavao revolucionarni uzlet. Mnogim njemačkim romantičarima bio je stran patos naprednih društvenih ideja. Idealizirali su srednji vijek. Prepuštali su se neobjašnjivim duhovnim impulsima, govorili o napuštanju ljudskog života. Umjetnost mnogih od njih bila je pasivna i kontemplativna. Svoja najbolja djela ostvarili su na području portretnog i pejzažnog slikarstva.

Izvanredan slikar portreta bio je Otto Runge (1777-1810). Portreti ovog majstora, izvanjske smirenosti, zadivljuju intenzivnim i intenzivnim unutarnjim životom.

Sliku romantičarskog pjesnika Runge vidi u "Autoportret". Pažljivo se promatra i ugleda tamnokosog, tamnookog, ozbiljnog, punog energije, zamišljenog, introspektivnog i snažnog mladića. Romantični umjetnik želi upoznati sebe. Način izvedbe portreta je brz i zamašan, kao da se duhovna energija stvaratelja treba prenijeti već u teksturi djela; u tamnom šarenom nizu javljaju se kontrasti svijetlog i tamnog. Kontrast je karakteristična slikarska tehnika romantičarskih majstora.

Uhvatiti promjenjivu igru ​​čovjekovih raspoloženja, pogledati u njegovu dušu, umjetnik romantičnog skladišta uvijek će pokušati. I u tom pogledu dječji portreti poslužit će mu kao plodan materijal. U portret djece Hülsenbeckovih(1805.) Runge ne samo da prenosi živost i neposrednost dječjeg karaktera, već također nalazi poseban prijem za vedro raspoloženje, koje oduševljava plenerističke otvore 2. kata. 19. stoljeća Pozadina na slici je krajolik, koji svjedoči ne samo o umjetnikovu kolorističkom daru, zadivljenom odnosu prema prirodi, već i o nastajanju novih problema u majstorskom reproduciranju prostornih odnosa, svijetlih nijansi predmeta na otvorenom. Majstor romantičar, u želji da svoje „ja“ stopi s prostranstvima svemira, nastoji uhvatiti senzualno opipljiv izgled prirode. Ali s ovom senzualnošću slike, on radije vidi simbol velikog svijeta, "ideju umjetnika".

Runge, jedan od prvih romantičarskih umjetnika, postavio si je zadatak sintetizirati umjetnosti: slikarstvo, kiparstvo, arhitekturu, glazbu. Zvuk ansambla umjetnosti trebao je izraziti jedinstvo božanskih sila svijeta, čija svaka čestica simbolizira kozmos kao cjelinu. Umjetnik mašta, potkrepljujući svoj filozofski koncept idejama slavnog njemačkog mislioca 1. kat. 17. stoljeće Jacob Boehme. Svijet je neka vrsta mistične cjeline čija svaka čestica izražava cjelinu. Ova ideja vezana je za romantičare cijelog europskog kontinenta. U pjesničkom obliku engleski pjesnik i slikar William Blake to je ovako izrazio:

Vidi vječnost u jednom trenutku

Ogroman svijet - u ogledalu pijeska,

U jednoj šaci – beskonačnost

I nebo je u čaši cvijeta.

Rungeov ciklus ili, kako ga je on nazvao, "fantastična glazbena poema" "Doba dana"- jutro, podne, noć - izraz ovog pojma. U poeziji i prozi ostavio je objašnjenje svog konceptualnog modela svijeta. Slika osobe, krajolik, svjetlo i boja simboli su stalno promjenjivog ciklusa prirodnog i ljudskog života.

Drugi istaknuti njemački romantičarski slikar, Caspar David Friedrich (1774.-1840.), preferirao je pejzaž u odnosu na sve druge žanrove i tijekom svog sedamdesetogodišnjeg života slikao samo slike prirode. Glavni motiv Friedrichova djela je ideja o jedinstvu čovjeka i prirode.

“Slušajte glas prirode koji govori u nama”, poručuje umjetnik svojim učenicima. Unutarnji svijet osobe personificira beskonačnost Svemira, stoga, čuvši sebe, osoba je u stanju shvatiti duhovne dubine svijeta.

Položaj slušanja određuje glavni oblik "komunikacije" osobe s prirodom i njezinom slikom. To je veličina, misterij ili prosvjetljenje prirode i svjesnog stanja promatrača. Istina, vrlo često Friedrich ne dopušta liku da "uđe" u pejzažni prostor njegovih slika, ali u suptilnom prodiranju figurativne strukture prostranih prostranstava osjeća se prisutnost osjećaja, iskustva osobe. Subjektivizam u prikazivanju krajolika dolazi u umjetnost tek s radom romantičara, nagovještavajući lirsko otkrivanje prirode majstora 2. kat. 19. stoljeća Istraživači bilježe u djelima Friedricha "proširenje repertoara" pejzažnih motiva. Autora zanimaju more, planine, šume i razne nijanse stanja prirode u različita doba godine i dana.

1811-1812 (prikaz, stručni). obilježen nastankom niza planinskih pejzaža kao rezultat umjetnikova putovanja u planine. “Jutro u planini” slikovito predstavlja novu prirodnu stvarnost, rođenu u zrakama izlazećeg sunca. Ružičasto-ljubičasti tonovi obavijaju ih i lišavaju ih volumena i gravitacije materijala. Godine bitke s Napoleonom (1812.-1813.) okreću Friedricha domoljubnim temama. Ilustrirajući, inspiriran Kleistovom dramom, piše "Arminijeva grobnica"- krajolik s grobovima starogermanskih junaka.

Friedrich je bio suptilan majstor morskih pejzaža: “Doba”, “Izlazak mjeseca nad morem”, “Smrt “Nadežde” u ledu”.

Posljednji radovi umjetnika - "Odmor na terenu", "Velika močvara" i "Sjećanja na divove planine", "Divovne planine" - niz planinskih lanaca i kamenja u prvom planu potamnili su. Ovo je, očito, povratak iskusnom osjećaju pobjede osobe nad sobom, radosti uspona na "vrh svijeta", želje za svijetlim neosvojenim visinama. Osjećaji umjetnika na poseban način sastavljaju te planinske mase, a opet se iščitava kretanje iz tame prvih koraka u buduću svjetlost. Planinski vrh u pozadini naglašen je kao središte učiteljevih duhovnih težnji. Slika je vrlo asocijativna, kao i svako djelo romantičara, i uključuje različite razine čitanja i interpretacije.

Friedrich je crtački vrlo precizan, glazbeno skladan u ritmičkoj konstrukciji svojih slika, u kojima nastoji progovoriti kroz emocije boje i svjetlosnih efekata. “Mnogima je dano malo, rijetkima je dato mnogo. Svatko na drugačiji način otvara dušu prirode. Stoga se nitko ne usuđuje svoje iskustvo i svoja pravila prenijeti na drugoga kao obvezujući bezuvjetni zakon. Nitko nije mjerilo za sve. Svatko u sebi nosi mjeru samo za sebe i za sebi više ili manje srodne prirode,” ovo majstorovo promišljanje dokazuje zadivljujuću cjelovitost njegova unutarnjeg života i stvaralaštva. Jedinstvenost umjetnika opipljiva je samo u slobodi njegova rada – na tome stoji romantični Friedrich.

Formalnijim se čini odvajanje od umjetnika - "klasika" - predstavnika klasicizma druge grane romantičnog slikarstva u Njemačkoj - nazarena. Osnovana u Beču i nastanjena u Rimu (1809.-1810.), "Unija svetog Luke" ujedinila je majstore s idejom oživljavanja monumentalne umjetnosti vjerskih pitanja. Srednji vijek bio je omiljeno razdoblje u povijesti romantičara. Ali u svojoj umjetničkoj potrazi Nazareni su se okrenuli tradiciji slikarstva rane renesanse u Italiji i Njemačkoj. Overbeck i Geforr bili su inicijatori novog saveza, kojem su se kasnije pridružili Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Ovaj pokret nazarena odgovarao je njihovim vlastitim oblicima suprotstavljanja klasicističkim akademicima u Francuskoj, Italiji i Engleskoj. Na primjer, u Francuskoj su iz Davidove radionice proizašli takozvani “primitivni” umjetnici, a u Engleskoj prerafaeliti. U duhu romantičarske tradicije, oni su umjetnost smatrali “izrazom vremena”, “duhom naroda”, ali njihove tematske ili formalne preferencije, koje su isprva zvučale kao parola ujedinjenja, nakon nekog vremena su se okrenule. u ista doktrinarna načela kao i ona Akademije, koja su poricali.

Umjetnost romantizma u Francuskoj razvijeni na specifične načine. Prvo što ga je razlikovalo od sličnih pokreta u drugim zemljama bio je njegov aktivni ofenzivni (“revolucionarni”) karakter. Pjesnici, pisci, glazbenici, umjetnici branili su svoje pozicije ne samo stvaranjem novih djela, već i sudjelovanjem u časopisnim i novinskim polemikama, koje istraživači karakteriziraju kao "romantičnu bitku". Slavni V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz i mnogi drugi francuski pisci, skladatelji i novinari “brusili su perje” u romantičarskim polemikama.

Romantičarsko slikarstvo u Francuskoj nastaje kao opozicija klasicističkoj Davidovoj školi, akademskoj umjetnosti, koja se naziva "školom" općenito. Ali to treba shvatiti u širem smislu: bilo je to protivljenje službenoj ideologiji reakcionarne epohe, protest protiv njezine malograđanske ograničenosti. Odatle patetičnost romantičarskih djela, njihova nervozna uzbuđenost, privlačnost egzotičnim motivima, povijesnim i književnim zapletima, svemu što može odvesti daleko od “mutne svakodnevice”, otud ta igra mašte, a ponekad, naprotiv, sanjarenje i potpuni nedostatak aktivnosti.

Predstavnici „škole“, akademici, bunili su se prvenstveno protiv jezika romantičara: njihovog uzbuđenog vrelog kolorita, modeliranja oblika, ne onog poznatog „klasicima“, statuarno-plastičnog, već izgrađenog na jakim kontrastima. mrlja u boji; njihov izražajan dizajn, namjerno odbijajući preciznost i klasičnost; njihova smjela, ponekad kaotična kompozicija, lišena veličanstvenosti i nepokolebljive smirenosti. Ingres, neumoljivi neprijatelj romantičara, do kraja života je govorio da Delacroix "piše ludom metlom", a Delacroix je optuživao Ingresa i sve umjetnike "škole" za hladnoću, racionalnost, nedostatak pokreta, da su ne pišu, nego "slikaju" svoje slike. Ali to nije bio običan sraz dviju svijetlih, potpuno različitih osobnosti, bila je to borba dva različita umjetnička svjetonazora.

Ta je borba trajala gotovo pola stoljeća, romantizam u umjetnosti nije pobijedio lako i ne odmah, a prvi umjetnik tog pravca bio je Theodore Gericault (1791.-1824.) - majstor herojskih monumentalnih oblika, koji je u svom stvaralaštvu spajao i klasic. značajke i značajke samog romantizma, te, konačno, snažan realistički početak, koji je izvršio golem utjecaj na umjetnost realizma sredinom XIX. Ali za života ga je cijenilo samo nekoliko bliskih prijatelja.

Ime Theodore Zhariko povezano je s prvim briljantnim uspjesima romantizma. Već u ranim slikama (portreti vojske, slike konja) antički ideali uzmaknuli su pred izravnim sagledavanjem života.

U salonu 1812. Géricault pokazuje sliku "Časnik carskih čuvara konja tijekom napada." Bila je to godina apogeja Napoleonove slave i vojne moći Francuske.

Kompozicija slike prikazuje jahača u neobičnoj perspektivi “iznenadnog” trenutka kada se konj propeo, a jahač, držeći konja u gotovo okomitom položaju, okrenuo prema gledatelju. Slika takvog trenutka nestabilnosti, nemogućnosti držanja pojačava učinak pokreta. Konj ima jednu točku oslonca, mora pasti na zemlju, uvrnuti se u borbu koja ga je dovela u takvo stanje. Mnogo toga se spojilo u ovom djelu: Gericaultova bezuvjetna vjera u mogućnost da osoba posjeduje vlastite moći, strastvena ljubav prema prikazivanju konja i hrabrost majstora početnika u prikazivanju onoga što su prije mogli prenijeti samo glazba ili jezik poezije - uzbuđenje bitka, početak napada, krajnji napor živog bića . Mladi autor svoju je sliku gradio na prijenosu dinamike pokreta, a bilo mu je važno promatrača postaviti na “razmišljanje”, slikanje “unutarnjim vidom” i osjećajem onoga što želi prikazati.

Francuska praktički nije imala tradiciju takve dinamike slikovne naracije romantike, osim možda u reljefima gotičkih hramova, jer kad je Gericault prvi put došao u Italiju, bio je zapanjen skrivenom snagom Michelangelovih kompozicija. “Drhtao sam”, piše, “sumnjao sam u sebe i dugo se nisam mogao oporaviti od ovog iskustva.” Ali Stendhal je još ranije u svojim polemičkim člancima ukazivao na Michelangela kao na preteču novog stilskog smjera u umjetnosti.

