Artisti finlandesi. Attraverso le sale del Museo Ateneum: le mostre più famose e interessanti degli artisti finlandesi all'Ermitage

Akseli Gallen-Kallela

Sammon puolustus (1896)

Illustrazioni per il Kalevala. " Sampo Difesa«.

Sampo(Fin. Sampo) - nella mitologia careliano-finlandese, un oggetto magico unico nel suo genere che ha poteri magici ed è fonte di felicità, prosperità e abbondanza. Nell'epopea di Kalevala, il suo creatore Elias Lönnrot ha presentato Sampo sotto forma di mulino a vento.

Hugo Simberg

ciao (1895)

ciao- Questo gelo, se ho capito bene, ad esempio, d'estate di notte o la mattina presto

In questo senso, l'immagine trasmette bene l'immagine.

Helene Schjerfbeck

Toipilla (1888)

toipillas — convalescente

Hugo Simberg

Puutarha di Kuoleman —giardino della morte

Esistono diverse versioni di questo dipinto, questo disegno è un affresco della cattedrale di Tampere.

Questa foto mi è stata consigliata da una ragazza finlandese, quando ho notato che era in qualche modo cupa anche per i cupi finlandesi, mi ha risposto calorosamente: “Le morti si prendono cura dei fiori, le persone in mezzo al deserto, e quando sono costrette a tagliare loro, lo fanno dolcemente, come chiedendo perdono...”

Hugo Simberg

Enkeli Haavoittunut -Angelo ferito
(1903)

La trama dell'immagine si svolge su uno sfondo storico riconoscibile: questo è il parco Eleintarha (letteralmente "zoo") e la baia di Töölö a Helsinki. All'inizio del XX secolo, il parco era una popolare area ricreativa per i lavoratori e ospitava anche istituzioni di beneficenza. La strada lungo la quale si muovono i personaggi è sopravvissuta fino ai giorni nostri: il corteo si sposta lungo di essa verso l'allora esistente scuola per ragazze cieche e un ricovero per disabili.

Il dipinto raffigura due ragazzi che trasportano su una barella un angelo effeminato bendato con un'ala sanguinante. Uno dei ragazzi fissa intensamente e accigliato direttamente lo spettatore, il suo sguardo esprime simpatia per l'angelo ferito o disprezzo. Il paesaggio sullo sfondo è volutamente aspro e scarno, ma dà l'impressione di calma. La trama non banale apre spazio a un'ampia gamma di interpretazioni. Gli abiti e le scarpe ruvide dei ragazzi, i loro volti accigliati e seri si contrappongono alla fragile figura di un angelo vestito con un abito leggero, che suggerisce l'opposizione di vita e morte, il sangue sull'ala dell'angelo e la benda è segno di vulnerabilità ed esistenza effimera, ma nella sua mano l'angelo tiene un mazzo di bucaneve è simbolo di rinascita e ripresa. La vita qui sembra essere vicina alla morte. Uno dei ragazzi si è rivolto al pubblico, rompendo lo spazio ermetico dell'immagine, chiarendo così che le questioni della vita e della morte sono direttamente correlate a loro. Lo stesso Simberg ha rifiutato di dare qualsiasi interpretazione di The Wounded Angel, lasciando allo spettatore il compito di trarre le proprie conclusioni.

Il dipinto ha avuto un enorme impatto sulla cultura finlandese. I riferimenti ad esso si trovano in molte opere d'arte alta e popolare. Il video della band metal finlandese Nightwish per la canzone "Amaranth" riproduce il motivo di "The Wounded Angel".

Alberto Edelfelt

Parisin Luxembourgin puistossa — Nei Giardini del Lussemburgo a Parigi.

Akseli Gallen-Kallela

Akka ja kissa — vecchia e gatto

A Gallen-Kallela, in generale, tutti i dipinti sono capolavori, questo è davvero un artista di livello mondiale.

Questa immagine è scritta in modo enfaticamente naturalistico, ma, nonostante tutta la sua disadorna, è piena di simpatia e amore per le persone più semplici e povere.

Il dipinto fu acquisito dal Museo d'Arte di Turku nel 1895 ed è ancora lì oggi.

Parola akka Traduco sempre con difficoltà - sia "donna" che "nonna".

Qui mostrerò un piccolo assaggio e aggiungerò un'altra immagine Helene Schjerfbeck- in russo leggiamo il suo nome Helena Schjerfbeck.

Ed ecco un raggio di luce e calore.

dipinto del 1882, Tanssiaiskengat —scarpe da ballo.

Questa è probabilmente la foto finlandese più triste. Almeno secondo me.

Alberto Edelfelt

Lapsen ruumissaatto — Funerale di un bambino(letteralmente corteo funebre di un bambino)

Questa è la prima composizione di genere all'aperto nelle arti visive finlandesi. È diventata, per così dire, un frammento di vita reale, visto e catturato dall'artista. L'immagine racconta il dolore umano. Edelfelt ha raffigurato una semplice famiglia che trasporta una piccola bara su una barca. Il paesaggio aspro corrisponde allo stato d'animo delle persone che salutano il loro bambino nel loro ultimo viaggio. Nei loro volti dolenti, movimenti sobri: solenne tristezza, che fa eco alla bianca superficie immobile del lago, al cielo freddo e luminoso, alle lontane rive basse.

"Il funerale di un bambino" gli ha conferito il titolo di accademico e l'opera è stata acquistata in una collezione privata a Mosca. Allo stesso tempo, è stata organizzata una mostra personale a Tsarskoe Selo, ed Edelfelt è stato presentato ad Alessandro III e Maria Feodorovna, anch'essa appassionata di pittura.

La vicinanza dell'artista alla corte ha contribuito alla popolarità della pittura finlandese in Russia. Possiamo dire che Edelfelt è stato uno di quelli che hanno scoperto l'arte della Finlandia per la Russia.

Nel 1907 il dipinto tornò in Finlandia ed è ora al Museo Ateneum di Helsinki.

Tuttavia, a nome mio, vorrei notare che in questa immagine viene trasmesso in modo molto accurato l'atteggiamento dei finlandesi nei confronti della morte (che, ahimè, è una parte, l'ultima parte, di ogni vita). È molto severo e sobrio, anche qui c'è una differenza rispetto ai russi. Ma questa severità e moderazione non parlano della loro mancanza di emozioni, è solo che i finlandesi portano tutto questo nel profondo di se stessi. Più profondo di noi russi. Ma il dolore per questo non cessa di essere dolore per loro.

Pekka Halonen

Tienraivaajia Karjalassa — Costruttori di strade in Carelia.

Letteralmente sarebbero "raschiatori stradali in Carelia".

raivata- buon verbo Libera la strada
Non so se ha qualcosa in comune con la parola Raivo — rabbia, frenesia

Ma guardando questa immagine, possiamo presumere di sì.

C'è un'altra caratteristica dei finlandesi nella foto: storicamente hanno dovuto vivere in un ambiente naturale estremamente sfavorevole, cioè a volte combattono ferocemente per la loro esistenza, quindi, probabilmente, questa perseveranza che mostrano nel lavoro e nelle avversità. Almeno così era prima.

Hugo Simberg

Un'altra foto di Hugo Simberg - " Sogno«.

Simberg è giustamente considerato un simbolista, i suoi dipinti sono estremamente aperti a interpretazioni e interpretazioni.

E allo stesso tempo, c'è sempre qualcosa di molto nazionale nei suoi quadri.

Akseli Gallen-Kallela

Poika ja varis — Il ragazzo e il corvo.

(1884) Personalmente, tra l'altro, solo da adulto l'ho imparato corvo (varis), relativamente parlando, non una moglie / femmina corvo (korppi). In effetti, tale confusione si verifica fortunatamente solo in russo. Ad esempio, in ucraino, un corvo è un "truffatore" e un corvo sarà un "corvo". In inglese, la parola per corvo suona "raven", e il corvo si chiama "crow".

Il dipinto è ora all'Ateneo.

Akseli Gallen-Kallela.

Lemminkäisen aiti — La madre di Lemminkäinen.
(1897)

Il dipinto si trova all'Ateneum di Helsinki.

Il dipinto descrive una scena del Kalevala in cui Lemminkäinen viene ucciso e smembrato, e le parti del corpo vengono gettate nel fiume oscuro, il Tuonela. La madre dell'eroe ha raccolto le parti del corpo di suo figlio con un rastrello e le ha cucite in un tutt'uno. Nella foto, sta aspettando un'ape - quindi alza lo sguardo - che porterà il miele magico dal dio anziano Ukko, che deve resuscitare Lemminkäinen.

Fondata nel 1933 a Helsinki. Inizialmente, univa 23 artisti di varie specialità, alla fine degli anni '30 - circa 45. Il primo presidente della società fu l'architetto e artista di interni L. E. Kurpatov, dal 1934 questo posto fu occupato da E. A. Buman-Kolomiytseva, dal 1935 - Baron R. A. Shtakelberg (eletto membro onorario nel 1936), dal 1936 - V. P. Shchepansky. La Società ha ospitato mostre annuali del lavoro dei suoi membri (con premi in denaro) e balli di beneficenza annuali (di solito all'Hotel Grand); c'era un fondo di mutuo soccorso, si tenevano serate amichevoli e si leggevano rapporti pubblici sull'arte. Tra le relazioni lette in diversi anni: "Teatro russo negli ultimi 25 anni" di S. M. Veselov (1935), "Pittori paesaggisti russi" di V. P. Shchepansky (1936; dedicato alla memoria dell'artista M. A. Fedorova), "Cultura a casa " L. E. Kurpatova (1936) e altri. La Società ha partecipato all'organizzazione della Giornata annuale della cultura russa, celebrata nel giorno del compleanno di A. S. Pushkin, e nel 1937 - in eventi legati al centenario della morte del poeta. Nel 1934 si decise di organizzare un laboratorio artistico e in estate di affittare insieme un cottage estivo per lavorare sui bozzetti.

Alle mostre della società hanno partecipato: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deters, H. Dippel- Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, Baronessa M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

Con lo scoppio delle ostilità contro la Finlandia nel 1939, le attività della società cessarono e divennero più attive solo dopo la guerra. Nel 1945 la società fu trasformata nell'Unione degli artisti russi in Finlandia, presieduta da IM Karpinsky. L'anno successivo, questa organizzazione divenne un membro collettivo dell'Unione democratica culturale russa e nel 1947 si tenne la sua prima mostra all'Harhammer Art Salon.

Bibliografia:	Cronaca della vita letteraria del russo all'estero: Finlandia (1918-1938) / Compilato da: E. Hämäläinen, Yu A. Azarov // Rivista letteraria. Sezione di Lingua e Letteratura dell'Accademia Russa delle Scienze. Istituto di informazioni scientifiche sulle scienze sociali dell'Accademia delle scienze russa. – 2006. N. 20. S. 271–319.
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Mostra permanente del Museo Ateneum occupa il terzo piano dell'edificio (vi sono allestite anche piccole esposizioni tematiche) e al secondo piano si tengono mostre temporanee (pianta delle sale). In questa nota, parleremo di alcuni dei dipinti e delle sculture più interessanti e famosi della collezione Ateneum, nonché dei loro autori: il famoso Pittori e scultori finlandesi. Maggiori informazioni sulla storia del museo Ateneum e sull'architettura dell'edificio del museo può essere letto. Fornisce inoltre informazioni utili su prezzi dei biglietti, orari di apertura e la procedura per visitare il Museo Ateneum. Attenzione: non sempre nel museo è possibile vedere contemporaneamente tutte le opere famose.

