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Artisti belgi contemporanei. Artisti fiamminghi del XVII secolo Dipinti di artisti belgi

L'artista belga contemporanea Deborah Missoorten è nata e vive ancora ad Anversa, in Belgio, dove lavora come artista professionista freelance. Si è laureata all'Accademia di Belle Arti con una laurea in costumi teatrali.

Artisti contemporanei belgi. Jean-Claude Dresse

Jean-Claude è uno dei pochi artisti contemporanei che, attingendo ai grandi esempi del passato, ha saputo rivederli e modificarli secondo la sua personale visione. Riempie le sue opere di emozioni in modo tale da riportare lo spettatore alla fonte di questa emotività, arricchita dagli sforzi dell'autore, concetto di immagine, colore e armonia sviluppati con cura. L'artista lo fa per farci divertire a svelare i misteri che circondano questa fonte.

Cerco di mostrare l'invisibile. Giovanni Maria Bolle

Juan Maria Bolle è un famoso artista fiammingo (belga), nato a Vilvoorde, vicino a Bruxelles, in Belgio, nel dicembre 1958. Nel 1976 si è diplomato alla Royal Athenaeum High School nella sua città natale. Nel 1985 ha completato i suoi studi presso il St. Lucas Institute of Arts di Bruxelles.

La passione non ha bisogno di un'etichetta. Pietro Semink

Peter Seminck è un famoso artista belga, nato ad Anversa nel 1958. Educato alla Schoten Art Academy, ha conseguito prima una laurea e poi un master in belle arti. Non si limita ai temi, dipinge vari quadri, per lo più ad olio su tela. Attualmente vive e lavora a Malle, un sobborgo di Anversa, in Belgio.

Artista belga contemporaneo. Debora Missoorten

Artisti contemporanei belgi. Frederic Dufoor

artista contemporaneo Frédéric Dufort è nato nel 1943 a Tournai, in Belgio, e ha studiato all'Institut Saint-Luc di Tournai e successivamente all'Accademia di Mons. Dopo una breve pausa, è stato iscritto allo studio di Louis Van Lint presso l'Istituto Saint-Luc di Bruxelles. Dal 1967, dopo la laurea, ha insegnato per 10 anni presso l'Istituto di comunicazione grafica, per poi assumere un posto di insegnante presso l'Istituto Saint-Luc di Bruxelles, dove ha lavorato fino al dicembre 1998.

Moussin Irjan. pittura contemporanea

Musin Irzhan, moderno artista, è nato ad Alma-Ata, Kazakistan, nel 1977. Dal 1992 al 1995 ha studiato alla scuola d'arte di Alma-Ata. Quindi è entrato e si è laureato con successo nel 1999 presso l'Accademia delle arti di I. E. Repin a San Pietroburgo. Successivamente, per diversi anni ha studiato moderno pittura alla Scuola d'Arte "RHoK" di Bruxelles e all'Accademia di Belle Arti di Anversa.
Dal 2002 ha più volte esposto e partecipato a vari concorsi, nei quali ha vinto premi e ricevuto riconoscimenti più di una volta. I suoi dipinti sono in collezioni private in Inghilterra, Francia, Olanda, Stati Uniti, Colombia, Belgio e Russia. Attualmente vive e lavora ad Anversa, in Belgio.

Paolo Ledent. Artista contemporaneo autodidatta. Paesaggi e fiori

Il tema principale dei dipinti di questo artista è la fauna selvatica, paesaggi e le stagioni, ma Paul ha dedicato molto lavoro alla forza, all'energia e alla bellezza del corpo umano.

Paolo Ledent. Artista contemporaneo autodidatta. Persone

Paul Legend è nato nel 1952 in Belgio. Ma non è arrivato alla pittura subito, solo nel 1989. Ha iniziato con gli acquerelli, ma si è presto reso conto che non era quello di cui aveva bisogno, la pittura a olio sarebbe stata più in linea con il suo modo di pensare.
Il tema principale dei dipinti di Paul è la fauna selvatica, paesaggi e le stagioni, ma ha dedicato molte opere alla forza, all'energia e alla bellezza del corpo umano.

Gufi cintura artista belga. Christiane Vleugels

Stephan Heurion. Disegni ad acquerello

Paul Ledent è nato nel 1952 in Belgio. Non decide subito di dedicarsi alla pittura, ma solo dopo diversi anni di lavoro come ingegnere, nel 1989. Paul ha iniziato con gli acquerelli, ma ha subito capito che la pittura a olio sarebbe stata più in linea con il suo modo di pensare.

Cedric Leonard giovane progettista dal Belgio. Nato nel 1985. Si è laureato alla St. Luc School of the Arts con una laurea in belle arti. Poco dopo ha iniziato a lavorare per una piccola azienda come webmaster. Attualmente lavora come designer freelance. Cedric cerca l'originalità in tutto ciò che fa e crede nel fascino delle immagini moderne.

Ci sono diversi musei lungo la strada. In questo articolo vi parlerò dei Musei Reali di Belle Arti di Bruxelles. Piuttosto, è un intero complesso composto da sei musei.

Quattro nel centro di Bruxelles:

*Museo d'Arte Antica.
Una meravigliosa collezione di antichi maestri dal XV al XVIII secolo.
La maggior parte di questa collezione è costituita da dipinti di artisti dei Paesi Bassi meridionali (fiammingi). I capolavori di maestri come Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Dirk Bouts, Hans Memling, Hieronymus Bosch, Lucas Cranach, Gerard David, Pieter Brueghel il Vecchio, Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck, Jacob Jordaens, Rubens e altri...
La collezione ebbe origine durante la Rivoluzione Francese, quando molte opere d'arte furono sequestrate dagli invasori. Una parte significativa è stata trasportata a Parigi, e da ciò che è stato immagazzinato, il museo è stato fondato da Napoleone Bonaparte nel 1801. Tutti i valori confiscati tornarono da Parigi a Bruxelles solo dopo la deposizione di Napoleone. Dal 1811 il museo divenne proprietà della città di Bruxelles. Con l'emergere del Regno Unito dei Paesi Bassi sotto il re Guglielmo I, i fondi del museo si espansero notevolmente.

Roberto Campin. "Annunciazione", 1420-1440

Giacobbe Giordane. Satiro e contadini, 1620

*Museo d'Arte Moderna.
La collezione d'arte contemporanea comprende opere dalla fine del XVIII secolo ai giorni nostri. La base della collezione è il lavoro di artisti belgi.
Il famoso dipinto di Jacques-Louis David - La morte di Marat può essere visto nella parte vecchia del museo. La collezione illustra il neoclassicismo belga e si basa su opere dedicate alla Rivoluzione belga e alla fondazione del paese.
Ora è presentato al pubblico sotto forma di mostre temporanee nella cosiddetta sala "Patio". Questi consentono una rotazione regolare di opere d'arte contemporanea.
Il museo ospita "Salome" di Alfred Stevens, il più famoso rappresentante dell'impressionismo belga. E vengono presentate anche opere famose come "Russian Music" di James Ensor e "Tenderness of the Sphinx" di Fernand Khnopf. Tra i maestri del XIX secolo rappresentati nel museo, spiccano i capolavori di Jean Auguste Dominique Ingres, Gustave Courbet e Henri Fantin-Latour. Dipinto francese della fine del XIX secolo. rappresentato da "Ritratto di Suzanne Bambridge" di Paul Gauguin, "Primavera" di Georges Seurat, "Baia" di Paul Signac, "Due discepoli" di Edouard Vuillard, paesaggio di Maurice Vlaminck e scultura di Auguste Rodin "Cariatide", "Ritratto di un contadino" di Vincent van Gogh (1885. ) e Natura morta con fiori di Lovis Corinth.

Jean Louis David. "Morte di Marat", 1793

Gustav Wapper. "Episodio dei giorni di settembre", 1834

*Museo Magritte.
Inaugurato nel giugno 2009. In onore del pittore surrealista belga René Magritte (21 novembre 1898 – 15 agosto 1967). La collezione del museo contiene più di 200 opere tra oli su tela, gouache, disegni, sculture e oggetti dipinti, oltre a manifesti pubblicitari (ha lavorato per molti anni come cartellonista e pubblicitario in una cartiera), vecchie fotografie e filmati girati dallo stesso Magritte.
Alla fine degli anni '20 Magritte firma un contratto con la Galleria Cento di Bruxelles e si dedica così interamente alla pittura. Ha creato il dipinto surreale "The Lost Jockey", che considerava il suo primo dipinto di successo nel suo genere. Nel 1927 organizza la sua prima mostra. Tuttavia, i critici lo riconoscono come infruttuoso e Magritte parte per Parigi, dove incontra Andre Breton e si unisce alla sua cerchia di surrealisti. Acquisisce uno stile inconfondibile che rende riconoscibili i suoi dipinti. Al suo ritorno a Bruxelles, continua il suo lavoro in un nuovo stile.
Il museo è anche un centro di ricerca per l'eredità dell'artista surrealista.

*Museo della fine del secolo (Fin de siècle).
Il museo riunisce opere della fine dell'Ottocento e dell'inizio del Novecento, la cosiddetta "fine del secolo", prevalentemente di carattere avanguardistico. Pittura, scultura e grafica da un lato, ma anche arti applicate, letteratura, fotografia, cinema e musica dall'altro.
Sono rappresentati principalmente artisti belgi, ma anche opere di maestri stranieri che si inseriscono nel contesto. Opere di artisti che facevano parte dei grandi movimenti progressisti degli artisti belgi dell'epoca.

E due in periferia:

*Museo Wirtz
Wirtz (Antoine-Joseph Wiertz) - Pittore belga (1806-1865). Nel 1835 dipinse il suo primo dipinto significativo, La lotta dei greci con i troiani per il possesso del cadavere di Patroclo, che non fu accettato per una mostra a Parigi, ma suscitò un forte entusiasmo in Belgio. Segue: “La morte di S. Dionisio", il trittico "La Deposizione" (con le figure di Eva e Satana sulle ali), "La Fuga in Egitto", "La Rivolta degli Angeli" e la migliore opera dell'artista, "Il Trionfo di Cristo" . L'originalità del concetto e della composizione, il vigore dei colori, l'audace gioco di effetti di luce e il tratto ampio del pennello hanno dato alla maggior parte dei belgi un motivo per considerare Wirtz come il revivalista della loro vecchia pittura storica nazionale, come il diretto erede di Rubens. Più avanti, più eccentriche diventavano le sue storie. Per le sue opere, per lo più di enormi dimensioni, nonché per gli esperimenti nell'applicazione della pittura opaca da lui inventata, il governo belga gli costruì un vasto laboratorio a Bruxelles. Qui Wirtz, che non vendeva nessuno dei suoi quadri ed esisteva solo come ordini di ritratti, raccolse tutte le sue opere, a suo avviso, capitali e le lasciò in eredità, insieme alla bottega stessa, come eredità al popolo belga. Ora questo laboratorio è il Museo Wirtz. Memorizza fino a 42 dipinti, inclusi i suddetti sei.

*Museo Meunier
Il museo è stato aperto in onore di Constantin Meunier (1831-1905), nato e cresciuto in una povera famiglia di immigrati dalla regione belga del Borinage. Fin dall'infanzia conosceva la difficile situazione sociale e l'esistenza spesso miserabile dei minatori e delle loro famiglie. Meunier ha catturato le sue impressioni sulla vita della regione mineraria in forme plastiche, dimostrando un uomo di lavoro come una personalità armoniosamente sviluppata. Lo scultore ha sviluppato una tale immagine di lavoratore, che riflette il suo orgoglio e la sua forza, e che non si vergogna della sua professione di caricatore o scaricatore. Riconoscendo una certa idealizzazione con cui Meunier ha creato i suoi eroi, bisogna anche riconoscere il suo grande merito storico nel fatto che è stato uno dei primi maestri a fare di un uomo impegnato nel lavoro fisico il tema centrale della sua opera, mentre lo mostra come un creatore pieno di dignità interiore.

N. Stepanlin (belle arti); O. Shvidkovsky, S. Khan-Magomedov (architettura)

Già nell'ultimo decennio del XIX secolo. nell'arte del Belgio compaiono i primi segni di un allontanamento dalle fondamenta democratiche e popolari che hanno plasmato l'opera del più grande artista belga Constantin Meunier. La vitalità e la grandezza delle immagini di Meunier erano inaccessibili ai suoi contemporanei più giovani. In futuro, il destino dell'arte belga si sviluppa in molti modi contraddittorio e drammatico.

La tendenza realistica che sorse nella pittura belga nel XIX secolo fu sviluppata da maestri come Leon Frederic (1856-1940), Eugene Larmanet (1864-1940) e altri. Persone comuni, la loro vita quotidiana: questo è il tema delle opere di questi maestri, ma nella sua interpretazione si discostano dall'eroica monumentalità, attività e integrità, così caratteristiche della scultura e dei dipinti di C. Meunier. Le persone sulle tele di L. Frederick appaiono in un modo molto più ordinario, quotidiano. Le tendenze mistiche si combinano nell'arte belga con elementi di naturalismo, accuratezza fotografica nel trasferimento del paesaggio, tipo, con uno speciale sconforto, portando lo spettatore al pensiero dell'eternità della tragica disperazione dell'ordine mondiale. Anche un'opera così significativa nel suo tema come "Evening of the Strike" di E. Larmans (1894), per non parlare del dipinto "Death" (1904; entrambi - Bruxelles, Museum of Modern Art), si distingue per uno stato d'animo di disperazione e senza scopo dell'azione.

Il più caratteristico dello sviluppo dell'arte belga è il lavoro di James Ensor (1860-1949). Dai dipinti realistici di genere, Ensor arriva gradualmente al simbolismo. Le immagini fantastiche e inquietanti di questo artista, la sua brama di allegorie, la raffigurazione di maschere e scheletri, per una colorazione provocatoriamente luminosa, quasi rumorosa, erano senza dubbio una sorta di protesta contro la ristrettezza e la volgarità piccolo-borghese del mondo borghese. Tuttavia, la satira di Ensor è priva di un contenuto sociale concreto, sembra essere una satira sul genere umano, e in queste proprietà della sua arte è impossibile non vedere il germe di ulteriori deviazioni formalistiche nell'arte del Belgio.

J. Ensor occupa un posto speciale nella grafica del Belgio. Le sue incisioni originali, piene di energia nervosa sono molto espressive, trasmettono un'atmosfera di eccitazione interiore e ansia. Particolarmente drammatici sono i paesaggi “Veduta di Mariakerke” (1887) e “La Cattedrale” (1886; entrambi nella sala delle incisioni della Biblioteca Reale di Bruxelles), costruiti su un netto e paradossale contrasto tra la maestosa creazione dell'uomo e la folla brulicante come un formicaio allarmato ai piedi del tempio gotico. La combinazione di satira e fantasia - la tradizione nazionale dell'arte belga, risalente a I. Bosch - trova qui una nuova e netta rifrazione.

Il simbolismo letterario associato al nome di Maurice Maeterlinck, l'apparizione nell'architetto e nell'arte applicata del Belgio di nuovi fenomeni stilistici associati alla tendenza Art Nouveau (architetto A. van de Velde e altri), ha svolto un ruolo significativo nelle belle arti del Belgio. Sotto la loro influenza nel 1898-1899. si formò il “1° gruppo Latem” (dal nome del luogo in cui si stabilirono gli artisti, il villaggio di Latem-Saint-Martin vicino a Gand). Questo gruppo era guidato dallo scultore J. Minnet, comprendeva G. van de Wusteine, V. de Sadeler e altri. Il loro lavoro si basava sull'idea della priorità del mondo spirituale "superiore" sulla realtà. Superando le tendenze impressionistiche, questi maestri hanno cercato di allontanarsi "dalla superficie dei fenomeni", "per esprimere la bellezza spirituale delle cose". I Latemiani si rivolsero alle tradizioni pittoriche nazionali, ai primitivi olandesi dei secoli XIV-XVI, ma nella loro opera, che esprimeva più compiutamente le idee del simbolismo e si svilupparono poi sotto il segno di un espressionismo sempre più forte, furono, in sostanza, molto lontano da quelle tradizioni a cui si riferivano. II nei paesaggi severi e belli di Valerius de Sadeler (1867-1914) e nelle opere permeate di misticismo del membro più giovane del gruppo - Gustav van de Wusteine (1881-1947) - non c'è posto per l'immagine di una persona.

All'inizio del secolo, anche il puntinismo ricevette uno sviluppo piuttosto forte, il cui rappresentante più brillante in Belgio fu Theo van Reiselberghe (1862-1926).

All'inizio degli anni '20. nasce il “2nd Latem group”, operante sotto l'influenza dell'espressionismo, anche se l'espressionismo stesso in Belgio, associato ai tragici eventi della prima guerra mondiale, assume un colore speciale. Il capo di questa direzione era Constant Permeke (1886-1952). Nelle grandi tele ampiamente dipinte di questo maestro, i soggetti familiari all'arte belga - terra, mare, immagini di contadini - sono dipinti con toni di tragedia e profonda confusione spirituale. Attraverso tutta la deliberata deformazione, l'enfasi sui limiti spirituali e la maleducazione delle immagini contadine di Permeke, la sua simpatia e simpatia per le persone che hanno permesso all'artista di creare immagini emotivamente impressionanti irrompe. La colorazione cupa e opaca, l'indistinzione dell'azione, l'immobilità dei personaggi umani trasmettono l'atmosfera di dolorosi presentimenti e disperazione ("I promessi sposi", 1923; Bruxelles, Museo di arte moderna).

Gustave de Smet (1877-1943), Jean Brusselmans (1884-1953) rielaborarono a modo loro i principi dell'espressionismo, il primo semplificando le forme, dando grande importanza all'armonia compositiva dei loro quadri, il secondo accrescendo, portando a un potere penetrante il sistema cromatico dei loro paesaggi. L'interesse per il colore come portatore di impatto emotivo nella pittura collegò Brusselmans al gruppo dei Fauvisti del Brabante, che comprendeva R. Woutsrs, E. Taitgat e F. Cox. Di particolare pregio è l'arte di Rick Wouters (1882-1916). La passione per gli accostamenti cromatici vivacemente decorativi non oscura per questo artista le qualità psicologiche dei suoi modelli; in contrasto con i fauvisti francesi, Wauters cerca la plasticità, il volume delle cose - come la sua "Lezione" (1912; Bruxelles, Museo di Belle Arti), il compianto "Autoritratto con benda nera" (1915; Anversa , collezione L. van Bogart), “Nele in red" (1915; collezione privata).

Dagli anni '30. il surrealismo si sviluppa in Belgio, due rappresentanti dei quali stanno diventando ampiamente conosciuti: questi sono R. Magritte (nato nel 1898) e P. Delvaux (nato nel 1897). Questi maestri sono caratterizzati da una combinazione di bellezza puramente da salotto con una fantasia malata nelle stesse combinazioni di singole parti della composizione, idee ossessive di un piano erotico, ecc. Allo stesso tempo, gli artisti "intimisti" Albert van Dyck (1902- 1951), Jacques Mas (nato nel 1905) ha lavorato con loro. ), che ha limitato la loro creatività alla pittura di paesaggio e di genere strettamente intima. I pittori L. van Lint (nato nel 1909) e R. Slabbink (nato nel 1914) furono inizialmente associati agli "intimisti", che si trasferirono nel dopoguerra e soprattutto negli anni '50. alla pittura astratta, ampiamente diffusa e riconosciuta in Belgio.

Pochi dei maestri della pittura belga rimangono nel XX secolo. in posizioni realistiche. Il più significativo di loro è Isidore Opsomer (nato nel 1878), autore di ritratti psicologici taglienti, vitalmente espressivi e profondi ("Ritratto di K. Huysmans", 1927; Anversa, Royal Museum of Fine Arts). Opsomer ha creato una serie di nature morte, molto pittoresche, fresche e dai colori vivaci.

I temi sociali, i temi della lotta del popolo belga per i propri diritti si sentono nelle opere di Pierre Polus (nato nel 1881) e Kurt Peiser (1887-1962), e in particolare del giovane artista progressista Roger Somville (nato nel 1923) , che opera anche nel campo della pittura monumentale, del vetro colorato e dell'arte del tappeto. Grandi dipinti tematici sui temi della lotta del popolo belga sono realizzati da E. Dubrenfo, L. Deltour, R. Saumville, questi artisti lavorano a stretto contatto con gli architetti.

La moderna scuola grafica belga è caratterizzata da un'affermazione audace di nuovi temi e nuovi problemi stilistici. Oltre al già nominato D. Ensor, Jules de Breuker (1870-1945) fu il più grande incisore del Belgio. I suoi fogli sono dedicati alla vita dei bassifondi urbani, ai contrasti sociali del moderno mondo capitalista. Lo sguardo penetrante di Breaker vede il lato tragicomico della vita e, nonostante la natura analitica del suo lavoro, sono alimentati da una profonda compassione per le persone. In questo senso, molti dei fogli di Breaker ("La morte vola sulle Fiandre", 1916) sono collegati alle tradizioni popolari dell'arte belga.

Il rappresentante più importante della moderna grafica belga è Frans Mazerel (nato nel 1889), che ha lavorato anche nel campo della pittura monumentale e da cavalletto. L'attività creativa di Maserel è indissolubilmente legata agli interessi dei circoli avanzati non solo dell'intellighenzia belga, ma anche francese e tedesca. A partire dalla prima guerra mondiale, quando Maserel uscì con una serie di taglienti disegni di giornali antimilitaristi, si afferma come un maestro che ha dedicato tutta la sua opera alla lotta dell'umanità per alti ideali umanistici. Durante questo periodo, Maserel era strettamente associato a importanti giornalisti e artisti ed era amico di Romain Rolland; contemporaneamente iniziò il suo lavoro di illustratore, furono create le prime serie di xilografie ("La via crucis di un uomo", 1918; "Il mio libro d'ore", 1919, ecc.) - In queste serie, come in una cronaca silenziosa passa il percorso di vita dell'uomo moderno, la sua lotta, la crescita della sua coscienza, le sue gioie e i suoi dolori. La nitidezza dei contrasti, la brevità e l'espressività dei mezzi visivi avvicinano spesso le incisioni di Maserel al manifesto.

Insieme ai più grandi maestri della moderna cultura europea, F. Mazerel si impegna per lo sviluppo organico delle tradizioni della cultura democratica del XIX secolo, le tradizioni del realismo e dell'umanesimo e un'alta ed efficace filantropia. Allo stesso tempo, risolvendo i problemi sociali fondamentali del nostro tempo nell'arte, Maserel si è costantemente sforzato di espandere i mezzi dell'arte realistica, per creare un nuovo linguaggio pittorico realistico, in sintonia con la moderna visione del mondo.

Il linguaggio delle incisioni di Maserel è caratterizzato da brevità, concisione, saturo di profonde associazioni metaforiche. I fogli di Mazerel hanno un sottotesto: nonostante tutta la loro espressività accattivante, dispiegano gradualmente il loro contenuto. La profondità dell'intenzione dell'autore è nascosta non solo in ogni foglio, ma anche nel rapporto tra i fogli di ogni serie tematica, nel loro ordine, nella loro trama e differenza emotiva e unità ideologica e artistica. Il linguaggio del contrasto, caratteristico dell'incisione, nelle mani di Maserel diventa un'arma flessibile di caratterizzazione sociale, serve a trasmettere le più sottili esperienze liriche e l'appello diretto all'agitazione.

Magnifica la serie di incisioni dedicate alla città moderna (“City”, 1925). L'espressività del disegno e dell'intera composizione non si trasforma mai in un'eccessiva deformazione, il linguaggio di Maserel è comprensibile. Anche ricorrendo al simbolismo (Sirena, 1932), l'artista non si discosta dalla concretezza pittorica, cerca consapevolmente la chiarezza, l'opportunità di parlare con le persone con la sua arte. Le note di ottimismo sono particolarmente forti negli ultimi lavori di Maserel, la sua serie "Dal nero al bianco" (1939), "Gioventù" (1948), nei dipinti dell'artista. Esponendo i vizi della moderna società borghese, Maserel non perde mai un chiaro criterio sociale, crede nelle forze progressiste, crede nella vittoria finale e nella grandezza dell'uomo. Profondamente arte popolare Maserel è intriso dell'idea di lotta per la pace, Maserel è un esempio di artista-combattente, che serve con la sua arte gli alti ideali di giustizia. "Non sono abbastanza esteta per essere solo un artista", ha detto Maserel.

L. Spilliart (1881-1946), che quasi non ha subito l'influenza dell'espressionismo, è un po 'in disparte nella grafica belga, un maestro della lirica, sobrio negli acquerelli a colori ("A Gust of Wind", 1904; "White Clothes" , 1912).

La figura più significativa della scultura belga del XX secolo è Georges Minnet (1866-1941). Allievo di Rodin, Minne aveva poco a che fare con i principi creativi del suo maestro, la sua amicizia con Maeterlinck ebbe un'influenza molto maggiore sulla formazione della sua personalità. Basato su idee astratte e generali, Minne conferisce una spiritualità in qualche modo astratta al suo lavoro. Questo è un maestro della trasmissione sottile e precisa del gesto; il costante desiderio di esprimere concetti, piuttosto che manifestazioni specifiche di sentimenti umani, porta lo scultore ad alcune immagini inverosimili, distorsione della forma plastica. Tali sono la sua "Madre in lutto per il suo bambino" (1886, bronzo; Bruxelles, Museo di arte moderna), "Giovane in ginocchio" (1898, marmo; Essen, Museo Folkwang). Nel 1908-1912. Minnet si rivolge al presente, i suoi ritratti di lavoratori belgi si basano su un'attenta osservazione della natura e continuano la tradizione della scultura del XIX secolo. Alla fine della sua vita, nei disegni di soggetto religioso, riappaiono i tratti simbolici e mistici caratteristici dell'opera di Minne.

In generale, la moderna scultura belga si sta sviluppando sotto il segno di ricerche naturalistiche e formaliste, ad eccezione del lavoro di Ch. Leple (nato nel 1903), che crea emozionanti busti e composizioni scultoree, e O. Jespers (nato . 1887), un maestro che imita deliberatamente i primitivi negri.

L'arte della medaglia, tradizionale per questo paese, è molto sviluppata in Belgio. Ceramica decorativa belga moderna (laboratorio a Dura), scultura decorativa (maestro P. Kay; nato nel 1912), vasi decorativi dipinti con un desiderio di luminosità decorativa, naturalezza delle forme e dell'arredamento, connessione organica con interni architettonici moderni.

Alla fine del XIX - inizio del XX secolo. in Belgio c'è una rapida crescita delle città industriali e commerciali basate sullo sviluppo intensivo delle risorse naturali del paese (minerale di ferro e carbone) e sullo sfruttamento predatorio di vaste colonie africane. L'ubicazione spontanea dell'industria, la proprietà privata della terra e l'indipendenza amministrativa dei sobborghi (comuni) caratteristici del Belgio hanno impedito il normale sviluppo e la crescita delle grandi città, i cui lavori di ricostruzione si sono limitati principalmente al miglioramento del centro e allo sviluppo del trasporto urbano. L'aggravarsi della crisi abitativa ha provocato varie forme di costruzione di alloggi di edifici residenziali "economici" per lavoratori: società per azioni, cooperative e di beneficenza.

Durante questo periodo, nelle città del Belgio è iniziata un'ampia costruzione di nuovi tipi di edifici industriali, commerciali e pubblici, che riflettono sia lo sviluppo dell'economia sia l'emergere di un nuovo cliente, in particolare, come la classe operaia organizzata nei sindacati - la costruzione delle cosiddette case del popolo su base cooperativa (ad esempio, a Bruxelles, progettata dall'architetto V. Horta nel 1896-1899), dove i locali commerciali, culturali, educativi e per uffici erano riuniti in un unico edificio.

All'inizio degli anni 1890 Il Belgio diventa uno dei principali (nell'architettura europea) centri di lotta contro i canoni del classicismo e dell'eclettismo (compreso il cosiddetto romanticismo nazionale). Gli architetti belgi A. van de Velde, V. Horta, P. Ankar, il cui lavoro in questo periodo fu caratterizzato dal rifiuto dell'eclettismo stilistico dell'architettura del XIX secolo, furono all'origine dell'emergere di un nuovo “stile ” - Art Nouveau europeo. e tentativi persistenti di trovare uno stile moderno basato sull'uso delle possibilità di nuovi materiali, design e tenendo conto dei nuovi requisiti funzionali per gli edifici.

Henri van de Velde (1863-1957) è stato uno dei massimi rappresentanti e ideologi della modernità europea. Si è opposto ai canoni dei classici e della "facciata", ha lottato per una composizione tridimensionale, per un nuovo approccio alla creazione di interni e oggetti per la casa. Allo stesso tempo, era contrario all'introduzione di metodi industriali di produzione di massa nei processi di costruzione di edifici e fabbricazione di articoli per la casa, difendeva metodi artigianali per la produzione di prodotti per la casa e sosteneva l'individualità di ogni progetto.

Il secondo più grande sostenitore dell'Art Nouveau, Victor Horta (1861-1947), fu l'architetto che non solo applicò per la prima volta nella pratica i principi creativi dell'Art Nouveau (il palazzo in via Turen a Bruxelles, 1892-1893), ma determinò anche in gran parte la direzione della ricerca del decoro architettonico di questo "stile". A cavallo tra il 1880 e il 1890. Per diversi anni si dedicò ad un'intensa ricerca formale-estetica di laboratorio per un nuovo decoro e fu il primo ad utilizzare la linea elastica e sinuosa del "colpire con la frusta" (linea Horta), che divenne poi uno degli elementi caratteristici di tutti i decorativi Art Nouveau e si diffuse maggiormente in quasi tutti i paesi europei tra la fine del 1890 e l'inizio del 1900.

Sullo sviluppo delle direzioni creative dell'architettura belga degli anni 20-30. Il fatto che prima della guerra il Belgio fosse uno dei centri principali per lo sviluppo della modernità non poteva che avere un impatto, e grandi architetti come van de Velde e Horta continuarono a lavorare intensamente negli anni del dopoguerra, e sebbene si allontanassero da modernità ortodossa, ma erano molto lontani nel loro lavoro dall'innovazione radicale. È vero, van de Velde ha cercato durante questo periodo di sviluppare gli aspetti razionalistici della modernità. Tuttavia, ha effettivamente vissuto nel suo lavoro una fase che, nel complesso, era già stata superata dalle tendenze razionaliste dell'architettura europea negli anni prebellici. Horta, sotto l'influenza dell'architettura americana (fu negli Stati Uniti nel 1916-1919), cercò di diffondere il neoclassicismo nell'architettura belga utilizzando un ordine semplificato privo di elementi decorativi (Palazzo delle Belle Arti a Bruxelles, 1922-1928).

Tendenza razionalista nell'architettura del Belgio negli anni 20-30. era associato principalmente al lavoro di giovani architetti, il cui principale campo di attività era la costruzione cosiddetta "sociale" di alloggi economici, realizzata da comuni e cooperative utilizzando prestiti statali. Questa costruzione, a causa dei fondi estremamente limitati stanziati per essa, ha richiesto agli architetti di utilizzare nei loro progetti nuovi materiali e strutture costruttive efficaci, per creare una disposizione razionale degli appartamenti. La costruzione di case economiche era in realtà quel laboratorio creativo, in cui gli architetti, nelle condizioni di austerità, cercando di creare alloggi relativamente confortevoli per i lavoratori, cercavano di utilizzare i principi di tipizzazione e realizzazione delle scienze applicate (ad esempio, il requisito dell'insolazione , cioè illuminazione con luce solare diretta), ha introdotto negli alloggi di massa moderne attrezzature tecniche e sanitarie, riscaldamento centralizzato, elettricità, scivoli per rifiuti e mobili incorporati, e ha anche cercato di collegare l'immagine architettonica dell'edificio con il suo nuovo funzionale e costruttivo base.

Uno dei primi complessi residenziali moderni non solo in Belgio, ma anche in Europa fu progettato da Victor Bourgeois (1897-1962) vicino a Bruxelles nel 1922-1925. il villaggio di Cite Modern (città moderna). Qui sono state applicate tecniche di pianificazione nuove per quegli anni: sono stati previsti speciali luoghi paesaggistici per la ricreazione nei quartieri, sono stati predisposti campi da gioco per bambini e le case sono state collocate tenendo conto dell'orientamento più vantaggioso. Bourgeois, inoltre, fu così coerente nel perseguire il principio dell'orientamento più vantaggioso degli appartamenti da progettare una serie di case che non potevano essere disposte in senso nord-sud per ragioni di composizione generale della pianta del villaggio (ad esempio, per creare uno spazio chiuso della piazza centrale), ha progettato con sporgenze (a dente di sega in pianta). Gli appartamenti nelle case del villaggio sono stati progettati con ventilazione incrociata e con illuminazione obbligatoria di tutte le stanze con luce diurna. L'aspetto esterno delle case riflette caratteristiche tipiche del cemento armato come il tetto piano, le finestre angolari e reclinate e le leggere tettoie sugli ingressi.

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Di grande interesse dal punto di vista dello sviluppo delle tendenze razionaliste nell'architettura belga del dopoguerra è l'edilizia scolastica, dove la ricerca di una soluzione funzionale alla composizione planimetrica e volumetrico-spaziale dell'edificio, tenendo conto delle nuove esigenze di il processo educativo, si è svolto allo stesso modo della costruzione di alloggi economici, in condizioni di massimo risparmio sui costi.

Le nuove tendenze nel campo dell'architettura, sebbene con difficoltà, si sono comunque fatte strada nella costruzione di edifici pubblici unici. L'Esposizione Internazionale del 1935 a Bruxelles divenne una sorta di arena per la lotta delle tendenze razionaliste con il neoclassicismo e l'eclettismo, il cui aspetto tradizionale di molti padiglioni nascondeva le loro moderne basi costruttive. Tale, ad esempio, è il Grande Palazzo del Secolo, costruito secondo il progetto dell'architetto Jean van Peek. Il design audace del soffitto della sua enorme sala (archi parabolici in cemento armato) non si rivela nell'aspetto esterno dell'edificio, la cui facciata è una composizione a gradini stilizzata nello spirito del neoclassicismo. Tuttavia, già in questa mostra, in numerosi padiglioni (anche se non i principali), nuovi materiali e strutture (vetro, cemento armato) sono stati coraggiosamente utilizzati per creare l'aspetto di un edificio moderno.

Le distruzioni causate dalla seconda guerra mondiale hanno richiesto ingenti lavori di restauro. Inoltre, a differenza della costruzione di restauro dopo la prima guerra mondiale, quando prevaleva il desiderio di restaurare molto nella sua forma precedente, nelle nuove condizioni, il restauro è stato combinato con lavori di ricostruzione, specialmente nelle vecchie aree delle città, dove la pianificazione intricata e le strade strette hanno causato il trasporto le difficoltà. I piani urbanistici di trasmissione, creati in gran numero nel Belgio del dopoguerra, si sono infine ridotti a misure specifiche per liberare il traffico nella regione centrale di Bruxelles, programmate in concomitanza con l'organizzazione dell'Esposizione Internazionale del 1958 a Bruxelles. Per scaricare la rete di trasporto della parte centrale della città dal traffico di transito dei passeggeri tra due stazioni ferroviarie senza uscita a Bruxelles, un tunnel passante ha collegato i loro binari con una stazione della metropolitana nel centro della città.

La costruzione di alloggi nel Belgio del dopoguerra è di notevole interesse. Qui si può notare il superamento delle tradizioni di costruire città con case unifamiliari con appartamenti "verticali", i cui singoli locali sono dislocati su più piani, e un passaggio decisivo alla costruzione di moderne tipologie di condomini (sezionali, a galleria , torre), combinati in complessi residenziali, tra cui una serie di edifici pubblici (principalmente domestici e commerciali). Tali complessi residenziali si trovano solitamente in siti non edificati: i complessi di Kiel ad Anversa (architetti R. Brahm, R. Mas e V. Marmans, 1950-1955), in piazza Manevrov a Liegi (progetto degli architetti del gruppo EGAU, 1956) e altri. I complessi residenziali sono costruiti, di regola, con case di diversi tipi, e per aumentare l'area del territorio non edificato, molte case sono poste su supporti, spesso a forma di V, che danno la composizione dei nuovi complessi residenziali belgi spazialità, una certa nitidezza formale e originalità.

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Nelle vecchie aree densamente edificate delle città, dove case di epoche diverse con strette facciate a più piani si ergono in file continue lungo le strade, nuove case devono essere costruite in questa "torta a strati". Inoltre, gli architetti belgi non cercano in questi casi di imitare l'aspetto esterno delle case vicine, ma introducono audacemente un edificio moderno in cemento e vetro in una serie di case di epoche diverse, che conferisce un sapore speciale all'intero edificio. Questi nuovi edifici sono, di regola, case redditizie, nella cui progettazione gli architetti devono mostrare abilità e ingegnosità veramente virtuose, poiché una trama stretta consente di disporre le aperture delle finestre solo sugli strappi della casa (verso la strada e nel cortile).

Dalla seconda metà degli anni '50. nell'architettura belga aumentò l'influenza della varietà americana del funzionalismo, la scuola di Mies van der Rohe. Innanzitutto, questo vale per la costruzione di edifici per uffici, uno dei quali è l'edificio della previdenza sociale a Bruxelles, costruito nel 1958 secondo il progetto dell'architetto Hugo van Cuijk. Situato con successo su uno dei punti più alti della città, questo edificio è un prisma di vetro alto e piatto con una base rettangolare, come se crescesse da uno stilobate più ampio. L'edificio chiude la prospettiva di una delle principali arterie della città ed è il centro compositivo di un insieme complesso ma espressivo, comprendente gli edifici multitemporali circostanti e una piazza ombreggiata dalla pittoresca pianificazione antistante l'edificio, in cui numerose sculture di Msnier sono poste all'aperto. Queste sculture realistiche contrastano nettamente con l'aspetto moderno dell'edificio, il cui carattere urbano è ulteriormente enfatizzato dal flusso di auto che sfrecciano lungo la moderna autostrada, che immette nel tunnel vicino all'edificio.

Una delle opere più famose e senza dubbio una delle migliori dell'architettura belga del dopoguerra è l'edificio del nuovo terminal aereo di Bruxelles, costruito in occasione della mostra del 1958 dall'architetto M. Brunfo. Nella pianificazione e composizione spaziale di questo edificio, vengono risolti con successo sia compiti puramente utilitaristici che artistici. L'interno della sala operatoria principale fa la massima impressione. La sala è coperta da capriate in alluminio a sbalzo lunghe 50 m, poggianti su sostegni a forma di ^. Una delle pareti longitudinali della sala è stata trasformata in un enorme schermo di vetro rivolto verso il campo estivo.

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Un evento significativo nella vita architettonica del Belgio fu l'Esposizione internazionale di Bruxelles nel 1958. Gli architetti belgi furono direttamente coinvolti nella creazione di numerosi padiglioni espositivi e altri edifici, la cui costruzione fu associata alla sua apertura. Tra questi edifici si possono notare strutture peculiari come l'Atomium (ingegnere A. Waterkeyn, architetti A. e J. Polak), che possono essere classificati come monumenti simbolici; padiglione "Reinforced Concrete Arrow" - con uno sbalzo di 80 m (ingegnere A. Paduard, architetto J. van Dorselaer), che ha dimostrato le capacità costruttive del cemento armato, così come il padiglione del Centro informazioni costruito nel centro di Bruxelles , il cui soffitto è un guscio a forma di sella poggiante su due sostegni in cemento armato a forma di paraboloide iperbolico, costituito da una lastra lignea incollata a tre strati (architetti L. J. Bochet, J. P. Blondel e O. F. Philippon, ing. R. Sarge) .

cultura

artisti belgi

L'apice della fioritura della pittura in Belgio cade nel periodo del dominio borgognone nel XV secolo. Durante il Rinascimento, gli artisti dipingevano ritratti con intricati dettagli. Si trattava di dipinti vitali e non idealizzati in cui gli artisti cercavano di raggiungere il massimo realismo e chiarezza. Questo stile di pittura è spiegato dall'influenza della nuova scuola olandese.

Per la pittura belga, il XX secolo è stata la seconda età dell'oro. Ma gli artisti si sono già ritirati dai principi del realismo nella pittura e si sono rivolti al surrealismo. Uno di questi artisti era René Magritte.

La pittura belga ha un'antica tradizione di cui i belgi sono giustamente orgogliosi. Il Rubens House Museum si trova ad Anversa e il Royal Museum of Fine Arts si trova a Bruxelles. Sono diventati una manifestazione del profondo rispetto dei belgi per i loro artisti e le antiche tradizioni nella pittura.

primitivisti fiamminghi

Anche alla fine del Medioevo in Europa, l'attenzione era rivolta alla pittura nelle Fiandre ea Bruxelles. Jan Van Eyck (circa 1400-1441) ha rivoluzionato l'arte fiamminga. Fu il primo a usare l'olio per realizzare vernici durevoli e per mescolare vernici su tela o legno. Queste innovazioni hanno permesso di conservare i dipinti più a lungo. Durante il Rinascimento iniziò a diffondersi la pittura su tavola.

Jan Van Eyck divenne il fondatore della scuola del primitivismo fiammingo, raffigurando la vita con colori vivaci e in movimento sulle tele. Nella cattedrale di Gand c'è un polittico d'altare "L'Adorazione dell'Agnello", creato dal famoso artista e da suo fratello.

Il primitivismo fiammingo nella pittura si distingue per i ritratti particolarmente realistici, la chiarezza dell'illuminazione e un'attenta rappresentazione degli abiti e delle trame dei tessuti. Uno dei migliori artisti che hanno lavorato in questa direzione è stato Rogierde la Pasture (Rogier van der Weyden) (circa 1400-1464). Uno dei famosi dipinti di Rogirde la Pasture è Deposizione dalla Croce. L'artista ha combinato il potere dei sentimenti religiosi e del realismo. I dipinti di Rogierde la Pasture hanno ispirato molti artisti belgi che hanno ereditato la nuova tecnica.

Le possibilità della nuova tecnologia furono ampliate da Dirk Bouts (1415-1475).

Hans Memling (circa 1433-1494) è considerato l'ultimo primitivista fiammingo, i cui dipinti raffigurano Bruges del XV secolo. I primi dipinti raffiguranti città europee industriali furono dipinti da Joachim Patinir (circa 1475-1524).

Dinastia Bruegel

L'arte belga all'inizio del XVI secolo fu fortemente influenzata dall'Italia. Il pittore Jan Gossaert (circa 1478-1533) studiò a Roma. Per dipingere quadri per la dinastia regnante dei Duchi di Brabante, scelse soggetti mitologici.

Nei secoli 16-17. La famiglia Bruegel ha avuto la maggiore influenza sull'arte fiamminga. Uno dei migliori pittori della scuola fiamminga fu Pieter Brueghel il Vecchio (circa 1525-1569). Venne a Bruxelles nel 1563. Le sue opere più famose sono tele raffiguranti figure comiche di contadini. Offrono l'opportunità di immergersi nel mondo del Medioevo. Uno dei famosi dipinti di Pieter Brueghel il Giovane (1564-1638), che dipinse tele a tema religioso, è Il censimento a Betlemme (1610). Jan Brueghel il Vecchio (1568-1625), noto anche come Brueghel il Velluto, dipinse intricate nature morte raffiguranti fiori su uno sfondo di tendaggi di velluto. Jan Brueghel il Giovane (1601-1678) dipinse magnifici paesaggi e fu pittore di corte.

Artisti di Anversa

Il centro della pittura belga nel XVII secolo si trasferì da Bruxelles ad Anversa, il centro delle Fiandre. In larga misura, ciò è stato influenzato dal fatto che uno dei primi artisti fiamminghi di fama mondiale Peter Paul Rubens (1577-1640) visse ad Anversa. Rubens dipinse magnifici paesaggi, dipinti con una trama mitologica ed era un pittore di corte. Ma le più famose sono le sue tele raffiguranti donne gonfie. La popolarità di Rubens era così grande che i tessitori fiamminghi crearono una vasta collezione di arazzi raffiguranti i suoi magnifici dipinti.

L'allievo di Rubens, il ritrattista di corte Anthony van Dyck (1599-1641), divenne il secondo pittore di Anversa a raggiungere la fama mondiale.

Jan Bruegel il Vecchio si stabilì ad Anversa e suo genero David Teniers II (1610-1690) fondò l'Accademia di Belle Arti di Anversa nel 1665.

influenza europea

Nel XVIII secolo, l'influenza di Rubens sull'arte rimaneva ancora, quindi non ci furono cambiamenti significativi nello sviluppo dell'arte fiamminga.

Dall'inizio del XIX secolo iniziò a farsi sentire una forte influenza di altre scuole europee sull'arte del Belgio. François Joseph Navez (1787-1869) aggiunse il neoclassicismo alla pittura fiamminga. Constantin Meunier (1831-1905) preferiva il realismo. Guillaume Vogels (1836-1896) dipinse in stile impressionista. Il sostenitore della tendenza romantica nella pittura fu l'artista di Bruxelles Antoine Wirtz (1806-1865).

I dipinti inquietanti, distorti e sfocati di Antoine Wirtz, come l'opera "Hasty Cruelty", eseguita intorno al 1830, sono l'inizio del Surrealismo nell'arte. Fernand Khnopff (1858-1921), noto per i suoi spaventosi ritratti di donne dubbiose, è considerato uno dei primi esponenti della scuola simbolista belga. Il suo lavoro è stato influenzato da Gustav Klimt, un romantico tedesco.

James Ensor (1860-1949) è stato un altro artista il cui lavoro è passato dal realismo al surrealismo. Scheletri misteriosi e inquietanti sono spesso raffigurati sulle sue tele. Società degli artisti "LesVingt" (LesXX) nel 1884-1894. ha organizzato una mostra di opere di famosi artisti d'avanguardia stranieri a Bruxelles, ravvivando così la vita culturale della città.

Surrealismo

Dall'inizio del XX secolo, l'influenza di Cézanne si fa sentire nell'arte belga. Durante questo periodo, i Fauves apparvero in Belgio, raffiguranti paesaggi luminosi inzuppati dal sole. Un rappresentante di spicco del fauvismo fu lo scultore e artista Rick Wauters (1882-1916).

Il surrealismo è apparso a Bruxelles a metà degli anni venti del XX secolo. René Magritte (1898-1967) divenne un importante rappresentante di questa tendenza nell'arte. Il surrealismo iniziò a svilupparsi nel XVI secolo. I dipinti fantasmagorici di Pieter Brueghel il Vecchio e Bosch furono dipinti in questo stile. Non ci sono punti di riferimento nelle tele di Magritte, che ha definito il suo stile surrealista come "un ritorno dal familiare all'alieno".

Paul Delvaux (1897-1989) era un artista più scioccante ed emotivo, le sue tele raffigurano interni bizzarri ed eleganti con figure nebbiose.

Il movimento CoBrA nel 1948 fece una campagna per l'arte astratta. L'astrattismo è stato sostituito dall'arte concettuale, guidata da Marcel Brudtaers (1924-1976), un maestro dell'installazione. Broodtaers raffigurava oggetti familiari, come una casseruola piena di cozze.

Arazzi e pizzi

Arazzi e pizzi belgi sono considerati di lusso da oltre seicento anni. Nel XII secolo iniziarono a essere realizzati arazzi fatti a mano nelle Fiandre, successivamente iniziarono a essere realizzati a Bruxelles, Tournai, Oudenarde e Mechelen.

Dall'inizio del XVI secolo, l'arte del merletto iniziò a svilupparsi in Belgio. Il pizzo veniva tessuto in tutte le province, ma i pizzi di Bruxelles e Bruges erano i più apprezzati. Spesso le merlettaie più abili erano frequentate dagli aristocratici. Per la nobiltà, bellissimi arazzi e pizzi squisiti erano considerati un segno della loro posizione. Nei secoli 15-18. pizzi e arazzi erano le principali esportazioni. E oggi il Belgio è considerato il luogo di nascita dei migliori arazzi e pizzi.

Le città fiamminghe di Tournai e Arras (oggi situate in Francia) all'inizio del XIII secolo divennero famosi centri di tessitura europei. L'artigianato e il commercio si svilupparono. La tecnica ha permesso di realizzare lavori più delicati e costosi, alla lana hanno iniziato ad essere aggiunti fili di vero argento e oro, il che ha aumentato ulteriormente il costo dei prodotti.

La rivoluzione nella fabbricazione degli arazzi fu compiuta da Bernard van Orley (1492-1542), che unì nei disegni il realismo fiammingo e l'idealismo italiano. Successivamente, i maestri fiamminghi furono attirati in Europa e, alla fine del XVIII secolo, tutta la gloria degli arazzi fiamminghi passò alla fabbrica parigina.

Belgio tutto l'anno

Il clima belga è tipico del nord Europa. È per questo motivo che i festeggiamenti possono essere svolti sia per strada che a casa. Le condizioni meteorologiche consentono perfettamente agli artisti della capitale di esibirsi sia negli stadi che in antichi edifici. Gli abitanti del Belgio sanno usare il cambio delle stagioni. Ad esempio, in estate, nella capitale si apre un festival dei fiori. La Grand Place si ricopre di milioni di fiori ogni secondo di agosto. L'apertura della stagione di danza, cinema e teatro avviene a gennaio. Qui, le anteprime dei "cinema automobilistici" alle vecchie abbazie aspettano i loro spettatori.

A Bruxelles, puoi assistere allo svolgimento di vari festival durante tutto l'anno. Qui puoi vedere processioni storiche lussuose e piene di vita. Si tengono ogni anno fin dal medioevo. Le ultime arti sperimentali d'Europa sono dimostrate qui.

Vacanze

Capodanno - 1 gennaio
Pasqua - data fluttuante
Lunedì pulito - data variabile
Festa del lavoro - 1 maggio
Ascensione - data mobile
Giorno della Trinità - data fluttuante
Spirits Monday - data variabile
Festa nazionale belga - 21 luglio
Dormizione - 15 agosto
Ognissanti - 1 novembre
Armistizio - 11 novembre
Natale - 25 dicembre

Primavera

Mentre i giorni della primavera si allungano in Belgio, la vita culturale viene rivitalizzata. I turisti stanno iniziando a venire qui. I festival musicali si svolgono proprio per strada. Quando i parchi cittadini sono in fiore, le serre tropicali di Laiken, conosciute in tutto il mondo, vengono aperte ai visitatori. I cioccolatieri belgi sono impegnati a preparare tutti i tipi di dolci per le significative vacanze di Pasqua.

Festival Internazionale del Film Fantastico (terza e quarta settimana). Gli appassionati di miracoli e stranezze aspettano nuovi film nei cinema di tutta la capitale.
Ars Music (metà marzo - metà aprile). Questa vacanza è uno dei migliori festival europei. Ci vengono artisti famosi. Spesso i concerti si svolgono nel Museo degli antichi maestri. Tutti gli intenditori di musica sono presenti a questo festival.
Euroantique (la scorsa settimana). Lo stadio Heysel è pieno di visitatori e venditori che cercano di acquistare o vendere oggetti d'antiquariato.
Pasqua (Domenica di Pasqua). Si crede che prima di Pasqua le campane delle chiese volino a Roma. Al ritorno, lasciano le uova di Pasqua nei campi e nei boschi soprattutto per i bambini. Così, ogni anno più di 1000 uova dipinte vengono nascoste dagli adulti nel Parco Reale, e i bambini di tutta la città si radunano per cercarle.

aprile

Barocco primaverile al Sablon (terza settimana). La famosa Place de la Grande Sablon raccoglie giovani talenti belgi. Suonano musica del XVII secolo.
Serre reali a Laiken (12 giorni, le date variano). Quando i cactus iniziano a fiorire, così come tutti i tipi di piante esotiche, le serre personali della famiglia reale belga vengono aperte appositamente per il pubblico. Le camere sono realizzate in vetro e rifinite in ferro. Un gran numero di varie piante rare sono conservate qui dal maltempo.
Festival nelle Fiandre (metà aprile - ottobre) Questo festival è una festa musicale che mescola tutti i tipi di stili e tendenze. Qui si esibiscono più di 120 famose orchestre e cori.
"Scene sullo schermo". (terza settimana - fine). Soprattutto per il pubblico, ogni giorno vengono presentati nuovi film europei.

Celebrazione della Festa dell'Europa (7-9 maggio). A causa del fatto che Bruxelles è la capitale europea, questo è ancora una volta sottolineato durante la celebrazione. Ad esempio, anche Mannequin Pis è vestito con un abito blu, decorato con stelle gialle.
Kunstin-Festival delle Arti (9-31 maggio). A questo festival partecipano giovani attori e ballerini di teatro.
Queen Elizabeth Competition (maggio - metà giugno). Questa competizione musicale riunisce i fan dei classici. Questa competizione dura da oltre quarant'anni. Vi si esibiscono giovani pianisti, violinisti e cantanti. Famosi direttori e solisti scelgono tra loro gli interpreti più meritevoli.
Corsa di 20 km a Bruxelles (ultima domenica). Correre nella capitale, alla quale partecipano attivamente più di 20.000 dilettanti e corridori professionisti.
Raduno jazz (ultimo giorno libero). Piccoli ensemble jazz si esibiscono in bistrot e caffè.

Estate

A luglio si apre a Ommengang la stagione dello splendore di corte. Questa è un'usanza abbastanza antica. Un enorme corteo si muove lungo la Grand Place e le strade circostanti. In questo meraviglioso periodo dell'anno, puoi ascoltare la musica di varie direzioni. Gli artisti possono suonare in vari luoghi, come l'enorme stadio King Baudouin a IJsel, o in piccoli caffè bar. Nel Giorno dell'Indipendenza, tutti i belgi vengono alla fiera del Midi. Si svolge sulla piazza dove vengono installati i vassoi e vengono costruiti i percorsi.

Festival estivo di Bruxelles (inizio giugno - settembre). I programmi dei concerti si tengono in famosi edifici antichi.
Festival in Vallonia (giugno - ottobre). L'organizzazione di una serie di concerti di gala a Bruxelles e nelle Fiandre consente di presentare al pubblico i giovani solisti e orchestrali belgi più dotati.
Caffè del festival "Cooler" (la scorsa settimana). Per tre giorni, nel ricostruito magazzino Tour-e-Taxi si svolge un programma molto alla moda. Il pubblico è atteso da batteristi africani, salsa, musica etnica e acid jazz.
Festival musicale (ultimo giorno libero). Benefits e concerti si tengono per due settimane di fila nei municipi e nei musei dedicati alla world music.

Luglio

Ommegang (1° fine settimana di luglio). I turisti vengono da tutto il mondo per assistere a questa azione. Questo festival si svolge a Bruxelles dal 1549. Questa processione (o, come viene chiamata, "deviazione") fa il giro della Grand Place, di tutte le strade ad essa adiacenti, e si muove in cerchio. Qui prendono parte più di 2000 partecipanti. Grazie ai costumi si trasformano in cittadini rinascimentali. La sfilata passa da alti funzionari belgi. I biglietti devono essere ordinati in anticipo.
Rassegna jazz-folk "Brosella" (2° giorno di riposo). Il festival si svolge a Osseghem Park. Attrae tutti i musicisti famosi dall'Europa.
Festival estivo a Bruxelles (luglio - agosto). In questo periodo dell'anno, i musicisti suonano brani classici nelle Città Bassa e Alta.
Fiera Midi (metà luglio - metà agosto). Svolgimento della fiera presso la famosa stazione di Bruxelles Gardu-Midi. Questo evento dura un mese intero. È molto popolare tra i bambini. Questa fiera è considerata la più grande d'Europa.

Festa del Belgio (21 luglio). Conduzione di una parata militare in onore del Giorno dell'Indipendenza, che si celebra dal 1831, dopo di che vengono lanciati fuochi d'artificio nel Parco di Bruxelles.
Open Days alla Reggia (ultima settimana di luglio - 2a settimana di settembre). Le porte del Palazzo Reale sono aperte ai visitatori. Questo evento si tiene per sei settimane di fila.

agosto

Maypole (Meiboom) (9 agosto). Questa festa ebbe origine nel 1213. I partecipanti a questa azione si vestono con enormi costumi: bambole. Il corteo attraversa la Città Bassa. Si ferma alla Grand Place, poi vi viene posizionato un palo di maggio.
Tappeto floreale (metà agosto, ogni 2 anni). Questa festa si svolge ogni due anni. Questo è un omaggio alla floricoltura a Bruxelles. L'intera Grand Place è ricoperta di fiori freschi. L'area totale di un tale tappeto è di circa 2000 m².

Autunno

In autunno, l'intrattenimento belga si sposta sotto il tetto, nei caffè o nei centri culturali dove è possibile ascoltare musica moderna. Durante "Heritage Days" il pubblico ha l'opportunità di godere dell'architettura visitando case private che sono chiuse al pubblico in altri orari e visionando le collezioni che vi si trovano.

settembre

Compleanno Mannequin Pis (ultimo giorno libero).
La famosa scultura di un ragazzo che piscia è vestita con un altro abito, donato da qualche ospite straniero di alto rango.

Festival "Happy City" (primo giorno libero).
In questo momento, circa 60 concerti si tengono in tre dozzine dei migliori caffè di Bruxelles.
Notti Botaniche (la scorsa settimana).
Il centro culturale francese "Les Botaniques", situato nelle ex serre dell'Orto Botanico, ospita una serie di concerti che delizieranno tutti gli intenditori di musica jazz.
Giornate del patrimonio (2° o 3° giorno di riposo).
Per alcuni giorni, molti edifici protetti e case private, nonché collezioni d'arte chiuse, aprono le loro porte ai visitatori.

ottobre

Audi Jazz Festival (metà ottobre - metà novembre).
In tutto il paese si sentono i suoni del jazz, che diluiscono la noia autunnale. Suonano artisti locali, ma alcune star europee si esibiscono spesso al Palazzo delle Belle Arti di Bruxelles.

Inverno

In inverno, di solito piove e nevica in Belgio, quindi quasi tutti gli eventi durante questo periodo vengono spostati al chiuso. Le gallerie d'arte ospitano mostre di livello mondiale e il Brussels Film Festival ospita il lavoro di maestri affermati e giovani talenti. Prima delle vacanze di Natale, la Città Bassa è illuminata da un'illuminazione brillante ea Natale le tavole dei belgi sono addobbate con piatti tradizionali.

"Notturno di Sablon" (ultimo giorno libero). Tutti i negozi e i musei del Grande Sablon non chiudono fino a tarda sera. Carrozze con cavalli bardati girano per la fiera, trasportando i clienti, e sulla piazza principale tutti possono degustare il vero vin brulè.

Dicembre

Giorno di San Nicola (6 dicembre).
Secondo la leggenda, in questo giorno arriva in città il santo patrono del Natale Babbo Natale e tutti i bambini belgi ricevono dolci, cioccolata e altri doni.
Natale (24-25 dicembre).
Come in altri Paesi cattolici, il Natale in Belgio si celebra la sera del 24 dicembre. I belgi si scambiano doni e il giorno dopo vanno a trovare i genitori. Tutti i tipi di attributi natalizi adornano le strade della capitale fino al 6 gennaio.

Gennaio

Festa del Re (6 gennaio).
In questo giorno vengono preparate speciali "torte reali" di mandorle e tutti coloro che vogliono cercare il pisello nascosto lì. Chi lo trova viene dichiarato re per tutta la notte festiva.
Festival del cinema di Bruxelles (metà - fine gennaio).
Premiere di nuovi film con la partecipazione di star del cinema europeo.

Febbraio

Fiera Antiquaria (2a e 3a settimana).
Il Palazzo delle Belle Arti raccoglie antiquari da tutto il mondo.
Festival Internazionale del Fumetto (2a e 3a settimana).
Scrittori e artisti di fumetti vengono nella città che ha avuto una forte influenza sull'arte del disegno di fumetti per condividere esperienze e mostrare nuovi lavori.

Più varia e colorata dell'architettura e della scultura fiamminghe, la pittura fiamminga del XVII secolo si dispiega nella sua magnifica fioritura. Ancor più chiaramente che in queste arti, l'eterna fiamminga emerge qui da un misto di fondamenta settentrionali e meridionali, come un indistruttibile tesoro nazionale. La pittura contemporanea in nessun altro paese ha catturato un'area di soggetti così ricca e colorata. Nei templi nuovi o restaurati, centinaia di giganteschi altari barocchi attendevano immagini di santi dipinte su grandi tele. Nei palazzi e nelle case, vaste pareti ambivano dipinti da cavalletto mitologici, allegorici e di genere; Sì, e la ritrattistica, sviluppatasi nel XVI secolo in un ritratto a grandezza naturale, è rimasta una grande arte nel pieno senso della parola, unendo un'accattivante naturalezza alla nobiltà espressiva.

Accanto a questo grande dipinto, che il Belgio condivise con l'Italia e la Francia, qui fiorì, continuando le antiche tradizioni, dipinti originali da ebanisteria, per lo più su piccole tavole di legno o di rame, insolitamente ricchi, che abbracciano tutto ciò che è raffigurato, non trascurando soggetti religiosi, mitologici o allegorici, prediligendo la vita quotidiana di tutte le classi della popolazione, in particolare contadini, tassisti, soldati, cacciatori e marinai in tutte le sue manifestazioni. Il paesaggio disegnato o gli sfondi delle stanze di questi dipinti a piccole figure si sono trasformati in dipinti paesaggistici e architettonici indipendenti nelle mani di alcuni maestri. Questa serie è completata da immagini di fiori, frutti e animali. Ai vivai e ai serragli degli arciduchi regnanti a Bruxelles, il commercio estero portò meraviglie di flora e fauna. La ricchezza delle loro forme e colori non poteva essere trascurata dagli artisti che padroneggiavano tutto.

Nonostante tutto ciò, in Belgio non c'era più terreno per la pittura murale monumentale. Ad eccezione dei dipinti di Rubens nella Chiesa dei Gesuiti di Anversa e di alcune serie di paesaggi ecclesiastici, i grandi maestri del Belgio realizzarono i loro grandi dipinti su tela, pitture murali e sui soffitti per sovrani stranieri, e il declino della tecnica degli arazzi di Bruxelles, per cui la partecipazione di Rubens diede solo un momentaneo rialzo, rese superflua la partecipazione di altri maestri belgi, come Jordans e Teniers. Ma i maestri belgi presero una partecipazione ben nota, sebbene non così profonda come quella olandese, all'ulteriore sviluppo dell'incisione e dell'acquaforte. Gli olandesi di nascita erano anche i migliori incisori prima di Rubens, e la partecipazione dei più grandi pittori belgi: Rubens, Jordanses, Van Dycks, Brouwers e Teniers nella "pittura incisione" - acquaforte, è in parte solo un affare secondario, in parte addirittura dubbio.

Anversa, la ricca città commerciale della Bassa Germania sulla Schelda, è ora più che mai la capitale della pittura della Bassa Olanda. La pittura di Bruxelles, forse solo nel paesaggio alla ricerca di percorsi indipendenti, divenne un ramo dell'arte di Anversa; anche la pittura degli antichi centri d'arte fiamminghi, Bruges, Gand e Mecheln, all'inizio visse solo del suo rapporto con le botteghe di Anversa. Ma nella parte vallona del Belgio, precisamente a Lüttich, si può rintracciare un'attrazione indipendente per italiani e francesi.

Per la storia generale della pittura fiamminga del XVII secolo, oltre alle raccolte di fonti letterarie di Van Mander, Goubraken, de Bie, Van Gool e Weyermann, i lessici di Immerseel, Kramm e Wurzbach, libri consolidati, solo in parte superati di Michiels, Waagen, Waters, Rigel e Philippi sono importanti. Data l'importanza predominante dell'arte della Schelda, si può citare anche la storia dell'arte di Anversa di Van den Branden e Rooses, che, ovviamente, richiede aggiunte e modifiche. Il relativo capitolo dell'autore di questo libro nella Storia della pittura sua e di Woltmann è già superato nei dettagli.

La pittura fiamminga del XVII secolo raggiunse la completa libertà di disposizione ed esecuzione pittorica, l'unità interna del disegno e dei colori, l'ampiezza e la forza più fluide nelle mani creative del suo grande maestro Peter Paul Rubens, che fece di Anversa il luogo centrale per l'esportazione di dipinti per tutta l'Europa. Non mancarono, tuttavia, i maestri che si trovavano al passaggio tra la vecchia e la nuova direzione.

Nei settori realistici nazionali, con piccole figure sullo sfondo di un paesaggio sviluppato, vivevano ancora solo echi della grandezza e dell'immediatezza di Pieter Brueghel il Vecchio. La resa del paesaggio nell'era di transizione rimane all'interno dello "stile scenico" creato da Giliss Van Coninxloo, con il suo fogliame a ciuffo di alberi e aggirando le difficoltà della prospettiva aerea e lineare sviluppando toni separati, alternati uno dopo l'altro, diversamente colorati. Anche i fondatori dell'attuale pittura di paesaggio, i fratelli Anversa Matthäus e Paul Bril (1550-1584 e 1554-1626), procedettero da questo stile condizionale, del cui sviluppo non si sa quasi nulla. Matthäus Bril è apparso improvvisamente come pittore di affreschi paesaggistici in Vaticano a Roma. Dopo la sua morte prematura, Paul Bril, amico di suo fratello in Vaticano, sviluppò ulteriormente l'allora nuovo stile paesaggistico olandese. Sono sopravvissuti pochi dipinti autentici di Matthäus; i più vennero da Paolo, del quale in altri luoghi ho riportato paesaggi ecclesiastici e di palazzo in Vaticano, in Laterano, e in palazzo Rospigliosi in Santa Cecilia e Santa Maria Maggiore in Roma. Solo gradualmente passano sotto l'influenza del più libero, con maggiore unità dei paesaggi eseguiti da Annibale Carracci, all'equilibrato stile di transizione sopra indicato. L'ulteriore sviluppo di Bril, che fa parte della storia generale della pittura di paesaggio, si riflette nei suoi numerosi, in parte segnati da anni, piccoli paesaggi su tavola (1598 a Parma, 1600 a Dresda, 1601 a Monaco, 1608 e 1624 a Dresda , 1609, 1620 e 1624 - al Louvre, 1626 - a San Pietroburgo), di solito abbondante di alberi, raramente cerca di trasmettere una certa area. In ogni caso, Paul Bril appartiene ai fondatori dello stile paesaggistico, da cui è nata l'arte di Claude Lorrain.

Nei Paesi Bassi, l'Anversa Josse de Momper (1564 - 1644), meglio rappresentato a Dresda, sviluppò lo stile scenico Koninxloo in paesaggi montani finemente dipinti, non particolarmente ricchi di alberi, sui quali "tre sfondi", talvolta con l'aggiunta di un quarto illuminato dal sole, di solito appare in tutta la sua bellezza marrone-verde-grigio-blu.

L'influenza dei dipinti più antichi di Bril si riflette nel secondo figlio di Peter Brueghel il Vecchio, Jan Brueghel il Vecchio (1568-1625), prima del suo ritorno ad Anversa, nel 1596, che lavorò a Roma e Milano. Criveli e Michel gli hanno dedicato opere separate. Dipinse per lo più quadri piccoli, a volte in miniatura, che danno l'impressione di un paesaggio anche quando rappresentano temi biblici, allegorici o di genere. Sono loro che aderiscono fermamente allo stile Coninksloo con fogliame a ciuffi, sebbene trasmettano in modo più sottile le transizioni reciproche dei tre sfondi. Caratteristica della versatilità di Jan Brueghel è che dipinse sfondi di paesaggi per pittori di figure come Balin, figure per pittori di paesaggi come Momper, ghirlande floreali per maestri come Rubens. Conosciuto per la sua "Caduta" del Museo dell'Aia, eseguita in modo fresco e sottile, in cui Rubens dipinse Adamo ed Eva e Jan Brueghel paesaggi e animali. I suoi stessi paesaggi, abbondantemente dotati di una vita popolare eterogenea, ancora poco espressiva nel trasmettere il cielo con le sue nuvole, sono prevalentemente zone collinari irrigate da fiumi, pianure con mulini a vento, strade di paese con scene di osterie, canali con sponde boscose, trafficate strade di campagna su alture boscose e strade forestali con taglialegna e cacciatori, osservati vividamente e fedelmente. I suoi primi dipinti si possono vedere all'Ambrosiana di Milano. È meglio rappresentato a Madrid, bene a Monaco, Dresda, San Pietroburgo e Parigi. Di particolare importanza nel senso della ricerca di nuove strade è stata la sua pittura di fiori, che ha trasmesso in modo più convincente non solo la bellezza delle forme e la luminosità dei colori di colori rari, ma anche le loro combinazioni. Le immagini dei colori del suo pennello posseggono Madrid, Vienna e Berlino.

Tra i suoi collaboratori non va dimenticato Hendrik van Balen (1575 - 1632), il cui maestro è considerato il secondo maestro di Rubens, Adam van Noort. I suoi dipinti d'altare (ad esempio, nella chiesa di Jacob ad Anversa) sono insopportabili. Divenne famoso per i suoi dipinti piccoli, dolcemente dipinti e zuccherini su tavole con contenuti principalmente di favole antiche, ad esempio La festa degli dei al Louvre, Arianna a Dresda, La raccolta della manna a Brunswick, ma mancano anche i suoi dipinti di questo tipo freschezza e immediatezza artistica.

Lo stile paesaggistico di transizione sopra descritto continuò, tuttavia, tra deboli imitatori fino all'inizio del XVIII secolo. Qui possiamo notare solo i più forti maestri di questa direzione, che la trasferirono in Olanda, David Winkboons da Mecheln (1578 - 1629), che si trasferì da Anversa ad Amsterdam, dipinse fresche scene di foreste e villaggi, a volte anche episodi biblici in un paesaggio ambientazione, ma più volentieri feste al tempio davanti alle taverne del villaggio. I suoi migliori dipinti ad Augusta, Amburgo, Braunschweig, Monaco, San Pietroburgo sono osservati direttamente e dipinti con colori fioriti, non senza forza. Rellant Savery di Courtrai (1576 - 1639), a cui Kurt Erasmus dedicò uno studio amorevolmente scritto, studiò le montagne boscose tedesche al servizio di Rodolfo II, dopodiché si stabilì come pittore e incisore, prima ad Amsterdam, poi a Utrecht. I suoi paesaggi luminosi, che fondono gradualmente tre piani, ma un po 'aridi nell'esecuzione, paesaggi montuosi, rocciosi e forestali, che possono essere ben visti a Vienna e Dresda, ha dotato di gruppi vivi di animali selvatici e domestici in scene di caccia, in immagini di paradiso e Orfeo. Appartiene anche ai primi pittori di fiori indipendenti. Adam Willaerts di Anversa (1577, morto dopo il 1649), trasferitosi a Utrecht nel 1611, era un rappresentante del paesaggio marino di questo stile di transizione. Le sue vedute costiere e marine (ad esempio, a Dresda, da Weber ad Amburgo, nella Galleria Liechtenstein) sono ancora secche nel disegno delle onde, ancora rozze nel rappresentare la vita delle navi, ma accattivanti con l'onestà del loro rapporto con la natura. Infine, Alexander Kerrinx di Anversa (1600 - 1652), che trasferì la sua arte paesaggistica fiamminga ad Amsterdam, segue ancora Coninxloe nei dipinti con la sua firma, ma nei successivi dipinti di Brunswick e Dresda, è ovviamente influenzato dal tonale olandese brunastro di Van Goyen pittura. . Appartiene, quindi, ai maestri di transizione nel senso più pieno della parola.

Dei maestri di Anversa di questo tipo rimasti in patria, Sebastian Vranks (1573 - 1647) rivela un indubbio successo come paesaggista e pittore di cavalli. Raffigura anche il fogliame sotto forma di grappoli, il più delle volte pendenti come una betulla, ma gli conferisce una connessione più naturale, conferisce una nuova chiarezza al tono arioso e sa trasmettere un carattere vitale alle azioni della scrittura sicura e coerente cavalli e cavalieri della sua battaglia e scene di rapina che si possono vedere, ad esempio, a Braunschweig, Aschaffenburg, Rotterdam e da Weber ad Amburgo.

Infine, nella pittura architettonica già nel XVI secolo, seguendo le tracce di Steenwick il Vecchio, sviluppò uno stile di transizione, consistente nella graduale sostituzione della lettera seguendo la natura con il fascino artistico, suo figlio Gendrik Steenwick il Giovane (1580 - 1649 ), che si trasferì a Londra, e accanto a lui, il principale Così, Peter Neefs il Vecchio (1578 - 1656), le cui vedute interne delle chiese si trovano a Dresda, Madrid, Parigi e San Pietroburgo.

In generale, la pittura fiamminga era ovviamente sulla strada giusta per tornare alla piccola arte, quando la grande arte di Rubens si levò sopra di essa come il sole e la portò con sé nel regno della luce e della libertà.

Peter Paul Rubens (1577 - 1640) - il sole attorno al quale ruota tutta l'arte belga del XVII secolo, ma allo stesso tempo uno dei grandi luminari dell'arte paneuropea di questo periodo. Contrariamente a tutti i pittori barocchi italiani, è il principale rappresentante del barocco in pittura. La pienezza delle forme, la libertà di movimento, il dominio sulle masse, che conferisce pittoresco allo stile barocco dell'architettura, nei dipinti di Rubens rinunciano alla pesantezza della pietra e, con il lusso inebriante dei colori, ricevono un nuovo diritto indipendente esistere. Con la potenza delle forme individuali, la grandiosità della composizione, la pienezza sbocciante di luci e colori, la passione della vita nel trasferimento di azioni improvvise, la forza e il fuoco nell'eccitare la vita corporea e spirituale del suo maschio e femmina carnosi, figure vestite e svestite, supera tutti gli altri maestri. Il corpo lussuoso delle sue donne bionde con guance carnose, labbra carnose e un sorriso allegro risplende di candore. Bruciata dal sole, la pelle dei suoi eroi maschi risplende e la loro fronte audace e convessa è ravvivata da un potente arco delle sopracciglia. I suoi ritratti sono i più freschi e sani, non i più individuali e intimi per il loro tempo. Nessuno sapeva riprodurre animali selvatici e domestici in modo così vivido come lui, anche se per mancanza di tempo, nella maggior parte dei casi, lasciava che i suoi assistenti li ritraessero nei suoi dipinti. Nel paesaggio, la cui esecuzione affidò anche ad aiutanti, vide anzitutto l'effetto generale dovuto alla vita atmosferica, ma egli stesso dipinse, anche in età avanzata, paesaggi sorprendenti. La sua arte abbracciava l'intero mondo dei fenomeni spirituali e fisici, l'intera complessità del passato e del presente. Dipinse d'altare e ancora pitture d'altare che dipinse per la chiesa. Ha dipinto ritratti e ritratti principalmente per se stesso e per i suoi amici. Immagini mitologiche, allegoriche, storiche e scene di caccia che ha creato per i grandi di questo mondo. I dipinti di paesaggi e di genere erano lavori secondari occasionali.

Gli ordini piovvero su Rubens. Dal suo studio uscirono almeno duemila quadri. La grande richiesta della sua arte provocò la frequente ripetizione di interi quadri o di singole parti da parte dei suoi allievi e assistenti. All'apice della sua vita, di solito lasciava dipinti dipinti a mano ai suoi assistenti. Ci sono tutte le transizioni tra le sue opere scritte a mano ei dipinti dello studio, per i quali ha fornito solo schizzi. Con tutta la somiglianza delle forme di base e degli stati d'animo di base, i suoi dipinti rivelano significativi cambiamenti di stile, gli stessi di molti dei suoi contemporanei, dalla modellazione plastica dura e dalla scrittura spessa e pesante a un'esecuzione più leggera, più libera e brillante, a contorni più vivaci, a modellati più morbidi, ariosi e pieni di atmosfera, illuminati dai colori fioriti della pittura tonale.

All'inizio dell'ultima letteratura su Rubens c'è l'opera cumulativa ampiamente concepita di Max Rooses: The Works of Rubens (1887-1892). Le migliori e più importanti opere biografiche sono quelle di Rooses e Michel. Opere raccolte, dopo Waagen, furono pubblicate anche da Jakob Burchardt, Robert Fischer, Adolf Rosenberg e Wilhelm Bode. Domande separate su Rubens sono state analizzate da Ruelens, Voltman, Riegel, Geller von Ravensburg, Grossman, Riemanns e altri. Rubens, come incisore, era impegnato a Gimans e Voorthelm-Schnevogt.

Rubens nacque a Siegen, vicino a Colonia, dalla rispettata Anversa e ricevette la sua prima educazione artistica nella città dei suoi padri da Tobias Verhegt (1561 - 1631), mediocre paesaggista dello stile di transizione, poi studiò per quattro anni con Adam Van Noort (1562 - 1641), uno dei maestri medi dell'italianismo di maniera, come è ormai noto, e lavorò poi per altri quattro anni con Otto Van Ven, un ricco di narrativa, vuoto nelle forme di un falso classico, al quale a prima si unì strettamente e nel 1598 divenne maestro di corporazione. Nel 1908 Habertzwil dedicò articoli dettagliati ai tre insegnanti di Rubens. È impossibile stabilire con certezza un'unica immagine del primo periodo di Anversa di Rubens. Dal 1600 al 1608 visse in Italia; prima a Venezia, poi principalmente al servizio di Vincenzo Gonzaga a Mantova. Ma già nel 1601, a Roma, per i tre altari della chiesa di Santa Croce in Gerusalemme, dipinse Il ritrovamento della croce, L'incoronazione di spine e L'esaltazione della croce. Questi tre dipinti, ora appartenenti alla cappella di un ospedale di Grasse, nel sud della Francia, rivelano lo stile del suo primo periodo italiano, ancora alla ricerca di se stesso, ancora influenzato dalle copie di Tintoretto, Tiziano e Correggio, ma già pieno di tensione indipendente per forza e movimento. Nel 1603 il giovane maestro si recò in Spagna su ordine del suo principe. Dai dipinti che ha dipinto lì, le figure dei filosofi Eraclito, Democrito e Archimede nel Museo di Madrid rivelano forme ancora pompose e dipendenti, ma anche una forte impressione per la profondità psicologica. Tornato a Mantova, Rubens dipinse una grande pala d'altare in tre parti, la cui immagine centrale, con l'omaggio della famiglia Gonzaga a S. Trinità, era conservata in due parti nella biblioteca di Mantova, e dalle ampie e abbondanti pitture laterali, che mostrano la potenza sempre crescente delle forme e delle azioni delle masse, il Battesimo di Cristo finì nel Museo di Anversa e la Trasfigurazione in il Museo Nancy. Poi nel 1606 il maestro dipinse nuovamente a Roma per la Chiesa Nuova una magnifica, già piena di potenza rubensiana nelle sue figure piene di luce, la pala dell'Assunzione di S. Gregory”, ora di proprietà del Museo di Grenoble, ea Roma sostituito già nel 1608 da altri tre dipinti, per niente dei migliori, dello stesso maestro. Di stile più chiaramente caravaggesco è la spettacolare "Circoncisione di Cristo" del 1607 in Sant'Ambrogio a Genova. Tuttavia, ricercatori come Rooses e Rosenberg attribuiscono il maestro al periodo italiano, quando copiò le opere di Tiziano, Tintoretto, Correggio, Caravaggio, Leonardo, Michelangelo e Raffaello, e una serie di dipinti del suo pennello, apparentemente, però, scritti Dopo. Grandi allegorie dell'ostentazione e della virtù a Dresda, provenienti da Mantova, forti nella forma e nel colore, se non furono scritte, come pensa con noi Michel, intorno al 1608 a Mantova, allora ammettiamo piuttosto, insieme a Bode, che apparvero secondo ritorno di Rubens in patria che con Roosers, che furono scritti prima del suo viaggio italiano ad Anversa. L'immagine di Girolamo a Dresda, disegnata con sicurezza e plasticamente modellata, rivela anche una peculiare maniera rubensiana, forse anche troppo sviluppata per il suo periodo italiano, a cui ora attribuiamo questo quadro. Al ritorno di Rubens nel 1608 ad Anversa, già nel 1609 fu nominato pittore di corte di Albrecht e Isabella, e il suo stile, già indipendente, si sviluppò rapidamente in grandioso potere e grandezza.

Disordinata nella composizione, irrequieta nei contorni, irregolare negli effetti di luce è la sua Adorazione dei Magi (1609-1610) a Madrid, segnata però da un potente movimento. Pieno di vita e passione, potente nella modellazione muscolare dei corpi, la sua famosa immagine in tre parti "Esaltazione della Croce" nella cattedrale di Anversa. Ricordi italiani più forti si avvertono in immagini mitologiche simultanee, come Venere, Amore, Bacco e Cerere a Kassel, e il robusto Prometeo incatenato a Oldenburg. Esempi caratteristici di un ritratto su larga scala di quest'epoca sono i ritratti paesaggistici di Albrecht e Isabella a Madrid e il magnifico quadro di Monaco, che rappresenta in un pergolato di caprifoglio il maestro stesso con la sua giovane moglie, Isabella Brant, riportata in patria nel 1609 , un'immagine incomparabile di calma pura felicità amore.

L'arte di Rubens scoprì un ulteriore volo tra il 1611 e il 1614. L'enorme dipinto "Discesa dalla Croce" con la maestosa "Visita Maria Elisabetta" e "Ingresso al Tempio" sulle ali, nella Cattedrale di Anversa, è considerata la prima opera in cui il maestro ha portato i suoi tipi e il suo metodo di scrittura al pieno sviluppo. Meravigliosa è l'appassionata vitalità dei singoli movimenti, ancora più meravigliosa è la forza penetrante della resa pittorica. A questi anni appartengono anche dipinti mitologici come "Romolo e Remo" nella Galleria Capitolina, "Fauno e Fauno" nella Galleria Schonborn di Vienna.

Dipinti di Rubens del 1613 e 1614, fiduciosi nella composizione, con forme e colori ben definiti, sono alcuni dipinti contrassegnati in via eccezionale dal suo nome e dall'anno di esecuzione. Tali sono il dipinto puro nella forma, bello nei colori "Giove e Callisto" (1613), pieno di luce magica "Fuga in Egitto" a Kassel, "Venere ghiacciata" (1614) ad Anversa, patetico "Compianto" (1614) in Vienna e "Susanna" (1614) a Stoccolma, il cui corpo è senza dubbio più piacevole e meglio compreso del corpo troppo lussuoso della sua precedente Susanna a Madrid; in termini di pittura, potenti immagini simboliche del solitario Cristo crocifisso sullo sfondo di un cielo oscurato a Monaco e Anversa sono adiacenti a questi dipinti.

Da quel momento in poi, le commissioni si accumularono nello studio di Rubens a tal punto che diede ai suoi assistenti una partecipazione più cospicua all'esecuzione dei suoi dipinti. Il più antico, oltre a Jan Brueghel, appartiene all'eccezionale pittore di animali e frutti Frans Snyders (1579 - 1657), secondo lo stesso Rubens, che dipinse l'aquila nel dipinto di Oldenburg con Prometeo sopra menzionato, e al vivace paesaggista Jan Wildens ( 1586 - 1653), che lavorò dal 1618 per Rubens. Il collaboratore più notevole fu Anton van Dyck (1599 - 1641), che in seguito divenne una figura indipendente. In ogni caso, divenuto maestro nel 1618, fu fino al 1620 il braccio destro di Rubens. I dipinti di Rubens di questi anni di solito contrastano la penombra bluastra del corpo con una macchia di luce giallo-rossastra, mentre i dipinti con la collaborazione chiaramente stabilita di Van Dyck si distinguono per un chiaroscuro caldo uniforme e una trasmissione pittorica più nervosa. Tra questi ci sono sei grandi immagini dipinte con entusiasmo della vita del console romano Decius Moussa, nel Palazzo del Liechtenstein a Vienna, i cartoni di cui Rubens realizzò per i tappeti tessuti nel 1618 (copie sopravvissute sono a Madrid), e grandi dipinti decorativi del plafond (conservati solo schizzi in varie collezioni), e alcune delle composizioni spettacolari, con molte figure delle pale d'altare di questa chiesa, "Il miracolo di S. Saverio" e "Miracolo di S. Ignazio”, salvato dal Museo di Corte di Vienna. La collaborazione di Van Dyck è innegabile anche nella grande Crocifissione di Anversa, in cui Longino, a cavallo, trafigge il costato del Salvatore con una lancia, nella Madonna con i peccatori penitenti a Kassel, e secondo Bode anche nel Giorno della Trinità di Monaco e nel Lazar di Berlino, secondo Rooses anche nella drammatica caccia al leone e nel non meno drammatico, appassionato e rapido rapimento delle figlie di Leucippo a Monaco. Tutti questi dipinti brillano non solo per il potere audace della composizione di Rubens, ma anche per la finezza penetrante del sentimento della pittura di Van Dyck. Tra i quadri dipinti a mano, dipinti nelle parti principali dallo stesso Rubens tra il 1615 e il 1620, ci sono anche i migliori dipinti religiosi - pieni di esuberanti, agitati movimenti di massa "Il Giudizio Universale" a Monaco e pieni di animazione interiore "Assunzione di Nostra Signora" a Bruxelles e a Vienna, oltre a magistrali dipinti mitologici, lussuosi "baccanali" e immagini di "Thiazos" a Monaco, Berlino, San Pietroburgo e Dresda, in cui il potere della traboccante gioia sensuale della vita, tradotto dal romano al fiammingo, sembra che per la prima volta raggiunga la piena espressione. La "Battaglia delle Amazzoni" a Monaco (circa 1620), una creazione inaccessibile nel senso della pittoresca trasmissione della più violenta colluttazione e battaglia, sebbene scritta in piccole dimensioni, confina qui. Poi ci sono bambini nudi a grandezza naturale, come eccellenti putti con una ghirlanda di frutta a Monaco, poi violente scene di caccia, caccia al leone, di cui la migliore è a Monaco, e caccia al cinghiale, di cui la migliore è a Dresda. Seguono i primi dipinti di paesaggio con aggiunte mitologiche, ad esempio l'atmosfera piena del Naufragio di Enea a Berlino, o con ambienti naturali, come il radioso paesaggio romano con rovine al Louvre (1615 circa) e i paesaggi pieni di vita "Estate" e "Inverno (c. 1620) a Windsor. Trasmesse maestosamente, scritte in modo ampio e veritiero senza un accenno ai vecchi manierismi, illuminate dalla luce di tutti i tipi di manifestazioni celesti, si ergono come punti di riferimento nella storia della pittura di paesaggio.

Chiari, maestosi, potenti, appaiono finalmente i ritratti di Rubens di questo quinquennio. Opera magistrale del suo autoritratto agli Uffizi, il suo gruppo di ritratti "Quattro filosofi" a Palazzo Pitti è magnifico. Nel pieno della sua bellezza è sua moglie Isabella nei nobili ritratti di Berlino e L'Aia. Intorno al 1620, alla National Gallery di Londra fu dipinto anche uno straordinario ritratto di Susanna Fuhrman con un cappello con una piuma, ventilato con i più delicati chiaroscuri. I famosi ritratti maschili del maestro di questi anni sono visibili a Monaco e nella Galleria del Liechtenstein. Con quanta passione Rubens ha raffigurato episodi della storia del mondo sacro, scene di caccia e persino paesaggi, ha dipinto le sue figure di ritratti con altrettanta calma, riuscendo a trasmettere il loro involucro corporeo con potere monumentale e verità, ma senza cercare di spiritualizzare internamente, colto solo in generale , caratteristiche facciali.

Van Dyck lasciò Rubens nel 1620 e sua moglie Isabella Brant morì nel 1626. Un nuovo impulso per la sua arte fu il suo nuovo matrimonio con la giovane e bella Helena Furman nel 1630. Tuttavia, anche i suoi viaggi artistici e diplomatici a Parigi servirono da impulso ( 1622, 1623, 1625), Madrid (1628, 1629) e Londra (1629, 1630). Delle due grandi serie storiche con allegorie, 21 enormi dipinti della vita di Maria de Medici (la storia è stata scritta da Grossman) appartengono ora alle migliori decorazioni del Louvre. Abbozzati dalla mano magistrale di Rubens, ridipinti dai suoi studenti, finiti da lui stesso, questi dipinti storici sono pieni di molti ritratti moderni e figure mitologiche allegoriche nello spirito del barocco moderno e presentano una tale massa di bellezze individuali e una tale armonia artistica che rimarranno per sempre le migliori opere di pittura del XVII secolo. Di una serie di dipinti della vita di Enrico IV di Francia, due finiti a metà sono finiti agli Uffizi; i bozzetti per altri sono conservati in collezioni diverse. I nove dipinti che glorificano Giacomo I d'Inghilterra, con cui Rubens qualche anno dopo decorò i campi del plafond della sala principale della White Hall, anneriti dalla fuliggine londinese, sono irriconoscibili, ma essi stessi non appartengono alle opere di maggior successo del maestro .

Tra i quadri religiosi dipinti da Rubens negli anni Venti, la grande "Adorazione dei Magi" infuocata ad Anversa, completata nel 1625, segna ancora una volta un punto di svolta nel suo sviluppo artistico con la sua pennellata più libera e ampia, il linguaggio delle forme più leggero e le , colorazione ariosa. . La luminosa e ariosa "Assunzione di Maria" della cattedrale di Anversa fu completata nel 1626. Seguono la pittoresca e libera "Adorazione dei Magi" al Louvre e "L'educazione della Vergine Maria" ad Anversa. A Madrid, dove il maestro studiò nuovamente Tiziano, la sua colorazione divenne più ricca e "fiorita". La "Madonna" con i santi che la adorano nella chiesa agostiniana di Anversa è una ripetizione più barocca della Madonna dei Frari di Tiziano. Una parte significativamente rivista del "Trionfo di Cesare" di Mantegna, situata nel 1629 a Londra (ora alla National Gallery), a giudicare dalla sua lettera, potrebbe apparire anche solo dopo questo periodo. Questo decennio è particolarmente ricco di grandi ritratti del maestro. Più vecchia, ma ancora piena di bell'aspetto, è Isabella Brant in un bellissimo ritratto dell'Hermitage; tratti già più nitidi sono rappresentati dal ritratto degli Uffizi. Tra i più belli e colorati c'è il doppio ritratto dei suoi figli nella Galleria del Liechtenstein. Famoso è il ritratto espressivo di Caspar Gevaert alla sua scrivania ad Anversa. E lo stesso anziano maestro appare davanti a noi con un sottile sorriso diplomatico sulle labbra in un bellissimo ritratto a busto di Aremberg a Bruxelles.

L'ultimo decennio toccato a Rubens (1631 - 1640) fu sotto la stella della sua amata seconda moglie, Elena Furman, che dipinse in tutte le forme e che gli servì da natura per i dipinti religiosi e mitologici. I suoi migliori ritratti di Rubens appartengono ai ritratti femminili più belli del mondo: a mezzo busto, con un abito ricco, con un cappello con una piuma; a grandezza naturale, seduta, in un abito lussuoso aperto sul petto; in piccola forma, accanto a suo marito per una passeggiata in giardino - è nella Pinakothek di Monaco; nudo, solo parzialmente coperto da un manto di pelliccia - nel Museo della Corte di Vienna; in abito da passeggio nei campi - all'Eremo; con il suo primogenito sulle cinture, a braccetto con il marito, e anche per strada, accompagnata da un paggio - dal barone Alphonse Rothschild a Parigi.

Le opere ecclesiastiche più significative di questa fiorente e radiosa tarda era del maestro sono la composizione maestosa e calma, risplendente di tutti i colori dell'arcobaleno, l'altare di S. Ildefons con potenti figure di donatori sulle porte del Museo della Corte di Vienna e una magnifica pala d'altare nella cappella funeraria di Rubens nella chiesa di Jacob ad Anversa, con santi della città dipinti da volti vicini al maestro. Opere più semplici, come: S. Cecilia a Berlino e la magnifica Betsabea a Dresda non sono inferiori a loro per tono e colori. Tra i preziosi quadri mitologici di questo periodo ci sono i sfavillanti Giudizi di Paride a Londra ea Madrid; e quale appassionata vitalità respira la caccia di Diana a Berlino, quanto favolosamente lussuosa la festa di Venere a Vienna, quale luce magica illumina Orfeo ed Euridice a Madrid!

Preparatori per questo tipo di dipinti sono alcune immagini di genere del maestro. Quindi, il personaggio del genere mitologico cattura l'audacemente sensuale "Ora dell'appuntamento" a grandezza naturale a Monaco.

I prototipi di tutte le scene secolari di Watteau sono i famosi, con dei volanti dell'amore, dipinti chiamati "Giardini dell'amore", con gruppi di coppie innamorate lussuosamente vestite a una festa in giardino. Una delle migliori opere di questo tipo è di proprietà del barone Rothschild a Parigi, l'altra è al Museo di Madrid. I dipinti di genere più importanti con piccole figure della vita popolare, dipinti da Rubens, sono la danza contadina maestosa e vitale, puramente rubensiana a Madrid, il torneo mezzo-paesaggio davanti al fossato del castello, al Louvre, e la fiera nella stessa collezione, i cui motivi ricordano già Teniers.

La maggior parte dei paesaggi reali di Rubens appartengono anche agli ultimi anni della sua vita: tale è il radioso paesaggio con Ulisse a Palazzo Pitti, tali sono i paesaggi, nuovi nel design, artisticamente esplicativi, con un'immagine semplice e ampia dei dintorni , l'area pianeggiante in cui si trovava la dacia di Rubens, e con un cielo maestoso, pieno di cambi d'umore. I più belli sono il tramonto infuocato a Londra e i paesaggi con un arcobaleno a Monaco e San Pietroburgo.

Qualunque cosa Rubens abbia intrapreso, ha trasformato tutto in oro splendente; e chi entrava in contatto con la sua arte, come collaboratore o discepolo, non poteva più uscire dal suo circolo vizioso.

Dei numerosi allievi di Rubens, solo Anton van Dyck (1599 - 1641) - la cui luce, ovviamente, si riferisce alla luce di Rubens, come la luce lunare del sole - raggiunge i cieli dell'arte con una testa illuminata dallo splendore. Sebbene Balen sia considerato il suo vero maestro, lo stesso Rubens lo chiamava suo allievo. In ogni caso, il suo sviluppo giovanile, per quanto ne sappiamo, è stato sotto l'influenza di Rubens, da cui non si discosta mai del tutto, ma, secondo il suo temperamento più impressionabile, rielabora in modo più nervoso, gentile e sottile nella pittura e meno forte nel disegno. . Un lungo soggiorno in Italia lo trasformò finalmente in un pittore e maestro dei colori. Non era suo compito inventare e esacerbare drammaticamente l'azione dal vivo, ma sapeva come collocare le figure nei suoi dipinti storici in relazioni chiaramente ponderate tra loro e comunicare ai suoi ritratti le sottili caratteristiche dello status sociale, che divenne il pittore preferito dei nobili del suo tempo.

Gli ultimi lavori di sintesi su Van Dyck sono di Michiels, Giffrey, Kust e Schaeffer. Pagine separate della sua vita e della sua arte sono state spiegate da Vibiral, Bode, Hymans, Rooses, Lau, Menotti e dall'autore di questo libro. Anche adesso stanno discutendo sulla distinzione tra diversi periodi della vita, che erano principalmente legati al viaggio. Secondo le ultime ricerche, lavorò fino al 1620 ad Anversa, nel 1620 - 1621 a Londra, nel 1621 - 1627 in Italia, principalmente a Genova, con una pausa dal 1622 al 1623, svolta, come mostrò Rooses, probabilmente a casa, nel 1627 - 1628 in Olanda, poi di nuovo ad Anversa, e dal 1632 come pittore di corte di Carlo I a Londra, dove morì nel 1641, e durante questo periodo, nel 1634 - 1635 fu a Bruxelles, nel 1640 e 1641 ad Anversa e Parigi.

Non ci sono quasi opere giovanili di Van Dyck in cui l'influenza di Rubens non sarebbe evidente. Anche le sue prime serie apostoliche mostrano già tracce della maniera rubensiana. Di queste, alcune delle teste originali sono conservate a Dresda, altre ad Althorp. Tra i quadri religiosi dipinti da Van Dyck secondo il proprio disegno, a proprio rischio e pericolo, dal 1618 al 1620, mentre era al servizio di Rubens, appartengono al “Martirio di S. Sebastian", con la vecchia composizione sovraccarica "Compianto su Cristo" e "Bathing Susanna" a Monaco. "Tommaso a San Pietroburgo", "Il serpente di rame" a Madrid. Nessuno di questi dipinti può vantare una composizione perfetta, ma sono ben dipinti e di colore fiorito. Il "Jerome" di Dresda è pittoresco e profondamente sentito nell'anima, rappresentando un vivido contrasto con il vicino Jerome Rubens più calmo e scritto in modo approssimativo.

Seguono: Il Cristo deriso a Berlino, il più forte ed espressivo di questi dipinti semi-Rubens, e di bella composizione, senza dubbio abbozzato da Rubens, St. Martino" a Windsor, seduto su un cavallo, tendendo un mantello a un mendicante. La ripetizione semplificata e più debole di questo Martino nella chiesa di Savetham è più vicina alla maniera successiva del maestro.

Van Dyck è un grande artista in questa epoca di Rubens, soprattutto nei suoi ritratti. Alcuni di essi, combinando i noti vantaggi di entrambi i maestri, furono attribuiti a Rubens nel XIX secolo, finché Bode non li restituì a Van Dyck. Sono più individuali nei tratti individuali, più nervosi nell'espressione, più morbidi e profondi nella scrittura rispetto ai ritratti simultanei di Rubens. I più antichi di questi ritratti semi-Rubens di Van Dyck sono entrambi ritratti a mezzo busto di un'anziana coppia di sposi nel 1618 a Dresda, i più belli sono le mezze figure di due coppie di sposi nella galleria del Liechtenstein: una donna con allacciatura d'oro sul petto , un signore che si infila i guanti, seduto di fronte a una signora dalle tende rosse con un bambino in grembo, a Dresda. Gli appartiene la magnifica Isabella Brant dell'Hermitage, e dal Louvre un doppio ritratto del presunto Jean Grusset Richardeau e di suo figlio in piedi accanto a lui. Dei doppi ritratti sono noti gli sposi in piedi uno accanto all'altro: il ritratto di Frans Snyders e sua moglie con pose molto forzate, Jan de Wael e sua moglie a Monaco, è il più pittoresco. Infine, negli autoritratti giovanili del maestro, dallo sguardo pensoso e sicuro di sé, a San Pietroburgo, Monaco e Londra, la sua stessa età, sui vent'anni, indica un periodo precoce.

Dai dipinti religiosi dipinti da Van Dyck tra il 1621 e il 1627. in Italia, nel sud, è rimasta una bella scena, ispirata a Tiziano, con la "Moneta di Pietro" e "Maria con il Bambino" in un'aureola infuocata, a Palazzo Bianco, che ricorda Rubens, la "Crocifissione" in il palazzo reale di Genova, teneramente sentito in termini pittoreschi e spirituali, la Deposizione della Galleria Borghese a Roma, la languida testa di Maria a Palazzo Pitti, la magnifica e radiosa famiglia della Pinacoteca di Torino, e il potente, ma piuttosto garbato Pala della Madonna del Rosario a Palermo con figure allungate. Dei dipinti secolari, citeremo qui solo il bellissimo, nello spirito di Giorgione, il dipinto raffigurante le tre età della vita nel museo cittadino di Vincenza e il dipinto semplice nella composizione, ma focoso "Diana ed Endimon" a Madrid.

Nei suoi ritratti italiani, soprattutto genovesi, si manifestano anche un tratto sicuro, deciso e allo stesso tempo gentile che modella in chiaroscuro scuro e una colorazione profonda e ricca delle teste italiane che cercano l'unità di umore. Dipinto in uno scorcio ardito, quasi rivolto verso lo spettatore, il ritratto equestre di Antonio Giulio Brignole Sale, che agita il cappello nella mano destra in segno di saluto, collocato a Palazzo Rossi a Genova, è stato un vero indicatore del nuovo percorso. Nobili, con colonne e panneggi barocchi sullo sfondo, spiccano i ritratti della signora Geronimo Brignole Sale con la figlia Paola Adorio in abito di seta blu scuro con ricami in oro e un giovane in abiti da nobile, della stessa collezione al culmine della ritrattistica assoluta. Sono attigui i ritratti della Marchesa Durazzo in abito damascato di seta giallo chiaro, con bambini, davanti a una tenda rossa, un vivace ritratto di gruppo di tre fanciulli con un cane e un nobile ritratto di fanciullo in abito bianco, con un pappagallo, custodito nel Palazzo Durazzo Pallavicini. A Roma, la Galleria Capitolina ha un doppio ritratto molto vitale di Luca e Cornelis de Wael; a Firenze, a Palazzo Pitti, c'è un ritratto spiritualmente espressivo del cardinale Giulio Bentivoglio. Altri ritratti del periodo italiano di Van Dyck trovano la loro strada all'estero. Uno dei migliori è di proprietà di Pierpont Morgan a New York, ma si possono trovare anche a Londra, Berlino, Dresda e Monaco.

Il quinquennio (1627 - 1632) trascorso dal maestro in patria dopo il rientro dall'Italia si rivelò estremamente fruttuoso. Grandi pale d'altare piene di movimento, quali sono i potenti Crocifissi nella chiesa di S. Zhen a Dendermonde, nella chiesa di Michele a Gand, e nella chiesa di Romualdo a Meheln, e l'adiacente "Esaltazione della Croce" nella chiesa di S. Gens in Courtrai non lo rappresenta così come le opere piene di vita interiore, alle quali si aggiungono la Crocifissione di prossima uscita al Museo di Lille, "Riposo durante il volo" a Monaco e singole Crocifissioni piene di sentimento ad Anversa, Vienna e Monaco. Questi dipinti traducono le immagini di Rubens dal linguaggio eroico al linguaggio del sentimento. I dipinti più belli di questo periodo includono la Madonna con una coppia inginocchiata di donatori e angeli che versano fiori al Louvre, la Madonna con Gesù Bambino in piedi a Monaco e l'atmosfera piena di "Compianto su Cristo" ad Anversa, Monaco, Berlino e Parigi. Madonne e lamentazioni in genere erano i temi preferiti di Van Dyck. Raramente ha assunto immagini di divinità pagane, anche se il suo Ercole al bivio degli Uffizi, le immagini di Venere, Vulcano, Vienna e Parigi mostrano che era in grado di affrontarle in una certa misura. Rimase principalmente un ritrattista. Di questo periodo di cinque anni sono stati conservati circa 150 ritratti del suo pennello. I loro lineamenti del viso sono ancora più nitidi, nelle mani tipicamente aggraziate e inattive c'è ancora meno espressione che nei dipinti italiani dello stesso tipo. Alla loro postura si aggiunse una disinvoltura un po' più aristocratica, e nel colorito più freddo apparve uno stato d'animo generale più sottile. I vestiti di solito cadono facilmente e liberamente, ma materialmente. Tra i più belli, dipinti a grandezza naturale, ci sono i caratteristici ritratti della sovrana Isabella a Torino, al Louvre e nella Galleria del Liechtenstein, Philippe de Roy e sua moglie nella collezione Wallace a Londra, doppi ritratti di un gentiluomo e una dama con un bambino in braccio al Louvre e al Museo Gotico e qualche altro ritratto di gentiluomini e dame a Monaco. Tra i ritratti di vita e generazione più espressivi includiamo i ritratti del vescovo Mulderus e Martin Pipino ad Anversa, Adrian Stevens e sua moglie a San Pietroburgo, il conte Van den Berg a Madrid e il canonico Antonio de Tassis nella Galleria del Liechtenstein. L'organista Liberty guarda languidamente, lo scultore Colin de Nole, sua moglie e la loro figlia sembrano noiosi al gruppo di ritratti a Monaco. I ritratti di un gentiluomo e di una signora a Dresda e di Maria Luisa de Tassis nella Galleria del Liechtenstein si distinguono per una postura nobile e pittoresca. L'influenza di Van Dyck su tutta la ritrattistica del suo tempo, specialmente inglese e francese, fu enorme; tuttavia, per caratteristica naturale e verità interiore, i suoi ritratti non possono essere paragonati a quelli dei suoi contemporanei Velázquez e Frans Hals, per non citarne altri.

A volte, tuttavia, Van Dyck ha anche preso in mano l'ago per incidere. Conosciuto per 24 fogli eseguiti facilmente e con grande significato del suo lavoro. D'altra parte, commissionò ad altri incisori la riproduzione di una grande serie di piccoli ritratti di famosi contemporanei da lui dipinti, dipinti in un tono di grigio. Nella raccolta completa, questa "Iconografia di Van Dyck" in cento fogli è apparsa solo dopo la sua morte.

Come pittore di corte di Carlo I, Van Dyck dipinse piccoli quadri religiosi e mitologici durante gli ultimi otto anni della sua vita. Tuttavia, molti dei migliori dipinti scritti durante il suo breve soggiorno nei Paesi Bassi appartengono a questo periodo tardo del maestro. Era l'ultima e più pittoresca rappresentazione del "Riposo durante la fuga in Egitto", con una danza rotonda di angeli e pernici volanti, ora all'Ermitage, il "Compianto di Cristo" più maturo e più bello del Museo di Anversa, non solo chiara, calma e commovente nella composizione, ma espressione di vero dolore, ma anche nei colori, con i suoi bellissimi accordi di blu, bianco e oro scuro, che rappresentano un'opera magistrale e incantevole. Seguono poi i numerosissimi ritratti del periodo inglese. È vero, sotto l'influenza del tipo di corte londinese, le sue teste diventano sempre più simili a maschere, le sue mani diventano sempre meno espressive; ma gli abiti sono più raffinati e più materici nelle scritte, i colori, il cui tono argenteo solo a poco a poco ha cominciato a sbiadire, conquistano sempre più in tenero fascino. Naturalmente, Van Dyck ha anche organizzato un laboratorio a Londra con una produzione su larga scala, in cui sono stati coinvolti numerosi studenti. Il ritratto di famiglia a Windsor, che mostra la coppia reale seduta con due bambini e un cane, è una dimostrazione piuttosto debole. Il ritratto equestre del re nello stesso punto davanti all'arco trionfale è stato dipinto con grande gusto, ancora più pittoresco è il suo ritratto equestre alla National Gallery, davvero pittoresco è il delizioso ritratto del re in abito da caccia al Louvre . Dei ritratti della regina Henrietta Maria di Van Dyck, quello posseduto da Lord Northbrook a Londra e raffigurante la regina con i suoi nani su un giardino terrazzato è tra i più freschi e antichi, e quello nella galleria di Dresda, per tutta la sua nobiltà, è tra i più deboli e gli ultimi. Sono famosi vari ritratti dei figli del re inglese, appartenenti ai capolavori più attraenti di Van Dyck. Torino e Windsor hanno i ritratti più belli dei tre bambini reali; ma il più lussuoso e grazioso di tutti è il ritratto di Windsor con i cinque figli del re, con un cane grande e uno piccolo. Degli altri numerosi ritratti di Van Dyck a Windsor, il ritratto di Lady Venice Digby, con le sue aggiunte allegoriche in forma di colombe e divinità dell'amore, preannuncia una nuova era, e il doppio ritratto di Thomas Killigrew e Thomas Carew colpisce per la relazioni di vita rappresentate che sono insolite per il nostro maestro. Di particolare grazia si distingue il ritratto di James Stuart, con un grosso cane aggrappato, al Metropolitan Museum of Art di New York, ritratto dei promessi sposi, figli di Guglielmo II d'Orange e di Henrietta Maria Stuart, in il museo della città di Amsterdam è delizioso. Sono stati conservati circa un centinaio di ritratti del periodo inglese del maestro.

Van Dyck è morto giovane. Come artista, ha parlato, a quanto pare, tutto. Gli mancano la versatilità, la pienezza e la potenza del suo grande maestro, ma ha superato tutti i suoi contemporanei fiamminghi nella sottigliezza di uno stato d'animo puramente pittorico.

Altri importanti pittori, collaboratori e allievi di Rubens ad Anversa prima e dopo Van Dyck, vivono solo echi dell'arte di Rubens, anche Abraham Dipepbeck (1596 - 1675), Cornelis Schut (1597 - 1655), Theodor van Thulden (1606 - 1676) , Erasmus Quellinus (1607 - 1678), fratello del grande scultore, e suo nipote Jan Erasmus Quellinus (1674 - 1715) non sono così significativi da soffermarsi su di loro. I rappresentanti di vari dipartimenti realistici dell'officina di Rubens hanno un'importanza più indipendente. Frans Snyders (1579 - 1657) iniziò con una natura morta, che gli piaceva rappresentare a grandezza naturale, in modo ampio, realistico e, nonostante ciò, decorativo; per tutta la vita ha dipinto immagini grandi, piene di salutari osservazioni di utensili da cucina e frutta, come quelle disponibili a Bruxelles, Monaco e Dresda. Nella bottega di Rubens imparò anche a rappresentare vivace e affascinante, quasi con la forza e la luminosità del suo maestro, il mondo vivente, animali a grandezza naturale in scene di caccia. I suoi grandi dipinti di caccia a Dresda, Monaco, Vienna, Parigi, Kassel e Madrid sono classici a modo loro. A volte confuso con Snyders è suo cognato Paul de Vos (1590-1678), i cui grandi dipinti di animali non possono eguagliare la freschezza e il calore dei dipinti di Snyders. Il nuovo stile paesaggistico, sviluppato sotto l'influenza di Rubens, che ha eliminato quasi completamente i vecchi sfondi scenici a tre colori e le tradizionali chiome degli alberi simili a ciuffi, appare più chiaramente davanti a noi nei dipinti e nelle incisioni di Lucas van Oudens (1595 - 1672), assistente nel tardo periodo del maestro nel paesaggio. I suoi numerosi ma per lo più piccoli dipinti di paesaggi, di cui nove appesi a Dresda, tre a San Pietroburgo, due a Monaco, sono immagini semplici e naturali degli affascinanti paesaggi di confine locali tra la regione collinare del Brabante e la pianura fiamminga. La performance è ampia e meticolosa. I suoi colori si sforzano di trasmettere non solo l'impressione naturale di alberi e prati verdi, terra brunastra e distanze collinari bluastre, ma anche un cielo leggermente nuvoloso e luminoso. I lati soleggiati delle sue nuvole e degli alberi di solito brillano di macchie gialle di luce e, sotto l'influenza di Rubens, a volte compaiono anche nuvole di pioggia e arcobaleni.

L'arte di Rubens provocò una rivoluzione nell'incisione su rame dei Paesi Bassi. Numerosi incisori, di cui esaminava il lavoro, erano al suo servizio. Il più antico di loro, l'Anversa Cornelis Galle (1576 - 1656) e gli olandesi Jacob Matham (1571 - 1631) e Jan Müller, tradussero ancora il suo stile in un più antico linguaggio delle forme, ma gli incisori della scuola di Rubens, un certo numero di che vengono aperti da Peter Southman di Harlem (1580 - 1643), e continua a brillare con nomi come Lukas Forstermann (nato nel 1584), Paul Pontius (1603 - 1658), Boezio e Schelte. Bolswerth, Pieter de Jode il giovane e soprattutto il grande incisore di chiaroscuri Jan Wittdöck (n. 1604) riuscirono a infondere ai loro fogli la forza e il movimento di Rubens. La nuova tecnica della mezzatinta, che irruvidiva la superficie della lastra per mezzo di un piccone per raschiare su di essa un disegno in morbide masse, fu, se non inventata, poi per la prima volta ampiamente utilizzata da Vallerand Vaillant di Lille (1623 - 1677), allievo dell'allievo di Rubens Erasmo Quellinus, famoso eccellente ritrattista e originale pittore di natura morta. Poiché, tuttavia, Vaillant ha studiato quest'arte non in Belgio, ma ad Amsterdam, dove si è trasferito, la storia dell'arte fiamminga non può che menzionarlo.

Alcuni importanti maestri anversani di questo periodo, che non avevano rapporti diretti con Rubens o con i suoi allievi, che si unirono a Caravaggio a Roma, formarono un gruppo romano. Contorni chiari, modellazione plastica, ombre pesanti di Caravaggio si addolciscono solo nei loro dipinti successivi di una pittura più libera, più calda, più ampia che parlava dell'influenza di Rubens. A capo di questo gruppo c'è Abraham Janssens Van Nuessen (1576 - 1632), il cui allievo Gerard Zegers (1591 - 1651) nei suoi dipinti successivi si trasferì senza dubbio nel fairway di Rubens, e Theodore Rombouts (1597 - 1637) rivela l'influenza di Caravaggio nel suo genere, a grandezza naturale, con colori lucidi metallici e ombre nere, dipinti ad Anversa, Gand, San Pietroburgo, Madrid e Monaco.

Il più antico degli allora pittori fiamminghi che non erano in Italia, Caspar de Crayer (1582 - 1669), si trasferì a Bruxelles, dove, in competizione con Rubens, non andò oltre l'eclettismo. Sono guidati dall'Anversa Jacob Jordaens (1583 - 1678), anch'egli allievo e genero di Adam Van Noort, il capo dei realisti belgi veramente indipendenti dell'epoca, uno dei più significativi pittori fiamminghi eccezionali del XVII secolo, accanto a Rubens e Van Dyck. Rooses gli dedicò anche un'ampia opera. Più ruvido di Rubens, è più diretto e originale di lui. I suoi corpi sono ancora più massicci e carnosi di quelli di Rubens, le sue teste sono più rotonde e ordinarie. Le sue composizioni, solitamente ripetute, con lievi modifiche per dipinti diversi, sono spesso più spontanee e spesso oberate di lavoro, il suo pennello, nonostante tutta la sua abilità, è più secco, più liscio, a volte più denso. Nonostante tutto, è un colorista meraviglioso e originale. All'inizio scrive in modo fresco e vivace, modellando debolmente con colori locali saturi; dopo il 1631, trascinato dal fascino di Rubens, passa a chiaroscuri più delicati, a colori intermedi più nitidi ea un tono brunastro della pittura, da cui traspaiono efficacemente toni di base succosi e profondi. Ha anche ritratto tutto ciò che è raffigurato. Deve il suo miglior successo ai dipinti allegorici e di genere a grandezza naturale, nella maggior parte dei casi sul tema dei proverbi popolari.

Il primo dipinto conosciuto di Jordaens "Crocifissione" nel 1617 nella chiesa di S.. Paolo ad Anversa rivela l'influenza di Rubens. Jordaens è completamente se stesso nel 1618 nell'Adorazione dei pastori a Stoccolma e in un quadro simile a Braunschweig, e soprattutto nelle prime immagini di un satiro che visita un contadino, al quale racconta una storia incredibile. Il primo dipinto di questo tipo è di proprietà del signor Celst a Bruxelles; seguite da copie a Budapest, Monaco e Kassel. I primi dipinti religiosi includono anche le immagini espressive degli Evangelisti al Louvre e dei Discepoli alla Tomba del Salvatore a Dresda; dei primi dipinti mitologici, meritano menzione Meleagro e Atlanta ad Anversa. La prima delle sue composizioni viventi di gruppi di ritratti di famiglia (circa 1622) appartiene al Museo di Madrid.

L'influenza rubensiana è di nuovo evidente nei dipinti di Jordaens, scritti dopo il 1631. Nella sua satira di un contadino a Bruxelles, si nota già una svolta. Le sue famose raffigurazioni del "Re dei fagioli", di cui Kassel possiede la copia più antica - altre sono al Louvre e a Bruxelles - così come le sue innumerevoli immagini del proverbio "Ciò che cantano i vecchi, i piccoli squittiscono", un anversa la cui copia è datata 1638. ancora più freschi nei colori del Dresden, scritto nel 1641 - altri al Louvre ea Berlino - appartengono già alla maniera più morbida e morbida del maestro.

Prima del 1642 furono dipinti anche i rozzi dipinti mitologici "Processione di Bacco" a Kassel e "Arianna" a Dresda, vivaci ed eccellenti ritratti di Jan Wirth e sua moglie a Colonia; poi, fino al 1652, dipinti animati all'esterno e all'interno, nonostante le linee più pacate, come S. Ivo a Bruxelles (1645), un superbo ritratto di famiglia a Kassel e un vibrante "Re dei fagioli" a Vienna.

Nel 1652 il maestro era in pieno vigore con un invito all'Aia per partecipare alla decorazione del "Castello della foresta", a cui danno la "Divinizzazione del principe Friedrich Heinrich" e "La vittoria della morte sull'invidia" di Jordaens la sua impronta, e nel 1661 un invito ad Amsterdam, dove dipinse quadri superstiti ma ormai quasi indistinguibili per il nuovo municipio.

Il dipinto più bello e religioso dei suoi ultimi anni è Gesù tra gli scribi (1663) a Magonza; splendidamente nei colori, "Ingresso al Tempio" a Dresda e "Ultima Cena" permeata di luce ad Anversa.

Se Jordaens è troppo rozzo e irregolare per essere classificato tra i più grandi dei grandi, allora, come pittore borghese di Anversa e pittore di borghesi, occupa un posto d'onore accanto a Rubens, principe dei pittori e pittore di principi. Ma proprio per la sua originalità, non creò discepoli o seguaci degni di nota.

Cornelis de Vos (1585 - 1651) era un maestro, come Jordans, che si univa indipendentemente al passato pre-rubensiano dell'arte fiamminga, particolarmente eccezionale come ritrattista, alla ricerca della verità e della sincerità senza arte con uno stile pittorico calmo e penetrante, un peculiare brillantezza negli occhi delle sue figure e piena di colorazione leggera. Il miglior gruppo di ritratti di famiglia, con una composizione rilassata, appartiene al Museo di Bruxelles, e il ritratto singolo più forte del maestro della corporazione Grafeo appartiene ad Anversa. Molto tipici sono anche i suoi doppi ritratti della coppia di sposi e delle sue figlie piccole a Berlino.

In contrasto con il suo stile puramente fiammingo, con un tocco italiano, che fu sostenuto con maggiori o minori deviazioni dalla stragrande maggioranza dei pittori belgi del XVII secolo, la scuola vallone di Luttich, esplorata da Gelbier, sviluppò lo stile romano-belga di la tendenza Poussin dopo i francesi. A capo di questa scuola c'è Gerard Duffet (1594 - 1660), un accademico inventivo e molto raffinato, meglio conosciuto a Monaco. Gérard Leresse (1641 - 1711), allievo del suo allievo Bartolet Flemalle o Flemal (1614 - 1675), pigro imitatore di Poussin, trasferitosi già ad Amsterdam nel 1667, trapiantò da Lüttich in Olanda questo stile accademico imitando quello francese, che ha perseguito non solo come pittore e incisore di soggetti mitologici, ma anche con una penna nel suo libro, che ha un impatto significativo. Era un estremo reazionario e soprattutto contribuì all'inizio del secolo alla svolta della sana tendenza nazionale della pittura olandese nel fairway romanico. "Seleuco e Antiochia" ad Amsterdam e Schwerin, "Parnaso" a Dresda, "La partenza di Cleopatra" al Louvre ne danno un'idea sufficiente.

Leres, infine, ci riporta dalla grande pittura belga alla piccola; e quest'ultima, indubbiamente, conobbe ancora nei dipinti di piccole figure con campiture paesaggistiche o architettoniche la matura fioritura nazionale del Seicento, che crebbe direttamente dal terreno preparato dai maestri del periodo di transizione, ma raggiunse una completa libertà di movimento grazie alla l'onnipotente Rubens, in alcuni punti anche grazie a nuove influenze, francesi e italiane, o anche all'impatto della giovane arte olandese su quella fiamminga.

Una vera immagine di genere, e ora, come prima, ha interpretato il primo ruolo nelle Fiandre. Allo stesso tempo, si nota un confine piuttosto netto tra i maestri che raffiguravano la vita delle classi superiori in scene secolari o piccoli ritratti di gruppo, ei pittori della vita popolare nelle taverne, nelle fiere e nelle strade di campagna. Rubens ha creato esempi di entrambi i generi. I pittori secolari, nello spirito dei Giardini dell'amore di Rubens, raffigurano signore e signori in seta e velluto, che giocano a carte, festeggiano, suonano musica allegra o ballano. Uno dei primi tra questi pittori fu Christian van der Lamen (1615 - 1661), noto per dipinti a Madrid, Gotha, soprattutto a Lucca. Il suo allievo di maggior successo fu Jérôme Janssens (1624 - 1693), il "Ballerino" le cui scene di danza si possono vedere a Braungschweig. Sopra di lui come pittore si erge Gonzales Kokvets (1618 - 1684), un maestro dei ritratti aristocratici di piccoli gruppi raffiguranti membri della famiglia uniti in casa a Kassel, Dresda, Londra, Budapest e L'Aia. I più prolifici ritrattisti fiamminghi della vita popolare delle classi inferiori furono i Tenier. David Teniers il Vecchio (1582 - 1649) e suo figlio David Teniers il Giovane (1610 - 1690) si distinguono dalla numerosa famiglia di questi artisti. Il più anziano era probabilmente uno studente di Rubens, il Rubens più giovane probabilmente dava consigli amichevoli. Entrambi sono ugualmente forti sia nel paesaggio che nel genere. Tuttavia, non è stato possibile separare tutte le opere dell'anziano dai dipinti giovanili del giovane. All'anziano appartengono indubbiamente i quattro paesaggi mitologici del Museo di Corte di Vienna, ancora impegnati a trasmettere i "tre piani", "La tentazione di S. Anthony" a Berlino, "Mountain Castle" a Braunschweig e "Mountain Gorge" a Monaco.

Poiché David Teniers il Giovane fu influenzato dal grande Adrien Brouwer di Oudenard (1606-1638), diamo la precedenza a quest'ultimo. Brouwer è il creatore e il profano di nuovi percorsi. Bode ha studiato a fondo la sua arte e la sua vita. Per molti aspetti è il più grande dei pittori olandesi di vita popolare e allo stesso tempo uno dei più ispirati paesaggisti belgi e olandesi. L'influenza della pittura olandese sul fiammingo nel XVII secolo fu vista per la prima volta con lui, allievo di Frans Hals ad Haarlem, già prima del 1623. Al suo ritorno dall'Olanda, si stabilì ad Anversa.

Allo stesso tempo, la sua arte dimostra che gli epiteti più semplici della vita della gente comune possono, grazie alla loro esecuzione, acquisire il più alto valore artistico. Dall'olandese ha preso l'immediatezza della percezione della natura, la performance pittorica, di per sé artistica. In quanto olandese, si dichiara con un rigoroso isolamento nel trasmettere momenti di varie manifestazioni della vita, come un olandese, con prezioso umorismo, mette in risalto scene di fumo, risse, giochi di carte e bevute in taverna.

I primi dipinti che dipinse in Olanda, bevute contadine, risse ad Amsterdam, rivelano nei loro caratteri rozzi e ficcanaso le risposte dell'antica arte fiamminga di transizione. I capolavori di questo periodo sono i suoi già "Giocatori di carte" di Anversa e le scene di taverna dello Städel Institute di Francoforte. Un ulteriore sviluppo emerge nettamente in "Knife" e "Village Bath" della Pinakothek di Monaco: qui l'azione è già drammaticamente forte senza figure secondarie superflue; l'esecuzione in tutti i dettagli è pensata in modo pittoresco; dal chiaroscuro dorato del colore, brillano ancora i toni del rosso e del giallo. Segue il tardo periodo maturo del maestro (1633 - 1636), con figure più individuali, una tonalità di colore più fredda, in cui spiccano i locali di vernice verde e blu. Questi includono 12 dei suoi diciotto dipinti di Monaco e il migliore dei suoi quattro dipinti di Dresda. Schmidt-Degener ha allegato loro una serie di dipinti provenienti da collezioni private di Parigi, ma la loro autenticità, a quanto pare, non è sempre stabilita con precisione. A questi anni appartengono anche i migliori paesaggi di Brouwer, in cui i motivi più semplici della natura dei dintorni di Anversa sono alimentati da una trasmissione calda e radiosa di fenomeni di aria e luce. "Dunes" a Bruxelles, un dipinto con il nome del maestro, dimostra l'autenticità degli altri. Hanno un aspetto più moderno di tutti i suoi altri paesaggi fiamminghi. Tra i migliori ci sono il chiaro di luna e il paesaggio pastorale di Berlino, il paesaggio di dune dai tetti rossi nella Bridgewater Gallery e il potente paesaggio del tramonto attribuito a Rubens a Londra.

I dipinti di genere degli ultimi due anni di vita del maestro di grandi dimensioni prediligono scritte chiare e sfumate e una più netta subordinazione dei colori locali a un tono grigio generale. Contadini che cantano, soldati che giocano a dadi e la coppia ospitante nella bettola della Pinakothek di Monaco sono affiancati da forti dipinti raffiguranti operazioni presso l'Istituto Staedel e il "Fumatore" del Louvre. L'arte originale di Brouwer è sempre l'esatto contrario di tutte le convenzioni accademiche.

David Teniers il Giovane, pittore di genere prediletto dal mondo nobile, invitato nel 1651 dal pittore di corte e direttore della galleria dell'arciduca Leopoldo Guglielmo da Anversa a Bruxelles, dove morì in vecchiaia, non può essere paragonato a Brouwer nel immediatezza del trasferimento della vita, nell'esperienza emotiva dell'umorismo, ma proprio per questo lo supera con la raffinatezza esterna e la stilizzazione urbana della vita popolare intesa. Gli piaceva ritrarre cittadini vestiti aristocraticamente nei loro rapporti con la gente del villaggio, a volte dipingeva scene secolari della vita dell'aristocrazia, e trasmetteva persino episodi religiosi nello stile dei suoi dipinti di genere, all'interno di stanze squisitamente decorate o tra veri osservati, ma paesaggi decorativi. Tentazione di S. Anthony (a Dresda, Berlino, San Pietroburgo, Parigi, Madrid, Bruxelles) appartiene ai suoi argomenti preferiti. Più di una volta ha anche dipinto una prigione con l'immagine di Peter sullo sfondo (Dresda, Berlino). Dei temi mitologici nello stile dei suoi dipinti di genere, chiameremo "Nettuno e Anfitrite" a Berlino, il dipinto allegorico "Cinque sensi" a Bruxelles, opere poetiche - dodici dipinti da "Gerusalemme liberata" a Madrid. Anche i suoi dipinti che rappresentano alchimisti (Dresda, Berlino, Madrid) possono essere classificati come un genere dell'alta società. La stragrande maggioranza dei suoi dipinti, di cui 50 a Madrid, 40 a San Pietroburgo, 30 a Parigi, 28 a Monaco, 24 a Dresda, raffigurano l'ambiente degli abitanti del villaggio che si divertono durante le loro ore di svago. Li raffigura mentre banchettano, bevono, ballano, fumano, giocano a carte oa dadi, a una festa, in un'osteria o per strada. La sua scrittura leggera e libera nel suo linguaggio naturale delle forme, travolgente e allo stesso tempo gentile, ha sperimentato cambiamenti solo nel colore. Il tono della sua “Festa al tempio nella penombra” del 1641 a Dresda è pesante, ma profondo e freddo. Quindi ritorna al tono marrone dei primi anni, che si trasforma rapidamente in un focoso tono dorato in dipinti come la prigione del 1642 a San Pietroburgo, la "birreria della Gilda" nel 1643 a Monaco e "Il figliol prodigo" in 1644 al Louvre, divampa più luminoso in "Danza" del 1645 a Monaco e "Giocatori di dadi" del 1646 a Dresda, poi, come mostrano i "Fumatori" del 1650 a Monaco, diventa gradualmente più grigio e, infine, nel 1651, in "Matrimonio contadino" a Monaco, vira in un raffinato tono argentato e si accompagna alla scrittura sempre più leggera e fluida che contraddistingue i dipinti di Teniers degli anni Cinquanta, come la sua "Guardia" del 1657 a Buckingham Palace. Infine, dopo il 1660 il suo pennello diventa meno sicuro, la colorazione è di nuovo più marrone, secca e torbida. Monaco possiede un dipinto raffigurante un alchimista, con le sembianze di un dipinto di un anziano maestro del 1680.

Tra gli allievi di Brouwer spicca Joos van Kreesbeek (1606 - 1654), nei cui dipinti le lotte a volte finiscono tragicamente; Gillis van Tilborch (circa 1625-1678) è conosciuto dagli studenti di Teniers il Giovane, che dipinse anche ritratti di gruppi familiari nello stile di Kokves. Insieme a loro ci sono membri della famiglia di pittori Rikavert, di cui in particolare David Rikaert III (1612 - 1661) raggiunse una certa ampiezza di indipendenza.

Accanto alla pittura nazionale fiamminga di piccole figure vi è una simultanea, anche se non equivalente, tendenza italianizzante, i cui maestri operarono temporaneamente in Italia e rappresentarono la vita italiana in tutte le sue manifestazioni. Tuttavia, il più grande di questi membri della "comunità" olandese a Roma, portato via da Raffaello o Michelangelo, erano gli olandesi, sui quali torneremo di seguito. Pieter Van Laer di Gaarlem (1582 - 1642) è il vero fondatore di questa tendenza, che influenzò ugualmente sia gli italiani del tipo Cherkvozzi che i belgi del tipo di Jan Mils (1599 - 1668). Meno indipendenti sono Anton Goubau (1616 - 1698), che ha riempito le rovine romane di vita colorata, e Peter Van Blemen, soprannominato Standardaard (1657 - 1720), che ha preferito le fiere di cavalli italiane, le battaglie di cavalleria e le scene di accampamento. La vita popolare italiana è rimasta fin dai tempi di questi maestri un'area che attira ogni anno folle di pittori del nord.

Al contrario, la pittura di paesaggio si sviluppò nello spirito nazionale fiammingo, con temi di battaglie e rapinatori, accanto a Sebastian Vranks, il cui allievo Peter Snyers (1592-1667) si trasferì da Anversa a Bruxelles. I primi dipinti di Sniers, come quelli di Dresda, lo mostrano su un percorso piuttosto pittoresco. Successivamente, come pittore di battaglie della Casa d'Asburgo, enfatizzò la fedeltà topografica e strategica più che la fedeltà pittorica, come dimostrano i suoi grandi dipinti a Bruxelles, Vienna e Madrid. Il suo miglior allievo fu Adam Frans Van der Meulen (1631 - 1690), pittore di battaglie di Luigi XIV e professore all'Accademia di Parigi, che trapiantò a Parigi lo stile di Snyers, da lui affinato nella prospettiva aerea e leggera. Alla Reggia di Versailles e all'Hotel des Invalides di Parigi, dipinse grandi serie di pitture murali, impeccabili nelle loro forme sicure e nell'impressione di un paesaggio pittoresco. I suoi dipinti a Dresda, Vienna, Madrid e Bruxelles con campagne, assedi di città, accampamenti, ingresso vittorioso del grande re si distinguono anche per la loro brillante sottigliezza pittorica della percezione. Questo dipinto di battaglia dei Nuovi Paesi Bassi fu trasferito in Italia da Cornelis de Wael (1592-1662), che si stabilì a Genova, e, avendo qui acquisito un pennello più perfetto e colori caldi, passò presto a rappresentare la vita popolare italiana.

Nella pittura paesaggistica belga vera e propria, descritta in modo più dettagliato dall'autore di questo libro in The History of Painting (suo e di Woltmann), si può distinguere abbastanza chiaramente la tendenza originale, nativa, solo leggermente toccata dalle influenze meridionali, dalla tendenza pseudo-classica tendenza che confinava con Poussin in Italia. La pittura paesaggistica nazionale belga ha mantenuto, rispetto a quella olandese, a parte Rubens e Brouwer, una caratteristica di decoratività in qualche modo esteriore; con questa caratteristica, è apparsa nella decorazione di palazzi e chiese con serie decorative di dipinti in abbondanza come da nessun'altra parte. Paul Bril di Anversa ha instillato questo tipo di pittura a Roma; in seguito i belgi francesizzati Francois Millet e Philippe de Champagne decorarono le chiese parigine con dipinti di paesaggi. L'autore di questo libro ha scritto un articolo separato sui paesaggi della chiesa nel 1890.

Dei maestri di Anversa, si dovrebbe in primo luogo indicare Caspar de Witte (1624 - 1681), poi Peter Spirincks (1635 - 1711), che possiede paesaggi di chiese erroneamente attribuiti a Peter Risbrak (1655 - 1719) nel coro della chiesa agostiniana chiesa di Anversa, e in particolare su Jan Frans Van Bloemen (1662 - 1748), soprannominato "Horizonte" per la nitidezza delle distanze montane azzurre dei suoi dipinti di successo, fortemente rievocativi di Duguet, ma aspri e freddi.

La pittura paesaggistica nazionale belga di questo periodo fiorì prevalentemente a Bruxelles. Il suo antenato era Denis Van Alsloot (circa 1570-1626), che, basato sullo stile di transizione, sviluppò grande forza, fermezza e chiarezza pittorica nei suoi dipinti semi-rurali e semi-urbani. Il suo grande discepolo Lucas Achtschellingx (1626 - 1699), influenzato da Jacques d'Artois, partecipò alla decorazione delle chiese belghe con paesaggi biblici con lussureggianti alberi verde scuro e distanze collinari blu, in modo ampio, libero, in qualche modo ampio. Jacques d'Artois (1613 - 1683), il miglior paesaggista di Bruxelles, allievo del quasi sconosciuto Jan Mertens, decorò anche chiese e monasteri con grandi paesaggi, le cui scene bibliche furono dipinte dai suoi amici, pittori storici. I suoi paesaggi della cappella di S. L'autore di questo libro ha visto le mogli della Cattedrale di Bruxelles nella sagrestia di questa chiesa. I paesaggi ecclesiastici erano, in ogni caso, anche i suoi grandi dipinti del Museo di Corte e della Galleria del Liechtenstein a Vienna. Con i suoi dipinti di piccole stanze, che rappresentano la lussureggiante natura della foresta dei dintorni di Bruxelles, con i suoi giganteschi alberi verdi, le strade di sabbia gialla, le distanze collinari blu, i fiumi e gli stagni luminosi, puoi conoscere meglio Madrid e Bruxelles e anche perfettamente a Dresda , Monaco e Darmstadt. Con una lussuosa composizione chiusa, profonda, satura di colori vivaci, con un'aria limpida con nuvole, che sono caratterizzate da lati illuminati giallo oro, trasmettono perfettamente il carattere generale, ma pur sempre solo generale dell'area. Dorato, più caldo, più decorativo, se volete, più veneziano di colore di d'Artois, il suo miglior allievo Cornelis Huysmans (1648 - 1727), il cui miglior paesaggio ecclesiastico è il "Cristo in Emmaus" della chiesa di St. Wives a Mecheln .

Nella città balneare di Anversa si è naturalmente sviluppato anche un porto turistico. Il desiderio di libertà e naturalezza del XVII secolo si concretizzò qui nei dipinti che rappresentano le battaglie costiere e navali di Andries Aartvelt o Van Ertvelt (1590 - 1652), Buonaventura Peters (1614 - 1652) e Hendrik Mindergout (1632 - 1696), che però non riesce a raggiungere i migliori artigiani olandesi dello stesso settore.

Nella pittura architettonica, che raffigurava volentieri l'interno delle chiese gotiche, ai maestri fiamminghi, come Peter Neefs il giovane (1620 - 1675), che difficilmente andava oltre uno stile grezzo di transizione, mancava anche il fascino interno, luminoso e pittoresco dell'olandese immagini di chiese.

Più audacia e luminosità i belgi hanno portato alle immagini di animali, frutti, natura morta e fiori. Tuttavia, anche Jan Fit (1611 - 1661), pittore di utensili da cucina e frutta, non andò oltre Snyders, che eseguì con cura e unì in modo decorativo tutti i dettagli. Anche la pittura floreale non è andata ad Anversa, almeno da sola, oltre a Jan Brueghel il Vecchio. Anche l'allievo di Brueghel in questo campo, Daniel Seghers (1590 - 1661), lo superò solo nell'ampiezza e nel lusso dell'impianto decorativo, ma non nella comprensione del fascino delle forme e dei colori cangianti dei singoli colori. In ogni caso, le ghirlande di fiori di Seghers sulle Madonne di grandi pittori figurativi e le sue rare e indipendenti immagini di fiori, come un vaso d'argento a Dresda, rivelano la chiara luce fredda di un'esecuzione incomparabile. Anversa nel XVII secolo è il luogo principale della pittura neerlandese di fiori e frutti, ma lo deve non tanto ai maestri locali quanto al grande utrechtiano Jan Davids de Gey (1606 - 1684), che si trasferì ad Anversa e vi allevò la sua figlio Cornelis, nato a Leida de Gay (1631 - 1695), in seguito anche maestro di Anversa. Ma sono loro, i più grandi di tutti i pittori di fiori e frutti, che si distinguono per il loro infinito amore per i dettagli di finitura e il potere della pittura, capace di fondere internamente questi dettagli, come maestri del tipo olandese, e non belga.

Abbiamo visto che c'erano connessioni significative tra la pittura fiamminga e l'arte olandese, italiana e francese. I fiamminghi seppero apprezzare la percezione diretta, intima degli olandesi, l'eleganza patetica dei francesi, il lusso decorativo delle forme e dei colori degli italiani, ma, a parte disertori e fenomeni isolati, rimasero sempre solo un quarto della essi stessi nella loro arte, per l'altro erano internamente romanizzati ed esteriormente olandesi germanici, che seppero cogliere e riprodurre la natura e la vita con forte e impetuoso entusiasmo, e in senso decorativo con umore.

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