Gericaultova slika najavila je ne samo rođenje novog umjetničkog talenta, već je odala počast autorovoj strasti i razočaranju Napoleonovim idejama. Postoji još nekoliko radova vezanih za ovu temu: Karabinjerski časnik”, “Kirasir pred napad”, “Portret karabinjera”, “Ranjeni kirasir”.

U raspravi “Razmišljanje o stanju slikarstva u Francuskoj” on piše da su “luksuz i umjetnost postali ... nužnost i, takoreći, hrana za maštu, što je drugi život civilizirane osobe . .. Budući da nisu stvar prve potrebe, umjetnosti se pojavljuju tek kada su bitne potrebe zadovoljene i kada dođe obilje. Čovjek, oslobođen svakodnevnih briga, počeo je tražiti užitke kako bi se riješio dosade, koja bi ga neizbježno snašla usred zadovoljstva.

Takvo shvaćanje obrazovne i humanističke uloge umjetnosti pokazao je Gericault nakon povratka iz Italije 1818. – počinje se baviti litografijom, replicirajući razne teme, uključujući i poraz Napoleona ( “Povratak iz Rusije”).

Istodobno, umjetnik se okreće prikazu potonuća fregate Meduza na obalama Afrike, koji je uzbudio tadašnje društvo. Katastrofa se dogodila krivnjom neiskusnog kapetana, imenovanog na dužnost pod patronatom. O nesreći su detaljno govorili preživjeli putnici broda, kirurg Savigny i inženjer Correar.

Umirući brod uspio je odbaciti splav, na koju se popela šačica spašenih ljudi. Dvanaest dana nosili su ih uzburkano more dok nisu sreli spas - brod "Argus".

Gericaulta je zanimala situacija krajnje napetosti ljudske duhovne i fizičke snage. Slika je prikazivala 15 preživjelih putnika na splavi kada su ugledali Argus na horizontu. “Splav Meduze” bio je rezultat dugog pripremnog rada umjetnika. Napravio je mnoge skice bijesnog mora, portrete spašenih ljudi u bolnici. Isprva je Gericault želio prikazati međusobnu borbu ljudi na splavi, no onda se odlučio za herojsko ponašanje pobjednika morske stihije i državnog nemara. Ljudi su hrabro podnosili nesreću, a nada u spas nije ih napuštala: svaka grupa na splavi ima svoje karakteristike. U konstrukciji kompozicije Gericault odabire točku gledišta odozgo, što mu je omogućilo kombiniranje panoramskog pokrivanja prostora (vidljive su morske daljine) i prikaza, dovodeći sve stanovnike splavi vrlo blizu u prvi plan. Pokret je sazdan na kontrastu figura koje bespomoćno leže u prvom planu i plahovitosti u skupini koja daje znake brodu u prolazu. Jasnoća ritma rasta dinamike od grupe do grupe, ljepota golih tijela, tamna boja slike postavljaju određenu notu konvencionalnosti slike. Ali to nije poanta za pronicljivog gledatelja, kojemu konvencionalnost jezika čak pomaže da shvati i osjeti ono glavno: sposobnost osobe da se bori i pobijedi. Ocean huči. Jedro ječi. Konopci zvone. Splav pucketa. Vjetar tjera valove i razdire crne oblake na komade.

Nije li to sama Francuska, nošena olujom povijesti? pomisli Eugene Delacroix stojeći pokraj slike. “Splav Meduze šokirala je Delacroixa, on je zaplakao i kao lud iskočio iz Gericaultove radionice, koju je često posjećivao.

Takve strasti nisu poznavale Davidovo umijeće.

Ali Gericaultov život završio je tragično rano (bio je smrtno bolestan nakon pada s konja), a mnogi njegovi planovi ostali su nedovršeni.

Géricaultova inovacija otvorila je nove mogućnosti za prenošenje pokreta koji su zabrinjavali romantičare, temeljne osjećaje osobe, kolorističku teksturalnu izražajnost slike.

Géricaultov nasljednik u njegovoj potrazi bio je Eugene Delacroix. Istina, Delacroixu je dopušteno dvostruko duže od njegova životnog vijeka, a uspio je ne samo dokazati ispravnost romantizma, već i blagosloviti novi smjer u slikarstvu 2. kata. 19. stoljeća - impresionizam.

Prije nego što je počeo samostalno pisati, Eugene je studirao u školi Lerain: slikao je iz prirode, kopirao velike Rubensa, Rembrandta, Veronesea, Tiziana u Louvreu ... Mladi umjetnik radio je 10-12 sati dnevno. Prisjetio se riječi velikog Michelangela: “Slika je ljubomorna ljubavnica, traži cijeloga čovjeka...”

Delacroix je nakon Géricaultovih demonstracijskih nastupa bio itekako svjestan da je u umjetnosti nastupilo vrijeme snažnih emocionalnih preokreta. Najprije kroz dobro poznate književne zaplete pokušava shvatiti za njega novu eru. Njegovo slikarstvo "Dante i Vergilije", predstavljen u salonu 1822., pokušaj je kroz povijesne asocijativne slike dvojice pjesnika: antike - Vergilija i renesanse - Dantea - sagledati uzavreli kotao, "pakao" modernog doba. Jednom je Dante u svojoj "Božanstvenoj komediji" uzeo Vergilijevu zemlju kao pratnju u svim sferama (raj, pakao, čistilište). U Danteovom je djelu novi renesansni svijet nastao doživljajem sjećanja na antiku u srednjem vijeku. Simbol romantičnog kao sinteza antike, renesanse i srednjeg vijeka nastao je u “užasu” vizija Dantea i Vergilija. No složena filozofska alegorija pokazala se dobrom emotivnom ilustracijom predrenesansnog doba i besmrtnim književnim remek-djelom.

Delacroix će kroz vlastitu bol u srcu pokušati pronaći izravan odgovor u srcima svojih suvremenika. Mladi ljudi tog vremena, izgarajući od slobode i mržnje prema tlačiteljima, suosjećaju s oslobodilačkim ratom Grčke. Romantični bard Engleske, Byron, ide tamo boriti se. Smisao novog doba Delacroix vidi u prikazivanju konkretnijeg povijesnog događaja – borbe i stradanja slobodoljubive Grčke. Zaustavlja se na zapletu smrti stanovništva grčkog otoka Hiosa, zarobljenog od strane Turaka. Na Salonu 1824. Delacroix prikazuje sliku "Masakr na otoku Hiosu". na pozadini beskrajnog prostranstva brdovitog terena. Koja još uvijek vrišti od dima požara i neprekidne bitke, umjetnik prikazuje nekoliko skupina ranjenih, iscrpljenih žena i djece. Imali su posljednje minute slobode pred pristupom neprijatelja. Turčin na propetom konju s desne strane kao da visi nad cijelim prvim planom i mnoštvom patnika koji su tu. Lijepa tijela, lica očaranih ljudi. Inače, Delacroix će kasnije napisati da su grčku skulpturu umjetnici pretvarali u hijeroglife koji su skrivali pravu grčku ljepotu lica i lika. No, otkrivajući “ljepotu duše” u licima poraženih Grka, slikar toliko dramatizira događaje da, kako bi održao jedinstveni dinamički tempo napetosti, prelazi na deformaciju kutova figure. Te je "pogreške" već Gericaultovo djelo "riješilo", no Delacroix još jednom pokazuje romantičarski kredo da slikanje "nije istina situacije, nego istina osjećaja".

Godine 1824. Delacroix je izgubio svog prijatelja i učitelja Géricaulta. I postao je vođa nove slike.

Godine su prolazile. Pojavljivale su se jedna po jedna slika: “Grčka na ruševinama Missalunge”, “Sardanapalova smrt” i dr. Umjetnik je postao izopćenik u službenim slikarskim krugovima. Ali srpanjska revolucija 1830. promijenila je situaciju. Ona zapaljuje umjetnika romantikom pobjeda i postignuća. On slika sliku "Sloboda na barikadama".

Godine 1831. na pariškom Salonu Francuzi su prvi put vidjeli sliku Eugenea Delacroixa "Sloboda na barikadama", posvećenu "tri slavna dana" srpanjske revolucije 1830. godine. Platno je ostavilo zapanjujući dojam na suvremenike snagom, demokratičnosti i hrabrošću umjetničke odluke. Prema legendi, jedan ugledni buržuj je uzviknuo: “Kažete - šef škole? Reci mi bolje - glava bune! Nakon zatvaranja Salona, ​​vlast, uplašena prijetećom i inspirativnom privlačnošću koja je izvirala iz slike, požurila ju je vratiti autoru. Tijekom revolucije 1848. ponovno je javno izložena u Luksemburškoj palači. I opet se vratio umjetniku. Tek nakon što je 1855. godine platno izloženo na Svjetskoj izložbi u Parizu, završilo je u Louvreu. Ovdje se do danas čuva jedno od najboljih ostvarenja francuskog romantizma - nadahnuto svjedočenje očevidaca i vječni spomenik borbi naroda za slobodu.

Kakav je umjetnički jezik pronašao mladi francuski romantičar kako bi spojio ova dva naizgled suprotna principa - široku, sveobuhvatnu generalizaciju i konkretnu stvarnost okrutnu u svojoj ogoljenosti?

Pariz slavnih srpanjskih dana 1830. Zrak zasićen sivim dimom i prašinom. Prekrasan i veličanstven grad, nestaje u izmaglici praha. U daljini se jedva primjetno, ali ponosno uzdižu tornjevi katedrale Notre Dame - simbola povijesti, kulture i duha francuskog naroda. Odatle, iz zadimljenog grada, preko ruševina barikada, preko leševa mrtvih suboraca, ustanici tvrdoglavo i odlučno nastupaju. Svatko od njih može umrijeti, ali korak pobunjenika je nepokolebljiv - nadahnjuje ih volja za pobjedom, za slobodom.

Ta nadahnjujuća sila utjelovljena je u liku prekrasne mlade žene, u strastvenom izljevu koji je zove. Neiscrpne energije, slobodne i mladenačke brzine pokreta, ona je poput grčke boginje

Nick pobjeđuje. Njezina snažna figura odjevena je u hitonsku haljinu, njezino lice savršenih crta, s gorućim očima, okrenuto je buntovnicima. U jednoj ruci drži trobojnicu Francuske, u drugoj - pištolj. Na glavi je frigijska kapa - drevni simbol oslobođenja od ropstva. Korak joj je brz i lagan - tako koračaju boginje. U isto vrijeme, slika žene je stvarna - ona je kći francuskog naroda. Ona je snaga koja vodi kretanje grupe na barikadama. Iz njega, kao iz izvora svjetlosti u središtu energije, zrače zrake koje pune žeđu i voljom za pobjedom. Oni koji su mu u neposrednoj blizini, svatko na svoj način, izražavaju svoju uključenost u ovaj nadahnuti i nadahnuti poziv.

Desno je dječak, pariški gamen, mašući pištoljima. On je najbliži Slobodi i takoreći raspaljen njezinim entuzijazmom i radošću slobodnog poriva. U brzom, dječački nestrpljivom pokretu, čak je malo ispred svog inspiratora. Ovo je prethodnik legendarnog Gavrochea, kojeg je dvadesetak godina kasnije portretirao Victor Hugo u Jadnicima: “Gavroche, pun nadahnuća, blistav, preuzeo je na sebe zadatak da pokrene cijelu stvar. Švrljao je naprijed-natrag, išao gore, silazio

dolje, ponovno se diglo, zašuštalo, zaiskrilo od radosti. Reklo bi se da je došao kako bi sve razveselio. Je li imao motiv za to? Da, naravno, njegovo siromaštvo. Je li imao krila? Da, naravno, njegova vedrina. Bio je to nekakav vihor. Činilo se da ispunjava zrak sobom, svugdje prisutna u isto vrijeme... Ogromne barikade osjetile su to na svojoj kičmi.

Gavroche u Delacroixovoj slici je personifikacija mladosti, "lijepog impulsa", radosnog prihvaćanja svijetle ideje Slobode. Čini se da se dvije slike - Gavroche i Liberty - nadopunjuju: jedna je vatra, druga je baklja zapaljena iz nje. Heinrich Heine ispričao je kakav je živahan odjek Gavrocheov lik izazvao među Parižanima. "Kvragu! uzviknuo je trgovac mješovitom robom. "Ti dječaci borili su se kao divovi!"

S lijeve strane je student s pištoljem. Ranije se na njega gledalo kao na umjetnikov autoportret. Ovaj buntovnik nije tako brz kao Gavroche. Pokret mu je suzdržaniji, koncentriraniji, smisleniji. Ruke samouvjereno stišću cijev pištolja, lice izražava hrabrost, čvrstu odlučnost da se izdrži do kraja. Ovo je duboko tragična slika. Student je svjestan neizbježnosti gubitaka koje će pobunjenici pretrpjeti, ali ga žrtve ne plaše – volja za slobodom je jača. Iza njega stoji isto tako hrabar i odlučan radnik sa sabljom. Ranjen pod noge Slobode. S mukom se pridiže da ponovno podigne pogled prema Slobodi, da vidi i svim srcem osjeti tu ljepotu za kojom se umire. Ova figura donosi izrazito dramatičan početak zvuku Delacroixova platna. Ako slike Gavrochea, Slobode, studenta, radnika - gotovo simboli, utjelovljenje neumoljive volje boraca za slobodu - nadahnjuju i pozivaju gledatelja, onda ranjeni čovjek poziva na suosjećanje. Čovjek se oprašta sa Slobodom, oprašta se sa životom. On je još uvijek impuls, pokret, ali već blijedi impuls.