Opere di scultori finlandesi

Iniziamo la nostra passeggiata attraverso il museo Ateneum proprio dall'ingresso.

Nell'atrio veniamo accolti da un gruppo marmoreo" Apollo e Marsia» (1874) del famoso scultore finlandese Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), autore di monumenti a Johan Runeberg e all'imperatore Alessandro II a Helsinki. Il padre dello scultore, il poeta Johan Runeberg, rappresentante della tendenza romantica nazionale nella letteratura, ha introdotto nella cultura finlandese gli ideali della civiltà greca e romana, compreso il valore del coraggio e della devozione. Suo figlio ha continuato a esprimere questi ideali, ma attraverso la scultura. Nel 1858-62. Walter Runeberg ha studiato all'Accademia di Belle Arti di Copenaghen sotto la guida dello scultore danese Hermann Wilhelm Bissen, allievo del famoso Thorvaldsen, maestro di scultura neoclassica riconosciuto a livello internazionale. Nel 1862-1876. Runeberg ha lavorato a Roma, continuando a studiare il patrimonio classico.

In questo gruppo scultoreo, Runeberg ha raffigurato il dio della luce, Apollo, che sconfigge il satiro Marsia con la sua arte, personificando l'oscurità e la terrosità. La figura di Apollo è realizzata nello spirito di antichi ideali, mentre questa immagine è chiaramente contraria al pastore barocco-selvaggio Marsia. La composizione era originariamente destinata a decorare la nuova Helsinki Student House ed è stata commissionata dalla confraternita, ma poi le signore hanno apparentemente deciso che c'era troppa nudità nella scultura di Runeberg. In un modo o nell'altro, alla fine, l'opera è stata presentata in dono all'Art Society of Finland - e così è finita nella collezione del Museo Ateneum.

All'ingresso delle principali sale espositive dell'Ateneum al terzo piano si possono vedere alcune opere più interessanti scultori finlandesi. Particolarmente attraenti sono le sculture in marmo e bronzo, le statuine eleganti e i vasi realizzati da Ville Wallgren (Ville Wallgren) (1855–1940).Ville Wallgrenè stato uno dei primi scultori finlandesi che, dopo aver ricevuto un'istruzione di base in Finlandia, ha deciso di continuare i suoi studi non a Copenaghen, ma a Parigi. La sua scelta è stata influenzata dal noto artista Albert Edelfelt, anch'egli originario di Porvoo. Edelfelt ha aiutato l'impulsivo connazionale in altre questioni di vita e professionali: ad esempio, è stato con il suo aiuto che Wallgren ha ricevuto l'ordine di completare la famosa fontana Havis Amanda (1908) sull'Esplanade Boulevard a.

Ville Wallgren, che ha vissuto in Francia per quasi 40 anni, è meglio conosciuto per le sue sensuali figure femminili in stile Art Nouveau. Tuttavia, in una fase iniziale del suo lavoro, ritraeva spesso giovani uomini e aderiva a uno stile più classico (esempi sono sculture poetiche in marmo " Eco" (1887) e " ragazzo che gioca con il granchio(1884), in cui Wallgren collega i personaggi umani e il mondo naturale).

Alla fine del XIX secolo, Ville Wallgren divenne famoso in tutto il mondo come straordinario maestro di figurine decorative, oltre a vasi, urne funerarie e lacrime, decorati con figure di ragazze in lutto. Ma con non meno persuasività, il bon vivant Wallgren ha ritratto le gioie della vita, comprese le donne civettuole e seducenti, come la stessa Havis Amanda. Oltre alla già citata scultura "Ragazzo che gioca con il granchio" (1884), al terzo piano del museo dell'Ateneo si possono vedere opere in bronzo di Wille Wallgren: "Lacrima" (1894), "Primavera (Rinascimento)" (1895), "Due giovani" (1893) e un vaso (1894 circa). Queste opere squisite con dettagli perfettamente elaborati sono di piccole dimensioni, ma fanno una forte impressione emotiva e sono ricordate per la loro bellezza.

Ville Wallgren ha fatto molta strada nella carriera di scultore, ma una volta trovata la sua direzione e ottenuto il supporto di professionisti, è diventato uno degli artisti più rispettati e riconosciuti a livello internazionale della storia. Arte finlandese. Ad esempio, è stato l'unico finlandese a ricevere la medaglia del Gran Premio per il suo lavoro all'Esposizione mondiale di Parigi (questo è accaduto nel 1900). Wallgren attirò per la prima volta l'attenzione di colleghi e critici durante l'Esposizione Mondiale del 1889, dove fu presentato il suo rilievo "Cristo". Ancora una volta lo scultore finlandese si fa conoscere durante i salotti simbolisti parigini Rosa + Croce nel 1892 e nel 1893. La moglie di Wallgren era l'artista e scultrice svedese Antoinette Rostrem ( Antonietta Råström) (1858-1911).

Età d'oro dell'arte finlandese: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

In una delle sale più grandi del terzo piano il Museo dell'Ateneo vengono presentati dipinti classici, tra cui il lavoro dell'amico Ville Wallgren - Alberto Edelfelt (Alberto Edelfelt) (1854-1905), il più conosciuto al mondo Artista finlandese.

L'attenzione del pubblico è necessariamente attratta dalla favolosa immagine " Regina Bianca"(1877) - uno dei dipinti più popolari e amati in Finlandia, un vero inno alla maternità. Riproduzioni stampate di questo dipinto e ricami che lo raffigurano si possono trovare in migliaia di case in tutto il paese. Edelfelt è stato ispirato dal racconto "I nove argentieri" di Zacharias Topelius ( De nio silverpenningarna), in cui la medievale regina di Svezia e Norvegia, Bianca di Namur, intrattiene con canti il ​​figlio, il principe Hakon Magnusson, futuro marito di Margherita I di Danimarca. Il risultato di questo matrimonio, organizzato proprio Regina Bianca, divenne l'unione di Svezia, Norvegia e Danimarca - l'Unione di Kalmar (1397-1453). La bella Blanca canta di tutti questi eventi futuri al suo figlioletto.

Nell'era della creazione di questa tela, la pittura storica era considerata la forma d'arte più nobile ed era richiesta dalle sezioni colte della società finlandese, poiché l'identità nazionale in quel momento stava appena iniziando a prendere forma. Albert Edelfelt aveva solo 22 anni quando decise di creare un dipinto sul tema della storia scandinava medievale e la regina Blanca divenne la sua prima opera seria. L'artista ha cercato di soddisfare le aspettative della sua gente e incarnare la scena storica nel modo più vivido e autentico possibile (al momento della pittura, Edelfelt viveva in un angusto attico a Parigi e, su insistenza del suo insegnante Jean-Leon Gerome, ha studiato i costumi dell'epoca, leggere libri di architettura e mobili medievali, visitare il Museo medievale di Cluny). Guarda l'abilità con cui sono scritti la seta lucente dell'abito della regina, la pelle d'orso sul pavimento e molti altri dettagli (l'artista ha noleggiato appositamente la pelle d'orso nel grande magazzino). Ma la cosa principale nella foto, almeno per lo spettatore moderno (e per lo stesso Edelfelt, che amava sua madre più di chiunque altro al mondo), è il suo caldo contenuto emotivo: il volto della madre e i gesti del bambino, che esprimono amore, gioia e intimità.

Una bellissima parigina di 18 anni ha fatto da modella per la regina Blanca, e un bel ragazzo italiano ha posato per il principe. Dipinto "Regina Blanca" fu presentato per la prima volta al pubblico nel 1877 al Salon di Parigi, ebbe un grande successo e fu replicato nelle pubblicazioni d'arte francesi. Poi è stata mostrata in Finlandia, dopodiché la tela è stata venduta ad Aurora Karamzina. Successivamente il dipinto finì nella collezione del magnate Hjalmar Linder, che lo donò il Museo dell'Ateneo nel 1920.

Un altro esempio di creatività precoce Alberto Edelfelt il quadro dolente" Funerale di un bambino"("Trasporto della bara") (1879). Abbiamo già detto che in gioventù Edelfelt sarebbe diventato un pittore di storia; si è preparato per questo mentre studiava ad Anversa, e poi a Parigi. Ma alla fine degli anni '70 dell'Ottocento i suoi ideali erano cambiati, strinse amicizia con l'artista francese Bastien-Lepage e divenne un predicatore della pittura plein air. Prossimi lavori Edelfeltro sono già un riflesso realistico della vita contadina e della vita viva della loro terra natale. Ma il dipinto "Il funerale di un bambino" non riflette solo la scena della vita quotidiana: trasmette una delle emozioni umane fondamentali: il dolore.

Quell'anno Edelfelt visitò per la prima volta la dacia affittata da sua madre nella tenuta Haikko vicino a Porvoo (in seguito l'artista venne in questi splendidi luoghi ogni estate). Il quadro è stato dipinto interamente all'aria aperta, per il quale è stato necessario attaccare una grande tela ai massi costieri in modo che non svolazzasse al vento. "Non pensavo fosse così difficile dipingere all'aperto", ha detto Edelfelt a uno dei suoi amici. Edelfelt ha abbozzato i volti segnati dalle intemperie degli abitanti dell'arcipelago di Porvoo, è andato in mare con i pescatori più di una volta e ha persino posizionato appositamente un peschereccio segato nella sua officina per riprodurre fedelmente i dettagli. Edelfelt pittura « Funeral of a Child" fu esposto al Salon di Parigi del 1880 e fu premiato con una medaglia di 3° grado (per la prima volta Artista finlandese ricevuto un tale onore). I critici francesi hanno notato i vari pregi del film, compreso il fatto che è privo di eccessivo sentimentalismo, ma riflette la dignità con cui i personaggi accettano l'inevitabile.

L'immagine è intrisa di uno stato d'animo completamente diverso, solare e spensierato. Alberto Edelfelt « giardino lussemburghese» (1887). Quando Edelfelt dipinse questa tela, era già una figura molto famosa nel mondo dell'arte parigina. Affascinato dai parchi parigini con numerosi bambini e tate che si godono il bel tempo, ha deciso di immortalare questa bellezza. A quel tempo, il pittore viveva già a Parigi da più di dieci anni, ed è persino strano che questo dipinto sia la sua unica opera importante raffigurante la vita parigina. Ciò è probabilmente dovuto alla feroce competizione tra artisti: era più facile distinguersi in questo ambiente, lavorando su soggetti finlandesi più “esotici”. Anche il dipinto "Giardini del Lussemburgo" è insolito in quanto Edelfelt vi ha utilizzato molte tecniche dell'impressionismo. Allo stesso tempo, a differenza degli impressionisti, ha lavorato su questa tela per più di un anno, sia all'aperto che in studio. Il lavoro veniva spesso rallentato per motivi banali: a causa del maltempo o dei modelli in ritardo. L'autocritico Edelfelt ha più volte rielaborato la tela, apportando modifiche fino all'ultimo momento, quando è arrivato il momento di portare l'opera in mostra.

