rumah › Sistem rem › Dramaturgi sebagai salah satu jenis sastra. Genre sastra epik

Dramaturgi sebagai salah satu jenis sastra. Genre sastra epik

Drama(δρᾶμα - perbuatan, aksi) - salah satu dari tiga jenis sastra, bersama dengan epik dan lirik, secara bersamaan termasuk dalam dua jenis seni: sastra dan teater.

Dimaksudkan untuk dimainkan di atas panggung, drama berbeda secara formal dengan puisi epik dan lirik karena teks di dalamnya disajikan dalam bentuk replika karakter dan ucapan pengarang dan biasanya dibagi menjadi aksi dan fenomena. Karya sastra apa pun yang dibangun dalam bentuk dialogis, termasuk komedi, tragedi, drama (sebagai genre), lelucon, vaudeville, dll., Mengacu pada drama dengan satu atau lain cara.

Sejak zaman kuno, itu telah ada dalam cerita rakyat atau bentuk sastra di antara berbagai bangsa; secara terpisah satu sama lain, orang Yunani kuno, orang India kuno, orang Cina, orang Jepang, dan orang India Amerika menciptakan tradisi dramatis mereka sendiri.

Diterjemahkan secara harfiah dari bahasa Yunani kuno, drama berarti "aksi".

Jenis drama (genre dramatis)

tragedi
drama kriminal
drama dalam sajak
sandiwara sensasi
hierodrama
Misteri
komedi
vaudeville

Sejarah drama

Dasar-dasar drama - dalam puisi primitif, di mana unsur lirik, epik dan drama yang muncul kemudian menyatu sehubungan dengan musik dan gerakan mimik. Lebih awal dari pada orang lain, drama sebagai jenis puisi khusus dibentuk di antara orang Hindu dan Yunani.

Drama Yunani, yang mengembangkan plot religius dan mitologis yang serius (tragedi) dan plot lucu yang diambil dari kehidupan modern (komedi), mencapai kesempurnaan tinggi dan pada abad ke-16 menjadi model untuk drama Eropa, yang hingga saat itu memproses plot sekuler religius dan naratif dengan seni. (misteri, drama sekolah dan selingan, fastnachtspiel, sottises).

Para penulis drama Prancis, meniru drama Yunani, berpegang teguh pada ketentuan-ketentuan tertentu yang dianggap tidak berubah-ubah untuk martabat estetika drama, seperti: kesatuan waktu dan tempat; durasi episode yang digambarkan di atas panggung tidak boleh lebih dari satu hari; tindakan harus dilakukan di tempat yang sama; drama harus berkembang dengan benar dalam 3-5 babak, dari plot (mencari tahu posisi awal dan karakter karakter) melalui perubahan tengah (perubahan posisi dan hubungan) hingga kesudahan (biasanya bencana); jumlah pelaku sangat terbatas (biasanya 3 sampai 5); ini secara eksklusif adalah perwakilan tertinggi dari masyarakat (raja, ratu, pangeran dan putri) dan pelayan terdekat mereka, orang kepercayaan, yang diperkenalkan ke atas panggung untuk kenyamanan melakukan dialog dan memberikan komentar. Ini adalah ciri-ciri utama drama klasik Prancis (Corneille, Racine).

Ketatnya persyaratan gaya klasik sudah kurang dihargai dalam komedi (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), yang lambat laun berpindah dari konvensionalitas ke penggambaran kehidupan biasa (genre). Karya Shakespeare, bebas dari konvensi klasik, membuka jalur baru untuk drama. Akhir abad ke-18 dan paruh pertama abad ke-19 ditandai dengan kemunculan drama romantis dan nasional: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

Pada paruh kedua abad ke-19, realisme mendominasi drama Eropa (putra Dumas, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Zuderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Pada kuartal terakhir abad ke-19, di bawah pengaruh Ibsen dan Maeterlinck, simbolisme mulai menguasai kancah Eropa (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Lihat Drama Asal lainnya

Drama di Rusia

Drama dibawa ke Rusia dari Barat pada akhir abad ke-17. Sastra dramatis independen hanya muncul pada akhir abad ke-18. Hingga kuartal pertama abad ke-19, arahan klasik berlaku dalam drama, baik dalam tragedi maupun komedi dan opera komedi; penulis terbaik: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Upaya I. Lukin untuk menarik perhatian penulis naskah pada penggambaran kehidupan dan adat Rusia tetap sia-sia: semua drama mereka tidak bernyawa, kaku dan asing dengan realitas Rusia, kecuali untuk Fonvizin "Undergrowth" dan "The Brigadier" yang terkenal, " The Yabeda" Kapnist dan beberapa komedi oleh I. A. Krylov .