Njegov je lik prijelazni. Pogled gledatelja, još uvijek fasciniran i ponesen revolucionarnom odlučnošću pobunjenika, spušta se do podnožja barikade, prekrivene tijelima slavnih poginulih vojnika. Smrt umjetnik prikazuje u svoj ogoljenosti i evidentnosti činjenica. Vidimo plava lica mrtvih, njihova gola tijela: borba je nemilosrdna, a smrt je jednako neizbježan pratilac pobunjenika kao i prelijepa nadahnjivačica Sloboda.

Ali ne baš isti! Od strašnog prizora na donjem rubu slike, opet podižemo oči i vidimo prekrasan mladi lik - ne! život pobjeđuje! Ideja slobode, utjelovljena tako vidljivo i opipljivo, toliko je usmjerena na budućnost da smrt u njezino ime nije strašna.

Umjetnik prikazuje samo malu skupinu buntovnika, živih i mrtvih. No, branitelji barikade doimaju se neobično brojnima. Kompozicija je izgrađena tako da grupa boraca nije ograničena, zatvorena u sebe. Ona je samo dio nepregledne lavine ljudi. Umjetnik daje takoreći fragment skupine: okvir slike odsijeca figure slijeva, zdesna i dolje.

Obično boja u djelima Delacroixa dobiva emocionalni zvuk, igra dominantnu ulogu u stvaranju dramatičnog učinka. Boje, čas bijesne, čas blijede, prigušene, stvaraju napetu atmosferu. U Slobodi na barikadama Delacroix odstupa od tog načela. Vrlo precizno, nepogrešivo birajući boju, nanoseći je širokim potezima, umjetnik prenosi atmosferu bitke.

Ali raspon boja je suzdržan. Delacroix se fokusira na reljefnu modelaciju oblika. To je zahtijevalo figurativno rješenje slike. Uostalom, prikazujući jedan konkretan jučerašnji događaj, umjetnik je izradio i spomenik ovom događaju. Stoga su figure gotovo skulpturalne. Dakle, svaki lik, budući da je dio jedinstvene cjeline slike, također čini nešto zatvoreno u sebi, predstavlja simbol izliven u dovršenu formu. Stoga boja ne samo da emocionalno utječe na osjećaje gledatelja, već nosi simboličko opterećenje. Tu i tamo bljesne svečana trijada crvene, plave, bijele u smeđe-sivom prostoru - boje zastave Francuske revolucije 1789. Opetovano ponavljanje ovih boja podupire snažan akord trobojne zastave koja se vijori nad barikadama.

Delacroixova slika "Sloboda na barikadama" kompleksno je, po svom opsegu grandiozno djelo. Ovdje se spajaju autentičnost neposredno viđene činjenice i simbolika slika; realizam, dosegnuti brutalni naturalizam i idealna ljepota; grubo, strašno i uzvišeno, čisto.

Slika "Sloboda na barikadama" učvrstila je pobjedu romantizma u francuskom slikarstvu. U 30-ima još dvije povijesne slike: "Bitka kod Poitiersa" I "Atentat na biskupa Liegea".

Godine 1822. umjetnik je posjetio Sjevernu Afriku, Maroko, Alžir. Putovanje je na njega ostavilo neizbrisiv dojam. U 50-ima se u njegovom radu pojavljuju slike inspirirane sjećanjima na ovo putovanje: “Lov na lavove”, “Marokansko sedlanje konja” i dr. Svijetle kontrastne boje stvaraju romantičan zvuk ovih slika. U njima se pojavljuje tehnika širokog poteza.

Delacroix je kao romantičar stanje svoje duše bilježio ne samo jezikom slikovnih slika, već i književnim oblikom svojih misli. Dobro je opisao proces stvaralaštva umjetnika romantičara, njegove eksperimente s bojom, razmišljanja o odnosu glazbe i drugih oblika umjetnosti. Njegovi su dnevnici postali omiljeno štivo umjetnika sljedećih generacija.

Francuska je romantičarska škola značajno napredovala na području kiparstva (Rud i njegov reljef Marseljeze), pejzažnog slikarstva (Camille Corot sa svojim svjetlosnim slikama prirode Francuske).

Zahvaljujući romantizmu, osobna subjektivna vizija umjetnika poprima oblik zakona. Impresionizam će potpuno uništiti barijeru između umjetnika i prirode, proglašavajući umjetnost impresijom. Romantičari govore o umjetnikovoj fantaziji, "glasu njegovih osjećaja", koji mu dopušta da prekine rad kada majstor to smatra potrebnim, a ne kako zahtijevaju akademski standardi potpunosti.

Ako su se Gericaultove fantazije usredotočile na prijenos pokreta, Delacroix na magičnu moć boje, a Nijemci su tome dodali određeni “duh slikarstva”, onda španjolski Romantičari u liku Francisca Goye (1746-1828) pokazali su folklorno podrijetlo stila, njegovu fantazmagoričnost i grotesknost. Sam Goya i njegovo djelo izgledaju daleko od bilo kakvog stilskog okvira, tim više što je umjetnik vrlo često morao slijediti zakonitosti izvedbenog materijala (kada je, primjerice, radio slike za tkane tepihe od rešetke) ili zahtjeve naručitelja.

Njegove su fantazmagorije izašle na vidjelo u serijama bakropisa “Caprichos” (1797-1799),"Ratne katastrofe" (1810-1820),“Disparantes (“Gluposti”)(1815.-1820.), zidne slike "Kuće gluhih" i crkve San Antonio de la Florida u Madridu (1798.). Teška bolest 1792. dovela do potpune gluhoće umjetnika. Umijeće majstora nakon pretrpljene fizičke i duhovne traume postaje koncentriranije, promišljenije, interno dinamičnije. Vanjski svijet, zatvoren zbog gluhoće, aktivirao je Goyin unutarnji duhovni život.

U bakropisima “Caprichos” Iznimnu snagu Goya postiže u prenošenju trenutnih reakcija, naglih osjećaja. Crno-bijela izvedba, zahvaljujući smjeloj kombinaciji velikih mrlja, odsutnosti linearnosti karakteristične za grafiku, poprima sva svojstva slike.

Murale crkve svetog Antuna u Madridu Goya stvara, čini se, u jednom dahu. Nevjerojatni su temperament poteza, lakonizam kompozicije, izražajnost karakteristika likova, čiji tip Goya preuzima izravno iz gomile. Umjetnik prikazuje čudo Antuna Floridskog, koji je uskrisnuo i progovorio ubijenog, koji je imenovao ubojicu i time spasio nevino osuđenog od pogubljenja. Goya prenosi dinamičnost blistavo reagirajuće gomile i gestama i izrazima lica prikazanih lica. U kompozicijskoj shemi rasporeda slika u prostoru crkve slikar slijedi Tiepola, ali reakcija koju on izaziva u gledatelju nije barokna, već čisto romantična, pogađa osjećaj svakog gledatelja, pozivajući ga da se okrene sam.

Najviše je taj cilj postignut u slici Conto del Sordo (“Kuća gluhih”), u kojoj je Goya živio od 1819. Zidovi soba prekriveni su s petnaest kompozicija fantastične i alegorijske prirode. Njihovo sagledavanje zahtijeva duboku empatiju. Slike nastaju kao nekakve vizije gradova, žena, muškaraca itd. Boja, bljeskajući, izvlači jednu, pa drugu figuru. Slika u cjelini tamna je, dominiraju bijele, žute, ružičasto-crvene mrlje, bljeskovi uznemirujućih osjećaja. Bakropisi serije "Disparantes" .

Goya je posljednje 4 godine proveo u Francuskoj. Malo je vjerojatno da je znao da se Delacroix nije rastajao od svojih "Caprichosa". I nije mogao predvidjeti kako će Hugo i Baudelaire biti poneseni tim bakropisima, kakav će veliki utjecaj imati njegovo slikarstvo na Maneta i kako će 80-ih godina XIX. V. Stasov će pozvati ruske umjetnike da proučavaju njegove "Ratne katastrofe"

Ali mi, s obzirom na to, znamo kakav je golem utjecaj na umjetničku kulturu 19. i 20. stoljeća imala ta “bestilna” umjetnost odvažnog realista i nadahnutog romantičara.

Fantastični svijet snova u svojim djelima ostvaruje i engleski romantičarski umjetnik William Blake (1757.-1827.). Engleska bila klasična zemlja romantične književnosti. Byron. Shelley je postao zastava ovog pokreta daleko izvan "maglovitog Albiona". U Francuskoj, u časopisnoj kritici vremena “romantičarskih bitaka”, romantičari su nazivani “Shakespeareancima”. Glavna značajka engleskog slikarstva uvijek je bila zanimanje za ljudsku osobnost, što je omogućilo plodonosan razvoj žanra portreta. Romantizam u slikarstvu vrlo je usko povezan sa sentimentalizmom. Romantičarski interes za srednji vijek iznjedrio je veliku povijesnu literaturu. Priznati majstor toga je V. Scott. U slikarstvu je tema srednjeg vijeka odredila pojavu tzv. perafaelita.

William Blake nevjerojatan je tip romantičara na engleskoj kulturnoj sceni. Piše poeziju, ilustrira svoje i druge knjige. Njegov talent težio je obuhvatiti i izraziti svijet u holističkom jedinstvu. Njegova najpoznatija djela su ilustracije za biblijsku "Knjigu o Jobu", "Božanstvenu komediju" od Dantea, "Izgubljeni raj" od Miltona. Svoje kompozicije naseljava titanskim figurama heroja, koji korespondiraju sa svojim okruženjem irealnog prosvijetljenog ili fantazmagoričnog svijeta. Osjećaj buntovnog ponosa ili sklada, koji je teško stvoriti iz nesklada, preplavljuje njegove ilustracije.

Pejzažne gravure za "Pastorale" rimskog pjesnika Vergilija doimaju se nešto drugačijim - idiličnije su romantičnije od svojih prethodnih djela.

Blakeov romantizam pokušava pronaći vlastitu umjetničku formulu i oblik postojanja svijeta.

William Blake, proživjevši život krajnje bijede i tame, nakon smrti svrstan je u plej klasika engleske umjetnosti.

U djelu engleskih pejzažista ranog XIX stoljeća. romantični hobiji kombiniraju se s objektivnijim i trezvenijim pogledom na prirodu.

Romantično uzdignute krajolike stvara William Turner (1775.-1851.). Volio je prikazivati ​​grmljavine, pljuskove, oluje na moru, svijetle, vatrene zalaske sunca. Turner je često preuveličavao učinke osvjetljenja i pojačavao zvuk boje čak i kada je slikao mirno stanje prirode. Za veći efekt koristio je tehniku ​​akvarela i nanosio uljanu boju u vrlo tankom sloju te slikao direktno na tlo, postižući preljeve iridescentne boje. Primjer je slika “Kiša, para i brzina”(1844). Ali čak ni poznati kritičar tog vremena, Thackeray, nije mogao ispravno shvatiti, možda, najinovativniju sliku kako u dizajnu tako iu izvedbi. “Kiša je označena mrljama od prljavog kita”, napisao je, “poštrcanih po platnu nožem za palete, sunčeva svjetlost s mutnim svjetlucanjem probija se kroz vrlo guste grudice prljavo žutog kroma. Sjene se prenose hladnim nijansama grimiznog kraplaka i mrljama cinobara prigušenih tonova. I premda se vatra u peći lokomotive čini crvena, ne usuđujem se tvrditi da nije obojena bojom kabalta ili graška. Drugi je kritičar u Turnerovoj boji pronašao boju "kajgane i špinata". Boje pokojnog Turnera općenito su se suvremenicima činile potpuno nezamislivim i fantastičnim. Trebalo je proći više od jednog stoljeća da se u njima vidi zrno stvarnih zapažanja. Ali kao i u drugim slučajevima, bilo je i ovdje. Sačuvan je zanimljiv zapis jednog očevica, odnosno svjedoka rođenja “Kiše, pare i brzine”. Izvjesna gospođa Simone vozila se u kupeu Western Expressa sa starijim gospodinom koji je sjedio preko puta nje. Zamolio je za dopuštenje da otvori prozor, promolio glavu na kišu koja je pljuštala i ostao u tom položaju dosta dugo. Kad je napokon zatvorio prozor. Voda je s njega kapala u potocima, ali on je blaženo zatvorio oči i zavalio se, očito uživajući u onome što je upravo vidio. Radoznala mlada žena odlučila je sama iskusiti njegove osjećaje - također je promolila glavu kroz prozor. Također se smočio. Ali stekao sam nezaboravan dojam. Zamislite njezino iznenađenje kada je godinu dana kasnije na izložbi u Londonu vidjela Rain, Steam and Speed. Netko iza nje je kritički primijetio: “Izuzetno tipično za Turnera, zar ne. Nitko nikada nije vidio takvu mješavinu apsurda.” A ona, ne mogavši ​​se suzdržati, reče: "Vidjela sam."

