Chardin Jean Baptiste foto e biografia. Chardin, Jean Baptiste Simeon Tecnica pittorica e nuovi soggetti

Jean-Baptiste Lamarck (1744-1829) naturalista, introdusse il termine "biologia" In tutto ciò su cui la natura lavora, non fa nulla

Pierre Teilhard de Chardin (1881-1955), filosofo, teologo Volente o nolente, l'uomo torna in sé e in tutto ciò che vede, considera se stesso Non c'è futuro per l'uomo, atteso come risultato dell'evoluzione, al di fuori della sua unione con altre persone Conosciamo noi stessi e

Teilhard de Chardin Pierre (1881-1955) - Naturalista francese, membro dell'ordine dei Gesuiti (1899), sacerdote (dal 1911), pensatore e mistico. Discendente di Voltaire, prozio della madre di T. L'autore del concetto di "evoluzionismo cristiano". Professore del Dipartimento di Geologia

Jean Baptiste Simeon Chardin - grande artista francese del XVIII secolo. Divenne famoso come un maestro insuperabile della natura morta e della pittura di genere. L'opera di Chardin ha avuto una grande influenza sulla fioritura del realismo nel XVIII secolo.

Il pittore francese Jean Baptiste Simeon Chardin nacque nel 1699. Ha vissuto tutta la sua vita a Parigi, nel quartiere di Saint-Germain-des-Pres. I maestri dell'artista furono Pierre Jacques Kaz (1676-1754) e Noel Nicolas Coypel (1690-1734). Divenne famoso dopo la "Mostra delle debuttanti" nel 1728, dove presentò molti dei suoi dipinti. Successivamente fu ammesso all'Accademia come "pittore di fiori, frutti e scene di genere". I contemporanei dell'artista, così come gli intenditori di pittura negli anni successivi, hanno sempre ammirato la capacità di Chardin di vedere l'essenza degli oggetti e trasmettere l'intera gamma di colori e sfumature. Questa caratteristica dell'artista gli ha permesso di creare tele insolitamente realistiche e profonde. I suoi dipinti sono caratterizzati da sottigliezza emotiva, elaborazione dei dettagli, chiarezza dell'immagine, armonia e ricchezza di colori. I personaggi principali dei suoi ritratti sono persone comuni del terzo stato, impegnate nelle faccende quotidiane.

Nel 1728, Jean-Baptiste Siméon Chardin fu ammesso all'Accademia delle arti di Parigi. Dal 1737 partecipò regolarmente ai Salons di Parigi. Nel 1743 divenne consigliere dell'Accademia delle Arti e nel 1750 tesoriere dell'Accademia. Dal 1765 fu membro dell'Accademia delle scienze, della letteratura e delle belle arti di Rouen. Il grande artista francese morì il 6 dicembre 1779. Dopo se stesso, Jean Baptiste Simeon Chardin ha lasciato una ricca eredità. I suoi dipinti sono nei principali musei di tutto il mondo, anche a San Pietroburgo.

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Dipinti di Jean Baptiste Siméon Chardin con titoli

auto ritratto

Attributi d'arte e premi che corrispondono a loro

Buffet

Governante

Ragazza che pulisce le verdure

Ragazza con racchetta e volano

Canarino

Castello di carte II

Ragazzo del sesso in cantina

Preghiera prima di cena

Bolla

Natura morta con attributi delle arti

Natura morta con uva e melograni

Natura morta con selvaggina e cane da caccia

Lavandaia

venditore ambulante

Servo premuroso

Disegnatore

Zuppiera d'argento

calice d'argento

madre laboriosa

Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - Pittore francese, uno degli artisti più famosi del XVIII secolo e uno dei migliori coloristi della storia della pittura, famoso per il suo lavoro nel campo della natura morta e della pittura di genere.

Biografia di Jean Baptiste Siméon Chardin

Allievo di Pierre-Jacques Caza e Noel Coypel, Chardin è nato e ha trascorso tutta la sua vita nel quartiere parigino di Saint-Germain-des-Prés. Non ci sono prove che abbia mai viaggiato fuori dalla capitale francese. Aiutando Kuapel a realizzare accessori nei suoi quadri, acquisì una straordinaria arte di raffigurare oggetti inanimati di ogni genere e decise di dedicarsi esclusivamente alla loro riproduzione.