Pada awal abad ke-19, Shakhovskoy, Khmelnitsky, Zagoskin menjadi peniru drama dan komedi Prancis ringan, dan Pembuat Boneka adalah perwakilan dari drama patriotik yang kaku. Komedi Griboedov Woe from Wit, yang kemudian menjadi Inspektur Jenderal Gogol, Pernikahan, menjadi dasar drama sehari-hari Rusia. Setelah Gogol, bahkan di vaudeville (D. Lensky, F. Koni,

Karya dramatis (gr.aksi lain), seperti karya epik, menciptakan kembali rangkaian peristiwa, tindakan orang, dan hubungan mereka. Seperti penulis sebuah karya epik, penulis drama tunduk pada "hukum tindakan yang berkembang". Namun tidak ada gambaran naratif-deskriptif yang mendetail dalam drama tersebut.

Sebenarnya pidato penulis di sini bersifat tambahan dan episodik. Demikian daftar pelaku, terkadang disertai dengan ciri-ciri singkat, penunjukan waktu dan tempat tindakan; deskripsi situasi panggung di awal babak dan episode, serta komentar tentang replika individu karakter dan indikasi gerakan, gerak tubuh, ekspresi wajah, intonasi (komentar).

Semua ini merupakan teks sampingan dari sebuah karya dramatis, teks utamanya adalah rangkaian pernyataan karakter, replika dan monolognya.

Karenanya beberapa kemungkinan artistik drama yang terbatas. Penulis-penulis naskah hanya menggunakan sebagian dari sarana visual yang tersedia bagi pencipta novel atau epik, cerita pendek atau cerita pendek. Dan karakter karakter terungkap dalam drama dengan kebebasan dan kepenuhan yang lebih sedikit daripada di epik. "Saya menganggap drama," kata T. Mann, "sebagai seni siluet, dan saya hanya merasakan orang yang diceritakan sebagai gambaran yang banyak, integral, nyata, dan plastik."

Pada saat yang sama, penulis naskah, tidak seperti pengarang karya epik, terpaksa membatasi diri pada jumlah teks verbal yang memenuhi persyaratan seni teater. Waktu aksi yang digambarkan dalam drama harus sesuai dengan kerangka waktu panggung yang ketat.

Dan pertunjukan dalam bentuk yang akrab dengan teater Eropa baru berlangsung, seperti yang Anda ketahui, tidak lebih dari tiga atau empat jam. Dan ini membutuhkan ukuran teks dramatis yang sesuai.

Waktu peristiwa yang direproduksi oleh penulis naskah selama episode panggung tidak dikompresi atau diregangkan; karakter drama bertukar komentar tanpa jeda waktu yang terlihat, dan pernyataan mereka, seperti dicatat oleh K.S. Stanislavsky, buat garis yang solid dan berkesinambungan.

Jika dengan bantuan narasi aksi tersebut terpatri sebagai sesuatu yang lampau, maka rangkaian dialog dan monolog dalam drama tersebut menciptakan ilusi masa kini. Kehidupan di sini berbicara seolah-olah dari wajahnya sendiri: antara apa yang digambarkan dan pembaca tidak ada perantara-narator.

Aksinya diciptakan kembali dalam drama dengan kesegeraan maksimal. Mengalir seolah-olah di depan mata pembaca. “Semua bentuk naratif,” tulis F. Schiller, “memindahkan masa kini ke masa lalu; semua yang dramatis membuat masa lalu hadir.

Drama berorientasi pada panggung. Dan teater adalah seni massa publik. Pertunjukan tersebut secara langsung memengaruhi banyak orang, seolah-olah bergabung menjadi satu sebagai tanggapan atas apa yang terjadi di hadapan mereka.

Tujuan dari drama, menurut Pushkin, adalah untuk bertindak atas orang banyak, untuk memenuhi rasa ingin tahunya” dan untuk tujuan ini menangkap “kebenaran nafsu”: “Drama lahir di alun-alun dan merupakan hiburan rakyat. Orang-orang, seperti anak-anak, membutuhkan hiburan, tindakan. Drama itu menyajikannya dengan kejadian yang luar biasa dan aneh. Orang menginginkan perasaan yang kuat. Tawa, kasihan, dan horor adalah tiga rangkaian imajinasi kita, yang diguncang oleh seni drama.