Il dipinto è stato esposto per la prima volta in una mostra in Galerie Petit maggio 1887. Lo stesso Edelfelt non era molto soddisfatto del risultato: sullo sfondo delle esplosioni di colore nei dipinti degli impressionisti francesi, la sua tela appariva, come gli sembrava, anemica, “liquida”. Tuttavia, il lavoro è stato ben accolto dalla critica e dal pubblico. Successivamente, questo dipinto divenne una sorta di simbolo degli stretti legami dell'arte finlandese - e Edelfelt in particolare - con Parigi, che a quel tempo era l'epicentro dell'universo artistico.

Immagine " Donne in chiesa a Ruokolahti» (1887) Alberto Edelfelt ha scritto nel suo laboratorio estivo ad Haikko - lì ha creato quasi tutte le sue opere sul tema della vita popolare. Sebbene il dipinto rifletta le impressioni di un viaggio nella Finlandia orientale, è noto che le donne di Haikko erano le modelle per il dipinto (sono state conservate fotografie di loro in posa per Edelfelt nel suo studio). Come altre grandi composizioni, questa non è stata creata dall'oggi al domani, sono stati sempre realizzati accurati schizzi preliminari. Tuttavia, l'obiettivo principale dell'artista è sempre stato quello di ottenere un effetto vivo e spontaneo dell '"istantanea".

Accanto alle opere di Albert Edelfelt nel Museo Ateneum, puoi vedere i dipinti di un altro rappresentante dell'età d'oro dell'arte finlandese, Eero Jarnefelta (Eero Jarnefelt) (1863-1937). Dopo aver terminato gli studi in Finlandia, Järnefelt è andato a San Pietroburgo dove ha studiato Accademia delle Arti con suo zio Mikhail Klodt, si avvicinò a Repin e Korovin, e poi andò a continuare la sua formazione a Parigi. Nonostante le influenze straniere, il lavoro di Järnefelt riflette la ricerca dell'identità nazionale, il desiderio di sottolineare la natura peculiare della sua cultura nativa ( di più sulla creatività Eero Jarnefelta Leggere ).

Jarnefelt è meglio conosciuto come ritrattista e autore dei maestosi paesaggi della zona di Koli e dei dintorni del lago Tuusulanjärvi, dove si trovava la sua villa-studio Suviranta (accanto c'era la casa Ainola, dove visse il compositore Sibelius con sua moglie, sorella di Jarnefelt).

Ma l'opera più importante e famosa di Eero Järnefelt è, ovviamente, la pittura "Sotto il giogo" ("Bruciare la foresta")(1893) (altre varianti del nome - " Schiena piegata per soldi», « lavoro forzato"). La trama della tela è legata all'antico metodo di allevamento, che consisteva nel bruciare la foresta per ottenere terreno coltivabile (la cosiddetta agricoltura taglia e brucia). Il dipinto è stato realizzato nell'estate del 1893 in una fattoria Rannan Puurula a Lapinlahti, nella regione settentrionale del Savo. Quell'anno il gelo rovinò il raccolto per la seconda volta. Järnefelt lavorava nella fattoria di una famiglia benestante e osservava le dure condizioni di vita e di lavoro dei lavoratori senza terra che venivano pagati per il loro lavoro solo se il raccolto era buono. Parallelamente, Järnefelt ha realizzato schizzi di un paesaggio forestale in fiamme, ha studiato il comportamento del fuoco e del fumo e ha anche filmato gli abitanti del villaggio, che alla fine sono diventati i personaggi principali della sua foto.

Solo un personaggio nella foto guarda direttamente lo spettatore: si tratta di una ragazza che ha interrotto per un po' il lavoro e ci guarda con un'espressione di rimprovero. Il suo stomaco era gonfio di fame, il suo viso e i suoi vestiti erano anneriti dalla fuliggine, e intorno alla sua testa Jarnefelt dipinse del fumo simile a un'aureola. L'artista ha dipinto questa immagine da una ragazza di 14 anni di nome Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonen), servi della fattoria. La persona in primo piano è Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), il fratello del contadino, e sullo sfondo è raffigurato il proprietario del podere.

Guardando l'immagine si può letteralmente sentire il calore del fuoco, sentire il rumore sordo della fiamma e lo scricchiolio dei rami. L'immagine ha diverse interpretazioni, ma il suo significato principale è visto come una dura critica alle persone oppresse. La ragazza della foto è diventata un'immagine generalizzata di tutti i bambini poveri e affamati, di tutte le persone svantaggiate della Finlandia. La tela fu presentata per la prima volta al pubblico nel 1897.

Un'intera grande sala Museo dell'Ateneo dedicato al lavoro di un altro famoso rappresentante dell'età d'oro delle belle arti finlandesi - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Come altri grandi artisti finlandesi di quel periodo, ha studiato a. Gallen-Kallela ricevette un'attenzione speciale da parte del pubblico parigino durante l'Esposizione Mondiale del 1900, quando eseguì una serie di affreschi per il padiglione finlandese basati sull'epopea finlandese Kalevala.

Durante studiare a parigi Gallen-Kallela ha spesso abbozzato scene che ha notato per strada e nei caffè. Un esempio della creatività di questo periodo è la pittura "Nudo" ("Senza maschera") (Demasquee ) (1888) - quasi l'unica tela erotica nell'opera di Gallen-Kallela. È noto che è stato creato da un artista di 23 anni su commissione del collezionista e filantropo finlandese Fridtjof Antell, che voleva ricostituire la sua collezione di dipinti sessualmente espliciti. Tuttavia, quando Antell ha visto il dipinto, si è rifiutato di prenderlo, apparentemente considerando il dipinto troppo osceno anche per i suoi gusti.

Il dipinto raffigura una donna parigina nuda (apparentemente una prostituta) seduta nello studio dell'artista su un divano ricoperto da un tradizionale tappeto finlandese. L'immagine dà un'idea dello stile di vita bohémien, ma allo stesso tempo suggerisce che le sue gioie sono piene di morte, caduta. L'artista raffigura un giglio che simboleggia l'innocenza, a cui si contrappone un modello decisamente sensuale e una chitarra, la cui forma esalta ulteriormente il sentimento erotico. La donna sembra sia seducente che intimidatoria. Crocifisso, statua del Buddha e antico tappeto finlandese ruyu, raffigurati accanto alla carne femminile compiaciuta, alludono alla profanazione del santo. Un teschio sorrideva sul tavolo sullo sfondo - un elemento frequente nei dipinti del genere Vanitas, che ricorda allo spettatore la fragilità dei piaceri terreni e l'inevitabilità della morte. tela Demasqueeè stato esposto per la prima volta in Museo dell'Ateneo nel 1893.

Molte opere successive Gallena-Kallela dedicato "Cavale". Nel raffigurare eroi dell'epopea finlandese come Väinämöinen e Lemminkäinen, l'artista utilizza uno stile speciale, aspro ed espressivo, pieno di colori inimitabilmente luminosi e ornamenti stilizzati. Da questo ciclo, vale la pena notare la splendida immagine " La madre di Lemminkäinen» (1897). Sebbene il dipinto sia un'illustrazione dell'epopea, ha un suono più globale e universale e può essere considerato una sorta di Pietà del Nord. Questa canzone penetrante dell'amore materno è una delle opere più straordinarie di Gallen-Kallela sul tema " Kalevala».

La madre di Lemminkäinen- un ragazzo allegro, abile cacciatore e seduttore di donne - trova suo figlio presso il fiume nero della Morte (fiume Tuonela), dove ha cercato di sparare al cigno sacro. Il cigno è raffigurato nell'acqua scura sullo sfondo, e teschi e ossa sono sparsi sulla costa rocciosa e spuntano i fiori della morte. Il Kalevala racconta come una madre pettina l'acqua con un lungo rastrello, rastrella tutti i pezzi e ne ripiega il figlio. Con l'aiuto di incantesimi e unguenti, fa rivivere Lemminkäinen. L'immagine raffigura il momento che precede la risurrezione. Sembra che tutto sia andato, ma i raggi del sole penetrano nel regno dei morti, dando speranza, e l'ape porta un balsamo divino vivificante per la risurrezione dell'eroe. I colori scuri e tenui accentuano l'immobilità di questo mondo sotterraneo, mentre l'intenso muschio rosso sangue sulle rocce, il candore mortale delle piante e della pelle di Lemminkäinen, contrastano con il divino colore dorato dell'ape e i raggi che si riversano dal cielo.

Per questo dipinto, l'artista è stato posato da sua madre. È riuscito a creare un'immagine molto realistica con uno sguardo vivace e intenso (questa è un'emozione genuina: Gallen-Kallela ha deliberatamente parlato a sua madre di qualcosa di triste, facendola piangere). Allo stesso tempo, l'immagine è stilizzata, il che consente di creare un'atmosfera mitica speciale, la sensazione che gli eventi si stiano svolgendo "dall'altra parte" della realtà. Per migliorare l'impatto emotivo, Gallen-Kallela ha utilizzato la tempera al posto dei colori ad olio. Forme semplificate, contorni chiari di figure e grandi piani di colore aiutano a creare una composizione potente. Per rendere meglio l'atmosfera cupa del quadro, l'artista ha attrezzato una stanza completamente nera nella sua casa studio a Ruovesi, l'unica fonte di illuminazione in cui era un lucernario. Inoltre, si è fotografato sdraiato nudo sul pavimento e ha utilizzato queste immagini quando ha dipinto la figura di Lemminkäinen.

In tutt'altro stile, idilliaco e quasi frivolo, il trittico di Gallen-Kallela" Leggenda di Aino» (1891). La composizione è dedicata alla trama di Kalevala sulla giovane ragazza Aino e il vecchio saggio Väinämöinen. Aino, per decisione dei suoi genitori, doveva essere data in sposa a Väinämöinen, ma lei fugge da lui, preferendo annegarsi. Sul lato sinistro del trittico è mostrato il primo incontro di un vecchio e una ragazza vestita con un abito tradizionale careliano nella foresta, e sul lato destro vediamo il triste Aino. Preparandosi a gettarsi in acqua, piange sulla riva, ascoltando i richiami delle fanciulle del mare che giocano nell'acqua. Infine, il pannello centrale raffigura la fine della storia: Väinämöinen prende il largo in barca e va a pescare. Avendo preso un pesciolino, non riconosce in esso la ragazza che è annegata per colpa sua e ributta il pesce in acqua. Ma in quel momento, il pesce si trasforma in Aino, una sirena che ride del vecchio a cui mancava e poi scompare per sempre tra le onde.

Primi anni 1890 Gallo-Kallela era un sostenitore del naturalismo e aveva decisamente bisogno di modelli autentici per tutte le figure e gli oggetti del quadro. Quindi, per l'immagine di Väinämöinen con la sua lunga e bella barba, un residente di uno dei villaggi della Carelia ha posato per l'artista. Inoltre, l'artista ha essiccato i posatoi per ottenere l'immagine più accurata di un pesce spaventato da un vecchio. Anche il braccialetto d'argento che luccica sulla mano di Aino esisteva nella realtà: Gallen-Kallela ha regalato questo gioiello alla sua giovane moglie Mary. Apparentemente ha servito come modella per Aino. I paesaggi per il trittico sono stati abbozzati dall'artista durante la luna di miele in Carelia.