Možda je ovo prva slika vlaka u slikarstvu. gledište se uzima negdje odozgo, što je omogućilo široku panoramsku pokrivenost. Western Express leti preko mosta brzinom koja je bila apsolutno izuzetna za to vrijeme (prelazi 150 km na sat). Osim toga, ovo je vjerojatno prvi pokušaj prikazivanja svjetla kroz kišu.

Engleska umjetnost sredine 19. stoljeća. razvijao u sasvim drugom smjeru od Turnerovog slikarstva. Iako je njegova vještina bila općepriznata, nitko od mladih nije ga slijedio.

Turner se dugo smatrao pretečom impresionizma. Čini se da su francuski umjetnici trebali dalje razvijati njegovu potragu za bojom iz svjetla. Ali to uopće nije tako. U biti, Turnerov utjecaj na impresioniste seže do djela Paula Signaca Od Delacroixa do neoimpresionizma, objavljenog 1899., gdje opisuje kako su "1871., tijekom dugog boravka u Londonu, Claude Manet i Camille Pissarro otkrili Turnera. Divili su se pouzdanoj i čarobnoj kvaliteti njegovih boja, proučavali su njegov rad, analizirali njegovu tehniku. Isprva su bili zadivljeni njegovim prikazom snijega i leda, šokirani načinom na koji je uspio prenijeti osjećaj bjeline snijega, što oni sami nisu mogli, s velikim srebrnasto bijelim mrljama položenim širokim potezima kista. . Vidjeli su da se taj dojam nije postigao samo krečenjem. I masa višebojnih poteza. Nanesene jedna do druge, što je proizvelo ovakav dojam, ako ih gledate izdaleka.

Tijekom tih godina Signac je posvuda tražio potvrdu svoje teorije poentilizma. Ali ni na jednoj od Turnerovih slika koje su francuski umjetnici mogli vidjeti u Nacionalnoj galeriji 1871. nema tehnike poentilizma koju je opisao Signac, niti ima "širokih mrlja bjeline". Zapravo, Turnerov utjecaj na Francuze nije bio jači u 1870 -e, a 1890-ih.

Turnera je najpažljivije proučavao Paul Signac - ne samo kao preteču impresionizma, o čemu je pisao u svojoj knjizi, već i kao velikog inovativnog umjetnika. O Turnerovim kasnim slikama “Kiša, para i brzina”, “Izgnanstvo”, “Jutro” i “Večer potopa”, Signac je pisao svom prijatelju Angrandu: prekrasan smisao te riječi.”

Signacova entuzijastična ocjena označila je početak modernog razumijevanja Turnerove slikarske potrage. No, posljednjih se godina ponekad događa da ne vode računa o podtekstu i složenosti pravaca njegova traženja, jednostrano birajući primjere iz Turnerovih doista nedovršenih "podslika", nastojeći u njemu otkriti preteču impresionizma.

Od najnovijih umjetnika sve naravno upućuje na usporedbu s Monetom, koji je i sam prepoznao Turnerov utjecaj na njega. Postoji čak i jedna parcela koja je apsolutno slična u oba - naime, zapadni portal katedrale u Rouenu. Ali ako nam Monet daje studiju solarnog osvjetljenja zgrade, on nam ne daje gotiku, već neku vrstu golog modela, u Turneru shvaćate zašto se umjetnik, potpuno zaokupljen prirodom, zainteresirao za ovu temu - u svom image Upravo je kombinacija neodoljive veličine cjeline i beskonačnog što pogađa raznovrsnost detalja što približava tvorevine gotičke umjetnosti djelima prirode.

Posebnost engleske kulture i romantične umjetnosti otvorila je mogućnost pojave prvoga plenerista, koji je u 19. stoljeću postavio temelje svjetlozračnoj slici prirode, Johna Constablea (1776.-1837.). Englez Constable odabire krajolik kao glavni žanr svog slikarstva: “Svijet je velik; ne postoje dva ista dana, čak ni dva ista sata; Od postanka svijeta ne postoje dva ista lista na jednom drvetu, a sva prava umjetnička djela, kao i tvorevine prirode, međusobno se razlikuju”, kazao je.

Policajac je na otvorenom slikao velike uljane skice s istančanim promatranjem različitih stanja prirode u kojima je uspio dočarati složenost unutarnjeg života prirode i njezine svakodnevice. (“Pogled na Highgate s brda Hempstead”, U REDU. 1834; "Kolica sa sijenom" 1821; “Detham Valley”, oko 1828.) to je postigao uz pomoć tehnika pisanja. Slikao je pokretnim potezima, čas gustim i grubim, čas glatkijim i prozirnijim. Impresionisti će do toga doći tek krajem stoljeća. Inovativno slikarstvo Constablea utjecalo je na djela Delacroixa, kao i na cjelokupni razvoj francuskog pejzaža.

Constableova umjetnost, kao i mnogi aspekti Gericaultova djela, označili su pojavu realističkog pravca u europskoj umjetnosti 19. stoljeća, koji se u početku razvijao usporedno s romantizmom. Kasnije su im se putevi razišli.

Romantičari otvaraju svijet ljudske duše, individualne, ničije druge, ali iskrene i stoga bliske svakoj senzualnoj viziji svijeta. Trenutnost slike u slikarstvu, kako kaže Gelacroix, a ne njezina dosljednost u literarnoj izvedbi, odredila je usmjerenost umjetnika na najsloženiji prijenos pokreta, radi čega su iznađena nova formalna i koloristička rješenja. Romantizam je ostavio nasljeđe druge polovice XIX. svi ti problemi i umjetnička individualnost oslobođena pravila akademizma. Simbol koji je kod romantičara trebao izraziti suštinski spoj ideje i života, u umjetnosti druge polovice XIX. rastvara se u polifoniji umjetničke slike, hvatajući raznolikost ideja i okolnog svijeta.

b) Glazba

Ideja sinteze umjetnosti našla je svoj izraz u ideologiji i praksi romantizma. Romantizam u glazbi oblikovao se 20-ih godina 19. stoljeća pod utjecajem književnosti romantizma i razvijao se u uskoj vezi s njom, s književnošću općenito (okretanje sintetskim žanrovima, prvenstveno operi, pjesmi, instrumentalnim minijaturama i glazbenoj programiranosti). Poziv prema unutarnjem svijetu osobe, svojstven romantizmu, izrazio se u kultu subjektivnog, žudnji za emocionalno intenzivnim, što je odredilo primat glazbe i teksta u romantizmu.

Glazba 1. polovice 19. stoljeća. brzo evoluirao. Pojavio se novi glazbeni jezik; u instrumentalnoj i komorno-vokalnoj glazbi minijatura je dobila posebno mjesto; orkestar je zvučao raznolikim spektrom boja; mogućnosti klavira i violine otkrivene su na nov način; glazba romantičara bila je vrlo virtuozna.

Glazbeni romantizam očitovao se u mnogo različitih grana povezanih s različitim nacionalnim kulturama i različitim društvenim pokretima. Tako se, primjerice, bitno razlikuju intimni, lirski stil njemačkih romantičara i "govornički" građanski patos, karakterističan za stvaralaštvo francuskih skladatelja. S druge strane, predstavnici novih nacionalnih škola nastalih na temeljima širokog narodnooslobodilačkog pokreta (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), kao i predstavnici talijanske operne škole, usko povezani s pokretom Risorgimento (Verdi, Bellini), u mnogočemu se razlikuju od suvremenika u Njemačkoj, Austriji ili Francuskoj, posebice tendencijom očuvanja klasične tradicije.

Ipak, svi su oni obilježeni nekim općim umjetničkim načelima koja nam dopuštaju govoriti o jedinstvenoj romantičarskoj strukturi mišljenja.

Zbog osobite sposobnosti glazbe da duboko i prodorno razotkrije bogati svijet ljudskih iskustava, romantičarska ju je estetika postavila na prvo mjesto među ostalim umjetnostima. Mnogi su romantičari isticali intuitivni početak glazbe, pripisivali joj svojstvo izražavanja "nespoznatljivog". Djelo izvanrednih romantičarskih skladatelja imalo je snažnu realističku osnovu. Zanimanje za život običnih ljudi, punina života i istinitost osjećaja, oslanjanje na glazbu svakodnevnog života odredili su realističnost djela najboljih predstavnika glazbenog romantizma. Reakcionarne tendencije (misticizam, bijeg od stvarnosti) svojstvene su samo relativno malom broju djela romantičara. Djelomično su se pojavili u operi Euryanta od Webera (1823), u nekim glazbenim dramama od Wagnera, oratoriju Krist od Liszta (1862) itd.

Do početka 19. stoljeća pojavljuju se temeljne studije folklora, povijesti, antičke književnosti, uskrsavaju srednjovjekovne legende, gotička umjetnost i kultura renesanse koja je bila zaboravljena. Upravo su se u to vrijeme u europskom skladateljskom stvaralaštvu razvile mnoge nacionalne škole posebnog tipa, koje su bile predodređene da bitno prošire granice zajedničke europske kulture. ruski, koji je ubrzo zauzeo, ako ne prvo, onda jedno od prvih mjesta u svjetskom kulturnom stvaralaštvu (Glinka, Dargomyzhsky, "Kučkisti", Čajkovski), poljski (Chopin, Moniuszko), češki (Kiselo vrhnje, Dvorak), mađarski ( List), zatim norveški (Grieg), španjolski (Pedrel), finski (Sibelius), engleski (Elgar) - svi oni, stapajući se u opći tok skladateljeva stvaralaštva u Europi, ni na koji se način nisu suprotstavljali ustaljenim drevnim tradicijama. . Nastao je novi krug slika koji izražava jedinstvena nacionalna obilježja nacionalne kulture kojoj je skladatelj pripadao. Intonacijska struktura djela omogućuje vam da odmah prepoznate pripadnost određenoj nacionalnoj školi.

Skladatelji u zajednički europski glazbeni jezik unose intonacijske obrate starog, uglavnom seljačkog folklora svojih zemalja. Oni su, takoreći, očistili rusku narodnu pjesmu od lakirane opere, unijeli su u kozmopolitski intonacijski sustav 18. stoljeća pjesničke obrate narodno-svakodnevnih žanrova. Najupečatljivija pojava u glazbi romantizma, koja se osobito živo uočava u usporedbi s figurativnom sferom klasicizma, jest dominacija lirsko-psihološkog načela. Naravno, posebnost glazbene umjetnosti općenito je prelamanje bilo koje pojave kroz sferu osjećaja. Glazba svih razdoblja podložna je ovom obrascu. Ali romantičari su nadmašili sve svoje prethodnike u vrijednosti lirskog početka u svojoj glazbi, u snazi ​​i savršenstvu u prenošenju dubina unutarnjeg svijeta osobe, najsuptilnijih nijansi raspoloženja.

Tema ljubavi u njemu zauzima dominantno mjesto, jer upravo to stanje duha najopsežnije i najpotpunije odražava sve dubine i nijanse ljudske psihe. No vrlo je karakteristično da se ova tematika ne ograničava samo na motive ljubavi u doslovnom smislu te riječi, već se poistovjećuje s najširim spektrom fenomena. Čisto lirski doživljaji likova otkrivaju se na pozadini široke povijesne panorame. Čovjekova ljubav prema svom domu, prema domovini, prema svom narodu provlači se kao nit kroz rad svih romantičarskih skladatelja.

Veliko mjesto u glazbenim djelima malih i velikih formi daje se slici prirode, tijesno i neraskidivo isprepletenoj s temom lirske ispovijesti. Poput slika ljubavi, slika prirode personificira stanje duha junaka, tako često obojeno osjećajem nesklada sa stvarnošću.

Tema fantazije često se natječe sa slikama prirode, što je vjerojatno generirano željom za bijegom iz zarobljeništva stvarnog života. Za romantičare je bila karakteristična potraga za čudesnim, iskričavim bogatstvom boja svijeta, suprotstavljenim sivoj svakodnevici. U tim godinama književnost je obogaćena bajkama, baladama ruskih pisaca. Među skladateljima romantične škole, nevjerojatne, fantastične slike dobivaju nacionalnu jedinstvenu boju. Balade su inspirirane ruskim piscima, a zahvaljujući tome nastaju djela fantastičnog grotesknog plana koja simboliziraju, takoreći, krivu stranu vjere, nastojeći preokrenuti ideje straha od sila zla.

Mnogi romantičarski skladatelji djelovali su i kao glazbeni pisci i kritičari (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt i dr.). Teorijski rad predstavnika progresivnog romantizma dao je vrlo značajan doprinos razvoju najvažnijih pitanja glazbene umjetnosti. Romantizam je došao do izražaja iu scenskoj umjetnosti (violinist Paganini, pjevač A. Nurri i dr.).

Progresivno značenje romantizma u ovom razdoblju leži uglavnom u djelatnosti Franz Liszt. Lisztovo stvaralaštvo, unatoč proturječnom svjetonazoru, u osnovi je bilo progresivno, realističko. Jedan od utemeljitelja i klasika mađarske glazbe, izuzetan nacionalni umjetnik.

Mađarske nacionalne teme naširoko se odražavaju u mnogim Lisztovim djelima. Lisztove romantične, virtuozne skladbe proširile su tehničke i izražajne mogućnosti sviranja klavira (koncerti, sonate). Značajne su bile Lisztove veze s predstavnicima ruske glazbe, čija je djela aktivno promovirao.