Genre sastra yang dramatis sangat erat kaitannya dengan bidang tawa, karena teater dikonsolidasikan dan dikembangkan dalam kaitannya yang erat dengan pesta massal, dalam suasana permainan dan kesenangan. “Genre komik bersifat universal untuk zaman kuno,” kata O. M. Freidenberg.

Hal yang sama berlaku untuk teater dan drama di negara dan era lain. T. Mann benar ketika dia menyebut "naluri komedian" sebagai "prinsip dasar dari keterampilan dramatis apa pun".

Tidaklah mengherankan jika drama condong ke arah penyajian spektakuler dari apa yang digambarkan. Pencitraannya ternyata hiperbolik, menarik, teatrikal, dan cerah. “Teater membutuhkan garis-garis lebar yang dilebih-lebihkan baik dalam suara, pelafalan, dan gerak tubuh,” tulis N. Boileau. Dan properti seni panggung ini selalu membekas pada perilaku para pahlawan karya drama.

“Bagaimana dia berakting di teater,” Bubnov (Di Bawah oleh Gorky) mengomentari omelan hiruk pikuk Klesh yang putus asa, yang, dengan gangguan tak terduga ke dalam percakapan umum, memberinya efek teatrikal.

Signifikan (sebagai karakteristik dari jenis sastra dramatis) adalah celaan Tolstoy terhadap W. Shakespeare karena banyaknya hiperbola, yang karenanya, "kemungkinan kesan artistik dilanggar." "Dari kata-kata pertama," tulisnya tentang tragedi "King Lear", "orang dapat melihat berlebihan: peristiwa yang dilebih-lebihkan, perasaan yang dilebih-lebihkan dan ekspresi yang dilebih-lebihkan."

L. Tolstoy salah dalam menilai karya Shakespeare, tetapi gagasan tentang komitmen penulis drama Inggris yang hebat terhadap hiperbola teatrikal sepenuhnya dapat dibenarkan. Apa yang telah dikatakan tentang "King Lear" dengan alasan yang tidak kalah dapat dikaitkan dengan komedi dan tragedi kuno, karya dramatis klasisisme, hingga lakon F. Schiller dan V. Hugo, dll.

Pada abad ke-19 hingga ke-20, ketika keinginan akan keaslian duniawi mendominasi sastra, konvensi yang melekat dalam drama menjadi kurang jelas, seringkali direduksi seminimal mungkin. Fenomena ini berasal dari apa yang disebut "drama borjuis kecil" abad ke-18, pencipta dan ahli teorinya adalah D. Diderot dan G.E. Mengurangi.

Karya penulis drama Rusia terbesar abad XIX. dan awal abad ke-20 - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov dan M. Gorky - dibedakan berdasarkan keandalan bentuk kehidupan yang diciptakan kembali. Tetapi bahkan ketika penulis drama mengarahkan pandangan mereka pada hal yang masuk akal, plot, psikologis, dan sebenarnya hiperbola verbal tetap ada.

Konvensi teatrikal membuat dirinya terasa bahkan dalam dramaturgi Chekhov, yang merupakan batas maksimum dari "kemiripan hidup". Mari kita lihat adegan terakhir dari The Three Sisters. Seorang wanita muda putus dengan kekasihnya sepuluh atau lima belas menit yang lalu, mungkin selamanya. Lima menit yang lalu mengetahui tentang kematian tunangannya. Dan sekarang mereka, bersama dengan kakak perempuan tertua, ketiga, meringkas hasil moral dan filosofis masa lalu, memikirkan suara pawai militer tentang nasib generasi mereka, tentang masa depan umat manusia.

Hampir tidak mungkin membayangkan ini terjadi dalam kenyataan. Tetapi kami tidak memperhatikan ketidakmungkinan akhir dari The Three Sisters, karena kami terbiasa dengan fakta bahwa drama tersebut secara signifikan mengubah bentuk kehidupan masyarakat.

Keyakinan sebelumnya tentang keadilan penilaian A. S. Pushkin (dari artikelnya yang sudah dikutip) bahwa "inti dari seni drama tidak termasuk masuk akal"; “Membaca puisi, novel, kita sering lupa diri dan percaya bahwa kejadian yang digambarkan bukanlah fiksi, tapi kebenaran.

Dalam sebuah ode, dalam elegi, kita dapat berpikir bahwa penyair menggambarkan perasaannya yang sebenarnya, dalam keadaan nyata. Namun dimana kredibilitas sebuah gedung yang terbagi menjadi dua bagian, yang satu diisi oleh penonton yang telah sepakat.