Creatività Chardin

Divenne presto noto al pubblico parigino come un eccellente maestro della natura morta. Ciò è stato in gran parte dovuto alla "mostra delle debuttanti" di Parigi, che si è svolta in Place Dauphine. Così, nel 1728, vi presentò diverse tele, tra cui la natura morta "Scat". Il dipinto colpì così tanto Nicolas de Largillière, membro onorario dell'Accademia francese di pittura e scultura, che invitò il giovane artista ad esporre le sue opere tra le mura dell'accademia.

Successivamente, il pittore insistette affinché Chardin gareggiasse per un posto all'Accademia. Già a settembre la sua candidatura è stata accettata ed è stato indicato come "una rappresentazione di fiori, frutti e scene di genere".

Padroneggiando perfettamente la conoscenza delle relazioni cromatiche, Chardin ha sentito sottilmente l'interconnessione degli oggetti e l'originalità della loro struttura.

Diderot ammirava l'abilità con cui l'artista ti fa sentire il movimento dei succhi sotto la buccia del frutto. Nel colore dell'oggetto, Chardin ha visto molte sfumature e le ha trasmesse con piccoli tratti. Il suo colore bianco è tessuto da sfumature simili. I toni grigi e marroni posseduti da Chardin sono insolitamente numerosi. Penetrando nella tela, i raggi di luce conferiscono chiarezza e chiarezza al soggetto.

I dipinti della pittura di genere, distinti per la loro ingenua semplicità di contenuto, la forza e l'armonia dei colori, la morbidezza e la ricchezza del pennello, ancor più delle opere precedenti di Chardin, lo hanno messo in primo piano rispetto a numerosi artisti contemporanei e rafforzato uno dei suoi posti di rilievo nella storia della pittura francese. Nel 1728 fu assegnato all'Accademia delle Arti di Parigi, nel 1743 ne fu eletto consigliere, nel 1750 ne assunse la carica di tesoriere; inoltre, dal 1765 fu membro dell'Accademia delle scienze, della letteratura e delle belle arti di Rouen.

In opere di diversi anni e di diversi generi, come Lavandaia (1737), Vaso di olive (1760) o Attributi delle arti (1766), Chardin rimane sempre un eccellente disegnatore e colorista, un artista di una "vita tranquilla", un vita quotidiana del poeta; il suo sguardo e il suo sguardo tenero spiritualizzano gli oggetti più banali.

Negli ultimi anni della sua vita, Chardin si dedicò ai pastelli e creò diversi magnifici ritratti (autoritratto, 1775), in cui mostrava la sua intrinseca sottigliezza emotiva, ma anche la capacità di analisi psicologica.

Gli enciclopedisti hanno fatto molto per diffondere la fama di Chardin, che contrapponeva la sua arte "borghese" agli artisti di corte "strappati al popolo" - maestri di vignette erotiche e pastorali nello spirito del rococò.

Diderot ha paragonato la sua abilità alla stregoneria:

“Oh, Chardin, non sono le vernici bianche, rosse e nere che macini sulla tavolozza, ma l'essenza stessa degli oggetti; prendi aria e luce dalla punta del pennello e le adagi sulla tela!”

Il lavoro dell'artista

• La signora Chardin
• Cuocere le rape pulite
• Lavandaie
• blocco della carta
• Preghiera prima di cena
• ragazza che legge una lettera
• Attributi artistici
• Natura morta con tacchino
• Natura morta con frutta
• Natura morta
• Serbatoio dell'acqua in rame
• madre laboriosa

A capo di Chardin, una galassia di maestri entrò nell'arte del XVIII secolo, opponendosi a una storia sincera e semplice sulla natura della pittura rococò cerimoniale di corte. Chardin non fu solo il creatore delle nature morte e delle scene quotidiane che lo glorificarono, ma anche uno dei fondatori del nuovo concetto di ritratto nella pittura europea dell'Illuminismo. Fu uno dei primi artisti francesi a rivolgersi al tipo di genere del ritratto, che fu una tappa importante nello sviluppo della pittura del XVIII secolo, proprio come il genere quotidiano realistico.