Istodobno, Liszt je odigrao veliku ulogu u razvoju svjetske glazbene umjetnosti. Nakon Liszta, "sve je postalo moguće za klavir." Karakteristike njegove glazbe su improvizacija, romantična ushićenost osjećaja, izražajna melodičnost. Liszt je cijenjen kao skladatelj, izvođač, glazbena figura. Glavna djela skladatelja: opera “ Don Sancho ili dvorac ljubavi”(1825), 13 simfonijskih pjesama” Tasso ”, ” Prometej ”, “Hamlet” i dr., djela za orkestar, 2 koncerta za klavir i orkestar, 75 romansi, zborova i druga jednako poznata djela.

Jedna od prvih manifestacija romantizma u glazbi bila je kreativnost Franz Schubert(1797-1828). Schubert je ušao u povijest glazbe kao najveći od utemeljitelja glazbenog romantizma i tvorac niza novih žanrova: romantične simfonije, glasovirske minijature, lirsko-romantične pjesme (romance). Najvažnije u njegovom radu je pjesma, u čemu je pokazao osobito mnogo inovativnih sklonosti. U Schubertovim pjesmama najdublje se otkriva unutarnji svijet čovjeka, najuočljivija je njegova karakteristična veza s narodnom glazbom, najočitije dolazi do izražaja jedna od najbitnijih značajki njegova talenta - nevjerojatna raznolikost, ljepota, draž melodija. Najbolje pjesme ranog razdoblja su “ Margarita za kolovratom ”(1814) , “šumski kralj". Obje su pjesme napisane na Goetheove riječi. U prvom od njih, ostavljena djevojka prisjeća se svog voljenog. Ona je usamljena i duboko pati, njena pjesma je tužna. Jednostavnu i iskrenu melodiju odjekuje samo monotono zujanje povjetarca. “Šumski kralj” kompleksno je djelo. Ovo nije pjesma, već dramatična scena u kojoj se pred nama pojavljuju tri lika: otac koji jaše na konju kroz šumu, bolesno dijete koje nosi sa sobom i strašni šumski kralj koji se javlja dječaku u groznici. delirijum. Svaki od njih ima svoj melodijski jezik. Schubertove pjesme "Pastrva", "Barcarolle", "Jutarnja serenada" nisu ništa manje poznate i voljene. Napisane u kasnijim godinama, ove su pjesme izvanredne po svojoj iznenađujuće jednostavnoj i izražajnoj melodiji i svježim bojama.

Schubert je napisao i dva ciklusa pjesama - “ lijepa mlinarica"(1823), i" zimska staza”(1872) - prema riječima njemačkog pjesnika Wilhelma Müllera. U svakoj od njih pjesme su objedinjene jednim zapletom. Pjesme ciklusa “Lijepa mlinarica” govore o mladom dječaku. Prateći tok potoka, kreće na put da potraži svoju sreću. Većina pjesama u ovom ciklusu je laganog karaktera. Atmosfera ciklusa “Zimski put” potpuno je drugačija. Siromašnog mladića odbila je bogata nevjesta. U očaju napušta rodni grad i odlazi lutati svijetom. Pratioci su mu vjetar, mećava, zlokobno graktanje vrana.

Nekoliko ovdje navedenih primjera omogućuje nam da govorimo o značajkama Schubertova pisanja pjesama.

Schubert je volio pisati klavirska glazba. Za ovaj je instrument napisao ogroman broj djela. Kao i pjesme, njegova klavirska djela bila su bliska svakodnevnoj glazbi i jednako jednostavna i razumljiva. Omiljeni žanrovi njegovih skladbi bili su plesovi, marševi, au posljednjim godinama života - improvizirani.

Valceri i drugi plesovi obično su se pojavljivali na Schubertovim balovima, u seoskim šetnjama. Tamo ih je improvizirao, a kod kuće snimao.

Usporedimo li Schubertove klavirske skladbe s njegovim pjesmama, možemo pronaći mnoge sličnosti. Prije svega, to je velika melodijska izražajnost, gracioznost, živopisno sučeljavanje dura i mola.

Jedan od najvećih francuski skladatelji druge polovice 19. stoljeća Georges Bizet, tvorac besmrtne kreacije za glazbeno kazalište - opere “Carmen„i divna glazba za dramu Alphonsea Daudeta“ arlezijanski ”.

Bizetovo djelo karakteriziraju točnost i jasnoća misli, novost i svježina izražajnih sredstava, cjelovitost i elegancija oblika. Bizeta karakterizira oštrina psihološke analize u shvaćanju ljudskih osjećaja i postupaka, što je svojstveno stvaralaštvu velikih skladateljevih sunarodnjaka - pisaca Balzaca, Flauberta, Maupassanta. Središnje mjesto u Bizetovom stvaralaštvu, žanrovski raznolikom, pripada operi. Skladateljeva operna umjetnost nastala je na nacionalnom tlu i njegovana je tradicijama francuske operne kuće. Bizet je prvim zadatkom u svom radu smatrao prevladavanje žanrovskih ograničenja koja postoje u francuskoj operi i koja koče njezin razvoj. "Velika" opera čini mu se mrtvim žanrom, lirska opera iritira svojom plačljivošću i malograđanskom uskogrudnošću, komična zaslužuje pozornost više od drugih. Prvi put se u Bizetovoj operi pojavljuju sočni i živahni domaći i masovni prizori, koji anticipiraju život i živopisne prizore.

Bizetova glazba za dramu Alphonsea Daudeta “Arlezijanac” poznata je ponajprije po dvjema koncertnim suitama koje čine njezini najbolji brojevi. Bizet je koristio neke autentične provansalske melodije : “Marš tri kralja” I "Ples živahnih konja".

Bizetova opera Carmen” je glazbena drama koja pred publikom s uvjerljivom istinitošću i zadivljujućom umjetničkom snagom razotkriva priču o ljubavi i smrti svojih junaka: vojnika Josea i Ciganke Carmen. Opera Carmen nastala je na temeljima tradicije francuskog glazbenog kazališta, ali je istovremeno unijela i mnogo novoga. Na temelju najboljih dostignuća nacionalne opere i reformirajući njezine najvažnije elemente, Bizet je stvorio novi žanr - realističnu glazbenu dramu.

U povijesti operne kuće 19. stoljeća opera Carmen zauzima jedno od prvih mjesta. Od 1876. započela je njezina trijumfalna povorka na pozornicama opernih kuća u Beču, Bruxellesu i Londonu.

Manifestaciju osobnog odnosa prema okolini iskazivali su pjesnici i glazbenici, prije svega, u neposrednosti, emocionalnoj “otvorenosti” i strastvenosti izraza, u nastojanju da uvjere slušatelja uz pomoć neprestane žestine tona priznanja ili priznanja.

Ta su nova strujanja u umjetnosti presudno utjecala na nastanak lirska opera. Nastala je kao antiteza "velike" i komične opere, ali nije mogla mimoići njihova osvajanja i postignuća na području operne dramaturgije i sredstava glazbenog izražavanja.

Izrazita značajka novog opernog žanra bila je lirska interpretacija bilo koje književne radnje - na povijesnu, filozofsku ili modernu temu. Junaci lirske opere obdareni su značajkama običnih ljudi, lišenih ekskluzivnosti i neke hiperbolizacije, karakteristične za romantičnu operu. Najznačajniji umjetnik na području lirske opere bio je Charles Gounod.

Među prilično brojnom opernom baštinom Gounoda ističe se opera “ Faust" zauzima posebno i, reklo bi se, izuzetno mjesto. Njezina svjetska slava i popularnost neusporedive su s drugim Gounodovim operama. Povijesni značaj opere Faust posebno je velik jer je bila ne samo najbolja, nego u biti prva među operama novoga smjera, o čemu je Čajkovski napisao: “Nemoguće je poreći da je Faust napisan, ako ne s genije, tada s izvanrednom vještinom i bez značajnijeg identiteta.” U slici Fausta izglađena je oštra nedosljednost i "bifurkacija" njegove svijesti, vječno nezadovoljstvo uzrokovano željom da se upozna svijet. Gounod nije mogao prenijeti svu svestranost i složenost slike Goetheovog Mefistofela, koji je utjelovio duh militantnog kriticizma tog doba.

Jedan od glavnih razloga popularnosti "Fausta" bio je taj što je koncentrirao najbolje i temeljno nove značajke mladog žanra lirske opere: emocionalno izravan i živopisan individualni prijenos unutarnjeg svijeta opernih likova. Duboki filozofski smisao Goetheova Fausta, koji je nastojao razotkriti povijesne i društvene sudbine cijeloga čovječanstva na primjeru sukoba glavnih likova, Gounod je utjelovio u obliku humane lirske drame Marguerite i Faust.

Francuski skladatelj, dirigent, glazbeni kritičar Hector Berlioz ušao je u povijest glazbe kao najveći romantičarski skladatelj, tvorac programske simfonije, inovator na području glazbene forme, harmonije i osobito instrumentacije. U njegovom su djelu pronašli živo utjelovljenje značajki revolucionarnog patosa i herojstva. Berlioz je bio upoznat s M. Glinkom, čiju je glazbu iznimno cijenio. Bio je u prijateljskim odnosima s prvacima "Moćne šačice", koji su s oduševljenjem prihvatili njegove spise i stvaralačka načela.

Stvorio je 5 glazbeno scenskih djela, među kojima i operu “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojanci ”,”Beatrice i Benedikta(prema Shakespeareovoj komediji Mnogo vike ni oko čega, 1862.); 23 vokalna i simfonijska djela, 31 romansa, zborovi, napisao je knjige “Velika rasprava o suvremenom instrumentiranju i orkestraciji” (1844.), “Večeri u orkestru” (1853.), “Kroz pjesme” (1862.), “Glazbene zanimljivosti” ( 1859), “Memoari” (1870), članci, prikazi.

njemački skladatelj, dirigent, dramatičar, publicist Richard Wagner ušao je u povijest svjetske glazbene kulture kao jedan od najvećih glazbenih stvaratelja i velikih reformatora operne umjetnosti. Cilj njegovih reformi bio je stvoriti monumentalno programsko vokalno-simfonijsko djelo u dramskom obliku, zamišljeno da zamijeni sve vrste operne i simfonijske glazbe. Takvo je djelo bila glazbena drama, u kojoj glazba teče u neprekidnom toku, stapajući zajedno sve dramske karike. Odbacivši gotova pjevanja, Wagner ih je zamijenio nekom vrstom emocionalno bogatog recitativa. Veliko mjesto u Wagnerovim operama zauzimaju samostalne orkestralne epizode koje su vrijedan doprinos svjetskoj simfonijskoj glazbi.

Wagnerova ruka pripada 13 opera:“ Leteći Holandez” (1843), “Tannhäuser” (1845), “Tristan i Izolda” (1865), “Zlato Rajne” (1869) i tako dalje.; zborovi, glasovirske skladbe, romanse.

Bio je još jedan izvanredan njemački skladatelj, dirigent, pijanist, učitelj i glazbenik Felix Mendelssohn-Bartholdy. Od 9. godine počinje nastupati kao pijanist, sa 17 godina stvara jedno od remek-djela - uvertiru u komediju. C on je u ljetnoj noći" Shakespearea. Godine 1843. u Leipzigu je osnovao prvi konzervatorij u Njemačkoj. U djelu Mendelssohna, "klasika među romantičarima", romantičarska su obilježja spojena s klasičnim misaonim sustavom. Njegovu glazbu karakterizira svijetla melodičnost, demokratizam izraza, umjerenost osjećaja, smirenost misli, prevladavanje vedrih emocija, lirski ugođaji, ne bez blagog prizvuka sentimentalnosti, besprijekorne forme, briljantno majstorstvo. R. Schumann ga je nazvao "Mozartom 19. stoljeća", G. Heine - "glazbenim čudom".

Autor pejzažnih romantičnih simfonija (“Škotska”, “Talijanska”), programskih koncertnih uvertira, popularnog violinskog koncerta, ciklusa skladbi za klavir “Pjesma bez riječi”; opere Camachova ženidba Napisao je glazbu za dramsku dramu Antigona (1841), Sofoklova Edip u kolonu (1845), Racineovu Ataliju (1845), Shakespeareov San ljetne noći (1843) i dr.; oratoriji »Pavao« (1836.), »Ilija« (1846.); 2 koncerta za klavir i 2 za violinu.

U talijanski glazbenoj kulturi posebno mjesto pripada Giuseppeu Verdiju - izvanrednom skladatelju, dirigentu, orguljašu. Glavno područje Verdijeva rada je opera. Djelovao je uglavnom kao glasnogovornik herojsko-domoljubnih osjećaja i narodnooslobodilačkih ideja talijanskog naroda. Sljedećih godina posvetio je pozornost dramatičnim sukobima izazvanim društvenom nejednakošću, nasiljem, ugnjetavanjem i osuđivao zlo u svojim operama. Karakteristične značajke Verdijeva djela: narodna glazba, dramatični temperament, melodijska svjetlina, razumijevanje zakona pozornice.