Peran terpenting dalam karya drama adalah konvensi pengungkapan diri karakter, yang dialog dan monolognya, sering kali dipenuhi dengan kata-kata mutiara dan maksim, ternyata jauh lebih luas dan efektif daripada ucapan yang dapat diucapkan dalam sebuah situasi kehidupan yang serupa.

Replika "selain" bersifat konvensional, yang seolah-olah tidak ada untuk karakter lain di atas panggung, tetapi jelas terdengar oleh penonton, serta monolog yang diucapkan oleh karakter sendiri, sendirian dengan diri mereka sendiri, yang merupakan panggung murni teknik untuk mengeluarkan ucapan batin (ada banyak monolog seperti dalam tragedi kuno, dan dalam dramaturgi zaman modern).

Penulis drama, yang membuat semacam eksperimen, menunjukkan bagaimana seseorang akan mengekspresikan dirinya jika dia mengungkapkan suasana hatinya dengan kepenuhan dan kecerahan maksimum dalam kata-kata yang diucapkan. Dan pidato dalam sebuah karya dramatis sering kali mirip dengan pidato liris atau oratoris artistik: karakter di sini cenderung mengekspresikan diri mereka sebagai penyair improvisasi atau ahli berbicara di depan umum.

Oleh karena itu, Hegel sebagian benar, menganggap drama sebagai sintesis awal epik (kejadian) dan liris (ekspresi ucapan).

Drama seolah-olah memiliki dua kehidupan dalam seni: teater dan sastra. Sebagai dasar dramatik dari pementasan yang ada dalam komposisinya, karya dramatik juga dipersepsikan oleh masyarakat pembaca.

Tapi ini tidak selalu terjadi. Emansipasi drama dari panggung dilakukan secara bertahap - selama beberapa abad dan berakhir relatif baru: pada abad ke-18 hingga ke-19. Contoh drama yang terkenal di dunia (dari zaman kuno hingga abad ke-17) pada saat penciptaannya praktis tidak dikenali sebagai karya sastra: mereka hanya ada sebagai bagian dari seni pertunjukan.

Baik W. Shakespeare maupun J. B. Molière tidak dianggap oleh orang-orang sezamannya sebagai penulis. Peran yang menentukan dalam memperkuat gagasan drama sebagai karya yang dimaksudkan tidak hanya untuk produksi panggung, tetapi juga untuk membaca, dimainkan oleh "penemuan" di paruh kedua abad ke-18 Shakespeare sebagai penyair dramatis yang hebat.

Pada abad ke-19 (terutama di paruh pertama) nilai sastra drama sering kali ditempatkan di atas nilai pemandangan. Jadi, Goethe percaya bahwa "Karya Shakespeare bukan untuk mata jasmani", dan Griboyedov menyebut keinginannya untuk mendengar syair "Celakalah dari Kecerdasan" dari panggung "kekanak-kanakan".

Apa yang disebut Lesedrama (drama membaca), yang dibuat dengan fokus utama pada persepsi dalam membaca, telah tersebar luas. Seperti Faust Goethe, karya dramatis Byron, tragedi kecil Pushkin, drama Turgenev, yang penulis katakan: "Drama saya, tidak memuaskan di atas panggung, mungkin menarik untuk dibaca."

Tidak ada perbedaan mendasar antara Lesedrama dan lakon yang diorientasikan pengarang pada produksi panggung. Drama yang dibuat untuk dibaca seringkali berpotensi menjadi drama panggung. Dan teater (termasuk yang modern) dengan keras kepala mencari dan terkadang menemukan kuncinya, buktinya adalah produksi sukses dari "A Month in the Country" Turgenev (pertama-tama, ini adalah pertunjukan pra-revolusioner yang terkenal dari Teater Seni) dan banyak (walaupun jauh dari selalu sukses) pembacaan panggung tragedi kecil Pushkin di abad ke-20.

Kebenaran lama tetap berlaku: yang terpenting, tujuan utama drama adalah panggungnya. “Hanya ketika dibawakan di atas panggung,” A. N. Ostrovsky mencatat, “fiksi dramatis pengarang mengambil bentuk yang benar-benar selesai dan menghasilkan tindakan moral yang tepat yang ditetapkan oleh pengarang untuk dirinya sendiri sebagai tujuan yang ingin dicapai.”

Penciptaan pertunjukan berdasarkan karya dramatis dikaitkan dengan penyelesaian kreatifnya: para aktor membuat gambar intonasi-plastik dari peran yang mereka mainkan, seniman mendesain ruang panggung, sutradara mengembangkan mise-en-scenes. Dalam hal ini, konsep lakon agak berubah (lebih banyak perhatian diberikan pada beberapa aspeknya, lebih sedikit perhatian pada aspek lainnya), sering kali dikonkretkan dan diperkaya: produksi panggung memperkenalkan nuansa semantik baru ke dalam drama.

