Stazioni di Raffaello, Città del Vaticano: descrizione, foto, posizione sulla mappa, come arrivare. Raffaele Santi

Il mondo è bello, il nostro mondo terreno! Questo è lo slogan di tutta l'arte rinascimentale. L'uomo ha appena scoperto e gustato la bellezza del mondo visibile, e lo ammira come lo spettacolo più magnifico, creato per la gioia degli occhi, per il diletto spirituale. Lui stesso fa parte di questo mondo, e quindi ammira in esso e se stesso. La gioia di contemplare la bellezza terrena è una gioia vivificante e gentile. Il compito dell'artista è far emergere sempre più pienamente, sempre più vividamente l'armonia del mondo e quindi vincere il caos, affermare un certo ordine superiore, la cui base è una misura, una necessità interna che fa nascere la bellezza. E a cosa serve tutto questo? Per dare alle persone quello spettacolo festoso di cui desiderano godere, aprendo gli occhi sul mondo, ma che solo l'estro dell'artista rivela in tutto il suo splendore. Questo compito, il più grande compito della pittura rinascimentale, intrapreso per la prima volta dai maestri del Trecento, fu completato all'alba del Cinquecento da Raffaello.

Nelle chiese medievali, la pittura, i mosaici o le vetrate sembrano fondersi con l'architettura, creando insieme ad essa il tutto, che dovrebbe evocare uno stato d'animo solenne nel fedele. A causa della loro posizione al loro interno, le composizioni pittoresche non sono sempre facilmente visibili in tutti i dettagli. La fotografia ci ha dato l'opportunità di vedere queste composizioni in vari aspetti che in precedenza erano spesso passati inosservati. Nelle chiese romaniche o gotiche, le persone del Medioevo a volte non si rendevano conto che davanti a loro non c'erano solo simboli, non solo immagini convenzionali che glorificavano gli ideali della loro fede, ma anche opere d'arte. Il dipinto del tempio non sembrava loro una creazione indipendente, era bello guardarlo sotto il canto del coro della chiesa, che, come le volte del tempio con i suoi alti archi, portava la loro immaginazione nel mondo dei sogni , speranze confortanti o timori superstiziosi. E quindi non hanno cercato l'illusione della realtà in questo dipinto.

La pittura rinascimentale è rivolta allo spettatore. Come visioni meravigliose, passano davanti ai suoi occhi immagini che raffigurano un mondo dove regna l'armonia. Le persone, i paesaggi e gli oggetti su di essi sono gli stessi che vede intorno a sé, ma sono più luminosi, più espressivi, più belli. L'illusione della realtà è completa, ma la realtà, trasformata dall'estro dell'artista, la ammira, ammirando allo stesso modo l'adorabile testa del bambino e la testa severa del vecchio, forse per niente attraente nella vita. Sulle pareti di palazzi e cattedrali, gli affreschi sono spesso dipinti all'altezza dell'occhio umano, e nella composizione alcune figure guardano direttamente lo spettatore, collegandolo a tutte le altre.

Tradotto dalla parola italiana "affrescare" significa "fresco", "crudo". Si tratta di dipingere su intonaco bagnato, cioè in quelle brevi decine di minuti, mentre la soluzione non ha ancora "afferrato" e assorbe liberamente la vernice. Tale soluzione è chiamata "matura" dai muralisti. Devi scriverci sopra facilmente e liberamente, e soprattutto, non appena l'artista sente che il tratto del pennello sta perdendo la sua levigatezza e inizia a "erpicare", la vernice non viene assorbita, ma imbrattata, come se " salando” il muro, è necessario finire il lavoro: comunque le vernici non si attaccano già. Pertanto, un affresco è uno dei tipi di pittura più dispendiosi in termini di tempo, che richiede il massimo sforzo creativo e compostezza, ma regala anche, come disse il più antico maestro murale russo N. M. Chernyshev, "ore di gioia incomparabile". Molti grandi maestri della pittura mondiale erano impegnati nella pittura ad affresco - Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello, P. Veronese, famosi pittori di icone russi Feofan Grek, Andrei Rublev, Dionisio e tra gli artisti dei tempi moderni - P. Picasso, F. Leger, VA Favorsky. Funzionavano come una macchina "un affresco"(cioè crudo), e in un certo senso "a secco"(cioè secco). Qui la pittura viene eseguita su intonaco di calce essiccato, già duro, solo reidratato, e pitture premiscelate con calce.

Rafael è la fine. Tutta la sua arte è estremamente armoniosa, respira con il mondo interiore e la mente, la più alta, si unisce in essa alla filantropia e alla purezza spirituale. La sua arte, gioiosa e felice, esprime una sorta di soddisfazione morale, accettazione della vita in tutta la sua pienezza e persino rovina. A differenza di Leonardo, Raffaello non ci tormenta con i suoi segreti, non ci travolge con la sua onniscienza, ma ci invita gentilmente a godere con lui della bellezza terrena. Durante la sua breve vita riuscì ad esprimere nella pittura, probabilmente, tutto ciò che poteva, cioè il pieno regno dell'armonia, della bellezza e della bontà.

Papa Giulio II era una personalità pittoresca ed eccezionale, e il suo ruolo nella storia dell'Europa contemporanea fu significativo. In sostanza, ha continuato l'opera della cupa memoria di papa Alessandro VI, sebbene fosse il suo costante nemico - nei tentativi del papa di unire l'Italia sotto il dominio della Curia romana. Questo sommo sacerdote aveva un temperamento forte e risoluto. Nonostante il suo rango e gli anni, montò a cavallo e guidò lui stesso l'esercito pontificio nelle battaglie. "Abbasso i barbari!" - tale era il suo grido di battaglia, e per "barbari" intendeva gli spagnoli ei francesi, che saccheggiarono e umiliarono l'Italia. E questo grido, eco dell'antica Roma dei Cesari, ispirò gli italiani a combattere in quei pochi anni in cui sembrava che il potere papale potesse creare un unico e indipendente stato italiano. Il papa conquistò Bologna, Perugia e altre città che prima non erano state soggette alla sua volontà. La sua politica non era solo audace, ma anche flessibile. Nella lotta contro la Repubblica Veneta, la cui popolazione era anche italiana, non esitò ad allearsi con i "barbari", cioè con gli stessi spagnoli e francesi. Tuttavia, non appena Venezia fu sconfitta, si unì a lei per combattere contro la Francia.

Come i suoi predecessori, Giulio II mise gli interessi del Vaticano al di sopra degli interessi nazionali dell'Italia. Non c'è da stupirsi che Machiavelli vedesse la principale disgrazia dell'Italia nel fatto che la Chiesa non aveva forza sufficiente per unire il Paese, ma era abbastanza forte da impedirne l'unificazione non sotto la sua guida. Eppure fu sotto papa Giulio II che Roma divenne il più grande centro politico e culturale d'Italia.

