rumah › Mesin › Teori Sastra. Komedi dalam sastra adalah variasi dramaturgi yang multivarian. Ciri-ciri lakon sebagai karya drama

Teori Sastra. Komedi dalam sastra adalah variasi dramaturgi yang multivarian. Ciri-ciri lakon sebagai karya drama

Karya dramatis diatur oleh ucapan para karakter. Menurut Gorky, "permainan itu mengharuskan setiap unit akting dicirikan oleh kata dan perbuatannya sendiri, tanpa disuruh oleh pengarangnya" (50, 596). Gambar naratif dan deskriptif terperinci tidak ada di sini. Sebenarnya tuturan pengarang, dengan bantuan yang digambarkan dari luar, bersifat tambahan dan episodik dalam drama. Ini adalah judul lakon, subtitle genre-nya, indikasi tempat dan waktu aksi, daftar karakter, terkadang

disertai dengan rangkuman singkat penokohan, babak penyisihan dan episode deskripsi situasi panggung, serta komentar yang diberikan dalam bentuk komentar pada replika individu karakter. Semua ini merupakan teks sampingan dari sebuah karya dramatis. Hampir sama, teksnya adalah rangkaian ucapan dialogis dan monolog dari karakter itu sendiri.

Karenanya beberapa batasan kemungkinan artistik dari drama tersebut. Penulis-penulis naskah hanya menggunakan sebagian dari sarana visual yang tersedia bagi pencipta novel atau epik, cerita pendek atau cerita pendek. Dan karakter karakter terungkap dalam drama dengan kebebasan dan kepenuhan yang lebih sedikit daripada di epik. "Saya ... memandang drama," kata T. Mann, "sebagai seni siluet dan saya hanya merasakan orang yang diceritakan sebagai gambar yang banyak, integral, nyata, dan plastik" (69, 386). Pada saat yang sama, penulis naskah, tidak seperti pengarang karya epik, terpaksa membatasi diri pada jumlah teks verbal yang memenuhi persyaratan seni teater. Waktu plot dalam drama harus sesuai dengan kerangka waktu panggung yang ketat. Dan pertunjukan dalam bentuk yang akrab dengan teater Eropa berlangsung, seperti yang Anda ketahui, tidak lebih dari tiga atau empat jam. Dan ini membutuhkan ukuran teks dramatis yang sesuai.

Pada saat yang sama, pengarang lakon juga memiliki keunggulan yang signifikan dibandingkan pencipta cerpen dan novel. Satu momen yang digambarkan dalam drama itu sangat dekat dengan yang lain, yang bertetangga. Waktu peristiwa yang direproduksi oleh penulis naskah selama episode panggung (lihat Bab X) tidak dikompresi atau diregangkan; karakter drama bertukar komentar tanpa jeda waktu yang terlihat, dan pernyataan mereka, seperti yang dicatat Stanislavsky, membentuk garis yang berkesinambungan dan berkesinambungan. Jika dengan bantuan narasi aksi tersebut terpatri sebagai sesuatu yang lampau, maka rangkaian dialog dan monolog dalam drama tersebut menciptakan ilusi masa kini. Kehidupan di sini berbicara seolah-olah dari wajahnya sendiri: antara apa yang digambarkan dan pembaca tidak ada perantara - narator. Aksi drama berlangsung seolah-olah di depan mata pembaca. “Semua bentuk naratif,” tulis F. Schiller, “memindahkan masa kini ke masa lalu; semua dramatis membuat masa lalu hadir " (106, 58).

Genre sastra dramatis menciptakan kembali aksi dengan

kedekatan maksimum. Drama tidak mengizinkan ringkasan karakteristik peristiwa dan tindakan yang akan menggantikan detailnya. Dan dia, seperti yang dicatat oleh Yu.Olesha, "ujian ketelitian dan pada saat yang sama pelarian bakat, rasa bentuk dan segala sesuatu yang istimewa dan menakjubkan yang membentuk bakat" (71, 252). Bunin mengungkapkan gagasan serupa tentang drama: “Anda harus memadatkan pikiran ke dalam bentuk yang tepat. Dan itu sangat mengasyikkan."

BENTUK PERILAKU KARAKTER

Karakter drama mengungkapkan diri mereka dalam perilaku (terutama dalam kata-kata yang diucapkan) lebih menonjol daripada karakter dalam karya epik. Dan ini alami. Pertama, bentuk dramatisnya membuat karakternya "berbicara panjang lebar". Kedua, kata-kata para tokoh dalam drama diorientasikan pada ruang panggung dan auditorium yang luas, sehingga tuturan tersebut dipersepsikan ditujukan langsung kepada penonton dan berpotensi keras. "Teater membutuhkan ... garis lebar yang dilebih-lebihkan baik dalam suara, pelafalan, dan gerak tubuh" (98, 679), tulis N. Boileau. Dan D. Diderot mencatat bahwa "seseorang tidak dapat menjadi penulis drama tanpa memiliki kefasihan" (52, 604).

Tingkah laku para tokoh dalam drama ditandai dengan aktivitas, catchiness, showiness. Dengan kata lain, ini adalah teater. Teatrikalitas adalah perilaku ucapan dan gerak tubuh, dilakukan dalam perhitungan efek massa publik. Ini adalah antipode dari keintiman dan bentuk tindakan yang tidak ekspresif. Tingkah laku yang sarat sandiwara menjadi subjek penggambaran terpenting dalam drama. Aksi dramatis sering dilakukan dengan partisipasi aktif dari banyak orang. Begitulah banyak adegan dalam drama Shakespeare (terutama yang terakhir), puncak dari The Inspector General karya Gogol dan The Thunderstorm karya Ostrovsky, dan episode penting dari Tragedi Optimis Vishnevsky. Pemirsa sangat dipengaruhi oleh episode di mana ada penonton di atas panggung: gambaran pertemuan, rapat umum, pertunjukan massal, dll. Mereka meninggalkan kesan yang jelas dan episode panggung yang menampilkan sedikit orang jika perilaku mereka terbuka, tidak terhambat, spektakuler . “Bagaimana dia berakting di teater,” Bubnov (Di Bawah oleh Gorky) berkomentar tentang omelan Klesh yang putus asa tentang kebenaran, yang, dengan intrusi tajam dan tak terduga ke dalam percakapan umum, memberinya karakter teater yang tepat. .