Napisao je 26 opera: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Trubadur”, “Traviata”, “Othello”, “Aida”" i tako dalje . , 20 romansi, vokalni ansambli .

mlada norveški kompozitor Edvard Grieg (1843.-1907.) težio razvoju nacionalne glazbe. To nije bilo izraženo samo u njegovom radu, već iu promociji norveške glazbe.

Tijekom godina provedenih u Kopenhagenu, Grieg je napisao mnogo glazbe: “ Pjesničke slike” I "Humoreska", sonata za klavir i sonata za prvu violinu, pop. Sa svakim novim djelom slika Griega kao norveškog skladatelja postaje jasnija. U suptilnim lirskim »Pjesničkim slikama« (1863.) još se bojažljivo probijaju narodna obilježja. Ritmička figura često se nalazi u norveškoj narodnoj glazbi; postao je karakterističan za mnoge Griegove melodije.

Griegovo djelo je opsežno i višestruko. Grieg je pisao djela različitih žanrova. Klavirski koncert i balade, tri sonate za violinu i klavir te sonata za violončelo i glasovir, kvartet svjedoči o Griegovoj stalnoj žudnji za velikom formom. Pritom je skladateljevo zanimanje za instrumentalne minijature ostalo nepromijenjeno. U jednakoj mjeri kao i klavir, skladatelja je privlačila komorna vokalna minijatura - romansa, pjesma. Ne budi glavni kod Griega, polje simfonijskog stvaralaštva obilježeno je takvim remek-djelima kao što su suite” Po Gounodu ”, “Iz Holbergovih dana". Jedna od karakterističnih vrsta Griegova stvaralaštva su obrade narodnih pjesama i plesova: u obliku jednostavnih klavirskih skladbi, ciklus svita za klavir četveroručno.

Griegov glazbeni jezik izrazito je originalan. Individualnost skladateljeva stila ponajviše je određena njegovom dubokom vezom s norveškom narodnom glazbom. Grieg široko koristi žanrovske značajke, intonacijsku strukturu, ritmičke formule narodnih pjesama i plesnih melodija.

Griegovo izvanredno majstorstvo varijantnog i varijantnog razvoja melodije ukorijenjeno je u narodnoj tradiciji opetovanog ponavljanja melodije s njezinim promjenama. “Snimio sam narodnu glazbu svoje zemlje.” Iza ovih riječi krije se Griegov pijetetski odnos prema narodnoj umjetnosti i prepoznavanje njezine odlučujuće uloge za vlastito stvaralaštvo.

7. ZAKLJUČAK

Na temelju navedenog mogu se izvući sljedeći zaključci:

Na pojavu romantizma utjecala su tri glavna događaja: Francuska revolucija, Napoleonski ratovi, uspon narodnooslobodilačkog pokreta u Europi.

Romantizam kao metoda i pravac u umjetničkoj kulturi bio je složen i kontroverzan fenomen. U svakoj zemlji imao je svijetli nacionalni izraz. Romantičari su zauzimali različite društvene i političke položaje u društvu. Svi su se pobunili protiv rezultata buržoaske revolucije, ali su se pobunili na različite načine, jer je svaki imao svoj ideal. Ali uza sva brojna lica i raznolikosti, romantizam ima stabilne značajke:

Sve su one proizašle iz negiranja prosvjetiteljstva i racionalističkih kanona klasicizma, koji su sputavali stvaralačku inicijativu umjetnika.

Otkrili su princip historicizma (prosvjetitelji su prošlost prosuđivali protupovijesno za njih je bilo "razumno" i "nerazumno"). Vidjeli smo ljudske karaktere u prošlosti, oblikovane njihovim vremenom. Zanimanje za nacionalnu prošlost iznjedrilo je mnoštvo povijesnih djela.

Interes za snažnu osobnost koja se suprotstavlja cijelom svijetu oko sebe i oslanja se samo na sebe.

Pozornost na unutarnji svijet čovjeka.

Romantizam je bio široko razvijen iu zemljama zapadne Europe iu Rusiji. Međutim, romantizam u Rusiji razlikovao se od zapadnoeuropskog u korist drugačijeg povijesnog okruženja i drugačije kulturne tradicije. Pravi razlog za pojavu romantizma u Rusiji bio je Domovinski rat 1812. godine, u kojem se očitovala sva snaga narodne inicijative.

Značajke ruskog romantizma:

Romantizam se nije protivio prosvjetiteljstvu. Prosvjetiteljska ideologija je oslabila, ali nije propala kao u Europi. Ideal prosvijećenog monarha nije se iscrpio.

Romantizam se razvijao paralelno s klasicizmom, često se ispreplićući s njim.

Romantizam se u Rusiji manifestirao na različite načine u različitim vrstama umjetnosti. U arhitekturi se uopće nije čitalo. U slikarstvu je presušio do sredine 19. stoljeća. U glazbi se iskazao samo djelomično. Možda se samo u književnosti romantizam dosljedno očitovao.

U likovnoj umjetnosti romantizam se najjasnije očitovao u slikarstvu i grafici, manje izražajno u kiparstvu i arhitekturi.

Romantičari otvaraju svijet ljudske duše, individualne, ničije druge, ali iskrene i stoga bliske svakoj senzualnoj viziji svijeta. Trenutnost slike u slikarstvu, kako kaže Delacroix, a ne njezina dosljednost u literarnoj izvedbi, odredila je usmjerenost umjetnika na najsloženiji prijenos pokreta, radi čega su iznađena nova formalna i koloristička rješenja. Romantizam je ostavio nasljeđe druge polovice XIX. svi ti problemi i umjetnička individualnost oslobođena pravila akademizma. Simbol koji je kod romantičara trebao izraziti suštinski spoj ideje i života, u umjetnosti druge polovice XIX. rastvara se u polifoniji umjetničke slike, hvatajući raznolikost ideja i okolnog svijeta. Romantizam u slikarstvu usko je povezan sa sentimentalizmom.

Zahvaljujući romantizmu, osobna subjektivna vizija umjetnika poprima oblik zakona. Impresionizam će potpuno uništiti barijeru između umjetnika i prirode, proglašavajući umjetnost impresijom. Romantičari govore o umjetnikovoj fantaziji, "glasu njegovih osjećaja", koji mu dopušta da prekine rad kada majstor to smatra potrebnim, a ne kako zahtijevaju akademski standardi potpunosti.

Romantizam je ostavio cijelo jedno doba u svjetskoj umjetničkoj kulturi, njegovi predstavnici bili su: u ruskoj književnosti Žukovski, A. Puškin, M. Ljermontov i drugi; u likovnim umjetnostima E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin i dr.; u glazbi F. Schuberta, R. Wagnera, G. Berlioza, N. Paganinija, F. Liszta, F. Chopina i dr. Otkrivali su i razvijali nove žanrove, posvećivali veliku pozornost sudbini ljudske osobnosti, otkrivali dijalektika dobra i zla, majstorski razotkrivene ljudske strasti itd.

Umjetničke forme su se više-manje izjednačile u svom značenju i proizvele veličanstvena umjetnička djela, iako su romantičari glazbi davali prednost na ljestvici umjetnosti.

Romantizam kao svjetonazor postojao je u Rusiji u svom prvom valu od kraja 18. stoljeća do 1850-ih. Crta romantičnog u ruskoj umjetnosti nije prestala 1850-ih. Temu stanja bića, koju su za umjetnost otkrili romantičari, kasnije su razvili umjetnici Plave ruže. Izravni nasljednici romantičara nesumnjivo su bili simbolisti. Romantične teme, motivi, izražajna sredstva ušli su u umjetnost različitih stilova, pravaca, kreativnih asocijacija. Romantični svjetonazor ili svjetonazor pokazao se jednim od najživljih, žilavih, plodnih.

Romantizam kao opći stav, karakterističan uglavnom za mlade ljude, kao težnja za idealom i stvaralačkom slobodom, još uvijek stalno živi u svjetskoj umjetnosti.

8. LITERATURA

1. Amminskaya A.M. Aleksej Gavrilovič Vnjecijanov. -- M: Znanje, 1980

2. Atsarkina E.N. Aleksandar Osipovič Orlovski. -- M: Umjetnost, 1971.

3. Belinsky V.G. Djela. A. Puškin. - M: 1976.

4. Velika sovjetska enciklopedija (Glavni urednik Prokhorov A.M.).- M: Sovjetska enciklopedija, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. Kratki biografski rječnik skladatelja. - L: Glazba, 1983.

6. Vasilij Andrejevič Tropiin (pod uredništvom M.M. Rakovskaya). -- M: Likovne umjetnosti, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorškovoz O.D., Yorkina O.A. Povijest umjetnosti. - Mn: Književnost, 1997.

8. Zimenko V. Aleksandar Osipovič Orlovski. -- M: Državna naklada likovnih umjetnosti, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. Život i umjetnost. - M: 1989. (monografija).

10. Glazbena literatura stranih zemalja (pod uredništvom B. Levika).- M: Glazba, 1984.

11. Nekrasova E.A. Tokar. -- M: Likovna umjetnost, 1976.

12. Ozhegov S.I. Rječnik ruskog jezika. - M: Državna naklada stranih i ruskih rječnika, 1953.

13. Orlova M. J. Constable. -- M: Umjetnost, 1946.

14. Ruski umjetnici. A.G. Venetsianov. - M: Državna naklada likovnih umjetnosti, 1963.

15. Sokolov A.N. Povijest ruske književnosti 19. stoljeća (1. pol.). - M: Viša škola, 1976.

16. Turčin V.S. Orest Kiprenski. -- M: Znanje, 1982.

17. Turčin V.S. Theodore Géricault. -- M: Likovne umjetnosti, 1982.

18. Filimonova S.V. Povijest svjetske umjetničke kulture.-- Mozyr: Bijeli vjetar, 1997.

Romantizam kao smjer u slikarstvu formirao se u zapadnoj Europi krajem 18. stoljeća. Svoj vrhunac u umjetnosti većine zapadnoeuropskih zemalja romantizam doživljava 1920-ih i 1930-ih godina. 19. stoljeća.

Sam pojam "romantizam" potječe od riječi "roman" (u 17. stoljeću romanima su se nazivala književna djela pisana ne na latinskom, već na jezicima koji su iz njega proizašli - francuski, engleski itd.). Kasnije se sve neshvatljivo i tajanstveno počelo nazivati ​​romantičnim.

Kao kulturni fenomen, romantizam se formirao iz posebnog svjetonazora generiranog rezultatima Francuske revolucije. Razočarani u ideale prosvjetiteljstva, romantičari su, težeći skladu i cjelovitosti, stvarali nove estetske ideale i umjetničke vrijednosti. Glavni predmet njihove pažnje bili su izvanredni likovi sa svim svojim iskustvima i željom za slobodom. Junak romantičnih djela je izvanredna osoba koja se voljom sudbine našla u teškim životnim okolnostima.

Iako je romantizam nastao kao prosvjed protiv umjetnosti klasicizma, u mnogome je bio blizak potonjem. Romantičari su dijelom bili takvi predstavnici klasicizma kao N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Romantičari su u slikarstvo unijeli izvorna nacionalna obilježja, odnosno ono što je nedostajalo umjetnosti klasicista.
Najveći predstavnik francuskog romantizma bio je T. Gericault.

Theodore Géricault

Theodore Gericault, veliki francuski slikar, kipar i grafičar, rođen je 1791. u Rouenu u imućnoj obitelji. Talent umjetnika očitovao se u njemu vrlo rano. Géricault je često, umjesto da pohađa nastavu u školi, sjedio u štali i crtao konje. Već tada je nastojao ne samo prenijeti vanjske značajke životinja na papir, već i prenijeti njihovu ćud i karakter.

Nakon što je diplomirao na Liceju 1808., Géricault je postao učenik tada slavnog slikara Carla Verneta, koji je bio poznat po svojoj sposobnosti prikazivanja konja na platnu. Međutim, mladoj umjetnici nije se svidio Vernetov stil. Ubrzo napušta radionicu i odlazi učiti kod drugog, ništa manje talentiranog slikara od Verneta, P. N. Guerina. Učeći kod dvojice poznatih umjetnika, Gericault ipak nije nastavio njihovu slikarsku tradiciju. Njegovim pravim učiteljima vjerojatno treba smatrati J. A. Grosa i J. L. Davida.

Gericaultovi rani radovi odlikuju se činjenicom da su što bliži životu. Takve su slike neobično izražajne i patetične. Oni pokazuju entuzijastično raspoloženje autora kada procjenjuje svijet oko sebe. Primjer je slika pod nazivom "Časnik carskih rendžera konja tijekom napada", nastala 1812. godine. Ovo su platno prvi put vidjeli posjetitelji Pariškog salona. S divljenjem su prihvatili rad mladog umjetnika, cijeneći talent mladog majstora.

Djelo je nastalo u tom razdoblju francuske povijesti, kada je Napoleon bio u zenitu svoje slave. Suvremenici su obožavali njega, velikog cara, koji je uspio osvojiti veći dio Europe. U takvom raspoloženju, pod dojmom pobjeda Napoleonove vojske, nastala je slika. Na platnu je prikazan vojnik u galopu na konju. Njegovo lice izražava odlučnost, hrabrost i neustrašivost pred smrću. Cijeli sastav
neobično dinamičan i emotivan. Gledatelj ima osjećaj da i sam postaje stvarni sudionik događaja prikazanih na platnu.