Giulio II non era un conoscitore d'arte particolarmente sottile, ma capiva che l'arte poteva far rivivere l'antico splendore della città eterna e glorificarla. Gli architetti più famosi lavorano per lui a Roma, e chiama al suo servizio Michelangelo e il giovane Raffaello, avendo sentito che Firenze li riconosceva come grandi artisti. Sotto di lui inizia la costruzione della Cattedrale di San Pietro.

Nel 1508 Raffaello, su invito di papa Giulio II, venne a Roma e iniziò subito a compiere un ordine estremamente onorevole: dipingere le stanze anteriori (stazioni) del Vaticano. A Roma, dove sono stati creati o raccolti così tanti grandi monumenti d'arte, gli affreschi vaticani di Raffaello (1509-1511) fanno una delle impressioni più potenti e convincenti. Hanno rivelato il geniale dono di Raffaello il muralista. Nella Stanza della Senyatura è una delle creazioni più notevoli di Raffaello, che rappresenta quattro aree dell'attività umana:
- teologia - "Disputa o Disputa sulla Comunione"
- filosofia - "Scuola di Atene"
- poesia - "Parnaso"
- giurisprudenza - "Saggezza, misura e forza".

Il maestro ha raffigurato sugli affreschi anche le corrispondenti figure allegoriche, scene su soggetti biblici e mitologici. Grandezza e grazia si fondono armoniosamente in questo grandissimo capolavoro. Poeti, saggi, filosofi, teologi formano complessi gruppi spaziali, collocati tra maestose scenografie architettoniche e paesaggistiche. L'artista mostra un mondo in cui una persona è maestosa, saggia, sicura di sé. Raffaello dipinse il sogno di un uomo perfetto, libero e nobile. Sui suoi affreschi ci sono persone di forte volontà e alta dignità. L'artista appare qui come il creatore di uno stile eroico, glorificando la grandezza e la grandiosità della cultura che ha creato.

A sinistra: Disputa sulla Comunione. Raffaello. 1514. Affresco. Vaticano.

A destra: Apparizione di S. Ap. Pietro e S. Ap. Paolo o Incontro di Papa Leone I con Attila. Raffaello. 1514. Affresco. Vaticano.

L'incontro dei saggi dell'antichità classica ("La scuola di Atene") è adiacente all'incontro dei padri della Chiesa cristiana ("Disputa"), questo quartiere, per così dire, rivelando due facce di un'unica verità o il trionfo dell'umanesimo in seno al Vaticano. Il passato si fonde con il presente: i filosofi del mondo antico stanno parlando davanti alle volte del palazzo nello stile dell'Alto Rinascimento, e tra loro, al limite, si è ritratto Raffaello, e tra i padri della chiesa - il artisti e poeti d'Italia: Dante, Beato Angelico, Bramante. I poeti dell'antichità classica comunicano con i poeti del Rinascimento ( "Parnaso"). Lode alla legislazione laica ed ecclesiastica ("Giurisprudenza"). La strofa successiva raffigura un evento miracoloso che risale a un lontano passato, ma il papa presente è lo stesso Giulio II ("Messa a Bolsena"). E ancora, Giulio II appare allo spettatore come la personificazione della vittoria sugli stranieri che hanno osato invadere i tesori e il potere della Chiesa romana ( "L'esilio di Eliodoro"). E in un altro affresco - "Fa uscire di prigione l'apostolo Pietro"- il trionfo della luce sulle tenebre potrebbe essere percepito come una speranza di liberazione dai "barbari". Non c'è da stupirsi che si dicesse degli affreschi di Raffaello che rappresentano una vera epopea dell'Italia. Ogni affresco si armonizza perfettamente con l'architettura delle camere e allo stesso tempo è un'opera completamente indipendente. Passando dall'uno all'altro, lo spettatore sembra assistere a un'esibizione maestosa.

A sinistra: Incendio di Borgo. Raffaello. 1514. Affresco. Vaticano.

A destra: Parnaso. Raffaello. 1509-1510. Affrescare. Vaticano.

Se non conoscessimo nemmeno la storia, se non avessimo mai sentito parlare del papato e dell'antichità classica, del Parnaso e dell'apostolo Pietro, questi affreschi ci stupirebbero altrettanto. Perché il loro contenuto è la grandezza di una persona, la sua bellezza spirituale e fisica, il volo del suo pensiero, questa è saggezza e nobiltà, che si rivelano in immagini meravigliose, nella disposizione delle figure, nella forza, nel significato, nelle leggi di ogni gesto, ogni giro della testa, in confronti brillanti, in una composizione che a volte si eleva alle più grandiose conquiste dell'architettura, a volte si dispiega dolcemente, come un magnifico panorama, in una sorta di assoluta disinvoltura.

Questo è il completamento di ciò che Leonardo da Vinci ha dato per primo al mondo nell'Ultima Cena. Ciò che è stata una scoperta per Leonardo, per Raffaello è un essere naturale. E quindi, per così dire, moltiplica le possibilità dell'arte, che Leonardo ha fornito con il suo affresco di Milano.

Nonostante non avesse mai avuto a che fare con tali dimensioni dell'immagine o con una tale tecnica, Raffaello dimostra la sua capacità di combinare un numero enorme di figure in una composizione armoniosa e armoniosa. A questo proposito, il suo primo affresco "La scuola di Atene" può ancora servire come un alto esempio di questo genere. In una serie di successivi affreschi vaticani, Raffaello riuscì a ottenere un'espressività ancora maggiore nella trasmissione del movimento e una gamma più ampia di effetti di luce.

Raffaello Santi è un genio del Rinascimento. Leggi il nostro articolo sugli affreschi delle Stanze della Senyatura e della Stanza d'Eliodoro di Raffaello (stanze del Palazzo Vaticano pontificio), e gli affreschi della "Disputa", del "Parnaso", della "Cacciata di Eliodor dal Tempio" nel nostro articolo.

Le Stanze di Raffaello nel Complesso dei Palazzi Vaticani sono tre stanze relativamente piccole nel Palazzo papale Vaticano, dipinte da Raffaello insieme ai suoi studenti nel 1508-1517. Questi appartamenti esistevano già sotto papa Niccolòv(1447-1455). La Stanza della Senyatura è l'unica delle tre stanze il cui nome è rimasto autentico, estraneo alle opere di Raffaello. Le pareti di questa sala, che fu la prima ad essere decorata, sono decorate con affreschi: "Disputa", "Scuola di Atene", "Parnaso" e "Giustizia".