Namun, penulis naskah (terutama pendukung

seni realistik) merasakan kebutuhan untuk melampaui teatrikal: untuk menciptakan kembali perilaku manusia dalam segala kekayaan dan keragamannya, menangkap kehidupan pribadi, domestik, intim, di mana orang mengekspresikan diri mereka dalam kata dan gerak tubuh dengan hemat dan sederhana. Pada saat yang sama, tuturan para tokoh, yang menurut logika yang digambarkan, tidak boleh spektakuler dan cemerlang, dihadirkan dalam drama dan pementasan yang panjang, bersuara penuh, ekspresif secara hiperbolik. Batasan tertentu dari kemungkinan drama ikut berperan di sini: penulis naskah (serta aktor di atas panggung) dipaksa untuk mengangkat "non-teater dalam kehidupan" ke peringkat "teater dalam seni".

Dalam arti luas, setiap karya seni bersyarat, yaitu tidak identik dengan kehidupan nyata. Pada saat yang sama, istilah konvensi (dalam arti sempit) mengacu pada cara-cara mereproduksi kehidupan, di mana perbedaan dan bahkan kontras antara bentuk-bentuk yang digambarkan dan bentuk-bentuk realitas itu sendiri ditekankan. Dalam hal ini, konvensi artistik menentang "masuk akal" atau "kemiripan hidup". “Semuanya pada dasarnya harus seperti hidup, belum tentu semuanya harus seperti hidup,” tulis Fadeev. “Di antara banyak bentuk, mungkin ada bentuk kondisional” (96, 662) (yaitu, "seperti makhluk tak hidup." - V.X.).

Dalam karya drama, di mana perilaku karakternya teatrikal, konvensi banyak digunakan. Kepergian drama yang akan segera terjadi dari keserupaan dengan kehidupan telah dibicarakan lebih dari sekali. Jadi, Pushkin berargumen bahwa "dari semua jenis komposisi, komposisi yang paling tidak masuk akal adalah yang dramatis" (79, 266), dan Zola menyebut drama dan teater sebagai "benteng segala sesuatu yang konvensional" (61, 350).

Karakter drama sering berbicara bukan karena mereka membutuhkannya dalam tindakan, tetapi karena penulis perlu menjelaskan sesuatu kepada pembaca dan penonton, untuk membuat kesan tertentu pada mereka. Dengan demikian, karakter tambahan terkadang diperkenalkan ke dalam karya drama, yang menceritakan sendiri tentang apa yang tidak ditampilkan di atas panggung (utusan dalam drama kuno), atau, menjadi lawan bicara dari karakter utama, mendorong mereka untuk berbicara tentang apa yang terjadi (paduan suara dan mereka tokoh-tokoh dalam tragedi kuno). ; orang kepercayaan dan pelayan dalam komedi zaman kuno, Renaisans, klasisisme). Dalam apa yang disebut drama epik, para aktor-karakter dari waktu ke waktu menoleh ke penonton, "keluar dari peran" dan, seolah-olah dari luar, melaporkan apa yang terjadi.

Selanjutnya, penghormatan terhadap konvensi adalah kejenuhan tuturan dalam drama dengan maksim, kata-kata mutiara, dan penalaran tentang apa yang terjadi. Monolog yang diucapkan para pahlawan dalam kesendirian juga bersyarat. Monolog semacam itu sebenarnya bukanlah tindakan ucapan, tetapi alat panggung murni untuk mengeluarkan ucapan batin; ada banyak dari mereka baik dalam tragedi kuno maupun dalam dramaturgi zaman modern. Yang lebih bersyarat adalah ucapan "samping", yang seolah-olah tidak ada untuk karakter lain di atas panggung, tetapi terdengar jelas oleh penonton.

Akan salah, tentu saja, untuk "memperkuat" hiperbola teatrikal hanya untuk genre sastra yang dramatis. Fenomena serupa adalah ciri khas dari epos klasik dan novel petualangan, tetapi jika kita berbicara tentang karya klasik abad ke-19. - untuk karya Dostoevsky. Namun, dalam dramalah konvensionalitas pengungkapan diri para tokohnya menjadi tren artistik terdepan. Penulis drama, yang membuat semacam eksperimen, menunjukkan bagaimana seseorang akan mengekspresikan dirinya jika dia mengungkapkan suasana hatinya dengan kepenuhan dan kecerahan maksimal dalam kata-kata yang dia ucapkan. Secara alami, dialog dan monolog dramatis ternyata jauh lebih produktif dan efektif daripada ucapan yang dapat diucapkan dalam situasi kehidupan yang serupa. Akibatnya, pidato dalam drama sering kali mirip dengan pidato artistik-liris atau oratoris: para pahlawan karya drama cenderung mengekspresikan diri mereka sebagai improvisasi - penyair atau orator yang canggih. Oleh karena itu, Hegel sebagian benar, menganggap drama sebagai sintesis awal epik (kejadian) dan liris (ekspresi ucapan).

Dari zaman kuno hingga era romantisme - dari Aeschylus dan Sophocles hingga Schiller dan Hugo - karya dramatis dalam sebagian besar kasus condong ke arah teatrikalisasi yang tajam dan demonstratif. L. Tolstoy mencela Shakespeare karena banyaknya hiperbola, yang diduga melanggar kemungkinan kesan artistik. Dari kata-kata pertama, - dia menulis tentang tragedi "King Lear", - orang dapat melihat berlebihan: peristiwa yang dilebih-lebihkan, perasaan yang dilebih-lebihkan dan ekspresi yang dilebih-lebihkan " (89, 252). L. Tolstoy salah dalam menilai karya Shakespeare, tetapi gagasan tentang komitmen penulis drama Inggris yang hebat terhadap hiperbola teatrikal sepenuhnya dapat dibenarkan. Apa yang dikatakan tentang "King Lear" dengan alasan yang tidak kalah dapat dikaitkan dengan komedi dan tragedi kuno.

hari, karya dramatis klasisisme, tragedi Schiller, dll.