Lik hrabrog vojnika više će se puta pojaviti u djelu Géricaulta. Među takvim slikama posebno su zanimljivi junaci slika "Časnik karabinjera", "Časnik kirasira prije napada", "Portret karabinjera", "Ranjeni kirasir", nastalih 1812.-1814. Posljednji rad značajan je po tome što je predstavljen na sljedećoj izložbi održanoj u Salonu iste godine. Međutim, to nije glavna prednost sastava. Što je još važnije, pokazao je promjene koje su se dogodile u umjetnikovu stvaralačkom stilu. Ako su se u njegovim prvim platnima ogledali iskreni domoljubni osjećaji, onda je u djelima koja datiraju iz 1814. patos u prikazu heroja zamijenjen dramom.

Slična promjena raspoloženja umjetnika ponovno je povezana s događajima koji su se u to vrijeme odvijali u Francuskoj. Godine 1812. Napoleon je poražen u Rusiji, u vezi s čim on, koji je nekada bio briljantni heroj, stječe od svojih suvremenika slavu neuspješnog vojskovođe i arogantnog ponosnika. Svoje razočarenje u ideal Géricault utjelovljuje u slici "Ranjeni kirasir". Na platnu je prikazan ranjeni ratnik koji pokušava što prije napustiti bojno polje. Naslanja se na sablju - oružje koje je, možda, prije nekoliko minuta držao visoko podignuto.

Géricaultovo nezadovoljstvo Napoleonovom politikom diktiralo je njegov stupanje u službu Luja XVIII., koji je preuzeo francusko prijestolje 1814. Činjenica da nakon drugog preuzimanja vlasti u Francuskoj od strane Napoleona (razdoblje Sto dana) mladi umjetnik napušta svoj domovina zajedno s Bourbonima. Ali i tu ga je čekalo razočarenje. Mladić nije mogao mirno gledati kako kralj uništava sve što je postignuto za vrijeme Napoleonove vladavine. Osim toga, pod Lujem XVIII. došlo je do intenziviranja feudalno-katoličke reakcije, zemlja se sve brže vraćala natrag, vraćajući se na stari državni sustav. To ne bi mogla prihvatiti mlada, napredna osoba. Vrlo brzo, mladić koji je izgubio vjeru u svoje ideale, napušta vojsku koju je vodio Luj XVIII, i ponovno uzima kistove i boje. Ove se godine ne mogu nazvati svijetlim i nečim značajnim u umjetnikovom radu.

Godine 1816. Gericault je otišao na putovanje u Italiju. Posjetivši Rim i Firencu i proučavajući remek-djela poznatih majstora, umjetnik voli monumentalno slikarstvo. Michelangelove freske koje su krasile Sikstinsku kapelu posebno zaokupljaju njegovu pozornost. U to su vrijeme Géricault stvarao djela koja su svojom veličinom i veličanstvom u mnogočemu podsjećala na platna slikara visoke renesanse. Među njima su najzanimljivije "Otmica nimfe od strane kentaura" i "Čovjek koji baca bika".

Iste značajke stila starih majstora vidljive su i na slici “Trčanje slobodnih konja u Rimu”, naslikanoj oko 1817. godine i koja prikazuje natjecanja konjanika na jednom od karnevala koji se održavaju u Rimu. Značajka ove kompozicije je da ju je umjetnik sastavio iz prethodno napravljenih prirodnih crteža. Štoviše, priroda skica izrazito se razlikuje od stila cijelog djela. Ako su prve scene koje opisuju život Rimljana - umjetnikovih suvremenika, onda u cjelokupnoj kompoziciji postoje slike hrabrih antičkih heroja, kao da su izašli iz drevnih pripovijesti. U tome Gericault slijedi put J. L. Davida, koji je svoje junake, kako bi im dao herojsku patetiku, zaodjenuo u antička obličja.

Ubrzo nakon slikanja ove slike, Gericault se vraća u Francusku, gdje postaje član oporbenog kruga formiranog oko slikara Horacea Verneta. Po dolasku u Pariz umjetnik se posebno zanimao za grafiku. Godine 1818. izradio je niz litografija na vojnu tematiku, među kojima je najznačajnija "Povratak iz Rusije". Litografija predstavlja poražene vojnike francuske vojske kako lutaju snijegom prekrivenim poljem. Životno i istinito prikazani su likovi obogaljenih i ratom iscrpljenih ljudi. U skladbi nema patosa i herojske patetike, što je bilo tipično za Gericaultova rana djela. Umjetnik nastoji prikazati stvarno stanje stvari, sve nesreće koje su francuski vojnici napušteni od svog zapovjednika morali pretrpjeti u tuđini.

U djelu "Povratak iz Rusije" po prvi put se čula tema čovjekove borbe sa smrću. Međutim, ovdje taj motiv još nije izražen tako jasno kao u kasnijim Géricaultovim djelima. Primjer takvih platna može biti slika pod nazivom "Splav Meduze". Napisana je 1819. godine i iste je godine bila izložena na pariškom Salonu. Platno prikazuje ljude koji se bore s bijesnom vodenom stihijom. Umjetnik prikazuje ne samo njihovu patnju i muku, već i želju da pod svaku cijenu izađu kao pobjednici u borbi protiv smrti.

Radnju skladbe diktira događaj koji se zbio u ljeto 1816. godine i uzbudio cijelu Francusku. Tada poznata fregata "Medusa" naletjela je na grebene i potonula uz obalu Afrike. Od 149 ljudi koji su bili na brodu, samo je 15 uspjelo pobjeći, među kojima su bili kirurg Savigny i inženjer Correard. Po dolasku u domovinu objavili su knjižicu koja govori o njihovim pustolovinama i sretnom spašavanju. Iz tih su sjećanja Francuzi saznali da se nesreća dogodila krivnjom neiskusnog kapetana broda, koji se ukrcao zahvaljujući pokroviteljstvu plemenitog prijatelja.

Slike koje je stvorio Gericault neobično su dinamične, plastične i izražajne, što je umjetnik postigao dugim i mukotrpnim radom. Kako bi istinski prikazao strašne događaje na platnu, prenio osjećaje ljudi koji umiru na moru, umjetnik se susreće s očevicima tragedije, dugo proučava lica iscrpljenih pacijenata koji se liječe u jednoj od pariških bolnica. , kao i pomorcima koji su uspjeli pobjeći s brodoloma. U to vrijeme slikar je stvorio veliki broj portretnih djela.

Uzburkano more ispunjeno je i dubokim značenjem, kao da pokušava progutati krhku drvenu splav s ljudima. Ova je slika neobično izražajna i dinamična. Ona je, kao i likovi ljudi, nacrtana iz prirode: umjetnik je napravio nekoliko skica koje prikazuju more tijekom oluje. Radeći na monumentalnoj kompoziciji, Gericault se više puta okrenuo prethodno pripremljenim skicama kako bi u potpunosti odražavao prirodu elemenata. Zato slika ostavlja ogroman dojam na gledatelja, uvjerava ga u realizam i istinitost onoga što se događa.

"Splav Meduze" predstavlja Géricaulta kao izvanrednog majstora kompozicije. Umjetnik je dugo razmišljao o tome kako rasporediti figure na slici kako bi što potpunije izrazio autorovu namjeru. Tijekom rada napravljeno je nekoliko izmjena. Skice koje prethode slici pokazuju da je Gericault u početku želio prikazati međusobnu borbu ljudi na splavi, ali je kasnije odustao od takve interpretacije događaja. U konačnoj verziji, platno predstavlja trenutak kada već očajni ljudi ugledaju brod Argus na horizontu i ispruže ruke prema njemu. Posljednji dodatak slici bila je ljudska figura smještena ispod, s desne strane platna. Upravo je ona bila završni dodir skladbe, koja je nakon toga dobila duboko tragičan karakter. Značajno je da je ova promjena učinjena kada je slika već bila izložena u Salonu.

Svojom monumentalnošću i naglašenom emocionalnošću Gericaultovo slikarstvo u mnogočemu podsjeća na djela majstora visoke renesanse (ponajviše Michelangelov Posljednji sud), koje je umjetnik upoznao putujući Italijom.

Slika "Splav Meduze", koja je postala remek-djelo francuskog slikarstva, doživjela je veliki uspjeh u oporbenim krugovima, koji su je vidjeli kao odraz revolucionarnih ideala. Iz istih razloga djelo nije prihvaćeno među najvišim plemstvom i službenim predstavnicima likovne umjetnosti Francuske. Zato u to vrijeme platno država nije otkupila od autora.

Razočaran prijemom koji je njegova kreacija dočekana kod kuće, Gericault odlazi u Englesku, gdje britanskom dvoru predstavlja svoje omiljeno djelo. U Londonu su poznavatelji umjetnosti s velikim oduševljenjem primili slavno platno.

Gericault se približava engleskim umjetnicima, koji ga osvajaju sposobnošću iskrenog i istinitog prikaza stvarnosti. Gericault posvećuje ciklus litografija životu i životu glavnog grada Engleske, među kojima su djela koja su dobila naslove “Velika engleska svita” (1821.) i “Stari prosjak umire na vratima pekare” (1821.) su od najvećeg interesa. U potonjem je umjetnik prikazao londonsku skitnicu, što je odražavalo dojmove koje je slikar dobio u procesu proučavanja života ljudi u radničkim četvrtima grada.

Isti ciklus uključivao je litografije poput "The Flanders Smith" i "At the Gates of the Adelphin Shipyard", predstavljajući gledatelju sliku života običnih ljudi u Londonu. Zanimljivost u ovim djelima su slike konja, teških i pretežkih. Primjetno se razlikuju od onih gracioznih i gracioznih životinja koje su slikali drugi umjetnici - Géricaultovi suvremenici.

Budući da je u glavnom gradu Engleske, Gericault se bavi stvaranjem ne samo litografija, već i slika. Jedno od najupečatljivijih djela ovog razdoblja bilo je platno "Utrka u Epsomu", stvoreno 1821. Na slici umjetnik prikazuje konje koji jure punom brzinom, a noge im uopće ne dodiruju tlo. Ovu lukavu tehniku ​​(fotografija je dokazala da konji ne mogu imati takav položaj nogu tijekom trčanja, to je umjetnikova fantazija) koristi majstor kako bi dao dinamiku kompoziciji, kako bi gledatelju dao dojam munje- brzo kretanje konja. Taj je osjećaj pojačan točnim prijenosom plastičnosti (poze, geste) ljudskih figura, kao i upotrebom svijetlih i bogatih kombinacija boja (crvena, lovorika, bijeli konji; tamnoplava, tamnocrvena, bijelo-plava i zlatno- žute jakne džokeja) .

Tema konjskih utrka, koja je odavna svojim osebujnim izričajem privlačila pažnju slikara, više puta je ponovljena u djelima koja je Géricault stvorio nakon završetka rada na Konjskim utrkama u Epsomu.

Do 1822. umjetnik je napustio Englesku i vratio se u rodnu Francusku. Ovdje se bavi stvaranjem velikih platna, sličnih djelima renesansnih majstora. Među njima su "Crnačka trgovina", "Otvaranje vrata zatvora inkvizicije u Španjolskoj". Ove su slike ostale nedovršene - smrt je spriječila Gericaulta da dovrši djelo.

Posebno su zanimljivi portreti čiji nastanak povjesničari umjetnosti pripisuju razdoblju od 1822. do 1823. Povijest njihova pisanja zaslužuje posebnu pozornost. Činjenica je da je ove portrete naručio prijatelj umjetnika, koji je radio kao psihijatar u jednoj klinici u Parizu. Trebale su postati svojevrsne ilustracije koje pokazuju različite mentalne bolesti osobe. Tako su naslikani portreti "Luda ​​starica", "Luda", "Luda, umišlja se komandantom". Za majstora slikarstva bilo je važno ne toliko pokazati vanjske znakove i simptome bolesti, koliko prenijeti unutarnje, duševno stanje bolesne osobe. Na platnima pred gledateljem pojavljuju se tragične slike ljudi čije su oči ispunjene bolom i tugom.

Među Géricaultovim portretima posebno mjesto zauzima portret crnca koji se trenutno nalazi u zbirci muzeja u Rouenu. Gledatelja s platna gleda odlučna i snažna osoba, spremna boriti se do kraja s njemu neprijateljskim silama. Slika je neobično svijetla, emocionalna i izražajna. Čovjek na ovoj slici vrlo je sličan onim herojima jake volje koje je Gericault prethodno prikazao u velikim kompozicijama (na primjer, na platnu "Splav Meduze").

Gericault nije bio samo majstor slikarstva, već i izvrstan kipar. Njegovi radovi u ovoj umjetničkoj formi početkom 19. stoljeća bili su prvi primjeri romantične skulpture. Među takvim djelima posebno je zanimljiva neobično izražajna kompozicija "Nimfa i Satir". Slike zamrznute u pokretu precizno prenose plastičnost ljudskog tijela.

Théodore Gericault tragično je umro 1824. u Parizu, srušivši se pri padu s konja. Njegova rana smrt bila je iznenađenje za sve suvremenike slavnog umjetnika.