Pada saat yang sama, prinsip membaca sastra yang setia sangat penting bagi teater. Sutradara dan aktor dihimbau untuk menyampaikan karya yang dipentaskan kepada penonton dengan kelengkapan semaksimal mungkin. Kesetiaan membaca panggung terjadi di mana sutradara dan aktor sangat memahami karya dramatis dalam fitur konten, genre, dan gaya utamanya.

Produksi panggung (serta adaptasi film) hanya sah dalam kasus di mana ada kesepakatan (meskipun relatif) antara sutradara dan aktor dan lingkaran ide penulis naskah, ketika tokoh panggung dengan hati-hati memperhatikan arti dari karya yang dipentaskan, ciri-ciri genrenya, ciri-ciri gayanya, dan teks itu sendiri.

Dalam estetika klasik abad ke-18 hingga ke-19, khususnya oleh Hegel dan Belinsky, drama (terutama genre tragedi) dianggap sebagai bentuk kreativitas sastra tertinggi: sebagai "mahkota puisi".

Serangkaian zaman artistik sebenarnya telah memanifestasikan dirinya terutama dalam seni drama. Aeschylus dan Sophocles di masa kejayaan budaya kuno, Moliere, Racine, dan Corneille di masa klasisisme tidak ada bandingannya di antara para penulis karya epik.

Signifikan dalam hal ini adalah karya Goethe. Untuk penulis Jerman yang hebat, semua genre sastra tersedia, tetapi dia memahkotai hidupnya dalam seni dengan penciptaan karya dramatis - Faust yang abadi.

Di abad-abad yang lalu (hingga abad ke-18), drama tidak hanya berhasil menyaingi epik, tetapi sering menjadi bentuk reproduksi artistik kehidupan yang unggul dalam ruang dan waktu.

Ini karena sejumlah alasan. Pertama, seni teater memainkan peran besar, dapat diakses (tidak seperti buku tulisan tangan dan cetakan) untuk lapisan masyarakat terluas. Kedua, sifat-sifat karya dramatis (penggambaran karakter dengan ciri-ciri yang diucapkan, reproduksi nafsu manusia, ketertarikan pada kesedihan dan keanehan) di era "pra-realis" sepenuhnya sesuai dengan tren sastra umum dan artistik umum.

Dan meskipun pada abad XIX-XX. novel sosio-psikologis, genre sastra epik, pindah ke garis depan sastra, karya dramatis masih mendapat tempat terhormat.

VE. Teori Sastra Khalizev. 1999

Tragedi(dari Gr. Tragos - kambing dan ode - lagu) - salah satu jenis drama, yang didasarkan pada konflik kepribadian yang tidak biasa yang tidak dapat didamaikan dengan keadaan eksternal yang tidak dapat diatasi. Biasanya sang pahlawan mati (Romeo dan Juliet, Shakespeare's Hamlet). Tragedi itu berasal dari Yunani kuno, namanya berasal dari pertunjukan rakyat untuk menghormati dewa pembuat anggur Dionysus. Tarian, nyanyian dan dongeng tentang penderitaannya dibawakan, yang diakhiri dengan seekor kambing yang dikorbankan.

Komedi(dari Gr. comoidia. Comos - kerumunan yang ceria dan ode - sebuah lagu) - sejenis kemauan dramatis, yang menggambarkan komik dalam kehidupan sosial, tingkah laku dan karakter orang. Bedakan antara komedi situasi (intrik) dan komedi karakter.

Drama - sejenis dramaturgi, perantara antara tragedi dan komedi (Badai Petir oleh A. Ostrovsky, Kebahagiaan yang Dicuri oleh I. Franko). Drama terutama menggambarkan kehidupan pribadi seseorang dan konflik akutnya dengan masyarakat. Pada saat yang sama, penekanan sering ditempatkan pada kontradiksi manusia universal yang diwujudkan dalam perilaku dan tindakan karakter tertentu.

Misteri(dari Gr. mysterion - sakramen, ibadah, ritus) - genre teater keagamaan massal akhir Abad Pertengahan (abad XIV-XV), umum di negara-negara Nvrotta Barat.

Pertunjukan tambahan(dari lat.intermedius - apa yang ada di tengah) - drama atau adegan komik kecil yang dilakukan di antara aksi drama utama. Dalam seni pop modern, itu ada sebagai genre independen.

Vaudeville(dari vaudeville Prancis) drama komik ringan di mana aksi dramatis dipadukan dengan musik dan tarian.