Pada abad XIX-XX, ketika keinginan akan keaslian gambar artistik sehari-hari mendominasi sastra, konvensi yang melekat dalam drama mulai direduksi seminimal mungkin. Fenomena ini berasal dari apa yang disebut "drama borjuis kecil" abad ke-18, pencipta dan ahli teorinya adalah Diderot dan Lessing. Karya penulis drama Rusia terbesar abad XIX. dan awal abad ke-20 - oleh A. Ostrovsky, Chekhov, dan Gorky - dibedakan berdasarkan keandalan bentuk kehidupan yang diciptakan kembali. Tetapi bahkan ketika penulis naskah menetapkan masuk akal dari apa yang digambarkan, hiperbola plot, psikologis dan ucapan aktual tetap ada. Bahkan dalam dramaturgi Chekhov, yang menunjukkan batas maksimum "kemiripan hidup", konvensi teater membuat dirinya terasa. Mari kita lihat adegan terakhir dari The Three Sisters. Seorang wanita muda putus dengan kekasihnya sepuluh atau lima belas menit yang lalu, mungkin selamanya. Lima menit yang lalu mengetahui tentang kematian tunangannya. Dan sekarang mereka, bersama dengan kakak tertua, ketiga, meringkas hasil moral dan filosofis dari apa yang terjadi, memikirkan suara pawai militer tentang nasib generasi mereka, tentang masa depan umat manusia. Hampir tidak mungkin membayangkan ini terjadi dalam kenyataan. Tetapi kami tidak memperhatikan ketidakmungkinan akhir dari The Three Sisters, karena kami terbiasa dengan fakta bahwa drama tersebut secara signifikan mengubah bentuk kehidupan masyarakat.

Genre sastra dramatis menciptakan kembali aksi dengan

BENTUK PERILAKU KARAKTER

Namun, penulis naskah (terutama pendukung

hari, karya dramatis klasisisme, tragedi Schiller, dll.

Namun tidak ada gambaran naratif-deskriptif yang mendetail dalam drama tersebut. Sebenarnya pidato penulis di sini bersifat tambahan dan episodik. Demikian daftar pelaku, terkadang disertai dengan ciri-ciri singkat, penunjukan waktu dan tempat tindakan; deskripsi situasi panggung di awal babak dan episode, serta komentar tentang replika individu karakter dan indikasi gerakan, gerak tubuh, ekspresi wajah, intonasi (komentar). Semua ini merupakan samping teks dramatis. Dasar teksnya adalah rangkaian pernyataan karakter, replika dan monolognya.

Karenanya beberapa kemungkinan artistik drama yang terbatas. Penulis-penulis naskah hanya menggunakan sebagian dari sarana visual yang tersedia bagi pencipta novel atau epik, cerita pendek atau cerita pendek. Dan karakter karakter terungkap dalam drama dengan kebebasan dan kepenuhan yang lebih sedikit daripada di epik. "Drama I<...>Saya menganggap, - catat T. Mann, - sebagai seni siluet dan saya hanya merasakan orang yang diceritakan sebagai gambar yang banyak, integral, nyata, dan plastik. Pada saat yang sama, penulis naskah, tidak seperti pengarang karya epik, terpaksa membatasi diri pada jumlah teks verbal yang memenuhi persyaratan seni teater. Waktu aksi yang digambarkan dalam drama harus sesuai dengan kerangka waktu panggung yang ketat. Dan pertunjukan dalam bentuk yang akrab dengan teater Eropa baru berlangsung, seperti yang Anda ketahui, tidak lebih dari tiga atau empat jam. Dan ini membutuhkan ukuran teks dramatis yang sesuai.

Pada saat yang sama, penulis lakon memiliki keunggulan yang signifikan dibandingkan pencipta cerita pendek dan novel. Satu momen yang digambarkan dalam drama itu sangat dekat dengan yang lain, yang bertetangga. Waktu peristiwa yang direproduksi oleh penulis naskah selama "episode panggung tidak dikompresi atau diregangkan; karakter drama bertukar komentar tanpa interval waktu yang terlihat, dan pernyataan mereka, seperti yang dicatat oleh K.S. Stanislavsky, membentuk garis yang berkesinambungan dan berkelanjutan. adalah ditangkap sebagai sesuatu masa lalu, maka rangkaian dialog dan monolog dalam drama menciptakan ilusi masa kini. Kehidupan di sini berbicara seolah-olah dari wajahnya sendiri: antara apa yang digambarkan dan pembaca tidak ada perantara narator. Tindakan diciptakan kembali dalam drama dengan kesegeraan maksimal. Mengalir seolah-olah di depan mata pembaca." Semua bentuk naratif,- tulis F. Schiller, - mereka memindahkan masa kini ke masa lalu; semua yang dramatis membuat masa lalu hadir."

Drama berorientasi pada panggung. Teater adalah seni massa publik. Pertunjukan tersebut secara langsung memengaruhi banyak orang, seolah-olah bergabung menjadi satu sebagai tanggapan atas apa yang terjadi di hadapan mereka. Tujuan dari drama, menurut Pushkin, adalah untuk bertindak atas orang banyak, untuk memenuhi rasa ingin tahunya” dan untuk tujuan ini menangkap “kebenaran nafsu”: “Drama lahir di alun-alun dan merupakan hiburan rakyat. Orang-orang, seperti anak-anak, membutuhkan hiburan, tindakan. Drama itu menyajikannya dengan kejadian yang luar biasa dan aneh. Orang-orang menuntut sensasi yang kuat<..>Tawa, kasihan, dan horor adalah tiga rangkaian imajinasi kita, yang diguncang oleh seni drama. Genre sastra yang dramatis sangat erat kaitannya dengan bidang tawa, karena teater dikonsolidasikan dan dikembangkan dalam kaitannya yang erat dengan pesta massal, dalam suasana permainan dan kesenangan. “Genre komik bersifat universal untuk zaman kuno,” kata O. M. Freidenberg. Hal yang sama berlaku untuk teater dan drama di negara dan era lain. T. Mann benar ketika dia menyebut "naluri komedian" sebagai "prinsip dasar dari keterampilan dramatis apa pun".