"Disputa" - il primo affresco realizzato da Raffaello nella Stanza della Senyatura. In questo affresco raffigurante la Religione, i modi di Raffaello indicano che non si è ancora liberato dall'influenza di artisti di cui ha visto opere su un soggetto simile a Firenze e Roma.

Raffaele Santi. Affresco "Disputa"

Il tema del dipinto è il trionfo della più alta verità della rivelazione religiosa. L'asse semantico della complessa ma chiara composizione di questo affresco è al centro: questa è la Trinità: Dio Padre, Cristo e lo Spirito Santo, il cui simbolo - una colomba in una sfera - scende all'altare con un'ostia (Eucaristia pane, una focaccia azzima). L'immagine di altri eventi si sviluppa orizzontalmente. Accanto a Cristo, circondati da splendore e gloria, siedono la Santa Vergine e Giovanni Battista, e su una nuvola semicircolare - gli antenati, i profeti, i santi Pietro, Paolo e altri. In basso, simmetricamente ai lati dell'altare con i Santi Doni, sui quali vi è disputa, è rappresentata la Chiesa terrena. Discutono scienziati, filosofi, pontefici della Chiesa cattolica romana, la cui fede ha segnato la storia. Raffaello diede ai quattro uomini all'altare le sembianze di Dante, Savonarola, Bramante e dell'artista - il monaco Fra Beato Angelico. Ma, nonostante i disaccordi della discussione, l'immagine è piena di maestosa calma. Questa armonia e unità compositiva si ottiene attraverso la costruzione: un affresco è simile a una struttura architettonica ed è inseparabile dalla stanza in cui si trova.

Raffaele Santi. Affresco "Parnaso"

La composizione “Poesia” (che in seguito ricevette il nome di “Parnaso”) Raffaello collocava tra la “Scuola Ateniese” e la “Disputa” sul lato orientale della Stanza della Senyatura. La trama del dipinto è stata sviluppata nello spirito degli insegnamenti umanistici del suo tempo, secondo le idee di Petrarca, Boccaccio, Salutati e ha personificato l'ideaBello- bellezza, bello.

Raffaello risolse facilmente il problema della rappresentazione visiva della Poesia, che nel Rinascimento era considerata una "seconda teologia" e "arte divina". L'artista ha raffigurato una collina con un boschetto simboleggiante il Parnaso, il famoso monte greco, considerato anticamente la residenza delle Muse.

Al centro della composizione Apollo, dio della musica e della poesia, suona la lira da braccio. Questa lira è un evidente anacronismo (violazione della plausibilità cronologica), perché la musica antica non conosceva affatto gli strumenti ad arco. Raffaello diede ad Apollo non uno strumento antico, ma una moderna lira da braccio ad Apollo per sottolineare l'idea principale dell'intero ciclo di strofe: la continuità delle culture antiche e moderne a Raffaello.

Attorno ad Apollo ci sono nove muse e poeti, antichi e rinascimentali. A sinistra, l'artista ha collocato una potente figura del cieco Omero che canta ispirato in un pallio blu scuro (un lungo mantello di lana). Per bilanciare la figura di Omero, a destra, con le spalle allo spettatore, l'artista ha raffigurato la musa Urania in una veste rossa. A destra di Urania, un giovane uomo dai capelli scuri con un busto bruscamente girato sta fissando lo spettatore. Questo look, che parla di un carattere forte, appartiene a Michelangelo. Raffaello rimase scioccato dal talento poetico di Michelangelo e lo classificò audacemente tra la schiera di poeti, con cui molti dei suoi contemporanei erano d'accordo.

Raffaele Santi. Affresco "Parnaso". Raffigurazione di Michelangelo

La creazione può sopravvivere al Creatore:

Il Creatore se ne andrà, sconfitto dalla natura,

Tuttavia, l'immagine che ha catturato,

Riscalderà i cuori per secoli.

Michelangelo Buonarroti

È impossibile definire più precisamente lo scopo dell'arte.

Il quarto affresco è dedicato al tema della giustizia e si compone di tre parti. Sopra la finestra l'artista ha collocato tre figure femminili, simbolo di Saggezza, Misura e Forza. A sinistra della finestra c'è un'immagine dell'imperatore Giustiniano con un codice di leggi civili, ea destra c'è un'immagine di papa GregorioIXcon una serie di regole della chiesa. Simboleggiano la storia del diritto ecclesiastico e secolare.

L'insieme di affreschi Stanza della Senyatura Raphael è l'incarnazione del sogno umanistico del Rinascimento sulla perfezione spirituale e fisica dell'uomo, la sua alta vocazione e le sue possibilità creative.

Raffaele Santi. Stanza d'Eliodoro

L'idea dominante di tutti i dipinti e gli affreschi di Raffaello del periodo romano è il potere della Chiesa. Il motto di Raffaello - Tutte le forze sulla terra sono subordinate alla Chiesa - è particolarmente pronunciato negli affreschi della Stanza d'Eliodoro. Questa strofa era la seconda delle stanze nelle stanze vaticane del Papa, che fu decorata da Raffaello nel 1511-1514. Per ordine di papa GiulioII questa strofa era riservata alle udienze private, che il pontefice concedeva spesso a personalità politiche, religiose e diplomatiche di spicco. Il design artistico della strofa avrebbe dovuto sottolineare l'importanza di questo luogo, che ha determinato il tema della sua pittura.

I soggetti per gli affreschi di questa strofa erano leggende ed episodi della storia della Chiesa, quando, presumibilmente, grazie all'intervento divino, si è sbarazzata del pericolo che la minacciava. In quanto cattolico e pittore ufficiale del soglio pontificio, Raffaello in quattro affreschi di questa strofa raffigurava la grandezza della Chiesa, il suo potere onnipotente e la potente ira di Dio contro i suoi nemici e il papa.

Raffaele Santi. Affresco "La cacciata di Eliodor dal tempio"

Nell'affresco che ha dato il nome a questa stazione, Raffaello ha raffigurato la cacciata del condottiero siriano Eliodoro dal Tempio di Gerusalemme (capitolo 3, libro 2 dei Maccabei). Eliodor venne al Tempio di Geova per saccheggiarlo e rubare l'oro destinato alle vedove e agli orfani. Ma il ladro fu sopraffatto dalla punizione di Dio sotto forma di un angelo, un bellissimo cavaliere con un'armatura d'oro. Una folla di persone, donne e bambini sul lato sinistro dell'affresco, guarda con timore e stupore al miracolo. Una certa sorpresa è l'apparizione tra questa folla dinamica di calmo GiulioII, che viene portato nel Tempio dai drabants (guerrieri tedeschi medievali), uno dei quali è dotato delle sembianze del grande artista tedesco Albrecht Dürer. In questo episodio, Rafael ha peccato contro la verità, ma questo tocco falso era del tutto naturaleXVIsecolo. L'affresco fu dipinto per glorificare papa GiulioII, quindi, i temi principali del dipinto sono associati a eventi storici o leggendari della vita di GiulioII: vittoria sui Francesi, che il papa espulse dallo Stato Pontificio e la sua miracolosa liberazione dalla prigionia a Bologna nel 1509. Gli affreschi di questa strofa sono interessanti anche perché mostrano la vera posizione anche di un genio come Raffaello alla corte del papa, la dipendenza dell'artista dalle tendenze del suo tempo e l'incapacità di presentare la sua visione di un evento storico. Raffaello iniziò a lavorare in questa strofa nel 1512, completando il dipinto 2 anni dopo, e papa Giulio poté vedere l'espulsione di Eliodor prima della sua morte nel febbraio 1513, quando il lavoro nella strofa era in pieno svolgimento.