La composizione è incorniciata da una cornice di legno con ornamenti e citazioni dal Kalevala scritte di mano dello stesso Gallen-Kallela. Questo trittico divenne il punto di partenza del movimento romanticismo nazionale in Finlandia- Versione finlandese dell'Art Nouveau. L'artista realizzò la prima versione di questo dipinto a Parigi nel 1888-89. (ora di proprietà della Banca di Finlandia). Quando il dipinto è stato presentato per la prima volta a Helsinki, è stato accolto con grande entusiasmo e il Senato ha deciso di ordinare una nuova versione a spese pubbliche. Un'idea del genere sembra del tutto naturale sulla scia del movimento Fennomani, che ha idealizzato e romanticizzato la nazione finlandese. Inoltre, l'arte era percepita come un potente mezzo per esprimere gli ideali nazionali finlandesi. Allo stesso tempo, iniziarono le spedizioni di artisti in Carelia alla ricerca del "vero stile finlandese". La Carelia era vista come l'unica terra incontaminata in cui erano conservate le tracce del Kalevala, e lo stesso Gallen-Kallela percepiva questa epopea come una storia sui tempi passati della grandezza nazionale, come l'immagine di un paradiso perduto.

Dipinto di Gallen-Kallela " Maledizione di Kullervo"(1899) racconta di un altro eroe del Kalevala. Kullervo era un giovane di straordinaria forza, un orfano che fu dato in schiavitù e mandato nel deserto a pascolare le mucche. La malvagia padrona, la moglie del fabbro Ilmarinen, gli diede il pane per il viaggio, in cui era nascosta una pietra. Cercando di tagliare il pane, Kullervo ha rotto il coltello, unico ricordo di suo padre. Infuriato, raduna un nuovo branco di lupi, orsi e linci, che fanno a pezzi l'amante. Kullervo fugge dalla schiavitù e torna a casa dopo aver appreso che la sua famiglia è viva. Tuttavia, le disavventure di Kullervo non finiscono qui. Un'infinita spirale di vendetta distrugge non solo la sua nuova famiglia, ma anche lui stesso. In primo luogo incontra e seduce una ragazza che si scopre essere sua sorella e, a causa di questa relazione peccaminosa, la sorella si suicida. Presto tutti i suoi parenti muoiono. Quindi Kullervo si uccide gettandosi sulla spada.

Il dipinto di Gallen-Kallela mostra un episodio in cui Kullervo presta ancora servizio come pastore (la sua mandria è visibile sullo sfondo e davanti è raffigurato il pane con una pietra cotta). Il giovane agita il pugno e giura di vendicarsi dei suoi nemici. L'artista ha raffigurato l'eroe infuriato sullo sfondo di un paesaggio soleggiato dell'inizio dell'autunno, ma le nuvole si stanno già addensando sullo sfondo e il sorbo rosso è servito da avvertimento, profezia di futuri spargimenti di sangue. In questa immagine, la tragedia è combinata con la bellezza della natura careliana e l'eroe vendicatore può, in un certo senso, essere visto come un simbolo dello spirito combattivo finlandese e della crescente coscienza nazionale. D'altra parte, abbiamo davanti a noi un ritratto di rabbia e delusione, l'impotenza di un uomo che è stato allevato da estranei che hanno sterminato la sua famiglia, in un'atmosfera di violenza e vendetta, e questo ha lasciato un'impronta tragica sul suo destino.

Maggiori informazioni sulla creatività Gallena-Kallela Leggere .

Concludiamo questa sezione con una storia sul lavoro di un altro importante rappresentante del romanticismo nazionale finlandese nella pittura, il famoso artista dell'età dell'oro finlandese - Pekka Halonen. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) salì alla ribalta negli anni 1890, dimostrandosi un maestro consumato di scenario invernale. Uno dei capolavori di questo genere è il dipinto " Giovani pini sotto la neve"(1899), considerato un esempio Giapponesismo finlandese e l'Art Nouveau nella pittura. La neve soffice e soffice che ricopre le piantine, giocando con diverse sfumature di bianco, crea un'atmosfera pacifica di una fiaba della foresta. L'aria nebbiosa è satura di fredda foschia invernale e lussureggianti strati di neve sottolineano la fragile bellezza dei giovani pini. Gli alberi in generale erano uno dei motivi preferiti nella creatività. Pekki Halonena. Per tutta la vita ha raffigurato con entusiasmo alberi in diversi periodi dell'anno, e amava particolarmente la primavera, ma è diventato comunque famoso proprio come maestro. scenario invernale- pochi pittori hanno osato creare al freddo. Pekka Halonen non aveva paura dell'inverno e ha lavorato all'aperto con qualsiasi tempo per tutta la vita. Sostenitore del lavoro plein air, disprezzava gli artisti che "guardano il mondo attraverso una finestra". Nei dipinti di Halonen, i rami si spezzano per il gelo, gli alberi si piegano sotto il peso dei cappucci di neve, il sole proietta ombre bluastre sul terreno e gli abitanti della foresta lasciano impronte su un morbido tappeto bianco.

I paesaggi invernali sono diventati una sorta di simbolo nazionale della Finlandia e Pekka Halonen ha realizzato una dozzina di tele sul tema della natura finlandese e della vita popolare per il padiglione finlandese all'Esposizione mondiale di Parigi nel 1900. Questo ciclo comprende, ad esempio, il dipinto “ Al buco"(Lavare sul ghiaccio") (1900). L'interesse di Halonen nel rappresentare "l'esotismo nordico" sorse mentre studiava con Paul Gauguin a Parigi nel 1894.

Tipicamente, artisti l'età d'oro della pittura finlandese proveniva dalla classe media urbana. Un'altra cosa è Pekka Halonen, che proveniva da una famiglia di contadini e artigiani illuminati. È nato a Lapinlahti (Finlandia orientale) e molto presto si è interessato all'arte, non solo alla pittura, ma anche alla musica (la madre dell'artista era una talentuosa interprete di kantele; ha anche instillato in suo figlio un atteggiamento premuroso e l'amore per la natura, e in seguito questo amore si trasformò quasi in una religione). Il giovane ha iniziato a studiare pittura un po 'più tardi dei suoi coetanei, ma dopo quattro anni di studio presso la scuola di disegno della Art Society of Finland e un'eccellente laurea da essa, Halonen ha potuto ricevere una borsa di studio che gli ha permesso di andare a studiare nella Mecca artistica di quel tempo. Studiò prima all'Académie Julian e poi, nel 1894, iniziò a prendere lezioni private da Paolo Gauguin insieme al suo amico Vyaino Bloomstead. Durante questo periodo, Halonen conobbe il simbolismo, il sintetismo e persino la teosofia. La conoscenza delle ultime tendenze artistiche, tuttavia, non lo portò ad abbandonare il modo realistico, e non prese in prestito la brillante tavolozza di Gauguin, tuttavia, sotto l'influenza di Gauguin, Halonen divenne un profondo conoscitore dell'arte giapponese e iniziò a collezionare copie di incisioni giapponesi.

Ad esempio, il suo lavoro presenta spesso un pino ricurvo, un motivo popolare nell'arte giapponese. Inoltre, in molti dipinti, Halonen presta particolare attenzione ai dettagli, ai motivi decorativi dei rami oa uno speciale motivo di neve, e il tema stesso dei paesaggi invernali non è raro nell'arte giapponese. Inoltre, Halonen è caratterizzato da una preferenza per tele strette verticali come "kakemono", composizioni asimmetriche, primi piani e angoli insoliti. A differenza di molti altri paesaggisti, non dipinse tipiche vedute panoramiche dall'alto; i suoi paesaggi sono dipinti nel profondo della foresta, vicino alla natura, dove gli alberi circondano letteralmente lo spettatore, invitandolo nel suo mondo silenzioso. Fu Gauguin a ispirare Halonen a scoprire il proprio stile nel rappresentare la natura e lo incoraggiò a cercare i suoi temi nelle radici nazionali. Come Gauguin, Halonen ha cercato di trovare qualcosa di primario, primordiale, con l'aiuto della sua arte, ma solo se il francese cercava il suo ideale nelle isole del Pacifico, allora l'artista finlandese ha cercato di far rivivere il "paradiso perduto" del popolo finlandese nelle foreste vergini, le sacre terre selvagge descritte nel Kalevala.

Il lavoro di Pekka Halonen si è sempre contraddistinto per la ricerca della pace e dell'armonia. L'artista credeva che "l'arte non dovrebbe irritare i nervi come la carta vetrata, dovrebbe creare un senso di pace". Anche raffigurando il lavoro contadino, Halonen ha ottenuto composizioni calme ed equilibrate. Quindi, nel lavoro Pionieri in Carelia» (« Costruzione di strade in Carelia”) (1900) ha presentato i contadini finlandesi come lavoratori indipendenti e intelligenti che non avevano bisogno di compiere sforzi eccessivi per portare a termine il lavoro. Inoltre, l'artista ha sottolineato che si stava sforzando di creare un'impressione decorativa generale. Questa fu la sua risposta ai contemporanei che criticavano l'irrealistico "umore domenicale sereno" del quadro e si stupivano per gli abiti troppo puliti degli operai, la poca quantità di trucioli a terra e lo strano aspetto della barca in mezzo alla foresta. Ma l'artista aveva un'idea completamente diversa. Pekka Halonen non voleva creare un'immagine di un lavoro duro ed estenuante, ma trasmettere il ritmo calmo e misurato del lavoro contadino.

Halonen fu anche fortemente influenzato dai suoi viaggi in Italia (1896-97 e 1904), compresi i capolavori del primo Rinascimento che vide a Firenze. Successivamente, Pekka Halonen con la moglie e i figli (la coppia ebbe otto figli in totale) si trasferì al Lago Tuusula, i cui dintorni tranquilli e pittoreschi servirono come fonte inesauribile di ispirazione e fruttuoso lavoro lontano da Helsinki, "la fonte di tutto ciò che è prosaico e brutto. " Qui, sciando sul lago, l'artista cercò un posto per la sua futura casa, e nel 1899 la coppia acquistò un terreno sulla riva, dove pochi anni dopo crebbe la casa studio di Pekka Halonen, una villa da lui chiamata Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Questa accogliente dimora in legno nello spirito romantico nazionale è stata progettata dall'artista stesso. Oggi la casa ospita il Museo Pekka Halonen.

Simbolisti finlandesi

Una delle sezioni più interessanti della collezione del Museo Ateneum è l'opera unica di Hugo Simberg e di altri simbolisti finlandesi.

In una sala separata del museo Ateneum, il famoso dipinto “ Angelo ferito» (1903) Artista finlandese Hugo Simberg. Questa melanconica tela raffigura uno strano corteo: due ragazzini imbronciati portano su una barella una ragazza vestita di bianco, un angelo, bendato e con un'ala ferita. Lo sfondo dell'immagine è un paesaggio spoglio dell'inizio della primavera. Nella mano dell'angelo c'è un mazzo di bucaneve, i primi fiori della primavera, simboli di guarigione e nuova vita. . Il corteo è guidato da un ragazzo vestito di nero, con le sembianze di un becchino (probabilmente simbolo della Morte). Lo sguardo di un altro ragazzo si rivolge a noi, penetrando direttamente nell'anima dello spettatore e ricordandoci che i temi della vita e della morte sono rilevanti per ognuno di noi. L'angelo caduto, l'espulsione dal paradiso, i pensieri sulla morte - tutti questi argomenti erano di particolare interesse per gli artisti - simbolisti. L'artista stesso ha rifiutato di offrire interpretazioni già pronte del dipinto, lasciando allo spettatore il compito di trarre le proprie conclusioni.