Tidaklah mengherankan jika drama condong ke arah penyajian spektakuler dari apa yang digambarkan. Pencitraannya ternyata hiperbolik, menarik, teatrikal, dan cerah. "Teater membutuhkan<...>garis besar yang dilebih-lebihkan baik dalam suara, bacaan, dan gerak tubuh,- tulis N. Boileau. Dan properti seni panggung ini selalu membekas pada perilaku para pahlawan karya drama. “Bagaimana dia berakting di teater,” Bubnov (Di Bawah oleh Gorky) mengomentari omelan hiruk pikuk Klesch yang putus asa, yang, dengan gangguan tak terduga ke dalam percakapan umum, memberinya efek teatrikal. Signifikan (sebagai karakteristik dari jenis sastra dramatis) adalah celaan Tolstoy terhadap W. Shakespeare karena banyaknya hiperbola, yang karenanya, "kemungkinan kesan artistik dilanggar." "Dari kata pertama,- dia menulis tentang tragedi "King Lear",- orang dapat melihat berlebihan: peristiwa berlebihan, perasaan berlebihan dan ekspresi berlebihan. L. Tolstoy salah dalam menilai karya Shakespeare, tetapi gagasan tentang komitmen penulis drama Inggris yang hebat terhadap hiperbola teatrikal sepenuhnya dapat dibenarkan. Apa yang telah dikatakan tentang "King Lear" dengan alasan yang tidak kalah dapat dikaitkan dengan komedi dan tragedi kuno, karya dramatis klasisisme, hingga lakon F. Schiller dan V. Hugo, dll.

Di XIX - XX berabad-abad, ketika keinginan untuk keaslian duniawi berlaku dalam sastra, konvensi yang melekat dalam drama menjadi kurang jelas, seringkali direduksi menjadi minimum. Asal usul fenomena ini adalah apa yang disebut "drama filistin" XVIII abad, pencipta dan ahli teorinya adalah D. Diderot dan G.E. Mengurangi. Karya penulis drama besar Rusia abad ke-19 dan awal XX abad - A.N. Ostrovsky, A.P. Chekhov dan M. Gorky - dibedakan berdasarkan keandalan bentuk kehidupan yang diciptakan kembali. Tetapi bahkan ketika penulis drama mengarahkan pandangan mereka pada hal yang masuk akal, plot, psikologis, dan sebenarnya hiperbola verbal tetap ada. Konvensi teatrikal membuat dirinya terasa bahkan dalam dramaturgi Chekhov, yang merupakan batas maksimum dari "kemiripan hidup". Mari kita lihat adegan terakhir dari The Three Sisters. Seorang wanita muda putus dengan kekasihnya sepuluh atau lima belas menit yang lalu, mungkin selamanya. Lima menit yang lalu mengetahui tentang kematian tunangannya. Dan sekarang mereka, bersama dengan kakak perempuan tertua, ketiga, meringkas hasil moral dan filosofis masa lalu, memikirkan suara pawai militer tentang nasib generasi mereka, tentang masa depan umat manusia. Hampir tidak mungkin membayangkan ini terjadi dalam kenyataan. Tetapi kami tidak memperhatikan ketidakmungkinan akhir dari The Three Sisters, karena kami terbiasa dengan fakta bahwa drama tersebut secara signifikan mengubah bentuk kehidupan masyarakat.

Keyakinan sebelumnya tentang keadilan penilaian A. S. Pushkin (dari artikelnya yang sudah dikutip) bahwa "inti dari seni drama tidak termasuk masuk akal"; “Membaca puisi, novel, kita sering lupa diri dan percaya bahwa kejadian yang digambarkan bukanlah fiksi, tapi kebenaran. Dalam sebuah ode, dalam elegi, kita dapat berpikir bahwa penyair menggambarkan perasaannya yang sebenarnya, dalam keadaan nyata. Namun dimana kredibilitas sebuah gedung yang terbagi menjadi dua bagian, yang satu diisi oleh penonton yang telah sepakat dll" .

Peran terpenting dalam karya drama adalah konvensi pengungkapan diri karakter, yang dialog dan monolognya, sering kali dipenuhi dengan kata-kata mutiara dan maksim, ternyata jauh lebih luas dan efektif daripada ucapan yang dapat diucapkan dalam sebuah situasi kehidupan yang serupa. Replika "selain" bersifat konvensional, yang seolah-olah tidak ada untuk karakter lain di atas panggung, tetapi jelas terdengar oleh penonton, serta monolog yang diucapkan oleh karakter sendiri, sendirian dengan diri mereka sendiri, yang merupakan panggung murni teknik untuk mengeluarkan ucapan batin (ada banyak monolog seperti dalam tragedi kuno, dan dalam dramaturgi zaman modern). Penulis drama, yang membuat semacam eksperimen, menunjukkan bagaimana seseorang akan mengekspresikan dirinya jika dia mengungkapkan suasana hatinya dengan kepenuhan dan kecerahan maksimum dalam kata-kata yang diucapkan. Dan pidato dalam sebuah karya dramatis sering kali mirip dengan pidato liris atau oratoris artistik: karakter di sini cenderung mengekspresikan diri mereka sebagai penyair improvisasi atau ahli berbicara di depan umum. Oleh karena itu, Hegel sebagian benar, menganggap drama sebagai sintesis awal epik (kejadian) dan liris (ekspresi ucapan).

Drama seolah-olah memiliki dua kehidupan dalam seni: teater dan sastra. Sebagai dasar dramatik dari pementasan yang ada dalam komposisinya, karya dramatik juga dipersepsikan oleh masyarakat pembaca.

Tapi ini tidak selalu terjadi. Emansipasi drama dari panggung dilakukan secara bertahap - selama beberapa abad dan berakhir relatif baru: di XVIII - XIX abad Contoh dramaturgi yang signifikan di seluruh dunia (dari zaman kuno hingga XVII c.) pada saat penciptaannya praktis tidak dikenal sebagai karya sastra: hanya ada sebagai bagian dari seni pertunjukan. Baik W. Shakespeare maupun J. B. Molière tidak dianggap oleh orang-orang sezamannya sebagai penulis. "Penemuan" di paruh kedua XVIII abad Shakespeare sebagai penyair dramatis yang hebat. Mulai saat ini drama mulai gencar dibaca. Berkat berbagai publikasi di XIX - XX abad karya dramatis terbukti menjadi jenis fiksi yang penting.

Di XIX V . (terutama di paruh pertama) nilai sastra drama sering kali ditempatkan di atas nilai pemandangan. Jadi, Goethe percaya bahwa "Karya Shakespeare bukan untuk mata jasmani", dan Griboedov menyebut keinginannya untuk mendengar syair "Celakalah dari Kecerdasan" dari panggung "kekanak-kanakan". DisebutLesedrama(drama untuk dibaca) dibuat dengan instalasi terutama pada persepsi dalam membaca. Seperti Faust Goethe, karya dramatis Byron, tragedi kecil Pushkin, drama Turgenev, yang penulis katakan: "Drama saya, tidak memuaskan di atas panggung, mungkin menarik untuk dibaca."