(Residenza Papale) è famosa per i suoi saloni riccamente decorati, che racchiudono i grandi tesori di un piccolo stato.

Forse i più famosi sono quelli in cui si trovano autentici capolavori: la Cappella Sistina con affreschi realizzati dallo stesso Michelangelo e le Stanze di Raffaello, chiamate lo standard delle belle arti del Rinascimento. Il Vaticano durante questo periodo ha combattuto per il potere sia spirituale che secolare, e tutte le opere del Rinascimento avrebbero dovuto rafforzare l'autorità della Chiesa cattolica e del suo capo.

Il luogo più visitato dai turisti sono le quattro stanze, dipinte dal grande maestro. Le Stanze di Raffaello, disposte una dopo l'altra nella parte antica del palazzo, deliziano i turisti con armoniosa bellezza e profondo significato.

Residenza per il nuovo papa

Quando papa Giulio II salì al trono, non volle vivere negli appartamenti occupati dal precedente sovrano supremo, ma scelse un'accogliente stanza nell'antico palazzo. Il capo del Vaticano sognava di trasformare la sua residenza in una vera e propria opera d'arte e nel 1503 invitò i migliori artisti italiani ad affrescare gli interni del suo studio.

È vero, le opere non piacquero a Giulio II, e con fastidio ordinò che le creazioni dei maestri venissero spazzate via. Cinque anni dopo, il responsabile del progetto, l'architetto Bramante, mostrò a papà gli schizzi del giovane pittore Raffaello, che lo portarono a deliziarsi completamente. Il pontefice chiamò un artista fiorentino di 25 anni, che mostrava grandi promesse, e gli affidò di dipingere le future abitazioni del palazzo, che poi divennero note in tutto il mondo come le Stanze di Raffaello.

Il Papa voleva vedere immagini che glorificassero la chiesa, anche lodando le attività dello stesso Giulio II. Bisogna ammettere che il pittore ha affrontato brillantemente la missione affidatagli e ha creato capolavori immortali che sono diventati veri e propri tesori dell'arte mondiale.

Stanza della Senyatura di Raffaello

I maestosi affreschi hanno portato riconoscimento e fama al giovane talento, nonché il titolo di fondatore di una nuova direzione artistica: il "classicismo romano". Raffaello, che ricevette dal papa il diritto di dipingere gli appartamenti, iniziò con una stanza chiamata Stanza della Segnatura, e i lavori continuarono fino al 1511. Si ritiene che in questa sala, il cui nome non è associato all'opera del maestro, ci fosse una sala di ricevimento del papa o una biblioteca, e qui Giulio II volle vedere la riconciliazione tra l'antichità e il cristianesimo.

Affresco principale "Scuola di Atene"

Le stazioni di Raffaello sono dedicate al miglioramento spirituale delle persone e alla giustizia divina. Il maestro ha realizzato quattro affreschi, di cui il migliore, secondo gli storici dell'arte, è considerato la Scuola di Atene. Due antichi filosofi, Platone e Aristotele, sono le figure centrali, che simboleggiano il mondo delle idee che vivono in sfere superiori, strettamente connesse con l'esperienza terrena.

Discutono sulla provenienza della verità e sui vari metodi per raggiungerla. Platone, alzando la mano, rappresenta la filosofia dell'idealismo e Aristotele, indicando il terreno, spiega i meriti del metodo empirico della conoscenza. I personaggi dell'affresco sono estremamente simili agli eroi del Medioevo, il che sottolinea lo stretto rapporto tra i filosofi antichi e la teologia dell'epoca.

Tre opere cariche di simbolismo

Il murale "Dispute" è una storia sulla chiesa celeste e su quella terrena, e l'azione della composizione si svolge su due piani. Dio Padre e suo figlio Gesù, la Vergine Maria e Giovanni Battista, oltre alla colomba simbolo dello Spirito Santo, affiancati da un intero esercito di sacerdoti e laici, tra i quali si riconosce il pensatore italiano Dante Alighieri. Raffaello ha raffigurato le conversazioni che i personaggi hanno sul sacramento del sacramento. E il suo simbolo - l'ostia (pane) - è al centro della composizione. Per la sua bellezza, questo dipinto è riconosciuto come una delle opere più perfette della pittura.

L'affresco "Parnaso" sfoggia il bellissimo Apollo, circondato da affascinanti muse e grandi poeti dell'epoca. Questa è l'incarnazione di un regno ideale, dove l'arte è in prima linea.

L'ultimo affresco racconta della giustizia, e raffigura in forma allegorica Sapienza, Forza e Temperanza, oltre a un ritratto dello stesso papa Giulio II, presente alla fondazione del diritto canonico e civile.

Stanza d'Eliodoro

Dopo che l'artista ha finito di dipingere la prima stanza, passa alla seconda, dedicata al tema della protezione divina. La lavorazione della Stanza di Eliodoro coincise con un periodo di instabilità politica. E poi decide di creare un intero ciclo di affreschi che ispirino i cristiani e raccontino la protezione del Signore attraverso la fede, ispirato a Rafael Santi.

Al papa sono piaciute così tanto le strofe con trame sul tema di eventi storici e miracoli che ha ribattezzato la stanza con il nome di uno degli affreschi - "La cacciata di Eliodor dal tempio", che raffigura un cavaliere celeste che punisce il re siriano che sta cercando di rubare l'oro. Sul lato sinistro è raffigurato Giulio II portato dal malfattore.

"Messa a Bolsena" racconta di un miracolo che ha sconvolto i parrocchiani. Un sacerdote non credente, che prese tra le mani la focaccia usata nel rito della comunione, scoprì che si trattava della carne di Cristo, sanguinante. L'affresco raffigura anche il papa inginocchiato davanti al segno di Dio durante la funzione.

La miracolosa liberazione dalla prigionia del discepolo Gesù con l'aiuto di un angelo è catturata nella composizione "Portare fuori di prigione San Pietro". Questo è un lavoro molto interessante in termini di angoli complessi, così come il gioco di luci e ombre.

E il quarto affresco è dedicato all'incontro di papa Leone I con il capo degli Unni, Attila.

Stanza Incendio di Borgo

Questa è l'ultima stanza su cui ha lavorato personalmente Rafael Santi. Le strofe in Vaticano sono state dipinte nell'arco di più anni (1513 - 1515), ei soggetti degli affreschi sono legati a fatti realmente accaduti nella storia della Santa Sede. Dopo la morte di Giulio II, fu incoronato papa Leone X. Il pontefice apprezzò così tanto le precedenti opere del pittore che ordinò di affrescare la sala da pranzo, che in seguito divenne nota come Stanza dell'Incendio di Borgo.

L'affresco più significativo è l'"Incendio di Borgo". Il territorio del rione omonimo fu completamente inghiottito dal fuoco, e papa Leone IV, che fermò le intemperie con il segno della croce, salvò la popolazione credente della città italiana.

Stazioni di Raffaello: Sala di Costantino

Va detto che Raffaello, impegnato in altri progetti, affidò parte dei lavori della terza sala ai suoi allievi, i quali, dopo la morte del geniale ideatore all'età di 37 anni, dipinsero il quarto appartamento - Stanza di Costantino.

Nel 1517 il maestro ricevette l'ordine di decorare l'ultima sala adibita a sontuosi banchetti, ma l'artista ebbe solo il tempo di preparare degli schizzi, e gli affreschi sul tema della vittoria dell'imperatore Costantino sul paganesimo furono realizzati dai talentuosi seguaci del maestro. Quattro composizioni raccontano il potere che il sovrano, che fece del cristianesimo la religione ufficiale, ricevette sull'intero impero romano. Nonostante la strofa di Costantino sia stata eseguita dagli studenti di Raffaello secondo i suoi disegni, e non da lui stesso, la sala appartiene ancora alle opere del grande maestro.

Capolavoro dell'arte mondiale

Le strofe di Raffaello deliziano i visitatori con performance di talento, attenzione ai dettagli e realismo. Questa è un'opera d'arte unica, le cui trame toccano argomenti estremamente importanti: l'attività umana, la sua perfezione spirituale e la conoscenza di sé.

Per conoscere le opere di Raffaello è necessario visitare il complesso museale, il cui ingresso è possibile con un biglietto unico del valore di 16 euro.

I successi di Raffaello a Firenze furono così significativi da far conoscere ampiamente il suo nome. Nel 1508, grazie al mecenatismo del suo conterraneo, il grande architetto Bramante, fu invitato alla corte pontificia e partì per Roma.

A quel tempo il soglio pontificio era occupato da Giulio II, che introdusse il suo caratteristico scopo nella politica artistica di Roma. Sotto di lui furono chiamati a Roma i migliori artigiani e la città iniziò ad essere decorata con monumenti architettonici, dipinti e sculture. Bramante iniziò la costruzione di San Pietro; Michelangelo, già impegnato nella progettazione della tomba di Giulio II, iniziò a dipingere la volta della Cappella Sistina. Attorno alla corte pontificia si raggrupparono poeti e studiosi-umanisti. In questa atmosfera di creazione creativa, in comunicazione con eminenti rappresentanti della cultura, l'opera di Raffaello entrò in una fase di massima ascesa.

Secondo Vasari, Bramante, che fu il capo architetto sotto papa Giulio II, pregò il papa di affidare la pittura delle sale di nuova costruzione al suo lontano parente e conterraneo. Così l'artista ricevette l'ordine di dipingere gli appartamenti anteriori del papa, la cosiddetta stanza (stanza - stanza), che comprende tre stanze al secondo piano del Palazzo Vaticano e una sala adiacente. La pittura delle strofe doveva essere il risultato di un programma rigorosamente congegnato dedicato a glorificazione della chiesa.

Il Papa fu così entusiasta dell'abilità del giovane Raffaello che decise di annullare la commissione già affidata ad artisti famosi come Luca Signorelli, Pinturicchio, Perugino e Sodoma. Raffaello iniziò a lavorare agli affreschi quando aveva solo venticinque anni. Le strofe furono dipinte da Raffaello insieme ai suoi allievi. entro 12 anni nel 1509-1517 (la sala fu dipinta dopo la morte del maestro). I migliori di questi affreschi appartengono alle più grandi creazioni dell'arte rinascimentale. I murales stupiscono per la profondità della concezione, la ricchezza figurativa, la chiarezza compositiva e l'ordine e l'armonia generale. La scelta dei soggetti per loro è indubbiamente predeterminata dal papa.

Stanza della Segnatura

La prima stanza in cui Raffaello iniziò i suoi dipinti in Vaticano fu la cosiddetta stanza della firma - Stanza della Senyatura(Stanza della Segnatura), dove venivano sigillati decreti e decreti papali. Questa strofa era l'ufficio papale. Fu dipinto da Raffaello nel 1508-1511. Il tema dei dipinti è l'attività spirituale dell'uomo.

Interno della stanza della Senyatura

Il tema dei dipinti è l'attività spirituale dell'uomo: teologia, filosofia, poesia e giurisprudenza. Confrontando e interpretando queste trame si è manifestato il desiderio del papato di dimostrare l'unità di vari ambiti dell'attività spirituale umana. Ciò era particolarmente importante in un momento in cui il fiorire di una cultura secolare che affermava la vita portò alla relegazione della teologia in secondo piano e ad un significativo declino dell'autorità della chiesa.

La Stanza della Senyatura era la sala dove tutti i dipinti furono concepiti ed elaborati minuziosamente su cartone ed eseguiti su parete dallo stesso Raffaello.

La trama del primo degli affreschi realizzati da Raffaello, solitamente chiamato " Controversia”, - la disputa dei padri della chiesa sul sacramento del sacramento. L'azione si svolge su due piani: sulla terra e in cielo.

I teologi, forse con la partecipazione dello stesso papa Giulio II, hanno determinato le persone che devono certamente essere rappresentate nella gerarchia celeste e terrena.

In basso, in un centro ben marcato, si erge un altare di forma semplice con tabernacolo. Memorizza ospite (ostia)- una focaccia di pasta non lievitata, che viene presa dai cattolici che fanno la comunione (solo i sacerdoti partecipano al vino e all'ostia). Ai due lati dell'altare, su un'alzata a gradini, si sono sistemati i padri della chiesa, i papi, i prelati, i sacerdoti, gli anziani ei giovani. Le loro figure sono date in giri e movimenti vivi, rifiniti plasticamente; l'occhio cattura immediatamente le loro sagome espressive. Tra gli altri partecipanti qui puoi trovare Savonarola, un pio monaco-pittore Beato Beato Angelico, architetto Bramante, Dante. . . Dante raffigurato due volte in questa stanza: come poeta che sale al Parnaso tra altri geni dell'arte poetica e come eminente teologo in una società selezionata in questo affresco.

Sopra tutta la massa di figure nella parte inferiore dell'affresco, come in una visione celeste, appare la personificazione della trinità: Dio Padre, sotto di lui in un alone di raggi dorati c'è Cristo con la Madre di Dio e Giovanni Battista, ancora più in basso, come a segnare il centro geometrico dell'affresco, è una colomba in una sfera, simbolo dello Spirito Santo. Ai lati di esse, 12 figure siedono su nuvole fluttuanti, tra le quali spiccano quattro evangelisti con libri in mano, gli apostoli Pietro e Paolo. E tutto questo enorme numero di figure, con un disegno compositivo così complesso, è distribuito con tale arte che l'affresco lascia un'impressione di sorprendente chiarezza e bellezza. L'aspetto dei personaggi nell'affresco è così maestoso, le loro posture e i loro gesti sono così ispirati che il Dibattito ci appare davanti non tanto come una disputa sull'ostia, ma come un maestoso trionfo della Verità e della Fede.

Controversia

in cielo

Angeli

Spirito Santo sotto forma di colomba e angeli con i Vangeli

Angeli

San Pietro, Antenato Adamo, Giovanni Evangelista, Re Davide, San Lorenzo, Profeta Geremia

Dio Padre, Vergine Maria, Gesù Cristo, Giovanni Battista

Giuda Maccabeo, Santo Stefano, Mosè, Evangelista(?), Antenato Abramo, Apostolo Paolo

Per terra

Lato sinistro

Lato destro

Beato Beato Angelico, monaco pittore

Ambrogio di Milano, Beato Agostino

Tommaso d'Aquino, Papa Innocenzo III

Bonaventura, Papa Sisto IV

architetto Bramante

Gregorio Magno, San Girolamo con un leone

Savonarola (dietro l'uomo)

Dante Alighieri

Il migliore di tutti gli affreschi nelle stanze è unanimemente riconosciuto come " scuola ateniese"- una delle più grandi creazioni dell'arte rinascimentale in generale e di Raffaello in particolare. L'affresco glorifica il potere della mente, abbracciando il mondo intero. Rappresentanti di diversi insegnamenti, uniti solo formalmente da un unico spazio architettonico, per la maggior parte non appartengono a una particolare scuola ateniese, quindi il nome del grandioso affresco è condizionale. Non c'è dubbio che Raffaello conoscesse le opere di grandi filosofi e comprendesse l'essenza del metodo filosofico della cognizione, che implica la manifestazione delle aspirazioni personali e dei principi della vita del pensatore.

Questa composizione è una delle testimonianze più eclatanti del trionfo nell'arte rinascimentale delle idee umanistiche e dei loro profondi legami con la cultura antica. In una grandiosa infilata di maestose campate ad arco, Raffaello ha presentato una raccolta di antichi pensatori e scienziati. Qui non ci sono solo gli Ateniesi (i filosofi Parmenide e il suo discepolo Zenone non erano cittadini di Atene) e non solo contemporanei, ma anche pensatori vissuti in altri tempi e in altri paesi (il filosofo-mistico persiano Zoroastro, vissuto diversi secoli prima Platone, o traduttore e commentatore musulmano di Aristotele Averroè, vissuto molti secoli dopo). Così la "Scuola di Atene" rappresenta una comunità ideale di pensatori dell'età classica, una comunità di insegnanti e studenti. Tuttavia, raffigurando queste persone di spicco del passato, Raffaello conferisce loro le caratteristiche dei suoi eccezionali contemporanei.

Al centro, tra i personaggi raggruppati ai possenti piedritti ad arco, nelle cui nicchie sono poste le statue di Apollo e Minerva, sono raffigurate Platone E Aristotele. Si sono rivelate il centro spirituale di questa raccolta non solo per la loro posizione centrale nella composizione, ma anche per il significato delle immagini. Nella loro postura, nel loro incedere si riversa una grandezza veramente regale, così come sui loro volti sentiamo il sigillo di un grande pensiero. Queste sono le immagini più ideali dell'affresco; Non c'è da stupirsi che il prototipo di Platone fosse Leonardo da Vinci.

scuola ateniese

L'artista si è posto un compito di incredibile complessità. E il suo genio si è manifestato proprio nell'approccio alla sua soluzione. Ha diviso i filosofi in diversi gruppi separati. Il gruppo di destra in basso all'immagine esamina due globi: la terra nelle mani del geografo Tolomeo(nella corona) e celeste - a Zoroastro(astronomo e mistico filosofo) con il volto dell'umanista Pietro Bembo. Due giovani parlano con scienziati (uno di loro ha i tratti del viso dello stesso Raffaello (guarda direttamente il pubblico), l'altro è il suo amico pittore Sodomia che ha iniziato a lavorare in questa stazione prima di Raffaello).

Nelle vicinanze, altri si appassionano alla soluzione di un problema geometrico: circondati da studenti, bei giovanotti, Euclide(o Archimede). Chinandosi, disegna con un compasso su una lavagna stesa a terra. Euclide raffigura un architetto Bramante con la sua fronte calva potente e allargata.

Euclide (Bramante)

Zoroastro e Tolomeo

Rafael e l'amico di Sodomo

Peripatetici

Quasi al centro dell'affresco è immerso in un pensiero profondo vestito con gli abiti di un muratore Eraclito Efeso è un filosofo che lamenta l'incoscienza dell'uomo. In effetti, questa persona Michelangelo. Scioccato dal potente talento del fratello maggiore nel negozio, Rafael lo lodò così. Come un mendicante sui gradini delle scale, che simboleggiano le tappe della padronanza della verità, il fondatore della scuola dei cinici, il solitario Diogene, rimosso dal trambusto e dalle discussioni mondane. Qualcuno, passando, lo indica, come se chiedesse a un compagno: non è questo il destino di un vero filosofo? Ma attira la sua (e la nostra) attenzione su due figure che sono al centro della composizione. Questo è il maestoso vecchio Platone, sbiancato dai capelli grigi, con i tratti del ritratto di Leonardo da Vinci e del giovane ispirato Aristotele. Sono impegnati in un dialogo, una discussione calma in cui la verità è liberata dalle catene di dogmi e pregiudizi.

Platone (con il libro "Timeo") rappresenta la filosofia astratta, e Aristotele (con il libro "Etica"), come se gesticolasse intorno a lui, rappresenta la filosofia naturale. Platone indica il cielo, dove regnano armonia, grandezza e intelligenza superiore. Aristotele tende la mano sulla terra, il mondo che circonda le persone. Non ci può essere alcun vincitore in questa disputa, perché sia ​​\u200b\u200bil cosmo sconfinato che la Terra natale sono ugualmente necessari per una persona, la cui conoscenza durerà per sempre.

L'unità delle filosofie è nella diversità delle singole scuole e delle opinioni personali. È così che si forma la grande sinfonia della conoscenza umana. Ciò non è ostacolato dalla disunione dei pensatori nello spazio e nel tempo. Al contrario, la conoscenza unisce tutti coloro che si impegnano sinceramente per essa... E non è un caso, ovviamente, che nella foto siano presenti persone di tutte le età, compresi i bambini, ei loro volti non sono solo concentrati e pensierosi, ma anche sorrisi luminosi.

Eraclito (Michelangelo)

Diogene

Platone e Aristotele

A sinistra di Platone Socrate, spiegando agli ascoltatori il corso del suo ragionamento da parte degli ascoltatori, tra i quali spicca il comandante Alcibiade in armatura ed elmo e giovane Alessandro Magno il cui maestro fu Aristotele.

La figura di un giovane è notevole nell'angolo all'estrema sinistra dell'affresco. Entra rapidamente in questo gruppo di saggi, tenendo in mano una pergamena e un libro; pieghe svolazzanti del suo mantello e riccioli sulla sua testa. Quello che sta lì vicino gli mostra la strada e qualcuno della cerchia di Socrate lo saluta. Forse è così che viene personificata una nuova idea audace, che causerà nuove controversie, ispirerà nuove ricerche ...

In primo piano, a sinistra, inginocchiato con un libro tra le mani, il venerabile Pitagora, circondato dagli studenti, spiega un altro teorema agli ascoltatori incantati. Giovane con i capelli lunghi Anassagora, filosofo, matematico e astronomo; ha in mano una tavola di ardesia. Pitagora personifica l'aritmetica e la musica. Dietro di lui siede un filosofo Anassimandro, allievo di Talete. A sinistra di questo gruppo è mostrato Epicuro con foglie di vite sulla testa, dietro di lui si vede la testa di un piccolo Federico Gonzaga. sta lì vicino Ipazia, donna matematica, filosofa e astronoma, e filosofa Parmenide.

L'aspetto di alcuni altri filosofi e scienziati è più dotato di tratti caratteristici della vita. Quindi, magnifica nella sua laconica espressività è l'immagine di uno stoico, un filosofo Diga, posto in alto sul lato destro dell'affresco: già in una sagoma della sua figura avvolta in un mantello, separata da intervalli da altri personaggi, si trasmette il sentimento della sua solitudine spirituale.

Sebbene l'affresco contenga oltre 50 figure, il senso delle proporzioni e del ritmo di Raffaello crea un'impressione di sorprendente leggerezza e spaziosità.

Socrate con gli studenti

Pitagora con gli studenti

Ipazia e Parmenide

Plotino

Il terzo affresco della Stanza della Senyatura, " Parnaso”, - la personificazione dell'idea di ​​​​Bello - Beauty, the Beautiful. L'affresco - allegoria del regno della poesia - raffigura il mecenate delle arti, che suona la viola (violino) del dio Apollo, ai suoi piedi scorre la chiave di Castal, che ispira i poeti. Apollo siede circondato da muse e poeti, antichi e rinascimentali. Omero, Pindaro, Saffo, Anacreonte, Virgilio, Ovidio, Orazio risiedono nel luminoso mondo dell'ispirazione e della bellezza, nella cerchia delle muse; ecco i grandi italiani Dante, Petrarca, Boccaccio...

"Parnassus", come alcuni altri affreschi, si trova sopra la finestra; incuneato nel piano destinato al quadro, creava ulteriori difficoltà compositive. Rafael ha mostrato ingegnosità ponendo la cima della montagna sopra la finestra, e ai suoi lati dolci pendii che scendono.

Parnaso

Le figure dell'affresco sono raggruppate secondo alcune tendenze stilistiche della letteratura, antica e moderna fino a Raffaello.

Su un affresco, antichi poeti greci Saffo(ritratto di una cortigiana romana?) e Alcay(distolti dal pubblico) come se iniziassero quell'arco lungo il quale si muove l'occhio. Non a caso Raffaello ha accostato queste due figure. Sono contemporanei, i loro destini sono per molti versi simili: sia lui che lei provenivano da famiglie nobili, vivevano a Mitilene sull'isola di Lesbo, vivevano le difficoltà dell'esilio, diventavano famose per la poesia che glorificava l'amore. Alceo ascolta attentamente Corinne, Petrarca e Anacreonte.

Corinna Un'antica poetessa greca di Tanagra. Le opere si basano su leggende sulla nativa Beozia. Le sue opere ci sono pervenute solo in frammenti.

petrarca- Poeta italiano (1304-1374), fu riconosciuto come uno dei più grandi scienziati del suo tempo. Scrisse sonetti, ballate, madrigali sulla vita e morte di Laura. Nel 1341 (a Pasqua) fu incoronato a Roma, in Campidoglio, con una corona d'alloro. Lo sguardo di Petrarca è fisso sul suo antico predecessore, Alceo, e questo tradisce la sua partecipazione interessata alla conversazione.

Anacreonte- Antico poeta lirico greco, "cantante d'amore". I motivi della sua poesia sono il godimento delle gioie sensuali della vita.L'imitazione di Anacreon ha dato origine aPoesia anacreonticaTarda Antichità, Rinascimento e Illuminismo. In Russia, esempi di poesia anacreontica si trovano in Derzhavin, Batyushkov, Pushkin...

Indicato più in alto Dante Alighieri- il più grande poeta d'Italia. È meglio conosciuto come l'autore del poema epico epico La Divina Commedia.

Alla sua destra Omero, autore dell'Iliade e dell'Odissea. Le leggende ritraggono Homer come un cantante errante cieco. La tradizione voleva che Omero fosse raffigurato con una guida al seguito, che annota le sue parole su una tavoletta cerata con uno stilo.

Dietro Omero, Dante "scambia sguardi" con Virgilio. Publio Virgilio Maro- Poeta romano La sua eroica epopea "Eneide" sui vagabondaggi del troiano Enea è l'apice della poesia classica romana; glorifica la missione storica di Roma. Il collegamento delle figure di Dante e Virgilio è giustificato: nel viaggio di Dante attraverso l'Inferno e il Purgatorio ("La Divina Commedia") il compagno di Dante era Virgilio.

Seguono Apollo e le Muse. Alla loro destra, Ariosto e Boccaccio stanno fianco a fianco come rappresentanti della letteratura italiana. Ariosto- autore di commedie di costume, la sua creazione principale è "Furious Roland". Giovanni Boccacci- l'autore di poesie sui temi della mitologia antica. Nel libro di racconti "Il Decameron" - l'ideale umanistico della letteratura rinascimentale.

Tibull E Properzio, poeti romani, hanno molto in comune (affiancati): provenivano dall'ambiente dei contadini italiani, al centro del lavoro di entrambi c'è l'immagine dell'unica amata - “signora”. Viene cantata sotto un nome greco condizionale, scelto in modo da poterne inserire uno vero (in rima).

Guarda il pubblico (cosa stiamo facendo lì) Tibaldi- Scrittore italiano Visse alle corti di Ferrari, Mantova ea Roma; lasciò una descrizione del sacco di Roma, durante il quale egli stesso perse tutto.

"Pizzicare nel naso" Sannazzaro- Poeta italiano Il suo romanzo pastorale Arcadia è stato un monumento popolare della letteratura italiana.

Orazio risulta essere la figura estrema a destra nell'affresco e il suo posto corrisponde esattamente alla posizione di Alceo (la figura estrema a sinistra); entrambi sono mostrati di profilo. Questo, a quanto pare, non è casuale: Orazio ha imitato Alcaeus nel suo lavoro. Raphael lo ha sottolineato con la somiglianza dei loro vestiti.

Orazio- Poeta romano Nei libri di satire, odi, messaggi - discussioni sulla fragilità della vita, l'immortalità della poesia. Cantando le gioie accessibili dell'essere (vita solitaria, tranquillità, amicizia, amore), afferma il culto della moderazione - il "mezzo aureo". Il famoso "Monumento" di Orazio ha dato origine a molte imitazioni: (Derzhavin, Pushkin) ...

Indicando il pubblico Pindaro- Antico poeta lirico greco. Ha scritto canti corali, inni in onore dei vincitori delle Olimpiadi e di altri giochi sportivi.

Alceo, Corinne, Petrarca, Anacreonte, Saffo ("la decima musa")

Il giovane è la guida di Omero, Dante, Omero, Virgilio

Melpomene, Calliope, Tersicore, Loligimnia, Apollo, Clio, Erato, Talia

Euterpe, Urania, Ariosto, Boccaccio, Tibullo, Properzio, Tibaldi, Sannazaro, Orazio, Pindaro

Perché Apollo ha bisogno di un arco? Poi, per suonare la... lira. Possiamo vedere un'immagine così strana non solo sull'affresco del Parnaso, ma anche su altre opere di artisti del Rinascimento.

Dossi. Apollo e Dafne

Provenzale. Orfeo

Henrik de Clerk. Punizione di Mida

Giovanni. Controversia tra Apollo e Marsia

Lorena. Paesaggio con Apollo ed Hermes

Questi dipinti raffigurano Apollo che suona uno strumento simile a un violino. In realtà, questa è la lira. Così si chiamava a quei tempi (secoli XV-XVI). Oggi questo strumento, per evitare confusione, si chiama " lire da braccio", che significa " lira da spalla».

Questo strumento (era diffuso in tutta la penisola appenninica e si chiamava semplicemente lira. Probabilmente per questo gli artisti dell'epoca lo “consegnarono” nelle mani di Apollo. Forse non conoscevano la lira che ci è nota dal testi degli antichi greci?

Ma no, cetre e cetre antiche si trovano talvolta sulle stesse tele. Gli artisti del Rinascimento non hanno dimenticato cos'è l'antica lira, perché hanno "ravvivato" proprio l'antica cultura. E lo strumento moderno per artisti, forse, simboleggiava la connessione dei tempi e la continuità delle culture. Questo è in realtà rinascita.

Quindi su questo affresco esattamente riprodotto cetra al Muse Erato alla destra di Apollo. Vediamo lira ai piedi di Saffo. L'oggetto nella sua mano, simile a un corno, viene utilizzato per l'accordatura. Raffaello è stato uno dei primissimi a disegnare prima un tipo di lira completamente sconosciuto: uno strumento ricavato da un guscio di tartaruga.

La lira fu fatta da Hermes dal guscio di una tartaruga, e i supporti furono fatti dalle corna di un'antilope. Hermes ha tirato le vene dei tori di Apollo invece delle corde. C'erano sette corde, in onore delle sette figlie di Atlante. Dopo che la lira fu pronta, Apollo la accordò e la presentò a Orfeo, figlio della musa Calliope. Orfeo tirò altre due corde, e ce n'erano nove, in onore delle nove muse.

Il violino e la lira da braccio sono parenti stretti tra loro: nel disegno (in misura minore nella forma), nel modo di suonare (a spalla) e nella struttura delle corde. C'erano diverse sottospecie della lira italiana: lire da braccio(soprano), lirone da braccio(contralto), lire da gamba(baritono), lirone perfetto(basso), diverso per il numero di corde - da 5 a 10.

Nella strofa della Senyatura, sulla parete opposta al "Parnaso" sono raffigurate " virtù» (un gruppo di tre figure allegoriche): Forza tenendo tra le mani un ramo di quercia - simbolo della famiglia di Papa Giulio II, Saggezza E Moderazione. Le loro figure sono piene di grazia.

A sinistra l'imperatore Giustiniano che presenta il suo codice a Treboniano. L'affresco è stato realizzato dagli allievi di Raffaello. A destra, Gregorio XI (bel ritratto di Giulio II) consegna le decretali (decreti papali) a un avvocato.

Virtù: Forza, Saggezza, Temperanza

Sulla volta sopra ogni affresco è posta in un medaglione rotondo una figura allegorica che simboleggia ognuna di queste attività: Teologia, Filosofia, Poesia E giustizia, personificando le quattro forze spirituali: religione, scienza, legge e bellezza. Nelle parti angolari della volta si trovano piccole composizioni, anch'esse legate per materia al contenuto dei corrispondenti affreschi: autunno"("Adam e Eve"), " La vittoria di Apollo su Marsia», « Astronomia" E " Giudizio di Salomone". Tutto il lavoro di natura decorativa è stato magistralmente progettato ed eseguito.

Come sulle pareti adiacenti la trinità cristiana e i Padri della Chiesa nell'affresco della "Disputa" affiancati a quelli pagani - gli dei e i poeti del "Parnaso", così nelle composizioni della volta è la biblica "Caduta" correlato con la "Vittoria di Apollo su Marsia". Il fatto di combinare immagini della religione cristiana e della mitologia pagana nell'ambito di un concetto artistico comune serve da esempio del vero atteggiamento delle persone di quel tempo nei confronti delle questioni del dogma religioso. Il programma ufficiale degli affreschi della Stanza della Senyatura era un riflesso delle idee riconciliazione della religione cristiana con la cultura antica, comuni scienziati umanisti di quel tempo. E l'attuazione artistica di questo programma negli affreschi di Rafael Santi divenne prova unità di principi secolari ed ecclesiastici.