Djelo Gericaulta označilo je novu fazu u razvoju slikarstva ne samo u Francuskoj, već iu svjetskoj umjetnosti - razdoblje romantizma. U svojim djelima majstor nadilazi utjecaj klasičnih tradicija. Njegovi su radovi neobično šareni i odražavaju raznolikost prirodnog svijeta. Uvođenjem ljudskih figura u kompoziciju umjetnik nastoji što potpunije i živopisnije razotkriti unutarnje osjećaje i emocije čovjeka.

Nakon Gericaultove smrti, tradiciju njegove romantičarske umjetnosti preuzeo je umjetnikov mlađi suvremenik E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, slavni francuski umjetnik i grafičar, nasljednik tradicije romantizma koja se razvila u djelu Géricaulta, rođen je 1798. godine. Ne dovršivši svoje školovanje u Carskom liceju, 1815. godine Delacroix odlazi studirati kod slavni majstor Guerin. No, umjetničke metode mladog slikara nisu zadovoljile zahtjeve učitelja, pa ga nakon sedam godina mladić napušta.

Studirajući s Guerinom, Delacroix posvećuje puno vremena proučavanju djela Davida i majstora slikarstva renesanse. Kulturu antike, čiju je tradiciju slijedio i David, smatra temeljnom za razvoj svjetske umjetnosti. Stoga su Delacroixu estetski ideal bila djela pjesnika i mislilaca antičke Grčke, među kojima je umjetnik posebno cijenio djela Homera, Horacija i Marka Aurelija.

Prva djela Delacroixa bila su nedovršena platna, na kojima je mladi slikar nastojao prikazati borbu Grka s Turcima. Međutim, umjetniku je nedostajalo vještine i iskustva da stvori izražajnu sliku.

Godine 1822. Delacroix je izložio svoj rad na pariškom Salonu pod naslovom Dante i Vergilije. Ovo platno, neobično emocionalno i svijetle boje, na mnogo načina podsjeća na djelo Géricaulta "Splav Meduze".

Dvije godine kasnije, još jedna Delacroixova slika, Masakr na Chiosu, predstavljena je publici Salona. U njemu je utjelovljen umjetnikov dugogodišnji plan da prikaže borbu Grka s Turcima. Ukupna kompozicija slike sastoji se od nekoliko dijelova, koji tvore skupine ljudi smještenih odvojeno, a svaki od njih ima svoj dramatični sukob. Općenito, djelo ostavlja dojam duboke tragedije. Osjećaj napetosti i dinamike pojačan je kombinacijom glatkih i oštrih linija koje tvore likove likova, što dovodi do promjene proporcija osobe koju umjetnik prikazuje. No, upravo zbog toga slika dobiva realističan karakter i životnu vjerodostojnost.

Stvaralačka metoda Delacroixa, u potpunosti izražena u "Masakru na Chiosu", daleko je od klasičnog stila koji je tada bio prihvaćen u službenim krugovima Francuske i među predstavnicima likovne umjetnosti. Stoga je slika mladog umjetnika u Salonu naišla na oštre kritike.

Unatoč neuspjehu, slikar ostaje vjeran svom idealu. Godine 1827. pojavilo se još jedno djelo posvećeno temi borbe grčkog naroda za neovisnost - "Grčka na ruševinama Missolonghija". Lik odlučne i ponosne Grkinje prikazan na platnu ovdje personificira nepokorenu Grčku.

Godine 1827. Delacroix izvodi dva djela koja odražavaju majstorovo kreativno traženje u području sredstava i metoda umjetničkog izražavanja. Riječ je o platnima "Sardanapalova smrt" i "Marino Faliero". Na prvom od njih tragedija situacije se prenosi u pokretu ljudskih figura. Samo je slika samog Sardanapala ovdje statična i mirna. U kompoziciji "Marina Faliera" samo je lik glavnog lika dinamičan. Ostali heroji kao da su se ukočili od užasa pri pomisli na ono što će se dogoditi.

U 20-im godinama. 19. stoljeća Delacroix je izveo niz djela, čije su radnje preuzete iz poznatih književnih djela. Godine 1825. umjetnik je posjetio Englesku, rodno mjesto Williama Shakespearea. Iste godine, pod dojmom ovog putovanja i tragedije slavnog dramatičara Delacroixa, nastala je litografija "Macbeth". U razdoblju od 1827. do 1828. godine izradio je litografiju "Faust", posvećenu istoimenom Goetheovu djelu.

U vezi s događajima koji su se dogodili u Francuskoj 1830. godine, Delacroix je izveo sliku "Sloboda koja vodi narod". Revolucionarna Francuska prikazana je u liku mlade, snažne žene, moćne, odlučne i neovisne, koja hrabro predvodi gomilu, u kojoj se ističu likovi radnice, studentice, ranjenog vojnika, pariškog gamena (slika koja je anticipirala Gavroche, koji se kasnije pojavio u Les Misérables V. Hugoa).

Ovo se djelo primjetno razlikovalo od sličnih djela drugih umjetnika koje je zanimalo samo istinito prenošenje događaja. Platna koja je stvorio Delacroix karakterizirala je visoki herojski patos. Slike ovdje su opći simboli slobode i neovisnosti francuskog naroda.

Dolaskom na vlast Louisa Philippea - kralju-buržoaskom herojstvu i uzvišenim osjećajima koje je propovijedao Delacroix, nije bilo mjesta u modernom životu. Godine 1831. umjetnik je putovao u afričke zemlje. Putovao je u Tanger, Meknes, Oran i Alžir. U isto vrijeme Delacroix posjećuje Španjolsku. Život Istoka doslovno fascinira umjetnika svojim brzim tokom. Izrađuje skice, crteže i niz akvarela.

Posjetivši Maroko, Delacroix slika platna posvećena Istoku. Slike na kojima umjetnik prikazuje konjske utrke ili bitku kod Maura neobično su dinamične i ekspresivne. U usporedbi s njima kompozicija "Alžirke u svojim odajama", nastala 1834. godine, djeluje mirno i statično. Nema onu naglu dinamiku i napetost svojstvenu ranijim djelima umjetnika. Delacroix se ovdje pojavljuje kao majstor boje. Shema boja koju je slikar koristio u cijelosti odražava svijetlu raznolikost palete koju gledatelj povezuje s bojama Istoka.

Platno "Židovsko vjenčanje u Maroku", napisano otprilike 1841., karakterizira ista sporost i odmjerenost. Ovdje se stvara tajanstvena orijentalna atmosfera zahvaljujući umjetnikovom preciznom prikazu izvornosti nacionalnog interijera. Kompozicija djeluje iznenađujuće dinamično: slikar pokazuje kako se ljudi kreću stepenicama i ulaze u prostoriju. Svjetlo koje ulazi u prostoriju čini sliku realističnom i uvjerljivom.

Istočnjački motivi još su dugo bili prisutni u djelima Delacroixa. Dakle, na izložbi organiziranoj u Salonu 1847. godine, od šest radova koje je predstavio, pet je bilo posvećeno životu i životu Istoka.

U 30-40-im godinama. U 19. stoljeću pojavljuju se nove teme u djelu Delacroixa. U ovom trenutku majstor stvara djela povijesnih tema. Među njima posebnu pozornost zaslužuju platna "Protest Mirabeaua protiv raspuštanja Generalnih država" i "Boissy d'Angles". Skica potonjeg, prikazana 1831. na Salonu, živopisan je primjer skladbi na temu pučkog ustanka.

Slike "Bitka kod Poitiersa" (1830.) i "Bitka kod Taybura" (1837.) posvećene su slici naroda. Uz sav realizam, ovdje je prikazana dinamika bitke, kretanje ljudi, njihov bijes, bijes i patnja. Umjetnik nastoji prenijeti emocije i strasti osobe obuzete željom za pobjedom pod svaku cijenu. Upravo su likovi ljudi glavni u dočaravanju dramatičnosti događaja.

Vrlo često u djelima Delacroixa, pobjednik i poraženi su oštro suprotstavljeni jedni drugima. To se posebno jasno vidi na platnu "Zauzimanje Konstantinopola od strane križara", napisanom 1840. godine. U prvom planu prikazana je skupina ljudi svladanih tugom. Iza njih je divan, svojom ljepotom očaravajući krajolik. Tu su smještene i figure pobjedničkih jahača čije su zastrašujuće siluete u kontrastu s žalosnim likovima u prvom planu.

"Zauzimanje Carigrada od strane križara" predstavlja Delacroixa kao izvanrednog kolorista. Svijetle i zasićene boje, međutim, ne naglašavaju tragični početak, koji je izražen žalosnim likovima smještenim blizu gledatelja. Naprotiv, bogata paleta stvara osjećaj odmora organiziranog u čast pobjednika.

Ništa manje šarena je kompozicija "Trajanova pravda", nastala iste 1840. Umjetnikovi suvremenici prepoznali su ovu sliku kao jednu od najboljih među svim slikarevim platnima. Posebno je zanimljiva činjenica da tijekom rada majstor eksperimentira na području boja. Čak i sjene od njega poprimaju razne nijanse. Sve boje sastava točno odgovaraju prirodi. Izvođenju rada prethodila su duga slikareva promatranja promjena nijansi u prirodi. Umjetnik ih je upisao u svoj dnevnik. Tada su, prema bilješkama, znanstvenici potvrdili da su Delacroixova otkrića u području tonaliteta u potpunosti u skladu s doktrinom boja koja je rođena u to vrijeme, čiji je utemeljitelj E. Chevreul. Osim toga, umjetnik svoja otkrića uspoređuje s paletom venecijanske škole, koja mu je bila uzor slikarskoga umijeća.

Među Delacroixovim slikama posebno mjesto zauzimaju portreti. Majstor se rijetko obraćao ovom žanru. Slikao je samo one ljude s kojima se dugo poznavao, čiji se duhovni razvoj odvijao pred umjetnikom. Stoga su slike na portretima vrlo izražajne i duboke. Ovo su portreti Chopina i George Sand. Platno posvećeno slavnoj spisateljici (1834.) prikazuje plemenitu ženu snažne volje koja oduševljava svoje suvremenike. Chopinov portret, naslikan četiri godine kasnije, 1838., predstavlja poetsku i duhovnu sliku velikog skladatelja.

Zanimljiv i neobično ekspresivan portret slavnog violinista i skladatelja Paganinija, koji je Delacroix naslikao oko 1831. godine. Paganinijev glazbeni stil u mnogome je bio sličan umjetnikovu slikarskom načinu. Paganinijevo djelo karakterizira ista ekspresija i intenzivna emocionalnost koja je bila svojstvena slikarovim djelima.

Pejzaži zauzimaju malo mjesta u djelu Delacroixa. Međutim, oni su se pokazali vrlo značajnim za razvoj francuskog slikarstva u drugoj polovici 19. stoljeća. Delacroixove krajolike obilježava želja za preciznim dočaravanjem laganog i nedostižnog života prirode. Živopisni primjeri toga su slike “Nebo”, gdje se stvara osjećaj dinamike zahvaljujući snježno bijelim oblacima koji plove nebom, i “More, vidljivo s obala Dieppea” (1854.), u kojoj je slikar majstorski prenosi klizanje lakih jedrilica po površini mora.

Godine 1833. umjetnik je od francuskog kralja dobio narudžbu da oslika dvoranu u palači Bourbon. Rad na stvaranju monumentalnog djela trajao je četiri godine. Pri ispunjavanju narudžbe slikar se prvenstveno vodio činjenicom da slike budu krajnje jednostavne i sažete, razumljive gledatelju.
Posljednje djelo Delacroixa bilo je oslikavanje kapele Svetih anđela u crkvi Saint-Sulpice u Parizu. Nastala je u razdoblju od 1849. do 1861. Koristeći svijetle, bogate boje (ružičastu, svijetlo plavu, lila, postavljenu na pepeljasto plavu i žuto-smeđu pozadinu), umjetnik stvara radosno raspoloženje u skladbama, izazivajući gledatelja osjetiti ushićeno veselje. Pejzaž, uključen u sliku "Isterivanje Iliodora iz hrama" kao svojevrsna pozadina, vizualno povećava prostor kompozicije i prostorije kapele. S druge strane, kao da želi naglasiti izoliranost prostora, Delacroix u kompoziciju uvodi stubište i balustradu. Likovi ljudi smješteni iza njega doimaju se gotovo ravnim siluetama.

Eugene Delacroix umro je 1863. u Parizu.

Delacroix je bio najobrazovaniji među slikarima prve polovice 19. stoljeća. Mnoge teme njegovih slika preuzete su iz književnih djela poznatih majstora pera. Zanimljiva je činjenica da je umjetnik najčešće slikao svoje likove bez korištenja modela. To je ono čemu je želio poučiti svoje sljedbenike. Prema Delacroixu, slikanje je nešto složenije od primitivnog kopiranja linija. Umjetnik je vjerovao da umjetnost prvenstveno leži u sposobnosti izražavanja raspoloženja i kreativne namjere majstora.

Delacroix je autor nekoliko teorijskih radova o pitanjima boje, metode i stila umjetnika. Ta su djela poslužila kao svjetionik slikarima sljedećih generacija u potrazi za vlastitim likovnim sredstvima za stvaranje kompozicija.