Perbedaan mendasar antara Lesedrama dan lakon yang berorientasi panggung oleh pengarangnya tidak ada. Drama yang dibuat untuk dibaca seringkali berpotensi menjadi drama panggung. Dan teater (termasuk yang modern) dengan keras kepala mencari dan terkadang menemukan kuncinya, buktinya adalah produksi sukses dari "A Month in the Country" Turgenev (pertama-tama, ini adalah pertunjukan pra-revolusioner yang terkenal dari Teater Seni) dan banyak (meskipun jauh dari selalu sukses) pembacaan panggung tragedi kecil Pushkin abad ke-20

Kebenaran lama tetap berlaku: yang terpenting, tujuan utama drama adalah panggungnya. “Hanya ketika dibawakan di atas panggung,” A. N. Ostrovsky mencatat, “fiksi dramatis pengarang mengambil bentuk yang benar-benar selesai dan menghasilkan tindakan moral yang tepat yang ditetapkan oleh pengarang untuk dirinya sendiri sebagai tujuan yang ingin dicapai.”

Penciptaan pertunjukan berdasarkan karya dramatis dikaitkan dengan penyelesaian kreatifnya: para aktor membuat gambar intonasi-plastik dari peran yang mereka mainkan, seniman mendesain ruang panggung, sutradara mengembangkan mise-en-scenes. Dalam hal ini, konsep lakon agak berubah (lebih banyak perhatian diberikan pada beberapa sisinya, lebih sedikit perhatian pada sisi lainnya), seringkali dikonkretkan dan diperkaya: produksi panggung memperkenalkan elemen baru ke dalam drama. semantik nuansa. Pada saat yang sama, prinsip yang sangat penting bagi teater adalah kesetiaan membaca literatur. Sutradara dan aktor dihimbau untuk menyampaikan karya yang dipentaskan kepada penonton dengan kelengkapan semaksimal mungkin. Kesetiaan dalam pembacaan panggung terjadi di mana sutradara dan aktor sangat memahami karya dramatis di dalamnya besar fitur konten, genre, gaya. Produksi panggung (serta adaptasi film) hanya sah dalam kasus di mana ada kesepakatan (meskipun relatif) antara sutradara dan aktor dan lingkaran ide penulis naskah, ketika tokoh panggung dengan hati-hati memperhatikan arti dari karya yang dipentaskan, ciri-ciri genrenya, ciri-ciri gayanya, dan teks itu sendiri.

dalam estetika klasik XVIII - XIX berabad-abad, khususnya oleh Hegel dan Belinsky, drama (terutama genre tragedi) dianggap sebagai bentuk kreativitas sastra tertinggi: sebagai "mahkota puisi". Serangkaian zaman artistik sebenarnya telah memanifestasikan dirinya terutama dalam seni drama. Aeschylus dan Sophocles di masa kejayaan budaya kuno, Moliere, Racine, dan Corneille di masa klasisisme tidak ada bandingannya di antara para penulis karya epik. Signifikan dalam hal ini adalah karya Goethe. Semua genre sastra tersedia untuk penulis Jerman yang hebat, tetapi dia memahkotai hidupnya dalam seni dengan penciptaan karya dramatis - Faust yang abadi.

Dalam beberapa abad terakhir (hingga XVIII berabad-abad) drama tidak hanya berhasil menyaingi epik, tetapi sering menjadi bentuk reproduksi artistik kehidupan dalam ruang dan waktu. Ini karena sejumlah alasan. Pertama, seni teater memainkan peran besar, dapat diakses (tidak seperti buku tulisan tangan dan cetakan) untuk lapisan masyarakat terluas. Kedua, sifat-sifat karya dramatis (penggambaran karakter dengan ciri-ciri yang menonjol, reproduksi nafsu manusia, ketertarikan pada kesedihan dan keanehan) di era "pra-realis" sepenuhnya sesuai dengan tren sastra umum dan artistik umum. Cit. Dikutip dari: Pembaca sejarah teater Eropa Barat / Comp. dan ed. S. Mokulsky: Dalam 2 jilid edisi ke-2. M.; L., 1953.T.1.S.679.

Tolstoy L.N. Penuh kol. cit.: V 90 t. M., 1950. T. 35. S. 252.

Pushkin A.S. Penuh kol. cit.: Dalam 10 jilid T.7.S.212.

Goethe I.V. Tentang seni. hlm. 410–411.

Turgenev I.S. Sobr. cit.: V.12 t.M., 1956.T.9.S.542.

Ostrovsky A.N. Penuh kol. cit.: V 12 t.M., 1978.T.10.S.63.

Fitur studi karya dramatis

1. Drama adalah salah satu jenis sastra. Tanda dan fitur dari jenis dramatis.

Drama - salah satu dari tiga jenis sastra, bersama dengan epik dan lirik, secara bersamaan termasuk dalam dua jenis seni: sastra dan teater.

Drama menunjukkan salah satu genre dari jenis drama. Drama adalah untuk panggung. Sarana panggung adalah sarana untuk menciptakan gambar. Fitur utama drama: 1 Mereproduksi peristiwa di luar penulis (kedekatan dengan epik).

2 dialog.

3 objektivitas.

4 menguasai tindakan

Tindakan dramatis - reaksi kehendak emosional seseorang. Drama meniru aksi melalui aksi, bukan cerita (Aristoteles).