Melodrama - sebuah drama dengan intrik yang tajam, emosi yang berlebihan, dan kecenderungan moral dan didaktik. Ciri khas melodrama adalah "akhir yang bahagia", kemenangan barang. Genre melodrama populer pada abad ke-18 dan ke-19, dan kemudian memperoleh reputasi negatif.

Lelucon(dari bahasa Latin farcio saya mulai, saya isi) adalah komedi rakyat Eropa Barat abad 14-16, yang berasal dari permainan ritual lucu dan selingan. Lelucon ini dicirikan oleh ciri-ciri utama representasi populer dari karakter massa, orientasi satir, humor kasar. Di zaman modern, genre ini telah memasuki repertoar teater kecil.

Sebagaimana dicatat, metode representasi sastra sering dicampur dalam jenis dan genre individu. Kebingungan ini ada dua jenis: dalam beberapa kasus ada semacam penyelingan, ketika karakteristik umum utama dipertahankan; di tempat lain, prinsip-prinsip umum seimbang, dan karya tersebut tidak dapat dikaitkan dengan epik, atau pendeta, atau drama, oleh karena itu disebut formasi yang berdekatan atau campuran. Paling sering, epik dan lirik dicampur.

Kidung(dari Provence ballar - menari) - sebuah karya puitis kecil dengan alur cinta dramatis yang tajam, konten legendaris-sejarah, heroik-patriotik, atau dongeng. Gambaran peristiwa dipadukan di dalamnya dengan perasaan kepenulisan yang diucapkan, epik dipadukan dengan lirik. Genre ini tersebar luas di era romantisme (V. Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, T. Shevchenko, dan lainnya).

Puisi epik lirik- sebuah karya puitis di mana, menurut V. Mayakovsky, penyair berbicara tentang waktu dan tentang dirinya sendiri (puisi oleh V. Mayakovsky, A. Tvardovsky, S. Yesenin, dll.).

puisi dramatis- sebuah karya yang ditulis dalam bentuk dialogis, tetapi tidak dimaksudkan untuk dipentaskan di atas panggung. Contoh genre ini: "Faust" oleh Goethe, "Cain" oleh Byron, "In the Catacombs" oleh L. Ukrainka, dan lainnya.

Semua ini merupakan teks sampingan dari sebuah karya dramatis, teks utamanya adalah rangkaian pernyataan karakter, replika dan monolognya.

Dan pertunjukan dalam bentuk yang akrab dengan teater Eropa baru berlangsung, seperti yang Anda ketahui, tidak lebih dari tiga atau empat jam. Dan ini membutuhkan ukuran teks dramatis yang sesuai.

Drama berorientasi pada panggung. Teater adalah seni massa publik. Pertunjukan tersebut secara langsung memengaruhi banyak orang, seolah-olah bergabung menjadi satu sebagai tanggapan atas apa yang terjadi di hadapan mereka.

Hal yang sama berlaku untuk teater dan drama di negara dan era lain. T. Mann benar ketika dia menyebut "naluri komedian" sebagai "prinsip dasar dari keterampilan dramatis apa pun".

“Bagaimana dia berakting di teater,” Bubnov (Di Bawah oleh Gorky) mengomentari omelan hiruk pikuk Klesch yang putus asa, yang, dengan gangguan tak terduga ke dalam percakapan umum, memberinya efek teatrikal.

Oleh karena itu, Hegel sebagian benar, menganggap drama sebagai sintesis awal epik (kejadian) dan liris (ekspresi ucapan).

Drama seolah-olah memiliki dua kehidupan dalam seni: teater dan sastra. Sebagai dasar dramatik dari pementasan yang ada dalam komposisinya, karya dramatik juga dipersepsikan oleh masyarakat pembaca.

Tidak ada perbedaan mendasar antara Lesedrama dan lakon yang diorientasikan pengarang pada produksi panggung. Drama yang dibuat untuk dibaca seringkali berpotensi menjadi drama panggung. Dan teater (termasuk yang modern) dengan keras kepala mencari dan terkadang menemukan kuncinya, buktinya adalah produksi sukses dari "A Month in the Country" Turgenev (pertama-tama, ini adalah pertunjukan pra-revolusioner yang terkenal dari Teater Seni) dan banyak (meskipun jauh dari selalu sukses) pembacaan panggung tragedi kecil Pushkin di abad ke-20.