Hugo Simberg ha lavorato a lungo su questo dipinto: i primi schizzi si trovano nei suoi album del 1898. Alcuni schizzi e fotografie riflettono singoli frammenti della composizione. A volte un angelo viene guidato su una carriola, a volte non ragazzi, ma i diavoletti sono rappresentati come portatori, allo stesso tempo, la figura di un angelo rimane sempre centrale e lo sfondo è un vero paesaggio. Il processo di lavorazione del dipinto fu interrotto quando Simberg si ammalò gravemente: dall'autunno del 1902 alla primavera del 1903 l'artista fu curato presso l'ospedale del Deaconess Institute di Helsinki ( Helsingin Diakonissalaitos) nella zona di Kallio. Aveva una grave malattia nervosa, aggravata dalla sifilide (da cui successivamente morì l'artista).

È noto che Simberg ha fotografato i suoi modelli (bambini) nel laboratorio e nel parco Eleintarcha, situato accanto al suddetto ospedale. Il sentiero raffigurato nella foto esiste ancora oggi: corre lungo la costa della baia di Töölönlahti. Durante il tempo di Simberg, Eleintarcha Park era una popolare area ricreativa della classe operaia. Inoltre, vi si trovavano molte istituzioni di beneficenza, tra cui una scuola femminile per ciechi e un orfanotrofio per disabili. Simberg osservò più volte gli abitanti del parco quando vi passeggiava nella primavera del 1903, partito da una grave malattia. A quanto pare, durante queste lunghe passeggiate, l'idea della foto ha preso finalmente forma. Oltre alle interpretazioni filosofiche del dipinto "L'angelo ferito" (un simbolo di espulsione dal paradiso, un'anima umana malata, l'impotenza di una persona, un sogno infranto), alcuni lo vedono come la personificazione dello stato doloroso dell'artista e persino di uno specifico fisico sintomi (secondo alcuni rapporti, Simberg soffriva anche di meningite).

La pittura di Simberg Angelo feritoè stato un grande successo subito dopo il suo completamento. La presentazione ebbe luogo alla mostra autunnale della Art Society of Finland nel 1903. Inizialmente la tela era esposta senza titolo (più precisamente al posto del titolo c'era un trattino), che lasciava intendere l'impossibilità di una qualsiasi interpretazione. Per questo lavoro profondamente individuale ed emotivo, l'artista ricevette un premio statale nel 1904. La seconda versione di The Wounded Angel è stata eseguita da Simberg mentre decorava con affreschi l'interno della cattedrale di Tampere, dove ha lavorato insieme a Magnus Enckel.

Secondo un sondaggio condotto in Finlandia nel 2006, “ Angelo ferito”è stato riconosciuto come l'opera più popolare della collezione Ateneum, il "dipinto nazionale" più amato della Finlandia e il simbolo artistico del paese.

Hugo Simberg (Hugo Simberg) (1873-1917) nacque nella città di Hamina, poi visse e studiò a, e poi a, dove frequentò la scuola dell'Art Society of Finland. Trascorreva spesso le estati nella tenuta di famiglia a Niemenlautta (Syakkijärvi) sulla costa del Golfo di Finlandia. Simberg viaggiò molto in Europa, visitò Londra e Parigi, visitò l'Italia e il Caucaso. Una tappa importante nel suo sviluppo come artista arrivò in un momento in cui Simberg, deluso dall'educazione accademica stereotipata, iniziò a prendere lezioni private da Akseli Gallen-Kallela in una zona remota di Ruovesi, dove Gallen-Kallela costruì la sua casa-laboratorio. Gallen-Kallela apprezzava molto il talento del suo studente e gli predisse un grande futuro nel mondo dell'arte, confrontando il lavoro di Simberg con sermoni sinceri e appassionati che tutti dovrebbero ascoltare. Simberg visitò Ruovesi tre volte tra il 1895 e il 1897. Qui, in un'atmosfera di libertà artistica, trova rapidamente il proprio linguaggio. Ad esempio, nel primo autunno del suo soggiorno a Ruovesi, scrisse la celebre opera “ Congelamento(1895), che ricorda in qualche modo L'urlo di Munch. In questo caso, il fenomeno meteorologico, la paura dei contadini di tutto il mondo, ha ricevuto un'incarnazione visibile, volto e forma: è una figura mortalmente pallida con grandi orecchie, seduta sopra un covone e avvelenando tutto intorno con il suo respiro mortale . A differenza di L'urlo di Munch, completato qualche anno prima, Frost di Simberg evoca non completo orrore e disperazione, ma uno strano sentimento di minaccia e pietà allo stesso tempo.

Un momento importante nella vita di Simberg fu la mostra autunnale del 1898, dopo la quale fu ammesso all'Unione degli artisti finlandesi. Simberg ha viaggiato molto in Europa, ha insegnato e partecipato a mostre. Tuttavia, la portata del talento dell'artista è stata veramente apprezzata solo dopo la sua morte. L'attenzione per il raccapricciante e il soprannaturale era ben lungi dall'essere compresa da tutti i critici e gli spettatori di quel tempo.

Hugo Simberg era uno dei più grandi Simbolisti finlandesi. Non era attratto dalle banali situazioni quotidiane, al contrario, raffigurava qualcosa che apriva le porte a un'altra realtà, toccava la mente e l'anima dello spettatore. Ha inteso l'arte “come un'opportunità per trasferire una persona in pieno inverno in una bella mattina d'estate e sentire come la natura si sveglia e tu stesso sei in armonia con essa. È quello che cerco in un'opera d'arte. Dovrebbe parlarci di qualcosa e parlare ad alta voce, in modo da essere trasportati in un altro mondo.

Simberg amava particolarmente raffigurare ciò che può essere visto solo nell'immaginazione: angeli, diavoli, troll e immagini della Morte stessa. Tuttavia, anche a queste immagini ha dato morbidezza e umanità. La morte a Simberg è spesso benevola e piena di simpatia, svolgendo i suoi doveri senza entusiasmo. Eccola venuta con tre fiori bianchi a prendere la vecchia. Tuttavia, la Morte non ha fretta, può permettersi di ascoltare il ragazzo che suona il violino. Solo l'orologio sulla parete scandisce il passare del tempo (" La morte ascolta", 1897).

In opera " giardino della morte”(1896), realizzato durante il primo viaggio di studio a Parigi, Simberg, come lui stesso disse, raffigurava il luogo in cui l'anima umana va subito dopo la morte, prima di andare in paradiso. Tre scheletri in vesti nere si prendono cura teneramente delle anime delle piante con lo stesso amore con cui i monaci si prendono cura del giardino di un monastero. Questo lavoro è stato di grande importanza per l'artista. Quasi dieci anni dopo, Simberg lo ha ripetuto sotto forma di un grande affresco nella cattedrale di Tampere. Lo strano fascino di quest'opera risiede in graziosi dettagli quotidiani (un annaffiatoio, un asciugamano appeso a un gancio), un'atmosfera pacifica e un'immagine mite della Morte stessa, che non è una forza di distruzione, ma l'incarnazione della cura. È interessante notare che nella fiaba di Hans Christian Andersen "La storia di una madre" troviamo anche un'immagine simile: il narratore descrive un'enorme serra della Morte - una serra, dove un'anima umana è "fissata" dietro ogni fiore o albero. La morte si definisce il giardiniere di Dio: "Prendo i suoi fiori e alberi e li trapianto nel grande giardino dell'Eden, in una terra sconosciuta".

Primo immagine della Morteè apparso nell'opera di Simberg " La morte e il contadino» (1895). Un corto mantello nero e pantaloni corti conferiscono alla Morte un aspetto mite e abbattuto. Questo lavoro è stato svolto da Simberg a Ruovesi mentre studiava con Akseli Gallen-Kallela. Quella primavera la figlia più giovane dell'insegnante morì di difterite e "La morte e il contadino" può essere vista come un'espressione di simpatia per un uomo che ha perso un figlio.

Come i diavoli, gli angeli di Hugo Simberg sono umanizzati e quindi vulnerabili. Stanno cercando di indirizzare le persone sulla via del bene, ma la realtà è tutt'altro che ideale. Lavoro " Sogno”(1900) solleva domande da parte dello spettatore. Perché una donna piange mentre un angelo balla con suo marito? Forse il marito lascia la moglie per un altro mondo? Un altro nome per questo lavoro era "Pentimento", quindi può essere interpretato in modi diversi.

Le immagini degli angeli apparvero per la prima volta nell'opera di Simberg nell'autunno del 1895 (l'opera " Pietà"). In questo pezzo malizioso, la ragazza-angelo che prega non si accorge che l'angelo vicino ha in mente qualcosa di completamente diverso. E in effetti, le ali di questo secondo angelo sono ben lungi dall'essere così bianche. C'è una lotta tra sensualità e spiritualità.

L'argine nella zona di Niemenlautta, dove Simberg trascorreva quasi sempre l'estate nella casa di famiglia, era un popolare luogo di ritrovo per i giovani nelle sere d'estate. Attratti dai suoni della fisarmonica, ragazzi e ragazze venivano qui a ballare in barca, anche da lontano. Simberg ha ripetutamente realizzato schizzi di ballerini. Ma al lavoro Danza sul lungomare"(1899) le ragazze non ballano con i ragazzi, ma con le figure della Morte, così spesso trovate a Simberg. Forse la Morte questa volta non è venuta per un raccolto terribile, ma vuole semplicemente prendere parte al divertimento generale? Per qualche motivo la fisarmonica non suona.

Come potete vedere Hugo Simberg- un artista molto originale, il cui lavoro non è privo di una peculiare ironia, ma allo stesso tempo è permeato di misticismo e si concentra sui temi del bene e del male, della vita e della morte, caratteristici dell'arte simbolisti. Nelle opere di Simberg, profonde questioni filosofiche si intrecciano con un umorismo gentile e una profonda simpatia. "Povero diavolo", "Mite Morte", il re dei brownies: tutti questi personaggi sono venuti al suo lavoro da sogni e fiabe. Niente cornici dorate e tele lucide: “Solo l'amore rende reali le opere d'arte. Se le doglie arrivano senza amore, il bambino nascerà infelice.

Oltre alle opere di Hugo Simberg, il Museo Ateneum espone le opere di Pittore simbolista finlandese Magnus Enkel (Magnus Enckell) (1870-1925), come Simberg, che lavorò agli affreschi della cattedrale di Tampere (1907). Enkel nacque in una famiglia di prete nella città di Hamina, studiò pittura e nel 1891 andò a Parigi, dove continuò la sua formazione all'Accademia Giuliana. Lì si interessò al simbolismo e alle idee mistiche del Rosacroce J. Peladan. Da quest'ultimo, Magnus Enkel adottò l'ideale androgino della bellezza, che iniziò a utilizzare nelle sue opere. Enckel era affascinato dall'idea di un paradiso perduto, di una purezza perduta dell'uomo, e ragazzi giovanissimi con la loro bellezza androgina rappresentavano per l'artista la forma più pura di un essere umano. Non va inoltre dimenticato che Enkel era un omosessuale e spesso dipingeva ragazzi e uomini nudi dall'aspetto francamente erotico e sensuale. Nel 1894-95. l'artista ha viaggiato in giro per l'Italia e all'inizio del XX secolo, sotto l'influenza dell'arte classica italiana, oltre che del post-impressionismo, la sua tavolozza diventa molto più colorata e leggera. Nel 1909, insieme ai coloristi Werner Thomé e Alfred Finch, fondò il gruppo settembre.

I primi lavori di Magnus Enkel, al contrario, sono caratterizzati da una gamma tenue, dall'ascetismo del colore. A quel tempo, la tavolozza dell'artista era limitata alle sfumature di grigio, nero e ocra. Un esempio è il dipinto Risveglio"(1894), scritto da Enkel durante la seconda visita dell'artista a. La tela si distingue per il minimalismo del colore, una composizione semplificata e una linea sottolineata del disegno: tutto ciò viene utilizzato per enfatizzare il significato dell'immagine. Il giovane, che ha raggiunto l'età della pubertà, si è svegliato ed è seduto nudo sul letto, la testa china con un'espressione seria sul viso, immerso nei suoi pensieri. La postura contorta del suo corpo non è solo un gesto familiare di alzarsi dal letto; questo motivo, spesso presente tra gli artisti simbolisti, è più complesso. La pubertà e il risveglio sessuale/la perdita dell'innocenza furono temi che attrassero molti contemporanei di Enckel (cfr., ad esempio, l'inquietante dipinto di Munch Maturation (1894/95)). La gamma del bianco e nero sottolinea lo stato d'animo malinconico dell'incontro con il mondo opprimente.

Un altro Pittore simbolista finlandese, sebbene non il più noto, lo è Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt era un artista e designer di tessuti ed è stato influenzato in particolare dall'arte giapponese. Ha studiato prima in Finlandia e poi con Pekka Halonen. Come già sappiamo, durante la loro visita a Parigi, questi artisti finlandesi incontrarono Gauguin, tornato da poco da Tahiti, e iniziarono a prendere lezioni da lui. L'impulsivo Bloomstedt cadde immediatamente sotto l'influenza di Gauguin e delle sue tele che respirano il colore. La ricerca del paradiso perduto nell'opera di Gauguin era molto vicina a Bloomstedt. Solo se Gauguin cercava questo paradiso in paesi esotici, allora Väinö Bloomstedt, come molti artisti finlandesi dell'epoca, mirava a cercare le origini della sua terra natale, la terra vergine di Kalevala. Gli eroi dei dipinti di Bloomstedt sono spesso personaggi immaginari o mitologici.

Dopo aver incontrato Gauguin, Bloomstedt abbandonò la pittura realistica a metà degli anni 1890 e si rivolse a simbolismo e luminoso multicolore sintetico tavolozza. Secondo l'ideologia del simbolismo, l'arte realistica basata sull'osservazione visiva è troppo limitata e non consente di catturare la cosa più importante in una persona, la sua essenza emotiva e spirituale, il segreto della vita stessa. Al di là della realtà quotidiana c'è un altro mondo e l'obiettivo dei simbolisti è esprimere questo mondo attraverso l'arte. Invece di cercare di creare un'illusione tridimensionale della realtà, gli artisti simbolisti hanno fatto ricorso alla stilizzazione, alla semplificazione, alla decorazione, hanno cercato di trovare qualcosa di puro e poetico. Da qui il loro interesse per il primo Rinascimento italiano, l'uso della tecnica della tempera e dell'affresco. Uno degli esempi più chiari simbolismo nel lavoro degli artisti finlandesiè una foto Väinö Bloomstedt « Francesca"(1897), immergendo lo spettatore nel mondo del sonno e dell'oblio, un'atmosfera statica e magica con l'odore inebriante del papavero.

L'ispirazione per questo dipinto è stata la Divina Commedia di Dante, in cui il poeta incontra Francesca da Rimini all'inferno e lei gli racconta la storia del suo tragico amore per Paolo. L'immagine di una ragazza che ricorda la Madonna, il paesaggio "rinascimentale" con cipressi scuri e la superficie cromatica traslucida del dipinto (la tela risplende chiaramente attraverso i colori) suggerisce antichi affreschi nelle chiese italiane. Inoltre, grazie alla speciale tecnica di esecuzione, l'immagine ricorda in parte un arazzo squallido. Il dipinto è stato dipinto da Bloomstedt durante un viaggio in Italia. Vede anche l'influenza dell'arte dei preraffaelliti.

Donne nell'arte: artisti finlandesi

Museo dell'Ateneo si distingue anche per il fatto che una parte significativa della sua collezione è costituita da opere artiste donne, compresi quelli di fama mondiale come Artista finlandese Helena Schjerfbeck. Nel 2012, il Museo Ateneum ha ospitato un'ampia mostra delle opere di Helena Schjerfbeck, dedicata al 150° anniversario della sua nascita. Il Museo Ateneum ospita la più grande e completa collezione al mondo di opere di Helena Schjerfbeck (212 dipinti, disegni, taccuini).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) nacque a Helsinki, iniziò presto a studiare pittura e già in gioventù acquisì una notevole abilità. La vita di Helena è stata segnata da un grave infortunio all'anca a seguito di una caduta dalle scale durante l'infanzia. Per questo motivo, la ragazza ha ricevuto un'istruzione domestica: non ha frequentato una scuola normale, ma ha avuto molto tempo per disegnare ed è stata accettata in una scuola d'arte in un'età insolitamente precoce. (Sfortunatamente, l'infortunio all'anca ha ricordato se stesso con una zoppia per il resto della sua vita). Dopo aver studiato in Finlandia, anche presso l'accademia privata di Adolf von Becker, Schjerfbeck ha ricevuto una borsa di studio ed è partita per studiare all'Accademia Colarossi. Nel 1881 e nel 1883-84. lavorò anche nelle colonie di artisti in Bretagna (pittura " Ragazzo che allatta la sua sorellina(1881), scritto in questa regione della Francia, è ora considerato addirittura l'inizio del modernismo finlandese). In Bretagna incontrò un artista inglese sconosciuto e lo sposò, ma nel 1885 il fidanzato ruppe il fidanzamento (la sua famiglia credeva che i problemi all'anca di Helena fossero legati alla tubercolosi, da cui morì suo padre). Helena Schjerfbeck non si è mai sposata.

Negli anni 1890, Schjerfbeck insegnava alla School of the Art Society, dalla quale lei stessa si era diplomata una volta. Nel 1902, a causa di problemi di salute, lasciò l'insegnamento e si trasferì con la madre in una remota provincia di Hyvinkää. Avendo bisogno di silenzio, l'artista ha condotto una vita solitaria, ma ha continuato a partecipare a mostre. La "scoperta" di Schjerfbeck per il pubblico avvenne nel 1917: la prima mostra personale dell'artista si tenne nel salone d'arte di Ëst Stenman a Helsinki, che ebbe un grande successo di pubblico e di critica e violò la sua esistenza appartata. La prossima grande mostra si tenne a Stoccolma nel 1937 con recensioni entusiastiche, seguita da una serie di mostre simili in tutta la Svezia. Nel 1935, quando sua madre morì, Helena si trasferì a vivere a Tammisaari, e trascorse i suoi ultimi anni in Svezia, in un sanatorio a Saltsjöbaden. In Finlandia, l'atteggiamento nei confronti del lavoro di Schjerfbeck è stato a lungo controverso (il suo talento è stato riconosciuto solo nella seconda metà del XX secolo), mentre in Svezia la sua arte è stata accolta abbastanza presto con grande entusiasmo. Ma il riconoscimento internazionale veramente ampio di Schjerfbeck è arrivato nel 2007, quando si sono tenute mostre retrospettive su larga scala del suo lavoro a Parigi, Amburgo e L'Aia.

Tra tutti i dipinti di Helena Schjerfbeck, i più famosi al mondo sono numerosi autoritratti autocritici, che consentono di tracciare sia l'evoluzione del suo stile sia i cambiamenti dell'artista stessa, che ha riparato senza pietà il suo volto invecchiato. Complessivamente, Schjerfbeck ha scritto circa 40 autoritratti, il primo all'età di 16 anni, l'ultimo a 83. Sei di loro sono nella collezione Ateneum.

Ma forse il dipinto più famoso Helena Schjerfbeckè la tela convalescente"(1888), spesso indicato come una gemma il Museo dell'Ateneo. Molto apprezzato dal pubblico, questo dipinto dell'artista 26enne fu premiato con una medaglia di bronzo all'Esposizione Mondiale di Parigi del 1889 (dove questa tela fu esposta con il titolo "Primo verde" ( Prima verdura) - questo è il modo in cui la stessa Schjerfbeck chiamava originariamente l'immagine). Il tema dei bambini malati era comune nell'arte del XIX secolo, ma Schjerfbeck raffigura non solo un bambino malato, ma un bambino che si sta riprendendo. Dipinse questo quadro nella pittoresca cittadina costiera di St. Ives, in Cornovaglia, nel sud-ovest dell'Inghilterra, dove l'artista si recò su consiglio dell'amica austriaca nel 1887-1888, e di nuovo nel 1889-1890.

Quest'opera è spesso definita l'ultimo esempio di light painting naturalistico nell'opera di Schjerfbeck (in seguito si è trasferita al modernismo stilizzato e all'espressionismo quasi astratto con una tavolozza ascetica). Qui l'artista lavora abilmente con la luce, attirando l'attenzione dello spettatore sul volto di una ragazza in via di guarigione con i capelli arruffati e le guance febbrilmente rubiconde, che tiene tra le mani un boccale con un fragile ramoscello fiorito, simbolo di primavera e nuova vita. Un sorriso gioca sulle labbra del bambino, esprimendo speranza di guarigione. Questa immagine emozionante cattura lo spettatore, gli fa provare empatia. L'immagine, in un certo senso, può essere definita un autoritratto dell'artista, che in quel momento stava solo cercando di riprendersi dalla rottura del suo fidanzamento. È anche possibile che in questa immagine Schjerfbeck si sia raffigurata da bambina, raccontandoci ciò che lei stessa provava, spesso costretta a letto e gioendo ai primi segni della primavera.

Si prega di notare che attualmente le opere più famose di Helena Schjerfbeck sono "in tournée" in Svezia. Una mostra si tiene a Stoccolma e durerà fino alla fine di febbraio 2013, l'altra a Göteborg (fino ad agosto 2013).

Ancora uno Artista finlandese, la cui opera si trova nel Museo Ateneum, è Guai Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867-1910). A proposito, per il 2014 al museo è prevista una mostra su larga scala di opere di questo artista. Beda Shernschanz è stato un importante rappresentante della generazione Artisti simbolisti finlandesi a cavallo tra il XIX e il XX secolo. È nata in una famiglia aristocratica nella città di Porvoo. Nel 1886 suo padre morì e la famiglia dovette affrontare difficoltà finanziarie. A differenza di altre artiste, Shernschantz ha dovuto lavorare per guadagnarsi da vivere. Nel 1891, contemporaneamente a un'altra nota artista finlandese, Ellen Tesleff, venne a Parigi e le ragazze si iscrissero insieme all'Accademia Colarossi. Il mentore di Beda era Magnus Enckell, sotto la cui influenza assorbì le idee del simbolismo. I rappresentanti di questa tendenza erano convinti che l'arte non dovesse copiare pedissequamente la natura, ma dovesse essere purificata per amore della bellezza, espressione di sentimenti ed esperienze sottili. A causa della mancanza di denaro, Shernschanz ha vissuto a Parigi solo per un anno. Tornata in Finlandia, non riuscì a trovare un posto per sé e nel 1895 si recò nell'isola estone di Vormsi, dove c'era un antico insediamento svedese che conservava lingua, costumi e vestiti. Lì l'artista ha dipinto il quadro Ovunque siamo chiamati da una voce» (1895). Il titolo del dipinto è una citazione dall'allora famoso "Songs of Finland" ( Suomen laulu), le cui parole furono scritte dal poeta Emil Kwanten. Come puoi vedere, non solo la Carelia era il luogo in cui gli artisti finlandesi andavano alla ricerca della natura e delle persone incontaminate.