5 Drama ini ditandai dengan situasi konflik yang akut di mana karakter mengungkapkan karakter mereka. Drama terbentuk di Yunani kuno, di Athena, dalam karya Sophocles, Aristophanes, Aeschylus, dan lain-lain, terjadi putusnya hubungan sosial, kesadaran publik. Itu mengambil bentuk yang akan dengan cepat menguasai konflik sosial. Karya dramatis, seperti karya epik, menciptakan kembali rangkaian peristiwa, tindakan orang, dan hubungan mereka. Penulis drama tunduk pada hukum tindakan yang berkembang. Namun tidak ada gambaran naratif-deskriptif yang mendetail dalam drama tersebut. Karenanya, pidato penulis di sini bersifat tambahan dan episodik. Ini adalah daftar pelaku (terkadang disertai dengan uraian singkat), penunjukan waktu dan tempat tindakan, keterangan. Semua ini adalah teks sampingan dari proyek dramatis. Teks utama adalah rangkaian pernyataan karakter, replikanya, monolognya. Karenanya batasan tertentu dari kemungkinan terburuk drama. Penulis drama hanya menggunakan sebagian dari sarana subjek-gambar yang tersedia untuk membuat novel, epik, cerita, cerita pendek. => sifat karakter terungkap dalam drama dengan kebebasan dan kepenuhan yang lebih sedikit daripada dalam epik. Tetapi penulis lakon memiliki keunggulan yang signifikan dibandingkan pencipta cerita pendek dan novel. Satu momen yang digambarkan dalam drama berdekatan dengan momen berikutnya. Waktu peristiwa yang diputar selama urutan panggung tidak dikompresi atau diregangkan. Kehidupan di sini berbicara seolah-olah dari wajahnya sendiri: antara apa yang digambarkan dan pembaca tidak ada perantara-narator. Drama diarahkan pada tuntutan panggung. Teater adalah seni massa. Tidaklah mengherankan jika drama condong ke arah penyajian eksternal yang efektif dari apa yang digambarkan. Citranya hiperbolik, menarik. Dan properti seni panggung ini selalu membekas pada tingkah laku para tokohnya.

Dasar drama adalah aksi. Berbeda dengan epik yang aksinya digambarkan terjadi, terjadi di masa lalu, aksi dalam drama terungkap dalam bentuk saat ini, berlangsung langsung di depan penonton, dibedakan berdasarkan aktivitas, kontinuitas, tujuan, dan kekompakan. . Dengan kata lain, drama mereproduksi aksi yang dilakukan oleh para karakternya, dan tidak menceritakan tentang aksi tersebut. Aksi ditampilkan melalui konflik yang menjadi pusat karya dramatik, yang menentukan semua elemen struktural dari aksi dramatik (khususnya komposisi lakon yang tunduk pada pengungkapan konflik). Terkait satu sama lain, aksi dramatis dan konflik adalah ciri utama drama sebagai genre sastra. Perkembangan aksi dan konflik dimanifestasikan dalam organisasi plot karya. Dalam drama klasik tidak ada keluasan dan keragaman plot, seperti dalam karya epik. Plot dramatis hanya memusatkan peristiwa penting dan penting dalam perkembangan aksi dan konflik. Dalam karya-karya jenis dramatis, plotnya dibedakan oleh ketegangan dan kecepatan perkembangan, ketelanjangan konflik yang lebih besar. Konflik dramatis, yang mencerminkan kontradiksi sejarah dan universal tertentu, mengungkap esensi waktu, hubungan sosial, diwujudkan dalam perilaku dan tindakan para tokoh, dan, di atas segalanya, dalam dialog, monolog, replika. Dialog dalam drama adalah sarana utama untuk mengembangkan aksi dan konflik dan cara utama untuk menggambarkan karakter (fungsi terpenting dari dialog dramatis). (Dalam prosa, dialog dipadukan dengan ucapan pengarang.) Ini mengungkapkan kehidupan eksternal dan internal karakter: pandangan, minat, posisi dan perasaan hidup, pengalaman, suasana hati mereka. Dengan kata lain, kata dalam drama, luas, tepat, ekspresif, jenuh emosional, kata-aksi, mampu menyampaikan kepenuhan ciri-ciri tokohnya. Suatu bentuk penokohan tuturan tokoh-tokoh dalam drama juga merupakan monolog - tuturan tokoh yang ditujukan kepada dirinya sendiri atau orang lain, tetapi berbeda dengan dialog, tidak bergantung pada ucapan timbal balik. Dalam prosa, monolog tidak memainkan peran terpenting, tetapi mendominasi lirik. Dalam drama, monolog mengungkapkan cita-cita, kepercayaan para tokoh, kehidupan spiritual mereka, kompleksitas tokoh.

2. Metode dan teknik pengerjaan karya dramatik

Pada tahap awal mempelajari sebuah karya drama, bersamaan dengan klarifikasi konflik utama, siswa terlebih dahulu mengenal tokoh-tokohnya, peran apa yang mereka mainkan dalam perjuangan tersebut. Anda dapat bertanya tentang pengelompokan mereka. Cara untuk mengklarifikasi konflik utama diaspal, dan penetapan batasan lakon - bagaimana ia dimulai dan bagaimana ia berakhir, yang membantu memperjelas gambaran umum lakon tersebut.

Perhatian besar diberikan pada daya tarik kelas terhadap waktu yang dicakup oleh drama tersebut. Waktu penonton dan waktu aksi lakon itu tampaknya digabungkan, tetapi hari, minggu, bahkan tahun berlalu di antara fenomena tersebut.

Misalnya, aksi "Celakalah dari Kecerdasan" mencakup waktu dari pagi hingga sore, meski di teater dikompresi menjadi beberapa jam. Antara III dan 1U, aksi "Badai Petir" berlangsung selama dua minggu. Siswa harus diajari bahwa yang penting dalam drama bukan hanya apa yang terjadi dalam babak itu sendiri di antara babak.

Untuk analisis di kelas, guru harus memilih fenomena kunci yang menentukan perkembangan tindakan. Kita tidak boleh melupakan penjelasan kata-kata yang tidak bisa dipahami; dan komentar sejarah dan teatrikal, pilih terlebih dahulu apa yang akan dibaca sendiri, dan kapan harus menyalakan pemutar.

Cara dan teknik menggarap drama ini bermacam-macam.

1. "Point of view from the audience", instalasi pada persepsi visual. Anak-anak sekolah harus membayangkan diri mereka secara mental melihat drama tersebut, untuk tujuan ini berguna menggunakan penggalan ingatan pertunjukan.

2. Penting untuk mendorong siswa untuk MEMBAYANGKAN apa yang terjadi di atas panggung untuk mengusulkan situasi: "Bayangkan Anda sedang duduk di atas panggung" (sebelum dimulainya babak pertama "Badai Petir").

Jawab: hamparan luas wilayah Trans-Volga, hamparan Volga, yang membuat Kuligin berseru: pemandangannya luar biasa, keindahannya - jiwa bersukacita! atau "Bagaimana Anda membayangkan walikota saat dia memasuki kamar Khlestakov?"

Teknik lain yang mendorong siswa untuk menembus teks lakon adalah penciptaan mise-en-scene imajiner, yaitu. anak sekolah diajak untuk memikirkan bagaimana mereka akan menyusun karakter pada momen aksi tertentu, membayangkan posisi, gerak tubuh, gerakan mereka.

Misalnya, sebelum dimulainya Babak IV "Di Bawah", Gorky menunjukkan di mana, di posisi apa masing-masing karakter berada saat tirai dibuka. Namun dalam perkembangan aksinya, letak karakter di atas panggung berubah, dalam hal apa, mengapa dan bagaimana hal itu bisa terjadi? Tandai adegan itu."

Inti dari pekerjaan setiap tindakan adalah pengamatan yang konsisten terhadap perkembangan tindakan, logika internal dari perkembangan ini dalam tindakan yang diberikan. Pengamatan siswa terhadap perkembangan tindakan harus tidak terlepas dari penetrasi ke dalam karakter tokoh. Ini difasilitasi oleh pertanyaan: “Tikhon dan Varvara beralih ke Kabanikha dengan “kamu”, dan Katerina dengan “kamu”. Mengapa?

Dalam analisis drama, subjek yang selalu diperhatikan adalah pidato karakter, orisinalitasnya, karena karakter karakter, wajah sosialnya, keadaan pikirannya mengungkapkan ucapan. Mendengarkan, misalnya, bagaimana Katerina memberi tahu ibunya tentang hidupnya, kita juga bisa menilai dia. "Saya hidup ... seperti burung di alam liar ... di sini semuanya tampak seperti penangkaran." Kami mengerti betapa bagusnya itu untuknya, bagaimana dia menyirami bunga, betapa dia mengingat semua ini dengan penuh kasih sayang. Dalam pidatonya, banyak kata dan ungkapan yang berkaitan dengan ide-ide keagamaan dan kehidupan sehari-hari: kuil, saya berdoa, bidadari, bau cemara, karena dia dibesarkan dalam keluarga patriarki, dia tidak bisa sebaliknya.

Dalam bagaimana sebuah pidato terdengar, orang yang dituju juga memainkan peran besar. Pidato Gubernur terdengar berbeda saat dia berbicara kepada Lyapkin-Tyapkin, Strawberry, atau Khlopov.

Harus diingat bahwa pemilihan kata dan bunyinya - intonasinya berhubungan langsung dengan SUB-TEXT. Mengungkap subteks berarti mengungkap esensi lakon, hubungan antara sebab-sebab perbuatan tokoh dan perwujudan luarnya. Jika siswa diajari untuk memahami subteks, maka kami memunculkan pembaca dan pemirsa yang baik.

Tidak boleh dilupakan bahwa ketika menganalisis sebuah lakon, ucapan para tokoh sangat penting, dan ucapan penulis, poster, dan ucapannya (ini sering dilewati oleh siswa saat membaca). tugas-tugas berikut ini penting: apakah ini dalam "The Inspector General" atau "Apa yang dikatakan ucapan itu di babak kedua Badai Petir dalam adegan perpisahan Katerina dengan suaminya."

Membaca ekspresif sangat penting dalam mengerjakan drama itu. Pada saat yang sama, siswa berpindah dari posisi penonton ke posisi pemain.

Penulis, sikapnya terhadap apa yang terjadi - pertanyaan utama saat dihadapkan pada studi karya apa pun. Dalam sebuah karya dramatis, posisi pengarang lebih tersembunyi daripada karya-karya jenis lain. Untuk tujuan ini, guru harus: menarik perhatian siswa pada komentar yang dibuat oleh penulis untuk para aktor dan mengajak mereka untuk berpikir tentang bagaimana hubungan penulis dengan karakternya? Atau dia menawarkan untuk menjawab pertanyaan: "Bagaimana Ostrovsky membuat penonton, yang menonton babak ke-3, membenarkan Katerina?"

Dalam proses menganalisis pengamatan yang diterima, guru harus menggeneralisasi untuk tujuan ini pertanyaan ringkasan yang penting, seperti: “Apa yang telah kita pelajari tentang kehidupan kota kabupaten? Seperti apa pejabat kota itu? Apa sifat tindakan yang diambil di Gorodniche? atau "Apa kesamaan karakter Dikoy dan Kabanikh, dan apa perbedaannya? Mengapa konflik antara Katerina dan dunia Kabanova tak terhindarkan?"

Pada pelajaran terakhir, dalam bentuk generalisasi, muncul pertanyaan-pertanyaan yang dicari oleh siswa dalam proses menganalisis drama.

Pelajaran terakhir, sebenarnya, sudah dimulai dengan mengerjakan babak terakhir dari drama tersebut, ketika konflik diselesaikan dan penulis-penulis naskah seolah-olah menyimpulkan. Untuk tujuan ini, membaca ekspresif siswa menjadi sangat penting: ini adalah ujian kedalaman pemahaman mereka tentang karakter karakter.

Membaca dengan peran juga menunjukkan tingkat pemahaman siswa terhadap sebuah karya drama. Guru dapat mendekati distribusi peran dengan cara yang berbeda. Pekerjaan rumah untuk pelajaran semacam itu dapat berupa kompilasi tertulis atau lisan dari ciri-ciri pahlawan, yang perannya akan dimainkan oleh siswa.

Pada pelajaran terakhir - kompetisi pembaca adegan individu, sejarah panggung drama, menonton film adaptasi, dan mendiskusikannya.

Pertanyaan tentang teori sastra

Sehubungan dengan studi drama, siswa harus menguasai sejumlah konsep teoretis dan sastra. Beberapa di antaranya harus dimasukkan dalam kosakata aktif anak sekolah: aksi, aksi, fenomena, monolog, dialog, daftar karakter, ucapan. Saat mereka menembus ke dalam drama, kosakata anak sekolah diisi kembali: konflik, plot, eksposisi, plot, klimaks, kesudahan, genre: komedi, drama, tragedi.; main main. Pertunjukan bukanlah ilustrasi dalam sebuah lakon, melainkan sebuah karya seni baru yang diciptakan oleh teater, menafsirkan lakon-lakon penulis naskah dengan caranya sendiri.

Mengungkap teori dramaturgi untuk diri kita sendiri, kita tampaknya menemukan diri kita berada di alam semesta yang beroperasi menurut hukum yang mengejutkan dengan keindahan dan keakuratan matematisnya. Dramaturgi didasarkan pada hukum utama, yang intinya terletak pada kesatuan yang harmonis. Drama, seperti karya seni lainnya, harus merupakan citra artistik yang holistik.

Dramaturgi adalah teori dan seni membangun karya drama.

Dalam arti lain apa kata ini digunakan? Apa dasarnya? Apa itu dramaturgi dalam sastra?

Definisi konsep

Ada beberapa arti dari konsep ini.

Pertama, dramaturgi adalah dasar komposisi plot (konsep figuratif plot) dari sebuah karya sinematik atau teater independen. Prinsip dasar mereka secara historis dapat diubah. Ungkapan seperti dramaturgi film atau pertunjukan dikenal.

teori drama. Itu ditafsirkan bukan sebagai tindakan yang telah terjadi, tetapi sebagai tindakan yang sedang berlangsung.
Dan ketiga, dramaturgi adalah kumpulan karya dari zaman tertentu, beberapa orang atau penulis.

Tindakan adalah perubahan yang diketahui dalam periode waktu tertentu. Perubahan dramaturgi berhubungan dengan perubahan nasib. Dalam komedi dia gembira, dalam tragedi dia sedih. Rentang waktu dapat bervariasi. Itu bisa beberapa jam (seperti dalam drama klasik Prancis) atau rentang waktu bertahun-tahun (seperti dalam William Shakespeare).

Tahapan dramaturgi

Eksposisi menempatkan pembaca, pendengar, atau pemirsa ke dalam tindakan. Inilah kenalan pertama dengan karakternya. Bagian ini mengungkap kebangsaan orang, era ini atau itu, dan poin lainnya. Tindakan dapat dimulai dengan cepat dan aktif. Atau mungkin sebaliknya, secara bertahap.
Mengikat. Nama berbicara untuk dirinya sendiri. Elemen kunci dari dramaturgi. Munculnya konflik atau perkenalan karakter satu sama lain.
Pengembangan tindakan dan gambar. ketegangan bertahap.
Klimaksnya bisa cerah dan mengesankan. Titik tertinggi dari karya tersebut. Di sini ada ledakan emosi, intensitas nafsu, dinamika plot atau hubungan karakter.
Pertukaran. Mengakhiri tindakan. Itu bisa bertahap atau, sebaliknya, seketika. Itu bisa tiba-tiba mengakhiri aksi atau menjadi penutup. Ini adalah ringkasan dari esai.

Rahasia Penguasaan

Untuk memahami rahasia sastra atau seni panggung, Anda harus mengetahui dasar-dasar dramaturgi. Pertama-tama, ini adalah bentuk sebagai sarana untuk mengekspresikan konten. Juga dalam bentuk seni apa pun selalu ada gambar. Seringkali ini adalah versi imajiner dari realitas, digambarkan melalui catatan, kanvas, kata, plastik, dll. Saat membuat gambar, penulis harus memperhitungkan bahwa kaki tangan utamanya adalah penonton, pembaca atau pendengar (tergantung pada jenisnya). seni). Elemen utama berikutnya dalam drama adalah aksi. Ini menyiratkan adanya kontradiksi, dan itu pasti mengandung konflik dan drama.

Drama ini didasarkan pada penindasan keinginan bebas, titik tertinggi adalah kematian yang kejam. Usia tua dan kematian yang tak terhindarkan juga dramatis. Bencana alam menjadi dramatis ketika orang meninggal dalam prosesnya.

Pekerjaan penulis pada pekerjaan dimulai ketika tema muncul. Ide tersebut memecahkan masalah dari topik yang dipilih. Itu tidak statis atau terbuka. Jika berhenti berkembang, maka mati. Konflik adalah manifestasi tingkat tertinggi dari kontradiksi dramatis. Untuk implementasinya, diperlukan plot. Rantai peristiwa diatur ke dalam plot, yang merinci konflik melalui konkretisasi plot. Ada juga rantai peristiwa seperti intrik.

Dramaturgi paruh kedua abad ke-20

Drama modern bukan hanya periode waktu sejarah tertentu, tetapi seluruh proses yang membara. Ini melibatkan penulis naskah dari seluruh generasi dan berbagai arahan kreatif. Perwakilan seperti Arbuzov, Vampilov, Rozov dan Shvarts adalah inovator dari genre drama sosio-psikologis. Drama modern tidak berhenti, terus diperbarui, berkembang dan bergerak. Di antara sejumlah besar gaya dan genre yang melanda teater sejak akhir 50-an abad ke-20 hingga saat ini, permainan sosio-psikologis jelas mendominasi. Banyak dari mereka memiliki nuansa filosofis yang dalam.

Selama beberapa dekade, drama modern telah berusaha mengatasi stereotip yang sudah mapan, untuk lebih dekat dengan kehidupan nyata sang pahlawan dalam menyelesaikan masalahnya.

Apa itu dramaturgi dalam sastra?

Dramaturgi adalah jenis khusus dalam sastra yang memiliki bentuk dialogis dan dimaksudkan untuk diwujudkan di atas panggung. Padahal, begitulah kehidupan para karakter di atas panggung. Dalam lakon itu, mereka menjadi hidup dan mereproduksi kehidupan nyata dengan semua konflik dan kontradiksi berikutnya.

Momen-momen yang diperlukan agar karya tulis menjadi hidup di atas panggung dan membangkitkan emosi tertentu pada penonton:

Seni dramaturgi dan penyutradaraan harus terkait erat dengan inspirasi.
Sutradara harus bisa membaca karya drama dengan benar, memeriksa komposisinya, dan memperhatikan bentuknya.
Memahami logika proses holistik. Setiap tindakan selanjutnya harus mengalir dengan lancar dari yang sebelumnya.
Sutradara memiliki metode teknik artistik.
Bekerja untuk hasil seluruh tim kreatif. Pertunjukan harus dipikirkan dengan cermat, kaya secara ideologis, dan terorganisir dengan jelas.

Karya dramatis

Jumlah mereka sangat banyak. Beberapa dari mereka harus terdaftar sebagai contoh:

"Othello", "Mimpi Malam Pertengahan Musim Panas", "Romeo dan Juliet" oleh Shakespeare.
"Badai Petir" Ostrovsky.
"Inspektur" Gogol.

Jadi, dramaturgi adalah teori dan seni mengkonstruksi karya dramatik. Itu juga merupakan dasar komposisi plot, totalitas karya dan teori drama. Ada tingkatan dramaturgi. awal, perkembangan, klimaks, dan akhir. Untuk memahami rahasia drama, Anda perlu mengetahui dasar-dasarnya.

Populer dalam kategori: