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Artisti del Rinascimento spagnolo. Rinascimento in Spagna

Una nuova fase nello sviluppo del Rinascimento spagnolo, il cosiddetto Alto Rinascimento, risale alla seconda metà del XVI - inizio XVII secolo. Agendo secondo i rigidi principi della Controriforma (dal 1545), Filippo II (1527-1598) perseguitò i pensatori progressisti, incoraggiando allo stesso tempo lo sviluppo culturale, istituendo una biblioteca nell'Escorial e sostenendo molte università. Persone creative e pensanti, private dell'opportunità di esprimersi in filosofia e giornalismo, si sono rivolte all'arte, grazie alla quale è sopravvissuta nella seconda metà dei secoli XVI-XVII. una fioritura senza precedenti, e questa era fu chiamata "l'età dell'oro". Le idee secolari dell'umanesimo in alcuni poeti e scrittori erano intrecciate con motivi religiosi.

Nella seconda metà del XVI sec fino agli anni '30 del XVII secolo. prevale la poesia: lirica ed epica. Inoltre, i romanzi pastorali erano popolari e nacquero romanzi e drammi realistici. Nella poesia lirica spagnola c'erano due scuole poetiche opposte: Siviglia e Salamanca. Fernando de Herrera (1534-1597) e altri poeti della scuola di Siviglia preferivano i testi d'amore, terreni e sensuali, in cui spesso risuonavano e risuonavano motivi civili.

A capo della scuola di Salamanca fu il monaco agostiniano e professore di teologia Luis de Leon (1527-1591), il fondatore della poesia dei "mistici". In contrasto con la Chiesa cattolica, i mistici sostenevano un modo individuale di conoscere Dio, fondendosi con Lui. I rappresentanti più importanti di questa tendenza sono Teresa de Cepeda y Aumada (1515-1582), conosciuta come Santa Teresa de Jesus, e Juan de la Cruz (1542-1591), che appartenevano all'ordine carmelitano. Ai "mistici" si unì anche il domenicano Luis de Granada (1504-1588), che scriveva in latino, portoghese e spagnolo.

L'ammirazione per la poesia antica, considerata di alto livello, suscitò il desiderio di creare opere nello spirito dei poemi epici di Omero e Virgilio. Il tentativo più riuscito fu fatto da Alonso de Ercilla i Zúñiga (1533-1594), che scrisse Araucan.

Seconda metà del XVI secolo segnato dal fiorire del romanzo pastorale. L'antenato del genere in Spagna fu il portoghese Jorge de Montemayor (c. 1520-1561), che scrisse I sette libri di Diana (1559), seguito da molti sequel, ad esempio Diana innamorata (1564) di Gaspar Gil Polo (1585), così come Galatea (1585) di Cervantes e Arcadius (1598) di Lope de Vega.

Allo stesso tempo apparvero romanzi "moreschi" dedicati alla vita dei Mori: l'anonima Storia di Abenserrach e la bella Kharifa e le guerre civili a Granada (parte I - 1595, parte II - 1604) di Ginés Perez de Ita. Grazie all'opera di Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), che si dimostrò in vari generi letterari, la letteratura spagnola ottenne fama mondiale. La sua opera immortale - il romanzo The Cunning Hidalgo Don Chisciotte della Mancia, concepito come una parodia dei romanzi cavallereschi dell'epoca, è diventato uno dei monumenti più sorprendenti della letteratura mondiale.

In questa era, la formazione del dramma nazionale spagnolo è completata. I suoi tratti caratteristici furono incarnati più pienamente nell'opera di Lope F. de Vega Carpio (1562-1635). La visione del mondo di Lope de Vega, un innovatore nel campo della drammaturgia, combinava idee umanistiche e patriarcali. Ha delineato le sue opinioni sul dramma nel trattato The New Art of Composing Comedies in Our Time (1609). Lope de Vega - il creatore del dramma d'onore, nelle sue opere appare anticipando il classicismo del XVII secolo. l'idea della mancanza di libertà di una persona, poiché l'onore per lui risulta essere più importante delle passioni. Le sue commedie possono essere suddivise condizionatamente in tre gruppi: "commedie di corte", "commedie di cappa e spada" e "commedie di cattiva morale". Ha influenzato drammaturghi come Guillen de Castro y Belvis (1569-1631), Antonio Mira de Amescua (1574-1644), Luis Vélez de Guevara (1579-1644).

All'inizio del XVII secolo. La Spagna ha mantenuto la sua posizione di leader mondiale, ma la situazione economica è peggiorata drasticamente, nonostante l'enorme afflusso di oro dall'America coloniale. Nella fase finale del Rinascimento, spesso identificata come un periodo speciale del barocco, prevalse la tendenza a interpretare ciò che accadeva nelle campagne come una conseguenza dell'inclinazione al male dell'uomo, idea consona alla dottrina cristiana del peccato. La via d'uscita è stata vista in un appello alla mente, aiutando una persona a trovare la via verso Dio, che si rifletteva anche nella letteratura, che presta particolare attenzione al contrasto tra la natura umana e la sua mente, tra bellezza e bruttezza, mentre il bello era percepito come qualcosa di effimero e praticamente inaccessibile.

Due stili dominavano la poesia: il "gongorismo", dal nome del più grande poeta dell'epoca, Luis de Gongora y Argote (1561-1627), e il "concettismo", dalla parola concepto, che significa "pensiero". Il "gongorismo" era anche chiamato "culteranesimo", dalla parola culto ("coltivato"), poiché questo stile era destinato a un pubblico selezionato e colto. Gongora era un poeta laico e il motivo popolare nel suo lavoro, l'appello ai generi della poesia popolare (romanzi e letrilla) si combinano con squisite tecniche artistiche. Il "concettismo", il cui fondatore è A. de Ledesma, che pubblicò la raccolta di poesie Pensieri spirituali (1600), si oppose al "gongorismo". Allo stesso tempo, nel "concettualismo", come nel "gongorismo", è stata prestata molta attenzione alla forma, alla creazione di concetti complessi, giochi di parole, arguzia.

Uno dei rappresentanti del "concettualismo", Quevedo si è cimentato in diversi generi, ma questo stile ha raggiunto il suo massimo sviluppo nei suoi saggi satirici, Dreams, (1606-1622). Un eccezionale filosofo, moralista e scrittore fu Baltasar Gracian y Morales (1601-1658), membro dell'ordine dei Gesuiti, che parlava sotto pseudonimi. In Wit, or the Art of the Sophisticated Mind (1648), formula i principi del Conceptism.

Quindi: le singole fasi del Rinascimento in Spagna non coincidevano con le corrispondenti fasi del Rinascimento in altri paesi.

- Il XV secolo nell'arte spagnola rappresenta il periodo della nascita di una nuova visione artistica del mondo.
- Nei primi decenni del XVI secolo sorsero fenomeni stilistici legati all'Alto Rinascimento, ma le tradizioni del primo Rinascimento risultarono ancora predominanti.
- Il tempo delle più alte conquiste della cultura spagnola è la seconda metà del XVI secolo. Basta citare il nome del grande Cervantes per immaginare quali profondi e sfaccettati problemi della realtà fossero incarnati nella letteratura di quell'epoca. Risultati artistici significativi caratterizzano l'architettura e la pittura.

La costruzione di un complesso così maestoso come l'Escorial risale al secondo quarto del XVI secolo; a quel tempo, l'artista greco Domenico Theotokopuli, detto El Greco, lavorava in Spagna. Ma a differenza dei maestri italiani (in particolare veneziani) del tardo Rinascimento, nella cui opera si esprimeva chiaramente il legame e la continuità con la cerchia delle idee artistiche delle fasi precedenti del Rinascimento, i tratti della tragica crisi del tardo Rinascimento Il Rinascimento era più acutamente incarnato nella pittura spagnola.

Caratteristiche generali del Rinascimento spagnolo.

La letteratura del Rinascimento in Spagna si distingue per la sua grande originalità, che si spiega nelle peculiarità dello sviluppo storico della Spagna. Già nella seconda metà del XV sec. qui vediamo l'ascesa della borghesia, la crescita dell'industria e del commercio estero, la nascita delle relazioni capitaliste e l'allentamento delle istituzioni feudali e della visione feudale del mondo. Quest'ultimo fu particolarmente minato dalle idee umanistiche che penetrarono dal paese più avanzato di quel tempo: l'Italia. Tuttavia, in Spagna questo processo procedette in modo molto particolare, rispetto ad altri paesi, a causa di due circostanze specifiche della storia della Spagna di quell'epoca.

Il primo di essi è connesso alle condizioni in cui procedette la reconquista. Il fatto che le singole regioni della Spagna siano state conquistate separatamente, in tempi diversi e in condizioni diverse, ha portato al fatto che in ciascuna di esse sono state sviluppate leggi, costumi e usanze locali speciali. I contadini e le città basate sulle terre conquistate in luoghi diversi hanno ricevuto diritti e libertà diversi. Gli eterogenei diritti e libertà locali tenacemente detenuti dalle varie regioni e città furono causa di continui conflitti tra queste e il potere regio. Accadeva spesso anche che le città si unissero contro di essa con i feudatari. Pertanto, alla fine dell'alto medioevo in Spagna, non fu stabilita un'alleanza così stretta tra il potere reale e le città contro i grandi feudatari.

Un'altra caratteristica dello sviluppo storico della Spagna nel XVI secolo. è come segue. Il risultato dello straordinario afflusso di oro dall'America fu un forte aumento del prezzo di tutti i prodotti - una "rivoluzione dei prezzi" che colpì tutti i paesi europei, ma si manifestò con particolare forza in Spagna. Poiché l'acquisto di prodotti stranieri divenne più redditizio, l'industria spagnola della seconda metà del XVI secolo. molto ridotto. Anche l'agricoltura cadde in declino, in parte per lo stesso motivo, in parte a causa della massiccia rovina dei contadini e dell'impoverimento di un numero enorme di piccoli nobili contadini che non sopportavano la concorrenza dei grandi proprietari terrieri che godevano di vari privilegi.

Tutte le caratteristiche della storia della Spagna determinano il carattere generale della sua letteratura nei secoli XVI-XVII. La letteratura del Rinascimento spagnolo è chiaramente divisa in due periodi: 1). Primo Rinascimento (1475 - 1550) e 2). Rinascimento maturo (1550 - primi decenni del XVII secolo).

All'inizio di questo periodo in Spagna, come nella maggior parte degli altri paesi, si osserva l'emergere di quel nuovo approccio critico e realistico alla realtà, che è caratteristico della visione del mondo rinascimentale. La Spagna ha un numero di scienziati e pensatori eccezionali che hanno ribaltato vecchi pregiudizi e aperto la strada alla moderna conoscenza scientifica.

Ci sono tipografie, scrittori romani e greci intensamente tradotti. L'università fondata nel 1508 ad Alcala de Henares diventa il centro del movimento umanistico. Tuttavia, le idee umanistiche non hanno ricevuto il loro pieno sviluppo filosofico in Spagna. Incontrando l'atteggiamento più ostile nei loro confronti a corte e tra l'aristocrazia, non trovando alcun appoggio dalla borghesia, furono smorzati dalla reazione cattolica.

Le idee umanistiche nella letteratura rinascimentale spagnola trovano espressione quasi esclusivamente nell'immaginario poetico e non negli scritti teorici. Per lo stesso motivo, l'influenza dei disegni antichi e italiani era nel complesso molto meno significativa in Spagna che, ad esempio, in Francia o in Inghilterra. Allo stesso modo, il culto della forma è meno caratteristico della letteratura spagnola del Rinascimento. È caratterizzata da mascolinità, severità, sobrietà, grande concretezza di immagini ed espressioni, risalenti alla tradizione medievale spagnola. Sotto tutti questi aspetti, la letteratura spagnola del Rinascimento ha un carattere peculiare, specificamente nazionale.

Le influenze religiose dell'epoca si riflettono chiaramente in questa letteratura. L'ideologia e la pratica del cattolicesimo hanno lasciato una forte impronta sia nella vita del popolo che in quella delle classi privilegiate.

Da nessuna parte nella letteratura del XVI - XVII secolo. i temi religiosi non occupano un posto così importante come in Spagna. Troviamo qui letteratura "mistica" estremamente diversa: poesie e testi religiosi ( Luigi di Leone, San Juan de la Cruz), descrizioni di "conversioni miracolose", estasi e visioni ( Teresa di Gesù), trattati teologici e sermoni ( Luisda Granada). I più grandi drammaturghi Lope de Vega, Calderón) insieme a drammi profani, scrivono drammi religiosi, leggende drammatizzate e vite di santi, o "azioni sacre", che avevano come tema la glorificazione del sacramento della "comunione". Ma anche nelle commedie secolari compaiono spesso temi religiosi e filosofici ( "Siviglia malizioso" Tirso de Molina, Il risoluto principe Calderon).

Con tutto il carattere doloroso che portava lo sviluppo della Spagna, il popolo ha mostrato il massimo dell'energia nazionale. Ha mostrato grande curiosità mentale, determinazione e coraggio nel superare gli ostacoli. Le ampie prospettive che si aprivano davanti alla gente di quel tempo, la portata delle imprese politiche e militari, l'abbondanza di nuove impressioni e opportunità per varie attività vigorose - tutto ciò si rifletteva nella letteratura spagnola del XVI-XVII secolo, che è caratterizzato da grande dinamicità, passione e ricca fantasia.

Grazie a queste qualità, la letteratura spagnola del "secolo d'oro" (come viene chiamato il periodo che va dal secondo terzo circa del XVI secolo alla metà del XVII secolo) occupa uno dei primi posti tra le letterature nazionali del Rinascimento . Mostrandosi brillantemente in tutti i generi, la letteratura spagnola ha dato standard particolarmente elevati nel romanzo e nel dramma, ad es. in quelle forme letterarie in cui si potevano esprimere più pienamente i tratti tipici dell'allora Spagna: l'ardore dei sentimenti, l'energia e il movimento.

Creazione di un dramma nazionale spagnolo.

In Spagna e Portogallo, così come in altri paesi, esisteva un teatro medievale - in parte religioso (misteri e miracoli), in parte completamente secolare, comico (farse). Il teatro religioso medievale in Spagna, a causa dell'enorme ruolo svolto dalla Chiesa cattolica nella vita del paese, era estremamente stabile: non solo non scomparve durante il Rinascimento, come accadde in Italia e in Francia, ma continuò a svilupparsi intensamente per tutto il XVI e anche il XVII secolo...; inoltre, commedie di questo tipo furono scritte dai più grandi drammaturghi dell'epoca. In questi secoli i generi del teatro comico popolare, coltivati anche da grandi maestri, rimasero altrettanto popolari.

Tuttavia, insieme a questi vecchi generi drammatici, entro la metà del XVI secolo. in Spagna si sta sviluppando un nuovo sistema di drammaturgia rinascimentale, che influenza anche l'interpretazione dei suddetti vecchi generi da parte degli scrittori rinascimentali. Questo nuovo sistema drammaturgico è nato dalla collisione di due principi nel teatro della tradizione popolare o semifolk medievale e delle tendenze scientifico-umaniste che provenivano dall'Italia o direttamente dall'antichità, ma soprattutto attraverso la mediazione italiana. All'inizio i due tipi di drammaturgia, esprimendo queste due tendenze, si sviluppano parallelamente, staccandosi l'uno dall'altro o entrando in lotta tra loro, ma molto presto inizia un'interazione tra loro, e alla fine si fondono in un unico sistema drammatico . In questo sistema del dramma nazionale del Rinascimento, il cui apice dovrebbe essere riconosciuto come opera di Lope de Vega, il principio popolare è ancora il principale, sebbene le influenze italiane e antiche, originariamente padroneggiate, giocassero un ruolo significativo nella sua formazione. Quest'ultimo fu facilitato dall'apparizione nel XVI secolo. Traduzioni spagnole di Plauto e Terenzio.

A differenza dell'Inghilterra, dove vinse la Riforma, la cultura della Spagna si sviluppò sullo sfondo del rafforzamento dell'ideologia cattolica, espressa nella diffusione senza precedenti dell'Inquisizione.

Nel primo terzo del XVI sec. nella pittura spagnola si scontrarono due influenze: quella olandese e quella nuova italiana, rappresentata dal manierismo. Se n'è già parlato a proposito del Rinascimento italiano. Tuttavia, ha senso tornarci in relazione all'enorme influenza del manierismo sulla pittura spagnola, in particolare su El Greco. Sebbene fino al XIX secolo. gli storici dell'arte avevano un atteggiamento negativo nei confronti del manierismo, considerandolo imitativo in tutto e per tutto, nel XX secolo hanno rivisto le loro posizioni e dimostrato l'indipendenza stilistica dei manieristi.

Si è scoperto che in realtà il Manierismo è una tendenza originale nella pittura, basata su principi propri e non presi in prestito. I rappresentanti del manierismo si sono allontanati dalla percezione armonica del mondo rinascimentale. Seguendo esteriormente i maestri dell'Alto Rinascimento, i manieristi affermavano la tragedia della vita. Un'acuta percezione della vita si è unita al desiderio di esprimere "l'idea interiore" dell'immagine artistica. I manieristi potrebbero aver aperto la strada alla ricerca dell'arte pura, una caratteristica di praticamente tutte le successive generazioni di artisti europei.

Il surrealismo, l'espressionismo e l'astrattismo del XX secolo sono una continuazione creativa del manierismo con il suo ritiro nel soggettivismo, drammatizzazione delle immagini artistiche. Il concetto di "maniera" si concentra sulla ricerca dell'ideale di perfezione formale e virtuosismo, esprime la tendenza costante dello spirito umano.

Oggi gli storici dell'arte vedono le origini del manierismo già nell'arte antica, neogotica, italiana, tedesca e olandese. Il termine "manierismo" entrò in voga e fu usato per indicare l'intera pittura del XVI secolo dalla morte di Raffaello (1520) all'inizio del classicismo e del barocco, che a loro volta sorsero come reazione a lui. Molti ricercatori preferiscono

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si sciolgono nel definire quest'arte come un periodo compreso tra il Rinascimento e il Barocco.

Dopo il 1530 il Manierismo conquistò quasi tutta l'Europa. Gli spagnoli, e soprattutto il grande El Greco (1541-1614), ammirarono le eleganti creazioni dei manieristi. Da bambino studiò pittura di icone con i monaci candidi a Creta e dal 1560 continuò a dipingere a Venezia alla scuola del Tintoretto. Dal 1577 l'artista visse a Toledo, in Spagna. Sebbene l'audace luminosità dei suoi colori e la libera interpretazione delle scene bibliche suscitassero critiche, in particolare da parte del re Filippo II, ricevette comunque molte commissioni dalla chiesa e da privati. In Spagna, lo stile individuale unico di El Greco si è finalmente sviluppato. Ha idealizzato le persone che ha ritratto e, allungando i loro corpi e volti, ha subordinato le proporzioni naturali dell'espressività dell'immagine. La tradizione bizantina della pittura planare è stata combinata con il contrasto di toni chiari e scuri insiti nella scuola veneziana. L'influenza spagnola si rifletteva nel modo mistico di scrivere. Ha creato dipinti religiosi, mitologici, di genere, ritratti, paesaggi ("La sepoltura del conte Orgaz", 1586-1588; "Veduta di Toledo", 1610-1614).

Se il Cinquecento passa in Spagna sotto il segno del Rinascimento italiano, allora nel Seicento comincia a prevalere la pittura olandese. Il XVII secolo è considerato in Spagna, come nei Paesi Bassi, "l'età dell'oro". Il termine "età dell'oro" si riferisce principalmente al periodo di massimo splendore della letteratura spagnola nell'era di Cervantes, Gongora e Lope de Vega. Ma si può applicare anche a una galassia di grandi artisti come Zurbaran, Velazquez e Murillo.

Nella prima metà del XVII secolo, l'influenza degli artisti italiani, principalmente maestri veneziani, era ancora influenzata. Durante questo periodo, le scuole d'arte di Valencia e Toledo erano in testa. Tuttavia, nella seconda metà del secolo, l'opera dei fiamminghi, soprattutto Rubens e Van Dyck, soppiantò la pittura italiana. Le complesse composizioni scure della prima metà del secolo lasciano il posto a opere dinamiche con un'illuminazione più uniforme. Madrid e Siviglia divennero importanti centri artistici.

Francisco de Zurbaran (1598-1664) fu uno di quei maestri la cui arte portò la pittura spagnola del XVII secolo a uno dei primi posti in Europa. Un senso della realtà insolitamente potente ha determinato il tratto caratteristico del linguaggio artistico di Zurbaran: un impegno per la natura con una monumentalità estremamente laconica, persino severa. La sua attenzione si è concentrata su due aree: il ritratto e le leggende associate alla vita dei santi. Raffigurando monaci severi, catturati dalla contemplazione o dalla preghiera estatica, Zurbaran dipinse volentieri anche bambini, usandoli come modelli per dipinti sui temi dell'infanzia di Cristo e Maria.

Diego Velasquez (1599-1660) è definito il "ritrattista della corte spagnola". La vita di Velasquez, caposcuola indiscusso della scuola spagnola, pittore di corte di Filippo IV, è un vivido esempio del destino di molti artisti: discendente di una famiglia nobile, un genio, un uomo che, grazie alla sua franchezza, raffinatezza e galanteria, guadagnata l'amicizia del re e il rispetto di numerosi invidiosi, condusse una vita degna e saggia, quasi alleggerita dalle vicende, che neppure gli intrighi di corte riuscivano a scuotere.

Per grazia del re, nel 1659, dopo un lungo controllo della “purezza” del sangue e dell'assenza di attività commerciali, riceve l'abito di Cavaliere di S. Jacob è un onore senza pari per un artista. Velasquez ha creato non solo ritratti di membri della famiglia reale, ma anche dipinti su soggetti religiosi e mitologici ("Bakh"), tele storiche ("Surrender of Breda"), costantemente rivolti a scene di genere ("Colazione", "Spinners") . Le opere del compianto Velasquez, al cui mondo poetico viene conferito un carattere alquanto misterioso, anticipano l'arte degli impressionisti. Uno di loro, Manet, definì Velasquez "il pittore dei pittori".

In campo letterario si stanno diffondendo i romanzi cavallereschi e picareschi. Il più grande rappresentante di questo genere fu il grande Miguel de Cervantes (1547-1616), autore del famoso romanzo Don Chisciotte. Nel suo libro, Cervantes parodia i romanzi cavallereschi che hanno inondato

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Mercato del libro spagnolo. Gli ideali della cavalleria all'inizio del XVII secolo erano diventati da tempo obsoleti. Tuttavia, il libro di Cervantes è diventato una storia sui due principi della natura umana: l'idealismo romantico e la sobria praticità. Lo stesso Cervantes proveniva da una famiglia cavalleresca impoverita, prestò servizio a lungo nell'esercito spagnolo e poi si guadagnò da vivere nel servizio di commissario. Il romanzo di Cervantes segue le avventure del cavaliere idealista Don Chisciotte, che sostiene ostinatamente i valori cavallereschi in un mondo completamente pragmatico. Chiude gli occhi sulla realtà che lo circonda, combatte con i mulini a vento. E spesso non riesce a uscire dalla prigionia delle sue illusioni, e spiega la contraddizione tra realtà e ideale con le macchinazioni delle forze del male. Sebbene il libro sia stato concepito dall'autore come una lettura divertente, è diventato un modello di seria letteratura morale per la letteratura mondiale.

Il fondatore del dramma nazionale spagnolo fu Lope de Vega (1562-1635). Come i suoi contemporanei più giovani Tirso de Molina (c. 1583-1648) e Calderon de La Barca (1600-1681), il drammaturgo, con la sua opera davvero immensa (oltre 2000 opere, ne sono note 500), contribuì alla rapida fioritura della cultura spagnola commedia, che allora era considerata un'opera teatrale in tre atti scritta in versi. Peru Lope de Vega possiede ^ drammi storici e socio-politici, commedie sull'amore (le più famose sono "Dance Teacher" e "Dog in the Manger").

Il completamento della riconquista e l'unificazione di Castiglia e Aragona diedero un forte impulso allo sviluppo della cultura spagnola. Nei secoli XVI-XVII visse un periodo di prosperità, noto come "età dell'oro".

Alla fine del XV e la prima metà del XVI sec. in Spagna il pensiero avanzato ha fatto passi da gigante, manifestandosi non solo nel campo della creatività artistica, ma anche nel giornalismo e nelle opere scientifiche intrise di libero pensiero. La politica reazionaria di Filippo II ha inferto un duro colpo alla cultura spagnola. Ma la reazione non riuscì a soffocare le forze creative del popolo, che si manifestarono alla fine del XVI e prima metà del XVII secolo. prevalentemente nel campo della letteratura e dell'arte.

La cultura spagnola del Rinascimento aveva profonde radici popolari. Il fatto che il contadino castigliano non sia mai stato un servo (Vedi F. Engels, Lettera a Paul Ernst, K. Marx e F. Engels, On Art, M.-L. 1937, p. 30.), E le città spagnole conquistate presto la sua indipendenza, creò nel paese uno strato abbastanza ampio di persone che avevano coscienza della propria dignità (vedi F. Engels, Lettera a Paul Ernst, K. Marx e F. Engels, Sull'arte, M.-L. 1937, pagina 30.)

Sebbene il periodo favorevole allo sviluppo delle città e di parte dei contadini della Spagna sia stato molto breve, l'eredità dei tempi eroici ha continuato a vivere nelle menti del popolo spagnolo. Questa è stata una fonte importante delle alte conquiste della cultura spagnola classica.

Tuttavia, il Rinascimento in Spagna fu più controverso che in altri paesi europei. In Spagna non vi fu una rottura così netta con l'ideologia feudale-cattolica del Medioevo come avvenne, ad esempio, nelle città italiane nell'era dell'ascesa della loro vita economica e culturale. Ecco perché anche persone così avanzate della Spagna come Cervantes e Lope de Vega non rompono completamente con la tradizione cattolica.

Umanisti spagnoli della prima metà del XVI secolo.

I rappresentanti del pensiero avanzato in Spagna, che agirono nella prima metà del XVI secolo, ricevettero il nome di "Erasmisti" (dal famoso umanista Erasmo da Rotterdam). Tra questi, primo fra tutti, Alfonso de Valdes (morto nel 1532), autore di dialoghi taglienti e caustici nello spirito del satirico greco Luciano, nei quali attacca il papato e la Chiesa cattolica, accusandoli di egoismo e licenziosità, deve essere menzionato. Anche l'eccezionale filosofo spagnolo Juan Luis Vives (1492-1540) fu associato a Erasmo. Nato a Valencia, Vivss ha studiato a Parigi e ha vissuto in Inghilterra e nelle Fiandre. Ha preso parte al movimento paneuropeo dell'umanesimo. Già in una delle sue prime opere, Il trionfo di Cristo, Vives critica la scolastica aristotelica, opponendole la filosofia di Platone nello spirito dei filosofi italiani del Rinascimento.

Più importante è il fatto che, rifiutando la scolastica medievale, Vives porta in primo piano l'esperienza: l'osservazione e l'esperimento permettono di penetrare nelle profondità della natura, aprono la strada alla conoscenza del mondo. Così, Vives è uno dei predecessori di Francis Bacon. L'uomo è al centro del suo concetto. Vives ha svolto un ruolo importante nello sviluppo della psicologia come scienza. Nella sua opera "On the Soul and Life" considera in dettaglio il problema della percezione. Nell'opuscolo The Sage, Vivss fornisce una critica umanistica dei vecchi metodi scolastici di insegnamento e sviluppa un sistema pedagogico progressivo che include lo studio delle lingue classiche, della storia e delle scienze naturali. Luis Vives era anche un sostenitore dell'educazione delle donne.

Un altro pensatore spagnolo che si oppose alla scolastica e ad Aristotele sezionato dagli scolastici fu Francisco Sanchss (1550-1632). Tuttavia, a differenza di Luis Vives, lo spirito di libera indagine porta Sanchez allo scetticismo. La sua opera principale si chiama "Che non c'è conoscenza" (1581). Esplorando le contraddizioni contenute nel processo della cognizione umana, Sanchez giunge a una tesi puramente negativa: tutto ciò che sappiamo è inaffidabile, relativamente, condizionale. Una tesi così pessimistica, avanzata nell'era del crollo degli ordini medievali e delle idee dogmatiche, non era rara, soprattutto in Spagna con le sue aspre contraddizioni sociali e le dure condizioni di vita.

poesia popolare

Il XV secolo fu per la Spagna il periodo di massimo splendore dell'arte popolare. Fu in questo momento che apparvero molti romanzi. Il romanticismo spagnolo è una forma poetica nazionale, che è un breve poema lirico o lirico-epico. I romanzi cantavano le gesta degli eroi, episodi drammatici della lotta con i Mori. I romanzi lirici raffiguravano in una luce poetica l'amore e la sofferenza degli innamorati. I romanzi riflettevano il patriottismo, l'amore per la libertà e una visione poetica del mondo, caratteristica del contadino castigliano.

Il romanticismo popolare fecondò lo sviluppo della letteratura classica spagnola, divenne il terreno su cui sorse la grande poesia spagnola dei secoli XVI-XVII.

poesia umanista

In Spagna, come in altri paesi, la letteratura rinascimentale si è sviluppata sulla base di una sintesi di arte popolare nazionale e forme avanzate di letteratura umanistica. Uno dei primi poeti del Rinascimento spagnolo - Jorge Manrique (1440-1478) fu il creatore del brillante poema "Distici alla morte di mio padre". Nelle solenni strofe della sua opera parla dell'onnipotenza della morte e glorifica le gesta degli eroi immortali.

Già nel XV sec. nella poesia spagnola apparve una tendenza aristocratica, che si sforzava di creare "testi dotti" modellati sulla letteratura del Rinascimento italiano. Il più grande poeta del primo Rinascimento spagnolo, Garcilaso de la Vega (1503-1536), apparteneva a questa tendenza. Nella sua poesia, Garcilaso ha seguito le tradizioni di Petrarca, Ariosto e soprattutto il famoso poeta pastorale d'Italia, Sannazaro. La cosa più preziosa nella poesia di Garcilaso sono le sue egloghe, che raffiguravano in forma idealizzata la vita dei pastori innamorati nel seno della natura.

I testi religiosi erano ampiamente sviluppati nella poesia spagnola del Rinascimento. Luis de Leon (1527-1591) era il capo della galassia dei cosiddetti poeti mistici. Monaco agostiniano e dottore in teologia all'Università di Salamanca, cattolico ortodosso, fu tuttavia accusato di eresia e gettato nella prigione dell'Inquisizione, dove fu rinchiuso per oltre quattro anni. Riuscì a dimostrare la sua innocenza, ma il destino stesso del poeta parla della presenza nelle sue opere di qualcosa di più di una semplice ripetizione di idee religiose. I magnifici testi di Luis de Leon contengono un profondo contenuto socialmente significativo. Sente acutamente la disarmonia della vita, dove regnano "invidia" e "menzogna", dove giudicano giudici ingiusti. Cerca la salvezza in una vita contemplativa solitaria nel seno della natura (ode "vita beata").

Luis de Leon non era l'unico poeta preso di mira dall'Inquisizione. Nelle sue segrete, molti talentuosi figli del popolo spagnolo furono sottoposti a dolorose torture. Uno di questi poeti, David Abenator Malo, che è riuscito a liberarsi e fuggire in Olanda, ha scritto del suo rilascio: "È uscito di prigione, dalla tomba rotto".

Nella seconda metà del XVI sec. in Spagna c'è un tentativo di creare un'epopea eroica. Alonso de Ersilya (1533-1594), che si unì all'esercito spagnolo e combatté in America, scrisse un lungo poema "Araucan", in cui voleva cantare le gesta degli spagnoli. Ercilia ha scelto come modello il poema classico di Virgilio "Eneide". L'enorme e caotico lavoro di Ersilya nel suo complesso non ha successo. È pieno di campioni fittizi ed episodi condizionali. Ad Araucan sono belli solo quei luoghi in cui sono raffigurati il coraggio e la determinazione degli Araucans amanti della libertà, una tribù indiana che ha difeso la propria indipendenza dai conquistatori spagnoli.

Se la forma di un poema epico in modo antico non era adatta a riflettere gli eventi del nostro tempo, allora la vita stessa proponeva un altro genere epico, più adatto alla loro rappresentazione. Questo genere era il romanzo.

romanticismo spagnolo

Dall'inizio del XVI secolo. in Spagna erano diffusi i romanzi cavallereschi. La fantasia sfrenata di queste ultime creazioni della letteratura feudale corrispondeva ad alcuni aspetti della psicologia del popolo del Rinascimento, che intraprendeva viaggi rischiosi e vagava per terre lontane.

Nella seconda metà del XVI sec. il motivo pastorale, introdotto nella letteratura spagnola da Garcilaso de la Vega, è stato sviluppato anche sotto forma di romanzo. Qui è necessario citare "Diana" di Jorge de Montemayor (scritto intorno al 1559) e "Galatea" di Cervantes (1585). In questi romanzi si rifrange a modo suo il tema dell '"età dell'oro", il sogno di una vita felice in seno alla natura. Tuttavia, il tipo più interessante e originale di romanzo spagnolo era il cosiddetto romanzo picaresco (novela picaresca).

Questi romanzi riflettevano la penetrazione dei rapporti monetari nella vita spagnola, la disintegrazione dei legami patriarcali, la rovina e l'impoverimento delle masse.

L'inizio di questa tendenza della letteratura spagnola fu posto dalla Tragicommedia di Calisto e Melibea, meglio conosciuta come la Celestina (circa 1492). Questo racconto (almeno nella sua parte principale) è stato scritto da Fernando de Rojas.

Sessant'anni dopo l'apparizione di Celestina, nel 1554, contemporaneamente in tre città, fu pubblicato il primo esempio compiuto di romanzo picaresco sotto forma di libretto, che ebbe una grande influenza sullo sviluppo della letteratura europea, il famoso Lazarillo da Tormes. Questa è la storia di un ragazzo, servitore di tanti padroni. Difendendo il suo diritto all'esistenza, Lazaro è costretto a ricorrere a trucchi astuti e gradualmente si trasforma in un completo ladro. L'atteggiamento dell'autore del romanzo nei confronti del suo eroe è ambivalente. Vede nell'inganno una manifestazione di destrezza, intelligenza e ingegno, inaccessibile alle persone del Medioevo. Ma in Lazaro si manifestavano chiaramente anche le qualità negative del nuovo tipo umano. La forza del libro sta nella sua schietta rappresentazione delle relazioni sociali in Spagna, dove sotto la tonaca e il mantello nobile si nascondevano le passioni più basse, animate dalla febbre del profitto.

Il successore dell'ignoto autore delle Tormes di Lazarillo fu l'eccezionale scrittore Mateo Alemán (1547-1614), autore del romanzo picaresco più popolare, Le avventure e la vita del furfante Guzmán de Alfarache, Torre di guardia della vita umana. Il libro di Mateo Alemán differisce dal romanzo del suo predecessore per l'ampiezza del background sociale e per una valutazione più cupa delle nuove relazioni sociali. La vita è assurda e cinica, dice Aleman, le passioni sono i ciechi. Solo vincendo in se stessi queste aspirazioni impure si può vivere razionalmente e virtuosamente. Aleman è un sostenitore della filosofia stoica ereditata dai pensatori rinascimentali dagli antichi autori romani.

Miguel de Cervantes

Il romanzo picaresco rappresenta quella linea nello sviluppo della letteratura spagnola, che con particolare forza ha preparato il trionfo del realismo di Cervantes.

L'opera del più grande scrittore spagnolo Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616) - il fondatore della nuova letteratura spagnola - è nata sulla base della sintesi di tutte le conquiste del suo precedente sviluppo. Ha portato la letteratura spagnola e allo stesso tempo mondiale a nuovi livelli.

La giovinezza di Cervantes è stata alimentata dalla natura avventurosa del suo tempo. Visse in Italia, partecipò alla battaglia navale di Lepanto, fu catturato dai pirati algerini. Per cinque anni, Cervantes fece un eroico tentativo dopo l'altro di liberarsi. Riscattato dalla prigionia, tornò a casa povero. Vedendo l'impossibilità di vivere di opere letterarie, Cervantes fu costretto a diventare un funzionario. Fu durante questo periodo della sua vita che si trovò faccia a faccia con la prosaica vera Spagna, con il mondo intero così brillantemente rappresentato nel suo Don Chisciotte.

Cervantes ha lasciato un'eredità letteraria ricca e varia. A partire dal romanzo pastorale Galatea, si dedicò presto alla scrittura di commedie. Uno di questi - la tragedia "Numancia" raffigura l'eroismo immortale degli abitanti della città spagnola di Numancia, che combattono contro le legioni romane e preferiscono la morte alla resa in balia dei vincitori. Sulla base dell'esperienza dei racconti italiani, Cervantes ha creato un tipo originale di racconto spagnolo che combina un'ampia rappresentazione della vita con i sermoni ("Romanzi istruttivi").

Ma tutto ciò che ha creato impallidisce davanti alla sua brillante opera The Cunning Hidalgo Don Chisciotte della Mancia (1605-1615). Cervantes si è posto un compito modesto: distruggere l'influenza di romanzi cavallereschi fantastici e lontani dalla vita. Ma la sua eccellente conoscenza della vita delle persone, l'acuta osservazione e l'ingegnosa capacità di generalizzazione hanno portato al fatto che ha creato qualcosa di incommensurabilmente più significativo.

Don Chisciotte e Sancho Panza. Incisione dal frontespizio di una delle prime edizioni del Don Chisciotte di Cervantes.

Don Chisciotte sogna di far rivivere i tempi cavallereschi in un'epoca in cui sono passati da tempo. Lui solo non capisce che la cavalleria è sopravvissuta al suo tempo e, come l'ultimo cavaliere, è una figura comica. In epoca feudale tutto era costruito sulla base della prima legge. E ora Don Chisciotte vuole, contando sulla forza della sua mano, cambiare l'ordine esistente, proteggere vedove e orfani, punire i trasgressori. Infatti, crea disordini, provoca il male e la sofferenza delle persone. "Don Chisciotte deve aver pagato caro il suo errore quando ha immaginato che i cavalieri erranti fossero ugualmente compatibili con tutte le forme economiche della società", dice Marx.

Ma allo stesso tempo, i motivi delle azioni di Don Chisciotte sono umani e nobili. È uno strenuo difensore della libertà e della giustizia, patrono degli innamorati, appassionato di scienza e poesia. Questo cavaliere è un vero umanista. I suoi ideali progressisti ebbero origine nel grande movimento antifeudale del Rinascimento. Sono nati nella lotta contro la disuguaglianza di classe, contro forme di vita feudali obsolete. Ma anche la società che è venuta a sostituirla non ha potuto realizzare questi ideali. I ricchi contadini insensibili, i locandieri e i mercanti dal pugno chiuso prendono in giro Don Chisciotte, la sua intenzione di proteggere i poveri e i deboli, la sua generosità e umanità.

La dualità dell'immagine di Don Chisciotte sta nel fatto che i suoi ideali umanistici progressisti appaiono in una forma cavalleresca reazionaria e obsoleta.

Accanto a Don Chisciotte, nel romanzo recita uno scudiero contadino Sancho Panza. I limiti delle condizioni rurali dell'esistenza hanno lasciato il segno in lui: Sancho Panza è ingenuo e talvolta anche sciocco, è l'unica persona che ha creduto alle sciocchezze cavalleresche di Don Chisciotte. Ma Sancho non è privo di buone qualità. Non solo rivela la sua ingegnosità, ma si rivela anche portatore di saggezza popolare, che espone in innumerevoli proverbi e detti. Sotto l'influenza del cavaliere umanista Don Chisciotte, Sancho si sviluppa moralmente. Le sue notevoli qualità si rivelano nel famoso episodio del governatorato, quando Sancho rivela la sua saggezza mondana, il disinteresse e la purezza morale. Non esiste una tale apoteosi del contadino in nessuna delle opere del Rinascimento dell'Europa occidentale.

I due protagonisti del romanzo, con le loro idee fantastiche e ingenue, sono rappresentati sullo sfondo della vera Spagna quotidiana, paese di spavalda nobiltà, locandieri e mercanti, ricchi contadini e mulattieri. Nell'arte di rappresentare questa vita quotidiana, Cervantes non ha eguali.

Don Chisciotte è il più grande libro popolare in Spagna, un meraviglioso monumento della lingua letteraria spagnola. Cervantes completò la trasformazione del dialetto castigliano, uno dei dialetti della Spagna feudale, nella lingua letteraria della nascente nazione spagnola. L'opera di Cervantes è il punto più alto nello sviluppo della cultura rinascimentale sul suolo spagnolo.

Luis de Gongora

nella letteratura del XVII secolo. gli stati d'animo cupi e senza speranza si stanno intensificando sempre di più, riflettendo un crollo interno nella coscienza pubblica dell'era del progressivo declino della Spagna. La reazione agli ideali dell'umanesimo fu espressa più chiaramente nell'opera del poeta Luis de Gongora y Argote (1561-1627), che sviluppò uno stile speciale chiamato "gongorismo". Dal punto di vista di Gongor, solo l'eccezionale, bizzarramente complesso, lontano dalla vita può essere bello. Gonyura cerca la bellezza nel mondo della fantasia e trasforma persino la realtà in una fantastica stravaganza decorativa. Rifiuta la semplicità, il suo stile è oscuro, difficile da capire, pieno di immagini e iperboli complesse e intricate. Nella poesia di Gongora, il gusto letterario dell'aristocrazia ha trovato la sua espressione. Il gongorismo, come una malattia, si diffuse in tutta la letteratura europea.

Francisco de Quevedo

Il più grande satirico spagnolo fu Francisco de Quevedo y Villegas (1580-1645). Proveniente da una famiglia aristocratica, Quevedo partecipò come diplomatico agli intrighi politici spagnoli in Italia. La conoscenza del regime politico nei possedimenti spagnoli lo portò a una profonda delusione. Approfittando della sua vicinanza alla corte, Quevedo presentò a Filippo IV una nota in versi, in cui chiedeva al re di ridurre le tasse e migliorare la situazione del popolo. L'autore della nota è stato catturato e imprigionato dall'Inquisizione, dove è stato in catene per 4 anni e da dove è uscito un uomo fisicamente distrutto. Poco dopo il suo rilascio, è morto.

Il famoso romanzo picaresco di Quevedo, The Life Story of a Rogue Called Pablos, an Example of Vagabonds and a Mirror of Fraudsters, fu apparentemente scritto nel primo periodo della sua vita. Questo libro è innegabilmente il più profondo dei romanzi picareschi. Raccontando la storia del figlio di un barbiere ladro e di una prostituta - lo sfortunato Pablos, Quevedo mostra un intero sistema di abusi sui minori. Cresciuto in tali condizioni, Pablos è diventato un mascalzone. Vaga per la Spagna e davanti a lui si rivelano mostruose povertà e sporcizia. Pablos vede come le persone si ingannano a vicenda per esistere, vede che tutta la loro energia è diretta al male. Il romanzo di Quevedo è pieno di amarezza.

Nel secondo periodo della sua attività, Quevedo si dedica alla creazione di opuscoli satirici. Un posto speciale tra loro è occupato dalle sue "Visioni" - diversi saggi satirici e giornalistici che raffigurano immagini dell'aldilà in uno spirito grottesco e parodico. Così, nel saggio "Il poliziotto posseduto dal diavolo", viene presentato l'inferno, dove arrostiscono re e camarilla di corte, mercanti e ricchi. Non c'è posto all'inferno per i poveri, perché non hanno adulatori e falsi amici e nessuna possibilità di peccare. Nel 17 ° secolo iniziò il processo di degenerazione del genere del romanzo picaresco.

teatro spagnolo

La Spagna, come l'Inghilterra e la Francia, visse nei secoli XVI-XVII. grande fioritura del dramma e del teatro. Il contenuto sociale del dramma spagnolo da Lope de Vega alla Caldera è la lotta della monarchia assoluta con le libertà della vecchia Spagna, ottenute dalla nobiltà spagnola, dalle città e dai contadini castigliani durante la riconquista, piena di intenso dramma.

In contrasto con la tragedia francese, che si basava su modelli antichi, in Spagna sorse un dramma nazionale, piuttosto originale e popolare. Le opere drammatiche sono state create per i teatri pubblici. Gli spettatori inclini al patriottismo volevano vedere sul palco le gesta eroiche dei loro antenati e gli eventi di attualità del nostro tempo.

Lope de Vega

Il fondatore del dramma nazionale spagnolo fu il grande drammaturgo Lope Felix de Vega Carpio (1562-1635). Soldato dell'esercito dell '"Invincibile Armada", brillante laico, famoso scrittore, Lopo de Vega rimase un uomo religioso per tutta la vita, e nella sua vecchiaia divenne sacerdote e persino membro del "santo" inquisizione. In questa dualità, Lope de Vega ha mostrato i tratti caratteristici del Rinascimento spagnolo. Ha espresso nella sua opera le aspirazioni umanistiche di questa straordinaria epoca e, allo stesso tempo, Lope de Vega, un uomo avanzato del suo tempo, non poteva rompere con le tradizioni della Spagna cattolica feudale. Il suo programma sociale era cercare di conciliare le idee dell'umanesimo con i costumi patriarcali.

Lope de Vega è stato un artista di rara fertilità creativa, ha scritto 1800 commedie e 400 opere cult allegoriche in un atto (sono pervenute fino a noi circa 500 opere). Ha anche scritto poesie eroiche e comiche, sonetti, romanzi, racconti, ecc. Come Shakespeare, Lope de Vega non ha inventato le trame delle sue opere. Ha usato varie fonti: romanzi e cronache popolari spagnole, romanzi italiani e libri di storici antichi. Un folto gruppo di opere teatrali di Lope de Vega sono drammi storici della vita di diversi popoli. Ha anche un'opera teatrale della storia russa - "Il Granduca di Mosca", dedicata agli eventi dell'inizio del XVII secolo.

Nelle sue opere principali, Lope de Vega raffigura il rafforzamento del potere reale, la lotta dei re spagnoli contro i ribelli feudatari e le orde moresche. Ritrae il significato progressivo dell'unificazione della Spagna, pur condividendo la fede ingenua del popolo nel re come rappresentante della giustizia non di classe, capace di resistere all'arbitrarietà dei signori feudali.

Tra le commedie storiche di Lope de Vega, i drammi folk-eroici ("Peribanes and Commander Ocanyi", "The Best Alcalde is the King", "Fu-ente Ovejuna") sono di particolare importanza, raffiguranti la relazione di tre forze sociali - contadini, feudatari e potere regio. Mostrando il conflitto tra il contadino e il feudatario, Lope de Vega si schiera interamente dalla parte del contadino.

La migliore di queste opere è "Fuente Ovejuna", uno dei più grandi drammi non solo in spagnolo, ma anche nel teatro mondiale. Qui Lone de Vega, in una certa misura, sconfigge le sue illusioni monarchiche. Lo spettacolo si svolge nella seconda metà del XV secolo. Il comandante dell'Ordine di Calatrava si sta scatenando nel suo villaggio di Fuente Ovehuna (Fonte delle pecore), violando l'onore delle contadine. Uno di loro - Laurencia - solleva appassionatamente i contadini alla rivolta e loro uccidono l'autore del reato. Nonostante il fatto che i contadini fossero sudditi obbedienti del re e il comandante partecipasse alla lotta contro il trono, il re ordinò di torturare i contadini, chiedendo che tradissero l'assassino. Solo la fermezza dei contadini, che hanno risposto a tutte le domande con le parole: "Fkhonte Ovehuna l'ha fatto", ha fatto sì che il re li lasciasse andare con riluttanza. Seguendo Cervantes, l'autore della tragedia di Numancia, Lope de Vega ha creato un dramma sull'eroismo nazionale, la sua forza morale e la sua resistenza.

In molte delle sue opere, Lope raffigura il dispotismo del potere reale. Tra questi spicca l'eccellente dramma Star of Seville. Il re tiranno si trova di fronte agli abitanti della città di Siviglia, che difendono il loro onore e le loro antiche libertà. Il re deve fare un passo indietro davanti a queste persone, riconoscere la loro grandezza morale. Ma la forza sociale e psicologica della "Stella di Siviglia" si avvicina alle tragedie di Shakespeare.

La dualità di Lope de Vega era più evidente nei drammi dedicati alla vita familiare della nobiltà spagnola, i cosiddetti "drammi d'onore" ("Pericoli dell'assenza", "Vittoria dell'onore", ecc.). Per Lopo de Vega, il matrimonio deve essere basato sull'amore reciproco. Ma dopo che il matrimonio ebbe luogo, le sue fondamenta sono incrollabili. Sospettando la moglie di tradimento, il marito ha il diritto di ucciderla.

Le cosiddette commedie del mantello e della spada raffigurano la lotta dei giovani nobili spagnoli - persone di un nuovo tipo - per la libertà di sentire, per la loro felicità, contro il potere dispotico dei loro padri e tutori. Lope de Vega costruisce una commedia su un intrigo vertiginoso, su coincidenze e incidenti. In queste commedie, che glorificavano l'amore e il libero arbitrio dell'uomo, il legame di Lope de Vega con il movimento letterario umanistico del Rinascimento era più evidente. Ma in Lope de Vega, il giovane del Rinascimento non ha quella libertà interiore che ci delizia nelle commedie di Shakespeare. Le eroine di Lope de Vega sono fedeli al nobile ideale dell'onore. Nel loro aspetto ci sono caratteristiche crudeli e poco attraenti associate al fatto che condividono i pregiudizi della loro classe.

Drammaturghi della Scuola Lope

Lope de Vega non si esibisce da solo, ma è accompagnato da un'intera galassia di drammaturghi. Uno degli allievi diretti e successori di Lope fu il monaco Gabriel Telles (1571-1648), noto come Tirso de Molina. Il posto che Tirso occupa nella letteratura mondiale è determinato principalmente dalla sua commedia The Seville Mischievous Man, o the Stone Guest, in cui ha creato l'immagine del famoso seduttore di donne, Don Juan. L'eroe della commedia, Tirso, non ha ancora quel fascino che ci affascina nell'immagine di Don Juan negli scrittori di epoche successive. Don Juan è un nobile depravato, memore del diritto feudale della prima notte, un seduttore che aspira al piacere e non disdegna alcun mezzo per raggiungere il proprio. Questo è un rappresentante della camarilla di corte, che insulta donne di tutte le classi.

Pedro Caldero

Il dramma spagnolo raggiunse ancora una volta grandi vette nell'opera di Pedro Calderón de la Barca (1600-1681). La figura di Calderon è profondamente controversa. Proveniente da una nobile famiglia aristocratica, Caldera fu cavaliere dell'Ordine di Sant'Iago. sacerdote e cappellano onorario del re Filippo IV. Ha scritto non solo per il popolo, ma anche per il teatro di corte.

Le commedie secolari di Calderon sono direttamente adiacenti alla drammaturgia di Lope. Ha scritto "commedie di cappa e spada", ma Caldera ha ottenuto uno speciale potere realistico nei suoi "drammi d'onore". Così, nel dramma Doctor of His Honor, Calderon ha dipinto un ritratto espressivo di un nobile spagnolo del XVII secolo. Religiosità fanatica e devozione altrettanto fanatica al proprio onore convivono in questo dgoryanin con spietata sobrietà, astuzia gesuita e freddo calcolo.

Drama Calderon "Salamei alcalde" è una rielaborazione dell'omonima commedia di Lope de Vega. Il giudice del villaggio Pedro Crespo, che ha sviluppato un senso di dignità ed è orgoglioso della sua origine contadina, ha condannato e giustiziato un nobile ufficiale che ha disonorato sua figlia. La lotta di un semplice giudice di villaggio contro un nobile stupratore è rappresentata con grande forza artistica.

Un posto importante nell'eredità di Calderon è occupato da drammi religiosi - "vite dei santi" drammatizzate, ecc. L'idea principale di queste commedie è puramente cattolica. Ma Calderon di solito tira fuori un giullare che ride sobriamente dei miracoli religiosi.

Il meraviglioso dramma "The Miraculous Magician" è vicino alle rappresentazioni religiose. Marx chiamò quest'opera "Faust cattolico". L'eroe dell'opera è una persona ricercatrice e audace. Nella sua anima c'è una lotta tra un'attrazione sensuale per una donna e un'idea cristiana. L'opera di Calderon si conclude con il trionfo dell'inizio cristiano-ascetico, ma il grande artista ritrae gli elementi terreni e sensuali come qualcosa di potente e bello. Ci sono due giullari in questa commedia. Mettono in ridicolo i miracoli con la loro cruda sfiducia nei confronti della narrativa religiosa.

Con particolare forza, il concetto filosofico di Calderon si rifletteva nel suo dramma Life is a Dream. Gli eventi che si svolgono nello spettacolo non sono solo reali, ma anche simbolici. Il re di Polonia Basilio, astrologo e mago, viene a sapere che suo figlio appena nato sarà un mascalzone e un assassino. Imprigiona suo figlio Sehismundo in una torre situata in una zona desertica, e lo tiene incatenato e vestito con una pelle di animale. Quindi, Sehismundo è prigioniero dalla nascita. Questa immagine di un giovane incatenato in catene è un'immagine simbolica dell'umanità, che è in dipendenza servile dalle condizioni sociali. Volendo controllare le parole dell'oracolo, il re ordina di trasferire Sehismundo addormentato al palazzo. Svegliandosi e apprendendo di essere il sovrano, Sehismundo mostra subito i tratti di un despota e di un cattivo: minaccia di morte i cortigiani, alza la mano contro il proprio padre. L'uomo è un prigioniero, uno schiavo incatenato o un despota e un tiranno: tale è il pensiero di Calderon.

Le conclusioni a cui giunge Calderón sono di carattere fantastico e reazionario. Tornato alla torre, Sehismundo si sveglia e decide che tutto quello che gli è successo nel palazzo è stato un sogno. Ora crede che la vita sia un sogno. Dormire: ricchezza e povertà, potere e sottomissione, diritto e ingiustizia. Se è così, allora la persona deve rinunciare alle sue aspirazioni, sopprimerle e venire a patti con il flusso della vita. I drammi filosofici di Calderón sono un nuovo tipo di opera drammatica, sconosciuta a Lope de Vega.

Calderoy combina un profondo realismo con caratteristiche reazionarie nel suo lavoro. Vede una via d'uscita dalle tragiche contraddizioni della realtà nel seguire le idee della reazione cattolica feudale, nel culto del nobile onore.

Nonostante tutte le contraddizioni inerenti alla letteratura spagnola del XVI-XVII secolo, i valori artistici da essa creati, in particolare il romanzo e il dramma spagnoli, sono un contributo eccezionale alla cultura mondiale.

Architettura

Anche le arti plastiche raggiunsero grandi vette in quest'epoca. Dopo un lungo periodo di dominio gotico e il periodo di massimo splendore dell'architettura moresca in Spagna nel XVI secolo, si sta risvegliando l'interesse per l'architettura del Rinascimento italiano. Ma, seguendo i suoi modelli, gli spagnoli trasformano originariamente le forme dell'architettura italiana.

Alla seconda metà del XVI secolo risale l'attività del geniale architetto Juan de Herrera (1530-1597), creatore di uno stile particolare di "herreresque". Questo stile prende la forma dell'architettura antica. Eppure la più grande creazione di Herrera: il famoso palazzo di Filippo II Escorial ha poca somiglianza con le forme tradizionali dell'architettura classica.

L'idea stessa dell'Escorial, che è allo stesso tempo palazzo reale, monastero e tomba, è molto caratteristica dell'epoca della controriforma. In apparenza, Escorial ricorda una fortezza medievale. È un edificio quadrato con torri agli angoli. Un quadrato diviso in una serie di quadrati: tale è la pianta dell'Escorial, che ricorda un reticolo (il reticolo è un simbolo di San Lorenzo, a cui è dedicato questo edificio). La mole cupa ma maestosa dell'Escorial, per così dire, simboleggia il duro spirito della monarchia spagnola.

Motivi rinascimentali nell'architettura già nella seconda metà del XVII secolo. degenerare in qualcosa di pretenzioso e lezioso, e la rischiosa audacia delle forme nasconde solo il vuoto interiore e la mancanza di contenuto.

Pittura

La pittura è stata la seconda area dopo la letteratura in cui la Spagna ha creato valori di importanza storica mondiale. È vero, l'arte spagnola non conosce opere armoniche nello spirito della pittura italiana dei secoli XV-XVI. Già nella seconda metà del XVI sec. La cultura spagnola ha prodotto un artista di sorprendente originalità. Si tratta di Domeviko Theotokopuli, originario di Creta, detto El Greco (1542-1614). El Greco ha vissuto a lungo in Italia, dove ha imparato molto dai famosi maestri della scuola veneziana, Tiziano e Tintoretto. La sua arte è una delle propaggini del manierismo italiano, originariamente sviluppato sul suolo spagnolo. I dipinti di Greco non ebbero successo a corte, visse a Toledo, dove trovò molti ammiratori del suo talento.

Nell'arte di Greco si riflettevano con grande forza drammatica le dolorose contraddizioni del suo tempo. Quest'arte è rivestita di una forma religiosa. Ma l'interpretazione non ufficiale dei soggetti ecclesiastici allontana la pittura di El Greco dai modelli statali dell'arte sacra. Il suo Cristo ei santi ci appaiono davanti in uno stato di estasi religiosa. Le loro figure ascetiche, emaciate e allungate si piegano come fiamme e sembrano raggiungere il cielo. Questa passione e il profondo psicologismo dell'arte di Greco lo avvicinano ai movimenti eretici dell'epoca.

Escorial. Architetto Juan de Herrera. 1563

La pittura spagnola conobbe la sua vera fioritura nel XVII secolo. Tra gli artisti spagnoli del XVII secolo. va ricordato innanzitutto José Ribeiro (1591-1652). Aderendo alle tradizioni del Caravaggio italiano, le sviluppa in modo del tutto originale ed è uno dei più brillanti artisti nazionali della Spagna. Il posto principale nella sua eredità è occupato da dipinti raffiguranti le esecuzioni di asceti e santi cristiani. L'artista scolpisce abilmente corpi umani che sporgono dall'oscurità. Tipicamente, Ribeira conferisce ai suoi martiri le caratteristiche delle persone del popolo. Francisco Zurbaran (1598-1664) fu il maestro di grandi composizioni su temi religiosi, combinando estasi orante e realismo piuttosto freddo in un tutt'uno.

Diego Velazquez

Il più grande artista spagnolo Diego de Silva Velasquez (1599-1960) rimase il pittore di corte di Filippo IV fino alla fine della sua vita. A differenza di altri artisti spagnoli, Velasquez era lontano dalla pittura religiosa, dipingeva dipinti di genere e ritratti. I suoi primi lavori sono scene di vita popolare. Le scene mitologiche del Bacco di Velàzquez (1628) e della Fucina di Vulcano (1630) sono in qualche modo legate a questo genere. Nel dipinto "Bacchus" (altrimenti - "Drunkens"), il dio del vino e dell'uva sembra un contadino ed è circondato da contadini maleducati, uno dei quali incorona di fiori. In The Forge of Vulcan, Apollo appare tra fabbri seminudi che hanno lasciato il loro lavoro e lo guardano stupiti. Velasquez ha raggiunto una straordinaria naturalezza nel rappresentare tipi e scene popolari.

La prova della piena maturità dell'artista fu il suo famoso dipinto "La cattura di Breda" (1634-1635) - una festosa scena militare con una composizione profondamente ponderata e una sottile interpretazione psicologica dei volti. Velázquez è uno dei più grandi ritrattisti del mondo. Il suo lavoro è segnato da un'analisi psicologica veritiera, spesso spietata. Tra le sue opere migliori c'è il ritratto del famoso favorito del re spagnolo: il duca di Olivares (1638-1641), papa Innocenzo X (1650), ecc. Nei ritratti di Velazquez, i membri della casa reale sono presentati in posa pieno di importanza, solennità e grandiosità. Ma l'ostentata grandezza non può nascondere il fatto che queste persone sono segnate dal marchio della degenerazione.

Un gruppo speciale di ritratti di Velazquez sono immagini di giullari e mostri. L'interesse per tali personaggi è tipico degli artisti spagnoli di quest'epoca. Ma Velasquez sa dimostrare che la bruttezza appartiene all'umanità così come la bellezza. Il dolore e la profonda umanità brillano spesso negli occhi dei suoi nani e giullari.

Un posto speciale nell'opera di Velasquez è occupato dal dipinto "Spinners" (1657), raffigurante la manifattura reale per la fabbricazione di arazzi. In primo piano le lavoratrici; filano la lana, filano, portano ceste. Le loro pose si distinguono per la facilità libera, i movimenti sono forti e belli. A questo gruppo si contrappongono eleganti signore che esaminano la manifattura, molto simili a quelle tessute sugli arazzi. La luce del sole, penetrando nella stanza di lavoro, lascia la sua impronta allegra su tutto, porta poesia a questo quadro della quotidianità.

La pittura di Velasquez trasmette il movimento della forma, la luce e la trasparenza dell'aria con pennellate colorate libere.

Il più importante degli studenti di Velázquez fu Bartolome Esteban Murillo (1617-1682). I suoi primi lavori raffigurano scene con ragazzi di strada che si stabiliscono liberamente e con naturalezza in una strada sporca della città, sentendosi dei veri gentiluomini nei loro stracci. La pittura religiosa del Murillo è segnata da tratti di sentimentalismo e testimonia l'inizio del declino della grande scuola spagnola.

Rinascimento (Rinascimento). Italia. secoli XV-XVI. primo capitalismo. Il paese è governato da ricchi banchieri. Sono interessati all'arte e alla scienza.

I ricchi e i potenti raccolgono attorno a sé i talentuosi e i saggi. Poeti, filosofi, pittori e scultori dialogano quotidianamente con i loro mecenati. Ad un certo punto, sembrava che il popolo fosse governato dai saggi, come voleva Platone.

Ricorda gli antichi romani e greci. Hanno anche costruito una società di liberi cittadini, dove il valore principale è una persona (senza contare gli schiavi, ovviamente).

Il Rinascimento non è solo una copia dell'arte delle antiche civiltà. Questa è una miscela. Mitologia e cristianesimo. Realismo della natura e sincerità delle immagini. Bellezza fisica e spirituale.

È stato solo un lampo. Il periodo dell'Alto Rinascimento è di circa 30 anni! Dal 1490 al 1527 Dall'inizio della fioritura della creatività di Leonardo. Prima del sacco di Roma.

Il miraggio di un mondo ideale svanì rapidamente. L'Italia era troppo fragile. Fu presto ridotta in schiavitù da un altro dittatore.

Tuttavia, questi 30 anni hanno determinato le caratteristiche principali della pittura europea per i 500 anni a venire! Fino a .

Realismo dell'immagine. Antropocentrismo (quando il centro del mondo è l'Uomo). Prospettiva lineare. Dipinti ad olio. Ritratto. Scenario…

Incredibilmente, in questi 30 anni, diversi brillanti maestri hanno lavorato contemporaneamente. Altre volte nascono uno ogni 1000 anni.

Leonardo, Michelangelo, Raffaello e Tiziano sono i titani del Rinascimento. Ma è impossibile non citare i loro due predecessori: Giotto e Masaccio. Senza il quale non ci sarebbe Rinascimento.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Ucello. Giotto da Bondogni. Frammento del dipinto “Cinque Maestri del Rinascimento fiorentino”. Inizio del XVI secolo. .

XIV secolo. Protorinascimento. Il suo protagonista è Giotto. Questo è un maestro che da solo ha rivoluzionato l'arte. 200 anni prima del Rinascimento. Se non fosse stato per lui, l'era di cui l'umanità è così orgogliosa difficilmente sarebbe arrivata.

Prima di Giotto c'erano le icone e gli affreschi. Sono stati creati secondo i canoni bizantini. Facce invece di facce. figure piatte. Disallineamento proporzionale. Invece di un paesaggio, uno sfondo dorato. Come, ad esempio, su questa icona.

Guido da Siena. Adorazione dei Magi. 1275-1280 Altenburg, Museo Lindenau, Germania.

E all'improvviso compaiono gli affreschi di Giotto. Hanno grandi figure. Volti di persone nobili. Vecchi e giovani. Triste. Triste. Sorpreso. Diverso.

Affreschi di Giotto nella Chiesa degli Scrovegni a Padova (1302-1305). A sinistra: Compianto di Cristo. Al centro: Bacio di Giuda (particolare). A destra: Annunciazione di Sant'Anna (madre di Maria), frammento.

La creazione principale di Giotto è un ciclo dei suoi affreschi nella Cappella degli Scrovegni a Padova. Quando questa chiesa è stata aperta ai parrocchiani, vi si sono riversate folle di persone. Non l'hanno mai visto.

Dopotutto, Giotto ha fatto qualcosa di senza precedenti. Ha tradotto le storie bibliche in un linguaggio semplice e comprensibile. E sono diventati molto più accessibili alla gente comune.

Giotto. Adorazione dei Magi. 1303-1305 Affresco nella Cappella degli Scrovegni a Padova, Italia.

Questo è ciò che sarà caratteristico di molti maestri del Rinascimento. Laconismo delle immagini. Emozioni vive dei personaggi. Realismo.

Maggiori informazioni sugli affreschi del maestro nell'articolo.

Giotto era ammirato. Ma la sua innovazione non è stata ulteriormente sviluppata. La moda del gotico internazionale arriva in Italia.

Solo dopo 100 anni apparirà un degno successore di Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoritratto (frammento dell'affresco “San Pietro sul pulpito”). 1425-1427 La Cappella Brancacci in Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Inizio del XV secolo. Il cosiddetto Primo Rinascimento. Un altro innovatore entra in scena.

Masaccio è stato il primo artista a utilizzare la prospettiva lineare. È stato progettato dal suo amico, l'architetto Brunelleschi. Ora il mondo raffigurato è diventato simile a quello reale. L'architettura giocattolo appartiene al passato.

Masaccio. San Pietro guarisce con la sua ombra. 1425-1427 La Cappella Brancacci in Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Ha adottato il realismo di Giotto. Tuttavia, a differenza del suo predecessore, conosceva già bene l'anatomia.

Invece di personaggi a blocchi, Giotto è persone ben costruite. Proprio come gli antichi greci.

Masaccio. Battesimo dei neofiti. 1426-1427 Cappella Brancacci, Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze, Italia.

Masaccio. Esilio dal paradiso. 1426-1427 Affresco nella Cappella Brancacci, Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Masaccio ebbe vita breve. È morto, come suo padre, inaspettatamente. A 27 anni.

Tuttavia, aveva molti seguaci. Maestri delle generazioni successive si recarono alla Cappella Brancacci per imparare dai suoi affreschi.

Così l'innovazione di Masaccio fu ripresa da tutti i grandi artisti dell'Alto Rinascimento.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo Da Vinci. Auto ritratto. 1512 Biblioteca Reale di Torino, Italia.

Leonardo da Vinci è uno dei titani del Rinascimento. Ha fortemente influenzato lo sviluppo della pittura.

Fu da Vinci a innalzare lo status dell'artista stesso. Grazie a lui, i rappresentanti di questa professione non sono più solo artigiani. Questi sono i creatori e gli aristocratici dello spirito.

Leonardo ha fatto una svolta principalmente nella ritrattistica.

Credeva che nulla dovesse distrarre dall'immagine principale. L'occhio non dovrebbe vagare da un dettaglio all'altro. È così che sono apparsi i suoi famosi ritratti. Conciso. Armonioso.

Leonardo Da Vinci. Dama con l'ermellino. 1489-1490 Museo Chertoryski, Cracovia.

La principale innovazione di Leonardo è che ha trovato un modo per rendere le immagini ... vive.

Davanti a lui, i personaggi dei ritratti sembravano manichini. Le linee erano chiare. Tutti i dettagli sono accuratamente disegnati. Un disegno dipinto non potrebbe essere vivo.

Leonardo ha inventato il metodo dello sfumato. Ha offuscato le linee. Ha reso il passaggio dalla luce all'ombra molto morbido. I suoi personaggi sembrano essere coperti da una foschia appena percettibile. I personaggi hanno preso vita.

. 1503-1519 Louvre, Parigi.

Sfumato entrerà nel vocabolario attivo di tutti i grandi artisti del futuro.

Spesso si ritiene che Leonardo, ovviamente, sia un genio, ma non abbia saputo portare a termine nulla. E spesso non finiva di dipingere. E molti dei suoi progetti sono rimasti sulla carta (a proposito, in 24 volumi). In generale, è stato gettato nella medicina, poi nella musica. Anche l'arte di servire un tempo era appassionata.

Tuttavia, pensa a te stesso. 19 dipinti - ed è il più grande artista di tutti i tempi e di tutti i popoli. E qualcuno non è nemmeno vicino alla grandezza, mentre scrive 6.000 tele in una vita. Ovviamente, chi ha una maggiore efficienza.

Leggi il dipinto più famoso del maestro nell'articolo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (particolare). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo si considerava uno scultore. Ma era un maestro universale. Come gli altri suoi colleghi del Rinascimento. Pertanto, il suo patrimonio pittorico non è meno grandioso.

È riconoscibile principalmente da personaggi fisicamente sviluppati. Ha raffigurato un uomo perfetto in cui la bellezza fisica significa bellezza spirituale.

Pertanto, tutti i suoi personaggi sono così muscolosi, resistenti. Anche donne e anziani.

Michelangelo. Frammenti dell'affresco del Giudizio Universale nella Cappella Sistina, Vaticano.

Spesso Michelangelo dipingeva il personaggio nudo. E poi ho aggiunto i vestiti sopra. Per rendere il corpo il più goffrato possibile.

Dipinse da solo il soffitto della Cappella Sistina. Anche se si tratta di poche centinaia di cifre! Non ha nemmeno permesso a nessuno di strofinare la vernice. Sì, era poco socievole. Aveva un carattere duro e litigioso. Ma soprattutto era insoddisfatto di... se stesso.

Michelangelo. Frammento dell'affresco "Creazione di Adamo". 1511 Cappella Sistina, Vaticano.

Michelangelo ha vissuto una lunga vita. Sopravvissuto al declino del Rinascimento. Per lui è stata una tragedia personale. Le sue opere successive sono piene di tristezza e dolore.

In generale, il percorso creativo di Michelangelo è unico. I suoi primi lavori sono la lode dell'eroe umano. Libero e coraggioso. Nelle migliori tradizioni dell'antica Grecia. Come il suo Davide.

Negli ultimi anni di vita, queste sono immagini tragiche. Una pietra volutamente sbozzata. Come se davanti a noi ci fossero monumenti alle vittime del fascismo del XX secolo. Guarda la sua "Pietà".

Sculture di Michelangelo all'Accademia di Belle Arti di Firenze. A sinistra: Davide. 1504 A destra: Pietà di Palestrina. 1555

Com'è possibile? Un artista ha attraversato tutte le fasi dell'arte dal Rinascimento al XX secolo in una vita. Cosa faranno le prossime generazioni? Seguire la propria strada. Sapendo che l'asticella è stata posta molto in alto.

5. Raffaello (1483-1520)

. 1506 Galleria degli Uffizi, Firenze, Italia.

Raffaello non è mai stato dimenticato. Il suo genio è stato sempre riconosciuto: sia durante la vita che dopo la morte.

I suoi personaggi sono dotati di una bellezza sensuale e lirica. È lui che è giustamente considerato la più bella immagine femminile mai creata. La bellezza esteriore riflette la bellezza spirituale delle eroine. La loro mansuetudine. Il loro sacrificio.

Raffaello. . 1513 Galleria dei Maestri Antichi, Dresda, Germania.

Le famose parole "La bellezza salverà il mondo" ha detto proprio Fyodor Dostoevskij. Era la sua foto preferita.

Tuttavia, le immagini sensuali non sono l'unico punto di forza di Raffaello. Ha pensato molto attentamente alla composizione dei suoi dipinti. Era un architetto insuperabile nella pittura. Inoltre, ha sempre trovato la soluzione più semplice e armoniosa nell'organizzazione dello spazio. Sembra che non possa essere diversamente.

Raffaello. Scuola di Atene. 1509-1511 Affresco nelle sale del Palazzo Apostolico, Vaticano.

Rafael ha vissuto solo 37 anni. È morto improvvisamente. Da raffreddori catturati ed errori medici. Ma la sua eredità non può essere sopravvalutata. Molti artisti hanno idolatrato questo maestro. E hanno moltiplicato le sue immagini sensuali in migliaia di loro tele..

Tiziano era un colorista insuperabile. Ha anche sperimentato molto con la composizione. In generale, era un audace innovatore.

Per una tale brillantezza di talento, tutti lo amavano. Chiamato "il re dei pittori e il pittore dei re".

A proposito di Tiziano, voglio mettere un punto esclamativo dopo ogni frase. Dopotutto, è stato lui a portare la dinamica alla pittura. Pathos. Entusiasmo. Colore brillante. Brillare di colori.

Tiziano. Ascensione di Maria. 1515-1518 Chiesa di Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venezia.

Verso la fine della sua vita, ha sviluppato una tecnica di scrittura insolita. I colpi sono veloci e spessi. La vernice è stata applicata con un pennello o con le dita. Da questo - le immagini sono ancora più vive, respirano. E le trame sono ancora più dinamiche e drammatiche.

Tiziano. Tarquinio e Lucrezia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, Inghilterra.

Questo non ti ricorda niente? Certo, è una tecnica. E la tecnica degli artisti del XIX secolo: Barbizon e. Tiziano, come Michelangelo, attraverserà 500 anni di pittura in una vita. Ecco perché è un genio.

Leggi il famoso capolavoro del maestro nell'articolo.

Gli artisti del Rinascimento sono i proprietari di una grande conoscenza. Per lasciare una tale eredità, è stato necessario studiare molto. Nel campo della storia, dell'astrologia, della fisica e così via.

Pertanto, ciascuna delle loro immagini ci fa pensare. Perché viene mostrato? Qual è il messaggio crittografato qui?

Non sbagliano quasi mai. Perché hanno pensato a fondo al loro lavoro futuro. Hanno usato tutto il bagaglio della loro conoscenza.

Erano più che artisti. Erano filosofi. Ci hanno spiegato il mondo attraverso la pittura.

Ecco perché saranno sempre profondamente interessanti per noi.