Su questa tela poetica, l'artista ha raffigurato un gruppo di bambini svedesi che sono riusciti a preservare le loro tradizioni e la loro lingua nazionali in un ambiente alieno. Per questo motivo, alcuni critici hanno visto nella foto un significato patriottico, soprattutto perché lo strumento kantele, suonato da una delle ragazze, occupa un posto importante nella composizione. Un'altra ragazza canta e questi suoni riempiono il paesaggio ascetico di mulini a vento. A causa delle pose completamente statiche e congelate e del vuoto del paesaggio circostante, lo spettatore, per così dire, inizia anche ad ascoltare la musica che risuona nella tela. Sembra che anche il vento si sia placato, né le foglie né i mulini a vento si muovono, come se fossimo in un regno incantato, un luogo caduto fuori dal tempo. Se procediamo dall'interpretazione simbolista dell'immagine, i volti devoti e concentrati dei bambini sullo sfondo di questo paesaggio mistico sono un modo per trasmettere lo stato di innocenza. Inoltre, come in molte altre opere dei simbolisti, un ruolo speciale è assegnato alla musica, la più eterea e la più nobile delle arti.

Nel 1897-98. Beda Shernschanz, dopo aver ricevuto una borsa di studio dal governo finlandese, è andata in giro per l'Italia, ma la sua attività creativa dopo questo periodo è fallita. Sebbene il lascito dell'artista sia piccolo, attira l'interesse dei ricercatori e in futuro sono previsti numerosi convegni e pubblicazioni che consentiranno di conoscere meglio il significato del suo lavoro nel contesto internazionale della svolta del secolo.

Un altro interessante artista finlandese dello stesso periodo è Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi apparteneva alla prima generazione di finlandesi donne artiste che ha ricevuto una formazione professionale. Ha lavorato principalmente nel genere di un ritratto realistico, e sia nella vita che nel suo lavoro differiva dai suoi colleghi per la sua emancipazione e stile di vita bohémien. Ha criticato la posizione delle donne nella società, indossava pantaloni e fumava, conduceva una vita anticonformista e frequentava molti artisti, tra cui lo scultore norvegese Gustav Vigeland (hanno avuto una relazione nel 1895). I suoi dipinti di donne in situazioni quotidiane erano considerati volgari e indecenti da molti critici.

« auto ritratto» Elin Danielson-Gambogi (1900) è stato dipinto in un momento in cui l'artista stava iniziando a ottenere riconoscimenti in Europa. L'artista è raffigurata nel suo studio, con pennello e tavolozza in mano, e la luce filtra attraverso la tenda davanti alla finestra, creando un alone intorno alla sua testa. Il grande formato della tela, la posa e l'aspetto dell'artista: tutto ciò esprime una natura indipendente e sicura di sé. Per questo dipinto, Danielson-Gambogi è stato premiato con una medaglia d'argento a Firenze nel 1900.

Elin Danielson-Gamboji è nata in un villaggio vicino alla città di Pori. Nel 1871, la loro fattoria di famiglia fallì e suo padre si suicidò un anno dopo. Nonostante ciò, la madre riuscì a trovare fondi così che all'età di 15 anni Elin si trasferì e iniziò a studiare pittura. La ragazza è cresciuta in un'atmosfera libera, al di fuori dei rigidi tabù sociali. Nel 1883 partì per Danielson-Gambogi, dove continuò la sua formazione all'Accademia Colarossi, e in estate studiò pittura in Bretagna. Quindi l'artista tornò in Finlandia, dove comunicò con altri pittori e insegnò nelle scuole d'arte, e nel 1895 ricevette una borsa di studio e andò a Firenze. Un anno dopo si trasferisce nel villaggio di Antignano e sposa il pittore italiano Raffaello Gamboggi. La coppia ha partecipato a numerose mostre in tutta Europa; il loro lavoro fu esposto all'Esposizione Universale del 1900 a Parigi e alla Biennale di Venezia del 1899. Ma all'inizio del XX secolo iniziarono i problemi familiari e le difficoltà finanziarie, i tradimenti e la malattia del marito. Elin Danielson-Gambogi morì di polmonite e fu sepolta a Livorno.

Infine, tra Artiste finlandesi non può essere chiamato Elena Thesleff (Elena Thesleff) (1869-1954). Pochi autori finlandesi hanno ricevuto un riconoscimento così precoce. Già nel 1891, la giovane Thesleff partecipò alla mostra dell'Art Society of Finland con il suo meraviglioso lavoro " Eco» ( Kaiku) (1891) con grande successo di critica. A quel tempo, si era appena diplomata all'accademia privata di Gunnar Berndtson ( GunnarBerndson) e stava facendo il suo primo viaggio a, dove la ragazza è entrata all'Accademia Colarossi con la sua amica Beda Shernschanz. A Parigi, ha conosciuto il simbolismo, ma fin dall'inizio ha scelto la sua strada indipendente nell'arte. Durante questo periodo, ha iniziato a creare dipinti con colori ascetici.

La più importante fonte di ispirazione per Ellena Tesleff è stata l'arte italiana. Già nel 1894 si recò nella patria del primo Rinascimento, a Firenze. Qui l'artista ha visto molte belle opere di pittura religiosa, comprese le opere di Botticelli, il cui lavoro ha ammirato al Louvre. Thesleff ha anche copiato gli affreschi del monastero. L'influenza della pittura spirituale italiana rafforzò il suo desiderio di arte poetica e sublime e negli anni successivi l'ascetismo del colore nel suo lavoro ricevette la massima espressione. I motivi tipici delle sue opere sono paesaggi e figure umane rigorose, dai colori scuri, spettrali e malinconici.

Un esempio delle opere di questo periodo sono le modeste dimensioni " auto ritratto» (1894-95) Ellen Tesleff, disegnato a matita. Questo autoritratto, realizzato a Firenze, è il risultato di due anni di lavoro preparatorio. Il volto pieno di sentimento che emerge dall'oscurità ci dice molto sull'artista e sui suoi ideali in quel momento. In linea con la filosofia del simbolismo, ha posto le domande fondamentali dell'essere e ha studiato i sentimenti umani. In questo autoritratto si può vedere l'incarnazione moderna dell'arte di Leonardo da Vinci con le sue domande ei suoi misteri della vita. Allo stesso tempo, l'immagine è molto personale: riflette il dolore di Thesleff per la morte del suo amato padre, avvenuta due anni prima.

Thesleff è cresciuta in una famiglia di musicisti e fin dall'infanzia amava cantare e suonare con le sue sorelle. Uno dei motivi più frequenti nel suo lavoro era l'eco o l'urlo, la forma più primitiva di musica. Ha anche raffigurato spesso suonare il violino, uno degli strumenti musicali più sublimi e complessi. Ad esempio, un modello per il dipinto " suonare il violino” ("Violinista") (1896) fu eseguita dalla sorella dell'artista, Tira Elizaveta, che spesso posò per lei negli anni Novanta dell'Ottocento.

La composizione è sostenuta da calde tonalità traslucide, madreperla-opale. Il violinista ha voltato le spalle allo spettatore, concentrandosi sul gioco. Il tema della musica, venerato come l'arte più spirituale e divina, era uno dei più comuni nel simbolismo, ma gli artisti raramente raffiguravano musiciste donne.

Come il suo amico Magnus Enkkel, in una fase iniziale del suo lavoro, Ellen Thesleff preferiva l'ascetismo del colore. Ma poi il suo stile è cambiato. Sotto l'influenza di Kandinsky e della sua cerchia di Monaco, l'artista divenne la prima fauvista in Finlandia e nel 1912 fu invitata a partecipare alla mostra dell'Associazione finlandese settembre che ha difeso colori puri e brillanti.

Tuttavia, la sua partecipazione non è andata oltre lo scopo della mostra: Tesleff non ha aderito a nessun gruppo, considerando la solitudine come uno stato normale di una forte personalità. Allontanandosi dalla vecchia gamma grigio-marrone, in età più matura, Thesleff iniziò a creare fantasie cromatiche colorate e stratificate. Ha visitato ripetutamente la Toscana con la sorella e la madre, dove ha dipinto paesaggi assolati italiani.

Tesleff non si è mai sposata, ma ha preso il suo posto come persona creativa. L'artista ha vissuto una lunga vita e ha ricevuto riconoscimenti.

Arte straniera nell'Ateneo

La collezione di arte straniera del Museo Ateneum contiene oltre 650 dipinti, sculture e disegni creati da famosi maestri come Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Da una collezione straniera il Museo dell'Ateneo isolare "Via ad Auvers-sur-Oise" di Van Gogh(1890). Vincent van Gogh dipinse questo quadro poco prima di morire, nella piccola cittadina di Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), situato nella valle di un affluente della Senna, a circa 30 km a nord-ovest di. Van Gogh, affetto da attacchi di malattia mentale, si recò ad Auvers-sur-Oise su consiglio di suo fratello Theo per essere curato dal dottor Paul Gachet. Ad Auvers-sur-Oise c'era una clinica di questo medico, un uomo non indifferente all'arte, che conosceva molti artisti francesi e che divenne anche amico di Van Gogh.

La città di Auvers-sur-Oise divenne infine il luogo della morte dell'artista, che si sentì come un peso per suo fratello e la sua famiglia. Van Gogh si è sparato e poi è morto dissanguato. L'artista ha vissuto ad Auvers-sur-Oise per gli ultimi 70 giorni della sua vita, completando 74 dipinti in questo breve periodo, uno dei quali è ora nel principale museo d'arte di Helsinki. È possibile che il dipinto sia rimasto incompiuto (il primer è visibile in alcuni punti). La luminosità del cielo mette in risalto il tono verde più calmo della terra e la tinta rossastra dei tetti di tegole. Sembra che l'intera scena sia in movimento spirituale, permeata di energia irrequieta.

Una storia molto interessante è come è entrato il dipinto "Street in Auvers-sur-Oise". Museo dell'Ateneo. Per qualche tempo dopo la morte di Van Gogh, appartenne al fratello dell'artista, Theo, e poi alla sua vedova, dalla quale Julien Leclerc acquistò la tela ( Julien Leclercq) è un poeta e critico d'arte francese. È noto che nel 1900 Leclerc acquistò almeno 11 dipinti di Van Gogh dalla vedova di Theo. Un anno dopo organizzò la prima mostra retrospettiva di Van Gogh, ma presto morì improvvisamente. La moglie di Leclerc era la pianista Fanny Flodin ( FannyFlodino), sorella dell'artista e scultrice finlandese Hilda Flodin ( Hilda Flodin). Nel 1903 Fanny vendette un dipinto di Van Gogh ai rappresentanti del collezionista Fridtjof Antell, più volte menzionato sopra, per 2.500 marchi (circa 9.500 euro di oggi). Questa tela è diventata primo dipinto della vecchia chiesa di Wag Gogh

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854-1905)

Albert Edelfelt nacque nel 1854 in Finlandia vicino a Porvo. Suo padre era un architetto. Da suo padre, ha adottato l'amore per la musica e il disegno. Tuttavia, la persona più vicina al futuro artista era la madre. Albert Edelfelt era per molti versi la creazione della sua ambiziosa madre.

Ritratto della madre dell'artista. 1883

Il ragazzo ha ricevuto le sue prime lezioni di pittura presso la scuola della Finnish Art Society di Helsinki. Decidendo di dedicarsi alla pittura, entra all'Accademia di Belle Arti di Anversa, ma un anno dopo si trasferisce a Parigi, dove prende lezioni da L. Jerome.

Rappresentante realista. Ha sperimentato l'influenza dell'impressionismo. Autore di tele storiche, dipinti di vita popolare, paesaggi, ritratti, caratterizzati dalla libertà ed espressività della forma artistica, dalla sottile trasmissione dell'ambiente luce-aria, dalla festosa luminosità del colore.

Già all'età di ventitré anni, Edelfelt divenne la figura più importante della pittura finlandese e guidò la lotta della giovane generazione di artisti per il realismo e il lavoro dalla natura. Albert originariamente intendeva diventare un pittore di storia. Da lui ci si aspettavano quadri patriottici. Il dipinto più famoso di questo piano fu La profanazione dei resti di C. Fleming del duca Karl (1878). Questa storia evidenzia la lotta per il potere in Finlandia che si svolse alla fine del XVI secolo.

Profanazione del duca Carlo sui resti di K. Fleming. 1878

Un meraviglioso gioco di colori e freschezza giovanile attrae il dipinto "Regina Bianca con bambino" (1877).

Ma gradualmente la vita viva della sua terra natale lo attrae sempre di più. Le successive opere del pittore furono create già nello stile di una rappresentazione realistica della vita popolare. A casa, Albert ha viaggiato più di una volta con i pescatori in mare aperto, e poi nello studio di Heiko ha allestito appositamente una barca da pesca segata per l'esecuzione precisa dei dettagli. Il successo del dipinto "Il funerale di un bambino" (1879), così come il vero successo del dipinto "Al mare" (1883), fecero di Edelfelt un maestro riconosciuto nella sua terra natale.

Funerale di un bambino. 1879

Sul mare. 1883

La reputazione di A. Edelfelt come artista nazionale è stata fortemente confermata dai suoi dipinti della vita della gente comune in Finlandia: "Boys by the Water" (1884), "Girl with a Rake" (1886), "Women from Ruoholahti" ( 1887).

Il critico russo V.V. Stasov ha scritto: "Il migliore di tutti i loro finlandesi, ovviamente, è Edelfelt, e ha l'immagine più straordinaria di Laundress (1889), piena di sano, fresco realismo e vita". Questa immagine è rimasta in Russia e dal 1930 è stata nell'Ermitage.

Lavandaie. 1889

L'attenzione del pubblico è sempre attratta dal vero "spirito parigino" dipinto "Nei giardini del Lussemburgo" (1887). Nelle opere plein air di questi anni, A. Edelfelt presta molta attenzione ai problemi della luce e dei colori.

Nei Giardini del Lussemburgo. 1887

Dopo aver fatto un giro per l'Europa, Edelfelt si fermò a lungo a San Pietroburgo. Arrivò per la prima volta a San Pietroburgo nel 1881. Gli artisti e la società russa accolsero con entusiasmo A. Edelfelt: nel 1881, il giovane pittore finlandese presentò le sue opere alla corte dell'Accademia di San Pietroburgo. Ha avuto un grande successo: è stato insignito del titolo di accademico e ha organizzato una mostra personale a Tsarskoye Selo. Edelfelt fu presentato alla famiglia reale. Su richiesta dello zar Alessandro III, fece una copia del dipinto "Sul mare" e realizzò una serie di opere su commissione. Nello stesso periodo l'artista realizza diversi ritratti di genere, di cui il più apprezzato è stato il ritratto della sorella dell'artista Berta con un cane in una dacia a Heiko.

Buoni amici. 1881

Sotto il titolo "Buoni amici" (1881), copie di questo dipinto sono conservate all'Ateneo ea Göteborg. Il dipinto "In the Nursery" (1885), di carattere chiuso, fu acquistato da Alessandro III per il Palazzo Gatchina. L'Athenium espone anche un ritratto di Sophie Manzey realizzato in questi anni.

Ritratto di Sophie Manzey.

Grazie alla popolarità e all'autorità di A. Edelfelt, l'arte della Finlandia ha ottenuto riconoscimenti in Russia. A San Pietroburgo, Edelfelt ha incontrato le giovani figure della nuova arte russa, Sergei Diaghilev e Alexander Benois: "Ci siamo letteralmente aggrappati a Edelfelt, ai nostri occhi la sua testa era circondata da un alone di riconoscimento parigino", scrisse in seguito Benois. La vicinanza di artisti finlandesi e russi è stata segnata da numerose mostre congiunte. Il più grande di loro era nel 1898 nel museo della scuola del barone Stieglitz. Vi furono presentate le opere di giovani artisti dell'epoca: Serov, Repin, Vrubel - dal russo; e M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - dalla parte finlandese. La mostra ha suscitato grande interesse nella cultura finlandese e nella stessa Finlandia tra il pubblico russo.

Ma la principale forma di creatività per A. Edelfelt nei suoi anni maturi era la ritrattistica. Edelfelt ha lavorato a lungo e con successo nel genere del ritratto. Psull'ordine del governo francese, ha scrittoritratto di Louis Pasteur (1885). Negli anni 1880 e 1890, Edelfelt lavorò a lungo su ordini della corte reale russa. Ma oltre ai ritratti ufficiali, ha realizzato bellissime creazioni: "Ritratto di una madre", "Storyteller Larin Paraske", ritratti delle grandi attrici finlandesi Aine Akte e Ida Aalberg.

Il paesaggio occupa relativamente poco spazio nell'opera di Edelfelt. Tuttavia, nell'Eremo ci sono le sue opere: "Veduta di Porvo", acquarello "Veduta del lago a Kaukola", acquaforte "Pino nella neve". L'Hermitage ha anche una serie di disegni e illustrazioni del notevole maestro finlandese.

Uno schizzo del lavoro di Edelfelt sarebbe incompleto senza menzionare il suo ultimo lavoro: nel 1900-1904, l'artista era impegnato a creare un pannello monumentale nell'aula magna dell'Università di Helsinki sul tema: "Grande apertura dell'università di Turku nel 1640 ." La composizione è stata realizzata sotto forma di un corteo da parata in costumi del XVII secolo.

Inaugurazione dell'università di Turku nel 1640 1902 (cliccabile)

Albert Edelfelt morì improvvisamente in una dacia vicino a Porvo nell'agosto del 1905. È stato un duro colpo per l'arte finlandese. Ma anche i suoi dipinti sono interessanti e comprensibili per noi, poiché erano vicini ai suoi contemporanei.

Vladimir Losev

Giovane donna nel boudoir. 1879

Sugli Champs Elysées. 1886

Ritratto della sorella dell'artista Berta Edelfelt. 1884

Ritratto della madre dell'artista. 1902

Donna sotto un ombrello. 1886

Figli dello Zar Alessandro III

modello parigino. 1885

Maria Maddalena. 1891

Guai. 1894

pescatori finlandesi. 1898

Cristo e Maria Maddalena. 1890

Ritratto di Luigi Pasteur. 1885

Ragazzi che giocano sulla spiaggia. 1884

Piccola barca. 1884

Donna in barca. 1886

I vicini seduti in chiesa dopo la messa. 1887

Donne della Carelia. 1887

Ragazza che lavora a maglia un calzino. 1886

Fragola.

Donna premurosa alla chiesa. 1893

Solveig

Culto nell'arcipelago di Uusimaa.

Ritorno dal battesimo.

Ritratto di una giovane donna. 1891

Lettura parigina. 1880

Ritratto di Madame Valerie Rado. 1888

La cultura e l'arte sono patrimonio e proprietà di ogni stato. La "Terra dei mille laghi" non è solo un paradiso dello sci e della pesca per viaggiatori e turisti, ma anche un luogo per vari storici dell'arte e semplici intenditori di creatività. L'arte è molto sviluppata in Finlandia, in particolare la pittura. Molte gallerie d'arte, musei e mostre delizieranno anche i più sofisticati intenditori di belle arti.

Gli artisti del paese di Suomi, che ricevettero un'educazione europea nel diciannovesimo secolo, divennero il fattore principale e trainante che diede impulso allo sviluppo delle belle arti in Finlandia. Prima di iniziare a conoscere i rappresentanti della pittura finlandese, conosciamo l'opera del "padre dell'arte e della pittura finlandesi" Robert Ekman.

Roberto Guglielmo Ekman

Nato nel 1808, l'artista nei suoi dipinti raffigurava la vita dei comuni contadini finlandesi, tutte le difficoltà della loro vita, focalizzando l'attenzione della società sulla politica sociale dello stato finlandese nei confronti della gente comune. Quando Robert aveva 16 anni, andò a Stoccolma per studiare all'Accademia svedese delle arti. Da giovane e brillante talento, Ekman ha ricevuto una borsa di studio svedese per il suo talento, e in seguito la sua vocazione di artista ha contribuito al fatto che è andato a studiare in Italia e Francia, e poi in Olanda. In questi paesi, il maestro del pennello trascorse sette interi anni dal 1837 al 1844.

Tornato nel paese di Suomi, Robert Wilhelm si stabilì nella città di Turku, dove iniziò a dipingere la cattedrale locale con i suoi affreschi e disegni murali. Successivamente fondò una scuola di disegno in città, che diresse fino al 1873. Ha delineato molto chiaramente l'abisso che c'era tra la nobiltà ei contadini. I dipinti del pittore hanno scioccato tutti con il loro realismo unico e non inventato. Il "padre della pittura e dell'arte finlandesi" morì nel 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela nacque nella piccola città finlandese di Bjorneborg (nome moderno Pori) nell'aprile del 1863. Combattente per l'indipendenza della Finlandia, l'artista nel suo lavoro ha fatto del suo meglio per rappresentare un appello alla nazione a lottare per l'indipendenza del proprio paese. Il modernismo insito nel pittore ha permesso ad Axel Gallen Kallela di creare dipinti molto realistici. Dopo la fine della guerra civile finlandese (1918), l'artista si dedicò all'araldica e al design delle bandiere. A metà del XX secolo, l'artista ha vissuto e lavorato per qualche tempo negli Stati Uniti d'America, dove ha tenuto con successo mostre delle sue opere. Il pittore morì nel 1931 a Stoccolma, morì di polmonite.

Oscar Kleineh

Il più famoso pittore di paesaggi marini finlandesi nacque nel settembre 1846 nella capitale della Finlandia. Le radici tedesche di Oscar "sono venute in soccorso", che gli hanno permesso di studiare in Germania, precisamente a Düsseldorf. Successivamente, Kleinech ha continuato i suoi studi a San Pietroburgo e Karlsruhe. La più grande popolarità del pittore marino è stata portata da dipinti raffiguranti nature morte e paesaggi marini, il lavoro di un autore è persino esposto all'Ermitage di San Pietroburgo. L'artista morì nella sua città natale di Helsinki nel 1919.