Le opere di Chardin, che sono l'orgoglio dei musei europei e americani, affascinano per la speciale semplicità naturale della natura, il calore e l'umanità con cui viene trasmessa dall'artista. Le parole di Chardin, dette a un suo contemporaneo: “Chi ti ha detto che dipingono con i colori? Usano i colori, ma scrivono con sentimento”, rivelano la sua profonda comprensione emotiva dell'immagine (persona o oggetto). Grazie a ciò, lo spettatore viene attratto dall'artista nella sfera della visione della natura, ispirato dai suoi sentimenti. Come nessun altro, Chardin è stato in grado di esprimere l'accresciuta sensibilità dell'età dei Lumi nella capacità di trovare sottigliezze nelle cose più generali. Era un maestro del suo tempo, il cui motto erano le parole di Denis Diderot che si dovrebbe "guardare nella realtà e non cercare di decorarla".

Il padre dell'artista era un maestro falegname e Chardin è cresciuto in un ambiente semi-artigiano e semi-artistico. Mentre studiava negli studi di famosi pittori (dove, forse, era solo un assistente), P.Zh. Casa, N.N. Kuapel, J.B. Vanloo Chardin è stato notato e invitato a partecipare al restauro dei murales del Palazzo Reale di Fontainebleau sotto la direzione di Vanloo. Quasi contemporaneamente, dipinse un cartello commissionato da un chirurgo parigino, che raffigurava una folla di curiosi in piedi intorno al ferito. La scena di genere con il suo divertimento ha attirato il pubblico che l'ha vista alla mostra. Furono notate anche le due prime nature morte di Chardin, Skate e Buffet (entrambe del 1728, Parigi, Louvre), per le quali fu accettato come membro della Royal Academy of Arts di Parigi nel 1728. In entrambi i dipinti, la bellezza delle cose semplici è trasmessa poeticamente: pesci e utensili da cucina argentati su uno sfondo verdastro e piatti di vetro scuro in piedi su una tovaglia bianca circondati da frutti sparsi. Un elemento di intrattenimento è introdotto da un gatto che insegue il pesce e un cane che abbaia a tavola con i piatti, come nei dipinti dei maestri fiamminghi e olandesi. Tuttavia, a differenza delle nature morte barocche di questi artisti del nord, la natura di Chardin non sembra così impressionante e disposta in modo vantaggioso. Naturalmente, l'artista ha pensato profondamente a ogni sfumatura della sua disposizione, e ogni natura morta di Chardin ti fa sentire il suo dono speciale nel senso dell'obiettività del mondo.

L'artista ha trascorso tutta la sua vita a Parigi, senza partire da nessuna parte. Nel 1724 ricevette il titolo onorifico di membro dell'Accademia Romana di San Luca. A quel tempo era già conosciuto come un maestro della natura morta. Nel 1731 Chardin sposò Françoise Marguerite Saintard e nello stesso anno nacque suo figlio. Viveva a Parigi, preferendo ritrarre persone della sua cerchia, non amava creare opere su ordini ufficiali, sebbene Federico II, Caterina II, Gustavo III e molti rappresentanti della brillante aristocrazia europea cercassero di avere le sue opere. Dagli anni Trenta del Settecento, Chardin si dedicò alla pittura di scene quotidiane e ritratti di genere, realizzando molte delle sue migliori tele nel periodo 1730-1740: Ritorno dal mercato (1739, Parigi, Louvre), La governante (1738, Ottawa, National Gallery), "The Cook (Woman Peeling Vegetables)" (1738, Washington, National Gallery of Art), "Hardworking Mother", "Prayer Before Dinner" (entrambi - 1740, Parigi, Louvre). Chardin andava sempre da loro dall'immagine di un motivo di vita reale, dandogli significato, conducendo una piacevole storia su un evento quotidiano, su oggetti legati all'ambiente di una persona. L'interesse dell'artista per le opere dei maestri olandesi del XVII secolo era naturale nella ricerca di un'interpretazione viva e naturale della natura. Chardin ripeteva spesso queste scene raffiguranti madri che allevano i figli o fanno i lavori domestici, quindi molti musei e collezioni private hanno versioni di questi dipinti. Nel dare veridicità alle scene, grande è il ruolo degli interni. Il pennello del maestro della natura morta ha dipinto verdure, piatti sulla tavola, oggetti sparsi nel corridoio. Raccontano il modo di vivere dei comuni cittadini, persone del terzo stato, a cui apparteneva l'artista stesso. In contrasto con i colori brillanti e luminosi dei pittori di genere olandesi, i colori marrone, verde, blu e bianco che prevalgono nelle tele di Chardin aggiungono una colorazione discreta.

Una seria concentrazione nel fare qualcosa (leggere, giocare a carte o andare a scuola, soffiare bolle di sapone, disegnare, scrivere una lettera) è anche chiamata a sottolineare gli oggetti che circondano il modello nei ritratti di genere ("House of Cards", 1741, "Young Insegnante", 1740 circa, entrambi - Washington, National Gallery of Art; "Ragazzo con trottola" (1738, Parigi, Louvre), Chardin amava particolarmente raffigurare bambini, nelle cui immagini era attratto dalla vivacità interiore e dalla spontaneità. I suoi modelli frequenti erano i figli del gioielliere Godefroy - Jr Auguste-Gabriel, catturato nel dipinto "Ragazzo con trottola", e Charles di dieci anni ("Ritratto di Charles Godefroy", 1738, Parigi, Louvre). Chardin non è affascinato dalla rivelazione di un'espressione fugace di sentimenti o dalla complessità psicologica dell'immagine di un bambino, ma da una storia su una persona nel suo ambiente... E ogni ritratto di bambino creato dall'artista è, per così dire, un frammento di una scena quotidiana. Tutto ciò conferisce alle immagini dei bambini di Chardin un grande fascino lirico.

Dal 1737 l'artista diventa un assiduo frequentatore dei salotti parigini, riaperti dopo una lunga pausa. Mercanti e critici amano le sue opere, sono spesso riprodotte in incisione da famosi maestri. Diderot, notando l'originalità del suo lavoro, scrive con entusiasmo: "Chardin è un artista intelligente che sa perfettamente parlare della sua arte"; "Ecco chi sa creare armonia di colori e chiaroscuri!" - esclama con ammirazione per il colore di Chardin.

L'abilità pittorica dell'artista migliora nel corso degli anni. Il suono tonale melodico unificato dei fiori in capolavori di Chardin come "Natura morta con pipa" (1737, Parigi, Louvre) o "Cut Melon" (1760, Parigi, collezione privata) colpisce per la sua morbidezza e varietà. Compone le sue composizioni calme ed equilibrate in nature morte da oggetti da cucina, selvaggina morta, frutta, strumenti musicali, attributi di pittura, scultura, architettura e scienza. La selezione degli oggetti in ogni tela è determinata da compiti coloristici, ma oltre a questo, porta sempre un profondo significato interiore, poetizzando ugualmente il mondo delle semplici attività quotidiane, come le nature morte di "cucina", o dando alle cose un suono allegorico, nel loro storia sulle inclinazioni intellettuali di una persona secolo dell'Illuminismo (Attributi della scienza, 1731, Parigi, Museo Jacquemart-André). La bellezza delle forme aggraziate di ogni oggetto è enfatizzata nella tela con una squisita selezione di cose Natura morta con pipa. Una tabacchiera aperta con appoggiata una pipa, una brocca di terracotta bianca e una tazza che assorbiva molti riflessi di colore raccontano la moda e la vita dell'epoca in cui fumare tabacco d'oltremare era un'usanza nei paesi europei.

Gli ideali dell'era del pensiero illuminista sono stati espressi dall'artista in tele sul tema “Natura morta con attributi d'arte”, le cui varianti appartengono al Louvre, al Museo Jacquemart-André, all'Ermitage, al Museo Statale di Belle Arti . COME. Pushkin. La tela dell'Ermitage (1766) fu eseguita da Chardin su ordine di Caterina II per l'Accademia delle Arti, ma rimase negli appartamenti dell'Imperatrice. L'espressività emotiva del colore della natura morta è stata notata da Diderot, che ha scritto: “Che rosario le messe! Come una cosa si riflette in un'altra! Non sai in cosa risieda esattamente il fascino, perché è versato ovunque ... "Con un ritmo chiaro, l'artista ha disposto i suoi oggetti: una figura di Mercurio, una cartella con disegni, una scatola per colori e una tavolozza, rotoli di disegni e una preparazione, libri. Su una calda tonalità rosso-marrone, la pittura di fondo è dipinta in rilievo con tratti densi di tutti questi oggetti, illuminati da una luce soffusa. La selezione degli oggetti, tra cui la croce dell'ordine di San Michele sul nastro e la medaglia come simbolo del meritorio lavoro dell'artista, come in tutte le allegorie dell'Illuminismo, racconta senza complessità la professione dell'artista, la sua speciale nuova libertà status che gli è stato concesso dal tempo.

L'ultimo decennio del lavoro dell'artista è stato oscurato dalle sue dimissioni dall'Accademia, vista indebolita e minore attenzione da parte del pubblico. Tuttavia, le opere create durante questo periodo divennero opere eccezionali della pittura francese del XVIII secolo. Chardin si rivolge al pastello, creando veri e propri capolavori con questa tecnica: Autoritratto con visiera verde (1775, Parigi, Louvre) e Ritratto di moglie (1776, Chicago, Art Institute). Diderot parla anche con ammirazione del suo "Autoritratto" a pastello del 1771 (Parigi, Louvre) e, volendo sostenere l'artista invecchiato, scrive delle cose mostrate nel Salon del 1771: "Tutti la stessa mano sicura e gli stessi occhi , abituato a vedere la natura". I ritratti successivi segnarono una nuova tappa non solo nella sua arte, ma anche nella ritrattistica europea del XVIII secolo. I motivi di genere sono ora esclusi dall'artista. Si rivolge a una nuova forma di ritratto da camera, sostituendo la narrativa lirica su un uomo del terzo stato con una generalizzazione più profonda. Nell'immagine di Marguerite, la moglie dell'artista, si rivela il carattere di una donna la cui vita è stata trascorsa nell'ansia e nella preoccupazione per i suoi vicini. Una vestaglia di raso e un berretto goffo non sminuiscono l'aspetto nobile di una bella donna in passato.

L'artista si è presentato anche in abiti da casa in Autoritratto con visiera verde. Una benda sulla testa, su cui è attaccata una visiera, e un fazzoletto legato con un nodo sciolto, sono gli attributi di abiti professionali vecchi e comodi. Anche uno sguardo calmo e perspicace da sotto la visiera è una caratteristica della professione. Le possibilità di caratterizzazione intima furono sfruttate al massimo nei successivi ritratti di Chardin, che anticiparono future scoperte nelle opere di grandi maestri come O. Fragonard e J.L. Davide.

Elena Fedotova

Il XVIII secolo è il periodo della brillante fioritura della cultura francese. La Francia pre-rivoluzionaria era per l'intera Europa un innegabile trendsetter di mode e gusti, hobby letterari e filosofici, stile di vita. Tutto questo fu spazzato via dalla rivoluzione del 1789. A quei tempi c'era un detto: chi non viveva in Francia prima della rivoluzione, non sa cosa sia la vita reale. Si intendevano tutti i tipi di piaceri: estetici e altri, che raggiunsero una raffinatezza speciale nel periodo pre-rivoluzionario.

L'alto livello professionale dell'arte veniva dimostrato ogni anno in mostre chiamate Salons, per le quali le opere venivano selezionate da una severa giuria accademica. La stravagante decorazione d'interni si sviluppò nello stile rococò, che abbracciava vari tipi e generi di belle arti e arti applicate incluse nell'insieme della decorazione d'interni. In questa diversità e brillantezza, non è difficile perdersi anche per un eccezionale maestro di composizioni accademiche. Ma Chardin, che non ha mai dipinto quadri storici, ritratti formali o scene galanti rocaille, limitandosi ai generi "più bassi" - nature morte e vita quotidiana, non solo non si è perso, ma si è rivelato più alto e più significativo di tutti questo brillante orpello di accademismo rococò e da salotto, divenne la figura centrale della pittura francese del XVIII secolo e uno dei più importanti artisti dell'Europa occidentale.

Chardin proveniva da un ambiente artigiano parigino, suo padre era un artigiano specializzato nella realizzazione di tavoli da biliardo. Questo ambiente era caratterizzato da rigorosa morale e diligenza, il marito si alzava presto e dalla mattina alla sera preparava prodotti su ordinazione o in vendita, ottenendo la massima qualità, e la moglie si occupava della casa. Vivevano piacevolmente, nell'austerità, economicamente e sobriamente, sensibilmente e laboriosamente, e tutta la loro vita era colorata dall'amore per il focolare, i propri cari, le tradizioni familiari, l'alto pathos della dignità umana, che si manifesta nell'umiltà e nel pio lavoro non meno che nei duelli aristocratici e nelle imprese militari.

Questo modo dell'ambiente artigianale diventerà sia il soggetto dell'immagine di Chardin sia lo spirito che alimenta il suo lavoro e ha plasmato il suo stile sorprendente. Il padre dell'artista si stava facendo a pezzi, levigando diligentemente la superficie del tavolo da biliardo, la minima irregolarità su cui lo trasformava in un tavolo da cucina economico che non valeva i materiali spesi. Con la stessa perseveranza e lo stesso zelo significativo, Chardin ha studiato attentamente i suoi piccoli quadri dalla prima giovinezza fino alla sua morte in età avanzata. Li ha scritti per molto tempo, amorevolmente, diligentemente e con attenzione.

Essendo stato formato da pittori accademici, maestri della pittura storica di Vanloo e Kuapel, Chardin, tuttavia, si è astenuto dallo scrivere dipinti storici. Per tutta la vita si è lamentato di non avere un'istruzione adeguata, di non conoscere mitologia, storia e letteratura e quindi di non poter affrontare con competenza una trama storica. Pertanto, ha dipinto ciò che conosceva bene: gli oggetti che circondavano il commerciante parigino, gli interni accoglienti in cui viveva.

Le prime opere dell'artista furono nature morte, cucina e trofei di caccia (non senza l'influenza di Vanloo), in cui cercò di stare “in punta di piedi” nel genere inferiore della natura morta, conferendogli un carattere aristocratico di caccia, poi abbondantemente barocco, se si tratta di oggetti da cucina. Le sue prime tele ebbero successo in ambito professionale, e, dopo un breve soggiorno nella modesta Accademia minore di San Luca, il ventinovenne Chardin nel 1628 fu ammesso alla reale accademia delle arti nella specialità di " natura morta". All'Accademia, Chardin, da persona modesta, coscienziosa e benevola, mise radici e ne fu tesoriere permanente e presidente delle riunioni. Dalle sue dichiarazioni è stato preservato l'appello: "Più gentilezza, signori, più gentilezza", dicono, non c'è bisogno di criticarsi a vicenda, il mestiere dell'artista è molto difficile, uno raro di quelli che hanno studiato per decenni raggiunge successo, molti non sono mai diventati artisti, abbandonata è un'occupazione difficile, diventare soldati o attori; anche dietro un quadro mediocre ci sono decenni di studio e anni di minuzioso lavoro su questa tela. Con una tale dolcezza, Chardin non era, tuttavia, del tutto innocuo. All'esposizione del Salon, poteva appendere quadri di accademici in contrasto per mettere in risalto discretamente i loro difetti; ma nelle sue espressioni era estremamente cauto e benevolo.

Una menzione speciale va fatta al Salon. Questa è una rassegna annuale delle migliori opere create dai migliori artisti di Francia, per la quale le opere sono state selezionate con l'aiuto di una giuria competente. Tali mostre con una selezione capziosa e qualificata sono una condizione importante per lo sviluppo dell'arte: se solo i clienti giudicassero l'arte, allora l'arte non supererebbe mai ritratti simili, paesaggi zuccherini e dipinti d'altare ideologicamente coerenti. Mantenimento di un alto livello professionale e saloni serviti. Le opere selezionate dalla giuria, per quanto accademiche e "da saloon", avevano un vantaggio importante: erano opere magistrali e professionali. E un dilettante di talento potrebbe svilupparsi, avendo il livello di questi saloni come diapason per la sua attività. La produzione di "geni" richiede un ambiente di professionisti di forte mediocrità.

Diventando un accademico e ricevendo proficui ordini regolari, Chardin migliorò una volta per tutte i generi scelti. Dipinge nature morte, in cui, raggiungendo la perfezione pittorica, passa dalle prime composizioni polisillabiche a produzioni sempre più semplici e modeste di tre o cinque degli oggetti più comuni che passa dalla natura morta alla natura morta: un bicchiere, una bottiglia storta di vetro scuro, un mortaio di rame, una ciotola di argilla, a volte compare una brocca di porcellana; agli utensili aggiunge un grappolo d'uva e una melagrana spezzata, e più spesso una mela, una patata, una cipolla, un paio di uova, una mosca e uno scarafaggio, habitué degli interni delle cucine. Più semplice è la messa in scena degli oggetti più ordinari, più difficili diventano la pittura e la composizione. Una composizione non è una produzione, puoi indossare gli oggetti più lussuosi, le decorazioni architettoniche più complesse e le figure più belle e numerose in costumi vari e costosi, e la composizione di questa lussuosa produzione può rivelarsi primitiva, banale, noioso, e piuttosto non complicato, ma scoppiettante. Al contrario, con l'insieme di oggetti più modesto, la composizione, come la pittura, può essere la più complessa e perfetta. La composizione non è un arrangiamento, poiché questo termine latino è talvolta interpretato e tradotto in modo impreciso, ma "giustapposizione", cioè correlazione, stabilire collegamenti in un'opera tra i suoi elementi, raggiungere l'unità e l'armonia delle parti.

Ma non si può dire che gli oggetti semplici siano materia magra per un pittore. Puoi viaggiare in tutto il mondo o puoi viaggiare lungo la superficie di una mela; puoi guardare i mondi astronomici attraverso un telescopio, oppure puoi guardare una cellula vegetale attraverso un microscopio e in entrambi i casi fare scoperte, creare teorie scientifiche che sono in qualche modo significative. Così è nell'arte. Non il naturalismo raggiunge Chardin; sì, si sforza per l'illusione, scrutando in un serbatoio di rame sbilenco, ma si ottiene qualcosa di più: ricchezza pittoresca e plastica, si sviluppa un linguaggio pittorico perfetto. Molti pittori sono arrivati ​​​​al loro successo grazie a trame interessanti, e si può capire il loro lavoro solo rastrellando questi strati esterni, cercando un sottotesto crittografato. Chardin, invece, a causa della sua “ignoranza”, inizialmente rifiuta immediatamente e per sempre “trame interessanti”, e la pittura stessa rimane per lui la trama più interessante. Questo è uno dei pittori più "puri" nella storia dell'arte. Altri simili possono essere chiamati a meno che Cezanne.

“Chi ti ha detto che scrivono con i colori? Scrivono con sentimenti, ma usano solo colori! - una tale esclamazione di Chardin è nota. Non fidandosi del ragionamento sull'arte e sulle regole scolastiche, Chardin preferisce affidarsi all'intuizione, fidarsi dell'occhio intelligente dell'artista, entrare nel soggetto dell'immagine e scrivere quando tutte le forze dell'anima sono sulla punta del pennello. Chardin non ha formulato teorie, non ha cercato di esprimere a parole le caratteristiche del suo metodo creativo. Era soprattutto le teorie del suo tempo, le farneticazioni dei rubensisti e dei poussinisti. Ha capito quanto fosse difficile ottenere un degno risultato artistico e non ha perso tempo a parlare.

Lo stile di vita rigoroso e spirituale di abili artigiani, che è alla base sia della personalità che dell'arte di Chardin, è stato anche il soggetto delle sue immagini. Ha creato una serie di dipinti di genere costruiti allo stesso modo di una natura morta - scene di interni: un pasto, giochi per bambini, cucina, bucato, madre e figli. Chardin era felicemente sposato. Alla morte della prima moglie, dopo dieci anni di vedovanza, sposò un'anziana signora ricca che onorò il marito, lavoratore e persona degna, rispettato da tutti, e circondò la sua vecchiaia di cure e attenzioni. Chardin ha seguito rigorosamente lo stile di vita a cui aderivano suo padre, un falegname, suo nonno, un artigiano e tutta questa classe. Viveva comodamente, in abbondanza, senza brillantezza esteriore, a cui a volte aspiravano ricchi artisti alla moda, imitando i caratteri aristocratici dei loro ritratti.

Caratteristico è il nome di uno dei dipinti di genere di Chardin - "Preghiera prima di cena": una madre insegna ai bambini a ringraziare Dio prima di un pasto ea ricordare che l'uomo non vive di solo pane.

"Lavandaia" è uno dei capolavori di Chardin, l'artista è generalmente molto uniforme, in quasi tutte le opere ha raggiunto un alto risultato artistico. Ma questa immagine è ancora molto buona. In una stanza semibuia - il ripostiglio dell'abitazione di un parigino medio, una cameriera si lava in un abbeveratoio e un bambino si siede per terra ed è impegnato in un'affare eccitante - soffia bolle di sapone con concentrazione. Una donna indaffarata con il bucato guarda il piccolo con piacere e compiacimento, accudendolo. Nelle profondità oscure - una porta socchiusa in un'altra stanza luminosa, dove sta avvenendo anche il lavaggio; la luce dorata "avvolge" la figura della lavandaia lì in piedi, lo sgabello e l'abbeveratoio.

Raccontare solo la trama è non dire nulla o quasi nulla di Chardin. Come sono distribuiti gli oggetti classicamente equilibrati - come in una natura morta sul tavolo, pentole e ciotole, così sul pavimento della stanza ci sono figure e mobili; come la luce strappa alla profondità oscura solo ciò che dà alla composizione un ulteriore principio organizzatore; come colore che dà un colore locale agli oggetti e un colore caratteristico all'illuminazione, forma un sistema di colori con la penetrazione di colori primari e secondari ovunque; come viene creata l'illusione della trama del legno, dei tessuti di diverse varietà, della superficie del corpo - e allo stesso tempo viene costruito un sistema di colori ben congegnato e chiaramente organizzato.

Se confrontiamo le nature morte e la pittura quotidiana di Chardin con i dipinti olandesi e fiamminghi del XVII secolo, dove interi eserciti di artisti si specializzarono in questi generi e, gareggiando e gareggiando, raggiunsero brillantezza e perfezione in essi, si scopre che il modesto Chardin accanto a loro è più complesso e convincente degli olandesi con tutti i loro calici gioielli e la maiolica di Delft, un'abbondanza di frutti esotici, selvaggina e strani pesci di mare, sembrano più abbozzati e più poveri delle colorate sinfonie di Chardin scritte su una patata non sbucciata.

Per quanto riguarda Chardin, è una forzatura confrontare le sue idee con le affermazioni e le teorie dei filosofi illuministi. È, per così dire, programmaticamente "anti-intellettuale", sottolinea la sua mancanza di istruzione ed evita ogni sorta di teoria. Ma il suo profondo legame con la cultura dell'Illuminismo sta nel suo metodo creativo, che formulava con il pennello, e non con le parole. E quando si confronta la sua opera con gli idoli della vita intellettuale del XVIII secolo, gli enciclopedisti e gli illuministi francesi, l'opera di Chardin non sembra meno significativa, profonda e intellettuale delle opere dei filosofi e scrittori Diderot, Voltaire e Rousseau.

Chardin "non istruito" è uno degli apici della grande cultura francese dell'Illuminismo.