Penciptaan pertunjukan berdasarkan karya dramatis dikaitkan dengan penyelesaian kreatifnya: para aktor membuat gambar intonasi-plastik dari peran yang mereka mainkan, seniman mendesain ruang panggung, sutradara mengembangkan mise-en-scenes. Dalam hal ini, konsep lakon agak berubah (lebih banyak perhatian diberikan pada beberapa sisinya, lebih sedikit perhatian pada sisi lainnya), seringkali dikonkretkan dan diperkaya: produksi panggung memperkenalkan nuansa semantik baru ke dalam drama.

Dalam estetika klasik abad ke-18 hingga ke-19, khususnya oleh Hegel dan Belinsky, drama (terutama genre tragedi) dianggap sebagai bentuk kreativitas sastra tertinggi: sebagai "mahkota puisi".

Signifikan dalam hal ini adalah karya Goethe. Semua genre sastra tersedia untuk penulis Jerman yang hebat, tetapi dia memahkotai hidupnya dalam seni dengan penciptaan karya dramatis - Faust yang abadi.

Di abad-abad yang lalu (hingga abad ke-18), drama tidak hanya berhasil menyaingi epik, tetapi sering menjadi bentuk reproduksi artistik kehidupan yang unggul dalam ruang dan waktu.

Dan meskipun pada abad XIX-XX. novel sosio-psikologis, genre sastra epik, pindah ke garis depan sastra, karya dramatis masih mendapat tempat terhormat.

VE. Teori Sastra Khalizev. 1999

Drama (drama Yunani lainnya - aksi) adalah sejenis sastra yang mencerminkan kehidupan dalam tindakan yang terjadi di masa sekarang.

Karya drama dimaksudkan untuk dipentaskan, ini menentukan ciri khusus drama:

1) tidak adanya gambaran naratif-deskriptif;

3) teks utama karya drama disajikan dalam bentuk replika para tokoh (monolog dan dialog);

4) drama sebagai salah satu jenis sastra tidak memiliki ragam sarana artistik dan visual seperti epik: tuturan dan perbuatan adalah sarana utama untuk menciptakan citra seorang pahlawan;

5) volume teks dan durasi aksi dibatasi oleh kerangka panggung;

6) persyaratan seni pertunjukan mendikte fitur drama seperti semacam melebih-lebihkan (hiperbolisasi): "melebih-lebihkan peristiwa, melebih-lebihkan perasaan dan melebih-lebihkan ekspresi" (L.N. Tolstoy) - dengan kata lain, pertunjukan teatrikal, meningkat ekspresi; penonton lakon merasakan persyaratan dari apa yang terjadi, yang dikatakan dengan sangat baik oleh A.S. Pushkin: “Inti dari seni drama menghilangkan kemungkinan... saat membaca puisi, novel, kita sering lupa diri dan percaya bahwa kejadian yang digambarkan bukanlah fiksi, tapi kebenaran. Dalam sebuah ode, dalam elegi, kita dapat berpikir bahwa penyair menggambarkan perasaannya yang sebenarnya, dalam keadaan nyata. Tapi dimanakah kredibilitas sebuah bangunan yang terbagi menjadi dua bagian, yang satu dipenuhi oleh penonton yang sudah setuju dll.

Drama (Yunani kuno δρᾶμα - babak, aksi) - salah satu dari tiga jenis sastra, bersama dengan epik dan lirik, secara bersamaan termasuk dalam dua jenis seni: sastra dan teater. Dimaksudkan untuk dimainkan di atas panggung, drama berbeda secara formal dengan puisi epik dan lirik karena teks di dalamnya disajikan dalam bentuk replika karakter dan ucapan pengarang dan biasanya dibagi menjadi aksi dan fenomena. Karya sastra apa pun yang dibangun dalam bentuk dialogis, termasuk komedi, tragedi, drama (sebagai genre), lelucon, vaudeville, dll., Mengacu pada drama dengan satu atau lain cara.

Diterjemahkan secara harfiah dari bahasa Yunani kuno, drama berarti "aksi".

Jenis drama drama tragedi (genre) drama untuk membaca (bermain untuk membaca)

Melodrama hierodrama komedi misteri vaudeville farce zaju

Sejarah drama Dasar-dasar drama - dalam puisi primitif, di mana unsur lirik, epik dan drama yang muncul kemudian menyatu sehubungan dengan musik dan gerakan mimik. Lebih awal dari pada orang lain, drama sebagai jenis puisi khusus dibentuk di antara orang Hindu dan Yunani.

tarian Dionysian

Pada paruh kedua abad ke-19, realisme mengambil alih drama Eropa (putra Dumas, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

Pada kuartal terakhir abad ke-19, di bawah pengaruh Ibsen dan Maeterlinck, simbolisme mulai menguasai kancah Eropa (Hauptmann, Przybyszewski, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal).

Desain karya dramatis Tidak seperti karya prosa dan puisi lainnya, karya drama memiliki struktur yang didefinisikan secara kaku. Sebuah karya dramatis terdiri dari blok teks yang bergantian, masing-masing dengan tujuannya sendiri, dan disorot dengan tipografi sehingga dapat dengan mudah dibedakan satu sama lain. Teks dramatis dapat mencakup blok berikut:

Daftar karakter biasanya terletak sebelum teks utama karya. Di dalamnya, jika perlu, diberikan deskripsi singkat tentang pahlawan (usia, ciri-ciri penampilan, dll.)

Komentar eksternal - deskripsi tindakan, situasi, penampilan dan kepergian karakter. Sering diketik dalam ukuran yang diperkecil, atau dengan font yang sama dengan replika, tetapi dalam format yang lebih besar. Dalam komentar eksternal, nama-nama pahlawan dapat diberikan, dan jika pahlawan muncul untuk pertama kali, namanya juga disorot. Contoh:

Ruangan yang masih disebut kamar bayi. Salah satu pintu mengarah ke kamar Anna. Fajar, sebentar lagi matahari akan terbit. Ini sudah Mei, pohon sakura bermekaran, tapi di taman dingin, ini pertunjukan siang. Jendela di kamar ditutup.

Masukkan Dunyasha dengan lilin dan Lopakhin dengan sebuah buku di tangannya.

Replika adalah kata-kata yang diucapkan oleh karakter. Komentar harus didahului dengan nama aktor dan dapat mencakup komentar internal. Contoh:

Dunyasha. Saya pikir kamu pergi. (Mendengarkan.) Di sini, tampaknya, mereka sudah dalam perjalanan.

LOPAKHIN (mendengarkan). Tidak ... ambil bagasi, lalu ya ...

Ucapan internal, berbeda dengan ucapan eksternal, jelaskan secara singkat tindakan yang terjadi selama pengucapan replika oleh pahlawan, atau ciri-ciri pengucapan. Jika beberapa tindakan kompleks terjadi selama pengucapan suatu isyarat, itu harus dijelaskan menggunakan isyarat eksternal, sambil menunjukkan baik dalam ucapan itu sendiri atau dalam isyarat dengan bantuan ucapan internal bahwa aktor terus berbicara selama tindakan tersebut. Catatan dalam hanya mengacu pada baris tertentu dari aktor tertentu. Dipisahkan dari replika dengan tanda kurung, dapat diketik miring.

Yang paling umum adalah dua cara mendesain karya dramatis: buku dan bioskop. Jika dalam format buku gaya font yang berbeda, ukuran yang berbeda, dll. dapat digunakan untuk memisahkan bagian dari sebuah karya dramatis, maka dalam skenario sinematik biasanya hanya menggunakan font mesin tik monospace, dan untuk memisahkan bagian dari sebuah karya, gunakan padding, atur ke format yang berbeda, atur dengan huruf kapital semua, debit, dll. - yaitu, hanya sarana yang tersedia di mesin tik. Ini memungkinkan skrip dimodifikasi berkali-kali saat diproduksi, dengan tetap menjaga keterbacaan. .

Drama di Rusia

Drama dibawa ke Rusia dari Barat pada akhir abad ke-17. Sastra dramatis independen hanya muncul pada akhir abad ke-18. Hingga kuartal pertama abad ke-19, arahan klasik berlaku dalam drama, baik dalam tragedi maupun komedi dan opera komedi; penulis terbaik: Lomonosov, Knyaznin, Ozerov; Upaya I. Lukin untuk menarik perhatian penulis naskah pada penggambaran kehidupan dan adat Rusia tetap sia-sia: semua drama mereka tidak bernyawa, kaku dan asing dengan realitas Rusia, kecuali untuk Fonvizin "Undergrowth" dan "Foreman" yang terkenal, "Yabeda " Kapnist dan beberapa komedi oleh I. A. Krylov .

Ostrovsky memberikan sejumlah kronik sejarah dan komedi sehari-hari yang luar biasa. Setelah dia, drama Rusia berdiri di atas landasan yang kokoh; penulis naskah paling menonjol: A. Sukhovo-Kobylin, I. S. Turgenev, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Ya Solovyov, N. Chaev, gr. A.Tolstoy, c. L. Tolstoy, D. Averkiev, P. Boborykin, Pangeran Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Chekhov, M. Gorky, L. Andreev dan lainnya.

Populer dalam kategori: